Video art

A videoarte constitui uma disciplina artística que utiliza a tecnologia do vídeo como seu principal meio visual e auditivo. Esta forma de arte materializou-se no final da década de 1960, coincidindo com a acessibilidade mais ampla das tecnologias de vídeo de consumo, como os gravadores de vídeo, para além dos limites da radiodifusão corporativa. As manifestações da videoarte são variadas, abrangendo gravações transmitidas, instalações exibidas em galerias ou museus, obras divulgadas on-line ou por meio de fitas de vídeo e DVDs e performances que integram aparelhos de televisão, monitores de vídeo e projeções para exibir imagens e áudio ao vivo ou pré-gravados. Posteriormente, a introdução de aparelhos de gravação digital levou vários artistas a investigar a tecnologia digital como um modo inovador de expressão artística. Fundamentalmente, a videoarte diverge das convenções estabelecidas do cinema teatral; pode renunciar aos atores, ao diálogo ou a uma estrutura narrativa discernível. Além disso, a videoarte é distinta de subcategorias cinematográficas como cinema de vanguarda, curtas-metragens e filmes experimentais.

História Antiga

Nam June Paik, um artista coreano-americano com formação em estudos alemães, é amplamente reconhecido como uma figura seminal no desenvolvimento da videoarte. Em março de 1963, Paik apresentou a Exposição de Música – Televisão Eletrônica na Galerie Parnass em Wuppertal. Simultaneamente, em maio de 1963, Wolf Vostell exibiu a instalação 6 TV Dé-coll/age na Smolin Gallery em Nova York e produziu o vídeo Sun in your head em Colônia. O último trabalho, Sun in your head, foi inicialmente criado em filme de 16mm antes de ser transferido para videoteipe em 1967.

Uma gênese frequentemente citada da videoarte envolve a utilização de seu Sony Portapak recém-adquirido por Nam June Paik para gravar a procissão do Papa Paulo VI pela cidade de Nova York no outono de 1965. Mais tarde naquele dia, Paik supostamente exibiu essas gravações em um café de Greenwich Village, um evento muitas vezes considerado o nascimento de videoarte.

Antes do advento dos equipamentos de vídeo de consumo, a produção não comercial de imagens em movimento estava confinada principalmente aos formatos de filme de 8 mm e 16 mm. A introdução do Portapak, seguida por seus aprimoramentos tecnológicos periódicos, catalisou a exploração artística generalizada deste novo meio.

Um número significativo dos primeiros artistas de vídeo influentes estava simultaneamente envolvido com arte conceitual, arte performática e movimentos de filmes experimentais. Praticantes americanos notáveis ​​​​incluem Vito Acconci, Valie Export, John Baldessari, Peter Campus, Doris Totten Chase, Maureen Connor, Norman Cowie, Dimitri Devyatkin, Frank Gillette, Dan Graham, Gary Hill, Joan Jonas, Bruce Nauman, Nam June Paik, Bill Viola, Shigeko Kubota, Martha Rosler e William Wegman, entre outros. Além disso, artistas como Steina e Woody Vasulka focaram nos atributos formais do vídeo, empregando sintetizadores de vídeo para gerar composições abstratas. No Canadá, Kate Craig, Vera Frenkel e Michael Snow desempenharam papéis cruciais no avanço da videoarte.

Na década de 1970

Durante seu auge, grande parte da videoarte produzida experimentou formalmente as limitações inerentes ao formato de vídeo. Por exemplo, o Double Vision do artista americano Peter Campus integrou sinais de vídeo de dois Sony Portapaks através de um mixer eletrônico, produzindo uma saída visual distorcida e profundamente dissonante. Outro trabalho ilustrativo, Vertical Roll de Joan Jonas, envolveu a regravação de imagens previamente capturadas de Jonas dançando enquanto reproduzia simultaneamente os vídeos em uma televisão, criando assim uma representação complexa e em camadas da mediação.

Uma parte substancial da videoarte nos Estados Unidos teve origem na cidade de Nova York, onde The Kitchen, fundado em 1972 por Steina e Woody Vasulka (com a assistência do diretor de vídeo Dimitri Devyatkin e Shridhar Bapat), funcionava como um centro central para artistas emergentes. Um dos primeiros exemplos de arte de vídeo multicanal, utilizando vários monitores ou telas, é o Wipe Cycle de Ira Schneider e Frank Gillette. Wipe Cycle estreou na Howard Wise Gallery, em Nova York, em 1969, como parte da exposição "TV as a Creative Medium". Esta instalação, composta por nove telas de televisão, integrou imagens ao vivo dos visitantes da galeria, encontrou conteúdo comercial de televisão e segmentos de fitas pré-gravadas. O material visual foi sequenciado dinamicamente nos monitores em um arranjo meticulosamente coreografado.

Em 1970, nos estúdios de televisão do estado de San Jose, na Costa Oeste, Willoughby Sharp iniciou a série "Videoviews" de diálogos gravados em vídeo com artistas. Esta série "Videoviews" compreendeu as discussões da Sharp com Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) e Dennis Oppenheim (1974). Simultaneamente, em 1970, Sharp organizou "Body Works", uma exposição apresentando videoarte de Vito Acconci, Terry Fox, Richard Serra, Keith Sonnier, Dennis Oppenheim e William Wegman, que foi exibida no Museu de Arte Conceitual de Tom Marioni em São Francisco, Califórnia.

Na Europa, a arte em vídeo seminal de Valie Export, "Facing a Family" (1971), representou um dos primeiros exemplos de intervenção televisiva e transmissão de videoarte. Este vídeo, inicialmente exibido no programa de televisão austríaco "Kontakte" em 2 de fevereiro de 1971,[11] retratava uma família burguesa austríaca jantando enquanto assistia televisão, criando assim uma experiência reflexiva para muitos espectadores envolvidos em atividades semelhantes. Export teorizou que a televisão possuía a capacidade de intrincar a dinâmica entre o sujeito, o espectador e o próprio meio. Simultaneamente, no Reino Unido, "TV Interruptions" (1971) de David Hall foram deliberadamente transmitidos sem aviso prévio e sem créditos na TV escocesa, marcando as intervenções artísticas inaugurais na televisão britânica.

1980s–1990s

O custo decrescente do software de edição expandiu o acesso público a essas tecnologias. A ampla disponibilidade de software de edição de vídeo transformou as abordagens artísticas do meio. Ao mesmo tempo, o advento de canais de televisão independentes na Europa e a ascensão dos videoclipes levaram os artistas a aproveitar as capacidades de efeitos especiais, imagens de alta qualidade e técnicas avançadas de edição, exemplificadas por artistas como Gary Hill e Bill Viola. Festivais especializados de videoarte, incluindo o World Wide Video Festival em Haia, a Biennale de l'Image em Genebra e a Ars Electronica em Linz, surgiram e sublinharam a importância da produção artística neste domínio.

A partir da década de 1990, as exposições de arte contemporânea incorporaram cada vez mais vídeos de artistas juntamente com outras obras de arte e instalações. Exemplos notáveis ​​incluem a Bienal de Veneza (Aperto 93) e a exposição "NowHere" no Museu da Louisiana, bem como inúmeras galerias de arte. Uma nova geração de artistas beneficiou da introdução de equipamentos mais leves, como as Handycams, que facilitaram um modo de expressão mais imediato. Artistas como Pipilotti Rist, Tony Oursler, Carsten Höller, Cheryl Donegan e Nelson Sullivan, assim como seus antecessores na década de 1960, poderiam facilmente deixar seus estúdios para filmar imagens portáteis sem configurações elaboradas. Às vezes, eles integravam imagens encontradas com seu conteúdo original (por exemplo, Douglas Gordon, Pierre Bismuth, Sylvie Fleury, Johan Grimonprez, Claude Closky) e empregavam técnicas simples de pós-produção. A exposição destas obras foi também dinamizada pela disponibilização de monitores nas galerias e pela distribuição de conteúdos em VHS. Esta geração emergente não apenas prenunciou futuras explorações de questões feministas e de gênero, mas também foi pioneira em uma abordagem cada vez mais híbrida da mídia, incorporando elementos como filmes Super 8 transferidos, filmagens de 16 mm, edição digital, trechos de programas de televisão e diversas fontes sonoras.

Paralelamente, museus e instituições especializadas em videoarte começaram a adotar a tecnologia digital. Exemplos incluem o ZKM em Karlsruhe, sob a direção de Peter Weibel, que acolheu inúmeras exposições temáticas, e o Centre pour l'Image Contemporaine, conhecido pela sua "Versão" bienal (1994-2004), dirigida por Simon Lamunière.

O advento da tecnologia digital e da Internet facilitou a federação de bases de dados por vários museus, nomeadamente a iniciativa "New Media Art" desenvolvida em colaboração pelo Centre Georges Pompidou em Paris, o Museu Ludwig em Colônia e o Centre pour l'Image Contemporaine (Centro de Imagens Contemporâneas) em Genebra.

No final do século XX, instituições e artistas exploraram um espectro de mídia em expansão, abrangendo imagens 3D, interatividade, CD-ROMs, Internet e pós-produção digital. Temas emergentes incluíram interatividade e não linearidade. Certos artistas integraram metodologias físicas e digitais, como exemplificado por "Legible City" de Jeffrey Shaw (1988-91). Outros profissionais utilizaram interatividade de baixa tecnologia, como os trabalhos on-line de Claude Closky "+1" ou "Do you want Love or Lust", coproduzido pela Dia Art Foundation em 1996. No entanto, esses desenvolvimentos marcaram uma transição da videoarte tradicional para os campos nascentes da New Media Art e da Internet Art.

2000s–2010s

À medida que o volume de filmagens disponíveis e as metodologias de edição avançavam, alguns artistas começaram a produzir vídeos narrativos complexos sem utilizar nenhum material original. Por exemplo, Civilization (2008), de Marco Brambilla, funciona como uma colagem ou “vídeo mural”, retratando temas do céu e do inferno. Da mesma forma, *Dial H-I-S-T-O-R-Y* de Johan Grimonprez oferece uma interpretação de 68 minutos da Guerra Fria e do papel dos terroristas, construída quase inteiramente a partir de trechos de arquivos de televisão e filmes sobre sequestros.

De forma mais ampla, durante a década inicial do século 21, um desenvolvimento significativo na videoarte foi sua integração proeminente em exposições internacionais de arte contemporânea. Ao longo desse período, os vídeos dos artistas apareceram frequentemente em mostras coletivas, apresentados em monitores ou como projeções. Entre 2000 e 2015, as videoinstalações constituíram mais de um terço das obras expostas na Art Unlimited, a secção Art Basel dedicada a peças de grande escala. Uma tendência semelhante foi observada na maioria das bienais. Uma nova geração de artistas, incluindo Pipilotti Rist, Francis Alys, Kim Sooja, Apichatpong Weerasethakul, Omer Fast, David Claerbout, Sarah Morris e Matthew Barney, foram exibidos ao lado de figuras consagradas como Roman Signer, Bruce Nauman, Bill Viola, Joan Jonas e John Baldessari.

Alguns artistas também expandiram seu alcance de público criando longas-metragens, exemplificado por Apichatpong. Weerasethakul, que recebeu a "Palm d'Or" no Festival de Cinema de Cannes de 2010, ou pela curadoria de grandes eventos públicos, como visto na Swiss National Expo02 de Pipilotti Rist.

Em 2003, Kalup Linzy estreou Conversations Wit De Churen II: All My Churen, uma novela satírica creditada por estabelecer um subgênero distinto dentro do vídeo e da arte performática. Embora o trabalho de Linzy desafie os gêneros convencionais, ele deu uma contribuição significativa ao meio. Ryan Trecartin, um jovem videoartista experimental, emprega cores vibrantes, técnicas de edição inovadoras e atuação não convencional para criar o que *The New Yorker* descreve como "um divisor de águas cultural".

Arte performática e videoarte

A videoarte, como meio, pode ser efetivamente integrada com outras formas de expressão artística, como a arte performática. Esta síntese é por vezes denominada "arte mediática e performática" quando os artistas transcendem os formatos tradicionais de vídeo e filme para expandir as fronteiras artísticas. A crescente acessibilidade das câmeras de vídeo permitiu a documentação e disseminação da arte performática para públicos mais amplos. Artistas como Marina Abramović e Ulay experimentaram notavelmente filmar suas performances ao longo das décadas de 1970 e 1980. Em seu artigo de 1980 intitulado “Rest Energy”, Ulay e Abramović suspenderam mutuamente seu peso, com Ulay segurando uma flecha apontada para o coração de Abramović enquanto ela segurava o arco. Esta performance de 4 minutos e 10 segundos foi descrita por Abramović como uma exploração da "confiança completa e total". Outros artistas que combinaram videoarte com arte performática utilizaram a câmera como um substituto integral do público. Kate Gilmore, por exemplo, fez experiências com posicionamento de câmera. Em seu vídeo “Anything”, de 2006, ela filmou sua performance enquanto tentava continuamente alcançar a câmera, que estava posicionada acima dela. Ao longo dos 13 minutos, ela amarrou progressivamente peças de mobília enquanto se esforçava persistentemente para acessar a câmera. Gilmore frequentemente incorpora um elemento de luta, às vezes auto-imposto, em sua arte. Em seu vídeo de 2004, “Meu amor é uma âncora”, ela deixou seu pé assentar no cimento antes de tentar se libertar diante das câmeras. Gilmore afirmou que imitou estilos expressivos das décadas de 1960 e 1970, inspirando-se em artistas como Marina Abramović, ao infundir extremismo e luta em seu trabalho.

Alguns artistas exploraram a dinâmica espacial em sua combinação de videoarte e arte performática. Ragnar Kjartansson, um artista islandês, filmou um videoclipe inteiro intitulado "The Visitors" (2012), apresentando nove artistas distintos, incluindo ele mesmo, cada um filmado em salas separadas. Todos os participantes puderam ouvir uns aos outros através de fones de ouvido, permitindo que cantassem a música de forma colaborativa.

Artistas como Jaki Irvine e Victoria Fu experimentaram combinar filme de 16 mm, filme de 8 mm e vídeo. Esta abordagem aproveita a potencial descontinuidade entre imagens em movimento, partituras musicais e narração para subverter qualquer percepção de narrativa linear.

Como disciplina acadêmica

Desde o ano 2000, os programas de videoarte estabeleceram-se progressivamente como disciplinas acadêmicas distintas dentro das instituições de ensino superior, muitas vezes posicionadas ao lado dos currículos tradicionais de cinema e mídia de transmissão. Os programas universitários contemporâneos, como os da Northeastern e Syracuse, normalmente fornecem instruções básicas sobre iluminação, edição e operação de câmera. Embora essas competências essenciais sejam aplicáveis e apoiem campos de produção de cinema e televisão estabelecidos, a expansão da mídia de entretenimento, impulsionada por imagens geradas por computador (CGI) e outros efeitos especiais, integra cada vez mais habilidades avançadas como animação, gráficos em movimento e design auxiliado por computador em cursos de nível superior dentro deste domínio em evolução.

Organizações proeminentes de videoarte

• Ars Electronica Center (AEC), Linz, Áustria
• Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Alemanha
• Electronic Arts Intermix, Nova York, NY
• Centro Experimental de Televisão, Nova York
• Coleção Goetz, Munique, Alemanha
• Imai – instituto de arte intermídia, Düsseldorf
• Festival Impact, Utrecht
• Coleção Julia Stoschek, Düsseldorf, Alemanha
• Kunstmuseum Bonn, com uma extensa coleção de videoarte
• LA Freewaves, um festival de arte de mídia experimental, apresenta videoarte, curtas-metragens e animação por meio de exposições apresentadas em Los Angeles e digitalmente.
• Lumen Eclipse – Harvard Square, MA
• LUX, Londres, Reino Unido
• London Video Arts, Londres, Reino Unido
• Neuer Berliner Kunstverein, que estabeleceu seu "Video-Forum" em 1971, localizado em Berlim, Alemanha
• Raindance Foundation, Nova York
• Souvenirs from Earth, uma estação de televisão de arte transmitida pelas redes de cabo europeias (Paris, Colônia)
• Vtape, Toronto, Canadá
• Videoart at Midnight, um projeto de cinema de artistas, Berlim, Alemanha
• Banco de dados de vídeo, Chicago, IL.
• VIVO Media Arts Centre, Vancouver, Canadá
• Centro ZKM de Arte e Mídia Karlsruhe, Alemanha
• Videobrasil, Associação Cultural Videobrasil, São Paulo, Brasil
• Festival Ibrida, Projeto Vertov, Forlì, Itália

Artmedia

• Artmídia
• Filme experimental
• INFERMENTAL
• Filme interativo
• Lista de artistas de vídeo
• Vídeo musical
• Visualização de música
• Novas artes midiáticas
• Feedback óptico
• Computação gráfica em tempo real
• Vídeo de rascunho
• Vídeo de canal único
• Arte sonora
• Videojóquei
• Vídeo poesia
• Vídeo escultura
• Instalação de vídeo
• Sintetizador de vídeo
• Música visual
• VJing

• Making Video 'In' - The Contested Ground of Alternative Video On The West Coast, editado por Jennifer Abbott (Satellite Video Exchange Society, 2000).
• Videografia: mídia de vídeo como arte e cultura, de Sean Cubitt (MacMillan, 1993).
• A History of Experimental Film and Video, de A. L. Rees (British Film Institute, 1999).
• Novas mídias na arte do final do século 20, por Michael Rush (Thames & Hudson, 1999).
• Mirror Machine: Video and Identity, editado por Janine Marchessault (Toronto: YYZ Books, 1995).
• Sounding the Gallery: Video and the Rise of Art Music, de Holly Rogers (Nova York: Oxford University Press, 2013).
• Video Culture: A Critical Investigation, editado por John G. Hanhardt (Visual Studies Workshop Press, 1986).
• Mover camadas: vídeo contextual em arte e arte Arquitetura, editado por Alexandro Ladaga, Silvia Manteiga (Roma, Edilstampa Press, 2014). ISBN 9781291852295
• A Civilização Eletrônica, in Screencity Lab Academic Journal, editado por Alexandro Ladaga, Silvia Manteiga n.1, 2012, pp. ISBN 978-88-9637-010-0
• Videoarte: um tour guiado, de Catherine Elwes (I.B. Tauris, 2004).
• Uma história da videoarte, de Chris Meigh-Andrews (Berg, 2006).
• 127kBdiarte, Pensando Arte Online, pelo Grupo Elastic de Pesquisa Artística (San Donato, Psiche e Aurora Ed., 2015). ISBN 9788889875421
• Práticas diversas: um leitor crítico sobre a videoarte britânica, editado por Julia Knight (Universidade de Luton/Arts Council England, 1996).
• ARTFORUM, fevereiro de 1993, apresentando "Travels In The New Flesh" de Howard Hampton (publicado por ARTFORUM INTERNATIONAL, 1993).
• Resolutions: Contemporary Video Practices, (eds. Renov, Michael & Erika Suderburg) (Londres, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1996).
• Expanded Cinema, de Gene Youngblood (Nova York: E.P. Dutton & Company, 1970).
• A problemática da videoarte no museu 1968-1990, de Cyrus Manasseh (Cambria Press, 2009).
• First Electronic Art Show, de autoria de Niranjan Rajah e Hasnul J Saidon, foi publicado pela National Art Gallery, Kuala Lumpur, em 1997.
• Expanded Cinema, editado por David Curtis, A. L. Rees, Duncan White e Steven Ball, foi publicado pela Tate Publishing em 2011.
• Retrospektiv-Film-org videokunst i Norge 1960-90, editado por Farhad Kalantary e Linn Lervik, foi publicado pela Atopia Stiftelse, Oslo, em abril de 2011.
• Experimental Film and Video, editado por Jackie Hatfield, foi publicado pela John Libbey Publishing em 2006 e distribuído na América do Norte pela Indiana University Press.
• REWIND: Vídeo de artistas britânicos nos anos 1970 e 1970. 1980s, editado por Sean Cubitt e Stephen Partridge, foi publicado pela John Libbey Publishing em 2012.
• Alcançando o público: distribuição e promoção de imagens em movimento alternativas, de autoria de Julia Knight e Peter Thomas, foi publicado pela Intellect em 2011.
• O Videokunst der 60er Jahre in Deutschland de Wulf Herzogenrath foi publicado pela Kunsthalle Bremen em 2006, sem ISBN.
• O 40jahrevideokunst.de: Digitales Erbe: Videokunst in Deutschland von 1963 bis heute de Rudolf Frieling e Wulf Herzogenrath foi publicado pela Hatje Cantz Verlag em 2006, com ISBN 978-3-7757-1717-5.
• NBK Banda 4. Peças de Tempo. Videokunst seit 1963 foi publicado pela Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln, em 2013, com ISBN 978-3-86335-074-1.
• Demolden Video Project: 2009-2014 foi publicado pela Video Art Gallery, Santander, Espanha, em 2016, com ISBN 978-84-16705-40-5.
• Valentino Catricalà e Laura Leuzzi contribuíram com Cronologia della videoarte italiana para a publicação de Marco Maria Gazzano, KINEMA. O cinema no caminho do cinema. Dal film alle arti elettroniche andata e ritorno, publicado pela Exorma, Roma, em 2013.