Art Deco

Art Deco, Fransızca Arts Decoratifs (kelimenin tam anlamıyla, lit. 'Dekoratif Sanatlar') teriminin kısaltması olup görsel sanatlar, mimari ve ürün tasarımında öne çıkan bir tarzı ifade eder. 1910'larda, Birinci Dünya Savaşı'ndan hemen önce Paris'te ortaya çıkan bu akım, 1920'lerden 1930'ların başına kadar uluslararası alanda yaygınlaştı ve büyük yapılardan giyim, moda ve mücevher gibi küçük eşyalara kadar nesnelerin estetik ve yapısal tasarımını etkiledi. Art Deco'nun yaygın etkisi gökdelenler, sinemalar, köprüler ve okyanus gemileri gibi yapıların yanı sıra trenler, arabalar, kamyonlar, otobüsler, mobilyalar ve radyo ve elektrikli süpürge gibi gündelik nesnelerde de fark ediliyor.

Art Deco, Fransızca Arts Decoratifs'in kısaltmasıdır (lit.'Dekoratif Sanatlar'), ilk olarak Paris'te 1950'lerde ortaya çıkan bir görsel sanatlar, mimari ve ürün tasarımı tarzıdır. 1910'larda Birinci Dünya Savaşı'ndan hemen önce ve 1920'lerden 1930'ların başlarına kadar, büyük yapılardan giyim, moda ve mücevher dahil olmak üzere küçük nesnelere kadar her şeyin dış ve iç kısmının stil ve tasarımıyla uluslararası alanda gelişti. Art Deco, gökdelenlerden sinemalara, köprülere, okyanus gemilerine, trenlere, arabalara, kamyonlara, otobüslere, mobilyalara ve radyolar ve elektrikli süpürgeler dahil günlük nesnelere kadar birçok binayı etkilemiştir.

'Art Deco' adı, 1925'teki Exposition enternasyonel des Arts Decoratifs et industriels modernes'in (Uluslararası Modern Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi) ardından geçerlilik kazandı. Paris'te. Stilistik doğuşu, Viyana Ayrılığı ve Kübizm'in belirgin geometrik estetiğine kadar izlenebilir. Art Deco'nun ilk etkileri arasında Çin, Japonya, Hindistan, İran, eski Mısır ve Maya uygarlığının egzotik sanatsal geleneklerinin yanı sıra Fovizm ve Rus Balesi'nin canlı paletleri de vardı. Başlangıç döneminde stil, modern stil, Moderne, modernist veya çağdaş stil gibi çeşitli isimlerle anıldı ve o zamanlar tekil, uyumlu bir sanatsal hareket olarak algılanmadı.

Art Deco, zirvesinde lüks, gösteriş, coşku ve toplumsal yaşama dair iyimser bir inanç kavramlarını bünyesinde barındırıyordu. ve teknolojik ilerleme. Hareket, abanoz ve fildişi gibi nadir ve pahalı malzemelerin olağanüstü işçilikle birleştirilmesiyle karakterize edildi. Ayrıca krom kaplama, paslanmaz çelik ve plastik gibi yeni malzemelerin kullanımına da öncülük etti. New York City'de 1920'ler ve 1930'lardan kalma bu tarzın dikkate değer mimari örnekleri arasında Empire State Binası ve Chrysler Binası bulunmaktadır. Dünya çapında Miami Beach, Florida, Art Deco mimarisinin en kapsamlı koleksiyonuna ev sahipliği yapıyor.

Art Deco'nun estetiği Büyük Buhran sırasında yumuşatıldı. 1930'lar, eğrisel formlar ve şık, cilalı yüzeylerle karakterize edilen zarif bir varyant olan Streamline Moderne'nin ortaya çıkışına tanık oldu. Art Deco uluslararası tanınma elde etse de, II. Dünya Savaşı'nın başlamasıyla birlikte üstünlüğü azaldı ve yerini modern mimarinin ve Uluslararası Tarzın işlevsel ve minimalist ilkelerine bıraktı.

Terminoloji

Arts Décoratifs'in kısaltması olan 'Art Deco' tanımı, 1925'te Paris'te düzenlenen Uluslararası Modern Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi'nden alınmıştır. Fransa'da, dekoratif sanatlar'ın sınıflandırması ilk olarak 1858'de Bulletin de la Société française de photographie'de belgelenmiştir. Daha sonra, 1868'de Le Figaro, Théâtre de l'Opéra için yaratılan sahne dekorlarını tanımlamak için objets d'art Decoratifs ifadesini kullandı. 1875'e gelindiğinde Fransız hükümeti, mobilya tasarımcıları, tekstil zanaatkârları, kuyumcular ve cam işçileri de dahil olmak üzere çeşitli zanaatkarları resmi olarak sanatçı olarak tanıdı. 1920 yılında kurulan Ecole Nationale Supérieure des Arts Decoratifs (ENSAD), dekoratif sanatların kurumsal tanınırlığını daha da sağlamlaştırdı.

Tam olarak Art deco terimi ilk kez 1966'da, konuya adanan açılış modern sergisinin başlığının bir parçası olarak basıldı: Les Années 25: Art deco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau. Paris Dekoratif Sanatlar Müzesi'nin ev sahipliği yaptığı bu sergi, 1920'lerden 1930'lara ait bir dizi önemli üslubu kapsıyordu. Daha sonra Hillary Gelson, bu terimi 1966'da The Times'da yayınlanan bir makalesinde kullandı ve burada sergide yer alan çeşitli tarzları anlattı.

'Art Deco' terimi, 1968'de bir stilistik tanımlayıcı olarak yaygın bir şekilde tanındı ve bu, tarihçi Bevis Hillier'in konuyla ilgili ilk önemli akademik çalışmasının 20'li ve 30'lu yılların Art Deco'su olarak yayınlanmasıyla aynı zamana denk geldi. Hillier, The Times (2 Kasım 1966) gibi referansları ve Elle dergisindeki (Kasım 1967) Les Arts Déco başlıklı makaleyi kanıt olarak göstererek, terimin sanat satıcıları arasında zaten kullanıldığını gözlemledi. 1971'de Hillier, Minneapolis Sanat Enstitüsü'nde bir serginin küratörlüğünü yaptı ve bu sergi, sonraki yayını Art Deco Dünyası'nda kapsamlı bir şekilde belgelendi.

Mike Hope, Art Deco mimarisi için kullanılan çok sayıda alternatif tanımı sıralıyor: Odeon Stili, Özgürlük stili, Stil Moderne, Caz Moderne, Zikzak Moderne, İngiliz Moderne, Denizcilik Moderne, Modern Gemi Stili, Pacqueboat Stili, Ocean Liner Stili, Beyaz Modern, Fütürist Art Deco, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderne, PWA Moderne, PWA/WPA Moderne, Federal Moderne, Depresyon Moderne, Klasik Moderne, Klasik Modernizm, Modernist Klasik, Chicago Okulu, Çek Mimari Kübizmi, İtalyan Fütürizmi, Prairie Okulu, Atmosfer Tiyatrosu, Med Deco, Amsterdam Okulu, Nieuwe Zakelijkheid (Yeni Nesnellik), Maya Uyanışı, Japon Ayrılığı, İspanyol Pueblo Stili, Pueblo Deco, Finlandiya Ulusal Romantizmi, Neo-Gotik, Neo-Bizans, Neo-Mısır, İspanyol Misyonu, Uluslararası Okul, Avrupa Uluslararası Tarz, Wiener Werkstätte, Serbest Klasisizm, Sadeleştirilmiş Neo-Klasisizm, Deco Serbest Klasisizm, Sadeleştirilmiş Klasisizm, Geçiş Modern ve Vogue Regency.

Kökenler

Yeni Malzemeler ve Teknolojiler

Art Deco'nun ortaya çıkışı ve estetik özellikleri temelde yenilikçi malzeme ve teknolojiler, özellikle de betonarme tarafından şekillendirildi. François Coignet, 1853 yılında Paris'in banliyölerinde ilk beton evi inşa etti. Daha sonra, 1877'de Joseph Monier, ızgara konfigürasyonunda düzenlenmiş bir demir çubuk ağının entegrasyonu yoluyla betonun güçlendirilmesi konseptine öncülük etti. Auguste Perret, 1893'te Paris'in ilk beton garajını, ardından bir apartman binasını, özel bir konutu ve en sonunda 1913'te Théâtre des Champs-Élysées'yi inşa ederek bunu daha da ileri götürdü.

Bir eleştirmen, tiyatroyu "Montaigne Bulvarı'nın Zeplini" olarak küçümseyerek, tiyatronun tasarımını Viyana Ayrılığı'ndan türeyen sözde bir Germen etkisine atfetti. Bu dönemi takiben Art Deco yapılarının çoğu, daha fazla biçimsel esneklik sağlayan ve yapısal sütun ve sütunlara olan ihtiyacı azaltan bir malzeme olan betonarme kullanılarak inşa edildi. Perret ayrıca beton yüzeyleri seramik karolarla kaplayarak hem koruyucu hem de dekoratif işlevlere hizmet ederek yenilik yaptı. Ünlü mimar Le Corbusier, ilk olarak Perret'in stüdyosunda teknik ressam olarak görev yaptığı süre boyunca betonarme uygulamalara ilişkin bilgi sahibi oldu.

Art Deco için hayati önem taşıyan ek teknolojik gelişmeler arasında, maliyetleri azaltan ve önemli ölçüde daha büyük ve daha sağlam pencerelerin oluşturulmasını kolaylaştıran düz cam üretimine yönelik yeni teknikler vardı. Dahası, alüminyumun seri üretimi, başlangıçta bina ve pencere çerçeveleri için, daha sonra Corbusier, Warren McArthur ve diğer tasarımcıların hafif mobilyalar için çalışmaları sayesinde etkili oldu.

Viyana Ayrılığı ve Wiener Werkstätte (1897–1912)

1897'de kurulan Viyana Secession'uyla bağlantılı mimarlar, özellikle Josef Hoffmann, Art Deco hareketi üzerinde önemli bir etkiye sahipti. Hoffmann'ın Brüksel'deki Stoclet Sarayı (1905–1911), geometrik hacimleri, simetrik kompozisyonu, doğrusal formları, mermer plakalarla süslenmiş beton yüzeyleri, titizlikle şekillendirilmiş süslemeleri ve özellikle Gustav Klimt'in mozaik frizlerini içeren gösterişli iç mekanlarıyla karakterize edilen, yeni ortaya çıkan Art Deco tarzının arketipik bir örneği olarak hizmet etti. Ayrıca Hoffmann, kendini yeni ortaya çıkan estetiğe adamış zanaatkarlar ve iç tasarımcılardan oluşan etkili bir kolektif olan Wiener Werkstätte'nin (1903–1932) kurucu ortağı oldu. Bu organizasyon daha sonra 1919'da Fransız Art Deco tasarımcıları ve dekoratörleri arasında öne çıkan André Mare ve Louis Süe'yi birleştiren Compagnie des Arts français'in oluşumuna ilham kaynağı oldu.

Dekoratif Sanatçılar Derneği (1901–1945)

Art Deco'nun doğuşu, özü itibarıyla, 19. yüzyılın sonlarına kadar yalnızca zanaatkar olarak sınıflandırılan dekoratif sanatçıların yüksek konumuyla bağlantılıydı. Fransa'da, dekoratif sanatların prestiji arttıkça, sanat dekoratifleri tanımı geçerlilik kazandı. 1875'e gelindiğinde Fransız hükümeti mobilya tasarımcılarını, tekstil imalatçılarını ve diğer yetenekli zanaatkârları resmi olarak meşru sanatçılar olarak kabul etti. SAD olarak kısaltılan Société des artistes Decorateurs (Dekoratif Sanatçılar Derneği), 1901 yılında kuruldu ve dekoratif sanatçılara, ressam ve heykeltıraşların sahip olduğu haklara eşdeğer eser sahipliği hakları verdi. İtalya'da paralel bir sanatsal evrim meydana geldi ve 1902'de Torino'daki Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna ile doruğa ulaştı; bu, yalnızca dekoratif sanatlara adanan uluslararası açılış sergisiydi.

Paris'te, başta Arts et dekorasyon ve L'Art dekoratif moderne olmak üzere dekoratif sanatlara adanmış birkaç yeni süreli yayının kurulduğu görüldü. Sociéte des artistes français'in yıllık sergilerine dekoratif sanatlara özel bölümler dahil edildi ve ardından Salon d'Automne'ye dahil edildi. Fransız milliyetçiliği, Fransız tasarımcıların daha uygun fiyatlı Alman mobilyalarının artan akışına ilişkin endişeleri nedeniyle dekoratif sanatların yeniden canlanmasına da katkıda bulundu. 1911'de SAD, başlangıçta 1912'de yapılması planlanan, önemli bir uluslararası dekoratif sanatlar sergisi önerdi. Bu serginin amacı, tarihi tarzların çoğaltılmasını açıkça yasaklayan, yalnızca modern yaratımları öne çıkarmaktı. Etkinlik daha sonra 1914'e ertelendi ve daha sonra savaş nedeniyle 1925'e kadar ertelendi; bu noktada "Déco" olarak bilinen stilistik hareketin tamamına adını verdi.

Parisli büyük mağazalar ve moda tasarımcıları Art Deco'nun ortaya çıkışında etkili oldu. Gümüş eşya üreticisi Christofle, cam sanatçısı René Lalique ve kuyumcular Louis Cartier ve Boucheron'un da aralarında bulunduğu önde gelen şirketler, çağdaş tarzda ürünler geliştirmeye başladı. 1900'den itibaren büyük mağazalar, kendilerine özel tasarım stüdyolarında dekoratif sanatçıları istihdam etmeye başladı. 1912 Salon d'Automne'un dekoratif planı, daha sonra aynı yıl Primavera adlı kendi atölyesini kuran Printemps büyük mağazasına verildi.

1920'ye gelindiğinde Primavera, yaratıcı üretimleri Louis XIV, Louis'in modernleştirilmiş yorumlarından oluşan bir yelpazeyi kapsayan 300'den fazla sanatçıyı kapsayacak şekilde genişledi. XVI ve özellikle Louis Süe ve Primavera atölyesi tarafından üretilen Louis Philippe mobilyalarından, Au Louvre mağazasının atölyesinden çıkan daha çağdaş tasarımlara geçiş. Buna karşılık Émile-Jacques Ruhlmann ve Paul Follot gibi tasarımcılar seri üretimden kaçınarak her bir öğenin bireysel işçiliğini savundular. Yeni ortaya çıkan Art Deco estetiği, abanoz, fildişi ve ipek gibi gösterişli ve nadir malzemelerin yanı sıra toplu olarak modernist bir görünüm kazandıran canlı renk paletleri ve stilize motifler (özellikle sepetler ve çeşitli çiçek aranjmanları) ile karakterize edildi.

Art Deco, 1910 ile 1914 arasındaki oluşum döneminde canlı bir kromatik sergi olarak ortaya çıktı; Genellikle mobilya döşemeleri, halılar, ekranlar, duvar kağıtları ve kumaşlardaki çiçek desenlerine dahil edilen parlak ve sıklıkla kontrast oluşturan tonlar. Maurice Dufrêne imzalı sandalyeler ve masa ile Paul Follot imzalı canlı Gobelin halısı gibi çok sayıda renkli parça, 1912 Salon des artistes dekoratörlerde sergilendi. 1912 ve 1913 yılları arasında tasarımcı Adrien Karbowsky, sanat koleksiyoncusu Jacques Doucet'in av köşkü için papağan motifleriyle süslenmiş çiçekli bir sandalye yaptı. Mobilya tasarımcıları Louis Süe ve André Mare, 1912 sergisinde Atelier français adı altında ilk kez çok renkli kumaşları abanoz ve fildişi gibi lüks ve egzotik malzemelerle birleştirdiler. Birinci Dünya Savaşı'nın ardından firmaları, Fransız transatlantik okyanus gemilerinin birinci sınıf salonlarını ve kabinlerini döşeyerek Fransız iç tasarım şirketleri arasında öne çıktı.

1910 ile 1914 yılları arasındaki doğuşunda Art Deco, mobilya döşemelerinde, halılarda, paravanlarda, duvar kağıtlarında ve kumaşlarda sunulan, sıklıkla çiçek tasarımlarında parlak ve çoğu zaman birbiriyle çelişen tonlar içeren bir renk patlamasıydı. Maurice Dufrêne imzalı sandalyeler ve masa ile Paul Follot imzalı parlak Gobelin halının da aralarında bulunduğu birçok renkli eser, 1912 Salon des artistes dekoratörlerde sergilendi. 1912–1913'te tasarımcı Adrien Karbowsky, sanat koleksiyoncusu Jacques Doucet'in av köşkü için papağan tasarımlı çiçekli bir sandalye yaptı. Mobilya tasarımcıları Louis Süe ve André Mare, çok renkli kumaşları abanoz ve fildişi gibi egzotik ve pahalı malzemelerle birleştirerek Atelier français adı altında ilk kez 1912 sergisinde göründüler. Birinci Dünya Savaşı'ndan sonra, Fransız transatlantik okyanus gemilerinin birinci sınıf salonları ve kabinleri için mobilya üreten en önde gelen Fransız iç tasarım firmalarından biri haline geldiler.

Art Deco'nun canlı renk paleti karakteristiği, çeşitli kökenlerden, özellikle de Léon Bakst'ın I. Dünya Savaşı'ndan kısa bir süre önce Parisli izleyicileri büyüleyen Ballets Russes için yarattığı egzotik sahne tasarımlarından ilham aldı. Bazı renkler, Henri Matisse'in öncülüğünü yaptığı önceki Fovizm hareketinden etkilenmişti; diğerleri Sonia Delaunay gibi sanatçıların Orfizmi tarafından; ve Les Nabis hareketinden diğerlerinin yanı sıra şömine paravanları ve çeşitli dekoratif öğeler tasarlayan sembolist ressam Odilon Redon'un yaratımları. Parlak renk tonları, moda tasarımcısı Paul Poiret'in eserlerinin ayırt edici özelliğiydi ve hem Art Deco modasını hem de iç tasarımı önemli ölçüde etkiledi.

Auguste Perret tarafından 1910 ile 1913 yılları arasında inşa edilen Théâtre des Champs-Élysées, ayakta duruyor Paris'te tamamlanan Art Deco binasının açılış simgesi olarak. Bundan önce betonarme yalnızca endüstriyel ve konut yapılarında kullanılıyordu; Perret, daha önce 1903 ile 1904 yılları arasında Rue Benjamin Franklin'de Paris'in ilk modern betonarme apartmanını tamamlamıştı. Daha sonra Art Deco'ya katkıda bulunacak bir diğer önemli mimar olan Henri Sauvage, 1904'te rue Trétaigne'de 7'de benzer bir yapı inşa etti.

Auguste Perret'in eseri Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), Paris'te tamamlanan ilk önemli Art Deco binasıydı. Daha önce betonarme yalnızca endüstriyel ve apartman binalarında kullanılıyordu; Perret, 1903-04'te Paris'teki rue Benjamin Franklin'de ilk modern betonarme apartman binasını inşa etmişti. Geleceğin bir diğer önemli Art Deco mimarı olan Henri Sauvage, 1904'te rue Trétaigne (1904) 7'de bir tane daha inşa etti.

1908'den 1910'a kadar, o zamanlar 21 yaşında olan Le Corbusier, Perret'in ofisinde ressam olarak görev yaptı ve beton inşaat yöntemlerinde uzmanlık kazandı. Perret'in net dikdörtgen formları, geometrik süslemeleri ve düz çizgileriyle karakterize edilen mimari tasarımları, Art Deco'nun ayırt edici özelliklerinin habercisiydi. Tiyatronun iç tasarımı da aynı derecede çığır açıcıydı; cephesinde Antoine Bourdelle'in yüksek rölyefleri, Maurice Denis'in kubbesi, Édouard Vuillard'ın resimleri ve Ker-Xavier Roussel'in Art Deco perdesi vardı. Bu mekan özellikle Ballets Russes'ın çok sayıda açılış performansına ev sahipliği yaptı. 1920'lere gelindiğinde Perret ve Sauvage, Paris'in önde gelen Art Deco mimarları olarak ortaya çıktılar.

Kübizm

1907 ile 1912 yılları arasında Fransa'da ortaya çıkan Kübist sanat hareketi, Art Deco'nun evrimini önemli ölçüde etkiledi. Alistair Duncan şunu gözlemledi:

"Kübizm, şu veya bu şekilde bayağılaştırılmış bir biçimde, dönemin dekoratif sanatçılarının ortak dili haline geldi."

Kübist sanatçılar özellikle Paul Cézanne'dan etkilendiler ve formları temel geometrik bileşenlerine (silindir, küre ve koni) indirgemeye ilgi gösterdiler.

1912'ye gelindiğinde, Bölüm d'Or'la bağlantılı sanatçılar, Picasso ve Braque'ın analitik Kübizmine kıyasla çok daha anlaşılır eserler sundular. Bu erişilebilirlik Kübist estetiği moda, mobilya ve iç tasarımcıların ilgisini çekecek şekilde konumlandırdı.

1912 Salon d'Automne'da Art Décoratif bölümünde La Maison Cubiste adlı mimari enstalasyon sergilendi. Raymond Duchamp-Villon cepheyi tasarlarken, André Mare iç dekordan sorumluydu. La Maison Cubiste, bir cephesi, bir merdiveni, ferforje korkulukları, bir yatak odası ve Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger ve Roger de La Fresnaye'nin tablolarının sergilendiği Salon Bourgeois'i içeren tamamen mobilyalı bir sergiydi. Salondaki binlerce katılımcı bu tam ölçekli modeli inceledi.

Duchamp-Villon'un evin cephesi, prizmatik lentolar ve alınlıklar içermesine rağmen, çağdaş standartlara göre olağanüstü derecede radikal sayılmadı ve büyük ölçüde tipik dönem mimarisine benziyordu. Buna karşılık, Mare'nin iki iç oda için hazırladığı tasarımlar devrim niteliğindeydi; stilize gül ve çiçek desenli duvar kağıtlarının yanı sıra gösterişli ve canlı motiflerle süslenmiş döşemeler, mobilyalar ve halılar da geleneksel dekordan açık bir şekilde ayrışıyordu. Art et Décoration dergisinde yazan eleştirmen Emile Sedeyn, Mare'nin çalışmasını şöyle anlattı: "Basitlikle kendini utandırmıyor, çünkü çiçekleri koyabilecekleri her yerde çoğaltıyor. Aradığı etki açıkça pitoresk ve neşeli bir etki. Bunu başarıyor." Enstalasyondaki Kübist unsur öncelikle sergilenen resimlerden kaynaklanıyordu. Başlangıçta aşırı radikal olarak etiketlenen eleştirel saldırılara rağmen, bu tartışma onun yaygın başarısına katkıda bulundu. Mimari enstalasyon daha sonra New York City, Chicago ve Boston'daki 1913 Armory Show'a gitti. Bu sergi "Kübist" terimini önemli ölçüde popüler hale getirdi ve bu terimin kadın saç stillerinden moda ve tiyatro prodüksiyonlarına kadar çeşitli modern trendlere uygulanmasına yol açtı.

Hareket birçok başka üslup yönüne doğru çeşitlense bile Art Deco'da kübist etkiler devam etti.

Kübizmin ima edilmiş geometrisi 1920'lerde dünyanın parası haline geldi. Art Deco'nun Kübizm'in seçici geometrisini daha geniş bir şekil dizisine dönüştürmesi, Kübizmi resimsel bir sınıflandırma olarak çok daha geniş bir izleyici kitlesine ve daha geniş bir çekiciliğe taşıdı. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Sanat Müzesi)

Etkiler

Birinci Dünya Savaşı Öncesi Avrupa Stilleri

Art Deco, tek bir estetiği temsil etmekten ziyade çoğu zaman çelişkili özellikler sergileyen çok çeşitli stilleri kapsıyordu. Mimari açıdan Art Deco, 1895 ile 1900 yılları arasında Avrupa'da gelişen Art Nouveau'nun halefi ve ona karşı stilistik bir karşı nokta olarak ortaya çıktı. Aynı zamanda Avrupa ve Amerika mimarisinde yaygın olan Beaux-Arts ve neoklasik hareketlerle bir arada var oldu. 1905 yılında Eugène Grasset, geometrik elemanların, formların, motiflerin ve bunların varyasyonlarının dekoratif (süsleyici) boyutlarını sistematik olarak araştıran bir çalışma olan Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes'i yayınladı. Bu yayın, sadece birkaç yıl önce Paris'te oldukça popüler olan, Hector Guimard'ın örneklediği dalgalı Art Nouveau tarzından açık bir şekilde ayrıştığını gösteriyordu. Grasset, üçgenler ve kareler gibi çeşitli basit geometrik şekillerin tüm kompozisyon düzenlemelerinin temelini oluşturduğu temel ilkesini vurguladı. Auguste Perret ve Henri Sauvage tarafından tasarlanan betonarme yapılar, özellikle de Théâtre des Champs-Élysées, daha sonra dünya çapında taklit edilen yenilikçi inşaat ve dekoratif metodolojileri ortaya çıkardı.

Antik ve Küresel Medeniyetlerden Etkiler

Dekorasyon alanında Art Deco, çeşitli stilistik unsurları kapsamlı bir şekilde entegre etti. Bu etkiler, Musée du Louvre, Musée de l'Homme ve Musée National des Arts d'Afrique et d'Océanie gibi kurumlarda kolayca erişilebilen modern öncesi küresel sanatı kapsıyordu. Dahası, Pompeii, Truva'daki önemli kazılar ve Firavun Tutankhamun'un 18. Hanedan mezarının keşfiyle teşvik edilen arkeolojiye karşı gelişen halk hayranlığı, bu eklektik ödünç almaya katkıda bulundu. Sonuç olarak sanatçılar ve tasarımcılar, antik Mısır, Afrika, Mezopotamya, Yunanistan, Roma, Asya, Orta Amerika ve Okyanusya'dan türetilen motifleri çağdaş Makine Çağı estetiğiyle sentezledi.

20. Yüzyılın Başındaki Avangard Hareketlerin Entegrasyonu

Art Deco'ya dahil edilen ek üslup etkileri arasında Fütürizm, Orfizm, İşlevselcilik ve daha geniş Modernist hareket yer alıyordu. Kübizm, güzel sanatlardan tekstil veya duvar kağıdı gibi dekoratif uygulamalara uyarlandığında, Art Deco estetiği içindeki içsel dekoratif potansiyelini ortaya çıkardı. Sonia Delaunay, elbise tasarımlarını özellikle soyut ve geometrik bir şekilde kavramsallaştırdı ve onları "canlı tablolar veya canlı formların heykelleri" olarak tanımladı. Louis Barrilet ayrıca Dax'taki Atrium Casino'daki Amerikan barının vitray pencereleri için Kübist'ten ilham alan tasarımlar üretti (1926), modaya uygun kokteyllerin adlarını ustaca bir araya getirdi. Mimari açıdan, Rus Konstrüktivizminin ve Frank Lloyd Wright ile Willem Marinus Dudok'un tasarım ilkelerinin paylaştığı yatay ve dikey hacimler arasındaki belirgin etkileşim, özel konutlardan apartman bloklarına, sinemalardan benzin istasyonlarına kadar çeşitli bina türlerinde Art Deco cephelerinin eklemlenmesinde yaygın bir teknik haline geldi. Dahası, Art Deco, Fovizm'in canlı, çoğu zaman birbiriyle çatışan renk paletlerinden ve tasarımlarından ilham aldı; özellikle Art Deco tekstillerini, duvar kağıtlarını ve boyalı seramikleri etkileyen Henri Matisse ve André Derain'in eserlerinde açıkça görülüyor. Hareket aynı zamanda geometrik desenler, köşeli çift ayraçlar, zikzaklar ve stilize çiçek aranjmanlarıyla karakterize edilen çağdaş yüksek modadan unsurları da özümsedi. Daha fazla etki Mısır bilimindeki keşiflerden ve Doğu ve Afrika sanatına artan ilgiden kaynaklandı. 1925 sonrası, hava gemileri, otomobiller ve okyanus gemileri de dahil olmak üzere yeni ortaya çıkan makinelere duyulan hayranlık sıklıkla ilham kaynağı oldu ve 1930'da Streamline Moderne olarak bilinen farklı tarzda doruğa ulaştı.

Uluslararası Modern Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi (1925)

Nisan-Ekim 1925 tarihleri ​​arasında Paris'te düzenlenen Uluslararası Modern Dekoratif ve Endüstriyel Sanatlar Sergisi, Art Deco tarzının zirvesini temsil etti ve ona kalıcı adını verdi. Resmi olarak Fransız hükümeti tarafından desteklenen bu geniş etkinlik, Paris'te, Sağ Yakadaki Grand Palais'den Sol Yakadaki Les Invalides'e ve Seine Nehri kıyılarına kadar uzanan 55 dönümlük bir alanı kapsıyordu. Şehrin en büyük sergi salonu olan Grand Palais, katılımcı ülkelerin dekoratif sanatlarını sergiledi. Sergide aralarında Avusturya, Belçika, Çekoslovakya, Danimarka, Birleşik Krallık, İtalya, Japonya, Hollanda, Polonya, İspanya, İsveç ve yeni oluşan Sovyetler Birliği'nin de bulunduğu yirmi ülkeyi temsil eden 15.000 katılımcı yer aldı. Savaş sonrası gerginlikler nedeniyle Almanya'ya davetiye gönderilmezken, Amerika Birleşik Devletleri serginin temel amacını yanlış yorumlayarak katılımı reddetti. Etkinlik, yedi aylık süresi boyunca on altı milyon ziyaretçinin ilgisini çekti. Serginin temel kuralı, sergilenen tüm eserlerin modern estetiğe bağlı kalması ve tarihi tarzların kesinlikle yasaklanmasıydı. Fuarın temel amacı mobilya, porselen, cam, metal işleri ve tekstil dahil olmak üzere Fransız lüks mal üreticilerini tanıtmaktı. Bu amacı ilerletmek için Paris'in tüm büyük mağazaları ve önde gelen tasarımcıları kendi pavyonlarını kurdular. Serginin ikinci amacı ise fildişi ve egzotik ahşaplar gibi Afrika ve Asya'daki Fransız kolonilerinden gelen ürünleri sergilemekti.

Hôtel du Collectionneur, Art Deco kumaşlar, halılar ve Jean Dupas'ın bir tablosunun yanı sıra Emile-Jacques Ruhlmann'ın yeni mobilya tasarımlarının yer aldığı sergide dikkate değer bir cazibe merkezi olarak ortaya çıktı. İç tasarımı, onu Art Nouveau'dan ayıran simetri ve geometrik form ilkelerine bağlıydı ve canlı renkler, mükemmel işçilik ve nadir, pahalı malzemeleri bir araya getirerek onu Modernist tarzın sade işlevselliğinden ayırıyordu. Pavyonların çoğunluğu cömertçe süslenmiş ve el yapımı lüks mobilyalarla doldurulmuş olsa da, iki pavyon (Sovyetler Birliği'ninkiler ve Le Corbusier yönetimindeki aynı isimli dergi tarafından inşa edilen Pavilion de L'Esprit Nouveau), düz beyaz duvarları ve minimal dekorasyonuyla sade bir estetiği benimseyerek modernist mimarinin en eski örneklerinden bazılarını temsil ediyordu.

Son Dönem Art Deco

1925'e gelindiğinde Art Deco'da iki farklı ve çoğu zaman birbiriyle rekabet halinde olan düşünce ekolü bir arada mevcuttu. Dekoratif Sanatçılar Derneği'ni kuran gelenekçiler arasında mobilya tasarımcısı Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand, heykeltıraş Antoine Bourdelle ve tasarımcı Paul Poiret gibi isimler vardı. Bu grup, modern formları geleneksel işçilikle bütünleştirdi ve pahalı malzemelerden yararlandı. Tersine, Modernistler, teknolojik gelişmelere, basitliğe, süslemenin yokluğuna, ucuz malzemelere ve seri üretime dayanan bir tarzı savunarak tarihsel emsalleri giderek daha fazla reddettiler. Modernistler, 1929'da Fransız Modern Sanatçılar Birliği adlı kendi örgütlerini kurdular. Üyeleri arasında Sovyetler Birliği'nden mimarlar Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier ve Konstantin Melnikov; İrlandalı tasarımcı Eileen Gray; Fransız tasarımcı Sonia Delaunay; ve kuyumcular Georges Fouquet ve Jean Puiforcat. Geleneksel Art Deco stilini şiddetle eleştirdiler, özellikle de yalnızca zengin bir müşteri kitlesi için benzersiz, sınırlı sayıda üretilen parçalar yaratmaya odaklanan tasarımcıları eleştirdiler. Modernist perspektiften bakıldığında, dekoratif sanatların geleceği yalnızca varlıklı kesimin estetik tercihleri ​​tarafından belirlenmemekte, aynı zamanda yeni çağda "herkes için mükemmel tasarım" ı zorunlu kılmaktadır. Bir nesnenin veya binanın güzelliğinin, amaçlanan amaca mükemmel uygunluğunda yattığını ileri sürerek, formun doğası gereği işlevi takip etmesi gerektiğini öne sürdüler. Dahası, modern endüstriyel yöntemlerin mobilya ve binaların seri üretimini mümkün kıldığına, el işçiliğine olan bağımlılığı ortadan kaldırdığına ve seri üretim ile kalitenin doğası gereği birbirini dışlamadığına inanıyorlardı.

Fransız dekoratif sanatlar tasarımcısı Paul Follot, Art Deco'nun daha geleneksel, dekoratif bir yorumunu savundu ve "'gerekli'nin tek başına erkek için yeterli olmadığını ve gereksiz olanın onun için vazgeçilmez olduğunu... aksi takdirde müziği, çiçekleri, parfümleri... ve kadınların gülümsemelerini de bastıralım!" Buna karşılık, modernist mimarinin önde gelen savunucularından biri olan Le Corbusier, bir evin yalnızca "içinde yaşanacak bir makine" olduğunu ilan etti ve Art Deco'yu geçmişin bir kalıntısı olarak konumlandırarak modernizmi amansızca gelecek olarak destekledi. Le Corbusier'in kavramları, mimarlık eğitiminde giderek ilgi kazandı ve sonunda Art Deco estetiğinin terk edilmesine yol açtı. Paradoksal olarak, başlangıçta Art Deco'nun popülaritesini artıran nitelikler (titiz işçilik, zengin malzemeler ve ayrıntılı süslemeler) sonuçta onun düşüşüne katkıda bulundu. 1929'da Amerika Birleşik Devletleri'nde başlayan ve daha sonra Avrupa'yı da etkileyen Büyük Buhran, ısmarlama mobilya ve sanat objeleri sipariş etme kapasitesine sahip varlıklı müşterilerin sayısını büyük ölçüde azalttı. Büyük Buhran'ın ekonomik sıkıntısının ortasında, çok az işletme yeni gökdelen inşaatları üstlenme eğilimindeydi. Hatta saygın Ruhlmann firması bile tek tek el işçiliğiyle yapılan parçalardan uzaklaşarak seri mobilya üreterek bu duruma uyum sağladı. Bu farklı tarzda inşa edilen son Paris yapıları arasında Auguste Perret'nin (şu anda Fransız Ekonomik, Sosyal ve Çevre Konseyi'nin bulunduğu) Bayındırlık Müzesi, Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu ve Léon Azéma'nın imzasını taşıyan Palais de Chaillot ve hepsi 1937 Paris Uluslararası Fuarı için tamamlanan Palais de Tokyo yer alıyordu. Bu binalar, Albert Speer tarafından tasarlanan, aynı derecede anıtsal sosyalist-gerçekçi Stalin Sovyetler Birliği pavyonuna bakan, Nazi Almanyası'nın heybetli pavyonunun karşısında duruyordu.

İkinci Dünya Savaşı'nın ardından, Le Corbusier ve Mies van der Rohe gibi isimlerin desteklediği Uluslararası Stil, baskın mimari paradigma olarak ortaya çıktı. Savaş sonrası Miami Beach'te sınırlı sayıda Art Deco oteli inşa edilirken, stil başka yerlerde büyük ölçüde geriledi ve esas olarak otomobil tasarımı gibi endüstriyel tasarım uygulamalarında ve müzik kutusu gibi ürünlerde varlığını sürdürdü. 1960'lar, kısmen Bevis Hillier'in de aralarında bulunduğu mimarlık tarihçilerinin akademik katkılarına atfedilebilecek, Art Deco'nun mütevazı bir akademik canlanmasına tanık oldu. 1970'lere gelindiğinde, Art Deco mimarisinin önemli örneklerini korumak için Amerika Birleşik Devletleri ve Avrupa'da girişimler başlatıldı ve bunun sonucunda çok sayıda binanın restorasyonu ve uyarlanabilir şekilde yeniden kullanılması sağlandı. 1980'lerde ortaya çıkan postmodern mimari, Art Deco ile paylaşılan bir özellik olan, çoğunlukla tamamen dekoratif unsurları içeriyordu. Deco estetiği, modern moda, mücevher ve tuvalet malzemelerinde uygulama alanı bularak çağdaş tasarımcıları etkilemeye devam ediyor.

Resim

1925 Sergisi'nde resim sanatına ayrılmış bir bölüm yoktu. Art Deco resim doğası gereği dekoratifti, bir odayı veya mimari tasarımı tamamlamak için tasarlandı, bu nedenle çok az sanatçı yalnızca bu tarzda çalıştı. Bununla birlikte, iki ressam özellikle Art Deco ile ilişkilidir. Jean Dupas, Paris'teki 1925 Dekoratif Sanatlar Sergisi'nde Bordeaux Pavyonu için Art Deco duvar resimleri yarattı ve aynı sergide Ruhlmann ve diğer önde gelen Art Deco tasarımcılarının mobilyalarının sergilendiği Maison du Collectionneur sergisi için şömine üstü tabloyu üretti. Duvar resimleri aynı zamanda Fransız okyanus gemisi SS Normandiya'nın iç tasarımında da öne çıkan bir özellikti. Sanatsal çıktısı tamamen dekoratifti ve diğer tasarım öğelerine arka plan veya tamamlayıcı olarak hizmet etmeyi amaçlıyordu.

Tamara de Lempicka, Art Deco tarzıyla yakından özdeşleşen diğer ressamdır. Polonya'da doğdu, Rus Devrimi'nden sonra Paris'e taşındı. Çalışmalarını Maurice Denis ve André Lhote'un çalışmalarından çok sayıda üslup unsurunu birleştirerek sürdürdü. Portreleri gerçekçi, dinamik ve canlı bir Art Deco estetiğiyle öne çıkıyor.

1930'lar Amerika Birleşik Devletleri'nde kendine özgü bir Art Deco resim stilinin ortaya çıkışına tanık oldu. Büyük Buhran sırasında, sanatçılara istihdam sağlamak amacıyla Works Progress İdaresi'nin bir girişimi olan Federal Sanat Projesi kuruldu. Hükümet binaları, hastaneler ve eğitim kurumları da dahil olmak üzere kamu yapılarını süslemek için çok sayıda sanatçı görevlendirildi. Bu duvar resimlerinde tek bir Art Deco estetiği hakim olmasa da, hükümet komisyonları için görevlendirilen sanatçılar, Amerikan bölgeselciliğinden sosyal gerçekçiliğe kadar çeşitli sanatsal hareketleri temsil ediyordu. Önemli katkıda bulunanlar arasında Reginald Marsh, Rockwell Kent ve Meksikalı ressam Diego Rivera vardı. Bu duvar resimlerinin Art Deco sınıflandırması, dekoratif doğalarından ve belirli bina veya bölgeyle tematik ilgisinden kaynaklanıyordu. Örneğin, Reginald Marsh ve Rockwell Kent, ABD posta tesislerini posta işçilerinin tasvirleriyle süslerken, Diego Rivera, Detroit Sanat Enstitüsü için otomobil fabrikası işçilerini tasvir etti. Rivera'nın 30 Rockefeller Plaza için yaptırdığı 1933 tarihli Yol Ayrımındaki Adam adlı duvar resmi, tartışmalı bir şekilde Lenin'in izinsiz bir benzerini içeriyordu. Rivera'nın portreyi kesmeyi reddetmesinin ardından sanat eseri yok edildi ve yerine İspanyol sanatçı Josep Maria Sert tarafından yapılmış yeni bir duvar resmi konuldu.

Heykel

Anıtsal ve Kamusal Heykel

Heykel, Art Deco mimari tasarımının yaygın ve temel bir unsurunu oluşturuyordu. Fransa'da, Paris'in ilk Art Deco simgesi olan Théâtre des Champs-Élysées, 1912'de Antoine Bourdelle'in dans ve müzik temalarını tasvir eden alegorik kabartmalarıyla süslendi. 1925 Sergisi, genellikle heykelsi frizlerle süslenmiş pavyonlar ve daha küçük stüdyo heykelleri için ayrılmış alanlar ile, arazisi boyunca önemli heykel enstalasyonlarına sahipti. 1930'larda, seçkin heykeltıraşlardan oluşan bir kolektif, Chaillot'ta 1937'de Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne'ye eserlerle katkıda bulundu. Örneğin Alfred Janniot, Palais de Tokyo'nun cephesi için kabartma heykeller yarattı. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ve Palais de Chaillot'nun önündeki, Eyfel Kulesi'ne bakan yürüyüş yolu, Charles Malfray ve Henry Arnold gibi sanatçıların yeni heykelleriyle doluydu.

Kamuya açık Art Deco heykelleri ağırlıklı olarak temsili formlara sahipti; tipik olarak temaları binanın veya mekanın işlevine karşılık gelen kahramanca veya alegorik figürleri tasvir ediyordu. Bu tematik seçimleri genellikle sanatçılardan ziyade patronlar belirliyordu. Dekoratif amaçlı soyut heykel son derece nadirdi.

Amerika Birleşik Devletleri'nde Paul Manship, kamu siparişleri için önde gelen Art Deco heykeltıraş olarak ortaya çıktı ve klasik ve mitolojik motifleri Art Deco çerçevesinde yeniden yorumladı. En ünlü eseri, New York City'deki Rockefeller Center'da bulunan ve klasik bir temanın yirminci yüzyıldaki yorumunu temsil eden Prometheus heykelidir. Lee Lawrie ayrıca Rockefeller Center'a heykelsi cephe ve Atlas heykeli başta olmak üzere önemli eserlerle katkıda bulundu.

Amerika Birleşik Devletleri'ndeki Büyük Buhran sırasında çok sayıda heykeltıraş, Works Progress Authority (WPA) tarafından finanse edilen federal hükümet binaları için dekoratif çalışmalar yapmak üzere siparişler aldı. Bu sanatçılar arasında, federal idari yapılar için emekçilerin ve onların mesleklerinin stilize ve idealize edilmiş tasvirlerini üreten Sidney Biehler Waugh da vardı. Ralph Stackpole, San Francisco'da yeni inşa edilen San Francisco Borsası binasının cephesine heykellerle katkıda bulundu. Eş zamanlı olarak Michael Lantz, Washington D.C.'deki Federal Ticaret Komisyonu binası için çalışmalar yürüttü.

Britanya'da Eric Gill, BBC Broadcasting House için Art Deco kamu heykelleri üretti; Ronald Atkinson ise Londra'daki eski Daily Express Binasının lobisini süsledi (1932).

En ünlü ve tartışmasız en büyük kamusal Art Deco heykelleri arasında, Fransızlar tarafından yaratılan Kurtarıcı İsa yer alıyor. heykeltıraş Paul Landowski. 1922 ile 1931 yılları arasında tamamlanan bu anıtsal eser, Brezilya'nın Rio de Janeiro kentine bakan bir dağın tepesinde yer alıyor.

Stüdyo Heykeli

İlk Art Deco heykelleri sıklıkla salonu süslemek için tasarlanmış daha küçük parçalardan oluşuyordu. Bu türün farklı bir kategorisi, antik Yunan'ın altın ve fildişinden tapınak heykelleri yapma uygulamasından türetilen bir isim olan Chryselephantine heykelciğiydi. Bu heykelcikler zaman zaman bronzdan dökülüyordu ama çoğunlukla fildişi, oniks, kaymaktaşı ve altın varak gibi gösterişli malzemelerden yapılıyordu.

Dansçıların canlı küçük heykelleriyle tanınan Romanya doğumlu sanatçı Demétre Chiparus, Art Deco salonunun en önde gelen heykeltıraşlarından biri olarak ortaya çıktı. Salon heykelciliğindeki diğer önemli isimler arasında Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol ve Gustav Schmidtcassel vardı. Stüdyo geleneğinde çalışan etkili bir Amerikalı heykeltıraş olan Harriet Whitney Frishmuth da daha önce Paris'te Auguste Rodin'in yanında çalışmış olmasıyla tanındı.

Pierre Le Paguays, 1925 Sergisinde sergilenen eserleriyle dikkat çeken bir Art Deco stüdyo heykeltıraşı olarak öne çıktı. Sanatsal pratiğinde bronz, mermer, fildişi, oniks, altın ve kaymaktaşı gibi çeşitli değerli malzemeler kullanıldı.

François Pompon modern stilize hayvan heykellerine öncülük etti. Sanatsal katkıları ancak 67 yaşındayken, 1922 Salon d'Automne'da, şu anda Paris'teki Musée d'Orsay'da bulunan ve Beyaz Ayı olarak da bilinen Bizimki blanc adlı çalışmasıyla tam olarak tanındı.

Bu Art Deco heykeltıraşlarla eş zamanlı olarak, hem Paris'te hem de New York City'de faaliyet gösteren avangard ve soyut modernist heykeltıraşlardan oluşan bir grup faaliyet gösteriyordu. Bunların arasında önde gelen isimler arasında Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff ve Pablo Gargallo yer alıyordu.

Grafik sanatlar

Art Deco estetiği, Birinci Dünya Savaşı'ndan önce grafik sanatlarında erken ortaya çıktı. Paris'teki ilk tezahürleri, Léon Bakst'ın Ballets Russes için yaptığı poster ve kostüm tasarımlarının yanı sıra moda tasarımcısı Paul Poiret'in kataloglarında da açıkça görülüyordu. Georges Barbier ve Georges Lepape'nin çizimleri ve La Gazette du bon ton moda dergisinde yer alan görseller, stilin doğasında var olan zarafeti ve duygusallığı özetledi. 1920'lerde, hakim estetik gelişti; daha gündelik, sportif ve cüretkar modalar vurgulandı ve genellikle sigara içen kadın modellerle tasvir edildi. Vogue, Vanity Fair ve Harper's Bazaar gibi önde gelen Amerikan moda yayınları bu yeni tarzı hızla benimsedi ve Amerika Birleşik Devletleri'nin her yerine yaydı. Ayrıca Rockwell Kent gibi Amerikalı kitap illüstratörlerinin çalışmalarını da etkiledi. Almanya'da Ludwig Hohlwein, müzik festivalleri, bira fabrikaları ve kariyerinin ilerleyen dönemlerinde Nazi Partisi için canlı ve dramatik posterler üreterek kendisini dönemin en ünlü poster sanatçısı olarak öne çıkardı.

Posterlerin öncelikle tiyatro prodüksiyonlarını veya kabareleri tanıttığı Art Nouveau döneminin aksine, 1920'ler buharlı gemi hatları ve havayolları tarafından yaptırılan seyahat posterlerinin popülaritesinde bir artışa tanık oldu. Stilistik yaklaşım bu on yılda önemli bir dönüşüm geçirdi ve odak noktası reklamı yapılan ürüne kaydırıldı. Görseller daha basitleştirilmiş, kesin, doğrusal ve dinamik hale geldi ve sıklıkla tek renkli arka planlara yerleştirildi. Fransa'da dikkate değer Art Deco tasarımcıları arasında Charles Loupot ve Paul Colin vardı; Paul Colin, Amerikalı şarkıcı ve dansçı Josephine Baker'ın yer aldığı posterleriyle ün kazandı. Jean Carlu, Charlie Chaplin filmleri, çeşitli diziler ve tiyatro mekanları için posterler hazırladı; daha sonra 1930'ların sonlarında Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti ve burada II. Dünya Savaşı sırasındaki savaş üretimini desteklemek için posterler tasarladı. Charles Gesmar, şarkıcı Mistinguett ve Air France için hazırladığı posterlerle tanındı. 1935 tarihli ikonik okyanus gemisi SS Normandiya posteriyle tanınan Cassandre, en seçkin Fransız Art Deco poster tasarımcıları arasında yer alıyor.

1930'larda, Büyük Buhran'ın ortasında Amerika Birleşik Devletleri'nde farklı bir poster türü ortaya çıktı. Federal Sanat Projesi, Amerikalı sanatçıları turizmi ve çeşitli kültürel etkinlikleri tanıtmayı amaçlayan posterler hazırlamaları için görevlendirdi.

Mimarlık

Stiller

Art Deco mimari tarzı ilk olarak 1903 ile 1904 yılları arasında Paris'te ortaya çıktı ve iki apartman binasının inşasıyla damgasını vurdu: biri Rue Benjamin Franklin'de Auguste Perret tarafından ve diğeri Rue Trétaigne'de Henri Sauvage tarafından yapıldı. Bu iki yeni mimar, Paris konut yapılarında betonarme kullanımına öncülük etti. Ortaya çıkan binalar, Art Nouveau tarzından açık bir şekilde ayrılışı simgeleyen net çizgiler, dikdörtgen formlar ve süssüz cephelere sahipti. Perret, 1910'dan 1913'e kadar beton apartman inşasındaki uzmanlığından yararlanarak 15 avenue Montaigne'de Théâtre des Champs-Élysées'i inşa etti. Daha sonra, 1925 ile 1928 yılları arasında Sauvage, Paris'teki La Samaritaine mağazası için yeni Art Deco cephesini tasarladı.

Art Deco'nun etkisi karasal yapıların ötesine geçti; İlk yolculuğuna 1935'te başlayan okyanus gemisi SS Normandiya, özellikle tavanı ve Lalique tarafından camdan yapılmış dekoratif unsurları bulunan yemek odasında Art Deco estetiğini sergiledi.

Art Deco mimarisi bazen üç farklı stile ayrılır: Zikzak Moderne (Caz Moderne olarak da bilinir), Klasik Moderne ve Streamline Moderne.

Zigzag Modern

Zigzag Moderne (alternatif olarak Caz Moderne olarak da adlandırılır), Art Deco'nun Amerika Birleşik Devletleri'ndeki ilk tezahürünü temsil ediyordu. "Zikzak" özelliği, gökdelenlerin algılanan yüksekliğini artırmak için tasarlanan kademeli profillerini ifade eder ve ağırlıklı olarak oteller, sinemalar, restoranlar, yüksek binalar ve büyük mağazalar dahil olmak üzere önemli kamu ve ticari yapılara uygulanmıştır.

Klasik Modern

Klasik Moderne, daha az süslemeyle daha rafine bir estetik sergiliyor. Bu tarz, Büyük Buhran döneminde PWA tarafından başlatılan projelerdeki yaygınlığı göz önüne alındığında, zaman zaman PWA (Bayındırlık İdaresi) Moderne veya Depresyon Moderne olarak da tanımlanır.

Moderni Kolaylaştırın

1930'ların sonlarında Art Deco mimarisinin Streamline Moderne veya kısaca Streamline olarak bilinen farklı bir çeşidi ortaya çıktı. Fransa'da buna Stil Paquebot veya Ocean Liner stili adı verildi. Bu tarzdaki yapılar, yuvarlatılmış köşeler, uzun yatay çizgiler ve esas olarak betonarme, tipik olarak beyaz renkte tamamlanmış yapılarla karakterize edildi. Gemi tasarımlarını hatırlatan korkuluklar ve lumbozlar gibi denizcilik unsurlarını sıklıkla kullanıyorlardı. Yuvarlatılmış köşeler kavramı yeni olmasa da, 1923'te Berlin'deki Erich Mendelsohn'un Mossehaus'unda ve daha sonra Londra Perivale'deki bir sanayi kompleksi olan Hoover Binası'nda yer aldığından, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki uygulaması ulaşım altyapısıyla güçlü bir şekilde bağlantılı hale geldi. Streamline Moderne nadiren ofis binalarına uygulandı, ancak PanAm Clipper uçan tekneleri aracılığıyla ilk transatlantik uçuşları kolaylaştıran New York City'deki LaGuardia Havaalanı terminalinin yanı sıra benzin istasyonları ve lokantalar gibi yol kenarı mimarileri de dahil olmak üzere otobüs istasyonlarında ve havaalanı terminallerinde yaygın kullanım alanı buldu. Modern demiryolu vagonlarını taklit etmek için tasarlanan bir dizi lokanta, 1930'ların sonlarında New England kasabalarında üretildi ve kuruldu; bu örneklerden en az ikisi bugün tescilli tarihi binalar olarak varlığını sürdürüyor.

Bina Tipolojileri

Gökdelenler

Amerikan gökdelenleri, dünyanın en yüksek ve en ikonik modern yapılarına dönüşerek Art Deco hareketinin zirvesini temsil ediyordu. Tasarımları, etkileyici yükseklik, farklı form, özel renk paletleri ve çarpıcı gece aydınlatması yoluyla geliştiricilerinin prestijini yansıtmayı amaçlıyordu. Raymond Hood'un Amerikan Radyatör Binası (1924) hem Gotik hem de Art Deco modern bileşenlerini birleştirdi. Cephesi, sağlamlık ve önemli bir kütle hissi vermek için seçilmiş, kömürü simgeleyen siyah tuğladan oluşuyordu. Dış cephenin diğer kısımları ateşi temsil eden altın tuğlalarla süslenirken, giriş kısmı mermer ve siyah aynalarla süslendi. Bir başka dikkate değer erken dönem Art Deco gökdeleni, 1929'da açılışı yapılan Detroit Guardian Binası'ydı. Modernist Wirt C. Rowland tarafından tasarlanan bu yapı, paslanmaz çeliğin dekoratif bir özellik olarak kullanılmasına öncülük etti ve geleneksel süslemelerden farklı olarak kapsamlı renkli tasarımlara yer verdi.

1930'da tamamlanan ve William Van Alen tarafından tasarlanan Manhattan'daki Chrysler Binası, New York City'nin siluetini derinden değiştirdi. Bu yetmiş yedi katlı yapı, Chrysler otomobillerinin anıtsal bir reklamı işlevi görüyordu. Zirvesi paslanmaz çelik bir kuleyle örtülmüştü ve paslanmaz çelik radyatör kapağı süslemelerine benzeyen Art Deco "gargoyle"lerle süslenmişti. Sokak seviyesinden otuz üç kat yüksekte yer alan kulenin tabanı canlı Art Deco frizleriyle süslenirken, lobide Art Deco sembolleri ve modernlik temalarını taşıyan görüntüler yer alıyordu.

Chrysler Binası'nın yüksekliği daha sonra William F. Lamb (1931) tarafından tasarlanan ve biraz daha ölçülü bir Art Deco estetiği sunan Empire State Binası ve Raymond Hood (1933) tarafından tasarlanan RCA Binası (şimdi 30 Rockefeller Plaza) tarafından aşıldı. Bu yapılar toplu olarak New York şehrinin mimari panoramasını yeniden tanımladı. Mimari olarak bu binaların üst kısımları, paslanmaz çelikle kaplanmış Art Deco taçlar ve kulelerle süslenmiştir. Chrysler Binası, özellikle radyatör süslerinden ilham alan Art Deco heykelleri barındırırken, girişleri ve lobileri heykel, seramik ve karmaşık tasarım öğeleri dahil olmak üzere gösterişli Art Deco süslemeler sergiliyordu. Daha az yüksek olsa da benzer yapılar daha sonra Chicago'da ve diğer büyük Amerikan metropollerinde ortaya çıktı. Rockefeller Center, ortasında bir çeşme bulunan geniş bir açık plaza etrafında kümelenmiş çok sayıda yüksek yapıdan oluşan yenilikçi bir kentsel planlama konseptini tanıttı.

Newark, New Jersey'de, Hudson Nehri'nin karşı tarafında, 1920'ler ve 1930'larda Art Deco gökdelenler dikildi. Dikkate değer örnekler arasında Ralph Thomas Walker tarafından tasarlanan New Jersey Bell Genel Merkezi (1929); Frank Grad'ın yazdığı Lefcourt Binası (1930); ve John H. Wilson C. Ely tarafından yazılan National Newark Binası (1933). O dönemde Newark Halk Kütüphanesi'ni yöneten John Cotton Dana, bu mimari gelişmelerin Newark'ı "devasa, kaba ve düşüncesiz bir endüstriyel Frankenstein canavarından bir zarafet yerine" dönüştürdüğünü gözlemledi.

Ticaret Katedrali

Amerikan Art Deco iç tasarımının en göze çarpan örnekleri hükümet binalarının lobilerinde, tiyatrolarda ve özellikle ticari ofis binalarında bulundu. Bu iç mekanlar, heykelleri, duvar resimlerini ve mermer, cam, seramik ve paslanmaz çelikten yapılmış karmaşık geometrik desenleri birleştiren canlı ve dinamik bir estetiğe sahipti. İlk örneklerden biri, Joseph Nathaniel French tarafından tasarlanan, lobisinin yoğun bir şekilde heykel ve seramiklerle süslendiği Detroit'teki Fisher Binası'dır. 1929'da Wirt Rowland tarafından tamamlanan Detroit'teki Guardian Binası (başlangıçta Union Trust Binası), son derece parlak çelik asansör kapıları ve tezgahlarıyla vurgulanan, canlı renkli seramiklerin yanı sıra kırmızı ve siyah mermerle sergilendi. Duvara monte edilen heykelsi unsurlar endüstrinin ve tutumluluğun erdemlerini tasvir ediyordu ve bu da binanın hemen "Ticaret Katedrali" olarak tanımlanmasına yol açtı. Timothy Pflueger tarafından tasarlanan, San Francisco'daki 450 Sutter Caddesi'ndeki Tıp ve Dişçilik Binası, oldukça stilize bir formda ortaya çıkan Maya mimarisinden ilham aldı. Bu yapı piramidal şekillere sahipti ve iç duvarları stilize edilmiş hiyeroglif sıralarıyla süslenmişti.

Fransa'da, Art Deco iç tasarımının bu döneme ait önde gelen örneği, Albert Laprade, Léon Jaussely ve Léon Bazin'in ortak çalışması olan Palais de la Porte Dorée'dir (1931). Şu anda Ulusal Göç Müzesi'ne ve bodrum katında bir akvaryuma ev sahipliği yapan bu yapı, ilk olarak 1931 Paris Sömürge Sergisi için Fransız kolonilerinin sakinlerini ve mallarını anmak için inşa edilmişti. Dış cephesi kapsamlı bir şekilde heykellerle süslenirken, lobi geometrik desenli ahşap parke zemin, Fransız kolonilerinin nüfusunu tasvir eden bir duvar resmi ve dikey kapılar ile yatay balkonların dengeli düzeniyle Art Deco tutarlılığı elde edildi.

Sinema Sarayları

Art Deco mimarisinin hayatta kalan en belirgin örneklerine sıklıkla 1920'ler ve 1930'larda inşa edilen sinemalarda rastlanır. Bu dönem, sessiz filmlerden sesli filmlere geçişle aynı zamana denk geldi ve film şirketlerinin, büyüyen izleyicileri ağırlamak için büyük şehir merkezlerinde büyük sinema salonları inşa etmelerine yol açtı. 1920'lerin sinema sarayları sıklıkla egzotik temaları Art Deco estetiğiyle bütünleştiriyordu; örneğin, Grauman'ın Hollywood'daki Mısır Tiyatrosu (1922) eski Mısır cenaze mimarisinden ilham alırken, Bakersfield, California'daki Fox Tiyatrosu, California Mission tarzı bir kuleyi Art Deco oditoryumuyla bütünleştirdi. Bunların en büyüğü, 1932'de faaliyete geçen New York City'deki Radio City Müzik Salonu'dur. Başlangıçta bir tiyatro performans alanı olarak tasarlanan bu salon, kısa sürede 6.015 seyirci kapasiteli bir sinemaya dönüştü. Donald Deskey imzalı iç tasarımında sürükleyici bir görsel deneyim yaratmak için cam, alüminyum, krom ve deri kullanıldı. Timothy Pflueger tarafından tasarlanan California, Oakland'daki Paramount Tiyatrosu, canlı bir seramik cepheye, dört katlı bir lobiye ve baylar ve bayanlar için ayrı Art Deco sigara salonlarına sahipti. Avrupa çapında benzer gösterişli saraylar ortaya çıktı. Heybetli kulesiyle öne çıkan Paris'teki Grand Rex (1932), 6.000 koltuklu Gaumont Sarayı'ndan (1931–1973) sonra Avrupa'nın en büyük sineması oldu. Londra'daki Gaumont Eyalet Sineması (1937), Empire State Binası'nı örnek alan, krem ​​rengi seramik karolarla kaplı bir kuleye ve Art Deco'yu İtalyan Rönesans tarzlarıyla harmanlayan bir iç mekana sahipti. Başlangıçta 100 zevkin kapısı adı verilen bir dans salonu olarak tasarlanan Şanghay, Çin'deki (1933) Paramount Tiyatrosu, 1949 Komünist Devrimi'nin ardından sinema olarak yeniden tasarlandı ve şu anda balo salonu ve disko olarak işlev görüyor. 1930'larda İtalyan mimarlar, bugünkü Eritre'de bulunan Asmara'da daha küçük bir film sarayı olan Cinema Impero'yu inşa ettiler. Bu tarihi sinema salonlarının birçoğu daha sonra çok katlı sinema salonlarına bölünmüş olsa da diğerleri restorasyondan geçmiş ve artık kendi toplulukları içinde kültürel merkezler olarak hizmet vermektedir.

Dekoratif Öğeler ve Tematik Motifler

Art Deco süslemesi birkaç farklı aşamadan geçerek gelişti. 1910'dan 1920'ye kadar Art Nouveau'nun gerilemesiyle eşzamanlı olarak tasarım estetiği, özellikle Paul Iribe'nin yaratımlarında örneklenen geleneksel formlara geri döndü. 1912'de André Vera, L'Art Décoratif dergisinde, daha önceki yüzyılların işçiliğine ve malzemelerine, özellikle meyve ve çiçeklerden oluşan sepetler ve çelenklerden oluşan yeni bir doğal form repertuarıyla birlikte geri dönüşü savunan bir makale yayınladı. Aynı zamanda, aynı on yılın bir başka Art Deco trendi, Fauvist sanat hareketinin canlı paletlerinden ve Ballets Russes'ın ayrıntılı kostümlerinden ve sahne tasarımlarından ilham aldı. Bu tarz sıklıkla köpekbalığı derisi, sedef, fildişi, renkli deri, lake ve boyalı ahşap gibi egzotik malzemeler ve mobilyaların geometrik niteliklerini vurgulayan dekoratif kaplamalar ile kendini gösteriyordu. Bu özel üslup dönemi, 1925 Paris Dekoratif Sanatlar Sergisi ile doruğa ulaştı. 1920'lerin sonlarında ve 1930'lar boyunca, yeni malzemeler ve teknolojik gelişmelerin etkisiyle dekoratif tarz değişti. Daha şık ve daha az süslü hale geldi. Mimari trendleri yansıtan mobilyalar, yuvarlatılmış kenarlara sahip olmaya ve Streamline Moderne tarzından türetilen parlak, akıcı bir görünüme sahip olmaya başladı. Nikel veya krom kaplı çelik, alüminyum ve Bakalit (eski sentetik plastik) gibi yeni malzemeler mobilya ve dekoratif uygulamalarda yaygınlaştı.

Art Deco dönemi boyunca ve özellikle 1930'larda dekoratif motifler sıklıkla binanın amaçlanan işlevini aktardı. Tiyatrolar müziği, dansı ve heyecanı gösteren heykellerle süslendi; enerji şirketleri gün doğumlarını sergiliyordu; Chrysler Binasında stilize kaput süsleri bulunuyordu. Örneğin, 1931 Paris Sömürge Sergisi'ndeki Palais de la Porte Dorée'nin frizleri, Fransız kolonilerinde yaşayan çeşitli milletleri tasvir ediyordu. Streamline stili, binanın kendisinin hareket halinde olduğu izlenimini verdi. Benzer şekilde, 1930'ların İş Geliştirme İdaresi'nin (WPA) duvar resimleri, genellikle fabrika işçileri, posta çalışanları, aileler ve çiftçiler gibi sıradan bireyleri, geleneksel klasik kahramanlardan farklı kahramanlar olarak tasvir ediyordu.

Ortaya çıktığı karmaşık dönemi yansıtan Art Deco, minimalizm ve maksimalizm, açısallık ve akışkanlık, zigurat formları ve aerodinamik tasarımlar ile simetri ve düzensizlik arasındaki etkileşim gibi bir dizi içsel çelişkiyle en iyi şekilde karakterize edilir. Art Deco sanatçılarının bu dönemi temsil etmek için seçtiği ikonografi de benzer şekilde paradokslarla doluydu. Örneğin, 18. yüzyıl kıyafetleri içindeki güzel bakireler, şık, sofistike kadınlar ve uzanmış çıplaklar ile bir arada bulunurken, şimşek çakmaları stilize gül goncalarını aydınlatıyor.

Mobilya

1910 ile 1920'lerin başı arasında üretilen Fransız mobilyaları, Louis Majorelle, Charles Plumet ve diğer üreticilerin Art Nouveau tasarımlarından unsurları içeren, esas olarak geleneksel Fransız mobilya stillerinin bir evrimini oluşturuyordu. Fransız mobilya üreticileri, Alman üreticilerin ve onların tarzlarının, özellikle de sadeliği ve net çizgileriyle dikkat çeken Biedermeier tarzının artan öneminden bir tehdit algıladılar. Yanıt olarak, Fransız tasarımcı ve Paris Salon d'Automne'un başkanı Frantz Jourdain, Münih'teki tasarımcıları 1910 Salonuna katılmaya davet etti. Ortaya çıkan Alman estetiğini gözlemleyen Fransız tasarımcılar, bu zorluğa karşı koymaya karar verdiler. Sonuç olarak, düzenlemeleri modern tasarımların özel sergilenmesini öngören 1912 Salonu'nda yeni Fransız tarzlarını sergilemeye karar verdiler. Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare ve Louis Suë dahil olmak üzere tüm önemli Fransız mobilya tasarımcıları, Louis XVI ve Louis Philippe gibi geleneksel Fransız tarzlarını yeniden yorumlayan yenilikçi parçalar sunarak katıldı. Bu yeni tasarımlar, Kübizm'den etkilenen köşeli formları ve Fovizm ile Nabis hareketinden türetilen canlı tonları içeriyordu.

Ressam André Mare ve mobilya tasarımcısı Louis Süe, 1912 Salonuna katıldı. Savaşın ardından iki adam, resmi olarak Compagnie des Arts Française olarak adlandırılan, ancak genellikle Suë ve Mare olarak anılan kendi şirketlerini kurmak için işbirliği yaptı. Her bir öğeyi ayrı ayrı üreten Louis Majorelle gibi önde gelen Art Nouveau tasarımcılarının aksine Mare ve Süe, mobilya, züccaciye, halı, seramik, duvar kağıdı ve aydınlatmayı kapsayan kapsamlı iç tasarımlar üretmek için yetenekli zanaatkarlardan oluşan bir ekip oluşturdu. Kreasyonları, canlı renkler ve çiçek motifleri oluşturmak için sedef, abalon ve gümüş kaplı metalle kaplanmış abanoz gibi zarif ahşapların kullanımıyla karakterize ediliyordu. Tasarım portföyleri okyanus gemilerinin iç kısımlarından Jean Patou'nun markası için parfüm şişelerine kadar uzanıyordu. Firma 1920'lerin başında gelişmesine rağmen, kurucularının girişimcilerden çok zanaatkarlar olarak daha yetenekli olduklarını kanıtladılar. Sonuç olarak, firma 1928'de tasfiye edildi ve bu da her iki adamın da ayrılmasına yol açtı.

Alsaslı bir tasarımcı olan Émile-Jacques Ruhlmann, 1925 Dekoratif Sanatlar Fuarı'nın en önde gelen mobilya tasarımcısı olarak ortaya çıktı. Başlangıçta kreasyonlarını 1913 Sonbahar Salonunda sergiledi, ardından 1925 Sergisinde "Zengin Koleksiyoncunun Evi" adlı özel pavyonunu kurdu. Ruhlmann, abanoz, maun, gül ağacı, ambon ve diğer egzotik ağaçlar gibi en nadir ve pahalı malzemeleri özel olarak kullandı. Bunlar genellikle fildişi, kaplumbağa kabuğu ve sedef kakmalarla süslenirken, küçük ipek ponponlar da dolap çekmecelerinin kulplarını süsledi. Mobilya tasarımları 18. yüzyıl modellerinden ilham aldı ve daha sonra bunları basitleştirip yeniden yapılandırdı. Zanaatkarlığının ayırt edici özelliği, mobilyaların iç yapısının tamamen gizlenmesiydi. Tipik olarak meşe çerçeve, ilk olarak ince ahşap şeritlerden oluşan bir katmanla ve ardından ikinci bir nadir ve pahalı ahşap katmanıyla tamamen kaplandı. Bu karmaşık katmanlama daha sonra kaplandı ve cilalandı; bu, parçanın tek, sağlam bir ahşap bloktan yontulmuş olduğu yanılsamasını yarattı. Koyu renkli ahşap genellikle fildişi kakmalar, anahtar plakaları ve kulplarla tezat oluşturuyordu. Ruhlmann, koltukların bulundukları odanın belirli işlevlerine göre tasarlanmış farklı tasarımlar gerektirdiğini öne sürdü: oturma odası koltukları misafirperverlik için, ofis sandalyeleri konfor için ve salon sandalyeleri zenginlik için tasarlandı. Her mobilya tasarımının üretimi az sayıda parçayla sınırlıydı ve yatak veya dolaplarından birinin ortalama maliyeti tipik bir evinkini aşıyordu.

Başlangıçta geleneksel bir mobilya tasarımcısı olan Jules Leleu, 1920'lerde sorunsuz bir şekilde Art Deco hareketine geçiş yaptı. Dikkate değer siparişleri arasında Élysée Sarayı'nın yemek odası mobilyaları ve Normandiya buharlı gemisinin birinci sınıf kabinleri vardı. Leleu'nun abanoz, Macassar ağacı ve cevizden oluşan kendine özgü tarzı, genellikle fildişi ve sedef plaklarla süslenmiştir. 1920'lerin sonlarında lake Art Deco mobilyalara öncülük etti ve 1930'ların sonlarında füme cam panelli metal içeren tasarımları tanıttı. Eş zamanlı olarak İtalya'da Gio Ponti, modern mobilya estetiğiyle tanındı.

Ruhlmann gibi tasarımcılar ve diğer gelenekçiler tarafından üretilen gösterişli ve egzotik mobilyalar, başta mimar Le Corbusier olmak üzere modernistler arasında ciddi bir öfke yarattı. Bu hoşnutsuzluk, Le Corbusier'i, dekoratif sanat tarzını şiddetle eleştiren önemli bir dizi makale yazmaya yöneltti. Mobilyaların yalnızca varlıklı kişilerin erişimine açık olmasını kınadı, bunun yerine tasarımcıların ekonomik malzemelerden çağdaş tarzda parçalar üretmesini ve böylece bunları genel halk için uygun fiyatlı hale getirmesini savundu. Daha sonra Le Corbusier, özellikle maliyet etkinliği ve seri üretim için tasarlanan kendi sandalye tasarımlarını geliştirdi.

1930'larda mobilya tasarımları daha pürüzsüz yüzeyler ve eğrisel formlar içerecek şekilde gelişti. Bu daha sonraki Art Deco tarzının önde gelen uygulayıcıları arasında, Radio City Müzik Salonu'nun iç mekanlarından sorumlu oldukça etkili bir tasarımcı olan Donald Deskey vardı. Deskey, alüminyum, krom ve eski bir plastik olan bakalit gibi geleneksel ve çağdaş malzemeleri yenilikçi bir şekilde birleştirdi. 1930'ların diğer önemli Amerikan Art Deco mobilya tasarımcıları arasında Gilbert Rohde, Warren McArthur ve Kem Weber vardı.

Kendine özgü estetiğiyle karakterize edilen Şelale stili, 1930'lar ve 1940'lar boyunca yaygın bir popülerlik kazandı ve o dönemin baskın Art Deco mobilya biçimi haline geldi. Bu parçalar genellikle, basamaklı bir şelalenin görsel izlenimini çağrıştıran, sarı kaplamayla kaplanmış ve yuvarlatılmış kenarlara sahip kontrplaktan oluşuyordu.

Tasarım

Art Deco'nun farklı bir çeşidi olan Streamline, 1930'ların ortasında ortaya çıktı ve yüksek hızlarda sürtünmeyi azaltmak amacıyla havacılık ve balistik için geliştirilen çağdaş aerodinamik ilkelerden ilham aldı. Tasarımcılar bu karakteristik mermi şekillerini otomobiller, trenler ve gemilerin yanı sıra buzdolapları, benzin pompaları ve mimari yapılar gibi sabit nesneler de dahil olmak üzere çok çeşitli öğelere uyguladılar. 1933 Chrysler Airflow, bu tarzı somutlaştıran en eski üretim araçlarından birini temsil ediyordu. Ticari düşük performansına rağmen Airflow'un estetik çekiciliği ve işlevsel tasarımı, modernite için önemli bir örnek oluşturdu ve otomotiv tasarımını İkinci Dünya Savaşı sonrası döneme kadar etkiledi.

Yeni endüstriyel malzemelerin ortaya çıkışı, otomobillerin ve ev eşyalarının tasarımını önemli ölçüde etkiledi. Bu malzemeler alüminyum, krom ve ilk sentetik plastik olan bakaliti kapsıyordu. Bakalit'in doğal kalıplanabilirliği, çeşitli şekillerde hızla benimsenmesini kolaylaştırdı ve telefonlarda, radyolarda ve diğer ev aletlerinde yaygın şekilde kullanılmasına yol açtı.

Okyanus gemileri de benzer şekilde, Fransızca'da Stil Paquebot veya "Okyanus Astar Stili" olarak adlandırılan Art Deco estetiğini benimsiyordu. 1935'te ilk transatlantik yolculuğuna başlayan SS Normandiya, bu tarzın en ünlü örneği olarak duruyor. Tasarımı özellikle varlıklı Amerikalıları alışveriş için Paris'e taşımayı amaçlıyordu. Geminin kabinleri ve salonları en çağdaş Art Deco mobilya ve süslemeleriyle sergilendi. Özellikle, geminin birinci sınıf restoran olarak hizmet veren Büyük Salonu, Versailles Sarayı'ndaki Aynalı Salonun boyutlarını aşmıştı. Aydınlatma, on iki Lalique kristal sütunun içine entegre edilmiş elektrik ışıklarıyla sağlanıyor ve duvarları kaplayan karşılık gelen otuz altı sütunla tamamlanıyor; bu, aydınlatmanın doğrudan mimari tasarıma dahil edilen erken bir örneğini temsil ediyor. Bu ayırt edici gemi stili daha sonra karasal mimariye uyarlandı. Öne çıkan bir örnek, 1937'de hamam olarak inşa edilen, gemi korkulukları ve yuvarlatılmış köşeleriyle bir feribotu çağrıştıran San Francisco Denizcilik Müzesi binasıdır. Hong Kong'daki Star Feribot Terminali de bu mimari yaklaşımın bir varyasyonunu içeriyordu.

Tekstil

Tekstil, Art Deco estetiğinin önemli bir bileşenini oluşturuyordu ve canlı duvar kağıtları, döşemeler ve halılar olarak kendini gösteriyordu. 1920'lerde tasarımcılar, Ballets Russes'ın sahne setleri, Léon Bakst'ın kumaş tasarımları ve kostümleri ve Wiener Werkstätte'nin yenilikçi yaratımları dahil olmak üzere çeşitli kaynaklardan ilham aldılar. André Mare'nin erken dönem iç tasarımları, duvarları, zeminleri ve mobilyaları süsleyen, parlak renkli ve son derece stilize edilmiş gül ve çiçek çelenklerini belirgin bir şekilde içeriyordu. Stilize bitkisel motifler, Raoul Dufy ve Paul Poiret'in eserlerinin yanı sıra J.E. Ruhlmann'ın mobilya tasarımlarını da benzer şekilde karakterize etti. Paul Poiret, çiçekli halıyı kendine özgü Art Deco tarzında yeniden yorumlamasıyla tanınır.

Art Deco tarzının benimsenmesi, tasarımcıların hassas çizgiler ve canlı renkler elde etmesini sağlayan pochoir şablon tabanlı baskı tekniğinin uygulanmasıyla önemli ölçüde ilerleme kaydetti. Art Deco estetiği Paul Poiret, Charles Worth ve Jean Patou gibi tasarımcıların yarattığı kıyafetlere entegre edildi. Birinci Dünya Savaşı'nın ardından, tekstil ve hazır giyim ihracatı, Fransa için birincil döviz kaynağı olarak ortaya çıktı.

Art Deco'nun duvar kağıdı ve tekstildeki daha sonraki tezahürleri sıklıkla endüstriyel manzaraların, şehir panoramalarının, lokomotiflerin ve diğer çağdaş motiflerin stilize edilmiş tasvirlerini içeriyordu. Bu tasarımlar aynı zamanda sıklıkla stilize kadın figürleri, metalik vurgular ve karmaşık geometrik desenler içeriyordu.

Moda

Moda, bu dönemde büyük ölçüde tasarımcılar Paul Poiret ve ardından Coco Chanel'den etkilenen derin bir dönüşüm geçirdi. Poiret, geleneksel terzilik ve kalıp yapımı yöntemlerinden önemli bir ayrılığa işaret ederek, drapaj kavramına öncülük etti. Tasarımları, yapısal sadeliği vurgulayan, düz çizgilerle kesilmiş ve dikdörtgen elemanlardan oluşan giysiler içeriyordu. Önceki dönemde yaygın olan kısıtlayıcı korse silüetleri ve resmi stiller bir kenara atılarak daha pratik ve akıcı bir modaya yol açıldı. Bu değişim, yeni malzemelerin, daha parlak renk tonlarının ve yenilikçi baskılı tasarımların dahil edilmesiyle daha da kolaylaştırıldı. Coco Chanel, sportif, gündelik zarafetle karakterize edilen bir tarzı popüler hale getirerek bu evrimi daha da ileri götürdü.

Dönemin ayırt edici bir arketipi, kısa kesilmiş saçları, kokteyl tüketimi, halka açık yerlerde sigara içmesi ve şık kulüplerde, kabarelerde veya bohem mekanlarda gece geç saatlere kadar dans etmesiyle karakterize edilen Flapper'dı. Ancak bu tasvir, kadınların çoğunluğu için yaşanmış gerçeklikten ziyade, büyük ölçüde popüler hayal gücünün bir figürünü temsil ediyordu. Öne çıkan bir diğer kadın Art Deco estetiği, 1920'lerin çift cinsiyetli garçonne'siydi; düzleştirilmiş bir göğüs, tanımsız bir bel ve açıkta kalan bacaklar, böylece silueti kısa, boru şeklinde bir forma indirgemiş ve genellikle vücuda oturan bir cloche şapkayla tamamlanıyordu.

Takı

1920'ler ve 1930'lar boyunca, René Lalique ve Cartier gibi önde gelen tasarımcılar, daha küçük zümrütler, yakutlar ve safirler de dahil olmak üzere daha geniş bir yelpazedeki canlı değerli taşları bir araya getirerek elmasların geleneksel üstünlüğünü azaltmaya çalıştılar. Aynı zamanda, genellikle emaye, cam, boynuz ve fildişi gibi daha erişilebilir malzemeleri kullanarak oldukça karmaşık ve rafine ayarlara öncelik verdiler. Elmasların kendileri alışılmadık şekillerde şekillendirildi; 1925 Sergisi, özellikle minyatür çubuklar veya kibrit çöpleri halinde kesilmiş çok sayıda elmas sergiliyordu. Ek popüler Art Deco elmas kesimleri şunları kapsıyor:

• uzun, kademeli kesim yönleriyle öne çıkan zümrüt kesim;
• Zümrüt kesime göre daha kare formlu, yüksek taçlı ve ilk patentli elmas kesim olarak dikkat çeken Asscher kesimi;
• Daha büyük ve belirgin bir izlenim yaratmak için tasarlanmış markiz kesim;
• daha büyük merkezi taşları vurgulamak için sıklıkla kullanılan küçük, dikdörtgen basamaklı kesim şekilleriyle karakterize edilen baget kesimi;
• Değerli taşın içinden 'ateş' olarak bilinen renk parıltıları yaymak üzere tasarlanmış, elle şekillendirilmiş yuvarlak bir şekil olan eski Avrupa kesimi.

Elmas ayarları da önemli ölçüde gelişti; kuyumcular, taş kümelerinin yerleştirilmesini kolaylaştıran üstün gücü ve esnekliği nedeniyle platini altına giderek daha fazla tercih ediyordu. Ayrıca, emaye ve siyah oniks gibi daha koyu malzemelerin bir araya getirilmesi yaygınlaştı ve elmasların parlaklığıyla daha keskin bir kontrast oluşturdu.

Takı tasarımları gözle görülür derecede daha canlı ve stil açısından daha çeşitli hale geldi. Cartier ve Boucheron gibi firmalar, broşlar, yüzükler, küpeler, klipler ve kolye uçları oluşturmak için elmasları yaprak, meyve veya çiçek benzeri şekillerde titizlikle kesilmiş bir dizi renkli değerli taşla birleştirdi. Eş zamanlı olarak Uzakdoğu motifleri de hatırı sayılır bir popülerlik kazandı; yeşim ve mercan plakalar platin ve elmaslarla eşleştirilirken makyaj kutuları, sigara tabakaları ve pudra kutuları sedef, emaye ve lakeden hazırlanmış Japon ve Çin manzara sahneleriyle süslendi.

Giyim stillerinin hızlı gelişimi, yeni takı tasarımlarının ortaya çıkmasını doğrudan etkiledi. 1920'lerde kolsuz elbiselerin yaygınlaşması, kol süslemelerini gerektirdi ve tasarımcıları hızla altın, gümüş ve platinden yapılmış, genellikle lapis lazuli, oniks, mercan ve diğer renkli taşlarla kaplanmış bilezikler üretmeye yöneltti. Bazı bilezikler özellikle kolun üst kısmı için tasarlandı ve birden fazla bileziğin aynı anda takılması yaygındı. 1920'lerde kadınların benimsediği kısa saç modelleri, karmaşık Art Deco küpe tasarımlarının yaratılmasını teşvik etti. Sigara içen kadınların kamusal görünürlüğünün artmasıyla birlikte, tasarımcılar son derece süslü sigara tabakaları ve fildişi sigara ağızlıkları geliştirdiler. Kol saatinin Birinci Dünya Savaşı öncesindeki icadı, kuyumculara sıklıkla elmaslarla kaplanmış ve emaye, altın ve gümüşle kaplanmış olağanüstü süslü saatler üretme konusunda ilham verdi. Ayrıca kurdelelere asılan kolye saatleri de popülerlik kazandı.

Bu dönemde Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin ve Van Cleef & Arpels'in tamamı, ortaya çıkan Art Deco estetiğini yansıtan mücevherler ve dekoratif ürünler üretti. Örneğin Chaumet, sert taşlardan yeşim, lapis lazuli, elmas ve safirlerle süslenmiş son derece geometrik sigara kutuları, çakmaklar, hap kutuları ve defterler yaptı. Daha sonra çok sayıda yeni tasarımcı bu harekete katıldı ve her biri Deco stilinin farklı yorumlarına katkıda bulundu. Raymond Templier, gökdelenleri andıran gümüş küpelerle örneklenen karmaşık geometrik motiflere sahip parçalar yarattı. Mücevher tasarımı kariyerine 1921 yılında 18 yaşındayken başlayan Gerard Sandoz, çağdaş makinelerin şık ve parlak görünümüyle karakterize edilen pek çok beğenilen eser üretti. Tanınmış bir cam tasarımcısı olan René Lalique de bu alana girerek, püsküllerle süslenmiş ipek kordonlara asılı, parlak renkli camdan meyveler, çiçekler, kurbağalar, periler veya deniz kızlarını tasvir eden kolyeler tasarladı. Kuyumcu Paul Brandt, incileri oniks plakalar üzerine doğrusal düzenlemelerle gömerek zıt dikdörtgen ve üçgen desenler kullandı. Jean Despres, gümüşü siyah lake veya altın gibi malzemeleri lapis lazuli ile birleştirerek kolyelerinde çarpıcı renk kontrastları elde etti. Kreasyonlarının çoğu, endüstriyel bileşenlerin son derece parlak yüzeylerini çağrıştırıyordu. Jean Dunand da benzer şekilde modern makinelerden ilham alarak parlak metalle kontrast oluşturan canlı kırmızıları ve siyahları birleştirdi. Suzanne Belperron, kaya kristali ve yarı değerli taşlar gibi malzemeleri kullanarak heykelsi tasarımlar ortaya koydu ve böylece dönemin alışılmadık unsurları kucakladığını vurguladı. Kübizm'den etkilenen Jean Fouquet, abanoz ve krom kaplı çelik gibi malzemeleri birleştirerek Art Deco takılara farklı bir modernist duyarlılık aşıladı. Art Deco hareketine katkıda bulunan diğer önemli kişiler arasında Boucheron, Lacloche ve gümüş ve daha erişilebilir değerli taşlar konusundaki uzmanlığıyla tanınan Danimarkalı gümüşçü Georg Jensen vardı. Tiffany & Co., Black, Starr & Frost ve Marcus & Co. ayrıca saat, sanat objeleri ve çeşitli mücevher parçaları üreterek önemli katkılarda bulundu.

Cam Sanatı

Önceki Art Nouveau dönemine benzer şekilde, Art Deco dönemi, mimari ortamlarını tamamlamak üzere titizlikle hazırlanmış zarif camlar ve diğer dekoratif öğeler açısından seçkin bir dönemi temsil ediyordu. René Lalique, vazolardan otomobil kaporta süslemelerine kadar dönemin simgesi haline gelen çok çeşitli çalışmalarıyla cam objelerin en ünlü yaratıcısı olarak ortaya çıktı. Birinci Dünya Savaşı'ndan önce Lalique, camla deneyler yapmış, özellikle François Coty'nin parfümleri için şişeler tasarlamıştı; ancak önemli miktarda sanatsal cam üretimi ancak savaştan sonra başladı. 1918'de, 58 yaşındayken Combs-la-Ville'de önemli bir cam fabrikasını satın aldı ve ardından hem sanatsal hem de kullanışlı cam eşyaların üretimini başlattı. Cama heykelsi bir araç olarak yaklaşarak heykelcikler, vazolar, kaseler, lambalar ve çeşitli süs eşyaları üretti. Lalique, daha az parlaklığına rağmen daha yumuşak, daha şekillendirilebilir özelliklerini tercih ederek kurşun kristal yerine yarı kristal kullandı. Ara sıra renkli cam kullanırken, daha çok dış yüzeyin bir kısmının veya tamamının yıkamayla işlendiği yanardöner camı tercih etti. Lalique'nin katkıları, 1927'de SS Île de France ve 1935'te SS Normandie okyanus gemileri için dekoratif cam paneller, aydınlatma armatürleri ve aydınlatmalı cam tavanların yanı sıra Fransız demiryollarındaki seçkin birinci sınıf yataklı vagonların sağlanmasına kadar uzanıyordu. 1925 Dekoratif Sanatlar Sergisi'nde kendi pavyonunu sergiledi, Sèvres Pavyonu için masa düzeni ve uyumlu bir cam tavanla tamamlanmış bir yemek odası tasarladı ve Cours des Métiers avlusu için yanlarından su çıkaran ve hava karardıktan sonra aydınlatılan ince bir cam sütun olan bir cam çeşme tasarladı.

Diğer önde gelen Art Deco cam üreticileri arasında uzmanlığı balıkları, çıplakları ve hayvanları tasvir eden heykelcikler, vazolar, kaseler ve cam heykeller yaratmak. Bu kreasyonlar için sıklıkla, ortamdaki ışık koşullarına bağlı olarak rengi beyazdan maviye ve kehribar rengine geçebilen bir malzeme olan yanardöner cam kullandı. Vazoları ve kaseleri, hayvanları, çıplakları veya meyve veya çiçeklerle süslenmiş kadın büstlerini içeren kalıplanmış frizlerle karakterize ediliyordu. Sabino'nun sanatsal üretimi genellikle daha az abartılıydı ancak Lalique'inkinden daha canlıydı.

Diğer önde gelen Art Deco cam tasarımcıları arasında, genellikle geometrik motifler ve heykel çıplakları içeren canlı, yanardöner renk tonlarıyla tanınan Edmond Etling yer alıyordu. Albert Simonet, Aristide Colotte ve Maurice Marinot da dikkate değerdi; Marinot özellikle derin kazınmış heykelsi şişeleri ve vazolarıyla beğeni topladı. Daha önce Art Nouveau cam işçiliğiyle tanınan Daum firması Nancy, daha sonra sağlam, geometrik ve sağlam formlarıyla karakterize edilen bir dizi Art Deco vazo ve cam heykel yarattı. Buna karşılık, daha karmaşık, çok renkli parçalar, kelebekler ve perilerle süslenmiş ince gölgeli vazolar tasarlayan Gabriel Argy-Rousseau ve vazoları farklı çizgili ve mermer desenlere sahip olan François Decorchemont tarafından üretildi.

Büyük Buhran, büyük ölçüde varlıklı müşterilere dayanan dekoratif cam endüstrisini önemli ölçüde etkiledi. Sonuç olarak, bazı sanatçılar çabalarını dini komisyonlar için vitray pencereler yaratmaya yönlendirdiler. 1937'de Steuben cam şirketi, ünlü sanatçıları cam eşya tasarlamaları için görevlendiren bir program başlattı. Özellikle, Art Nouveau mobilyalarıyla tanınan Louis Majorelle, Fransa'nın Longwy kentinde bulunan bir çelik fabrikası olan Aciéries de Longwy'nin ofisleri için çelik işçilerini tasvir eden olağanüstü bir Art Deco vitray pencere tasarladı.

Art Deco vitray pencerelerin nadir bir örneği, Parisli cam sanatçısı Jean Gaudin tarafından 1932 ile 1934 yılları arasında Parisli cam sanatçısı Jean Gaudin tarafından inşa edilen Amiens Katedrali'ndeki Kutsal Kalp Şapeli'nde bulunabilir. Jacques Le Breton.

Metal Sanatı

Art Deco uygulayıcıları, geleneksel ferforjeden krom kaplı çeliğe kadar endüstriyel malzemeleri kullanarak çok çeşitli işlevsel nesneler yarattılar. Örneğin Amerikalı sanatçı Norman Bel Geddes, krom kaplı çelikten yapılmış gökdelenden ilham alan bir kokteyl seti tasarladı. Raymond Subes, 1931 Paris Sömürge Sergisi'nin merkezi özelliği olan Palais de la Porte Dorée'nin girişi için zarif bir metal ızgara tasarladı. Fransız heykeltıraş Jean Dunand da önemli bir katkıda bulunarak 1935'te altın varak ve alçı üzeri boyayla süslenmiş "Av" temalı muhteşem kapılar üretti.

Kurguda Tasvirler

Art Deco estetiği ve görsel motifler, aralarında Batman, Night Hood, Fuarda Her Şey, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia ve Uyuyan Güzel'in de bulunduğu çok sayıda animasyon filmine dahil edildi. Ayrıca, BioShock video oyunu serisindeki kurgusal sualtı metropolü Rapture'da mimari tarz belirgin bir şekilde sergileniyor.

Art Deco görsel öğeleri, animasyon bilim kurgu filmi Transformers One'da Iacon City için mimari ilham kaynağı oldu.

Küresel Art Deco Mimarisi

Art Deco mimarisi 1939'da Avrupa'da ortaya çıkmış olsa da, örnekleri her kıtadaki büyük şehirlerde ve neredeyse her ülkede bulunabilirdi. Aşağıda her kıtadan dikkate değer yapılardan bir seçki sunulmaktadır.

Afrika

Afrika

Afrika'daki Art Deco yapıların çoğunluğu, Avrupa'nın sömürge yönetimi döneminde, çoğunlukla İtalyan, Fransız ve Portekizli mimarların tasarım yönetimi altında inşa edildi.

Asya

Asya'daki çok sayıda Art Deco binası Avrupalı mimarlar tarafından tasarlanırken, Juan Nakpil, Juan Arellano ve Pablo Antonio gibi yerel uygulayıcılar özellikle Filipinler'de öne çıkıyordu. 20. yüzyılın sonlarındaki önemli ekonomik genişleme sırasında Asya'daki birçok Art Deco simgesi yıkılmış olsa da, başta Şanghay ve Mumbai olmak üzere birçok önemli mimari bölge varlığını sürdürüyor.

1929'da Mumbai'de kurulan Hindistan Mimarlar Enstitüsü, Art Deco hareketini önemli ölçüde geliştirdi. Kasım 1937'de enstitü, Mumbai Belediye Binasında 12 gün süren ve yaklaşık 100.000 katılımcının katıldığı 'İdeal Ev Sergisi'ni düzenledi. Bu sergi daha sonra 'Journal of the Indian Institute of Architects' tarafından bir zafer olarak övüldü. Sergilerde, mimari eksiklikleri ortadan kaldırmak için titiz tasarımı vurgulayan ve son derece verimli, düşünceli bir şekilde tasarlanmış prototipler sunan, optimal veya daha doğrusu çağdaş konut konfigürasyonları sergilendi. Sergi, tamamı yeni ve bilimsel açıdan uygun malzeme ve metodolojileri içeren mobilyalar, iç dekorasyon unsurları ve radyo ve buzdolabı gibi ev aletleri dahil olmak üzere çeşitli ev bileşenlerini kapsıyordu. Batı eğilimlerini yansıtma arzusuyla hareket eden Hintli mimarlar, Art Deco'nun doğasında bulunan endüstriyel modernitenin büyüsüne kapıldılar. Batılı elitlerin başlangıçta Art Deco'nun teknolojik açıdan gelişmiş yönlerini keşfetmesi, mimarları 1930'ların başında Art Deco'nun entegrasyonunu başlatmaya teşvik etti.

1930'larda Mumbai'nin gelişen liman ticareti, eğitimli orta sınıf demografisinin genişlemesini teşvik etti. Eş zamanlı olarak iş bulmak amacıyla Mumbai'ye göç eden bireylerin sayısı da yeni altyapıya olan talebi yoğunlaştırdı. Bu, Arazi Islah Planları ve çok sayıda kamu ve konut binasının inşası da dahil olmak üzere kapsamlı kentsel gelişimi gerektirdi. Eş zamanlı olarak, ülke içinde gelişen siyasi ortam ve Art Deco estetiğinin istek uyandıran doğası, bu mimari tarzın şehrin kentsel genişlemesinde yaygın olarak benimsenmesini kolaylaştırdı. Bu döneme ait önemli miktarda yapı, Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Yolu, Cumbala Tepesi, Dadar, Matunga, Bandra ve Chembur dahil olmak üzere çeşitli şehir mahallelerine dağılmıştır.

Avustralya ve Yeni Zelanda

Avustralya'da Melbourne ve Sidney'de birçok önemli Art Deco yapı bulunuyor. Melbourne'deki dikkate değer örnekler arasında Manchester Unity Binası ve eski Russell Street Polis Merkezi bulunmaktadır. Victoria'nın merkezindeki Castlemaine'deki Castlemaine Sanat Müzesi de bu tarzı temsil ediyor. Sidney'in önemli Art Deco yapıları arasında Grace Binası, AWA Kulesi ve Anzak Anıtı yer alıyor.

1931 Hawke Körfezi depreminin ardından, başta Napier ve Hastings olmak üzere birçok Yeni Zelanda kasabası Art Deco tarzında yeniden inşa edildi. Bu binaların çoğu o zamandan beri koruma ve restorasyon aldı. Napier, Yeni Zelanda'nın ilk kültürel alan adaylığı olarak UNESCO Dünya Mirası Listesi'ne aday gösterildi. Wellington ayrıca Art Deco mimarisinin önemli bir koleksiyonunu da muhafaza ediyor.

Kuzey Amerika

Kanada'da mevcut Art Deco yapıları ağırlıklı olarak büyük şehir merkezlerinde bulunmaktadır. Bunlar, Vancouver Belediye Binası gibi sivil yapılardan College Park gibi ticari mülklere ve R. C. Harris Su Arıtma Tesisi'nin örneklerini verdiği kamu hizmetleri altyapısına kadar uzanır.

Meksika'nın en çarpıcı Art Deco tezahürü, 1934'te tamamlanan ve karmaşık dekoru ve duvar resimleriyle öne çıkan Palacio de Bellas Artes'in (Güzel Sanatlar Sarayı) iç kısmıdır. Konut Art Deco mimarisi, Condesa bölgesinde belirgindir ve birçok tasarım Francisco J. Serrano'ya atfedilir.

Amerika Birleşik Devletleri genelinde, Art Deco mimarisi kıyıdan kıyıya büyük şehirlerde yaygındır. Uygulaması en çok ofis binaları, tren istasyonları, havaalanı terminalleri ve sinemalar gibi ticari yapılarda görülürken, konut örnekleri nadirdir. 1920'ler ve 1930'lar boyunca, Güneybatı Amerika Birleşik Devletleri'ndeki, özellikle de New Mexico'daki mimarlar, Albuquerque'nin KiMo Tiyatrosu'nda örneklenen 'Pueblo Deco'yu yaratmak için Pueblo Revival ve Bölgesel Stil unsurlarını Art Deco ile bütünleştirdiler. 1930'lar daha minimalist Streamline Moderne tarzının yükselişine tanık oldu. 1945 ile 1960'ların sonları arasında çok sayıda bina yerle bir edilmiş olsa da, önemli örnekleri korumak için daha sonra koruma girişimleri başlatıldı. Örneğin Miami Beach Şehri, seçkin Art Deco yapı koleksiyonunu korumak için Miami Beach Mimari Bölgesi'ni kurdu.

Orta Amerika ve Karayipler

Art Deco yapıları Küba da dahil olmak üzere Orta Amerika'ya dağılmıştır.

Avrupa

Art Deco mimari tarzının kökeni Paris'tir ve Auguste Perret'in Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) eserinde örneklenmiştir. Daha sonra, Londra'dan Moskova'ya kadar büyük şehir merkezlerinde örnekleri ortaya çıkarak Avrupa'ya hızla yayıldı. 1920'ler ve 1930'lar boyunca Almanya, iki farklı Art Deco çeşidinin çoğalmasına tanık oldu: Neue Sachlichkeit tarzı ve Ekspresyonist mimari. Öne çıkan örnekler arasında Erich Mendelsohn'un Berlin'deki Mossehaus ve Schaubühne'si, Fritz Höger'in Hamburg'daki Chilehaus'u ve Berlin'deki Kirche am Hohenzollernplatz'ın yanı sıra Hannover'deki Anzeiger Kulesi ve Berlin'deki Borsig Kulesi yer alıyor.

Brüksel Koekelberg'deki Sacred Heart Ulusal Bazilikası, Batı Avrupa'nın en önemli Art Deco yapılarından biri olarak duruyor. 1925'te mimar Albert van Huffel, Paris'teki Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes'te bazilika ölçekli modeliyle Mimarlık Büyük Ödülü'nü aldı.

İspanya ve Portekiz, özellikle sinema mekanlarında açıkça görülen Art Deco mimarisinin dikkate değer örneklerine sahiptir. Portekiz'de öne çıkan örnekler arasında Lizbon'daki Capitólio Tiyatrosu (1931) ve Éden Cine Tiyatrosu (1937), Porto'daki Rivoli Tiyatrosu (1937) ve Coliseu (1941) ve Santarém'deki Rosa Damasceno Tiyatrosu (1937) bulunmaktadır. İspanya'nın katkıları arasında Valensiya'daki Cine Rialto (1939) yer alıyor.

1930'lar boyunca Art Deco, Birleşik Krallık'taki konut ve kamu binası tasarımını önemli ölçüde etkiledi. Bu dönemin karakteristik özellikleri arasında düz çatılarla sonuçlanan doğrusal, beyaz boyalı ev cepheleri, belirgin biçimde geometrik kapı çevreleri, uzun pencereler ve dışbükey kavisli metal köşe pencereleri yer alıyordu.

Londra Metro sistemi, sayısız Art Deco mimari örneğiyle ünlüdür. Ek olarak, bu tarzdaki çeşitli yapılar Brentford'un Altın Mil'inde yer almaktadır. Batı Londra'da, ilk olarak The Hoover Company için inşa edilen Hoover Binası, 1990'ların başında bir süpermarkete dönüştürüldü.

Tarihsel olarak 19. yüzyılın "Küçük Paris'i" olarak anılan Bükreş, Birinci Dünya Savaşı'nın ardından New York City'den ilham alınarak önemli bir tasarım yeniden yönelimine uğradı. 1930'lar sinemayı, tiyatroyu, dansı, sanatı ve mimariyi etkileyen yeni bir kültürel estetiğin habercisi oldu. Bu on yıl boyunca Bükreş, Bulevardul Magheru gibi önemli caddelerden özel konutlara ve daha küçük mahallelere kadar Art Deco mimarisinin yaygınlaştığını deneyimledi. Modern Bükreş'in ilk simge yapılarından biri olan Telefon Sarayı, şehrin açılış gökdelenini temsil ediyordu. 52,5 metre (172 ft) yüksekliğiyle 1933'ten 1950'lere kadar şehrin en yüksek yapısı olarak kaldı. Tasarımı mimarlar Louis Weeks ve Edmond van Saanen Algi'ye atfedildi ve Walter Troy mühendis olarak görev yaptı. Bu Art Deco anıtları, Bükreş'in kimliğinin ayrılmaz bir parçasıdır ve tarihsel gelişimi açısından iki savaş arası önemli bir dönemi (Birinci Dünya Savaşı - İkinci Dünya Savaşı) simgelemektedir. Ancak Bükreş'in deprem bölgesindeki konumu göz önüne alındığında, o döneme ait bu yapıların büyük çoğunluğu sismik olaylara karşı hassastır.

Güney Amerika'da Art Deco

Art Deco'nun Güney Amerika'daki varlığı, özellikle 20. yüzyılın ilk yarısında önemli miktarda göç yaşayan ülkelerde belirgindir; Brezilya'daki São Paulo ve Rio de Janeiro, Arjantin'deki Buenos Aires ve Uruguay'daki Montevideo gibi varlıklı şehirlerde önemli mimari katkılar bulunmuştur. Sánchez, Lagos ve de la Torre tarafından tasarlanan Buenos Aires'teki Kavanagh Binası (1934), geç Art Deco tarzının bir örneğidir ve tamamlandığında en yüksek betonarme yapı olarak kabul edilmiştir.

Koruma Çabaları ve Neo-Art Deco Gelişmeleri

Çok sayıda şehir merkezinde, mevcut Art Deco yapıların korunmasına yönelik girişimler başlatıldı. Amerika Birleşik Devletleri'nde çok sayıda tarihi Art Deco sineması korundu ve kültür merkezleri olarak yeniden tasarlandı. Dahası, daha mütevazı Art Deco yapılar Amerika'nın mimari mirasının unsurları olarak korunmuştur; örneğin, Teksas Shamrock'ta Route 66 üzerinde yer alan bir Art Deco kafesi ve benzin istasyonu tarihi anıt statüsündedir. Miami Beach Mimarlık Bölgesi, yüzlerce tarihi binayı aktif olarak koruyor ve yeni yapıların Art Deco estetiğine uymasını zorunlu kılıyor. Bunun tersine, Küba'nın Havana kentinde önemli sayıda Art Deco binası ciddi bir bozulma yaşadı. Bu yapıların orijinal hallerine döndürülmesi için restorasyon çalışmaları şu anda devam ediyor.

21. yüzyılda, Neo Art Deco (veya neo-Art Deco) olarak adlandırılan Art Deco'nun çağdaş versiyonları, Amerika'nın çeşitli kent merkezlerinde 1920'ler ve 1930'ların tipik Art Deco yapılarından ilham alarak ortaya çıktı. Dikkate değer örnekler arasında New York City'deki 30 Rockefeller Plaza'ya atıfta bulunan Chicago'daki NBC Kulesi; Hoover Barajı'nı anımsatan Art Deco motiflerini içeren Las Vegas, Nevada'daki Smith Sahne Sanatları Merkezi; New Jersey, Jersey City'deki 99 Hudson, eyaletin en yüksek binası ve Amerika Birleşik Devletleri'nin 46. en yüksek binası olarak tanınmaktadır; Art Deco'dan etkilenen kireçtaşı ve cam doğrusal detaylarıyla öne çıkmaktadır; ve Brooklyn, New York'taki, siyah camı ve bronz borularıyla karakterize edilen, ilçenin en yüksek binası ve ulusal çapta 19. en yüksek binası olan Brooklyn Kulesi.

Referanslar

Referanslar

Kaynakça

Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). 20. Yüzyılın Tasarımı (25. yıl dönümü baskısı). Köln: Taschen. sayfa 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.

• Fiell, Charlotte; Fiell, Peter (2005). 20. Yüzyılın Tasarımı (25. yıl dönümü baskısı). Köln: Taschen. s. 48–53. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
  • Art Deco Miami Plajı
  • Art Deco Montreal
  • oturma odası iç tasarımı
  • Art Deco Şanghay
  • Art Deco Topluluğu New York
  • Montreal'de Art Deco Yürüyüşü