يشير آرت ديكو، وهو اختصار للمصطلح الفرنسي Arts Decoratifs (حرفيًا، "الفنون الزخرفية")، إلى أسلوب بارز في الفنون البصرية والهندسة المعمارية وتصميم المنتجات. ظهرت في باريس خلال العقد الأول من القرن العشرين، قبل الحرب العالمية الأولى مباشرة، وحققت انتشارًا عالميًا من عشرينيات إلى أوائل ثلاثينيات القرن العشرين، مما أثر على التصميم الجمالي والهيكلي للأشياء بدءًا من الصروح الكبيرة وحتى العناصر الصغيرة، بما في ذلك الملابس والأزياء والمجوهرات. يمكن ملاحظة التأثير المنتشر لفن الآرت ديكو في هياكل مثل ناطحات السحاب ودور السينما والجسور وسفن المحيطات، وكذلك في القطارات والسيارات والشاحنات والحافلات والأثاث والأشياء اليومية مثل أجهزة الراديو والمكانس الكهربائية.
آرت ديكو، اختصار للغة الفرنسية فنون الديكور (lit.'الفنون الزخرفية')، هو نمط من الفنون البصرية والهندسة المعمارية وتصميم المنتجات التي ظهرت لأول مرة في باريس في العقد الأول من القرن العشرين قبل الحرب العالمية الأولى مباشرة، وازدهرت عالميًا خلال عشرينيات وأوائل ثلاثينيات القرن العشرين، من خلال التصميم والتصميم الخارجي والداخلي لأي شيء بدءًا من الهياكل الكبيرة وحتى الأشياء الصغيرة، بما في ذلك الملابس والأزياء والمجوهرات. لقد أثر آرت ديكو على المباني من ناطحات السحاب إلى دور السينما والجسور وخطوط المحيطات والقطارات والسيارات والشاحنات والحافلات والأثاث والأشياء اليومية، بما في ذلك أجهزة الراديو والمكانس الكهربائية.
اكتسبت تسمية "آرت ديكو" رواجًا بعد عام 1925 المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة (المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة) الفنون الزخرفية والصناعية الحديثة) في باريس. يمكن إرجاع أصولها الأسلوبية إلى الجماليات الهندسية الواضحة لانفصال فيينا والتكعيبية. تضمنت التأثيرات المبكرة على آرت ديكو اللوحات النابضة بالحياة للحوشية والباليه الروسي، جنبًا إلى جنب مع التقاليد الفنية الغريبة للصين واليابان والهند وبلاد فارس ومصر القديمة وحضارة المايا. خلال فترته الأولية، تمت الإشارة إلى الأسلوب بتسميات مختلفة، مثل الأسلوب الحديث، أو الحديث، أو الحداثي، أو الأسلوب المعاصر، ولم يكن يُنظر إليه بعد ذلك على أنه حركة فنية فريدة ومتماسكة.
في أوجه، جسد آرت ديكو مفاهيم الفخامة والسحر والحيوية والإيمان المتفائل بالحداثة. التقدم المجتمعي والتكنولوجي. تميزت الحركة بدمج مواد نادرة وباهظة الثمن، بما في ذلك خشب الأبنوس والعاج، بالإضافة إلى براعة استثنائية في التصنيع. علاوة على ذلك، كانت رائدة في استخدام مواد جديدة مثل طلاء الكروم والفولاذ المقاوم للصدأ والبلاستيك. تشمل النماذج المعمارية البارزة لهذا النمط من عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين في مدينة نيويورك مبنى إمباير ستيت ومبنى كرايسلر. على الصعيد العالمي، تستضيف ميامي بيتش، فلوريدا، المجموعة الأكثر شمولاً من فن الآرت ديكو المعماري.
خضعت جمالية آرت ديكو للاعتدال خلال فترة الكساد الكبير. شهدت ثلاثينيات القرن العشرين ظهور ستريملاين مودرن، وهو طراز راقي يتميز بأشكال منحنية وتشطيبات مصقولة وأنيقة. على الرغم من أن آرت ديكو حقق اعترافًا دوليًا، إلا أن تفوقه تضاءل بعد بداية الحرب العالمية الثانية، مستسلمًا للمبادئ الوظيفية والبسيطة للهندسة المعمارية الحديثة والنمط الدولي.
المصطلحات
نشأت تسمية "آرت ديكو"، وهي اختصار لـ Arts Décoratifs، من المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة، الذي أقيم في باريس عام 1925. وفي فرنسا، تم توثيق تصنيف فنون الديكور في البداية في Bulletin de la Société française de Photography لعام 1858. بعد ذلك، في عام 1868، استخدمت لو فيجارو عبارة الأشياء الفنية الديكورية لوصف الدعائم المسرحية التي تم إنشاؤها لمسرح الأوبرا. بحلول عام 1875، اعترفت الحكومة الفرنسية رسميًا بالعديد من الحرفيين، بما في ذلك مصممي الأثاث، وحرفيي النسيج، وصائغي المجوهرات، وعمال الزجاج، كفنانين. تأسست المدرسة الوطنية العليا للفنون الزخرفية (ENSAD) في عام 1920، مما أدى إلى ترسيخ الاعتراف المؤسسي بالفنون الزخرفية.
ظهر المصطلح الدقيق آرت ديكو لأول مرة في المطبوعات عام 1966، كجزء من عنوان المعرض الحديث الافتتاحي المخصص لموضوع: Les Années 25 : Art déco، Bauhaus، Stijl، Esprit nouveau. شمل هذا المعرض، الذي استضافه متحف الفنون الزخرفية في باريس، مجموعة من الأساليب المهمة من عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين. بعد ذلك، استخدمت هيلاري جيلسون هذا المصطلح في مقالة نشرتها عام 1966 في The Times، حيث وصفت الأساليب المتنوعة المعروضة في المعرض.
حقق مصطلح "آرت ديكو" اعترافًا واسع النطاق باعتباره واصفًا أسلوبيًا في عام 1968، بالتزامن مع نشر أول عمل أكاديمي مهم حول هذا الموضوع للمؤرخ بيفيس هيلير، بعنوان آرت ديكو في العشرينيات و الثلاثينيات. لاحظ هيلير أن هذا المصطلح كان مستخدمًا بالفعل بين تجار الأعمال الفنية، مستشهدًا بمراجع مثل The Times (2 نوفمبر 1966) ومقال بعنوان Les Arts Déco في مجلة Elle (نوفمبر 1967) كدليل. في عام 1971، قام هيلير بتنسيق معرض في معهد مينيابوليس للفنون، والذي تم توثيقه بشكل شامل في منشوره اللاحق، عالم آرت ديكو.
يعدد مايك هوب العديد من التسميات البديلة المستخدمة في هندسة آرت ديكو، بما في ذلك: نمط أوديون، أسلوب الحرية، الطراز الحديث، الجاز الحديث، المتعرج الحديث، الحديث البريطاني، الحديث البحري، نمط السفينة الحديثة، نمط الباكبوت، نمط بطانة المحيط، الأبيض الحديث، آرت ديكو المستقبلي، تبسيط الفنون الجميلة، تبسيط مودرن، PWA مودرن، PWA/WPA مودرن، فيديرال مودرن، الاكتئاب مودرن، الكلاسيكية الحديثة، الحداثة الكلاسيكية، الكلاسيكية الحداثية، مدرسة شيكاغو، التكعيبية المعمارية التشيكية، المستقبلية الإيطالية، مدرسة البراري، المسرح الجوي، ميد ديكو، مدرسة أمستردام، Nieuwe Zakelijkheid (موضوعية جديدة)، إحياء المايا، الانفصال الياباني، أسلوب بويبلو الإسباني، بويبلو ديكو، الرومانسية الوطنية الفنلندية، القوطية الجديدة، البيزنطية الجديدة، المصرية الجديدة، الإرسالية الإسبانية، المدرسة الدولية، الطراز الأوروبي الدولي، Wiener Werkstätte، الكلاسيكية الحرة، الكلاسيكية الجديدة المجردة، الكلاسيكية الحرة من ديكو، الكلاسيكية المجردة، الحديثة الانتقالية، وفوغ ريجنسي.
الأصول
مواد وتقنيات جديدة
تم تشكيل ظهور آرت ديكو وخصائصه الجمالية بشكل أساسي من خلال المواد والتقنيات المبتكرة، وخاصة الخرسانة المسلحة. قام فرانسوا كونيه ببناء المنزل الخرساني الافتتاحي عام 1853 داخل الضواحي الباريسية. وفي وقت لاحق، في عام 1877، كان جوزيف مونييه رائدًا في مفهوم تقوية الخرسانة من خلال دمج شبكة قضبان حديدية مرتبة في تكوين شبكي. تقدم أوغست بيريه أكثر في هذا الأمر في عام 1893 من خلال تشييد أول مرآب خرساني في باريس، يليه مبنى سكني، ومسكن خاص، وفي النهاية، في عام 1913، مسرح الشانزليزيه.
اشتهر أحد الناقدين بالاستخفاف بالمسرح ووصفه بأنه "منطاد شارع مونتين"، وعزا تصميمه إلى التأثير الجرماني المزعوم المستمدة من انفصال فيينا. بعد هذه الفترة، تم بناء معظم هياكل آرت ديكو باستخدام الخرسانة المسلحة، وهي مادة توفر مرونة شكلية معززة وتقلل من ضرورة الركائز والأعمدة الهيكلية. ابتكر بيريه أيضًا من خلال تكسية الأسطح الخرسانية ببلاط السيراميك، مما يؤدي وظائف الحماية والديكور. اكتسب لو كوربوزييه، المهندس المعماري الشهير، في البداية المعرفة بتطبيقات الخرسانة المسلحة خلال فترة عمله كرسام في استوديو بيريه.
تتضمن التطورات التكنولوجية الإضافية الحاسمة لآرت ديكو تقنيات جديدة لتصنيع ألواح الزجاج، مما أدى إلى خفض التكاليف وتسهيل إنشاء نوافذ أكبر وأكثر قوة بشكل ملحوظ. علاوة على ذلك، أصبح الإنتاج الضخم للألمنيوم فعالاً، في البداية لإطارات المباني والنوافذ، وبعد ذلك، من خلال أعمال كوربوزييه، ووارن ماك آرثر، ومصممين آخرين، للأثاث خفيف الوزن.
انفصال فيينا ووينر فيركستات (1897–1912)
كان للمهندسين المعماريين المرتبطين بانفصال فيينا، الذي تأسس عام 1897، وخاصة جوزيف هوفمان، تأثير كبير على حركة آرت ديكو. كان قصر هوفمان ستوكليت في بروكسل (1905-1911) بمثابة مثال نموذجي لأسلوب آرت ديكو الناشئ، والذي يتميز بأحجامه الهندسية، وتكوينه المتماثل، وأشكاله المستقيمة، والأسطح الخرسانية المزينة بلوحات رخامية، والزخارف المنحوتة بدقة، والديكورات الداخلية الفخمة، والتي تتميز بشكل خاص بأفاريز الفسيفساء التي كتبها غوستاف كليمت. علاوة على ذلك، شارك هوفمان في تأسيس Wiener Werkstätte (1903-1932)، وهي مجموعة مؤثرة من الحرفيين ومصممي الديكور الداخلي المكرسين للجمالية الناشئة. ألهمت هذه المنظمة لاحقًا تشكيل شركة الفنون الفرنسية في عام 1919، والتي وحدت أندريه ماري ولويس سو، اللذين أصبحا من أوائل مصممي ومصممي الديكور الفرنسيين البارزين على طراز آرت ديكو.
جمعية فناني الديكور (1901–1945)
كان نشأة آرت ديكو مرتبطًا بشكل جوهري بالمكانة الرفيعة لفناني الديكور، الذين تم تصنيفهم سابقًا على أنهم مجرد حرفيين حتى أواخر القرن التاسع عشر. في فرنسا، اكتسبت التسمية فنون الديكور رواجًا مع تزايد هيبة الفنون الزخرفية. بحلول عام 1875، اعترفت الحكومة الفرنسية رسميًا بمصممي الأثاث ومصنعي المنسوجات وغيرهم من الحرفيين المهرة كفنانين شرعيين. تأسست Société des Artistes Decorateurs (جمعية فناني الديكور)، والمختصرة بـ SAD، في عام 1901، ومنحت فناني الديكور حقوق تأليف مساوية لتلك التي يتمتع بها الرسامون والنحاتون. حدث تطور فني موازٍ في إيطاليا، وبلغ ذروته في Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna في تورينو عام 1902، وهو المعرض الدولي الافتتاحي المخصص حصريًا للفنون الزخرفية.
شهدت باريس إنشاء العديد من الدوريات الجديدة المخصصة للفنون الزخرفية، ولا سيما الفنون والديكور وL'Art Decoratif Moderne. تم دمج أقسام مخصصة للفنون الزخرفية في المعارض السنوية جمعية الفنانين الفرنسيين، ثم تم إدراجها في صالون الخريف. ساهمت القومية الفرنسية أيضًا في إحياء الفنون الزخرفية، مدفوعة بمخاوف المصممين الفرنسيين بشأن التدفق المتزايد للمفروشات الألمانية ذات الأسعار المعقولة. في عام 1911، اقترحت SAD معرضًا دوليًا مهمًا للفنون الزخرفية، كان من المقرر في البداية عقده في عام 1912. وكان الهدف من هذا المعرض هو عرض الإبداعات الحديثة حصريًا، مع حظر صراحة نسخ الأنماط التاريخية. تم تأجيل الحدث لاحقًا إلى عام 1914، وبعد ذلك، بسبب الحرب، تم تأجيله مرة أخرى حتى عام 1925، وعندها أطلق اسمه على الحركة الأسلوبية بأكملها المعروفة باسم "Déco".
كان للمتاجر الكبرى ومصممي الأزياء الباريسيين دور فعال في ظهور فن الآرت ديكو. بدأت الشركات الرائدة، بما في ذلك صانع الفضيات كريستوفل، وفنان الزجاج رينيه لاليك، وصائغي المجوهرات لويس كارتييه وبوشرون، في تطوير المنتجات بأساليب معاصرة. منذ عام 1900 فصاعدًا، بدأت المتاجر الكبرى في توظيف فناني الديكور داخل استوديوهات التصميم المخصصة لها. تم إسناد المخطط الزخرفي لـ صالون الخريف لعام 1912 إلى متجر Printemps، الذي أنشأ لاحقًا ورشة عمل خاصة به، Primavera، في العام نفسه.
وبحلول عام 1920، توسعت Primavera لتشمل أكثر من 300 فنان، شمل إنتاجهم الإبداعي مجموعة واسعة من التفسيرات الحديثة للويس الرابع عشر ولويس. XVI، وخاصة أثاث لويس فيليب، الذي صنعه لويس سو وورشة بريمافيرا، إلى تصميمات أكثر معاصرة ناشئة من ورشة عمل متجر متحف اللوفر متعدد الأقسام. في المقابل، تجنب المصممون مثل إميل جاك رولمان وبول فولو الإنتاج الضخم، ودافعوا عن الحرفية الفردية لكل قطعة. تميزت جمالية آرت ديكو الناشئة بمواد فاخرة ونادرة مثل خشب الأبنوس والعاج والحرير، إلى جانب لوحات الألوان النابضة بالحياة والزخارف المنمقة، ولا سيما السلال وتنسيقات الأزهار المتنوعة، والتي أعطت مجتمعة مظهرًا عصريًا.
خلال الفترة التكوينية بين عامي 1910 و1914، تجلى آرت ديكو كعرض لوني نابض بالحياة، تتميز بألوان رائعة ومتناقضة في كثير من الأحيان، وغالبًا ما يتم دمجها في أنماط الأزهار عبر تنجيد الأثاث والسجاد والشاشات وورق الحائط والأقمشة. تم عرض العديد من القطع الملونة، مثل الكراسي والطاولة من تصميم موريس دوفرين وسجادة Gobelin النابضة بالحياة من تصميم Paul Follot، في صالون الفنانين الديكوريين عام 1912. بين عامي 1912 و1913، قام المصمم أدريان كاربوسكي بتصميم كرسي زهري مزين بزخارف الببغاء لنزل الصيد الخاص بجامع الأعمال الفنية جاك دوسيه. ظهر مصمما الأثاث لويس سو وأندريه ماري لأول مرة في معرض عام 1912 تحت لقب Atelier français، حيث قاما بدمج الأقمشة متعددة الألوان مع مواد فاخرة وغريبة، مثل خشب الأبنوس والعاج. بعد الحرب العالمية الأولى، صعدت شركتهم إلى مكانة بارزة بين شركات التصميم الداخلي الفرنسية، حيث قامت بتأثيث صالونات وكبائن من الدرجة الأولى لسفن المحيطات الفرنسية عبر المحيط الأطلسي.
عند ولادته بين عامي 1910 و1914، كان آرت ديكو عبارة عن انفجار للألوان، حيث تميز بألوان مشرقة ومتضاربة في كثير من الأحيان، غالبًا في تصميمات الأزهار، المقدمة في تنجيد الأثاث والسجاد والشاشات وورق الحائط والأقمشة. تم تقديم العديد من الأعمال الملونة، بما في ذلك الكراسي والطاولة لموريس دوفرين وسجادة Gobelin المشرقة لبول فولوت في صالون الفنانين الديكوريين عام 1912. في 1912-1913، صنع المصمم أدريان كاربوفسكي كرسيًا زهريًا بتصميم ببغاء لنزل الصيد الخاص بجامع الأعمال الفنية جاك دوسيه. ظهر مصمما الأثاث Louis Süe وAndré Mare لأول مرة في معرض عام 1912، تحت اسم Atelier français، حيث جمعا بين الأقمشة متعددة الألوان والمواد الغريبة والمكلفة، بما في ذلك خشب الأبنوس والعاج. بعد الحرب العالمية الأولى، أصبحت واحدة من أبرز شركات التصميم الداخلي الفرنسية، حيث أنتجت الأثاث لصالونات وكبائن الدرجة الأولى لسفن المحيطات الفرنسية عبر المحيط الأطلسي.
استلهمت لوحة الألوان النابضة بالحياة التي تتميز بها آرت ديكو من أصول متنوعة، لا سيما تصميمات المسرح الغريبة التي ابتكرها ليون باكست لفرقة الباليه الروسية، والتي أسرت الجماهير الباريسية قبل وقت قصير من الحرب العالمية الأولى. وقد تأثرت بعض الألوان بالحركة الوحشية السابقة، بقيادة هنري ماتيس؛ وآخرون بأورفية فنانين مثل سونيا ديلوناي؛ وآخرون من حركة Les Nabis، بالإضافة إلى إبداعات الرسام الرمزي Odilon Redon، الذي ابتكر حواجز للمواقد والعديد من العناصر الزخرفية. كانت الظلال الرائعة هي السمة المميزة لأعمال مصمم الأزياء بول بوارت، والتي أثرت بشكل كبير على كل من أزياء آرت ديكو والتصميم الداخلي.
يقع مسرح الشانزليزيه، الذي شيد بين عامي 1910 و1913 على يد أوغست بيريه كما تم الانتهاء من صرح آرت ديكو التاريخي الافتتاحي في باريس. قبل ذلك، كان يتم استخدام الخرسانة المسلحة حصريًا في المباني الصناعية والسكنية. كان بيريه نفسه قد أكمل سابقًا أول مبنى سكني حديث من الخرسانة المسلحة في باريس في شارع بنيامين فرانكلين بين عامي 1903 و1904. وقام هنري سوفاج، وهو مهندس معماري مهم آخر ساهم لاحقًا في آرت ديكو، ببناء هيكل مماثل في عام 1904 في 7 شارع تريتين.
كان مسرح الشانزليزيه (1910-1913)، من تصميم أوغست بيريه، أول مبنى بارز على طراز آرت ديكو يتم الانتهاء منه في باريس. في السابق، كانت الخرسانة المسلحة تستخدم فقط في المباني الصناعية والشقق، وقد قام بيريت ببناء أول مبنى سكني حديث من الخرسانة المسلحة في باريس في شارع بنيامين فرانكلين في 1903-1904. قام هنري سوفاج، وهو مهندس معماري مهم آخر على طراز آرت ديكو، ببناء آخر في عام 1904 في 7 شارع تريتين (1904).
من عام 1908 إلى عام 1910، عمل لو كوربوزييه، الذي كان يبلغ من العمر آنذاك 21 عامًا، رسامًا في مكتب بيريه، واكتسب خبرة في أساليب البناء الخرسانية. إن تصميمات بيريه المعمارية، التي تتميز بأشكالها المستطيلة النظيفة، وزخارفها الهندسية، وخطوطها المستقيمة، تنذر بالسمات المميزة لفن الآرت ديكو. كان التصميم الداخلي للمسرح مبتكرًا بنفس القدر، حيث يتميز بنقوش عالية لأنطوان بورديل على الواجهة، وقبة لموريس دينيس، ولوحات لإدوارد فويلارد، وستارة على طراز آرت ديكو من تصميم كير كزافييه روسيل. استضاف هذا المكان بشكل خاص العديد من العروض الافتتاحية لفرقة Ballets Russes. بحلول عشرينيات القرن العشرين، برز بيريت وسوفاج كمهندسين معماريين بارزين على طراز آرت ديكو في باريس.
التكعيبية
نشأت حركة الفن التكعيبي في فرنسا بين عامي 1907 و1912، وقد أثرت بشكل كبير على تطور آرت ديكو. لاحظ أليستير دنكان:
- "أصبحت التكعيبية، بشكل أو بآخر، اللغة المشتركة لفناني الديكور في ذلك العصر."
تأثر الفنانون التكعيبيون بشكل ملحوظ ببول سيزان، حيث أظهروا اهتمامًا باختزال الأشكال إلى مكوناتها الهندسية الأساسية: الأسطوانة، والكرة، والمخروط.
بحلول عام 1912، قدم الفنانون المرتبطون بالقسم الذهبي أعمالًا كانت أكثر قابلية للفهم بشكل ملحوظ للجمهور مقارنة بالتكعيبية التحليلية لبيكاسو وبراك. جعلت إمكانية الوصول هذه الجمالية التكعيبية تجذب مصممي الأزياء والأثاث والديكور الداخلي.
في Salon d'Automne عام 1912، ضمن قسم Art Décoratif، تم عرض تركيب معماري بعنوان La Maison Cubiste. صمم ريموند دوشامب فيلون واجهته، بينما كان أندريه ماري مسؤولاً عن الديكور الداخلي. كان La Maison Cubiste عبارة عن معرض مؤثث بالكامل، ويتميز بواجهة ودرج ودرابزين من الحديد المطاوع وغرفة نوم وغرفة معيشة - على وجه التحديد الصالون البرجوازي - الذي يعرض لوحات لألبرت جليزيس، وجان ميتسينجر، وماري لورينسين، ومارسيل دوشامب، وفرناند ليجر، وروجر دي لا فريسناي. استكشف الآلاف من الحاضرين في الصالون هذا النموذج واسع النطاق.
واجهة المنزل التي صممها دوشامب-فيلون، على الرغم من دمجها للأعتاب والأقواس المنشورية، لم تكن تعتبر جذرية بشكل استثنائي وفقًا للمعايير المعاصرة، حيث تشبه إلى حد كبير الهندسة المعمارية التقليدية. في المقابل، كانت تصميمات ماري للغرفتين الداخليتين ثورية، حيث تتميز بورق حائط مع ورود منمقة وأنماط نباتية، إلى جانب المفروشات والأثاث والسجاد المزين بزخارف ملهبة ونابضة بالحياة، مما يمثل خروجًا واضحًا عن الديكور التقليدي. وصف الناقد إميل سدين، الذي كتب في مجلة الفن والديكور، عمل ماري: "إنه لا يحرج نفسه بالبساطة، لأنه يضاعف الزهور أينما يمكن وضعها. ومن الواضح أن التأثير الذي يسعى إليه هو تأثير الروعة والبهجة. لقد حقق ذلك." ينبع العنصر التكعيبي داخل العمل الفني بشكل أساسي من اللوحات المعروضة. على الرغم من الهجمات الأولية التي وصفتها بأنها متطرفة للغاية، إلا أن هذا الجدل ساهم في نجاحها على نطاق واسع. انتقل التثبيت المعماري لاحقًا إلى معرض الأسلحة عام 1913 في مدينة نيويورك وشيكاغو وبوسطن. أدى هذا المعرض إلى انتشار مصطلح "التكعيبي" بشكل كبير، مما أدى إلى تطبيقه على مختلف الاتجاهات الحديثة، من تسريحات الشعر النسائية إلى الموضة والإنتاج المسرحي.
استمرت التأثيرات التكعيبية داخل آرت ديكو، حتى مع تنوع الحركة إلى العديد من الاتجاهات الأسلوبية الأخرى.
أصبحت الهندسة التكعيبية المميزة عملة معدنية في عشرينيات القرن العشرين. أدى تطوير آرت ديكو للهندسة الانتقائية للتكعيبية إلى مجموعة واسعة من الأشكال إلى حمل التكعيبية كتصنيف تصويري إلى جمهور أوسع بكثير وجاذبية أوسع. (ريتشارد هاريسون مارتن، متحف متروبوليتان للفنون)
المؤثرات
الأنماط الأوروبية قبل الحرب العالمية الأولى
شمل آرت ديكو مجموعة متنوعة من الأساليب، وغالبًا ما تظهر خصائص متناقضة، بدلاً من تمثيل جمالية فريدة. من الناحية المعمارية، ظهر آرت ديكو كخليفة ومضاد أسلوبي لفن الآرت نوفو، الذي ازدهر في جميع أنحاء أوروبا بين عامي 1895 و1900. كما تعايش أيضًا مع الفنون الجميلة السائدة والحركات الكلاسيكية الجديدة في الهندسة المعمارية الأوروبية والأمريكية. في عام 1905، نشر يوجين جراسيت طريقة التركيب Ornementale، Éléments Rectilignes، وهو عمل يستكشف بشكل منهجي الأبعاد الزخرفية (الزخرفية) للعناصر والأشكال والزخارف الهندسية وتنوعاتها. يمثل هذا المنشور خروجًا واضحًا عن أسلوب الفن الحديث المتموج، الذي يمثله هيكتور جيمارد، والذي كان يتمتع بشعبية كبيرة في باريس قبل بضع سنوات فقط. أكد غراسيت على المبدأ الأساسي المتمثل في أن الأشكال الهندسية البسيطة المختلفة، مثل المثلثات والمربعات، تدعم جميع الترتيبات التركيبية. قدمت الهياكل الخرسانية المسلحة التي صممها أوغست بيريه وهنري سوفاج، وخاصة مسرح الشانزليزيه، منهجيات بناء وديكور مبتكرة تم محاكاتها عالميًا فيما بعد.
التأثيرات من الحضارات القديمة والعالمية
في مجال الديكور، قام آرت ديكو بدمج عناصر أسلوبية متنوعة على نطاق واسع. شملت هذه التأثيرات الفن العالمي ما قبل الحداثة، والذي كان متاحًا بسهولة للدراسة في مؤسسات مثل متحف اللوفر، ومتحف الإنسان، والمتحف الوطني للفنون في أفريقيا وأوقيانوسي. علاوة على ذلك، فإن الانبهار العام المتزايد بعلم الآثار، والذي حفزته عمليات التنقيب المهمة في بومبي، وطروادة، واكتشاف مقبرة الفرعون توت عنخ آمون من الأسرة الثامنة عشرة، ساهم في هذا الاستعارة الانتقائية. وبالتالي، قام الفنانون والمصممون بتجميع الزخارف المستمدة من مصر القديمة، وإفريقيا، وبلاد ما بين النهرين، واليونان، وروما، وآسيا، وأمريكا الوسطى، وأوقيانوسيا مع جماليات عصر الآلة المعاصرة.
تكامل الحركات الطلائعية في أوائل القرن العشرين
تتضمن التأثيرات الأسلوبية الإضافية المدمجة في آرت ديكو المستقبل، والأورفية، والوظيفية، والحركة الحداثية الأوسع. كشفت التكعيبية، عندما تم تكييفها من الفنون الجميلة إلى التطبيقات الزخرفية مثل المنسوجات أو ورق الحائط، عن إمكاناتها الزخرفية الكامنة في جمالية آرت ديكو. صوّرت سونيا ديلوناي بشكل خاص تصميمات ملابسها بطريقة مجردة وهندسية، ووصفتها بأنها "لوحات حية أو منحوتات لأشكال حية". أنتج لويس باريليت أيضًا تصميمات مستوحاة من التكعيبية للنوافذ الزجاجية الملونة في البار الأمريكي في كازينو أتريوم في داكس (1926)، حيث ضمت ببراعة أسماء الكوكتيلات العصرية. من الناحية المعمارية، أصبح التفاعل الواضح بين الأحجام الأفقية والرأسية، وهي سمة مشتركة بين البنائية الروسية ومبادئ التصميم لفرانك لويد رايت وويليم مارينوس دودوك، تقنية سائدة لتوضيح واجهات آرت ديكو عبر أنواع المباني المختلفة، من المساكن الخاصة والمجمعات السكنية إلى دور السينما ومحطات الوقود. علاوة على ذلك، استمد آرت ديكو الإلهام من لوحات الألوان والتصميمات النابضة بالحياة والمتضاربة في كثير من الأحيان، والتي تظهر بوضوح في أعمال هنري ماتيس وأندريه ديرين، والتي أثرت على منسوجات آرت ديكو وورق الحائط والسيراميك الملون. استوعبت الحركة أيضًا عناصر من آخر صيحات الموضة المعاصرة، والتي تتميز بالأنماط الهندسية، والشيفرون، والمتعرجة، وتنسيقات الأزهار المنمقة. نشأت تأثيرات أخرى من الاكتشافات في علم المصريات والاهتمام المتزايد بالفن الشرقي والأفريقي. بعد عام 1925، كان الانبهار بالآلات الناشئة، بما في ذلك المناطيد والسيارات وسفن المحيطات، بمثابة مصدر إلهام في كثير من الأحيان، وبلغ ذروته بحلول عام 1930 في الأسلوب المتميز المعروف باسم Streamline Moderne.
المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة (1925)
يمثل المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة، الذي أقيم في باريس في الفترة من أبريل إلى أكتوبر 1925، ذروة أسلوب آرت ديكو ومنحه اسمه الدائم. برعاية رسمية من الحكومة الفرنسية، شمل هذا الحدث الموسع موقعًا مساحته 55 فدانًا في باريس، يمتد من القصر الكبير على الضفة اليمنى إلى Les Invalides على الضفة اليسرى، وعلى طول ضفاف نهر السين. يعرض القصر الكبير، أكبر قاعة عرض في المدينة، الفنون الزخرفية من الدول المشاركة. ضم المعرض 15000 عارض يمثلون عشرين دولة، بما في ذلك النمسا وبلجيكا وتشيكوسلوفاكيا والدنمارك والمملكة المتحدة وإيطاليا واليابان وهولندا وبولندا وإسبانيا والسويد والاتحاد السوفيتي الناشئ. ولم يتم توجيه الدعوة إلى ألمانيا بسبب توترات ما بعد الحرب، في حين رفضت الولايات المتحدة المشاركة، بعد أن أساءت تفسير الهدف الأساسي للمعرض. وعلى مدى سبعة أشهر، اجتذب الحدث ستة عشر مليون زائر. من القواعد الأساسية للمعرض أن جميع الأعمال المعروضة تلتزم بالجماليات الحديثة، وتحظر تمامًا الأساليب التاريخية. كان الهدف الأساسي للمعرض هو الترويج للمصنعين الفرنسيين للسلع الفاخرة، بما في ذلك الأثاث والخزف والزجاج والأعمال المعدنية والمنسوجات. ولتحقيق هذا الهدف، أنشأت جميع المتاجر الباريسية الكبرى والمصممين البارزين أجنحة خاصة بهم. كان الهدف الثانوي للمعرض هو عرض منتجات من المستعمرات الفرنسية في أفريقيا وآسيا، مثل العاج والأخشاب الغريبة.
برز فندق Hôtel du Collectionneur كنقطة جذب بارزة في المعرض، حيث يضم تصميمات أثاث جديدة لإميل جاك رولمان، إلى جانب أقمشة آرت ديكو، والسجاد، ولوحة لجان دوباس. التزم تصميمه الداخلي بمبادئ التناظر والأشكال الهندسية، مما يميزه عن فن الآرت نوفو، ودمج الألوان النابضة بالحياة والحرفية الرائعة والمواد النادرة باهظة الثمن، مما يميزه عن الوظيفة الصارمة للأسلوب الحداثي. في حين أن غالبية الأجنحة كانت مزينة ببذخ ومليئة بالمفروشات الفاخرة المصنوعة يدويًا، فقد اعتمد جناحان - جناح الاتحاد السوفيتي وجناح الروح الجديدة، الذي شيدته المجلة التي تحمل الاسم نفسه تحت إشراف لو كوربوزييه - جمالية متقنة بجدران بيضاء بسيطة وزخرفة بسيطة، تمثل بعضًا من أقدم الأمثلة على العمارة الحداثية.
أواخر آرت ديكو
بحلول عام 1925، تعايشت مدرستان فكريتان متميزتان ومتنافستان في كثير من الأحيان داخل آرت ديكو. كان من بين التقليديين، الذين أسسوا جمعية فناني الديكور، شخصيات مثل مصمم الأثاث إميل جاك رولمان، وجان دوناند، والنحات أنطوان بورديل، والمصمم بول بوارت. قامت هذه المجموعة بدمج الأشكال الحديثة مع الحرف اليدوية التقليدية واستخدمت مواد باهظة الثمن. على العكس من ذلك، رفض الحداثيون بشكل متزايد السوابق التاريخية، ودافعوا عن أسلوب متجذر في التقدم التكنولوجي، والبساطة، وغياب الزخرفة، والمواد الرخيصة، والإنتاج الضخم. أسس الحداثيون منظمتهم الخاصة، الاتحاد الفرنسي للفنانين المعاصرين، في عام 1929. وكان أعضاؤها يتألفون من المهندسين المعماريين بيير شارو، فرانسيس جوردان، روبرت ماليت ستيفنز، لو كوربوزييه، وكونستانتين ميلنيكوف في الاتحاد السوفيتي. المصممة الأيرلندية إيلين جراي؛ والمصممة الفرنسية سونيا ديلوناي؛ والمجوهرات جورج فوكيه وجان بويفوركات. لقد انتقدوا بشدة أسلوب آرت ديكو التقليدي، ولا سيما المصممين الذين ركزوا على إنشاء قطع فريدة ومحدودة الإصدار حصريًا للعملاء الأثرياء. من وجهة نظر الحداثة، لم يكن مستقبل الفنون الزخرفية تمليه التفضيلات الجمالية للأثرياء فحسب، بل استلزم "تصميمًا ممتازًا للجميع" في العصر الجديد. لقد افترضوا أن الشكل يجب أن يتبع الوظيفة بطبيعته، مؤكدين أن جمال الشيء أو المبنى يكمن في ملاءمته الكاملة للغرض المقصود منه. علاوة على ذلك، اعتقدوا أن الأساليب الصناعية الحديثة مكنت من إنتاج الأثاث والمباني بكميات كبيرة، مما أدى إلى القضاء على الاعتماد الوحيد على الصناعة اليدوية، وأن الإنتاج الضخم والجودة لا يستبعد أحدهما الآخر بطبيعته.
دعا مصمم الفنون الزخرفية الفرنسي بول فولو إلى تفسير أكثر تقليدية وزخرفية لآرت ديكو، مؤكدًا أن "الضروري وحده لا يكفي للإنسان وأن الفائض لا غنى عنه بالنسبة له... وإلا فلنقمع الموسيقى والزهور والعطور... وابتسامات السيدات!" في المقابل، أعلن لو كوربوزييه، وهو من أبرز المؤيدين للهندسة المعمارية الحداثية، أن المنزل هو مجرد "آلة للعيش فيها" وروج بلا هوادة للحداثة باعتبارها المستقبل، ووضع آرت ديكو باعتباره من بقايا الماضي. اكتسبت مفاهيم لو كوربوزييه قوة جذب تدريجية في التعليم المعماري، مما أدى في نهاية المطاف إلى التخلي عن جماليات آرت ديكو. ومن المفارقات أن السمات ذاتها التي عززت شعبية آرت ديكو في البداية - الحرفية الدقيقة والمواد الفخمة والزخرفة المتقنة - ساهمت في نهاية المطاف في تراجعه. أدت بداية الكساد الكبير في الولايات المتحدة في عام 1929، والذي أثر لاحقًا على أوروبا، إلى انخفاض كبير في عدد الرعاة الأثرياء القادرين على طلب المفروشات المصممة حسب الطلب والأشياء الفنية. وسط التقشف الاقتصادي للكساد، كان عدد قليل من الشركات يميل إلى إنشاء ناطحات سحاب جديدة. حتى شركة Ruhlmann الموقرة تكيفت من خلال إنتاج الأثاث بشكل متسلسل، مبتعدة عن القطع المصنوعة يدويًا بشكل فردي. تضمنت الهياكل الباريسية النهائية التي تم تشييدها بهذا الأسلوب المميز متحف الأشغال العامة لأوغست بيريه (الذي يضم الآن المجلس الاقتصادي والاجتماعي والبيئي الفرنسي)، وقصر شايو للويس هيبوليت بوالو، وجاك كارلو، وليون أزيما، وقصر طوكيو، وكلها اكتملت لمعرض باريس الدولي عام 1937. وقفت هذه المباني قبالة جناح ألمانيا النازية المهيب، الذي صممه ألبرت سبير، والذي واجه بدوره الجناح الواقعي الاشتراكي الضخم للاتحاد السوفيتي في عهد ستالين.
بعد الحرب العالمية الثانية، ظهر النمط الدولي، الذي دافعت عنه شخصيات مثل لو كوربوزييه وميس فان دير روه، باعتباره النموذج المعماري السائد. في حين تم إنشاء عدد محدود من فنادق آرت ديكو في ميامي بيتش بعد الحرب، فقد تراجع الأسلوب إلى حد كبير في أماكن أخرى، واستمر في المقام الأول في تطبيقات التصميم الصناعي مثل تصميم السيارات والمنتجات مثل صناديق الموسيقى. شهدت الستينيات عودة أكاديمية متواضعة لفن الآرت ديكو، ويُعزى ذلك جزئيًا إلى المساهمات العلمية للمؤرخين المعماريين، بما في ذلك بيفيس هيلير. بحلول سبعينيات القرن العشرين، تم إطلاق مبادرات في جميع أنحاء الولايات المتحدة وأوروبا لحماية أمثلة مهمة من فن الآرت ديكو المعماري، مما أدى إلى ترميم العديد من المباني وإعادة استخدامها على نحو تكيفي. غالبًا ما كانت عمارة ما بعد الحداثة، التي ظهرت في الثمانينيات، تتضمن عناصر زخرفية بحتة، وهي سمة مشتركة مع آرت ديكو. تستمر جمالية ديكو في التأثير على المصممين المعاصرين، حيث تجد تطبيقًا في الموضة الحديثة والمجوهرات وأدوات النظافة.
الرسم
لم يشتمل معرض عام 1925 على قسم مخصص للرسم. كانت لوحة آرت ديكو زخرفية بطبيعتها، وتم تصميمها لتكمل غرفة أو تصميمًا معماريًا، وبالتالي لم يمارس سوى عدد قليل من الفنانين هذا الأسلوب حصريًا. ومع ذلك، هناك رسامان مرتبطان بشكل خاص بفن الآرت ديكو. أنشأ جان دوباس جداريات آرت ديكو لجناح بوردو في معرض الفنون الزخرفية عام 1925 في باريس، وأنتج أيضًا اللوحة فوق الرف لمعرض ميزون دو كوليكشنور في نفس المعرض، والذي عرض أثاثًا من تصميم رولمان وغيره من مصممي آرت ديكو الرائدين. وكانت لوحاته الجدارية أيضًا سمة بارزة في التصميم الداخلي لسفينة المحيط الفرنسية SSنورماندي. كان إنتاجه الفني زخرفيًا بحتًا، وكان المقصود منه أن يكون بمثابة خلفية أو مكملاً لعناصر التصميم الأخرى.
تمارا دي ليمبيكا هي الرسامة الأخرى المرتبطة بشكل وثيق بأسلوب آرت ديكو. ولدت في بولندا، ثم انتقلت إلى باريس بعد الثورة الروسية. تابعت دراستها تحت إشراف موريس دينيس وأندريه لوت، حيث قامت بدمج العديد من العناصر الأسلوبية من عملهم. وتتميز صورها بجماليات آرت ديكو الواقعية والديناميكية والنابضة بالحياة.
شهدت ثلاثينيات القرن العشرين ظهور أسلوب رسم مميز على طراز آرت ديكو في الولايات المتحدة. خلال فترة الكساد الكبير، تم إنشاء مشروع الفن الفيدرالي، وهو مبادرة من إدارة تقدم الأعمال، لتوفير فرص العمل للفنانين. تم تكليف العديد من الفنانين لتزيين المباني العامة، بما في ذلك المباني الحكومية والمستشفيات والمؤسسات التعليمية. في حين لم تهيمن جمالية آرت ديكو الفردية على هذه الجداريات، إلا أن الفنانين العاملين في اللجان الحكومية يمثلون حركات فنية متنوعة، تتراوح من الإقليمية الأمريكية إلى الواقعية الاجتماعية. ومن بين المساهمين البارزين ريجنالد مارش، وروكويل كينت، والرسام المكسيكي دييغو ريفيرا. ينبع تصنيف آرت ديكو لهذه الجداريات من طبيعتها الزخرفية وصلتها الموضوعية بالمبنى أو المنطقة المحددة. على سبيل المثال، قام ريجينالد مارش وروكويل كينت بتزيين المرافق البريدية الأمريكية بصور عمال البريد، في حين صور دييغو ريفيرا عمال مصانع السيارات لمعهد ديترويت للفنون. جدارية ريفيرا عام 1933، رجل عند مفترق الطرق، التي تم تكليفها بـ 30 روكفلر بلازا، تضمنت بشكل مثير للجدل شبهاً غير مصرح به للينين. وبعد رفض ريفيرا استئصال الصورة، تم تدمير العمل الفني واستبداله لاحقًا بجدارية جديدة نفذها الفنان الإسباني جوزيب ماريا سيرت.
النحت
النحت الضخم والعامة
يشكل النحت عنصرًا أساسيًا ومنتشرًا في التصميم المعماري آرت ديكو. في فرنسا، تم تزيين مسرح الشانزليزيه، وهو معلم آرت ديكو الافتتاحي في باريس، في عام 1912 بنقوش بارزة مجازية لأنطوان بورديل، تصور موضوعات الرقص والموسيقى. تميز معرض عام 1925 بتركيبات نحتية مهمة في جميع أنحاء أراضيه، مع أجنحة غالبًا ما تكون مزينة بأفاريز منحوتة، ومساحات مخصصة لمنحوتات الاستوديو الأصغر. خلال ثلاثينيات القرن العشرين، ساهمت مجموعة من النحاتين المتميزين بأعمال في المعرض الدولي للفنون والتقنيات في الحياة الحديثة في شايو عام 1937. على سبيل المثال، قام ألفريد جانيوت بإنشاء المنحوتات البارزة لواجهة قصر طوكيو. تم ملء متحف الفن الحديث في مدينة باريس والمتنزه المواجه لقصر شايو، المطل على برج إيفل، بتماثيل جديدة لفنانين مثل تشارلز مالفراي وهنري أرنولد.
تميزت منحوتات آرت ديكو العامة في الغالب بأشكال تمثيلية، تصور عادةً شخصيات بطولية أو مجازية تتوافق موضوعاتها مع وظيفة المبنى أو المساحة. بشكل عام، حدد الرعاة، وليس الفنانين، هذه الاختيارات المواضيعية. كان النحت التجريدي لأغراض الديكور غير شائع بشكل استثنائي.
في الولايات المتحدة، برز بول مانشيب باعتباره أهم نحاتي آرت ديكو في المهام العامة، حيث أعاد تفسير الزخارف الكلاسيكية والأسطورية ضمن إطار آرت ديكو. أكثر إبداعاته شهرة هو تمثال بروميثيوس في مركز روكفلر في مدينة نيويورك، والذي يمثل عرضًا للقرن العشرين لموضوع كلاسيكي. ساهم لي لوري أيضًا بأعمال مهمة في مركز روكفلر، ولا سيما الواجهة النحتية وتمثال الأطلس.
خلال فترة الكساد الكبير في الولايات المتحدة، تلقى العديد من النحاتين عمولات لإنشاء أعمال زخرفية للمباني الحكومية الفيدرالية، بتمويل من إدارة تقدم الأعمال (WPA). وكان من بين هؤلاء الفنانين سيدني بيلر وو، الذي أنتج صورًا مبسطة ومثالية للعمال ومهنهم للهياكل الإدارية الفيدرالية. في سان فرانسيسكو، ساهم رالف ستاكبول بالنحت على واجهة مبنى بورصة سان فرانسيسكو المشيد حديثًا. في الوقت نفسه، نفذ مايكل لانتز أعمالًا لمبنى لجنة التجارة الفيدرالية في واشنطن العاصمة.
في بريطانيا، أنتج إريك جيل تماثيل عامة على طراز آرت ديكو لصالح دار إذاعة بي بي سي، بينما قام رونالد أتكينسون بتزيين بهو مبنى ديلي إكسبريس السابق في لندن (1932).
ومن بين أكثر منحوتات آرت ديكو العامة شهرة وأكبرها بشكل لا لبس فيه المسيح الفادي، الذي أنشأه النحات الفرنسي بول لاندوفسكي. تم الانتهاء من هذا العمل الضخم بين عامي 1922 و1931، ويقع على قمة جبل يطل على مدينة ريو دي جانيرو بالبرازيل.
منحوتات الاستوديو
تتكون منحوتات آرت ديكو المبكرة في كثير من الأحيان من قطع أصغر مخصصة لتزيين الصالونات. كانت الفئة المميزة ضمن هذا النوع هي تمثال الكريسليفانتين الصغير، وهي تسمية مشتقة من الممارسة اليونانية القديمة المتمثلة في صناعة تماثيل المعبد من الذهب والعاج. كانت هذه التماثيل تُصنع في بعض الأحيان من البرونز، ولكن في أغلب الأحيان كانت تُصنع من مواد فاخرة مثل العاج والعقيق والمرمر وأوراق الذهب.
ديميتر تشيباروس، فنان روماني المولد اشتهر بمنحوتاته الصغيرة النابضة بالحياة للراقصين، برز كأحد أبرز نحاتي صالونات آرت ديكو. ومن بين الشخصيات المهمة الأخرى في نحت الصالون فرديناند بريس، وجوزيف لورينزل، وألكسندر كيليتي، ودوروثيا شارول، وغوستاف شميدتكاسل. اكتسبت هارييت ويتني فريشموت، النحاتة الأمريكية المؤثرة التي تعمل في تقليد الاستوديو، شهرة أيضًا، بعد أن درست سابقًا على يد أوغست رودان في باريس.
تميز بيير لو باجوايس بأنه نحات بارز في استوديو آرت ديكو، مع عرض إبداعاته في معرض عام 1925. تضمنت ممارسته الفنية مجموعة متنوعة من المواد الثمينة، بما في ذلك البرونز والرخام والعاج والعقيق والذهب والمرمر.
كان فرانسوا بومبون رائدًا في منحوتات الحيوانات الحديثة المنمقة. لم تحظى مساهماته الفنية بالتقدير الكامل إلا عندما كان عمره 67 عامًا، وذلك خلال معرض Salon d'Automne عام 1922، وذلك لعمله لدينا بلانك، والمعروف أيضًا باسم الدب الأبيض، والموجود الآن في متحف دورسيه في باريس.
وبالتزامن مع نحاتي آرت ديكو، كانت مجموعة من النحاتين الحداثيين الطليعيين والتجريديين نشطين في كل من باريس ونيويورك. المدينة. ومن بين الشخصيات البارزة بينهم قسطنطين برانكوي، وجوزيف ساكي، وألكسندر أرشيبينكو، وهنري لورينز، وجاك ليبتشيتز، وغوستاف ميكلوس، وجان لامبرت روكي، وجان وجويل مارتل، وشانا أورلوف، وبابلو جارجالو.
فنون الرسم
ظهرت جمالية آرت ديكو مبكرًا في الفنون التخطيطية، قبل الحرب العالمية الأولى. وكانت مظاهرها الأولية في باريس واضحة في ملصقات ليون باكست وتصميمات الأزياء لفرقة الباليه الروسية، وكذلك في كتالوجات مصمم الأزياء بول بوارت. الرسوم التوضيحية التي رسمها جورج باربييه وجورج ليباب، إلى جانب الصور التي ظهرت في مجلة الموضة La Gazette du bon ton، لخصت الأناقة والإحساس المتأصلين في هذا الأسلوب. خلال عشرينيات القرن العشرين، تطورت الجمالية السائدة، مع التركيز على الأزياء غير الرسمية والرياضية والجريئة، وغالبًا ما يتم تصويرها بعارضات أزياء يدخنن السجائر. قامت منشورات الموضة الأمريكية البارزة، بما في ذلك Vogue وVanity Fair وHarper's Bazaar، بتبني ونشر هذا الأسلوب الجديد بسرعة في جميع أنحاء الولايات المتحدة. علاوة على ذلك، فقد أثرت على أعمال رسامي الكتب الأمريكيين مثل روكويل كينت. في ألمانيا، ميز لودفيج هولوين نفسه باعتباره فنان الملصقات الأكثر شهرة في تلك الحقبة، حيث أنتج ملصقات نابضة بالحياة ودرامية للمهرجانات الموسيقية ومصانع الجعة، وفي وقت لاحق من حياته المهنية، للحزب النازي.
على النقيض من فترة الفن الحديث، عندما كانت الملصقات تروج في المقام الأول للإنتاج المسرحي أو الملاهي، شهدت عشرينيات القرن العشرين ارتفاعًا في شعبية ملصقات السفر بتكليف من خطوط السفن البخارية وشركات الطيران. خضع النهج الأسلوبي لتحول كبير خلال هذا العقد، حيث تحول التركيز إلى المنتج المعلن عنه. أصبحت الصور المرئية أكثر بساطة ودقة وخطية وديناميكية، وغالبًا ما يتم وضعها على خلفيات أحادية اللون. في فرنسا، كان من بين مصممي آرت ديكو البارزين تشارلز لوبوت وبول كولين، وقد اكتسب الأخير شهرة بسبب ملصقاته التي تصور المغنية والراقصة الأمريكية جوزفين بيكر. أنشأ جان كارلو ملصقات لأفلام تشارلي شابلن ومسلسلات مختلفة وأماكن مسرحية. وهاجر لاحقًا إلى الولايات المتحدة في أواخر الثلاثينيات، حيث صمم ملصقات لدعم الإنتاج الحربي خلال الحرب العالمية الثانية. حصل تشارلز جيسمار على التقدير بسبب ملصقاته للمغني ميستينجيت والخطوط الجوية الفرنسية. يعد كاساندر، الذي احتُفل بملصقه الشهير لعام 1935 لسفينة المحيط SS نورماندي، من بين مصممي الملصقات الفرنسيين الأكثر تميزًا على طراز آرت ديكو.
خلال ثلاثينيات القرن العشرين، ظهر نوع مميز من الملصقات في الولايات المتحدة وسط فترة الكساد الكبير. كلف مشروع الفن الفيدرالي فنانين أمريكيين بإنتاج ملصقات تهدف إلى الترويج للسياحة والفعاليات الثقافية المختلفة.
الهندسة المعمارية
الأنماط
ظهر الطراز المعماري آرت ديكو لأول مرة في باريس بين عامي 1903 و1904، وتميز ببناء مبنيين سكنيين: أحدهما لأوغست بيريه في شارع بنجامين فرانكلين والآخر لهنري سوفاج في شارع تريتيني. كان هذان المهندسان المعماريان الناشئان رائدين في استخدام الخرسانة المسلحة في المباني السكنية الباريسية. تميزت المباني الناتجة بخطوط نظيفة وأشكال مستطيلة وواجهات غير مزخرفة، مما يدل على خروج واضح عن أسلوب فن الآرت نوفو. من عام 1910 إلى عام 1913، استفاد بيريه من خبرته في بناء الشقق الخرسانية لبناء مسرح الشانزليزيه في 15 جادة مونتين. وفي وقت لاحق، بين عامي 1925 و1928، صمم سوفاج واجهة آرت ديكو الجديدة لمتجر La Samaritaine متعدد الأقسام في باريس.
امتد تأثير آرت ديكو إلى ما هو أبعد من الهياكل الأرضية؛ عرضت سفينة المحيط SS نورماندي، التي بدأت رحلتها الأولى في عام 1935، جماليات فن الآرت ديكو، لا سيما في غرفة الطعام التي تتميز بسقف وعناصر زخرفية مصنوعة من الزجاج بواسطة شركة Lalique.
يتم تصنيف فن الآرت ديكو المعماري أحيانًا إلى ثلاثة أنماط متميزة: Zigzag Moderne (المعروف أيضًا باسم Jazz Moderne)، وClassic Moderne، وStreamline Moderne.
الزجزاج الحديث
يمثلZigzag Moderne (يُطلق عليه أيضًا Jazz Moderne) المظهر الأولي لفن الآرت ديكو في الولايات المتحدة. تشير خاصية "المتعرجة" إلى الأشكال المتدرجة لناطحات السحاب، والتي تم تصميمها لتضخيم ارتفاعها المتصور، وتم تطبيقها في الغالب على الصروح العامة والتجارية الكبيرة، بما في ذلك الفنادق ودور السينما والمطاعم والمباني الشاهقة والمتاجر متعددة الأقسام.
الحديث الكلاسيكي
يُظهر الطراز Classic Moderne جمالية أكثر دقة مع زخرفة أقل. يتم أيضًا تعريف هذا النمط أحيانًا باسم PWA (إدارة الأشغال العامة) Moderne أو Depression Moderne، نظرًا لانتشاره في المشاريع التي بدأتها PWA خلال فترة الكساد الكبير.
تبسيط الحديث
في أواخر ثلاثينيات القرن العشرين، ظهر نوع مختلف من فن الآرت ديكو المعماري، المعروف باسم ستريملاين مودرن، أو ببساطة ستريملاين. في فرنسا، كان يُطلق عليه اسم Style Paquebot، أو نمط Ocean Liner. تميزت الهياكل في هذا النمط بزوايا مستديرة، وخطوط أفقية ممدودة، والبناء في المقام الأول من الخرسانة المسلحة، وعادة ما يتم تشطيبها باللون الأبيض. لقد قاموا في كثير من الأحيان بدمج عناصر بحرية، مثل الدرابزين والفتحات التي تذكرنا بتصميمات السفن. في حين أن مفهوم الزوايا المستديرة لم يكن جديدًا، فقد ظهر في Mossehaus لإريك مندلسون في برلين عام 1923 وبعد ذلك في مبنى هوفر، وهو مجمع صناعي في بيريفال، لندن، وأصبح تطبيقه في الولايات المتحدة مرتبطًا بقوة بالبنية التحتية لوسائل النقل. تم تطبيق تطبيق Streamline Moderne بشكل غير متكرر على مباني المكاتب ولكنه وجد استخدامًا شائعًا في محطات الحافلات ومحطات المطارات، بما في ذلك محطة مطار LaGuardia في مدينة نيويورك، مما سهل الرحلات الجوية الافتتاحية عبر المحيط الأطلسي عبر قوارب PanAm Clipper الطائرة، وكذلك في الهندسة المعمارية على جانب الطريق مثل محطات الوقود والمطاعم. تم تصنيع وتركيب سلسلة من المطاعم، المصممة لمحاكاة عربات السكك الحديدية المبسطة، عبر مدن نيو إنجلاند في أواخر الثلاثينيات. ولا يزال اثنان على الأقل من هذه الأمثلة قائمين حتى اليوم كمباني تاريخية مسجلة.
أنواع البناء
ناطحات السحاب
مثلت ناطحات السحاب الأمريكية ذروة حركة آرت ديكو، حيث تطورت لتصبح أطول المباني الحديثة وأكثرها شهرة في العالم. يهدف تصميمهم إلى إبراز هيبة مطوريهم من خلال فرض الارتفاع والشكل المميز ولوحات الألوان المحددة والإضاءة الليلية المذهلة. قام مبنى الرادياتير الأمريكي (1924) الذي صممه ريموند هود بدمج المكونات الحديثة على الطراز القوطي وآرت ديكو. تتميز واجهته بالطوب الأسود، الذي يرمز إلى الفحم، وقد تم اختياره للتعبير عن الشعور بالصلابة والكتلة الكبيرة. وتم تزيين أقسام أخرى من الخارج بالطوب الذهبي الذي يمثل النار، فيما تم تزيين المدخل بالرخام والمرايا السوداء. ناطحة سحاب بارزة أخرى على طراز آرت ديكو هي مبنى جارديان في ديترويت، الذي تم افتتاحه في عام 1929. كان هذا الصرح، الذي صممه العصري ويرت سي رولاند، رائدًا في استخدام الفولاذ المقاوم للصدأ كميزة زخرفية وتصاميم ملونة مدمجة على نطاق واسع، مبتعدة عن الزخرفة التقليدية.
مبنى كرايسلر في مانهاتن، الذي تم الانتهاء منه في عام 1930 وصممه ويليام فان ألين، أدى إلى تحويل أفق مدينة نيويورك بشكل عميق. كان هذا الهيكل المكون من سبعة وسبعين طابقًا بمثابة إعلان ضخم لسيارات كرايسلر. كانت قمته يعلوها برج من الفولاذ المقاوم للصدأ ومزينة بـ "جرغول" على طراز آرت ديكو على شكل زخارف غطاء المبرد من الفولاذ المقاوم للصدأ. تم تزيين قاعدة البرج، التي تقع على ارتفاع ثلاثة وثلاثين طابقًا فوق مستوى الشارع، بأفاريز آرت ديكو النابضة بالحياة، بينما تميزت الردهة برموز آرت ديكو وصور تنقل موضوعات الحداثة.
تم تجاوز ارتفاع مبنى كرايسلر لاحقًا من قبل مبنى إمباير ستيت، الذي صممه ويليام إف لامب (1931)، والذي يتميز بجمالية آرت ديكو أكثر تقييدًا إلى حد ما، ومبنى RCA (الآن 30 روكفلر بلازا)، الذي صممه ريموند هود (1933). أعادت هذه الهياكل بشكل جماعي تعريف البانوراما المعمارية لمدينة نيويورك. من الناحية المعمارية، تم تزيين الأجزاء العلوية من هذه المباني بتيجان وأبراج على طراز آرت ديكو، مكسوة بالفولاذ المقاوم للصدأ. قام مبنى كرايسلر، على وجه التحديد، بدمج جرغول على طراز آرت ديكو مستوحاة من زخارف المبرد، في حين أظهرت مداخلها وردهاتها زخارف آرت ديكو الفاخرة، بما في ذلك النحت والسيراميك وعناصر التصميم المعقدة. ظهرت صروح مماثلة، وإن كانت أقل شاهقة، في وقت لاحق في شيكاغو وغيرها من المدن الأمريكية الكبرى. قدم مركز روكفلر مفهومًا مبتكرًا للتخطيط الحضري، يضم العديد من المباني الشاهقة المتجمعة حول ساحة مفتوحة واسعة، تتوسطها نافورة.
في نيوارك، نيو جيرسي، عبر نهر هدسون، تم تشييد ناطحات سحاب آرت ديكو خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين. تشمل الأمثلة البارزة مقر نيوجيرسي بيل (1929)، الذي صممه رالف توماس ووكر؛ مبنى ليفكورت (1930)، بقلم فرانك جراد؛ ومبنى نيوارك الوطني (1933)، بقلم جون إتش ويلسون سي إيلي. لاحظ جون كوتون دانا، الذي كان مدير مكتبة نيوارك العامة في ذلك الوقت، أن هذه التطورات المعمارية حولت نيوارك من "وحش فرانكشتاين الصناعي الضخم والفظ وغير المفكر إلى مكان راقي."
كاتدرائيات التجارة
تم العثور على أبرز نماذج التصميم الداخلي لأسلوب الآرت ديكو الأمريكي في ردهات الصروح الحكومية والمسارح، وخاصة مباني المكاتب التجارية. تتميز هذه التصميمات الداخلية بجماليات نابضة بالحياة وديناميكية، ودمج النحت والجداريات والأنماط الهندسية المعقدة المنفذة بالرخام والزجاج والسيراميك والفولاذ المقاوم للصدأ. ومن الأمثلة المبكرة على ذلك مبنى فيشر في ديترويت، الذي صممه جوزيف ناثانيال فرينش، حيث تم تزيين الردهة على نطاق واسع بالنحت والسيراميك. مبنى جارديان (في البداية مبنى يونيون ترست) في ديترويت، الذي اكتمل بناؤه عام 1929 على يد ويرت رولاند، كان يتميز بالرخام الأحمر والأسود إلى جانب السيراميك ذو الألوان الزاهية، والذي تم إبرازه بأبواب وعدادات المصاعد الفولاذية المصقولة للغاية. صورت عناصره النحتية المثبتة على الحائط فضائل الصناعة والاقتصاد، مما أدى إلى تسمية المبنى على الفور باسم "كاتدرائية التجارة". مبنى الطب وطب الأسنان الواقع في 450 شارع سوتر في سان فرانسيسكو، والذي صممه تيموثي فلوجر، مستوحى من الهندسة المعمارية لحضارة المايا، ويتجلى في شكل منمق للغاية. يشتمل هذا الهيكل على أشكال هرمية، وزُينت جدرانه الداخلية بصفوف منمقة من الكتابة الهيروغليفية.
في فرنسا، المثال البارز للتصميم الداخلي على طراز آرت ديكو من هذه الحقبة هو Palais de la Porte Dorée (1931)، وهو عمل تعاوني لألبرت لابراد، وليون جوسلي، وليون بازين. تم تشييد هذا الصرح، الذي يضم حاليًا المتحف الوطني للهجرة وحوض السمك في الطابق السفلي، في الأصل لمعرض باريس الاستعماري عام 1931 لإحياء ذكرى سكان المستعمرات الفرنسية وسلعها. تم تزيين واجهته الخارجية بشكل شامل بالمنحوتات، في حين حقق الردهة تماسكًا على طراز آرت ديكو من خلال أرضية باركيه خشبية منقوشة هندسيًا، ولوحة جدارية تصور سكان المستعمرات الفرنسية، وترتيب متوازن للأبواب العمودية والشرفات الأفقية.
قصور السينما
توجد أبرز الأمثلة الباقية على طراز فن الآرت ديكو بشكل متكرر في دور السينما التي تم بناؤها خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين. تزامن هذا العصر مع الانتقال من الأفلام الصامتة إلى الأفلام الناطقة، مما دفع شركات السينما إلى إقامة قاعات سينمائية كبيرة في المراكز الحضرية الكبرى لاستيعاب الجماهير المتزايدة. غالبًا ما كانت قصور السينما في العشرينيات من القرن الماضي تدمج موضوعات غريبة مع جماليات آرت ديكو. على سبيل المثال، استلهم مسرح غرومان المصري في هوليوود (1922) من العمارة الجنائزية المصرية القديمة، في حين قام مسرح فوكس في بيكرسفيلد، كاليفورنيا، بدمج برج على طراز بعثة كاليفورنيا مع قاعة آرت ديكو. أكبرها هي قاعة موسيقى راديو سيتي في مدينة نيويورك، والتي بدأت عملياتها في عام 1932. تم تصميمها في البداية كمساحة للأداء المسرحي، وسرعان ما تحولت إلى سينما قادرة على استيعاب 6015 ضيفًا. استخدم تصميمه الداخلي، من تصميم دونالد ديسكي، الزجاج والألمنيوم والكروم والجلد لخلق تجربة بصرية غامرة. يتميز مسرح باراماونت في أوكلاند، كاليفورنيا، الذي صممه تيموثي فلوجر، بواجهة سيراميكية نابضة بالحياة، وردهة من أربعة طوابق، وصالات تدخين مميزة على طراز آرت ديكو للرجال والسيدات. ظهرت قصور فخمة مماثلة في جميع أنحاء أوروبا. أصبحت قاعة جراند ريكس في باريس (1932)، التي تميزت ببرجها المهيب، أكبر سينما في أوروبا بعد قاعة جاومونت بالاس (1931-1973) التي تضم 6000 مقعد. تتميز سينما جاومونت ستيت في لندن (1937) ببرج مصمم على طراز مبنى إمباير ستيت، ومكسو ببلاط السيراميك الكريمي، وتصميم داخلي يمزج بين فن الآرت ديكو وأنماط عصر النهضة الإيطالية. تم تصميم مسرح باراماونت في شنغهاي، الصين (1933)، في البداية كقاعة رقص تسمى بوابة الـ 100 متعة، كسينما بعد الثورة الشيوعية عام 1949 ويعمل حاليًا كقاعة رقص وديسكو. في ثلاثينيات القرن العشرين، قام المهندسون المعماريون الإيطاليون ببناء قصر سينمائي أصغر، وهو سينما إمبيرو، في أسمرة، الواقعة في إريتريا الحالية. في حين تم تقسيم العديد من دور السينما التاريخية هذه منذ ذلك الحين إلى دور عرض متعددة، فقد خضع البعض الآخر للترميم وأصبح الآن بمثابة مراكز ثقافية داخل مجتمعاتهم.
العناصر الزخرفية والزخارف الموضوعية
تطورت زخرفة آرت ديكو عبر عدة مراحل متميزة. من عام 1910 إلى عام 1920، بالتزامن مع تراجع الفن الحديث، عادت جماليات التصميم إلى الأشكال التقليدية، والتي تجسدت بشكل ملحوظ في إبداعات بول إيريبي. في عام 1912، نشر أندريه فيرا مقالًا في مجلة L'Art Décoratif يدعو فيه إلى العودة إلى الحرف اليدوية والمواد التي كانت موجودة في القرون السابقة، إلى جانب مجموعة جديدة من الأشكال الطبيعية، وخاصة السلال وأكاليل الفاكهة والزهور. في الوقت نفسه، استلهم اتجاه آرت ديكو آخر من نفس العقد من اللوحات النابضة بالحياة للحركة الفنية الوحشية والأزياء المتقنة وتصميمات المسرح لباليه روس. ويتجلى هذا النمط في كثير من الأحيان من خلال المواد الغريبة مثل جلد القرش، وعرق اللؤلؤ، والعاج، والجلد الملون، والخشب المطلي والمطلي، والتطعيمات الزخرفية على الأثاث التي أبرزت صفاته الهندسية. بلغت هذه الفترة الأسلوبية ذروتها في معرض باريس للفنون الزخرفية عام 1925. في أواخر العشرينيات وطوال الثلاثينيات من القرن العشرين، تغير الأسلوب الزخرفي متأثرًا بالمواد الجديدة والتقدم التكنولوجي. أصبح أكثر أناقة وأقل زخرفة. بدأ الأثاث، الذي يعكس الاتجاهات المعمارية، يتميز بحواف مستديرة ويتبنى مظهرًا مصقولًا وانسيابيًا، مستمدًا من أسلوب Streamline Moderne. أصبحت المواد الجديدة، بما في ذلك الفولاذ المطلي بالنيكل أو الكروم، والألومنيوم، والباكليت (البلاستيك الاصطناعي المبكر)، سائدة في الأثاث والتطبيقات الزخرفية.
طوال عصر آرت ديكو، وخاصة خلال ثلاثينيات القرن العشرين، كانت الزخارف الزخرفية تنقل في كثير من الأحيان الوظيفة المقصودة للمبنى. وزينت المسارح بالمنحوتات التي تصور الموسيقى، والرقص، والإثارة؛ عرضت شركات الطاقة شروق الشمس؛ يتميز مبنى كرايسلر بزخارف غطاء محرك السيارة المنمقة. على سبيل المثال، صورت أفاريز قصر الباب دوريه في معرض باريس الاستعماري عام 1931 الجنسيات المتنوعة التي تسكن المستعمرات الفرنسية. أعطى النمط الانسيابي الانطباع بأن المبنى نفسه كان في حالة حركة. وبالمثل، غالبًا ما تصور جداريات إدارة تقدم الأعمال (WPA) في ثلاثينيات القرن العشرين الأفراد العاديين - مثل عمال المصانع، وموظفي البريد، والأسر، والمزارعين - كأبطال، يختلفون عن الأبطال الكلاسيكيين التقليديين.
يتميز فن الآرت ديكو، الذي يعكس العصر المعقد الذي نشأ منه، بشكل أفضل بسلسلة من التناقضات المتأصلة، مثل التفاعل بين البساطة والأقصى، والزاوية والسيولة، وأشكال الزقورة والتصميمات الانسيابية، والتماثل وعدم الانتظام. كانت الأيقونات التي اختارها فنانو آرت ديكو لتمثيل هذه الفترة مليئة بالمفارقات. على سبيل المثال، تتعايش العذارى الجميلات في ملابس القرن الثامن عشر جنبًا إلى جنب مع النساء الأنيقات والراقيات والعراة المستلقيات، بينما تضيء ومضات البرق براعم الورد المنمقة.
الأثاث
شكل الأثاث الفرنسي الذي تم إنتاجه في الفترة ما بين عام 1910 وأوائل العشرينيات من القرن العشرين في المقام الأول تطورًا لأنماط الأثاث الفرنسي التقليدي، حيث ضم عناصر من تصميمات فن الآرت نوفو للويس ماجوريل، وتشارلز بلوميت، وغيرهم من المصنعين. أدرك مصنعو الأثاث الفرنسيون وجود تهديد من الأهمية المتزايدة للمصنعين الألمان وأنماطهم، وتحديدًا أسلوب بيدرمير، الذي يتميز ببساطته وخطوطه النظيفة. رداً على ذلك، وجه فرانتز جوردان، المصمم الفرنسي ورئيس صالون باريس لأوتومني، دعوة للمصممين من ميونيخ للمشاركة في صالون 1910. المصممون الفرنسيون، الذين يراقبون الجمالية الألمانية الناشئة، قرروا مواجهة هذا التحدي. ونتيجة لذلك، قرروا عرض الأساليب الفرنسية الجديدة في صالون عام 1912، الذي نصت لوائحه على العرض الحصري للتصاميم الحديثة. شارك جميع مصممي الأثاث الفرنسيين الرئيسيين، بما في ذلك بول فولو، وبول إيريبي، وموريس دوفرين، وأندريه جرولت، وأندريه ماري، ولويس سوي، حيث قدموا قطعًا مبتكرة أعادت تفسير الأساليب الفرنسية التقليدية، مثل أساليب لويس السادس عشر ولويس فيليب. تضمنت هذه التصميمات الجديدة أشكالًا زاوية متأثرة بالتكعيبية وألوانًا نابضة بالحياة مستمدة من الحركة الوحشية والحركة النابيسية.
شارك كل من الرسام أندريه ماري ومصمم الأثاث لويس سو في صالون عام 1912. بعد الحرب، تعاون الرجلان لتأسيس شركتهما الخاصة، والتي أُطلق عليها رسميًا اسم Compagnie des Arts Française، على الرغم من الإشارة إليها عادةً باسم Suë and Mare. على النقيض من مصممي الفن الحديث البارزين مثل لويس ماجوريل، الذين صمموا كل قطعة على حدة، قامت ماري وسو بتجميع فريق من الحرفيين المهرة لإنتاج تصميمات داخلية شاملة تشمل الأثاث والأواني الزجاجية والسجاد والسيراميك وورق الحائط والإضاءة. وتميزت إبداعاتهم بالألوان النابضة بالحياة واستخدام الأخشاب الرائعة، مثل خشب الأبنوس المطعم بعرق اللؤلؤ، وأذن البحر، والمعادن الفضية لتشكيل زخارف نباتية. تراوحت مجموعة تصميماتهم من التصميمات الداخلية لسفن المحيط إلى زجاجات العطور الخاصة بعلامة جان باتو. على الرغم من أن الشركة ازدهرت في أوائل عشرينيات القرن العشرين، إلا أن مؤسسيها أثبتوا أنهم أكثر مهارة كحرفيين من كونهم رواد أعمال. ونتيجة لذلك، تم تصفية الشركة في عام 1928، مما أدى إلى رحيل الرجلين.
برز إميل جاك رولمان، وهو مصمم من الألزاس، كأبرز مصمم أثاث في معرض الفنون الزخرفية عام 1925. عرض في البداية إبداعاته في صالون الخريف عام 1913، ثم قام بعد ذلك بإنشاء جناحه المخصص، "بيت الجامع الغني"، في معرض عام 1925. استخدم رولمان حصريًا المواد الأكثر ندرة وتكلفة، مثل خشب الأبنوس والماهوجني وخشب الورد والأمبون وغيرها من الأخشاب الغريبة. غالبًا ما كانت مزينة بتطعيمات من العاج وصدف السلحفاة وعرق اللؤلؤ، بينما كانت الكريات الحريرية الصغيرة تزين مقابض أدراج الخزانات. استلهمت تصميمات الأثاث الخاصة به من نماذج القرن الثامن عشر، والتي قام بعد ذلك بتبسيطها وإعادة تشكيلها. كانت السمة المميزة لبراعته هي الإخفاء الكامل للهيكل الداخلي للأثاث. عادة، كان إطار البلوط مغطى بالكامل بطبقة أولية من شرائح خشبية رقيقة، تليها طبقة ثانية من الأخشاب النادرة والمكلفة. تمت بعد ذلك تلبيس هذه الطبقات المعقدة وصقلها، مما خلق الوهم بأن القطعة قد تم نحتها من كتلة واحدة صلبة من الخشب. غالبًا ما كان الخشب الداكن يتناقض مع تطعيمات العاج ولوحات المفاتيح والمقابض. افترض رولمان أن الكراسي بذراعين تتطلب تصميمات مميزة مصممة خصيصًا للوظائف المحددة للغرف التي تشغلها: تم تصميم الكراسي بذراعين في غرفة المعيشة للضيافة، وكراسي المكتب للراحة، وكراسي الصالون للترف. كان إنتاج كل تصميم أثاث مقتصرًا على عدد صغير من القطع، وكان متوسط تكلفة أحد الأسرّة أو الخزائن يتجاوز تكلفة منزل نموذجي.
انتقل Jules Leleu، الذي كان في البداية مصممًا للأثاث التقليدي، بسلاسة إلى حركة آرت ديكو خلال عشرينيات القرن الماضي. وشملت أعماله البارزة أثاث غرفة الطعام لقصر الإليزيه وكبائن الدرجة الأولى للباخرة نورماندي. أسلوب Leleu المميز يتضمن خشب الأبنوس، وخشب ماكاسار، والجوز، وغالبًا ما يكون مزينًا بلوحات من العاج وعرق اللؤلؤ. كان رائدًا في صناعة الأثاث المصقول على طراز آرت ديكو في أواخر العشرينيات من القرن الماضي، وبحلول أواخر الثلاثينيات من القرن الماضي، قدم تصميمات تتميز بالمعدن مع ألواح زجاجية مدخنة. في الوقت نفسه في إيطاليا، اكتسب جيو بونتي شهرة بسبب جماليات الأثاث المبسطة.
أثار الأثاث الفخم والغريب الذي أنتجه مصممون مثل رولمان وغيرهم من التقليديين غضبًا كبيرًا بين الحداثيين، ولا سيما المهندس المعماري لو كوربوزييه. أدى هذا السخط إلى قيام لو كوربوزييه بتأليف سلسلة بارزة من المقالات التي تنتقد بشدة أسلوب الفنون الديكورية. لقد أدان الأثاث الذي يمكن الوصول إليه حصريًا للأثرياء، ودعا المصممين بدلاً من ذلك إلى صنع قطع من مواد اقتصادية بأسلوب معاصر، مما يجعلها في متناول عامة الناس. قام لو كوربوزييه بعد ذلك بتطوير تصميمات الكراسي الخاصة به، والتي تم تصميمها خصيصًا لتحقيق فعالية التكلفة والإنتاج الضخم.
خلال ثلاثينيات القرن العشرين، تطورت تصميمات الأثاث لتتميز بأسطح أكثر نعومة وأشكال منحنية. من بين الممارسين البارزين لأسلوب آرت ديكو اللاحق هذا كان دونالد ديسكي، وهو مصمم مؤثر للغاية مسؤول عن التصميم الداخلي لقاعة موسيقى راديو سيتي. يجمع Deskey بشكل مبتكر بين المواد التقليدية والمعاصرة، مثل الألومنيوم والكروم والباكليت، وهو نوع من البلاستيك المبكر. ومن بين مصممي الأثاث الأمريكيين المهمين الآخرين على طراز آرت ديكو في الثلاثينيات جيلبرت رود، ووارن ماك آرثر، وكيم ويبر.
حقق طراز الشلال، الذي يتميز بجماليته المميزة، شعبية واسعة النطاق طوال ثلاثينيات وأربعينيات القرن العشرين، ليصبح شكل أثاث آرت ديكو السائد في تلك الحقبة. تتكون هذه القطع عادةً من خشب رقائقي منتهي بقشرة أشقر وحواف مستديرة مميزة، مما يستحضر الانطباع البصري لشلال متدفق.
التصميم
ظهرت تقنية ستريملاين، وهي نوع مختلف من آرت ديكو، في منتصف ثلاثينيات القرن العشرين، مستوحاة من مبادئ الديناميكا الهوائية المعاصرة التي تم تطويرها للطيران والمقذوفات لتخفيف السحب عند السرعات العالية. قام المصممون بتطبيق هذه الأشكال النقطية المميزة على مجموعة متنوعة من العناصر، بما في ذلك السيارات والقطارات والسفن، بالإضافة إلى الأشياء الثابتة مثل الثلاجات ومضخات الغاز والهياكل المعمارية. تمثل سيارة كرايسلر Airflow لعام 1933 واحدة من أقدم سيارات الإنتاج التي تجسد هذا النمط. على الرغم من ضعف أدائه التجاري، فقد شكل المظهر الجمالي والتصميم الوظيفي لتدفق الهواء سابقة هامة للحداثة، مما أثر على تصميم السيارات بشكل جيد في حقبة ما بعد الحرب العالمية الثانية.
أثر ظهور المواد الصناعية الجديدة بشكل كبير على تصميم السيارات والأدوات المنزلية. وشملت هذه المواد الألومنيوم والكروم والباكليت، وهو بلاستيك اصطناعي مبكر. وقد سهلت قابلية التشكيل المتأصلة للباكليت اعتماده السريع في أشكال مختلفة، مما أدى إلى استخدامه على نطاق واسع في الهواتف وأجهزة الراديو والأجهزة المنزلية الأخرى.
وبالمثل، احتضنت سفن المحيطات جمالية آرت ديكو، والتي يشار إليها بالفرنسية باسم Style Paquebot، أو "Ocean Liner Style". تُعد سفينة SS نورماندي، التي بدأت رحلتها الافتتاحية عبر المحيط الأطلسي في عام 1935، المثال الأكثر شهرة لهذا الأسلوب. كان تصميمه يهدف على وجه التحديد إلى نقل الأمريكيين الأثرياء إلى باريس للتسوق. عرضت كبائن وصالونات السفينة أحدث المفروشات والزخارف على طراز آرت ديكو. والجدير بالذكر أن الصالون الكبير للسفينة، الذي يعمل كمطعم من الدرجة الأولى، تجاوز أبعاد قاعة المرايا في قصر فرساي. تم توفير الإضاءة بواسطة أضواء كهربائية مدمجة ضمن اثني عشر عمودًا من كريستال لاليك، مكملة بستة وثلاثين عمودًا مناظرًا تبطن الجدران، مما يمثل مثالًا مبكرًا للإضاءة المدمجة مباشرة في التصميم المعماري. تم تكييف أسلوب السفينة المميز هذا لاحقًا مع الهندسة المعمارية الأرضية. ومن الأمثلة البارزة على ذلك مبنى متحف سان فرانسيسكو البحري، الذي تم تشييده في الأصل كحمام عام في عام 1937، والذي يستحضر العبارة من خلال درابزين السفينة وزواياها المستديرة. كما أدمجت محطة Star Ferry Terminal في هونغ كونغ أيضًا مجموعة متنوعة من هذا النهج المعماري.
المنسوجات
تشكل المنسوجات عنصرًا مهمًا في جمالية آرت ديكو، حيث تظهر في ورق الحائط والمفروشات والسجاد النابض بالحياة. خلال عشرينيات القرن العشرين، استوحى المصممون الإلهام من مصادر متنوعة، بما في ذلك مجموعات المسرح في فرقة Ballets Russes، وتصميمات الأقمشة والأزياء الخاصة بـ Léon Bakst، والإبداعات المبتكرة لـ Wiener Werkstätte. تميزت التصميمات الداخلية المبكرة لأندريه ماري بشكل بارز بأكاليل من الورود والزهور ذات الألوان الزاهية والمصممة للغاية، وتزيين الجدران والأرضيات والأثاث. ميزت الزخارف الزهرية المنمقة أعمال راؤول دوفي وبول بوارت، بالإضافة إلى تصميمات أثاث جي إي رولمان. يرجع الفضل إلى بول بوارت في إعادة تفسير السجادة الزهرية ضمن لغة آرت ديكو المميزة.
تم تطوير أسلوب آرت ديكو بشكل ملحوظ من خلال تطبيق تقنية الطباعة pochoir المستندة إلى الاستنسل، والتي مكنت المصممين من تحقيق خطوط دقيقة وألوان نابضة بالحياة. تم دمج جماليات آرت ديكو في الملابس التي ابتكرها مصممون مثل بول بوارت، وتشارلز وورث، وجان باتو. بعد الحرب العالمية الأولى، برز تصدير المنسوجات والملابس كمصدر رئيسي للنقد الأجنبي لفرنسا.
في كثير من الأحيان، تضمنت المظاهر اللاحقة لفن الآرت ديكو في ورق الحائط والمنسوجات صورًا منمقة للمناظر الطبيعية الصناعية، والصور البانورامية الحضرية، والقاطرات، وغيرها من الزخارف المعاصرة. غالبًا ما تضمنت هذه التصميمات أيضًا أشكالًا نسائية منمقة ولمسات معدنية وأنماط هندسية معقدة.
الموضة
خضعت الموضة لتحول عميق خلال هذه الحقبة، وتأثرت إلى حد كبير بالمصممين بول بوارت ومن بعده كوكو شانيل. كان بوارت رائدًا في مفهوم الثنيات، مما يمثل خروجًا كبيرًا عن أساليب الخياطة التقليدية وصناعة النماذج. تميزت تصميماته بملابس مقطوعة بخطوط مستقيمة ومكونة من عناصر مستطيلة، مع التركيز على البساطة الهيكلية. تم التخلص من الصور الظلية المقيدة للمشد والأنماط الرسمية السائدة في الفترة السابقة، مما أدى إلى أزياء أكثر عملية وانسيابية. وقد تم تسهيل هذا التحول بشكل أكبر من خلال دمج مواد جديدة وألوان أكثر إشراقًا وتصميمات مطبوعة مبتكرة. ساهمت كوكو شانيل أيضًا في دفع هذا التطور، حيث شاع أسلوبًا يتميز بالأناقة الرياضية وغير الرسمية.
كان النموذج الأصلي لهذه الفترة هو الزعنفة، التي تتميز بشعرها القصير المتموج، وتناول الكوكتيلات، والتدخين العلني، والرقص في وقت متأخر من الليل في النوادي العصرية، والملاهي، أو الأماكن البوهيمية. ومع ذلك، فإن هذا التصوير يمثل إلى حد كبير شخصية من الخيال الشعبي وليس الواقع المعاش بالنسبة لغالبية النساء. ومن بين الجماليات الأنثوية البارزة الأخرى على طراز آرت ديكو garçonne المخنث في عشرينيات القرن العشرين، والذي تميز بنصف نصفي مسطح وخصر غير محدد وأرجل مكشوفة، مما أدى إلى تقليل الصورة الظلية إلى شكل أنبوبي قصير، غالبًا ما يتم استكماله بقبعة قاءلة ضيقة.
المجوهرات
خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، سعى المصممون البارزون مثل رينيه لاليك وكارتييه إلى تقليل التفوق التقليدي للألماس من خلال دمج مجموعة واسعة من الأحجار الكريمة النابضة بالحياة، بما في ذلك الزمرد الأصغر حجمًا والياقوت والصفير. في الوقت نفسه، أعطوا الأولوية للإعدادات المعقدة والمكررة للغاية، وغالبًا ما استخدموا مواد يسهل الوصول إليها مثل المينا والزجاج والقرن والعاج. تم تصنيع الماس نفسه في أشكال غير تقليدية. عرض معرض عام 1925 بشكل خاص العديد من قطع الماس المقطوعة إلى قضبان مصغرة أو أعواد الثقاب. تشمل قطع الماس الإضافية الشهيرة على طراز آرت ديكو ما يلي:
- قطع الزمرد، الذي يتميز بأوجهه المتدرجة والمتدرجة؛
- قطع Asscher، وهو مربع الشكل أكثر من قطع الزمرد، ويتميز بتاج مرتفع ويُعتبر أول قطع ألماس حاصل على براءة اختراع؛
- قص الماركيز، المصمم لخلق انطباع بزيادة الحجم والبروز؛
- قطع الرغيف الفرنسي، الذي يتميز بأشكال صغيرة ومستطيلة متدرجة يتم استخدامها بشكل متكرر لإبراز الحجارة المركزية الأكبر حجمًا؛
- القطع الأوروبي القديم، وهو شكل دائري ذو أوجه يدوية مصمم لإصدار ومضات من الألوان، المعروفة باسم "النار"، من داخل الحجر الكريم.
كما تطورت إعدادات الماس بشكل ملحوظ؛ يفضل الصائغون بشكل متزايد البلاتين على الذهب بسبب قوته ومرونته الفائقة، مما يسهل ترصيع العناقيد الحجرية. علاوة على ذلك، أصبح دمج المواد الداكنة، مثل المينا والعقيق الأسود، سائدًا، مما يوفر تباينًا صارخًا مع تألق الماس.
أصبحت تصميمات المجوهرات أكثر حيوية وتنوعًا من حيث الأسلوب بشكل ملحوظ. قامت شركات مثل كارتييه وبوشرون بدمج الماس مع مجموعة من الأحجار الكريمة الملونة، وتم تقطيعها بدقة إلى أشكال تشبه أوراق الشجر أو الفواكه أو الزهور، لإنشاء دبابيس وخواتم وأقراط ومشابك ومعلقات. في الوقت نفسه، اكتسبت زخارف الشرق الأقصى شعبية كبيرة. تم إقران لوحات اليشم والمرجان مع البلاتين والألماس، في حين تم تزيين علب الزينة وعلب السجائر وصناديق البودرة بمناظر طبيعية يابانية وصينية مصنوعة من عرق اللؤلؤ والمينا والورنيش.
أثر التطور السريع في أنماط الملابس بشكل مباشر على ظهور تصميمات المجوهرات الجديدة. استلزم انتشار الفساتين بلا أكمام في العشرينيات من القرن الماضي زخرفة الذراع، مما دفع المصممين إلى إنتاج أساور مصنوعة من الذهب والفضة والبلاتين، وغالبًا ما تكون مرصعة باللازورد والعقيق والمرجان وغيرها من الأحجار الملونة. تم تصميم بعض الأساور خصيصًا للجزء العلوي من الذراع، وكان من الشائع ارتداء أساور متعددة في وقت واحد. حفزت تسريحات الشعر المتعرجة التي اعتمدتها النساء في العشرينيات من القرن الماضي على إنشاء تصميمات معقدة للأقراط على طراز آرت ديكو. مع تزايد ظهور النساء المدخنات على المستوى العام، قام المصممون بتطوير حافظات سجائر مزخرفة للغاية وحاملات سجائر عاجية. ألهم اختراع ساعة اليد قبل الحرب العالمية الأولى صائغي المجوهرات لصناعة ساعات مزينة بشكل استثنائي، وغالبًا ما تكون مرصعة بالألماس ومطلية بالمينا والذهب والفضة. بالإضافة إلى ذلك، اكتسبت الساعات المعلقة المعلقة بالأشرطة شعبية أيضًا.
خلال هذه الحقبة، قامت مؤسسات المجوهرات الباريسية البارزة مثل كارتييه وشوميه وجورج فوكيه وموبوسان وفان كليف آند أمب؛ أنتجت شركة آربلز جميع المجوهرات والعناصر الزخرفية التي تعكس جمالية آرت ديكو الناشئة. على سبيل المثال، صنعت شوميه علب السجائر والولاعات وعلب الأدوية والدفاتر ذات أشكال هندسية عالية من الأحجار الصلبة، ومزينة باليشم واللازورد والماس والياقوت. انضم العديد من المصممين الناشئين لاحقًا إلى هذه الحركة، حيث ساهم كل منهم بتفسيرات مميزة لأسلوب ديكو. ابتكر ريموند تمبلييه قطعًا تتميز بزخارف هندسية معقدة، تتمثل في أقراط فضية تشبه ناطحات السحاب. بدأ جيرارد ساندوز مسيرته المهنية في تصميم المجوهرات عام 1921 عندما كان عمره 18 عامًا، وأنتج العديد من الأعمال المشهورة التي تتميز بالمظهر الأنيق المصقول للآلات المعاصرة. كما دخل رينيه لاليك، مصمم الزجاج الشهير، في هذا المجال، حيث قام بتصميم المعلقات التي تصور الفواكه أو الزهور أو الضفادع أو الجنيات أو حوريات البحر من الزجاج المنحوت ذي الألوان الزاهية، المعلقة على حبال حريرية مزينة بشرابات. استخدم الجواهري بول براندت أنماطًا مستطيلة ومثلثة متباينة، وقام بتضمين اللؤلؤ في ترتيبات خطية على ألواح العقيق. حقق جان ديسبريس تباينًا مذهلاً في الألوان في قلائده من خلال الجمع بين مواد مثل الفضة مع طلاء أسود، أو الذهب مع اللازورد. أثارت العديد من إبداعاته الأسطح المصقولة للغاية للمكونات الصناعية. وبالمثل، استوحى جان دوناند إلهامه من الآلات الحديثة، حيث قام بدمج اللونين الأحمر والأسود النابضين بالحياة والذي يتناقض مع المعدن المصقول. قدمت سوزان بيلبيرون تصميمات منحوتة، باستخدام مواد مثل الكريستال الصخري والأحجار شبه الكريمة، مما يؤكد على احتضان هذه الفترة للعناصر غير التقليدية. قام جان فوكيه، المتأثر بالتكعيبية، بدمج مواد مثل خشب الأبنوس والفولاذ المطلي بالكروم، مما غرس في مجوهرات آرت ديكو إحساسًا عصريًا مميزًا. ومن بين المساهمين البارزين الآخرين في حركة آرت ديكو بوشرون، ولاكلوش، وصائغ الفضة الدنماركي جورج جنسن، المعروف بخبرته في الفضة والأحجار الكريمة التي يسهل الوصول إليها. شركات المجوهرات الأمريكية، بما في ذلك تيفاني آند أمب؛ شركة بلاك وستار & فروست وماركوس وأمبير. كما قدمت الشركة مساهمات كبيرة في إنتاج الساعات والتحف الفنية وقطع المجوهرات المتنوعة.
فن الزجاج
على غرار عصر فن الآرت نوفو السابق، مثلت فترة آرت ديكو حقبة متميزة للزجاج الرائع والعناصر الزخرفية الأخرى المصممة بدقة لتكمل بيئاتها المعمارية. برز رينيه لاليك باعتباره المبدع الأكثر شهرة للأشياء الزجاجية، حيث أصبحت أعماله المتنوعة، بدءًا من المزهريات إلى زخارف غطاء السيارة، رمزًا لهذه الفترة. قبل الحرب العالمية الأولى، أجرت لاليك تجارب على الزجاج، ولا سيما تصميم زجاجات لعطور فرانسوا كوتي. ومع ذلك، فإن إنتاجه الكبير من فن الزجاج لم يبدأ إلا بعد الحرب. في عام 1918، عندما كان يبلغ من العمر 58 عامًا، استحوذ على مصنع زجاجي كبير في كومز لا فيل، وبدأ بعد ذلك في تصنيع المنتجات الزجاجية الفنية والنفعية. لقد تعامل مع الزجاج كوسيلة للنحت، وأنتج التماثيل والمزهريات والأوعية والمصابيح والزخارف المختلفة. استخدمت لاليك الكريستال النصفي بدلاً من الكريستال الرصاصي، مفضلة خصائصها الأكثر ليونة والأكثر مرونة، على الرغم من بريقها الأقل. بينما يستخدم أحيانًا الزجاج الملون، فقد اختار في كثير من الأحيان الزجاج البراق، حيث تمت معالجة جزء أو كامل السطح الخارجي بالغسيل. امتدت مساهمات Lalique إلى توفير الألواح الزجاجية المزخرفة، وتركيبات الإضاءة، والأسقف الزجاجية المضيئة لسفن المحيط SSÎle de France في عام 1927 وSS Normandie في عام 1935، بالإضافة إلى مجموعة مختارة من سيارات النوم من الدرجة الأولى على السكك الحديدية الفرنسية. في معرض الفنون الزخرفية عام 1925، عرض جناحه الخاص، وصمم غرفة طعام كاملة مع طاولة وسقف زجاجي منسق لجناح سيفر، وابتكر نافورة زجاجية لساحة Cours des Métiers - وهو عمود زجاجي نحيف ينبعث الماء من جوانبه ويتم إضاءته بعد حلول الظلام.
من بين منتجي الزجاج البارزين الآخرين على طراز آرت ديكو كان ماريوس إرنست سابينو، الذي خبرته كان يكمن في صنع التماثيل الصغيرة والمزهريات والأوعية والمنحوتات الزجاجية التي تصور الأسماك والعراة والحيوانات. لقد استخدم في كثير من الأحيان الزجاج البراق لهذه الإبداعات، وهي مادة قادرة على التحول في اللون من الأبيض إلى الأزرق إلى العنبر، اعتمادًا على ظروف الإضاءة المحيطة. تميزت مزهرياته وأوعيته بأفاريز مقولبة تصور حيوانات أو تماثيل نصفية لنساء مزينة بالفواكه أو الزهور. كان الإنتاج الفني لسابينو أقل تقديرًا بشكل عام ولكنه أكثر حيوية من إنتاج لاليك.
من بين مصممي الزجاج البارزين الآخرين على طراز آرت ديكو إدموند إيتلينج، المعروف بألوانه البراقة النابضة بالحياة، والتي غالبًا ما تتضمن زخارف هندسية ومنحوتات عارية. كان ألبرت سيمونيه، وأريستيد كولوت، وموريس مارينوت بارزين أيضًا، حيث اشتهر مارينوت بشكل خاص بزجاجاته ومزهرياته المنحوتة بعمق. قامت شركة داوم في نانسي، التي اشتهرت سابقًا بأعمالها الزجاجية على طراز فن الآرت نوفو، بإنشاء مجموعة من المزهريات والمنحوتات الزجاجية على طراز آرت ديكو التي تتميز بأشكالها الصلبة والهندسية والكبيرة. في المقابل، تم تصنيع قطع أكثر تعقيدًا ومتعددة الألوان بواسطة غابرييل أرجي روسو، الذي صمم مزهريات مظللة بمهارة ومزينة بالفراشات والحوريات المنحوتة، وفرانسوا ديكورشمونت، الذي تتميز مزهرياته بأنماط مميزة مخططة ورخامية.
أثر الكساد الكبير بشكل كبير على صناعة الزجاج المزخرف، التي اعتمدت بشكل كبير على العملاء الأثرياء. ونتيجة لذلك، أعاد بعض الفنانين توجيه جهودهم نحو إنشاء نوافذ زجاجية ملونة للجان الكنسية. في عام 1937، بدأت شركة Steuben glass برنامجًا لتكليف فنانين مشهورين بتصميم الأواني الزجاجية. على وجه الخصوص، ابتكر لويس ماجوريل، الذي احتفل بأثاثه على طراز فن الآرت نوفو، نافذة زجاجية ملونة استثنائية على طراز آرت ديكو تصور عمال الصلب لمكاتب Aciéries de Longwy، وهو مصنع للصلب يقع في لونغوي، فرنسا.
يمكن العثور على مثال نادر لنوافذ الزجاج الملون على طراز آرت ديكو في كنيسة القلب المقدس في كاتدرائية أميان، التي تم تصنيعها بين عامي 1932 و1934 على يد فنان الزجاج الباريسي جان جودين، ومقره على تصاميم جاك لو بريتون.
فن المعادن
ابتكر ممارسو فن الآرت ديكو مجموعة متنوعة من الأشياء الوظيفية، باستخدام مواد صناعية تتراوح من الحديد المطاوع التقليدي إلى الفولاذ المطلي بالكروم. على سبيل المثال، صمم الفنان الأمريكي نورمان بيل جيديس مجموعة كوكتيل مستوحاة من ناطحة سحاب مصنوعة من الفولاذ المطلي بالكروم. ابتكر ريموند سوبيس شبكة معدنية أنيقة لمدخل قصر بورت دوريه، والتي كانت بمثابة سمة مركزية لمعرض باريس الاستعماري عام 1931. كما ساهم النحات الفرنسي جان دوناند بشكل كبير في إنتاج أبواب رائعة تحمل عنوان "الصيد" ومزينة بأوراق الذهب والطلاء على الجبس في عام 1935.
التصوير في الخيال
تم دمج جماليات آرت ديكو والزخارف المرئية في العديد من أفلام الرسوم المتحركة، بما في ذلك Batman، وNight Hood، وAll's Fair at the Fair، وMerry Mannequins، وPage Miss Glory، وFantasia، وSleeping Beauty. علاوة على ذلك، يتم عرض الطراز المعماري بشكل بارز في مدينة Rapture الخيالية تحت الماء ضمن امتياز ألعاب الفيديو BioShock.
كانت عناصر Art Deco المرئية بمثابة مصدر إلهام معماري لمدينة Iacon City في فيلم الخيال العلمي المتحرك Transformers One.
الهندسة المعمارية العالمية على طراز آرت ديكو
على الرغم من أن عمارة آرت ديكو نشأت في أوروبا، إلا أنه بحلول عام 1939، يمكن العثور على أمثلة لها في المدن الكبرى عبر كل قارة وفي كل دولة تقريبًا. فيما يلي مجموعة مختارة من الهياكل البارزة من كل قارة.
أفريقيا
إفريقيا
تم تشييد غالبية هياكل آرت ديكو في أفريقيا خلال فترة الإدارة الاستعمارية الأوروبية، وفي كثير من الأحيان تحت إشراف تصميم المهندسين المعماريين الإيطاليين والفرنسيين والبرتغاليين.
آسيا
بينما تم تصميم العديد من مباني آرت ديكو في آسيا من قبل المهندسين المعماريين الأوروبيين، كان الممارسون المحليون مثل خوان ناكبيل، وخوان أريلانو، وبابلو أنطونيو بارزين بشكل خاص في الفلبين. على الرغم من أن العديد من معالم آرت ديكو في جميع أنحاء آسيا قد تم تفكيكها خلال التوسع الاقتصادي الكبير في أواخر القرن العشرين، إلا أن العديد من الجيوب المعمارية البارزة لا تزال قائمة، ولا سيما في شنغهاي ومومباي.
تأسس المعهد الهندي للمهندسين المعماريين في مومباي عام 1929، وقام بتطوير حركة آرت ديكو بشكل ملحوظ. في نوفمبر 1937، نظم المعهد "معرض المنزل المثالي" في قاعة مدينة مومباي، وهو حدث استمر 12 يومًا واستقطب ما يقرب من 100000 مشارك. تم الإشادة بهذا المعرض لاحقًا باعتباره انتصارًا من قبل "مجلة المعهد الهندي للمهندسين المعماريين". عرضت شاشات العرض التكوينات السكنية المثالية، أو بالأحرى، المعاصرة، مع التركيز على التصميم الدقيق لتفادي أوجه القصور المعمارية وتقديم نماذج أولية عالية الكفاءة ومدروسة بعناية. وشمل المعرض مكونات منزلية متنوعة، بما في ذلك الأثاث وعناصر الديكور الداخلي والأجهزة مثل أجهزة الراديو والثلاجات، وجميعها تشتمل على مواد ومنهجيات جديدة وذات صلة علمية. مدفوعين بالتطلع إلى عكس الاتجاهات الغربية، كان المهندسون المعماريون الهنود مفتونين بالحداثة الصناعية المتأصلة في آرت ديكو. استكشفت النخب الغربية في البداية الجوانب المتطورة تقنيًا لفن الآرت ديكو، مما دفع المهندسين المعماريين إلى بدء تكامله بحلول أوائل ثلاثينيات القرن العشرين.
خلال ثلاثينيات القرن العشرين، عززت تجارة الموانئ المزدهرة في مومباي توسع الطبقة المتوسطة المتعلمة الديموغرافية. وفي الوقت نفسه، هاجر تدفق الأفراد إلى مومباي بحثًا عن عمل، مما أدى إلى تكثيف الطلب على البنية التحتية الجديدة. وقد استلزم ذلك تنمية حضرية واسعة النطاق، بما في ذلك مخططات استصلاح الأراضي وبناء العديد من الصروح العامة والسكنية. في الوقت نفسه، سهّل المشهد السياسي المتطور داخل الأمة والطبيعة الطموحة لجماليات آرت ديكو التبني الواسع النطاق لهذا النمط المعماري في التوسع الحضري للمدينة. يتم توزيع تركيز كبير من المباني من هذا العصر عبر أحياء المدينة المختلفة، بما في ذلك تشيرشجيت، كولابا، فورت، طريق محمد علي، كومبالا هيل، دادار، ماتونجا، باندرا، وتشيمبور.
أستراليا ونيوزيلندا
في أستراليا، تتميز ملبورن وسيدني بالعديد من المباني البارزة ذات طراز آرت ديكو. تشمل الأمثلة البارزة في ملبورن مبنى مانشستر يونيتي ومقر شرطة راسل ستريت السابق. يمثل متحف Castlemaine للفنون في Castlemaine بوسط فيكتوريا هذا النمط أيضًا. تشمل صروح آرت ديكو المهمة في سيدني مبنى غريس وبرج AWA ونصب أنزاك التذكاري.
بعد زلزال خليج هوك عام 1931، خضعت العديد من مدن نيوزيلندا، ولا سيما نابير وهاستينغز، لإعادة البناء على طراز آرت ديكو. وقد حصلت العديد من هذه المباني منذ ذلك الحين على الحماية والترميم. تم اقتراح نابير لتعيينها كموقع للتراث العالمي لليونسكو، مما يجعلها بمثابة ترشيح الموقع الثقافي الافتتاحي لنيوزيلندا. وتحتفظ ويلينغتون أيضًا بمجموعة كبيرة من فن العمارة على طراز آرت ديكو.
أمريكا الشمالية
في كندا، تقع هياكل آرت ديكو الموجودة في الغالب في المراكز الحضرية الكبرى. وتتراوح هذه من الصروح المدنية، مثل قاعة مدينة فانكوفر، إلى العقارات التجارية مثل كوليدج بارك، والبنية التحتية للمرافق العامة، والتي تتمثل في محطة آر سي هاريس لمعالجة المياه.
إن أبرز مظاهر فن الآرت ديكو في المكسيك هو التصميم الداخلي لقصر الفنون الجميلة (قصر الفنون الجميلة)، الذي تم الانتهاء منه في عام 1934 ويتميز بديكوره المعقد وجدارياته. تتجلى الهندسة المعمارية السكنية على طراز آرت ديكو في منطقة كونديسا، حيث تنسب العديد من التصميمات إلى فرانسيسكو ج. سيرانو.
في جميع أنحاء الولايات المتحدة، تنتشر الهندسة المعمارية على طراز آرت ديكو في المدن الكبرى من الساحل إلى الساحل. وكان تطبيقه أكثر شيوعًا في المباني التجارية مثل مباني المكاتب ومحطات القطار ومحطات المطارات ودور السينما، بينما تظل الأمثلة السكنية غير شائعة. خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، قام المهندسون المعماريون في جنوب غرب الولايات المتحدة، وخاصة نيو مكسيكو، بدمج عناصر إحياء بويبلو والنمط الإقليمي مع آرت ديكو لصياغة "بويبلو ديكو"، المتمثل في مسرح كيمو في ألبوكيرك. شهدت الثلاثينيات من القرن العشرين ظهور أسلوب أكثر بساطة وحداثة. على الرغم من هدم العديد من المباني بين عام 1945 وأواخر الستينيات، بدأت مبادرات الحفاظ اللاحقة لحماية الأمثلة الرئيسية. على سبيل المثال، أنشأت مدينة ميامي بيتش منطقة ميامي بيتش المعمارية للحفاظ على مجموعتها المميزة من صروح آرت ديكو.
أمريكا الوسطى ومنطقة البحر الكاريبي
يتم توزيع هياكل آرت ديكو في جميع أنحاء أمريكا الوسطى، بما في ذلك كوبا.
أوروبا
نشأ الطراز المعماري آرت ديكو في باريس، والذي تجسد في مسرح الشانزليزيه لأوغست بيريه (1910-1913). وفي وقت لاحق، انتشر المرض بسرعة في جميع أنحاء أوروبا، مع ظهور حالات في المراكز الحضرية الكبرى بدءًا من لندن إلى موسكو. خلال عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين، شهدت ألمانيا انتشار نوعين مختلفين من آرت ديكو: أسلوب نيو ساتشليشكيت والهندسة المعمارية التعبيرية. تشمل الأمثلة البارزة Mossehaus وSchaubühne لإريك مندلسون في برلين، وChilehaus لفريتز هوغر في هامبورغ وKirche am Hohenzollernplatz في برلين، إلى جانب برج Anzeiger في هانوفر وبرج Borsig في برلين.
تقف الكنيسة الوطنية للقلب المقدس في Koekelberg، بروكسل، كواحدة من أهم صروح آرت ديكو في أوروبا الغربية. في عام 1925، حصل المهندس المعماري ألبرت فان هوفيل على الجائزة الكبرى للهندسة المعمارية عن نموذجه المصغر للبازيليكا في المعرض الدولي للفنون الديكورية والصناعية الحديثة في باريس.
تتميز إسبانيا والبرتغال بأمثلة بارزة عن فن الآرت ديكو المعماري، ولا سيما في أماكنهما السينمائية. في البرتغال، تشمل الأمثلة البارزة مسرح كابيتوليو (1931) ومسرح إيدن السينمائي (1937) في لشبونة، ومسرح ريفولي (1937) وكوليسيو (1941) في بورتو، ومسرح روزا داماسكينو (1937) في سانتاريم. تشمل مساهمات إسبانيا سينما ريالتو في فالنسيا (1939).
طوال ثلاثينيات القرن العشرين، أثر آرت ديكو بشكل كبير على تصميم المباني السكنية والعامة في جميع أنحاء المملكة المتحدة. تضمنت السمات المميزة لهذا العصر واجهات المنازل المستقيمة ذات اللون الأبيض والتي تبلغ ذروتها في الأسطح المسطحة، ومحيط الأبواب الهندسي المميز، والنوافذ الطويلة، ونوافذ الزوايا المعدنية المحدبة المنحنية.
يشتهر نظام مترو أنفاق لندن بالعديد من الأمثلة المعمارية على طراز آرت ديكو. بالإضافة إلى ذلك، توجد العديد من المباني بهذا النمط على طول الميل الذهبي في برينتفورد. في غرب لندن، تم تحويل مبنى هوفر، الذي تم تشييده في البداية لصالح شركة هوفر، إلى متجر كبير في أوائل التسعينيات.
وقد خضعت بوخارست، التي يشار إليها تاريخيًا باسم "باريس الصغيرة" في القرن التاسع عشر، لعملية إعادة توجيه كبيرة في التصميم بعد الحرب العالمية الأولى، مستوحاة من مدينة نيويورك. بشرت الثلاثينيات بجمالية ثقافية جديدة أثرت على السينما والمسرح والرقص والفن والهندسة المعمارية. خلال هذا العقد، شهدت بوخارست انتشارًا للهندسة المعمارية على طراز آرت ديكو، والتي كانت واضحة من الطرق البارزة مثل بوليفاردول ماغيرو إلى المساكن الخاصة والأحياء الصغيرة. يمثل قصر الهاتف، أحد المعالم المبكرة لمدينة بوخارست الحديثة، ناطحة السحاب الافتتاحية للمدينة. يبلغ ارتفاعه 52.5 مترًا (172 قدمًا)، وظل أطول مبنى في المدينة من عام 1933 حتى الخمسينيات. يُنسب تصميمها إلى المهندسين المعماريين لويس ويكس وإدموند فان سانين ألجي، وكان والتر تروي بمثابة المهندس. تعد هذه الآثار ذات طراز آرت ديكو جزءًا لا يتجزأ من هوية بوخارست، مما يدل على فترة محورية بين الحربين العالميتين (الحرب العالمية الأولى والحرب العالمية الثانية) في تطورها التاريخي. ومع ذلك، فإن غالبية هذه الهياكل من تلك الحقبة معرضة للأحداث الزلزالية، نظرًا لموقع بوخارست داخل منطقة الزلازل.
آرت ديكو في أمريكا الجنوبية
إن وجود آرت ديكو في أمريكا الجنوبية واضح بشكل خاص في الدول التي شهدت هجرة كبيرة خلال النصف الأول من القرن العشرين، مع وجود مساهمات معمارية كبيرة في المدن الغنية مثل ساو باولو وريو دي جانيرو في البرازيل، وبوينس آيرس في الأرجنتين، ومونتيفيديو في أوروغواي. مبنى كافاناغ في بوينس آيرس (1934)، الذي صممه سانشيز ولاغوس ودي لا توري، يجسد أسلوب آرت ديكو المتأخر وتم الاعتراف به باعتباره أطول هيكل من الخرسانة المسلحة عند اكتماله.
جهود الحفظ وتطورات فن الآرت ديكو الجديد
في العديد من المراكز الحضرية، تم إطلاق مبادرات لحماية هياكل آرت ديكو الموجودة. داخل الولايات المتحدة، تم الحفاظ على العديد من دور السينما التاريخية على طراز آرت ديكو وإعادة توظيفها كمراكز ثقافية. علاوة على ذلك، تم الحفاظ على صروح آرت ديكو الأكثر تواضعًا كعناصر من التراث المعماري الأمريكي. على سبيل المثال، مقهى آرت ديكو ومحطة وقود على طول الطريق 66 في شامروك، تكساس، يحمل مكانة النصب التذكاري التاريخي. تحمي منطقة ميامي بيتش المعمارية بنشاط مئات المباني التاريخية وتفرض أن تلتزم المباني الجديدة بجمالية آرت ديكو. وعلى العكس من ذلك، في هافانا، كوبا، عانى عدد كبير من المباني ذات طراز آرت ديكو من تدهور شديد. وتجري حاليًا جهود الترميم لإعادة هذه الهياكل إلى حالتها الأصلية.
خلال القرن الحادي والعشرين، ظهرت نسخ معاصرة من فن آرت ديكو، تسمى نيو آرت ديكو (أو نيو آرت ديكو)، في العديد من المراكز الحضرية الأمريكية، مستوحاة من هياكل آرت ديكو المثالية في عشرينيات وثلاثينيات القرن العشرين. تشمل الأمثلة البارزة برج إن بي سي في شيكاغو، والذي يشير إلى 30 روكفلر بلازا في مدينة نيويورك؛ مركز سميث للفنون المسرحية في لاس فيجاس، نيفادا، الذي يضم زخارف آرت ديكو التي تذكرنا بسد هوفر؛ 99. هدسون في جيرسي سيتي، نيوجيرسي، يُعرف بأنه أطول صرح في الولاية والمرتبة 46 من حيث الأطول في الولايات المتحدة، ويتميز بالحجر الجيري المتأثر بفن الآرت ديكو والتفاصيل الخطية الزجاجية. وبرج بروكلين في بروكلين، نيويورك، أطول مبنى في المنطقة والمرتبة 19 على المستوى الوطني، ويتميز بزجاجه الأسود وأنابيبه البرونزية.
المراجع
المراجع
قائمة المراجع
فيل، شارلوت؛ فيل، بيتر (2005). تصميم القرن العشرين (طبعة الذكرى الخامسة والعشرين). كولن: تاشن. ص 48-53. رقم ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
- فيل، شارلوت؛ فيل، بيتر (2005). تصميم القرن العشرين (طبعة الذكرى السنوية الخامسة والعشرين). كولن: تاشن. ص.48–53. رقم ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
- آرت ديكو ميامي بيتش
- آرت ديكو مونتريال
- التصميم الداخلي لغرفة المعيشة
- آرت ديكو شنغهاي
- جمعية آرت ديكو نيويورك
- ممشى آرت ديكو في مونتريال