Arte relacional, também conhecida como estética relacional, representa uma tendência artística distinta que surgiu na década de 1990 sob várias designações. Em 1998, o crítico de arte francês Nicolas Bourriaud definiu *esthétique Relationshipnelle* (estética relacional) como “um conjunto de práticas artísticas que tomam como ponto de partida teórico e prático o conjunto das relações humanas e o seu contexto social, em vez de um espaço independente e privado”. Na arte relacional, o artista funciona mais precisamente como um “catalisador” do que como um autor central. Embora expanda efectivamente as considerações estéticas para além das preocupações individuais para um domínio social mais amplo, a concepção de arte relacional de Bourriaud permanece confinada à esfera humana, reflectindo um sistema de valores humanista enraizado no modernismo. Esta perspectiva contrasta a arte e a estética relacionais com o seu precursor imediato, o Brooklyn Immersionism, um movimento artístico pós-humanista originado no final da década de 1980 que envolveu numerosos grupos criativos num envolvimento sustentado e transformador com um ecossistema urbano vivo. A estética de ambos os sistemas compartilhava características com a arte prática social, e todos os três movimentos se inspiraram na arte processual da década de 1970 e nas filosofias indígenas da "rede da vida".
Etimologia
Nicolas Bourriaud introduziu o termo "arte relacional" em 1998 em seu livro Esthétique Relationshipnelle (Estética Relacional), marcando um dos esforços iniciais para analisar e categorizar a arte dos anos 1990. A primeira aparição do termo foi em 1996, no catálogo da exposição Traffic, com curadoria de Bourriaud no CAPC musée d'art contemporain de Bordeaux. Traffic apresentou artistas frequentemente referenciados por Bourriaud ao longo da década de 1990, incluindo Henry Bond, Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Christine Hill, Carsten Höller, Pierre Huyghe, Miltos Manetas, Jorge Pardo, Philippe Parreno, Gabriel Orozco, Jason Rhoades, Douglas Gordon e Rirkrit Tiravanija. O título e a estrutura conceitual da exposição foram inspirados no filme Trafic, de Jacques Tati, de 1971, que retrata um designer de automóveis parisiense preparando um novo modelo para um salão internacional do automóvel. Um desenlace crucial no filme, que se tornou uma estratégia fundamental para a estética relacional - especialmente para Tiravanija - revela que toda a narrativa se concentra na jornada do designer até o salão do automóvel, onde ele chega exatamente no momento em que termina.
Estética relacional
Bourriaud se esforça para abordar a arte indo além de "refugiar-se atrás da história da arte dos anos 60", propondo, em vez disso, critérios alternativos para analisar as obras de arte muitas vezes ambíguas e abertas prevalecentes na década de 1990. Para conseguir isso, Bourriaud incorpora terminologia do boom da Internet na década de 1990, como facilidade de uso, interatividade e DIY (faça você mesmo). Em sua publicação de 2002, Pós-produção: Cultura como Roteiro: Como a Arte Reprograma o Mundo, Bourriaud caracteriza a "estética relacional" como empreendimentos artísticos que se originam da paisagem mental em evolução promovida pela Internet. A expressão interactiva e comunitária facilitada pelo advento da World Wide Web pode ser interpretada como um eco de conceitos antigos e indígenas de interligação e envolvimento ambiental. A arte relacional, as práticas sociais, a arte processual e o imersionismo baseiam-se nas percepções dos nativos americanos sobre a rede mais ampla da natureza, conforme articulado pelo chefe Seattle (Si'ahl) em um discurso de 1854:
- "Todas as coisas estão conectadas como o sangue que nos une. A humanidade não teceu a teia da vida, somos apenas um fio dela. Tudo o que fazemos à teia, fazemos a nós mesmos."
Arte relacional
Bourriaud elucida o conceito de estética relacional através de exemplos que designa como arte relacional. Segundo Bourriaud, a arte relacional abrange “um conjunto de práticas artísticas que tomam como ponto de partida teórico e prático o conjunto das relações humanas e o seu contexto social, e não um espaço independente e privado”. Esta abordagem artística promove um ambiente social onde os indivíduos se reúnem para participar numa atividade partilhada. Bourriaud afirma que “o papel das obras de arte não é mais formar realidades imaginárias e utópicas, mas sim ser formas de vida e modelos de ação dentro do real existente, qualquer que seja a escala escolhida pelo artista”.
Robert Stam, que lidera estudos de novas mídias e filmes na Universidade de Nova York, introduziu o conceito de “públicos testemunhadores” para descrever grupos envolvidos em atividades compartilhadas. Ele definiu os públicos de testemunho como “aquele conjunto solto de indivíduos, constituído pela mídia e através dela, agindo como observadores de injustiças que de outra forma poderiam não ser relatadas ou respondidas”. No contexto da arte relacional, o significado emerge quando a percepção da arte é modificada, mesmo que a obra de arte original permaneça inalterada.
A arte relacional conceitua seu público como uma entidade coletiva. Em vez de uma obra de arte facilitar uma interação apenas entre um observador e um objeto, a arte relacional promove interações entre indivíduos. Consequentemente, o significado é construído coletivamente por meio dessas interações, em vez de ser derivado de um envolvimento solitário.
Recepção crítica
Ben Lewis, escritor e diretor, propôs que a arte relacional constitui um novo "ismo", comparável a movimentos artísticos históricos como o Impressionismo, o Expressionismo e o Cubismo. Esta estética sistêmica, que se materializou no início do século 21, apresenta paralelos com o Imersionismo do Brooklyn, um movimento anterior descrito pelo historiador de arte Cisco Bradley em 2023 como "o próximo estágio de evolução da cena artística de Nova York". Dada a profunda interconexão de imersão e relacionamentos, ambos os movimentos significam coletivamente o surgimento de um zeitgeist ecossocial dentro das artes.
Em seu ensaio de 2004 "Antagonismo e Estética Relacional", publicado em outubro, Claire Bishop caracterizou a estética do Palais de Tokyo como um "laboratório", representando o "modus operandi curatorial" predominante na arte dos anos 1990. Bishop observou que "um efeito desta promoção insistente dessas ideias como artistas como designers, função sobre a contemplação e abertura sobre a resolução estética é muitas vezes, em última análise, melhorar o status do curador, que ganha crédito por gerenciar o palco da experiência geral do laboratório." Ela repetiu a advertência de Hal Foster em meados da década de 1990 de que "a instituição pode ofuscar o trabalho que de outra forma destaca: torna-se o espetáculo, reúne o capital cultural e o diretor-curador torna-se a estrela". Embora reconheça o livro de Bourriaud como um esforço inicial crucial para delinear as tendências artísticas da década de 1990, Bishop também afirmou no mesmo ensaio que tais práticas artísticas “parecem derivar de uma leitura criativa errada da teoria pós-estruturalista: em vez de as interpretações de uma obra de arte estarem abertas à reavaliação contínua, argumenta-se que a própria obra de arte está em fluxo perpétuo”. Além disso, Bishop fez uma investigação crítica: "se a arte relacional produz relações humanas, então a próxima questão lógica a fazer é que tipos de relações estão a ser produzidas, para quem e porquê?" Ela concluiu que "as relações estabelecidas pela estética relacional não são intrinsecamente democráticas, como Bourriaud sugere, uma vez que repousam muito confortavelmente dentro de um ideal de subjetividade como um todo e de comunidade como união imanente." Um ano depois, em seu artigo "Traffic Control" no Artforum, o artista e crítico Joe Scanlan avançou a crítica atribuindo um elemento distinto de pressão dos pares à estética relacional. Scanlan afirmou: "A experiência em primeira mão me convenceu de que a estética relacional tem mais a ver com a pressão dos pares do que com a ação coletiva ou igualitarismo, o que sugeriria que uma das melhores maneiras de controlar o comportamento humano é praticar a estética relacional."
Exposições
Em 2002, Bourriaud organizou uma exposição intitulada Touch: Relational Art from the 1990s to Now no San Francisco Art Institute, que foi descrita como "uma exploração dos trabalhos interativos de uma nova geração de artistas". A exposição contou com artistas como Angela Bulloch, Liam Gillick, Felix Gonzalez-Torres, Jens Haaning, Philippe Parreno, Gillian Wearing e Andrea Zittel. O crítico Chris Cobb propôs que o "instantâneo" de Bourriaud da arte dos anos 1990 validava o conceito de arte relacional e demonstrava "diferentes formas de interação social como arte que lidam fundamentalmente com questões relativas ao espaço público e privado."
Em 2008, Nancy Spector, curadora do Museu Guggenheim, montou uma exposição apresentando muitos artistas ligados à Estética Relacional. No entanto, o termo específico "Estética Relacional" foi omitido em favor do título do programa Theanyspacewhatever. Esta exposição apresentou figuras proeminentes como Bulloch, Gillick, Gonzalez-Foerster, Höller, Huyghe e Tiravanija, ao lado de outros artistas como Maurizio Cattelan, Douglas Gordon, Jorge Pardo e Andrea Zittel, que estavam mais livremente associados ao movimento.
A Fundação LUMA apresentou vários artistas cujo trabalho se alinha aos princípios da Estética Relacional.
Referências
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- Entrevista com Claire Bishop, julho de 2009
- Conferência Open Engagement 2007
- "O que é uma prática participativa?" em Filip