Soyut sanat, gerçek dünyadaki görsel referanslardan bir dereceye kadar özerkliğe sahip kompozisyonlar oluşturmak için şekil, form, renk ve çizgiden oluşan görsel bir sözlük kullanır. Soyut sanat, figüratif olmayan sanat, nesnel olmayan sanat ve temsili olmayan sanat yakından ilişkili kavramları temsil eder. Anlamları benzer olsa da, mutlaka birbirlerinin yerine kullanılamazlar.
Rönesans'tan 19. yüzyılın ortalarına kadar Batı sanatı, temelde perspektif ilkeleri ve görünür gerçeklik yanılsamasını kopyalama çabası ile yapılandırılmıştır. Ancak 19. yüzyılın sonuna gelindiğinde çok sayıda sanatçı teknoloji, bilim ve felsefede meydana gelen derin dönüşümleri bütünleştirebilecek yeni bir sanatsal paradigma oluşturmanın gerekliliğini algıladı. Bireysel sanatçıların benimsediği teorik temeller çeşitlilik gösteriyordu; bu durum, o dönemde Batı kültürünün tüm yönlerinde hakim olan sosyal ve entelektüel kaygıları yansıtıyordu.
Sanat bağlamında soyutlama, imgelerin gerçekçi tasvirinden farklılığı ifade ediyor. Kesin temsilden bu tür sapmalar, incelikli, kısmi veya tam olarak ortaya çıkabilir. Sonuç olarak soyutlama bir spektrum boyunca işler. Renk veya formda göze çarpan değişiklikler gibi kasıtlı değişiklikler sergileyen sanat eserleri, kısmen soyut olarak sınıflandırılır. Tersine, toplam soyutlama, tanınabilir formlara hiçbir fark edilebilir ima içermez. Örneğin, geometrik soyutlama tipik olarak doğal varlıklara yapılan göndermelerden kaçınır. Figüratif sanat ve toplam soyutlama büyük ölçüde birbirine zıttır. Bununla birlikte, hem figüratif hem de temsili (veya gerçekçi) sanat sıklıkla kısmi soyutlamanın unsurlarını içerir.
Hem geometrik hem de lirik soyutlama sıklıkla tam bir soyutlamayla karakterize edilir. Çok sayıda sanat hareketi kısmi soyutlamayı örnekliyor; Dikkate değer örnekler arasında, renkleri gerçeğe göre bariz ve kasıtlı olarak değiştiren Fovizm ve tasvir edilen gerçek hayattaki varlıkların biçimlerini yeniden yapılandıran Kübizm yer alıyor.
Geçmiş
Avrupa'da Ondokuzuncu Yüzyıl
19. yüzyılda Avrupa'da dini himaye azalırken, halkın özel himayesi sanatçıları giderek daha fazla ayakta tutuyordu. Romantizm, Empresyonizm ve Ekspresyonizm, soyut sanatın ortaya çıkışını teşvik eden üç önemli sanat hareketiydi. 19. yüzyıl aynı zamanda uygulayıcılar için sanatsal özerkliğin arttığı bir döneme işaret ediyordu. John Constable, J. M. W. Turner ve Camille Corot'nun çalışmalarında görsel algıyla nesnel bir ilişki açıkça görülmektedir; bu soy, Barbizon okulunun açık hava resim geleneğini daha da geliştiren Empresyonistlere kadar uzanır. Yeni ortaya çıkan bir sanatsal yaklaşımın ilk belirtileri, 1872 tarihli Siyah ve Altın Gece Gecesi: Düşen Roket adlı tablosunun nesnel temsilden ziyade görsel duyumu ön plana çıkardığı James McNeill Whistler tarafından ortaya konuldu. Bundan önce, Georgiana Houghton'un 1871'de sergilenen 'ruh' çizimleri, soyutlama kavramının henüz resmi olarak ifade edilmediği bir dönemde, konusunun doğal olmayan özüyle uyumlu soyut şekiller içeriyordu.
Ekspresyonist sanatçılar, çarpıtmalar, abartmalar ve canlı renk paletleri kullanarak cüretkar boya uygulamalarına öncülük ettiler. Duygu yüklü tuvalleri, çağdaş deneyimlerin yanı sıra İzlenimcilik ve 19. yüzyılın sonlarındaki diğer daha geleneksel sanatsal eğilimlere yönelik eleştirilere yanıtlar ve yorumlar olarak hizmet etti. Dışavurumculuk temel olarak odağı nesnel konudan içsel psikolojik durumların tasvirine kaydırdı. Edvard Munch ve James Ensor gibi isimler öncelikle Post-Empresyonist çalışmalardan ilham alsa da, onların katkıları 20. yüzyılda soyutlamanın ortaya çıkmasında çok önemliydi. Başlangıçta bir Empresyonist olan Paul Cézanne, düzlemsel alanlar içindeki modüle edilmiş renkleri kullanarak gerçekliği tek bir bakış açısından mantıksal olarak inşa etme hedefini takip etti; bu yaklaşım daha sonra yeni bir görsel sanatın temel ilkelerini oluşturdu ve bu sanat daha sonra Kübizm'e dönüştü.
19. yüzyılın sonlarında Doğu Avrupa mistisizmi ve erken modernist dini felsefe, özellikle de teosofist Mme. Blavatsky, Hilma af Klint ve Wassily Kandinsky gibi öncü geometrik sanatçıları derinden etkiledi. Benzer şekilde Georges Gurdjieff ve P.D. Ouspensky, 20. yüzyılın başlarında Piet Mondrian ve meslektaşlarının yeni ortaya çıkan geometrik soyut stillerini önemli ölçüde şekillendirdi. Bu maneviyatçı akım aynı zamanda Kasimir Malevich ve František Kupka'nın soyut sanatına da ilham verdi.
20. Yüzyılın Başları
Fovizm ve Kübizm
20. yüzyılın başlarında Henri Matisse, Kübist öncesi Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy ve Jean Metzinger gibi yeni ortaya çıkan diğer sanatçılarla birlikte Paris sanat ortamında devrim yarattı. Canlı, çok renkli ve etkileyici manzaralar ve figür resimleriyle karakterize edilen kendine özgü tarzları, eleştirel olarak Fovizm olarak adlandırıldı. Fauves'in ham rengi yenilikçi kullanımı, soyutlamanın gelişimindeki bir diğer ufuk açıcı figür olan Wassily Kandinsky'yi derinden etkiledi.
Cézanne'ın tüm doğal formların temel geometrik şekillere (küp, küre ve koni) ayrıştırılabileceği iddiasına dayanan bir sanat hareketi olan Kübizm, 20. yüzyılın başlarında soyutlamanın ortaya çıkışını doğrudan kolaylaştıran önemli bir güç olarak Fauvizm'in yanında ortaya çıktı.
İlk Dönem Soyut Sanat
1912 Salon de la Chapter d'Or'da František Kupka, Amorpha, Fugue en deux couleurs (İki Renkli Füg) (1912) adlı soyut tablosunu sundu. Bu etkinlik sırasında şair Guillaume Apollinaire, aralarında Robert Delaunay'ın da bulunduğu birçok sanatçının çalışmalarını tanımlamak için Orfizm terimini icat etti. Apollinaire bu tarzı "görsel alandan ödünç alınmamış, tamamen sanatçı tarafından yaratılmış unsurlardan yeni yapılar boyama sanatı... saf bir sanattır" olarak nitelendirdi.
20. yüzyılın başından itibaren, büyük Avrupa şehirlerindeki sanatçılar arasında, modernizmin yüksek idealleriyle orantılı bir sanat formu oluşturmaya yönelik kolektif bir hırsın yönlendirdiği güçlü kültürel alışverişler gelişti. Fikirlerin sanatçı kitapları, sergileri ve manifestoları aracılığıyla yayılması, deney ve söylem için verimli bir ortam yarattı ve böylece soyutlamaya yönelik farklı yaklaşımlar için bir temel oluşturdu. Dünyanın Geriye Dönüşü'nden bir alıntı, bu dönemin kapsamlı kültürel karşılıklı bağlılığını göstermektedir: "David Burliuk'un modern sanat hareketlerine ilişkin bilgisi son derece güncel olmalı; çünkü Ocak 1912'de (Moskova'da) düzenlenen ikinci Knave of Diamonds sergisi, yalnızca Münih'ten gönderilen tabloları değil, aynı zamanda Alman Die Brücke grubunun bazı üyelerini de içeriyordu; Paris'ten ise Robert Delaunay, Henri Matisse ve Fernand'ın çalışmaları gelmişti. Bahar boyunca David Burliuk kübizm üzerine iki ders verdi ve Knave of Diamonds'ın finanse edeceği polemiksel bir yayın planladı. Mayıs ayında yurt dışına gitti ve kendisi Almanya'dayken matbaacılardan çıkan Der Blaue Reiter almanakına rakip olmaya kararlı bir şekilde geri döndü.
1909 ile 1913 yılları arasında çok sayıda sanatçı bu 'saf' peşinde deneysel çalışmalar üretti. sanat." Dikkate değer örnekler arasında şunlar yer alır: Francis Picabia'nın Caoutchouc (c. 1909), Bahar (1912), Baharda Danslar ve The Procession, Seville (1912); Wassily Kandinsky'nin İsimsiz (İlk Soyut Suluboya) (1913), Doğaçlama 21A, İzlenim serisi ve Çemberli Resim (1911); František Kupka'nın Orphist parçaları, Discs of Newton (İki Renkli Füg Çalışması) (1912) ve Amorpha, Fugue en deux couleurs (İki Renkli Füg) (1912); Robert Delaunay'ın Eşzamanlı Pencereler ve Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912–13) başlıklı serisi; Léopold Survage'ın Renkli Ritim'i (film için çalışma) (1913); ve Piet Mondrian'ın Tablo No. 1 ve Kompozisyon No. 11 (1913).
Henri Matisse, özellikle Collioure'daki Fransız Penceresi (1914), Notre-Dame Görünümü gibi eserlerinde açıkça görülen, etkileyici renk paleti ve kısıtlamasız, yaratıcı çizimiyle saf soyutlamaya yaklaştı. (1914) ve Sarı Perde (1915).
Soyutlamanın keşfi, Natalia Goncharova ve Mikhail Larionov'un kompozisyonları oluşturmak için ışık ışınlarını andıran çizgileri kullanan Rayist (Luchizm) çizimleriyle ilerledi. 1915'te Kasimir Malevich, tamamen soyut olan ilk eseri Süprematist Kara Kare'yi üretti. Eş zamanlı olarak Süprematist hareketin bir başka üyesi olan Liubov Popova, 1916'dan 1921'e kadar Mimari Yapılar ve Uzamsal Kuvvet Yapıları'nı geliştirdi. 1915 ile 1919 arasında Piet Mondrian, renkli dikdörtgenlerle kesişen yatay ve dikey çizgilerle karakterize edilen soyut üslubunu geliştirdi. Neo-Plastikizm olarak bilinen bu estetik, Mondrian, Theo van Doesburg ve De Stijl grubundaki diğer sanatçılar tarafından gelecekteki ortamları yeniden yapılandırmak amacıyla tasarlandı.
Rus Avangard Hareketi
Önemli sayıda Rus soyut sanatçısı, sanatın bağımsız bir varlık değil, yaşamın ayrılmaz bir parçası olması gerektiğini ileri sürerek Yapılandırıcılığı benimsedi. Sanatçıların, çağdaş üretimin aletlerinde ve maddelerinde uzmanlaşan teknisyen rolünü benimsemelerini savundular. Vladimir Tatlin'in toplayıcı çığlığı, Sanat hayata!, sonraki tüm Konstrüktivistlerin ahlak anlayışını özetliyordu. Varvara Stepanova ve Alexandre Exter gibi figürler geleneksel şövale resminden kaçınarak yaratıcı çabalarını teatral tasarım ve grafik sanatlara yönlendirdiler. Buna karşılık, Kazimir Malevich, Anton Pevsner ve Naum Gabo, sanatın, hayatı materyalist bir tarzda pragmatik olarak yapılandırmak yerine, bireyin kozmos içindeki konumunu belirlemeye odaklanan, doğası gereği manevi bir çaba oluşturduğunu ileri sürdüler. Bu dönemde Rus avangardının önemli isimleri, Władysław Strzmiński, Katarzyna Kobro ve Henryk Stażewski gibi diğer Doğu Avrupalı Konstrüktivist sanatçılarla ortak projelere katıldı.
Sanatın materyalist üretim anlayışına karşı çıkan çok sayıda sanatçı Rusya'dan göç etti. Anton Pevsner Fransa'ya taşınırken, Gabo önce Berlin'e, ardından İngiltere'ye ve en sonunda Amerika'ya taşındı. Kandinsky, Moskova'da okuduktan sonra Bauhaus'a gitti. 1920'lerin ortalarına gelindiğinde, sanatçılara önemli ölçüde deneysel özgürlük tanıyan devrim dönemi (1917-1921) sona erdi. 1930'lara gelindiğinde yalnızca sosyalist gerçekçilik resmi onay aldı.
Müzik Etkileri
Görsel sanat soyutlamaya doğru ilerledikçe, doğası gereği soyut ses bileşenleri ve zamansal bölümlendirmeyi kullanan bir sanat formu olan müziğe benzer nitelikler ortaya koymaya başladı. Kendisi de amatör bir müzisyen olan Wassily Kandinsky, görsel işaretlerin ve çağrıştırıcı renklerin ruhta yankılanma potansiyelinden ilham aldı. Bu kavram daha önce, duyularımız farklı uyaranlara tepki verirken derin bir estetik katmanda birbirine bağlı olduklarını öne süren Charles Baudelaire tarafından dile getirilmişti.
Yakından bağlantılı bir kavram, sanatın ruhsal bir boyuta sahip olduğunu ve sıradanlığın ötesine geçmesini sağladığını öne sürüyor. deneyimleyin ve manevi bir aleme ulaşın. Teosofi Cemiyeti, 20. yüzyılın başlarında Hindistan ve Çin'in kutsal metinlerinde yer alan kadim bilgeliğin yayılmasında çok önemli bir rol oynadı. Bu entelektüel çevre içinde Piet Mondrian, Wassily Kandinsky ve Hilma af Klint gibi çalışmalarında 'nesnesizlik' peşinde koşan sanatçılar, 'içsel' bir nesneyi ortaya çıkarmanın bir yolu olarak okült olana ilgi duydular. Geometrik formlar (daire, kare ve üçgen), soyut sanatta temel mekansal öğeler olarak hizmet eden evrensel ve zamansız şekilleri temsil eder ve renk gibi, algılanabilir gerçekliği destekleyen temel sistemler olarak işlev görür.
Bauhaus Hareketi
1919 yılında Walter Gropius tarafından Almanya'nın Weimar kentinde kurulan Bauhaus okulu, mimarlık ve resimden dokuma ve vitraylara kadar tüm disiplinleri kapsayan tüm görsel ve plastik sanatların sentezini vurgulayan temel bir felsefeyle faaliyet gösteriyordu. Bu pedagojik yaklaşım, İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketinin ve Deutscher Werkbund'un ilkelerinden doğmuştur. Önemli öğretim üyeleri arasında Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers ve László Moholy-Nagy vardı. Kurum 1925'te Dessau'ya taşındı ve Nazi partisinin iktidara gelmesinin ardından 1932'de faaliyetleri durduruldu. 1937'ye gelindiğinde, 'Entartete Kunst' (Yozlaşmış Sanat) başlıklı bir sergi, Nazi rejimi tarafından kabul edilemez görülen çeşitli avangard sanat biçimlerini sergiliyordu. Daha sonra, yalnızca Bauhaus'tan değil, genel olarak Avrupa'dan da önemli bir sanatçı göçü başladı ve bu göç, pek çoğunu Paris, Londra ve Amerika'ya götürdü. Paul Klee İsviçre'ye yerleşirken önemli sayıda Bauhaus sanatçısı da Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti.
Paris ve Londra Sanat Ortamlarında Soyutlama
1930'larda Paris, Rusya, Almanya, Hollanda ve diğer Avrupa ülkelerindeki totaliter rejimlerden kaçan sanatçılar için bir sığınak olarak ortaya çıktı. Sophie Tauber ve Jean Arp, organik ve geometrik formları bütünleştiren resimler ve heykeller yaratarak ortak projelere katıldılar. Polonyalı sanatçı Katarzyna Kobro, matematiksel olarak türetilmiş kavramları heykel çalışmalarına dahil etti. Çeşitli soyut sanat formlarının bir araya gelmesi, sanatçıları kendi farklı kavramsal ve estetik kategorilerini analiz etmeye yöneltti. Joaquín Torres-García'nın küratörlüğünü Michel Seuphor'un yardımıyla yaptığı, Cercle et Carré grubunun kırk altı üyesinin yer aldığı sergide Kandinsky, Anton Pevsner ve Kurt Schwitters gibi bir dizi soyutlamacının yanı sıra Neo-Plastikçilerin çalışmaları da sergilendi. Koleksiyonu aşırı belirsiz olmakla eleştiren Theo van Doesburg, daha sonra Art Concret dergisini yayımladı. Bu dergide soyut sanatta çizgi, renk ve yüzeyin tek somut gerçeklik olduğunu öne süren bir manifesto yer alıyordu. 1931'de daha kapsayıcı bir kolektif olarak kurulan Abstraction-Création, soyut sanatçılar için önemli bir referans noktası olarak hizmet etti. 1935'te siyasi ortam kötüleştikçe pek çok sanatçı, özellikle Londra'da yeniden bir araya geldi. İngiltere, 1935'te İngiliz soyut sanatının açılış sergisine ev sahipliği yaptı. Ertesi yıl, Nicolete Gray, Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth ve Ben Nicholson gibi sanatçıların eserlerinin yer aldığı, daha uluslararası odaklı Soyut ve Somut sergisini düzenledi. Hepworth, Nicholson ve Gabo, yapılandırmacı sanatsal çabalarını sürdürmek için St. Ives, Cornwall'a taşındı.
20. Yüzyılın Sonları
1930'larda Nazizmin güç kazanmasıyla birlikte çok sayıda sanatçı Avrupa'dan Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti. 1940'ların başlarında New York şehri, sakinleri arasında Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst ve André Breton gibi sürgündeki Avrupalı sanatçıların da bulunduğu dışavurumculuk, kübizm, soyutlama, gerçeküstücülük ve Dada dahil olmak üzere büyük modern sanat hareketleri için bir merkez haline geldi. Bu Avrupalı sanatçıların derin kültürel katkıları yerel New York ressamları tarafından özümsendi ve daha da geliştirildi. New York'un sanatsal özgürlük atmosferi bu farklı etkilerin çoğalmasını teşvik etti. Daha önce ağırlıklı olarak Avrupa sanatına odaklanan sanat galerileri, gelişen yerel sanat topluluğunu ve genç Amerikalı sanatçıların olgunlaşan eserlerini kabul etmeye başladı. Bu dönemde birçok sanatçı, olgun yapıtlarında belirgin bir soyut üslup geliştirdi. Piet Mondrian'ın ana renkleri, beyaz zemini ve siyah ızgara çizgilerini içeren Kompozisyon No. 10 (1939–1942) adlı tablosu, onun dikdörtgene ve soyut sanata genel olarak radikal ama klasik yaklaşımını örnekliyordu. Bu çağın bazı sanatçıları kolay sınıflandırmaya direndi; örneğin, modernist bir soyutlamacı olan Georgia O'Keeffe bağımsız bir figür olarak kaldı ve dönemin herhangi bir grubuyla bağlantısı olmadan son derece soyut formlar yarattı.
Başlangıçta farklı tarzlarda çalışan Amerikalı sanatçılar zamanla, uyumlu üslup grupları halinde birleşmeye başladı. Amerikalı sanatçıların en önde gelen topluluğu Soyut Dışavurumcular ve New York Okulu olarak tanındı. New York City, sanatsal söylem için elverişli bir ortam yarattı ve öğrenme ve gelişim için yeni fırsatlar sundu. Sanatçılar ve eğitimciler John D. Graham ve Hans Hofmann, yeni gelen Avrupalı Modernistler ile yeni nesil Amerikalı sanatçılar arasında önemli aracılar olarak hizmet ettiler. Rusya doğumlu bir sanatçı olan Mark Rothko, başlangıçta güçlü sürrealist görüntüler kullandı ve bu, daha sonra 1950'lerin başındaki etkileyici renkli kompozisyonlarına dönüştü. Jackson Pollock, Robert Motherwell ve Franz Kline için dışavurumcu jest ve resim yapma eylemi büyük önem kazandı. Eş zamanlı olarak Arshile Gorky ve Willem de Kooning'in figüratif çalışmaları da 1940'ların sonunda soyutlamaya dönüştü. New York City, Amerika'nın diğer bölgeleri de dahil olmak üzere dünyanın dört bir yanından sanatçıların ilgisini çeken küresel bir sanat merkezi haline geldi.
21. Yüzyıl
Dijital sanat, keskin kenarlı resim, geometrik soyutlama, minimalizm, lirik soyutlama, op art, soyut dışavurumculuk, renkli alan resmi, monokrom resim, montaj, neo-Dada ve şekillendirilmiş tuval resmi, 20. yüzyılın ikinci yarısında soyutlamayla ilgili çeşitli yörüngelerden bazılarını temsil ediyor.
Amerika Birleşik Devletleri'nde soyut sanatın çağdaş tezahürleri arasında, Donald Judd'un Minimalist heykelleri ve Frank Stella'nın tablolarında örneklenen Nesne Olarak Sanat yer alır. Ek örnekler arasında Lirik Soyutlama ve Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell ve Veronica Ruiz de Velasco gibi sanatçıların eserlerinde açıkça görülen çağrıştırıcı renk uygulamaları yer alıyor.
Analiz
Özellikle Theodor W. Adorno ile ilişkilendirilen sosyo-tarihsel bir yorum, modern sanatta soyutlamanın artan öneminin, endüstriyel toplumlardaki toplumsal ilişkilerin artan soyutlamasına hem bir yanıt hem de bunun bir yansıması olduğunu öne sürüyor.
Frederic Jameson da benzer şekilde modernist soyutlamayı, tüm varlıkları eşdeğer değişim değerleri halinde homojenleştiren paranın soyutlayıcı etkisinin bir sonucu olarak yorumluyor. Sonuç olarak, soyut sanatın sosyal boyutu, geç modernlik bağlamında yasal formalizmler, bürokratik duyarsızlaşma ve bilgi ve güç dinamikleri aracılığıyla ortaya çıkan sosyal varoluşun soyut karakterini tam olarak somutlaştırır.
Tersine, Post-Jungian perspektifler, kuantum teorilerinin, geleneksel biçim ve madde kavramlarına meydan okuyarak, modern sanatta gözlemlenen somut ve soyut ayrımını desteklediğini öne sürer.
Sanatçı Al Capp daha basit bir yaklaşım sağladı. soyut sanatı "Yeteneksizlerin ürünü, ilkesiz olanlar tarafından tamamen şaşkınlara satılan bir ürün" olarak nitelendiren değerlendirme.
Galeri
Diğer ortamlarda
- Diğer ortamlarda
- Mutlak müzik
- Soyut animasyon
- Soyut çizgi romanlar
- Soyut fotoğrafçılık
- Atonalite
- Avangard müzik
- Bauhaus dansları
- Somut şiir
- Deneysel film
- Belirsizlik
- Edebi saçmalık
- Minimum müzik
- Modern dans
- Modern sanat
- Beton müzik
- Yeni Biçimcilik
- Gürültü müziği
- Sesli şiir
Referanslar
Kaynaklar
- ^ Compton, Susan (1978). Dünya Geriye Dönüyor: Rus Fütürist Kitapları 1912–16. İngiliz Kütüphanesi. ISBN 978-0-7141-0396-9.^ Stangos, Nikos, ed. (1981). Modern Sanat Kavramları. Thames ve Hudson. ISBN 978-0-500-20186-2.^ Gooding, Mel (2001). Soyut Sanat. Modern Sanatta Akımlar serisi. Tat Yayıncılık. ISBN 978-1-85437-302-1.^ Rump, Gerhard Charles (1985). Soyut bir tabloya nasıl bakılır. Inter Nationes.
- Modern Sanat Müzesi'nde Grove Art Online'dan Nelson Goodman'ın bahsettiği "Soyutlama" terimi
- Soyut Sanatın Gizemi Çözüldü