الفن الحديث (Art Nouveau)

يمثل الفن الحديث ( AR(T) noo-VOH; بالفرنسية: [aʁ nuvo]؛ مضاء.  'الفن الجديد')، والمعروف باسم Jugendstil باللغة الألمانية، يمثل حركة فنية دولية تشمل الفن والهندسة المعمارية والفنون التطبيقية، وخاصة الفنون الزخرفية. غالبًا ما كان هذا الأسلوب مستوحى من الأشكال العضوية، مثل الخطوط المتموجة للنباتات. تضمنت السمات المميزة للفن الحديث تصورًا للديناميكية والحركة، والذي يتم تحقيقه غالبًا من خلال عدم التماثل أو خطوط متدفقة، جنبًا إلى جنب مع دمج المواد المعاصرة مثل الحديد والزجاج والسيراميك، وبالتالي الخرسانة، لصياغة أشكال مميزة ومناطق مفتوحة واسعة. انتشر هذا الأسلوب في الفترة من 1890 إلى 1910 خلال العصر الجميل، وظهر كحركة مضادة للأكاديمية والانتقائية والتاريخية التي تميز الممارسات المعمارية والزخرفية في القرن التاسع عشر.

الفن الحديث ( AR(T) noo-VOH; الفرنسية: [aʁnuvo] ; lit.'الفن الجديد')، Jugendstil باللغة الألمانية، هو أسلوب عالمي للفن والهندسة المعمارية والفنون التطبيقية، وخاصة الفنون الزخرفية. غالبًا ما كانت مستوحاة من الأشكال الطبيعية مثل المنحنيات المتعرجة للنباتات والزهور. كانت الخصائص الأخرى للفن الحديث هي الشعور بالديناميكية والحركة، والتي غالبًا ما تكون ناتجة عن عدم التماثل أو خطوط الإصابة، واستخدام المواد الحديثة، وخاصة الحديد والزجاج والسيراميك والخرسانة اللاحقة، لإنشاء أشكال غير عادية ومساحات مفتوحة أكبر. كانت شائعة بين عامي 1890 و1910 خلال فترة "العصر الجميل"، وكانت بمثابة رد فعل ضد الأكاديمية والانتقائية والتاريخية للهندسة المعمارية والفن الزخرفي في القرن التاسع عشر.

كان الهدف الأساسي للفن الحديث هو تفكيك الفصل التقليدي بين الفنون الجميلة، وخاصة الرسم والنحت، والفنون التطبيقية. وكان تطبيقه على نطاق واسع في التصميم الداخلي، والفنون التصويرية، والأثاث، وفن الزجاج، والمنسوجات، والسيراميك، والمجوهرات، والأعمال المعدنية. وقد لقي هذا الأسلوب صدى لدى منظرين بارزين في القرن التاسع عشر، بما في ذلك المهندس المعماري الفرنسي يوجين إيمانويل فيوليت لو دوك (1814-1879) والناقد الفني البريطاني جون روسكين (1819-1900). وفي بريطانيا، استوحت الإلهام من ويليام موريس وحركة الفنون والحرف. سعى المهندسون المعماريون والمصممون الألمان إلى Gesamtkunstwerk ("العمل الفني الكامل") المثري روحيًا، بهدف دمج الهندسة المعمارية والمفروشات والفن الداخلي في أسلوب متماسك من شأنه أن يرفع مستوى السكان ويلهمهم.

ظهرت المظاهر الأولية لفن الآرت نوفو في الهندسة المعمارية السكنية والديكور الداخلي في بروكسل خلال تسعينيات القرن التاسع عشر. لا سيما في الهياكل التي صممها بول هانكار، وهنري فان دي فيلدي، وفيكتور هورتا بشكل بارز، الذي تم الانتهاء من فندق Hôtel Tassel الخاص به في عام 1893. وسرعان ما انتشر الأسلوب إلى باريس، حيث اعتمده هيكتور جيمارد بعد ملاحظة إبداعات هورتا في بروكسل، ثم طبقه بعد ذلك على مداخل نظام مترو باريس الناشئ. وقد تم تحقيق ذروتها في معرض باريس الدولي عام 1900، وهو الحدث الذي عرض مساهمات الفن الحديث من فنانين مثل لويس تيفاني. علاوة على ذلك، تجلى الفن الحديث في الفنون الرسومية من خلال ملصقات ألفونس موتشا وفي الأواني الزجاجية التي صنعها رينيه لاليك وإميل جالي.

نشأ الفن الحديث في بريطانيا وبلجيكا وفرنسا، ثم انتشر لاحقًا في جميع أنحاء أوروبا، واكتسب تسميات وسمات أسلوبية مميزة في دول مختلفة. وكان حضورها ملحوظًا ليس فقط في العواصم ولكن أيضًا في المراكز الحضرية المزدهرة التي تسعى إلى تشكيل هويات فنية فريدة، مثل تورينو وباليرمو في إيطاليا، وغلاسكو في اسكتلندا، وميونيخ ودارمشتات في ألمانيا، وبرشلونة في كاتالونيا بإسبانيا. بالإضافة إلى ذلك، ظهرت في مراكز حركات الاستقلال، والتي تجسدت في هلسنكي في فنلندا، ثم تحت سيطرة الإمبراطورية الروسية.

بحلول عام 1914، بالتزامن مع بداية الحرب العالمية الأولى، تضاءلت شهرة الفن الحديث إلى حد كبير. خلال عشرينيات القرن العشرين، تم استبداله باعتباره أسلوب الفن المعماري والزخرفي السائد من قبل آرت ديكو، تليها الحداثة. ومع ذلك، بدأ أسلوب الفن الحديث يحظى بتقدير نقدي متجدد في أواخر الستينيات، والذي تميز بشكل خاص بمعرض كبير لأعمال هيكتور جيمارد في متحف الفن الحديث في عام 1970.

التسميات

ظهرت التسمية الفن الحديث لأول مرة في ثمانينيات القرن التاسع عشر في المجلة البلجيكية L'Art Moderne، حيث ميزت إنتاج Les Vingt، وهي مجموعة مكونة من عشرين رسامًا ونحاتًا يدعون إلى الإصلاح الفني. يعود الفضل في الاعتراف بها على نطاق واسع إلى حد كبير إلى Maison de l'Art Nouveau ("بيت الفن الجديد")، وهو معرض فني أنشأه في باريس عام 1895 تاجر الأعمال الفنية الفرنسي الألماني سيغفريد بينج. في بريطانيا، تم اعتماد المصطلح الفرنسي الفن الحديث بشكل شائع. على العكس من ذلك، في فرنسا، كان يُشار إليه كثيرًا باسم النمط الحديث (المشابه للنمط الحديث البريطاني) أو النمط 1900. تضمنت التسميات الفرنسية الإضافية Style Jules Verne (سمي على اسم الروائي Jules Verne)، Style Métro (في إشارة إلى مداخل مترو الأنفاق المميزة المصنوعة من الحديد والزجاج لهيكتور جيمارد)، Art Belle Époque، أو Art fin de siècle.

يتم التعرف على الفن الحديث من خلال تسميات مختلفة عبر لغات مختلفة، بما في ذلك Jugendstil باللغة الألمانية، Stile Liberty بالإيطالية، الحداثة في الكاتالانية، والأسلوب الحديث باللغة الإنجليزية. تشترك هذه الحركة الفنية في كثير من الأحيان في القواسم المشتركة مع الأساليب المعاصرة التي تطورت في العديد من المناطق الأوروبية والدولية، ولكنها ليست دائمًا مرادفة لها. تم استخدام المصطلحات الأصلية لهذه الأساليب بشكل شائع داخل دولهم لوصف الحركة الأوسع.

• داخل النمسا والمناطق المجاورة التي شكلت الإمبراطورية النمساوية المجرية، تمت الإشارة إلى النمط باسم Wiener Jugendstil ('أسلوب شباب فيينا') أو Secessionsstil ('أسلوب الانفصال')، تسميات مشتقة من الفنانين المرتبطين بانفصال فيينا (المجرية: szecesszió، التشيكية: secese، السلوفاكية: secesia، البولندية: secesja).
• في بلجيكا، وصف النقاد أحيانًا الأسلوب بأنه Style cup de fouet ('Whiplash style') أو Paling Stijl ('Eel Style') أو نمط نويل ('نمط المعكرونة').
• في بريطانيا، بالإضافة إلى الفن الحديث، تم تحديد الحركة على أنها النمط الحديث أو، نظرًا لمساهمات مدرسة جلاسكو، أسلوب جلاسكو.
• في الدنمارك، يتم تحديد النمط على أنه Skønvirke ("عمل الجمال").
• في جميع أنحاء ألمانيا والدول الاسكندنافية، تمت الإشارة إلى الحركة تاريخيًا باسم Reformstil ('أسلوب الإصلاح') أو Jugendstil ('أسلوب الشباب')، وهو اسم مشتق من مجلة الفن الألمانية المؤثرة الشباب. وشملت التسميات الأخرى Wellenstil ('نمط الموجة') وLilienstil ('نمط الزنبق'). ويُعرف حاليًا باسم Jugend في فنلندا والسويد والنرويج؛ Juugend في إستونيا؛ وJūgendstils في لاتفيا. بالإضافة إلى ذلك، في فنلندا، يُطلق عليه أيضًا اسم نمط كاليفالا.
• في إيطاليا، كان يُطلق على النمط بشكل متكرر اسم stile Liberty ('أسلوب الحرية')، والذي سمي على اسم آرثر لاسنبي ليبرتي، مالك Liberty & Co، التي اكتسبت أنماط المنسوجات الخاصة بها شعبية كبيرة. تضمنت التسميات البديلة stile floreale ('نمط الأزهار') وتاريخيًا، arte nuova ('الفن الجديد')، على الرغم من أن الأخير لم يعد شائع الاستخدام.
• في اليابان، يُعرف النمط باسم Shiro-Uma.
• في هولندا، يُعرف باسم Nieuwe Kunst ('الفن الجديد') أو Nieuwe Stijl ('النمط الجديد').
• في بولندا، يُشار إلى النمط باسم Secesja ('الانفصال').
• في البرتغال، يطلق عليه Arte nova ("الفن الجديد").
• في رومانيا، يُعرف النمط باسم Arta 1900 ('1900 Art') أو Arta Nouă ('الفن الجديد') أو نول لا يزال ("نمط جديد").
• في إسبانيا، يتم تحديد النمط على أنه Modernismo وModernisme (باللغة الكاتالونية) وArte joven ('Young الفن').
• في سويسرا، يطلق عليه style sapin ('نمط شجرة التنوب').
• في الولايات المتحدة، يُشار إلى هذا الأسلوب أحيانًا باسم أسلوب تيفاني، نظرًا لارتباطه بلويس كومفورت تيفاني.
• تم استخدام التسمية الحديثة داخل الإمبراطورية الروسية السابقة ولا تزال موجودة في الدول التي خلفتها المعاصرة، بما في ذلك أذربيجان وكازاخستان وروسيا وأوكرانيا. وعلى العكس من ذلك، تُعرف في ليتوانيا باسم الحداثة. في سياق الرسم، تم أيضًا تطبيق المصطلح المرتبط بحركة Mir Iskusstva ("عالم الفن") أيضًا.

التاريخ

الأصول

يمكن إرجاع نشأة هذه الحركة الفنية الجديدة إلى بريطانيا، وتحديدًا إلى الزخارف الزهرية التي طورها ويليام موريس وحركة الفنون والحرف التي أنشأها تلاميذه. تشمل النماذج الأولية للأسلوب البيت الأحمر، الذي يتميز بتصميمات داخلية لموريس وتصميم معماري لفيليب ويب (1859)، جنبًا إلى جنب مع غرفة الطاووس الفخمة لجيمس أبوت ماكنيل ويسلر. علاوة على ذلك، استمدت الحركة إلهامًا كبيرًا من رسامي ما قبل الرفائيلية مثل دانتي غابرييل روسيتي وإدوارد بورن جونز، ولا سيما من فناني الجرافيك البريطانيين في ثمانينيات القرن التاسع عشر، بما في ذلك سيلوين إيمدج، وهيوود سومنر، ووالتر كرين، وألفريد جيلبرت، وخاصة أوبري بيردسلي. من المعروف أن تصميم كرسي آرثر ماكموردو هو عنصر أساسي في جماليات الفن الحديث.

في فرنسا، تم تشكيل الحركة من قبل المنظر المعماري والمؤرخ يوجين فيوليت لو دوك، وهو معارض قوي للأسلوب المعماري التقليدي للفنون الجميلة. انبثقت نظرياته العقلانية من دراسته المكثفة لفن العصور الوسطى، ودافع عن مبادئ مثل:

• يجب تحديد النموذج حسب الوظيفة.
• دمج جميع أشكال الفن وإزالة الفروق الهرمية بين الفنون الرئيسية (مثل الهندسة المعمارية) والفنون الثانوية (مثل الفنون الزخرفية).
• يجب أن يحاكي التصميم المعماري المنطق الأصيل للطبيعة.
• يجب أن تكون الهندسة المعمارية مستجيبة للبيئات والمتطلبات البشرية.
• دمج التقنيات والمواد المعاصرة.

يتم التعرف على يوجين فيوليت لو دوك باعتباره رائدًا للفن الحديث، ولا سيما من خلال لوحاته الجدارية التي رسمها عام 1851 في نوتردام دو باريس، والتي أظهرت خصائص الأسلوب الناشئ. تمت إزالة هذه الأعمال الفنية المحددة لاحقًا في عام 1945 بسبب طبيعتها غير الأكاديمية. علاوة على ذلك، فإن تصميماته الداخلية من عام 1865 في Château de Roquetaillade في منطقة بوردو أنذرت أيضًا بجماليات الفن الحديث. في منشوره المؤثر عام 1872، Entretiens sur l'architecture، أوضح فيوليت-لو-دوك مبدأً أساسيًا: "الاستفادة من الموارد والرؤى التي يوفرها عصرنا المعاصر، غير المثقل بالتقاليد التي عفا عليها الزمن، وبالتالي تمكين تدشين نموذج معماري جديد. وتتطلب كل وظيفة مادتها المحددة؛ وكل مادة تملي شكلها وزخرفتها". أثر هذا العمل الأساسي بشكل كبير على جيل من المهندسين المعماريين، بما في ذلك شخصيات بارزة مثل لويس سوليفان، وفيكتور هورتا، وهيكتور جيمارد، وأنتوني غاودي.

كان للرسامين الفرنسيين موريس دينيس، وبيير بونارد، وإدوارد فويلارد دور فعال في دمج الرسم الفني الجميل مع التطبيقات الزخرفية. أوضح موريس دينيس، في عام 1891، وجهة نظره: "أنا أؤكد أنه، قبل كل شيء، يجب أن تخدم اللوحة غرضًا زخرفيًا. إن اختيار الموضوعات أو المشاهد لا يحمل أي قيمة جوهرية. ومن خلال التفاعل بين القيم النغمية، والسطح اللوني، وتطابق الخطوط، يمكنني إشراك الفكر وإثارة الاستجابات العاطفية." انخرط هؤلاء الفنانون باستمرار في كل من الرسم التقليدي والأعمال الزخرفية عبر وسائل الإعلام المختلفة، بما في ذلك الشاشات والزجاج.

شكلت اليابانية تأثيرًا مهمًا آخر على أسلوب الفن الحديث الناشئ، والذي يتميز بانبهار واسع النطاق بالطباعة الخشبية اليابانية. وقد حظيت أعمال فنانين مثل هيروشيغي وهوكوساي وأوتاغاوا كونيسادا، التي تم استيرادها إلى أوروبا منذ سبعينيات القرن التاسع عشر فصاعدًا، بالإعجاب بشكل خاص. أنشأ سيغفريد بينج، وهو رجل أعمال بارز، المجلة الشهرية Le Japon Artistique في عام 1888، حيث كان ينشر ستة وثلاثين عددًا حتى توقفها في عام 1891. وكان لهذا المنشور تأثير كبير على جامعي الأعمال الفنية والفنانين، بما في ذلك غوستاف كليمت. تغلغلت العناصر المنمقة المميزة للمطبوعات اليابانية لاحقًا في رسومات فن الآرت نوفو والخزف والمجوهرات وتصميم الأثاث. أصبح ظهور تأثير الشرق الأقصى واضحًا بشكل ملحوظ منذ أوائل ستينيات القرن التاسع عشر. بحلول عام 1862، أصبحت الأعمال الفنية اليابانية في متناول عشاق الفن في لندن وباريس، بعد مشاركة اليابان الافتتاحية كعارض في المعرض الدولي في لندن في ذلك العام. في الوقت نفسه، في عام 1862، تم افتتاح المتجر الباريسي La Porte Chinoise في شارع Rue de Rivoli، حيث يعرض منتجات أوكييو-إي اليابانية وغيرها من المصنوعات اليدوية من الشرق الأقصى. وللمساهمة بشكل أكبر في هذا الاتجاه، نشر أوين جونز أمثلة على الزخارف الصينية في عام 1867، وتلاه كتاب آر. ألكوك الفن والصناعات في اليابان في عام 1870. وبعد ذلك بعامين، أصدر أو.إتش. موزر وت.و. كاتلر أيضًا منشورات مخصصة للفن الياباني. قام العديد من ممارسي الفن الحديث، بما في ذلك فيكتور هورتا، بتجميع مجموعات شخصية من فن الشرق الأقصى، مع التركيز بشكل خاص على القطع اليابانية.

سهّل التقدم في تقنيات الطباعة والنشر النشر العالمي السريع للفن الحديث. وكانت المجلات الفنية، التي تضم نسخًا فوتوغرافية ومطبوعات حجرية ملونة، حاسمة في نشر الجمالية الجديدة. أتاحت منشورات مثل The Studio في إنجلترا وArts et idèes وArt etdecoration في فرنسا وJugend في ألمانيا الانتشار السريع للأسلوب في جميع أنحاء أوروبا. حقق الرسامون مثل أوبري بيردسلي في إنجلترا، ويوجين جراسيت، وهنري دي تولوز لوتريك، وفيليكس فالوتون شهرة دولية. تجاوز الملصق، الذي تجسد في عمل جول شيريه للراقصة لوي فولر في عام 1893 وتصميمات ألفونس موتشا للممثلة سارة برنهاردت في عام 1895، وظيفته الإعلانية ليصبح شكلاً فنيًا معترفًا به. وقد احتفظت سارة برنهاردت بنفسها بكميات كبيرة من ملصقاتها لبيعها لهواة الجمع.

التطور المبكر في بروكسل (1893–1898)

ظهرت المنازل المستقلة الأولى على طراز فن الآرت نوفو، وهي منزل هانكار لبول هانكار (1893) وفندق تاسيل (1892-1893) لفيكتور هورتا، في وقت واحد تقريبًا في بروكسل. في حين أن كلا المبنيين يشتركان في أصالة رائدة، إلا أنهما اختلفا بشكل كبير في التصميم المعماري والعرض الجمالي.

برز فيكتور هورتا كشخصية محورية بين المهندسين المعماريين الأوائل على طراز فن الآرت نوفو، حيث تم الاعتراف بفندقه Hôtel Tassel (1892–1893) في بروكسل باعتباره عملًا أساسيًا لهذا الأسلوب. تضمن التدريب المهني المعماري لهورتا مساعدة ألفونس بلاط، المهندس المعماري للملك ليوبولد الثاني، في بناء الدفيئات الزراعية الملكية الضخمة المصنوعة من الحديد والزجاج في لايكن. كان يكن إعجابًا عميقًا بفيوليت لو دوك، واعتنق مبادئه النظرية بالكامل. بين عامي 1892 و1893، طبق هورتا هذه الخبرة المتراكمة بطريقة متميزة. لقد تصور تصميم مسكن العالم والأستاذ إميل تاسيل، الواقع على قطعة أرض ضيقة وعميقة بشكل ملحوظ. كانت السمة المركزية للمسكن عبارة عن درج مفتوح، خالي من الجدران المغلقة، مزين بدرابزين منحني الخطوط من الحديد المطاوع، وموضع تحت كوة مرتفعة. وكانت الأعمدة الحديدية النحيلة، التي تذكرنا بجذوع الأشجار، توفر الدعم الهيكلي للأرضيات. تم تزيين الأرضيات والجدران الفسيفسائية بزخارف الأرابيسك المعقدة التي تتميز بزخارف نباتية ونباتية، وهو عنصر تصميم أصبح فيما بعد سمة مميزة للأسلوب. بعد ذلك، قام هورتا ببناء ثلاثة منازل مستقلة إضافية خلال فترة زمنية قصيرة، يتميز كل منها بتصميمات داخلية مفتوحة ومناور مصممة لتحقيق أقصى قدر من الإضاءة الطبيعية: فندق سولفاي، وفندق فان إيتفيلد (بتكليف من إدموند فان إيتفيلد)، وفندق ميزون آند أمب؛ أتيليه هورتا. تشكل هذه الهياكل الأربعة مجتمعة أحد مواقع التراث العالمي لليونسكو.

كما ميز بول هانكار نفسه باعتباره من أوائل المبتكرين في حركة الفن الحديث. هانكار، المولود في فراميريس، هينو، لأب محترف في قطع الحجارة، تابع دراساته في النحت الزخرفي والديكور في الأكاديمية الملكية للفنون الجميلة في بروكسل من عام 1873 إلى عام 1884، وكان يمارس في نفس الوقت كنحات للزينة. بين عامي 1879 و1894، كان يعمل في استوديو هنري بايارت، وهو مهندس معماري مشهور بإتقانه للأنماط الانتقائية والكلاسيكية الجديدة. كما أدى تأثير بايرت إلى إعجاب هانكار بفيوليت لو دوك. في عام 1893، تولى هانكار تصميم وبناء مسكنه الشخصي في بروكسل، المعروف باسم بيت هانكار. بهدف تحقيق توليفة من الفنون الجميلة والزخرفية، تعاون مع النحات رينيه جانسينز والرسام ألبرت تشامبرلاني لتزيين كل من الداخل والخارج بالرسومات الجدارية أو الجداريات. تضمنت الواجهة والشرفات زخارف حديدية وعناصر منحنية في أنماط نباتية منمقة، والتي أصبحت فيما بعد سمة مهمة لفن الآرت نوفو. باتباع هذا النموذج المعماري، قام ببناء مساكن متعددة لزملائه الفنانين. بالإضافة إلى ذلك، ابتكر سلسلة من نوافذ العرض الزجاجية المبتكرة لمختلف المؤسسات في بروكسل، بما في ذلك المحلات التجارية والمطاعم والمعارض، وهو عمل وصفه ناقد محلي بأنه "هذيان حقيقي للأصالة". حدثت وفاته في عام 1901، بالتزامن مع اكتساب حركة الفن الحديث اعترافًا واسع النطاق.

لعب هنري فان دي فيلدي، أحد مواطني أنتويرب، أيضًا دورًا أساسيًا في ظهور فن الآرت نوفو. من بين تصميمات فان دي فيلدي البارزة كان التصميم الداخلي لمقر إقامته في بروكسل، فيلا بلومينويرف (1895). الشكل الخارجي للمسكن مستوحى من البيت الأحمر، مقر إقامة ويليام موريس، الكاتب والمنظر المؤثر ومؤسس حركة الفنون والحرف اليدوية. تدرب فان دي فيلدي في البداية كرسام، ثم انتقل إلى الرسم التوضيحي، ثم إلى تصميم الأثاث، وفي النهاية إلى الهندسة المعمارية. بالنسبة لفيلا Bloemenwerf، قام بتصميم المنسوجات وورق الحائط والأواني الفضية والمجوهرات وحتى الملابس بدقة شديدة، مما يضمن التماسك الأسلوبي مع مكان الإقامة. انتقل فان دي فيلدي بعد ذلك إلى باريس، حيث ابتكر أثاثًا وعناصر زخرفية لسيغفريد بينج، تاجر الأعمال الفنية الألماني الفرنسي الذي يُنسب إلى معرضه الباريسي تسمية طراز فن الآرت نوفو. كما عمل أيضًا كمنظر مبكر للفن الحديث، حيث دعا إلى دمج الخطوط الديناميكية والمتناقضة في كثير من الأحيان. أوضح فان دي فيلدي: "يشكل الخط قوة، تشبه جميع القوى الأولية الأخرى. فالخطوط المتعددة، عندما تكون متجاورة ولكن في معارضة، تمتلك حضورًا قويًا مثل العديد من القوى." في عام 1906، غادر بلجيكا إلى فايمار بألمانيا، وأنشأ مدرسة الدوقية الكبرى للفنون والحرف، وهي مؤسسة يُحظر فيها تدريس الأساليب التاريخية. لعب دورًا مهمًا في Werkbund الألمانية قبل عودته إلى بلجيكا.

تزامن ظهور فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو في بروكسل مع انتشار الفنون الزخرفية على الطراز الناشئ. ومن بين الفنانين البارزين في هذه الفترة غوستاف ستروفين، الذي استخدم الحديد المطاوع لإنشاء تأثيرات مستوحاة من الباروك على واجهات بروكسل؛ ومصمم الأثاث غوستاف سيرورييه-بوفي، المعروف بكراسيه المبتكرة وأثاثه المعدني المفصلي؛ ومصمم المجوهرات فيليب ولفرز، الذي غالبًا ما اتخذت إبداعاته أشكال اليعسوب والفراشات والبجع والثعابين.

لعب معرض بروكسل الدولي عام 1897 دورًا محوريًا في جلب أسلوب الفن الحديث إلى الاهتمام العالمي. وقد شارك في تصميم المعرض مصممون بارزون، منهم هورتا، وهانكار، وفان دي فيلدي، وسيرورييه-بوفي، وكان هنري بريفات-ليفمونت مسؤولاً عن إنشاء بوستر المعرض.

التطورات الباريسية: دار الفن الحديث (1895) وقلعة بيرانجر (1895–1898)

كان لتاجر الأعمال الفنية والناشر الفرنسي الألماني سيغفريد بينج دور فعال في الترويج لأسلوب الفن الحديث. في عام 1891، أنشأ مجلة مخصصة للفن الياباني، والتي ساهمت في نشر اليابانية في جميع أنحاء أوروبا. بحلول عام 1892، كان بينج قد نظم معرضًا يضم سبعة فنانين، بما في ذلك بيير بونارد، وفيليكس فالوتون، وإدوارد فويلارد، وتولوز لوتريك، ويوجين جراسيه، حيث عرض كلاً من الرسم الحديث والفنون الزخرفية. تم تقديم هذا المعرض لاحقًا في الجمعية الوطنية للفنون الجميلة في عام 1895. وفي الوقت نفسه، افتتح بينج معرضًا جديدًا في 22 شارع بروفانس في باريس، أطلق عليه اسم ميزون دو لارت نوفو، المخصص لعرض الأعمال المعاصرة في كل من الفنون الجميلة والزخرفية. تم تصميم الديكور الداخلي للمعرض وأثاثه من قبل المهندس المعماري البلجيكي هنري فان دي فيلدي، وهو شخصية بارزة في فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو. يضم Maison de l'Art Nouveau لوحات لجورج سورات، وبول سيناك، وتولوز لوتريك؛ إبداعات الزجاج من تصميم لويس كومفورت تيفاني وإميل جالي؛ مجوهرات رينيه لاليك؛ وملصقات لأوبري بيردسلي. أظهرت الأعمال المعروضة تنوعًا أسلوبيًا كبيرًا. في عام 1902، أوضح بينج القصد الأصلي من وراء الاسم، قائلاً: "لم يكن الفن الحديث، في وقت إنشائه، يطمح بأي شكل من الأشكال إلى أن يحظى بشرف أن يصبح مصطلحًا عامًا. لقد كان ببساطة اسم منزل تم افتتاحه كنقطة تجمع لجميع الفنانين الشباب والمتحمسين المتحمسين لإظهار حداثة ميولهم."

وسرعان ما اكتسب هذا الأسلوب شهرة في فرنسا المجاورة. بعد ذلك، أعرب سكان باريس عن عدم رضاهم عن الرتابة المعمارية للشوارع التي شيدت في عهد نابليون الثالث على يد جورج يوجين هوسمان. قدم Castel Béranger مزيجًا مميزًا من العناصر القوطية الجديدة والفن الحديث، والتي تتميز بخطوط متعرجة وأشكال عضوية. أكد غيمار، وهو مروج ماهر لإبداعاته: "ما يجب تجنبه بأي ثمن هو... التوازي والتماثل. الطبيعة هي أعظم بانٍ على الإطلاق، والطبيعة لا تصنع شيئًا متوازيًا ولا شيء متماثلًا."

احتضن الباريسيون أسلوب غيمار المميز والجذاب بصريًا؛ تم الاعتراف بـ Castel Béranger كواحدة من أرقى الواجهات الجديدة في باريس، وبالتالي بدأت مسيرة Guimard المهنية البارزة. تم تكليف غيمار لاحقًا بتصميم مداخل نظام مترو باريس الناشئ، والذي كشف الأسلوب لملايين الحاضرين في معرض المدينة المعرض العالمي في عام 1900.

المعرض العالمي في باريس لعام 1900

يمثل المعرض العالمي في باريس عام 1900 ذروة حركة الفن الحديث. عُقد المعرض في الفترة ما بين أبريل ونوفمبر من عام 1900، وقد اجتذب ما يقرب من خمسين مليون زائر دولي وتميز بالهندسة المعمارية والتصميم والأواني الزجاجية والأثاث والأشياء الزخرفية. قدمت الهندسة المعمارية للمعرض في كثير من الأحيان مزيجًا من الأساليب المعمارية على طراز فن الآرت نوفو والفنون الجميلة. على سبيل المثال، كان لدى Grand Palais، قاعة العرض الرئيسية، واجهة على طراز الفنون الجميلة تتناقض بشكل حاد مع درج Art Nouveau المذهل وقاعة العرض الموجودة بداخلها.

قام العديد من المصممين الفرنسيين بإنشاء أعمال مخصصة للمعرض. وشملت هذه الكريستال والمجوهرات من لاليك. مجوهرات من هنري فيفر وجورج فوكيه؛ زجاج من داوم؛ الخزف من المصنع الوطني في سيفر؛ السيراميك من قبل الكسندر بيجوت. المصابيح والمزهريات الزجاجية المنحوتة من تصميم إميل جالي؛ أثاث إدوارد كولونا ولويس ماجوريل؛ إلى جانب مساهمات العديد من المؤسسات الفنية والحرفية المتميزة الأخرى. في معرض باريس عام 1900، كشف سيغفريد بينج عن جناح يحمل اسم آرت نوفو بينج، والذي عرض ستة تصميمات داخلية مميزة مزينة بدقة على طراز فن الآرت نوفو.

كان المعرض بمثابة المنصة الدولية الافتتاحية لمصممي وفناني فن الآرت نوفو القادمين من جميع أنحاء أوروبا وخارجها. ومن بين الفائزين بالجوائز والمشاركين البارزين ألفونس موتشا، الذي ساهم بالجداريات في جناح البوسنة والهرسك وقام بصياغة قائمة المطعم لنفس الجناح؛ ومصممي الديكور والمصممين برونو بول وبرونو مورينج من برلين؛ كارلو بوجاتي من تورينو؛ برنهاردت بانكوك من بافاريا؛ المصمم المعماري الروسي فيودور شيشتيل؛ ولويس كومفورت تيفاني آند كومباني من الولايات المتحدة. خدم المهندس المعماري الفييني أوتو فاغنر في هيئة المحلفين وعرض نموذجًا لحمامه الشخصي على طراز فن الآرت نوفو من شقته في فيينا، والذي يتميز بشكل خاص بحوض استحمام زجاجي. تصور جوزيف هوفمان المعرض الفييني في معرض باريس، مع التركيز على التصاميم المميزة لانفصال فيينا. حصل إيلي سارينن على إشادة دولية أولية لتصميمه المبتكر للجناح الفنلندي.

على الرغم من أن معرض باريس تفوق بشكل كبير على المعارض الأخرى من حيث الحجم، إلا أن العديد من المعارض الأخرى لعبت دورًا حاسمًا في نشر أسلوب فن الآرت نوفو. بدأ معرض برشلونة العالمي عام 1888 أسلوب الحداثة في إسبانيا، والذي يضم العديد من الهياكل التي صممها لويس دومينيك إي مونتانير. قدم معرض Esposizione internazionale d'arte Decorativa Moderna في تورينو بإيطاليا عام 1902 مصممين أوروبيين مثل فيكتور هورتا من بلجيكا وجوزيف ماريا أولبريتش من فيينا، إلى جانب فنانين من السكان الأصليين مثل كارلو بوجاتي وجاليليو تشيني ويوجينيو كوارتي.

المظاهر الإقليمية

الفن الحديث في فرنسا

بعد معرض عام 1900، برزت باريس كمركز للفن الحديث. قام Jules Lavirotte ببناء أكثر المساكن فخامة على هذا الطراز، حيث قام بتزيين واجهاتها بالكامل بزخارف منحوتة من السيراميك. من الأمثلة البارزة على هذا البذخ مبنى لافيروت، الذي تم الانتهاء منه عام 1901 في 29، شارع راب. تضمنت الهياكل التجارية، بما في ذلك مباني المكاتب والمتاجر الكبرى، ساحات فناء مرتفعة مزينة بقباب زجاجية ملونة وتفاصيل من السيراميك. وقد وجدت الجمالية أيضًا استحسانًا كبيرًا في المطاعم والمقاهي، والتي تجسدت في Maxim's في 3، rue Royale، وLe Train bleu في محطة Gare de Lyon، وكلاهما يرجع تاريخهما إلى عام 1900.

جذبت شهرة باريس العديد من الفنانين الأجانب إلى المدينة. برز الفنان السويسري المولد يوجين غراسيت كشخصية رائدة في إنشاء ملصقات الفن الحديث الفرنسي. في عام 1885، ساهم في تزيين ملهى "الشات نوير"، وأنتج بعد ذلك ملصقاته الأولية لـ Fêtes de Paris وملصقًا شهيرًا لسارة برنهاردت في عام 1890. أثناء وجوده في باريس، قام بالتدريس في مدرسة غيران للفنون (École Normale d'enseignement du dessin)، وكان من بين تلاميذه أوغوستو جياكوميتي وبول بيرثون. في عام 1896، صمَّم زميله الفنان السويسري المولد تيوفيل ألكسندر ستاينلين الملصق الأيقوني للملهى الباريسي Le Chat noir. استقر الفنان التشيكي ألفونس موتشا (1860-1939) في باريس عام 1888، وبحلول عام 1895، كان قد أنشأ ملصقًا لأداء الممثلة سارة برنهاردت في مسرحية فيكتوريان ساردو جيسموندا على مسرح النهضة. أدت الشعبية الهائلة لهذا الملصق إلى حصوله على عقد لتصميم ملصقات لستة إنتاجات إضافية من إنتاج برنهاردت.

برزت نانسي، التي تقع في لورين، كمركز فرنسي مهم آخر للأسلوب الناشئ. تم إنشاء التحالف الإقليمي للصناعات الفنية، والمعروف أيضًا باسم مدرسة نانسي، في عام 1901 بهدف واضح وهو تحدي التسلسل الهرمي الفني السائد الذي أعطى الأولوية للرسم والنحت على الفنون الزخرفية. ومن بين الفنانين البارزين المرتبطين بهذه الحركة إميل جالي، المشهور بمزهرياته الزجاجية ومصابيحه؛ الأخوة داوم، المشهورون بتصميماتهم الزجاجية؛ ولويس ماجوريل، المصمم الذي صنع الأثاث الذي يتميز بزخارف نباتية وزهرية أنيقة. قدم المهندس المعماري هنري سوفاج الطراز المعماري المبتكر لنانسي من خلال فيلا ماجوريل التي يعود تاريخها إلى عام 1902.

اكتسب أسلوب الفن الحديث الفرنسي انتشارًا واسع النطاق من خلال المجلات المعاصرة مثل The Studio وArts et Idées وArt et Décoration. وقد أدى إدراج الصور الفوتوغرافية والمطبوعات الحجرية الملونة إلى تقديم الأسلوب بشكل فعال للمصممين والرعاة الأثرياء على مستوى العالم.

في فرنسا، وصل الأسلوب إلى ذروته في حوالي عام 1900، ثم شهد انخفاضًا سريعًا في شعبيته واختفى إلى حد كبير من البلاد بحلول عام 1905. استلزم الفن الحديث، وهو جمالي فاخر بطبيعته، مهارات الحرفيين المتخصصين ذوي التعويضات العالية، مما حال دون إنتاجه بكميات كبيرة سهلة أو غير مكلفة. ومن بين منتجات فن الآرت نوفو المحدودة القابلة للإنتاج بكميات كبيرة كانت زجاجات العطور، والتي لا يزال يتم إنتاجها بهذا النمط المميز حتى في الوقت الحاضر.

الفن الحديث في بلجيكا

برزت بلجيكا كمركز مبكر مهم للفن الحديث، ويرجع ذلك في المقام الأول إلى المساهمات المعمارية لفيكتور هورتا. صمم هورتا فندق تاسيل في عام 1893، والذي تم الاعتراف به كواحد من المساكن الافتتاحية على طراز فن الآرت نوفو، إلى جانب ثلاثة منازل مستقلة إضافية تعرض اختلافات في الأسلوب. تم تصنيف هذه الهياكل حاليًا كمواقع للتراث العالمي لليونسكو. أثر عمل هورتا بشكل عميق على الحياة المهنية الناشئة لهيكتور جيمارد، الذي لاحظ فندق Tassel أثناء بنائه وأعلن بعد ذلك أن هورتا "مخترع" فن الآرت نوفو. لم يركز نهج هورتا الرائد على الواجهة، بل على الداخل، حيث استخدم الحديد والزجاج على نطاق واسع لإنشاء مساحات واسعة ومليئة بالضوء. تم تزيين هذه التصميمات الداخلية بأعمدة ودرابزين من الحديد المطاوع تتميز بزخارف نباتية منحنية، وهو موضوع تم تكراره في تصميمات الأرضيات والجدران، وكذلك في الأثاث والسجاد المصمم خصيصًا لهورتا.

لعب بول هانكار أيضًا دورًا رائدًا في حركة الفن الحديث في بروكسل. تم الانتهاء من مسكنه الخاص في عام 1893 بالتزامن مع فندق Horta's Hôtel Tassel، وعرض جداريات سغرافيتو على واجهته. استلهم هانكار من Viollet-le-Duc ومبادئ حركة الفنون والحرف الإنجليزية. تهدف فلسفته الأساسية إلى دمج الفنون الزخرفية والجميلة في تعبير فني متماسك. كثيرًا ما كان يستعين بفنانين مثل النحات ألفريد كريك والرسام أدولف كريسبين لتزيين واجهات المباني بإبداعاتهم. من الأمثلة البارزة على أعماله المنزل والاستوديو الذي تم تشييده للفنان ألبرت تشامبرلاني عندما كان يبلغ من العمر 48 عامًا، rue Defacqz/Defacqzstraat في بروكسل. بالنسبة لهذا المشروع، صمم هانكار واجهة فخمة تتميز بلوحات جدارية واسعة النطاق مع أشكال وزخارف مرسومة، تستحضر الأنماط المعمارية الزخرفية لإيطاليا في القرن الخامس عشر. انتهت مسيرة هانكار المهنية بشكل مأساوي بوفاته في عام 1901، بينما كانت مساهماته تكتسب اعترافًا كبيرًا.

بدأ غوستاف ستروفن رحلته المهنية كمصمم مساعد تحت إدارة هورتا قبل أن يؤسس ممارسته المستقلة في سن 21 عامًا. وقد أنشأ بعد ذلك بعضًا من أكثر هياكل الفن الحديث بريقًا في بروكسل. أشهر إنجازاته هو منزل سان سير، الواقع في 11، مربع أمبيوريكس/Ambiorixsquare. على الرغم من عرضه الضيق الذي يبلغ 4 أمتار فقط (13 قدمًا)، إلا أن المنزل يحقق عموديًا ملحوظًا من خلال ابتكارات ستروفين المعمارية المعقدة. الجزء الخارجي مكسو بالكامل بالطوب متعدد الألوان ويتميز بشبكة متقنة من الزخارف النباتية المنحنية من الحديد المطاوع، والتي تجسد جمالية فن الآرت نوفو الباروكي المميزة.

ومن بين ممارسي الفن البلجيكي المهمين الآخرين المهندس المعماري والمصمم هنري فان دي فيلدي، الذي تم تنفيذ أعماله الأكثر تأثيرًا في المقام الأول في ألمانيا، حيث قام بتشكيل زخرفة Jugendstil بشكل ملحوظ. ومن الشخصيات البارزة الإضافية مصمم الديكور غوستاف سيرورييه بوفي والفنان الجرافيكي فرناند خنوبف. استفاد المصممون البلجيكيون من الإمدادات الوفيرة من العاج المستورد من الكونغو البلجيكية. ونتيجة لذلك، اكتسبت المنحوتات المركبة، التي تدمج مواد مثل الحجر والمعادن والعاج، والتي ابتكرها فنانون مثل فيليب ولفرز، شعبية كبيرة.

Nieuwe Kunst في هولندا

في هولندا، تم تصنيف حركة الفن الحديث على أنها Nieuwe Stijl ('النمط الجديد') أو Nieuwe Kunst ('الفن الجديد')، وهي تختلف بشكل كبير عن الجماليات الأكثر انحناءً والزهرية السائدة في بلجيكا. تم تشكيل هذا التفسير الهولندي من خلال التعبيرات الأكثر هندسية ومنمقة لـ Jugendstil الألمانية وانفصال فيينا النمساوي. علاوة على ذلك، فقد دمجت تأثيرات من الفن والأخشاب المستوردة من إندونيسيا، التي كانت تُعرف آنذاك بجزر الهند الشرقية الهولندية، وهو ما يتجلى بشكل خاص في تصاميم المنسوجات والباتيك الناشئة من جاوة.

برز هندريك بيتروس بيرلاج باعتباره المهندس المعماري ومصمم الأثاث الأول ضمن هذا الأسلوب، حيث رفض بشكل ملحوظ السوابق التاريخية لصالح نهج معماري وظيفي صارم. لقد أوضح فلسفته قائلاً: "من الضروري محاربة فن الوهم، والتعرف على الكذب، من أجل العثور على الجوهر وليس الوهم". على غرار فيكتور هورتا وغاودي، أبدى بيرلاج إعجابًا عميقًا بالنظريات المعمارية لفيوليت لو دوك. أعطت تصميمات الأثاث الخاصة به الأولوية للوظائف الصارمة واحترمت الأشكال المتأصلة للخشب، متجنبة تقنيات الثني أو الالتواء التي غالبًا ما يتم تطبيقها على المعدن. وكثيراً ما كان يستشهد بالأثاث المصري كنموذج، ويفضل الكراسي التي تتميز بزوايا قائمة. كان المسعى المعماري الأولي والأكثر شهرة لبيرلاج هو بورس فان بيرلاج (1896–1903)، بورصة أمستردام للسلع، والتي شيّدها ملتزمًا بالمبادئ البنائية. كان كل عنصر، بما في ذلك الخطوط المزخرفة للمسامير على جدران الغرفة الرئيسية، يخدم غرضًا وظيفيًا. لقد قام في كثير من الأحيان بدمج أبراج شاهقة بشكل استثنائي في صروحه لتعزيز بروزها البصري، وهي استراتيجية تصميم يستخدمها أيضًا مهندسون معماريون معاصرون على طراز فن الآرت نوفو مثل جوزيف ماريا أولبريتش في فيينا وإيلييل سارينن في فنلندا.

تشمل الهياكل الإضافية التي تجسد هذا النمط الفندق الأمريكي (1898-1900)، الذي صممه دبليو كرومهاوت وإتش جي يانسن؛ ومبنى أستوريا (1904-1905) من تصميم هيرمان هندريك باندرز وجيريت فان آركيل في أمستردام؛ محطة سكة حديد هارلم (1906-1908)؛ ومبنى المكاتب السابق لشركة Holland America Lines (1917) في روتردام، والذي يعمل حاليًا باسم فندق نيويورك.

من بين فناني الجرافيك والرسامين البارزين المرتبطين بالأسلوب كان جان توروب، الذي أظهرت إبداعاته، بما في ذلك ملصقاته التجارية لزيت السلطة، ميولًا غامضة ورمزية في كثير من الأحيان. تعكس لوحات الألوان والتصميمات التي استخدمها هؤلاء الفنانون أحيانًا تأثيرات الفن الجاوي.

كان المساهمون الرئيسيون في صناعة الخزف والخزف الهولندي هم يورياان كوك وثيو كولينبراندر. تضمنت أعمالهم أنماطًا نباتية نابضة بالحياة وزخارف تقليدية على طراز فن الآرت نوفو، ومتكاملة مع أشكال فخارية مميزة وألوان داكنة وفاتحة متباينة، مستوحاة من زخارف الباتيك الجاوية.

الطراز الحديث ومدرسة جلاسكو في بريطانيا

نشأ فن الآرت نوفو في بريطانيا، وتطور من حركة الفنون والحرف اليدوية، التي بدأت في ستينيات القرن التاسع عشر وحققت اعترافًا عالميًا بحلول ثمانينيات القرن التاسع عشر. دعت هذه الحركة إلى تعزيز تقدير الفنون الزخرفية، مستوحاة من الحرف اليدوية في العصور الوسطى، ومبادئ التصميم، والأشكال الطبيعية. أحد المظاهر المبكرة المهمة للنمط الحديث هو تصميم آرثر ماكموردو عام 1883 لغلاف مقالته عن كنائس مدينة السير كريستوفر رين، جنبًا إلى جنب مع كرسيه الماهوجني من نفس العام.

ومن بين المبدعين البريطانيين المهمين الآخرين مصمم الجرافيك أوبري بيردسلي، الذي عرضت رسومه التوضيحية بشكل بارز الأشكال المنحنية التي أصبحت سمة مميزة للأسلوب. بالإضافة إلى ذلك، تجدر الإشارة إلى أعمال الحديد المطاوع ذات التدفق الحر من ثمانينيات القرن التاسع عشر وبعض تصميمات المنسوجات الزهرية المسطحة، والتي تأثرت إلى حد كبير بأنماط القرن التاسع عشر. وكان فنانو الجرافيك البريطانيون الآخرون الذين لعبوا دورًا حاسمًا في الأسلوب هم والتر كرين وتشارلز أشبي.

مارس متجر ليبرتي متعدد الأقسام في لندن تأثيرًا كبيرًا من خلال تصميمات المنسوجات الزهرية النابضة بالحياة والمصممة وإبداعات الفضة والبيوتر والمجوهرات من قبل أرشيبالد نوكس، وهو رجل مانكسمان من التراث الاسكتلندي. تمثل تصميمات مجوهرات نوكس، سواء من حيث المادة أو الشكل، خروجًا تامًا عن تقاليد المجوهرات التاريخية الراسخة.

فيما يتعلق بالهندسة المعمارية وتصميم الأثاث على طراز فن الآرت نوفو، برزت جلاسكو باعتبارها المركز الأول في بريطانيا، وتميزت بمساهمات تشارلز ريني ماكينتوش ومدرسة جلاسكو. استوحى عملهم من الهندسة المعمارية البارونية الاسكتلندية والجماليات اليابانية. ابتداءً من عام 1895، عرض ماكنتوش تصميماته في المعارض الدولية في لندن وفيينا وتورينو، مما أثر بشكل كبير على أسلوب الانفصال في فيينا. شملت محفظته المعمارية مبنى غلاسكو هيرالد (1894) ومكتبة مدرسة غلاسكو للفنون (1897). علاوة على ذلك، حصل على شهرة كمصمم أثاث ومصمم ديكور، وتعاون بشكل مكثف مع زوجته، الرسامة والمصممة مارغريت ماكدونالد ماكينتوش. أسفرت جهودهم المشتركة عن تصميمات رائعة دمجت الخط الهندسي مع الزخارف الزهرية المنحنية بمهارة، ولا سيما "وردة غلاسكو"، وهي رمز بارز للأسلوب.

قدم ليون فيكتور سولون مساهمة كبيرة في سيراميك الفن الحديث خلال فترة عمله كمدير فني في Mintons. لقد تخصص في اللوحات والمزهريات المبطنة بالأنابيب، والتي تم تسويقها على أنها "أدوات انفصالية"، في إشارة على الأرجح إلى الحركة الفنية في فيينا. أنتج سولون أيضًا تصميمات على طراز فن الآرت نوفو لرعاة آخرين، بما في ذلك أنماط المنسوجات لصناعة حرير الكراث وتجليد الكتب، على وجه التحديد المزدوجة، لشركة جي تي. باجولي، وهو مُجلِّد كتب في نيوكاسل أندر لايم.

يُعرف جورج سكيبر بأنه المهندس المعماري الأكثر إنتاجًا على طراز فن الآرت نوفو في إنجلترا. مبنى إدوارد إيفيرارد في بريستول، الذي تم تشييده بين عامي 1900 و1901 لاستيعاب عمليات الطباعة التي قام بها إدوارد إيفيرارد، يعرض واجهة على طراز فن الآرت نوفو. تتميز هذه الواجهة بصور يوهانس جوتنبرج وويليام موريس، وكلاهما من الشخصيات البارزة في مجال الطباعة. شخصية مجنحة تجسد "روح النور"، وشخصية أخرى تحمل مصباحًا ومرآة، ترمز إلى الإضاءة والصدق.

Jugendstil في ألمانيا

يُعرف الفن الحديث الألماني على نطاق واسع بتسميته الألمانية، Jugendstil، والتي تعني "نمط الشباب". نشأت هذه التسمية من المجلة الفنية Jugend ('الشباب') التي كانت تُنشر في ميونيخ. أنشأ جورج هيرث المجلة في عام 1896، وعمل كمحرر لها حتى وفاته في عام 1916، واستمر النشر حتى عام 1940. في أوائل القرن العشرين، كان مصطلح Jugendstil يشير حصريًا إلى الفنون التصويرية، ولا سيما في الإشارة إلى أنماط الطباعة والتصميم الجرافيكي السائدة في الدوريات الألمانية مثل Jugend وPan و البساطة. وفي وقت لاحق، تم توسيع Jugendstil ليشمل مظاهر أخرى للفن الحديث في ألمانيا وهولندا. تم اعتماد هذا المصطلح لاحقًا من الألمانية إلى العديد من اللغات المستخدمة في دول البلطيق ودول الشمال لوصف الفن الحديث.

في عام 1892، عين جورج هيرث رابطة الفنانين التشكيليين في ميونيخ باسم انفصال ميونيخ. اعتمد كل من انفصال فيينا، الذي تأسس عام 1897، وانفصال برلين بعد ذلك اسميهما من هذه المجموعة التي يوجد مقرها في ميونيخ.

كانت الدوريتان Jugend وSimplicissimus، اللتان نشأتا في ميونيخ، إلى جانب Pan في برلين، بمثابة مناصرين مهمين لـ Jugendstil. دمجت هذه الحركة الفنية، Jugendstil، منحنيات متدفقة مع خطوط هندسية أكثر تنظيمًا، ووجدت تطبيقًا في أغلفة الروايات والإعلانات وملصقات المعارض. قام المصممون في كثير من الأحيان بتطوير أنماط محرف مميزة تكمل العناصر المرئية، والتي تجسدت في محرف أرنولد بوكلين الذي تم تقديمه في عام 1904.

برز أوتو إيكمان كفنان ألماني رائد ينتمي إلى كل من Die Jugend وPan. أدى تأثيره العميق إلى أن تصبح البجعة، حيوانه المفضل، رمزًا رمزيًا للحركة بأكملها. أنتج ريتشارد ريمرشميد، وهو مصمم بارز آخر في ذلك العصر، الأثاث والفخار والعديد من العناصر الزخرفية التي تتميز بجماليات هندسية مقيدة أنذرت بفن الآرت ديكو. يرجع الفضل إلى الفنان السويسري هيرمان أوبريست، المقيم في ميونيخ، في رسم coup de fouet أو شكل المصع، وهو منحنى مزدوج منمق للغاية مشتق من ساق زهرة بخور مريم، مما ينقل إحساسًا بالحركة الديناميكية.

تأسست مستعمرة دارمشتات للفنانين في عام 1899 على يد إرنست لودفيج، دوق هيسن الأكبر. عمل جوزيف ماريا أولبريتش، أحد مؤسسي انفصال فيينا، كمهندس معماري لمقر إقامة الدوق الأكبر وأهم صرح في المستعمرة، وهو برج الزفاف. ومن بين الفنانين البارزين الآخرين المرتبطين بالمستعمرة بيتر بيرنس وهانز كريستيانسن. بدأ إرنست لودفيج أيضًا في إعادة بناء مجمع سبا باد ناوهايم في مطلع القرن. حقق مجمع Sprudelhof الجديد تمامًا، والذي تم بناؤه بين عامي 1905 و1911 تحت إشراف فيلهلم جوست، الهدف الأساسي لـ Jugendstil: دمج جميع أشكال الفن. قامت الأميرة إليزابيث من هيسن وراين، وهي عضو آخر في الأسرة الحاكمة، بتكليف هيكل على طراز فن الآرت نوفو؛ أسست دير مارفو ماريانسكي في موسكو عام 1908، ويُعتبر الكاثوليكون الخاص به تحفة فنية على طراز فن الآرت نوفو.

داخل الإمبراطورية الألمانية، مثل دويتشر فيركبوند جمعية مهمة أخرى، تأسست في ميونيخ عام 1907 بمبادرة من هيرمان موثيسيوس. وكان من بين مؤسسيها فناني دارمشتات كولوني جوزيف ماريا أولبريتش وبيتر بيرنس. جوزيف هوفمان، أحد مؤسسي انفصال فيينا وWiener Werkstätte؛ ريتشارد ريمرشميد؛ برونو بول؛ وغيرهم من الفنانين والمؤسسات. وفي وقت لاحق، انضم الفنان البلجيكي هنري فان دي فيلدي إلى الحركة. كانت مدرسة الدوقية الكبرى للفنون والحرف، التي أسسها فان دي فيلدي في فايمار، بمثابة مقدمة لحركة باوهاوس، وهي حركة مؤثرة للغاية في الهندسة المعمارية الحداثية.

في برلين، تم اعتماد Jugendstil للتصميم المعماري للعديد من محطات السكك الحديدية. تبرز محطة Bülowstraße، التي صممها برونو مورينج (1900–1902)، على أنها محطة بارزة بشكل خاص، مع أمثلة أخرى بما في ذلك Mexikoplatz (1902–1904)، Botanischer Garten (1908–1909)، Frohnau (1908–1910)، Wittenbergplatz (1911–1913)، وبانكوف. (1912-1914). صرح هام آخر في برلين هو Hackesche Höfe (1906)، الذي يتميز بواجهة فناء مزينة بالطوب المزجج متعدد الألوان.

وقد اكتسب الفن الحديث في ستراسبورغ، التي كانت آنذاك عاصمة Reichsland Elsaß-Lothringen داخل الإمبراطورية الألمانية، طابعًا مميزًا. يدمج هذا الأسلوب تأثيرات نانسي وبروكسل مع تأثيرات دارمشتات وفيينا، مما يخلق توليفة محلية تعكس الموقع التاريخي للمدينة بين المجالات الثقافية الجرمانية والفرنسية.

حركة الانفصال في النمسا-المجر

انفصال فيينا

برزت فيينا كمركز محوري لمظهر متميز من فن الآرت نوفو، والذي عرف فيما بعد باسم انفصال فيينا. استمدت هذه الحركة تسمياتها من انفصال ميونيخ، الذي تأسس عام 1892. تم افتتاح انفصال فيينا رسميًا في أبريل 1897 من قبل مجموعة من الفنانين، بما في ذلك غوستاف كليمت، كولومان موسر، جوزيف هوفمان، جوزيف ماريا أولبريتش، ماكس كورزويل، وإرنست ستور، من بين آخرين. وتولى الرسام غوستاف كليمت رئاسة هذه المجموعة المشكلة حديثاً. كان هدفهم الأساسي هو تحدي الجمالية المحافظة ذات التوجه التاريخي التي روجت لها جمعية الفنانين الرسمية في فيينا كونستلرهاوس. ولنشر مساعيهم الفنية عبر وسائل الإعلام المختلفة، أطلق الانفصاليون مجلة بعنوان Ver Sacrum. قام جوزيف أولبريتش، وهو مهندس معماري داخل المجموعة، بتصميم مبنى الانفصال الشهير ذو القبة بهذا النمط الجديد، والذي كان بمثابة مساحة عرض بارزة لأعمال غوستاف كليمت وزملائه من الفنانين الانفصاليين.

وقد ميز غوستاف كليمت نفسه باعتباره الأكثر شهرة بين رسامي الانفصال، وكثيرًا ما طمس الفروق التقليدية بين الفنون الجميلة والرسم الزخرفي. أظهر كولومان موسر تنوعًا استثنائيًا في أسلوب الانفصال، من خلال محفظته الواسعة التي تشمل الرسوم التوضيحية للمجلات، والتصميمات المعمارية، والأواني الفضية، والسيراميك، والخزف، والمنسوجات، والنوافذ الزجاجية الملونة، والأثاث.

انضم أوتو فاغنر، المهندس البارز لانفصال فيينا، إلى الحركة بعد وقت قصير من بدايتها، متبعًا طلابه السابقين هوفمان وأولبريتش. تشمل مساهماته المعمارية الهامة عدة محطات لشبكة السكك الحديدية الحضرية (Stadtbahn) ومباني Linke Wienzeile، التي تضم Majolica House، وHouse of Medallions، والهيكل في Köstlergasse. تعمل محطة Karlsplatz الآن كقاعة عرض لمتحف فيينا. يعتبر Kirche am Steinhof، وهو جزء من مستشفى Steinhof للطب النفسي (1904-1907)، مثالًا فريدًا للهندسة المعمارية الدينية الانفصالية، التي تتميز بقبة خارجية تقليدية تتناقض مع التصميم الداخلي الأنيق والمعاصر باللونين الذهبي والأبيض المضاء بوفرة من الزجاج الملون الحديث.

في عام 1899، انتقل جوزيف ماريا أولبريتش إلى مستعمرة الفنانين في دارمشتات. بعد ذلك، في عام 1903، شارك كولومان موسر وجوزيف هوفمان في تأسيس Wiener Werkstätte، وهي مؤسسة تدريب مؤثرة وورشة عمل مخصصة للمصممين والحرفيين المتخصصين في الأثاث والسجاد والمنسوجات والأشياء الزخرفية. بحلول عام 1905، انفصل كولومان موسر وغوستاف كليمت عن انفصال فيينا. بعد ذلك بعامين، في عام 1907، غادر كولومان موسر أيضًا Wiener Werkstätte، بينما أصبح جوزيف هوفمان، المؤسس المشارك الآخر لها، تابعًا لـ Deutscher Werkbund. على الرغم من هذه التحولات، حافظ غوستاف كليمت وجوزيف هوفمان على جهودهما التعاونية، ولا سيما تنظيم معرض كونستشاو في فيينا عام 1908 وبناء قصر ستوكليت في بروكسل (1905-1911)، وهو المشروع الذي أنذر بظهور العمارة الحداثية. تم تصنيف قصر ستوكليت ضمن مواقع التراث العالمي لليونسكو في يونيو 2009.

المجرية Szecesszió

أودون ليخنر، وهو مهندس معماري يُعرف بأنه رائد وصاحب رؤية للهندسة المجرية Szecesszió (المصطلح المجري الذي يعني "الانفصال")، صمم هياكل تمثل تحولًا كبيرًا من التاريخية إلى الحداثة في العمارة المجرية. أكد تصوره للأسلوب المعماري المجري المتميز على تكامل السيراميك المعماري والزخارف الشرقية. كثيرًا ما كانت أعمال ليخنر تدمج مادة البيجورجانيت، وهي مادة أنتجها مصنع زولناي للخزف منذ عام 1886. كما تم استخدام هذه المادة أيضًا في تشييد المباني المجرية البارزة الأخرى، مثل مبنى البرلمان المجري وكنيسة ماتياس، والتي تمثل أنماطًا معمارية مختلفة.

تشمل إنجازات أودون ليخنر المعمارية البارزة متحف الفنون التطبيقية (1893-1896)، والمتحف الجيولوجي. (1896–1899)، ومبنى بنك التوفير البريدي (1899–1902)، وتقع جميعها في بودابست وتتميز بخصائص مميزة مماثلة. ومع ذلك، وبسبب معارضة المؤسسة المعمارية المجرية لنهج ليخنر المبتكر، سرعان ما واجه صعوبات في تأمين عمولات جديدة مماثلة لمشاريعه السابقة. ومع ذلك، كان ليتشنر بمثابة مصدر إلهام عميق ومرشد للجيل اللاحق من المهندسين المعماريين، الذين كان لهم دور فعال في تعميم النمط الجديد. خلال فترة المجرية، تم تكليف العديد من المباني من تلاميذه في المناطق الطرفية للمملكة. على سبيل المثال، تم تكليف مارسيل كومور وديزسو جاكاب بتصميم الكنيس (1901-1903) ومبنى البلدية (1908-1910) في سابادكا (سوبوتيكا الحالية، صربيا)، بالإضافة إلى محافظة المقاطعة (1905-1907) وقصر الثقافة (1911-1913) في ماروسفاساريلي (حاليًا). تارغو موريش، رومانيا). قام ليتشنر بنفسه فيما بعد بتصميم الكنيسة الزرقاء في بوزوني (براتيسلافا الحالية، سلوفاكيا) بين عامي 1909 و1913.

التزم كارولي كوس، وهو مهندس معماري بارز، بمبادئ جون روسكين ووليام موريس. استلهم كوس من حركة الرومانسية الوطنية الفنلندية والهندسة المعمارية العامية في ترانسيلفانيا. تشمل مساهماته المعمارية الهامة الكنيسة الرومانية الكاثوليكية في زيبيجيني (1908-1909)، وأجنحة حديقة حيوان بودابست البلدية (1909-1912)، ومتحف سيكيلي الوطني في سيبسيسزينتجيورجي (سفانتو جورجي الحالية، رومانيا، 1911-1912).

كانت مستعمرة Gödöllő للفنون، التي أنشأها Aladár Körösfői-Kriesch، في عام 1901، بمثابة مناصر رئيسي لـ Szecesszió في الفنون. Körösfői-Kriesch، وهو أيضًا من أتباع جون روسكين وويليام موريس، حصل على درجة الأستاذية في المدرسة الملكية للفنون التطبيقية في بودابست. ساهم الفنانون من هذه المستعمرة في العديد من المساعي، مثل أكاديمية فرانز ليزت للموسيقى في بودابست.

شاركت ميكسا روث، إحدى زميلات مستعمرة جودولو للفنون، في العديد من مشاريع Szecesszió. وشملت هذه المساهمات في هياكل بودابست مثل قصر جريشام (الزجاج الملون، 1906) وبنك توروك (الفسيفساء، 1906). كما أنتج أيضًا الفسيفساء والزجاج الملون لقصر الثقافة (1911-1913) في ماروسفاساريلي.

يبرز أودون فاراجو كمصمم أثاث مهم، معروف بدمج العمارة الشعبية التقليدية والعناصر المعمارية الشرقية والفن الحديث العالمي في جمالية خلابة مميزة. في المقابل، فضل بال هورتي، وهو مصمم مجري آخر، اتباع نهج أكثر تقييدًا وعمليًا، باستخدام خشب البلوط المزين بزخارف دقيقة من خشب الأبنوس والنحاس.

العمارة الانفصالية في بوهيميا ومورافيا وسلوفاكيا

تجسد أبرز الهياكل الانفصالية في براغ مفهوم "الفن الشامل"، حيث تدمج الهندسة المعمارية المميزة والنحت والرسم. تضم محطة السكة الحديد الرئيسية (1901-1909)، التي صممها جوزيف فانتا، لوحات لفاتسلاف جانسا ومنحوتات لاديسلاف سالون وستانيسلاف سوشاردا، من بين فنانين آخرين. يتميز مبنى البلدية (1904-1912)، وهو عبارة عن تعاون بين أوزفالد بوليفكا وأنتونين بالشانيك، بجداريات للرسام التشيكي ألفونس موتشا ومنحوتات لجوزيف ماتكا ولاديسلاف سالون. تعاونت بوليفكا ومراتكا وشالون أيضًا في قاعة المدينة الجديدة (1908-1911) جنبًا إلى جنب مع ستانيسلاف سوشاردا. وفي وقت لاحق، أنشأ موتشا النوافذ الزجاجية الملونة لكاتدرائية سانت فيتوس، والتي تم تقديمها بأسلوبه المميز.

برز جان كوتيرا، أحد طلاب أوتو فاغنر في فيينا، باعتباره المهندس المعماري التشيكي الأول في هذا العصر. تشمل مشاريعه البارزة منزل بيتركا في 12 ساحة فاتسلاف في براغ (1899-1900)، والبيت الوطني في بروستيوف (1905-1907)، ومتحف بوهيميا الشرقية في هراديك كرالوف (1909-1912). العديد من المهندسين المعماريين المؤثرين في فيينا، مثل جوزيف هوفمان، وهيوبرت جيسنر، وجوزيف ماريا أولبريتش، وليوبولد باور، نشأوا من مورافيا أو سيليزيا النمساوية.

قام المهندس المعماري السلوفاكي دوشان يوركوفيتش، بمزج Szecesszió المجري بشكل مميز مع الزخارف المعمارية الوطنية. تشمل إبداعاته الأكثر تميزًا البيت الثقافي في شاكولكا (سكاليكا الحالية، سلوفاكيا، 1905)، ومباني المنتجعات الصحية في لوهاتشوفيس (جمهورية التشيك الحالية) التي تم بناؤها بين عامي 1901 و1903، و35 مقبرة حربية بالقرب من نوفي أوميغرود في غاليسيا (بولندا الحالية)، والتي تأثرت في الغالب بالفن الشعبي والنجارة المحلية من ليمكو (روسين). (1915-1917).

الحركة الانفصالية في غاليسيا

كانت كراكوف ولفيف وبيلسكو بياوا بمثابة المراكز الرئيسية للحركة الانفصالية في غاليسيا. في كراكوف، يمثل قصر الفنون (1898-1901)، الذي صممه فرانسيسزيك ماكزينسكي مستوحى من قاعة الانفصال في فيينا، مثالًا رئيسيًا على هذا الأسلوب. تعاون Mączyński أيضًا مع Tadeusz Stryjeński في مشاريع مهمة أخرى في كراكوف، بما في ذلك House Under the Globe (1904–1905) والمسرح القديم (1903–1906). كان ستانيسواف فيسبيانسكي وجوزيف ميهوفر من كبار مصممي الديكور الداخلي، وكانوا مسؤولين عن العديد من النوافذ الزجاجية الملونة والديكورات الداخلية للمباني. تشمل مساهمات Wyspiański البارزة الزجاج الملون في الكنيسة الفرنسيسكانية وبيت الجمعية الطبية في كراكوف (1905)، بينما تم العثور على أعمال ميهوفر البارزة في الجزء الداخلي من House Under the Globe.

كان Władysław Sadłowski، الذي درس في فيينا وتأثر بأوتو فاغنر، المهندس المعماري الأول في لفيف خلال هذه الفترة. وتشمل تصميماته محطة سكة حديد لفيف (1899-1904)، وأوركسترا لفيف (1905-1908)، والمدرسة الصناعية (1907-1908). كان إيفان ليفينسكي مهندسًا معماريًا بارزًا آخر، حيث استلهم أيضًا أعمال فاغنر.

يعد بيت الضفدع، الذي صممه إيمانويل روست في عام 1903، مثالًا بارزًا للهندسة المعمارية الانفصالية في بيلسكو بياوا. تم تصميم المزيد من الهياكل الانفصالية الهامة من قبل المهندسين المعماريين في فيينا، بما في ذلك ماكس فابياني، الذي أنشأ السكن في 1 شارع بارليكيغو في عام 1900، وليوبولد باور، المسؤول عن المبنى في 51 شارع ستوجالوسكييغو في عام 1903 وإعادة بناء كاتدرائية القديس نيكولاس بين عامي 1909 و1910.

العمارة الانفصالية في سلوفينيا والبوسنة وكرواتيا وتريستي

برز سيريل ميتود كوخ باعتباره مهندس الانفصال السلوفيني الأكثر إنتاجًا. شمل تعليمه المعماري دراسات تحت إشراف أوتو فاغنر في فيينا، تليها فترة عمل مع مجلس مدينة لايباخ (ليوبليانا، سلوفينيا الحالية) من عام 1894 إلى عام 1923. بعد زلزال لايباخ عام 1895، تبنى كوخ أسلوب الانفصال، حيث صمم العديد من الهياكل العلمانية بين عامي 1900 و1910، مثل منزل بوغانيك (1901)، ومبنى أودن. (1901)، وبنك قروض المزارعين (1906–07)، بالإضافة إلى تجديد مبنى هاوبتمان في عام 1904. وكان الإنجاز الملحوظ في حياته المهنية هو بنك القروض عام 1906 في رادمانسدورف (رادوفلييكا الآن).

جوزيب فانكاش، وهو مهندس معماري سلوفيني مهم آخر، مارس أيضًا أعماله في البوسنة، حيث أنشأ أعمالًا مثل فندق جراند هوتيل يونيون (1902–1903) والمدينة بنك التوفير في ليوبليانا (1902-1903)، إلى جانب قصر جيسوا د. سالوم (1901) ومكتب البريد المركزي في سراييفو (1907-1913). كان المهندسان المعماريان البارزان في انفصال فيينا جوزي بليتشنيك وماكس فابياني من أصل سلوفيني. صمم فابياني، على وجه الخصوص، العديد من المباني في سلوفينيا وتريستي، بما في ذلك منزل بارتولي في تريست (1906).

في كرواتيا، تتمثل الأمثلة الرئيسية للهندسة المعمارية الانفصالية في منزل كالينا في زغرب، الذي صممه فيكوسلاف باستل (1903-1904)، وأرشيف الدولة الكرواتية، أيضًا في زغرب، بقلم رودولف لوبينسكي. (1911-1913).

آرتا 1900، أو الفن الحديث، في رومانيا

ظهر الفن الحديث في رومانيا بالتزامن مع تطوره في أوروبا الغربية، والذي امتد من أوائل تسعينيات القرن التاسع عشر حتى بداية الحرب العالمية الأولى في عام 1914. ومع ذلك، فإن الحضور المعماري للأسلوب في رومانيا محدود، حيث كانت الفنون الجميلة هي الجمالية السائدة. يعتبر كازينو كونستانتا المثال الأكثر شهرة. تمثل العديد من هياكل الفن الحديث الرومانية مزيجًا من عناصر الفنون الجميلة والفن الحديث، والتي تتمثل في منزل رومولوس بوريسكو والمبنى الواقع في 61 سترادا فاسيلي لاسكار، وكلاهما يقع في بوخارست. يعكس هذا النهج الانتقائي الاتجاهات التي لوحظت في فرنسا، حيث كانت الإنشاءات النقية على طراز فن الآرت نوفو نادرة نسبيًا. على الرغم من أن معظم المساكن في عهد كارول الأولى تم تصميمها على طراز الفنون الجميلة، إلا أن بعضها أدمج عناصر داخلية على طراز فن الآرت نوفو، مثل المواقد، مما يشير إلى أن التصميم الخارجي لم يملي دائمًا الجمالية الداخلية بأكملها.

اعتنق ستيفان لوتشيان، وهو رسام روماني متميز على طراز فن الآرت نوفو، بسرعة المبادئ المبتكرة والزخرفية للأسلوب لمدة قصيرة. تزامنت هذه المرحلة الفنية مع تأسيس جمعية إليانا عام 1897، حيث كان لوتشيان أحد الأعضاء المؤسسين لها. نظمت الجمعية معرضًا بعنوان معرض الفنانين المستقلين في فندق Union Hotel عام 1898 ثم نشرت بعد ذلك مجلة Ileana.

تتميز ترانسيلفانيا بأمثلة معمارية على طراز فن الآرت نوفو وعصر النهضة الرومانية، مع مباني على طراز فن الآرت نوفو تعود إلى الفترة النمساوية المجرية. في حين أن أوراديا، التي يشار إليها غالبًا باسم "عاصمة الفن الحديث في رومانيا"، تستضيف غالبية هذه المباني، توجد أيضًا أمثلة مهمة في تيميشوارا، وتارجو موريش، وسيبيو.

Stile Liberty في إيطاليا

في إيطاليا، تم تحديد الفن الحديث من خلال عدة مصطلحات، بما في ذلك الفن الجديد، ونمط الأزهار، والنمط الحديث، ومعظم على وجه الخصوص، نمط الحرية. نشأت تسمية "أسلوب الحرية" من آرثر لاسنبي ليبرتي والمتجر متعدد الأقسام الذي أنشأه في لندن عام 1874. هذه المؤسسة، متجر ليبرتي متعدد الأقسام، متخصصة في استيراد العناصر الزخرفية والمنسوجات والأشياء الفنية من اليابان والشرق الأقصى، مع منسوجاتها النابضة بالحياة التي تكتسب شعبية خاصة في إيطاليا. ومن بين الممارسين الإيطاليين البارزين لهذا الأسلوب كان غاليليو تشيني، الذي استلهمت أعماله الخزفية في كثير من الأحيان من أنماط الميوليكا. نال تشيني لاحقًا شهرة واسعة باعتباره رسامًا ومصممًا للمناظر المسرحية، حيث أنشأ بشكل خاص مجموعات من أوبرا بوتشيني المشهورة: جياني شيتشي وتوراندوت.

أظهرت الهندسة المعمارية بأسلوب الحرية تنوعًا كبيرًا، وكثيرًا ما تضمنت الأساليب التاريخية، ولا سيما الطراز الباروكي. كانت واجهات المباني مزينة عادةً بزخارف ومنحوتات واسعة النطاق. تشمل الأمثلة البارزة لأسلوب الحرية فيلينو فلوريو (1899–1902) لإرنستو باسيلي في باليرمو، وقصر كاستيليوني في ميلانو لجوزيبي سوماروغا (1901–1903)، وكازا غوازوني (1904–05) في ميلانو لجيوفاني باتيستا بوسي (1904–06).

من السمات البارزة للحرية كان الأسلوب هو الاستخدام المكثف للوحات الجدارية النابضة بالحياة، سواء كانت مرسومة أو مصنوعة من السيراميك، إلى جانب النحت، المطبقة على المساحات الداخلية والخارجية. غالبًا ما دمجت هذه العناصر الزخرفية بين الزخارف الكلاسيكية والزهرية، كما هو موضح في حمامات Acque della Salute وCasa Guazzoni في ميلانو.

كان كارلو بوجاتي، وهو شخصية محورية في تصميم أسلوب الحرية، ابنًا لمهندس معماري ومصمم ديكور، ولا سيما والد نحات الحرية رامبرانت بوجاتي ومصمم السيارات إيتوري بوجاتي. تابع دراسته في أكاديمية بريرا في ميلانو قبل حضور أكاديمية الفنون الجميلة في باريس. تميزت أعمال بوجاتي بالغرابة والغرابة، حيث شملت الفضيات والمنسوجات والسيراميك والآلات الموسيقية. ومع ذلك، فهو معروف في المقام الأول بتصميماته الرائدة في مجال الأثاث، والتي تم عرضها لأول مرة في معرض ميلانو للفنون الجميلة عام 1888. غالبًا ما كان أثاثه يشتمل على شكل ثقب المفتاح المميز وأغطية غير تقليدية مثل الرق والحرير، بالإضافة إلى تطعيمات من العظام والعاج. علاوة على ذلك، أظهرت بعض القطع أشكالًا عضوية غير متوقعة، مستوحاة من كائنات مثل القواقع والكوبرا.

الحركات الفنية الحديثة والانفصالية في صربيا

نظرًا لقربها الجغرافي من الإمبراطورية النمساوية المجرية وانضمام فويفودينا تاريخيًا إلى الإمبراطورية حتى عام 1918، فقد أثرت حركات انفصال فيينا وحركات سيسيسزيو المجرية بشكل كبير على شمال صربيا، بما في ذلك العاصمة بلغراد. كان المهندسون المعماريون النمساويون والمجريون المشهورون مسؤولين عن تصميم العديد من الهياكل في مدن مثل سوبوتيكا ونوفي ساد وباليتش وزرينجانين وفرباس وسينتا وكيكيندا. يمثل الإرث المعماري لفن الآرت نوفو في بلغراد وبانتشيفو وأرانيلوفاك وفرنياتشكا بانيا توليفة من التيارات الفنية الفرنسية والألمانية والنمساوية والمجرية والصربية الأصلية. وبالتالي، تتجلى الهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو في صربيا المعاصرة في أشكال متنوعة، بدءًا من جماليات الأزهار المنحنية في كنيس سوبوتيكا إلى الورود على طراز مورافا التي تزين مبنى التلغراف في بلغراد.

خلال أوائل القرن العشرين، في المناطق الواقعة شمال نهري سافا والدانوب، أدى تجدد المشاعر الوطنية المجرية إلى دمج الزخارف العرقية الزهرية المحلية في المباني في سوبوتيكا وسينتا. في الوقت نفسه، داخل مملكة صربيا، أعاد الرومانسيون القوميون مثل برانكو تانيزيفيتش ودراغوتين إنكيوستيري-ميدنجاك (كلاهما نشأ من الإمبراطورية النمساوية المجرية) تفسير الزخارف الصربية التقليدية إلى تصميمات معمارية رائعة. أدخل مهندسون معماريون آخرون، بما في ذلك ميلان أنتونوفيتش ونيكولا نيستوروفيتش، الخطوط المتعرجة السائدة والزخارف الطبيعية في المساكن والمؤسسات التجارية للعملاء الأثرياء، مما مكنهم من إظهار عالميتهم والتزامهم بالاتجاهات المعاصرة في باريس وميونيخ وفيينا.

Modernismo وModernisme في إسبانيا

ظهر نوع مميز من أسلوب الفن الحديث، المعروف باسم الحداثة باللغة الكاتالونية وModernismo بالإسبانية، في برشلونة وكاتالونيا، بالتزامن مع ظهور النمط في بلجيكا وفرنسا. يعتبر أنطوني غاودي من أكثر الدعاة شهرة. استخدم غاودي بشكل مبتكر الزخارف الزهرية والعضوية في هياكل مثل بالاو غويل (1886–1890). تشير اليونسكو إلى أن "الهندسة المعمارية للحديقة تجمع بين عناصر من حركة الفنون والحرف والرمزية والتعبيرية والعقلانية، وقد بشرت وأثرت على العديد من أشكال وتقنيات الحداثة في القرن العشرين." قام بدمج العديد من الحرف اليدوية، بما في ذلك السيراميك والزجاج الملون والحديد المطاوع والتزوير والنجارة، في ممارسته المعمارية بسلاسة. بالنسبة لأجنحة غويل (1884–1887) ومن ثم بارك غويل (1900–1914)، كان غاودي رائداً في تقنية trencadís، التي تضمنت استخدام قطع السيراميك المجزأة. تُظهِر تصميماته بدءًا من عام 1903 تقريبًا فصاعدًا، وتحديدًا Casa Batlló (1904–1906) وCasa Milà (1906–1912)، أقوى تقارب أسلوبي مع فن الآرت نوفو. دمجت الإنشاءات اللاحقة، مثل Sagrada Família، خصائص الفن الحديث مع العناصر القوطية الجديدة الإحيائية. نتج إنشاء كازا باتيو، وكازا ميلا، وأجنحة غويل، وبارك غويل عن تعاون غاودي مع جوزيب ماريا جوجول، الذي صمم بشكل مستقل المنازل في سانت جوان ديسبي (1913-1926)، والعديد من الكنائس بالقرب من تاراغونا (1918 و1926)، وكازا بلانيلس المنحنية (1924) في برشلونة.

على الرغم من أن تأثير غاودي كان بالغ الأهمية، إلا أن لويس دومينيك إي مونتانير ساهم أيضًا بشكل كبير في فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو في برشلونة. تشمل أعماله البارزة Castell dels Tres Dragons (1888)، وCasa Lleó Morera، وPalau de la Música Catalana (1905)، ومستشفى Sant Pau (1901–1930). حصل Palau de la Música Catalana وHospital de Sant Pau على وضع التراث الثقافي العالمي لليونسكو.

برز جوزيب بويج إي كادافالش كمهندس معماري حديث بارز آخر، وهو المسؤول عن تصميم Casa Martí، الذي يضم مقهى Els Quatre Gats. تشتمل محفظته أيضًا على مصنع المنسوجات Casimir Casaramona، الذي أعيد استخدامه الآن ليصبح متحف CaixaFòrum للفنون، وCasa Macaya، وCasa Amatller، وPalau del Baró de Quadras (الذي استضاف Casa Àsia لمدة عقد من الزمن حتى عام 2013)، وCasa de les Punxes المميز، والمعروف باسم "بيت الملوك". Spikes'.

طوّر مجتمع بلنسية أيضًا حركة فريدة من نوعها على طراز فن الآرت نوفو، تتميز بأعمال المهندسين المعماريين مثل ديميتريو ريبيس ماركو، وفيسنتي باسكوال باستور، وتيموتيو بريت مونتود، وخوسيه ماريا مانويل كورتينا بيريز. تشمل السمات الرئيسية للفن الحديث في بلنسية الدمج البارز للسيراميك في كل من الواجهة والزخرفة الداخلية، جنبًا إلى جنب مع تكامل الزخارف الفالنسية الإقليمية.

هناك اختلاف ملحوظ آخر وهو الفن الحديث في مدريد، والذي يشار إليه أيضًا باسم Modernismo madrileño. يتجلى هذا النمط في المباني المهمة مثل قصر لونجوريا، وكازينو مدريد، وسيمنتيريو دي لا ألمودينا. ومن بين المهندسين المعماريين الحداثيين البارزين من مدريد خوسيه لوبيز سالابيري، وفرناندو أربوس إي تريمانتي، وفرانسيسكو أندريس أوكتافيو.

ورثت حركة الحداثة إرثًا فنيًا واسع النطاق، يشمل الرسومات واللوحات الفنية والمنحوتات والمصنوعات الزجاجية والمصنوعات المعدنية والفسيفساء والسيراميك والأثاث. تم حفظ مجموعة مختارة من هذه الأعمال في المتحف الوطني للفنون في كاتالونيا.

استلهم بيري روميو إي بوراس عمله السابق في Le Chat Noir، وهو مقهى باريسي، وأنشأ مقهى في برشلونة اسمه Els Quatre Gats (تعني باللغة الكتالونية "Four Cats"). تطورت هذه المؤسسة سريعًا لتصبح مكانًا محوريًا لتجمع الشخصيات البارزة في حركة الحداثة ببرشلونة، بما في ذلك بابلو بيكاسو ورامون كاساس إي كاربو. ساهم Casas i Carbó بشكل ملحوظ في الترويج للحركة من خلال ملصقاته وبطاقاته البريدية. بالنسبة للمقهى، قام في البداية بإنشاء لوحة بعنوان "رامون كاساس وبيري روميو في جنبا إلى جنب"، والتي تم استبدالها لاحقًا في عام 1901 بلوحة أخرى من مؤلفاته، "رامون كاساس وبيري روميو في سيارة"، والتي ترمز إلى فجر القرن الجديد.

صمم أنتوني غاودي أثاثًا للعديد من أعماله المعمارية؛ أحد الأمثلة على ذلك هو الكرسي ذو الذراعين الذي تم إنشاؤه لـ Battle House. امتد تأثيره إلى غاسبار هومار (1870–1953)، وهو مصمم أثاث كاتالوني بارز آخر، والذي كثيرًا ما كان يدمج المطعمة والفسيفساء في إبداعاته.

Arte Nova في البرتغال

في أفيرو بالبرتغال، كان المظهر المحلي للفن الحديث يُسمى آرتي نوفا. كانت السمة المميزة الأساسية لها هي التباهي، حيث تم اعتماد الأسلوب من قبل البرجوازية لعرض ثرائها علنًا من خلال واجهات متقنة، مع الحفاظ على تصميمات داخلية أكثر تحفظًا. ومن الجوانب البارزة الأخرى لآرتي نوفا استخدام البلاط المصنوع محليًا والمزين بزخارف فن الآرت نوفو.

برز فرانسيسكو أوغوستو دا سيلفا روشا باعتباره الممارس الأكثر تأثيرًا لآرتي نوفا. على الرغم من افتقاره إلى التدريب المعماري الرسمي، فقد صمم العديد من المباني في أفيرو ومدن برتغالية أخرى. ومن الأمثلة البارزة على ذلك مقر إقامة ميجور بيسوا، الذي يتميز بواجهة وداخلية على طراز فن الآرت نوفو، ويعمل حاليًا كمتحف آرتي نوفا.

يمكن العثور على أمثلة إضافية لآرتي نوفا في العديد من المدن البرتغالية الأخرى. وتشمل هذه الأماكن متحف-Residence Dr. Anastácio Gonçalves في لشبونة، الذي صممه مانويل يواكيم نورتي جونيور (1904-1905)، وفي بورتو، مقهى Majestic من تصميم João Queiroz (1921) ومكتبة Livraria Lello التي صممها Xavier Esteves (1906).

Jugendstil في بلدان الشمال

فنلندا

اكتسب الفن الحديث شعبية كبيرة في جميع أنحاء بلدان الشمال الأوروبي، حيث تم الاعتراف به في الغالب على أنه Jugendstil وكثيرًا ما تم دمجه مع النمط الرومانسي الوطني لكل دولة. تمتلك دوقية فنلندا الكبرى، التي كانت تحت حكم الإمبراطورية الروسية، أعلى تركيز للهندسة المعمارية Jugendstil بين دول الشمال. تزامن عصر Jugendstil في فنلندا مع العصر الذهبي للفن الفنلندي وفترة الصحوة الوطنية. بعد معرض باريس عام 1900، برز أكسيلي جالن-كاليلا باعتباره الفنان الفنلندي الأول. تم الاحتفال به بسبب رسومه التوضيحية لكاليفالا، الملحمة الوطنية الفنلندية، ولإسهاماته في رسم العديد من مباني Jugendstil في جميع أنحاء الدوقية.

تم تصميم الجناح الفنلندي في المعرض من قبل هيرمان جيسيليوس، وأرماس ليندغرين، وإيلي سارينن. أنتجت ممارساتهم التعاونية، التي نشطت من عام 1896 إلى عام 1905، العديد من الهياكل المهمة في هلسنكي، مثل مبنى بوهجولا للتأمين (1899-1901) والمتحف الوطني الفنلندي (1905-1910)، بالإضافة إلى مقر إقامتهم المشترك، هفيتراسك، في كيركونومي (1902). مستوحاة من أساطير الشمال والبيئة الطبيعية، قام المهندسون المعماريون بدمج واجهات من الجرانيت الخام، والتي ترمز إلى الهوية الوطنية الفنلندية. بعد حل الشركة، صمم سارينن بشكل مستقل محطة هلسنكي للسكك الحديدية (1905-1914)، حيث اعتمد أشكالًا معمارية أكثر تحديدًا متأثرة بالأنماط الأمريكية. عمل إميل ويكستروم كنحات بالتعاون مع سارينن في مشروعي المتحف الوطني الفنلندي ومحطة هلسنكي للسكك الحديدية.

كان لارس سونك مهندسًا معماريًا بارزًا آخر مسؤولاً عن العديد من الإنشاءات المهمة في فنلندا. تشمل مساهماته البارزة في Jugendstil كاتدرائية تامبيري (1902-1907)، وأينولا (مقر إقامة جان سيبيليوس، 1093)، والمقر الرئيسي لجمعية الهاتف في هلسنكي (1903-1907)، وكنيسة كاليو في هلسنكي (1908-1912). بالإضافة إلى ذلك، قام ماغنوس شييرفبيك، شقيق هيلين شييرفبيك، بتصميم Nummela Sanatorium، وهو مرفق لعلاج السل، في عام 1903، مستخدمًا جمالية Jugendstil.

النرويج

خلال سعيها للاستقلال عن السويد، طورت النرويج أسلوبًا مميزًا لفن الآرت نوفو، والذي دمج عناصر من حركة النهضة المستوحاة من فنون الفايكنج الشعبية والحرف التقليدية. صمم مصممون بارزون مثل لارس كيسارفيك كراسي تتميز بزخارف الفايكنج التقليدية والزخارف السلتية، في حين أنتج جيرهارد مونتي كرسيًا مزينًا بشعار رأس تنين منمق يذكرنا بسفن الفايكنج القديمة، بالإضافة إلى مجموعة متنوعة من الملصقات واللوحات والأعمال الرسومية.

تُعرف مدينة أليسوند النرويجية بأنها المركز الرئيسي للفن الحديث في الدول الإسكندنافية، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى إعادة إعمارها الشاملة في أعقاب حريق مدمر في 23 يناير. 1904. تم تشييد ما يقرب من 350 مبنى بين عامي 1904 و1907، وفقًا لخطة التنمية الحضرية التي صممها المهندس فريدريك ناصر. أدى هذا التوليف من الوحدة المعمارية والتنوع الأسلوبي إلى ظهور جمالية متميزة تسمى Ål Stil. تتميز الهياكل التي تجسد هذا النمط بزخرفة خطية وتتضمن عناصر من كل من الهندسة المعمارية العامية Jugendstil والسكان الأصليين، مثل أبراج الكنائس العصي أو الأسقف المتوجة المميزة. صيدلية سوان، أحد هذه المباني، تضم حاليًا مركز فن الآرت نوفو.

السويد والدنمارك

تفتخر دول الشمال الأخرى بروائع Jugendstil مثل Engelbrektskyrkan (1914) والمسرح الدرامي الملكي (1901-1908) في ستوكهولم، السويد، إلى جانب مكتبة المدينة السابقة (التي أصبحت الآن أرشيف الأعمال الوطني الدنماركي) في آرهوس، الدنمارك (1898-1901). قام هاك كامبمان، أحد أبرز المدافعين عن الأسلوب الرومانسي الوطني في ذلك الوقت، بتصميم مكتبة آرهوس وكان مسؤولاً أيضًا عن Custom House والمسرح وفيلا كامبن في نفس المدينة. يعتبر جورج جنسن، وهو صائغ فضة مشهور، المصمم الأكثر تميزًا في الدنمارك على طراز فن الآرت نوفو. غالبًا ما يُعتبر معرض البلطيق الذي أقيم في مالمو عام 1914 هو التعبير المهم الأخير عن Jugendstil في السويد.

الحديثة في روسيا

Модering ('الحديث') يمثل تفسيرًا روسيًا نابضًا بالحياة للفن الحديث، والذي ظهر في موسكو وسانت بطرسبرغ في عام 1898، بالتزامن مع إطلاق مجلة فنية جديدة، Мир искусства (Mir Iskusstva، "عالم الفن")، أسسها الفنانان الروسيان ألكسندر بينوا وليون باكست، ويعمل سيرجي دياجيليف كرئيس تحريرها. نظم هذا المنشور معارض لفنانين روس بارزين، مثل ميخائيل فروبيل، وكونستانتين سوموف، وإسحاق ليفيتان، ورسام الكتاب إيفان بيليبين. يتميز عالم الفن الجمالي عن الفن الفرنسي الحديث، حيث قلل من الزخارف النباتية والزهرية، وبدلاً من ذلك أكد على الألوان الزاهية والأنماط الغريبة المميزة للفولكلور الروسي والحكايات الخيالية. كان الإرث الأكثر أهمية الذي تركه مير إيسكوستفا هو تأسيس باليه روس، وهي شركة باليه جديدة بقيادة دياجليف، وتتميز بأزياء ومجموعات من تصميم باكست وبينوا. ظهرت فرقة الباليه المبتكرة هذه لأول مرة في باريس عام 1909، وحافظت على عروضها السنوية في المدينة حتى عام 1913. وقد أثرت التصاميم المسرحية المميزة والنابضة بالحياة لبينوا وباكست بشكل عميق على الفن والتصميم الفرنسي. ظهرت تصميمات الأزياء والديكور هذه لاحقًا في مجلات باريسية بارزة، بما في ذلك L'Illustration، وLa Vie parisienne، وGazette du bon طن، مما أدى إلى التعرف على الجمالية الروسية في باريس على أنها à la Bakst. ومن المفارقات أن الشركة أصبحت عالقة في باريس، في البداية بسبب بداية الحرب العالمية الأولى وبعد ذلك بسبب الثورة الروسية في عام 1917، وبالتالي لم تقدم أي عروض في روسيا.

من بين المهندسين المعماريين الروس، كان فيودور شيشتيل بارزًا بشكل خاص في أسلوب فن الآرت نوفو النقي. ومن الأمثلة البارزة على أعماله منزل ريابوشينسكي في موسكو. تم تشييده لرجل أعمال روسي وصاحب صحيفة، وتم إعادة استخدامه كمقر إقامة للكاتب مكسيم غوركي بعد الثورة الروسية ويعمل الآن كمتحف غوركي. يتميز الدرج الرئيسي للمبنى، المصنوع من الركام المصقول من الخرسانة والرخام والجرانيت، بأشكال انسيابية منحنية تذكرنا بأمواج المحيط، ويضاء بمصباح على شكل قنديل البحر العائم. بالإضافة إلى ذلك، يشتمل التصميم الداخلي على أبواب ونوافذ وأسقف مزينة بلوحات جدارية فسيفساء نابضة بالحياة. شيكتيل، المعروف أيضًا بأنه شخصية مهمة في الرمزية الروسية، ابتكر العديد من الهياكل الشهيرة الأخرى في موسكو، مثل إعادة بناء محطة سكة حديد موسكو ياروسلافسكي، التي اعتمدت جمالية إحياء موسكو التقليدية.

في الوقت نفسه، قام مهندسون معماريون روس آخرون بتطوير أسلوب النهضة الروسية، مستوحين الإلهام من التقاليد المعمارية الروسية التاريخية. تم تشييد هذه الهياكل في الغالب من الخشب، مما يعكس الأشكال المعمارية لروسيا الكييفية. تشمل الأمثلة التوضيحية منزل سيرجي ماليوتين تيريموك في تالاشكينو (1901-1902) وبيت بيرتسوفا (المعروف أيضًا باسم منزل بيرتسوف) في موسكو (1905-1907). كان Malyutin أيضًا منتسبًا إلى حركة Mir iskusstva. على سبيل المثال، يتميز منزل بيرتسوفا بشكل خاص بالمنحوتات الحجرية التي نفذها سيرجي فاشكوف، والتي استلهمت من منحوتات القرنين الثاني عشر والثالث عشر الموجودة في كاتدرائية القديس ديمتريوس في فلاديمير وكاتدرائية القديس جورج في يوريف بولسكي. عمل نيكولاي فاسيليف، وهو مهندس معماري من سانت بطرسبرغ، في أساليب مختلفة قبل هجرته في عام 1923. ومما يجسد أيضًا أسلوب النهضة الروسية هذا دير مارفو ماريانسكي (1908–1912)، وهو عبارة عن كنيسة أرثوذكسية روسية حديثة صممها أليكسي شتشوسيف، الذي صمم لاحقًا ضريح لينين في موسكو.

خلال هذه الحقبة، تبنت العديد من المستعمرات الفنية في جميع أنحاء روسيا الطراز المعماري للنهضة الروسية. أسلوب. وكان أبرز هؤلاء أبرامتسيفو، بتمويل من سافا مامونتوف، وتالاشكينو في محافظة سمولينسك، بدعم من الأميرة ماريا تينيشيفا.

الهندسة المعمارية الحديثة الأوكرانية

خلال أوائل القرن العشرين، تأثر التطور المعماري في الأراضي الأوكرانية - التي تشمل جنوب غرب الإمبراطورية الروسية، وغاليسيا الشرقية، وبوكوفينا، وترانسكارباثيا داخل الإمبراطورية النمساوية المجرية - بالهندسة المعمارية الشعبية الأوكرانية الأصلية وحركات الفن الحديث الأوروبية، بما في ذلك أسلوب زاكوباني. كان ظهور العمارة "الحديثة" الأوكرانية ملحوظًا بشكل خاص في محافظة بولتافا، والتي دافع عنها في المقام الأول فاسيل كريتشيفسكي وأوباناس سلاستيون. بين أواخر القرن العشرين وأوائل العقد الأول من القرن العشرين، تم تشييد العديد من الهياكل فيما كان يُطلق عليه آنذاك "النمط الأوكراني" في جميع أنحاء الإمبراطورية الروسية، بما في ذلك في كييف وخاركيف وأوديسا وكاترينوسلاف. على العكس من ذلك، في غرب أوكرانيا، ثم تحت الحكم النمساوي المجري، دمج الطراز الأوكراني الإقليمي عناصر من عمارة الهوتسول، والاتجاهات الأوروبية الغربية، والتأثيرات من أوكرانيا العظمى.

Jūgendstils (الفن الحديث في ريغا)

كانت ريغا، عاصمة لاتفيا حاليًا، بمثابة مركز حضري مهم داخل الإمبراطورية الروسية خلال تلك الفترة. على الرغم من سياقها الإمبراطوري، تطورت الهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو في ريغا بخصائص محلية مميزة وحققت شعبية واسعة النطاق. بعد المعرض الإثنوغرافي اللاتفي في عام 1896 ومعرض الصناعة والحرف اليدوية في عام 1901، برز فن الآرت نوفو بسرعة باعتباره النمط المعماري السائد في المدينة. ونتيجة لذلك، تشكل هياكل الفن الحديث ما يقرب من ثلث جميع المباني في وسط ريغا، مما يجعلها المدينة العالمية ذات أعلى كثافة من هذه الهندسة المعمارية. كان الحضور الواسع والجودة الاستثنائية للهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو من العوامل الرئيسية في تعيين ريغا كموقع للتراث الثقافي العالمي لليونسكو.

تجلت الهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو في ريغا في العديد من الاختلافات المتميزة:

• تميز فن الآرت نوفو الانتقائي بشكل بارز بالزخارف الزهرية وغيرها من الزخارف الزخرفية المستوحاة من الطبيعة. تعتبر أعمال ميخائيل أيزنشتاين بمثابة أمثلة رئيسية لهذا الاختلاف.
• أدرج فن الآرت نوفو المتعامد زخارف هندسية ضمن الترتيبات الرأسية للواجهات. تم استخدام هذا النمط بشكل متكرر في المتاجر الكبرى، مما أدى إلى تسميته البديلة باسم "نمط المتجر متعدد الأقسام" أو، باللغة الألمانية، Warenhausstil.
• استوحى الفن الرومانسي الوطني الحديث الإلهام من الفن الشعبي الأصلي، الذي يتميز بالأشكال الضخمة واستخدام مواد البناء الطبيعية.

وفي وقت لاحق، دمجت بعض الهياكل الكلاسيكية الجديدة أيضًا عناصر فن الآرت نوفو.

حركة Style Sapin في لا شو دو فون، سويسرا

هناك نوع مختلف معروف باسم Style Sapin (أو "نمط شجرة التنوب")، نشأ في لا شو دو فون، الواقعة داخل كانتون نوشاتيل، سويسرا. بدأ هذه الحركة الفنية الرسام والفنان تشارلز لوبلاتنير، مستوحيًا إلهامًا كبيرًا من sapin (شجرة التنوب) والنباتات والحيوانات المتنوعة في جبال جورا. من الأمثلة البارزة على أعماله محرقة الجثث في المدينة، والتي تتضمن زخارف شجرة مثلثة وأقماع الصنوبر وعناصر طبيعية إقليمية أخرى. علاوة على ذلك، دمج Style Sapin الخصائص الأسلوبية الأكثر هندسية لـ Jugendstil وانفصال فيينا.

تمثل Villa Fallet في La Chaux-de-Fonds مثالًا معماريًا مهمًا آخر لهذا النمط. تم تصميم وبناء هذا الشاليه في عام 1905 من قبل لو كوربوزييه، الذي كان آنذاك طالبًا في الثامنة عشرة من عمره في L'Eplattenier. في حين احتفظ المنزل بالشكل التقليدي للشاليه السويسري، إلا أن زخرفة واجهته تضمنت تصميمات شجرة مثلثة وزخارف طبيعية أخرى. قام لو كوربوزييه بعد ذلك ببناء شاليهين إضافيين في المنطقة المجاورة، بما في ذلك فيلا ستوتزر، التي التزمت بجمالية الشاليه الأكثر تقليدية.

أسلوب تيفاني ومساهمات لويس سوليفان في الفن الحديث الأمريكي

لعبت شركة لويس كومفورت تيفاني دورًا أساسيًا في تطوير الفن الأمريكي الحديث. ولدت تيفاني عام 1848، وتابعت دراستها في الأكاديمية الوطنية للتصميم في مدينة نيويورك. بدأ عمله في مجال الزجاج عندما كان في الرابعة والعشرين من عمره، ثم انضم بعد ذلك إلى شركة والده العائلية. وبحلول عام 1885، كان قد أسس مشروعه الخاص المخصص للأعمال الزجاجية الرائعة، وكان رائدًا في تقنيات التلوين الجديدة. في عام 1893، توسعت تيفاني في إنتاج المزهريات والأوعية الزجاجية، وابتكرت مرة أخرى طرقًا لتحقيق أشكال وألوان مميزة، واستكشفت في الوقت نفسه زجاج النوافذ المزخرف. تضمن أسلوبه الطباعة والرخام وتركيب طبقات من الزجاج، مما أدى إلى عمق استثنائي وتنوع في الألوان. بحلول عام 1895، تم عرض إبداعاته المبتكرة في معرض الفن الحديث لسيغفريد بينج، مما جذب عملاء أوروبيين جدد. بعد وفاة والده في عام 1902، تولى تيفاني السيطرة على مؤسسة تيفاني بأكملها، ومع ذلك استمر في تكريس جهد كبير لتصميم وإنتاج الأشياء الفنية الزجاجية. بدأ، بتشجيع من توماس إديسون، في إنتاج المصابيح الكهربائية ذات ظلال زجاجية متعددة الألوان موضوعة داخل أطر من البرونز والحديد، أو مزينة بالفسيفساء. تم تصنيع هذه المصابيح في العديد من السلاسل والإصدارات، وتم تصنيع كل منها بدقة متناهية مع دقة المجوهرات الراقية، بمشاركة فريق متخصص من المصممين والحرفيين. ظهر مصباح تيفاني، على وجه الخصوص، كقطعة رمزية من فن الآرت نوفو. بالإضافة إلى المصابيح، قام حرفيو تيفاني أيضًا بتصميم وإنشاء نوافذ ومزهريات وأعمال فنية زجاجية أخرى رائعة. حقق زجاج تيفاني استحسانًا كبيرًا في المعرض العالمي لعام 1900 في باريس، حيث مُنحت نافذته ذات الزجاج الملون، التي تحمل عنوان رحلة الأرواح، ميدالية ذهبية. كان المعرض الكولومبي أيضًا بمثابة منصة مهمة لتيفاني، حيث تم عرض الكنيسة الصغيرة التي صممها في جناح الفن والصناعة. اليوم، توجد كنيسة تيفاني، بجانب إحدى نوافذ منزل تيفاني في نيويورك، في متحف تشارلز هوسمر مورس للفن الأمريكي في وينتر بارك، فلوريدا.

لعب لويس سوليفان، وهو مهندس معماري بارز، أيضًا دورًا حاسمًا في الفن الأمريكي الحديث. أسس سوليفان، المعترف به باعتباره رائدًا رائدًا في الهندسة المعمارية الأمريكية الحديثة، مدرسة شيكاغو، وصمم بعضًا من أقدم ناطحات السحاب، وقام بإرشاد فرانك لويد رايت. لقد لخص مبدأه الدائم "الشكل يتبع الوظيفة" فلسفته المعمارية. في حين أن التصميم الهيكلي لمبانيه تم تحديده من خلال فائدتها، فإن عناصره الزخرفية كانت تمثل الفن الأمريكي الحديث. على وجه الخصوص، في المعرض الكولومبي العالمي عام 1893 في شيكاغو، وهو حدث تم الاحتفال به في المقام الأول بسبب العظمة الكلاسيكية الجديدة لـ المدينة البيضاء الشهيرة، تصور سوليفان مدخلًا مذهلاً على طراز فن الآرت نوفو لمبنى النقل عالي الأداء.

على الرغم من أن التصميم المعماري لمبنى كارسون وبيري وسكوت وشركاه (1899)، المعروف الآن باسم مركز سوليفان، كان حديثًا وعمليًا بشكل ملحوظ، زينت سوليفان نوافذها بزخارف نباتية منمقة. قام بتطوير مخططات زخرفية مبتكرة مماثلة لبنك المزارعين الوطني في أواتونا، مينيسوتا (1907-1908)، وبنك التجار الوطني في غرينيل، آيوا. يُنسب إلى سوليفان إنشاء نسخة أمريكية مميزة من الفن الحديث، مؤكدًا أن الأشكال الزخرفية يجب أن "تتأرجح، وترتفع، وتختلط، وتشتق بلا نهاية". وأظهرت إبداعاته دقة استثنائية، ودمجت أحيانًا بين الزخارف القوطية والفن الحديث.

تمكن الأخوة Uhl من توليدو، أوهايو، من تطوير إنتاج الأثاث المعدني بشكل كبير من خلال تصميماتهم المبتكرة Toledo Metal Furniture Co.

الفن الحديث في الأرجنتين

تبنت الأرجنتين، التي شهدت تدفقًا كبيرًا للمهاجرين الأوروبيين، العديد من الأساليب الفنية والمعمارية الأوروبية، بما في ذلك الفن الحديث. إن المناخ الذي يتميز بالاستثمار الكبير وأنظمة البناء القابلة للتكيف قد اجتذب المهندسين المعماريين الأوروبيين الشباب، مما مكنهم من توسيع محافظهم الاستثمارية قبل العودة المحتملة إلى أوروبا. ونتيجة لذلك، طورت الأرجنتين أكبر تجمع لمباني الفن الحديث خارج أوروبا. تمتلك مدن بوينس آيرس وروزاريو ومار ديل بلاتا أبرز تراث الفن الحديث داخل الأرجنتين.

كانت باريس في القرن التاسع عشر بمثابة نموذج لبوينس آيرس، وخاصة في تطوير شوارعها وشوارعها الواسعة. يعكس الطراز المعماري المحلي، على الرغم من دمج التأثيرات الفرنسية، الحرية الإيطالية أيضًا، نظرًا لأن العديد من المهندسين المعماريين، مثل فيرجينيو كولومبو، وفرانسيسكو جيانوتي، وماريو بالانتي، كانوا إيطاليين. يظهر التأثير الكاتالوني في أعمال جوليان غارسيا نونيز، الذي أكمل دراسته في برشلونة عام 1900، وفي تصاميم إدواردو رودريغيز أورتيغا. علاوة على ذلك، فإن تأثير انفصال فيينا واضح في هياكل مثل مبنى Paso y Viamonte، وClub Español، وRegimiento de Granaderos a Caballo، وفندق Savoy.

تتضمن الخصائص المحلية المميزة تكييف فن الآرت نوفو مع تنسيق بناء "منزل كوريزو" الموجود مسبقًا، والذي يتميز بواجهة ضيقة نسبيًا لهيكل عميق يمتد إلى المبنى، وغالبًا ما يشتمل على ساحات فناء متعددة أو إضاءة آبار للتهوية والإضاءة. ومن السمات البارزة الأخرى "الزوايا المقطوعة" التي يفرضها القانون على كل كتلة في بوينس آيرس منذ أواخر القرن التاسع عشر. يختلف توافر المواد أيضًا عن أوروبا؛ وبالتالي، استخدمت المباني في كثير من الأحيان "سيميل بيدرا باريس"، وهو تقليد للحجر الباريسي تم إنشاؤه عن طريق مزج الأسمنت مع الرمل والمعادن المختلفة.

يُنسب ظهور الفن الحديث في روزاريو إلى فرانسيسكو روكا سيمو، الذي تلقى تدريبه في برشلونة. يعرض مبنى Club Español الخاص به، والذي تم الانتهاء منه في عام 1912، واحدة من أكبر النوافذ الزجاجية الملونة في أمريكا اللاتينية، بالإضافة إلى البلاط والسيراميك، وكلها من إنتاج شركة Buxadera, Fornells y Cía المحلية. كان نحات المبنى هو دييغو ماسانا، وهو أيضًا من برشلونة.

يتجسد التأثير البلجيكي على الفن الأرجنتيني الحديث في فيلا أورتيز باسوالدو، التي تضم حاليًا متحف بلدية خوان كارلوس كاستانينو للفنون في مار ديل بلاتا. يتميز هذا المبنى بالأثاث والديكورات الداخلية والإضاءة التي صممها غوستاف سيرورييه-بوفي.

الفن الحديث عالميًا

على غرار تطوره في الأرجنتين، تم تشكيل فن الآرت نوفو في الدول الأخرى في الغالب على يد فنانين أجانب.

• في هافانا، كوبا، كان للأفراد الإسبان دور فعال في مشاريع الفن الحديث، على الرغم من افتقار البعض إلى المؤهلات المعمارية الرسمية. على الرغم من عدم مشاركتهم بشكل مباشر في بناء الأعمال في بونس، بورتوريكو، كان الإسبان بمثابة مصدر مهم للإلهام والدراسة للمهندسين المعماريين المحليين الذين يطورون أنماطًا محلية مثل بونس كريول.
• كان الممارسون الفرنسيون مسؤولين عن إدخال الفن الحديث إلى تونس، التي كانت آنذاك محمية فرنسية.
• ساهم الألمان في تراث Jugendstil الموجود في لودريتز، ناميبيا، وتشينغداو، الصين.
• كان للإيطاليين دور فعال في تطوير الفن الحديث في فالبارايسو، تشيلي؛ مونتيفيديو، أوروغواي؛ وريو دي جانيرو، البرازيل.
• كان الروس مسؤولين عن تراث الفن الحديث في هاربين، الصين.
• يشمل تراث الفن الحديث في ليما أعمالًا للأخوين ماسبيري الإيطاليين، والمهندس المعماري الفرنسي كلود ساهوت، وأساتذة الزجاج الملون البريطانيين.
• نشأ قصر الفنون الجميلة في مكسيكو سيتي من جهد تعاوني شارك فيه مساهمون إيطاليون (المهندس المعماري أدامو بوري والنحات ليوناردو بيستولفي)، والمهندس المعماري المحلي فيديريكو ماريسكال، والفنانين المجريين ألادار كورسفوي-كريش، وجيزا ماروتي، وميكسا روث، والنحات الكاتالوني أغوستي كيرول سوبيراتس، والأستاذ الفرنسي إدغار. براندت.

يمكن أيضًا تمييز زخارف الفن الحديث في العمارة الاستعمارية الفرنسية في جميع أنحاء الهند الصينية الفرنسية.

ظهرت حركة فنية مهمة، وهي مدرسة بتسلئيل، في منطقة فلسطين خلال أواخر فترات الانتداب العثماني والبريطاني. وقد وصفت هذه الحركة بأنها "اندماج الفن الشرقي و Jugendstil." تم التعرف على العديد من الفنانين المنتسبين إلى مدرسة بتسلئيل، بما في ذلك زئيف رابان، وإفرايم موسى ليلين، وآبيل بان، لأسلوبهم في فن الآرت نوفو.

الخصائص والديكور والزخارف

اتسمت المرحلة الأولية للفن الحديث، وخاصة في بلجيكا وفرنسا، بالأشكال المتموجة والمنحنية. استلهمت هذه التصميمات من العناصر الطبيعية مثل الزنابق والكروم وسيقان الزهور، والتي ظهرت بشكل ملحوظ في التصميمات الداخلية لفيكتور هورتا والأعمال الزخرفية للويس ماجوريل وإميل جالي. علاوة على ذلك، دمج الأسلوب زخارف الفراشة واليعسوب، المستمدة من الفن الياباني وكانت مفضلة على نطاق واسع في أوروبا خلال تلك الفترة.

كثيرًا ما كان الفن الحديث المبكر يضم أشكالًا منمقة تنقل الديناميكية، والتي تجسدت في خط coup de fouet أو "المصاب". وقد تم توضيح هذا الشكل المميز بشكل ملحوظ في رسومات هيرمان أوبريست عام 1894 لنباتات بخور مريم. في مراجعة للوحة الحائط المعلقة التي رسمها أوبريست عام 1894، بخور مريم، والتي نُشرت في مجلة بان، شبهت تصميمها بـ "المنحنيات العنيفة المفاجئة الناتجة عن فرقعة السوط". على الرغم من أنه كان في البداية مصطلحًا تحقيرًا، إلا أن مصطلح "المص" يُستخدم الآن بشكل شائع لوصف الأشكال المنحنية المميزة السائدة في فن الآرت نوفو. هذه الخطوط الزخرفية والمموجة والمتدفقة، والتي غالبًا ما تظهر إيقاعًا متزامنًا وتكوينًا غير متماثل، منتشرة عبر فن العمارة والرسم والنحت وغيرها من مجالات التصميم على طراز فن الآرت نوفو.

وبخلاف الزخارف المذكورة أعلاه، اكتسبت تصميمات الأزهار الأخرى، مثل الزنابق والوستارية، شعبية واسعة النطاق، ولا سيما في مصابيح لويس كومفورت تيفاني والإبداعات الزجاجية لفنانين من مدرسة نانسي وإميل جالي. تم أيضًا دمج العناصر الطبيعية المنحنية والمموجة في التصميمات، بما في ذلك الفراشات والطاووس والبجع وزنابق الماء. يتضمن الموضوع المتكرر تصوير شعر المرأة المتشابك مع سيقان الزنابق والقزحية وأزهار أخرى. قام فيكتور هورتا بتطبيق أشكال الأزهار المنمقة بشكل خاص على السجاد والدرابزينات والنوافذ والأثاث. وبالمثل، استخدم هيكتور جيمارد هذه الزخارف على نطاق واسع في الدرابزينات، والأكثر شهرة، في المصابيح والسور التي تزين مداخل مترو باريس. أوضح جويمارد فلسفته في التصميم قائلاً: "ما يجب تجنبه في كل ما هو مستمر هو التوازي والتماثل. الطبيعة هي أعظم بانٍ والطبيعة لا تصنع شيئًا متوازيًا ولا شيء متماثلًا."

تميز أثاث الفن الحديث المبكر، الذي تجسده أعمال لويس ماجوريل وهنري فان دي فيلدي، بدمجه للمواد الفاخرة والغريبة. وشملت هذه خشب الماهوغوني، الذي غالبًا ما كان مزينًا بتطعيمات من الأخشاب الثمينة والزخارف المعقدة. تميزت التصميمات باستمرار بأشكال منحنية، متجنبة الزوايا القائمة، والتي أضفت بشكل جماعي إحساسًا بالخفة على القطع.

بعد عام 1900، شهدت المرحلة الثانية من فن الآرت نوفو تحسينًا في الزخرفة وزيادة في أسلوب الخطوط. تحولت الأشكال المنحنية الأولية تدريجيًا إلى مضلعات، وتطورت في النهاية إلى مكعبات وتكوينات هندسية أخرى. تم استخدام هذه الزخارف الهندسية بشكل خاص في التصميمات المعمارية والأثاثية لجوزيف ماريا أولبريتش، وأوتو فاغنر، وكولومان موسر، وجوزيف هوفمان. ويمثل قصر ستوكليت في بروكسل، على وجه الخصوص، مثالًا بارزًا، يبشر بظهور فن الآرت ديكو والحداثة.

تمثلت السمة المميزة للهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو في التلاعب المبتكر بالضوء، والذي تم تحقيقه من خلال إنشاء مساحات داخلية واسعة، وإزالة الجدران الهيكلية، والتكامل الواسع النطاق للمناور لتحقيق أقصى قدر من الإضاءة الطبيعية. يتميز الاستوديو السكني لفيكتور هورتا والمباني الأخرى التي صممها بشكل بارز بمناور واسعة النطاق، وغالبًا ما تكون مدعومة بإطارات حديدية منحنية. في فندق Tassel، استغنى هورتا بشكل ملحوظ عن الجدران التقليدية المحيطة بالدرج، وبالتالي رفع الدرج إلى عنصر محوري في جمالية التصميم الداخلي.

الترابط مع الأنماط والحركات الفنية المتزامنة

كحركة فنية، يشترك الفن الحديث في القواسم المشتركة مع جماليات ما قبل الرفائيلية والرمزية، مما يؤدي إلى تصنيف فنانين مثل أوبري بيردسلي، وألفونس موتشا، وإدوارد بورن جونز، وغوستاف كليمت، وجان توروب ضمن أنماط متعددة. ومع ذلك، فإن الفن الحديث يميز نفسه عن الرسم الرمزي من خلال خصائصه البصرية الفريدة. علاوة على ذلك، وعلى النقيض من حركة الفنون والحرف التي تركز على الحرفيين، تبنى ممارسو الفن الحديث بسهولة مواد جديدة، وأسطح منتجة آليًا، ومبادئ مجردة لتحقيق أهداف التصميم الخاصة بهم.

على النقيض من حركة الفنون والحرف، لم يرفض الفن الحديث دمج الآلات في عمليات الإنتاج الخاصة به. وشملت المواد الأولية المستخدمة في النحت الزجاج والحديد المطاوع، مما أضفى صفات نحتية حتى على العناصر المعمارية. تم استخدام السيراميك أيضًا لإنتاج إصدارات منحوتات لفنانين مثل أوغست رودان، على الرغم من أن أعماله النحتية الشاملة لا تُصنف على أنها فن الآرت نوفو.

لقد استفادت الهندسة المعمارية على طراز فن الآرت نوفو من العديد من التطورات التكنولوجية في أواخر القرن التاسع عشر، لا سيما دمج الحديد المكشوف والألواح الزجاجية الممتدة وغير المنتظمة في تصميماتها الهيكلية والزخرفية.

تم دمج تأثيرات الفن الحديث في مختلف الحركات الفنية الإقليمية. على سبيل المثال، في الدنمارك، شكل أحد مكونات Skønvirke ('العمل الجمالي')، وهو أسلوب أكثر توافقًا مع حركة الفنون والحرف اليدوية. وبالمثل، قام الفنانون البولنديون بدمج العديد من زخارف الفن الحديث الزهرية والعضوية في أسلوب Młoda Polska ('بولندا الشابة'). ومع ذلك، Młoda Polska تبنى أيضًا تعبيرات فنية أخرى ومثل فلسفة أكثر اتساعًا تشمل الفن والأدب وأسلوب الحياة.

من منظور معماري، يُظهر الفن الحديث روابط مع الأساليب التي، على الرغم من حداثتها، تختلف عن التقليد الحداثي الذي أسسته شخصيات مثل والتر غروبيوس ولو كوربوزييه. تشترك في علاقة قرابة ملحوظة مع العمارة التعبيرية، لا سيما في ولعها بالأشكال العضوية؛ ومع ذلك، ظهرت التعبيرية من النقد الفكري لاستراتيجيات الزينة في الفن الحديث. في حين أكد الفن الحديث على الزخارف النباتية والنباتية، استوحت التعبيرية الإلهام من عناصر مثل الكهوف والجبال والبرق والبلورات والتكوينات الجيولوجية. آرت ديكو، وهو أسلوب آخر تم تطويره في مواجهة فن الآرت نوفو، يتجنب تمامًا الأسطح العضوية، ويفضل بدلاً من ذلك جمالية مستقيمة متأثرة بالطليعة الفنية المعاصرة.

الفئات الفنية

على الرغم من أن الفن الحديث يشمل الرسم والنحت، إلا أن أهم مظاهره توجد في الهندسة المعمارية والفنون الزخرفية. وقد أثبت هذا الأسلوب قابليته بشكل خاص للفنون الرسومية، ولا سيما تصميم الملصقات، بالإضافة إلى التصميم الداخلي والأعمال المعدنية وفن الزجاج والمجوهرات وتصميم الأثاث والسيراميك والمنسوجات.

الملصقات وتصميم الجرافيك

خلال عصر الفن الحديث، شهدت الفنون الرسومية طفرة كبيرة، مدفوعة إلى حد كبير بالتقدم في تكنولوجيا الطباعة، وخاصة الطباعة الحجرية الملونة، والتي سهلت إنتاج الملصقات النابضة بالحياة على نطاق واسع. أدى هذا الابتكار إلى إضفاء طابع ديمقراطي على الفن، ونقله إلى ما هو أبعد من الحدود الحصرية للمعارض والمتاحف والصالونات لتزيين الجدران الباريسية والانتشار داخل المجلات الفنية المصورة في جميع أنحاء أوروبا والولايات المتحدة. كان الشكل الأنثوي هو الفكرة السائدة في ملصقات فن الآرت نوفو، والتي غالبًا ما يتم تصويرها وسط تنسيقات الأزهار، مما يرمز إلى السحر والحداثة والجمال.

برز أوبري بيردسلي (1872–1898) باعتباره فنان الرسم الأول في بريطانيا على طراز فن الآرت نوفو. بدأت مسيرته المهنية برسوم توضيحية منقوشة لكتاب Le Morte d'Arthur، تلتها الرسوم التوضيحية الشهيرة بالأبيض والأسود لرواية Salome لأوسكار وايلد (1893)، والتي أكسبته شهرة كبيرة. وفي الوقت نفسه، بدأ في إنتاج نقوش للرسوم التوضيحية والملصقات لمجلة الفن الاستوديو، وهو مسعى ساهم في الترويج للفنانين الأوروبيين مثل فرناند خنوبف داخل بريطانيا. غالبًا ما كانت خطوطه المنحنية المميزة وزخارفه الزهرية المتقنة تحظى بقدر كبير من الاهتمام مثل النص المصاحب.

كان يوجين جراسيه (1845–1917)، وهو فنان سويسري-فرنسي، من بين المبدعين الرواد لملصقات الفن الحديث الفرنسي. وفي عام 1885، ساهم في تزيين ملهى "Le Chat noir" وأنتج ملصقاته الأولية لـ Fêtes de Paris. تشمل أعماله البارزة ملصقًا شهيرًا لسارة برنهاردت من عام 1890 ومجموعة متنوعة من الرسوم التوضيحية للكتب. كما قام مصممون فنانون بارزون آخرون، مثل جول شيريت، وجورج دي فيور، والرسام هنري دي تولوز لوتريك، بإنشاء ملصقات للمسارح الباريسية، والمقاهي، وقاعات الرقص، والملاهي. وصل الفنان التشيكي ألفونس موتشا (1860-1939) إلى باريس عام 1888، وحقق شهرة كبيرة في عام 1895 من خلال ملصق للممثلة سارة برنهاردت في مسرحية فيكتوريان ساردو جيسموندا. أدى النجاح الهائل لهذا الملصق إلى حصوله على عقد لستة إنتاجات إضافية من إنتاج برنهاردت. على مدى السنوات الأربع اللاحقة، تولى موتشا أيضًا تصميم الديكورات والأزياء وحتى المجوهرات للممثلة. من خلال الاستفادة من شعبية ملصقاته المسرحية، توسع موتشا في إنشاء إعلانات لمختلف المنتجات التجارية، من السجائر والصابون إلى البيرة والبسكويت، حيث أظهر باستمرار شخصية أنثوية مثالية مع صورة ظلية مميزة للساعة الرملية. كما قام بتطبيق جماليته الفريدة على تصميم منتجات متنوعة، بدءًا من المجوهرات وحتى علب البسكويت.

كان كولومان موسر (1868–1918) أكثر مصممي الرسومات والملصقات إنتاجًا في فيينا. كان مشاركًا نشطًا في حركة الانفصال إلى جانب غوستاف كليمت وجوزيف هوفمان، حيث ساهم بالرسوم التوضيحية والأغلفة لمجلة الحركة، Ver Sacrum، بالإضافة إلى إنشاء اللوحات والأثاث والفنون الزخرفية.

الرسم

شمل الفن الحديث أيضًا الرسم، على الرغم من أن العديد من الفنانين المرتبطين بالحركة يتم تصنيفهم في الغالب ضمن أنماط أخرى، ولا سيما ما بعد الانطباعية والرمزية. ومن المفارقة أن ألفونس موتشا، المشهور بملصقاته على طراز فن الآرت نوفو، وجد هذا الارتباط مزعجًا. أشار ابنه وكاتب سيرته الذاتية، جيري موتشا، إلى أن والده لم يكن يهتم كثيرًا بالفن الحديث، متسائلًا: "ما هو، الفن الحديث؟... لا يمكن للفن أن يكون جديدًا أبدًا." يكمن الفخر الفني الأساسي لموتشا في لوحاته التاريخية. عمله، سلافا، وهو صورة متأثرة بالفن الحديث لابنة راعيه بالزي السلافي، مستوحى من تصميمات ملصقاته المسرحية.

كانت مجموعة لي نابيس، وهي مجموعة من فناني ما بعد الانطباعية الذين نشطوا في باريس بين عامي 1888 و1900، من بين الرسامين الأكثر ارتباطًا بالفن الحديث. كان الهدف الرئيسي لهذه المجموعة هو تفكيك الفروق بين الفنون الجميلة والفنون الزخرفية. امتد إنتاجهم الفني إلى ما هو أبعد من اللوحات التقليدية ليشمل الشاشات والألواح الزخرفية. أثرت جماليات الطباعة اليابانية بشكل كبير على العديد من إبداعاتهم. ومن بين الأعضاء البارزين في Les Nabis بيير بونارد، وموريس دينيس، وبول رانسون، وإدوارد فويلارد، وكير-كزافييه روسيل، وفيليكس فالوتون، وبول سيروسييه.

كان غوستاف كليمت، رسام نمساوي، شخصية بارزة في رسم فن الآرت نوفو، وبشكل أكثر دقة، ممثل رئيسي لانفصال فيينا، وهي حركة حداثية. كان أسلوب كليمت الشخصي المميز والمزخرف واضحًا في لوحاته وجدارياته، كما تجلى أيضًا في الحرف اليدوية، والتي تجسدت في القطع المعروضة في معرض الانفصال في فيينا. كانت الأنثى العارية بمثابة مصدر إلهام متكرر ومهم لكليمت. يتميز فنه بإحساسه وجماليته الطبيعية والفردية والعضوية، مستوحى من الطبيعة ويحاكي نهج غاودي الزخرفي.

حافظ الرسامون الحداثيون الكاتالونيون، بما في ذلك رامون كاساس، وسانتياغو روسينول، وأليكس كلابيس، ويواكيم سونير، وهيرميجيلدو أنجلادا كاماراسا، وخوان برول، وريكارد كانالز، وخافيير جوزيه، وجوزيب ماريا سيرت، وميغيل أوتريلو، على علاقات قوية مع الطليعة الباريسية وتأثروا بشدة بأنطوني غاودي. كان مكان تجمعهم الأساسي هو حانة Els Quatre Gats. برز بابلو بيكاسو من هذه الدائرة الفنية.

كان لجريجوريو لوبيز ناجويل، وتيتو سيتاديني، وراؤول مازا، وهم فنانون أرجنتينيون وتلاميذ لأنجلادا كاماراسا، دور فعال في تقديم فن الآرت نوفو إلى أمريكا الجنوبية.

في بلجيكا، تابع فرناند خنوبف الرسم والتصميم الجرافيكي. تم دمج الجداريات الجدارية لغوستاف كليمت في مخطط جوزيف هوفمان الزخرفي لقصر ستوكليت، الذي تم تشييده بين عامي 1905 و1911. وتُعرف جدارية كليمت التي تزين غرفة الطعام في قصر ستوكليت بأنها تحفة فنية من أواخر فن الآرت نوفو.

ظهرت الراقصة الأمريكية لوي فولر بشكل ملحوظ كموضوع في كل من الرسم التقليدي وفن الآرت نوفو، الذي صوره الرسامون والملصقات الفرنسية والنمساوية. الفنانين.

اكتسبت Sgraffito، وهي تقنية من عصر النهضة تتضمن تطبيق طبقات من الجص الملون لإنشاء جداريات للواجهات، شعبية خاصة خلال فترة الفن الحديث، وخاصة في بروكسل. استخدم المهندس المعماري البلجيكي بول هانكار هذه التقنية بشكل خاص في المساكن التي صممها لأصدقائه الفنانين، بول كوشي وألبرت تشامبرلاني.

فن الزجاج

قدم فن الزجاج للفن الحديث سبلًا متنوعة ومبتكرة للتعبير. ركزت تجارب كبيرة، خاصة في فرنسا، على تحقيق تأثيرات جديدة للشفافية والتعتيم من خلال تقنيات مثل النقش المزخرف، والطبقات المزدوجة، والنقش الحمضي، مما سهل الإنتاج المتسلسل. برزت نانسي كمركز حاسم لصناعة الزجاج الفرنسية، حيث استضافت ورش عمل إميل جالي واستوديو داوم، بقيادة أوغست وأنتونين داوم. تعاونت هذه الاستوديوهات مع العديد من المصممين البارزين، بما في ذلك إرنست بوسيير، وهنري بيرجي (رسام)، وأمالريك والتر. لقد كانوا رائدين في طريقة القشرة الزجاجية التي تتضمن ضغط شظايا الزجاج الملون إلى قطع غير مكتملة. حدث تعاون متكرر مع مصمم الأثاث لويس ماجوريل، الذي يقع مقر إقامته وورش عمله أيضًا في نانسي. من السمات الأخرى للفن الحديث دمج النوافذ الزجاجية الملونة التي تتميز بزخارف نباتية في الصالونات السكنية، خاصة داخل منازل نانسي آرت نوفو. تم تصميم العديد من هذه النوافذ بواسطة جاك جروبر، الذي قام بتصميم قطع لفيلا ماجوريل وغيرها من العقارات.

في بلجيكا، كان المصنع البارز هو مصنع فال سانت لامبرت للزجاج، الذي أنتج مزهريات تتميز بزخارف عضوية وزهرية، وقد صمم العديد منها فيليب ولفرز. كان ولفرز معروفًا بشكل خاص بإبداعاته الزجاجية الرمزية، والتي غالبًا ما تتضمن زخارف معدنية. في بوهيميا، وهي منطقة داخل الإمبراطورية النمساوية المجرية تشتهر بإنتاج الكريستال، قامت الشركات J. & إل لوبمير وجوها. كان Loetz Witwe أيضًا رائدًا في أساليب التلوين الجديدة، مما أدى إلى الحصول على ألوان أكثر حيوية وكثافة. في ألمانيا، قاد كارل كوبينج الجهود التجريبية، حيث استخدم الزجاج المنفوخ لتصميم أواني زجاجية هشة للغاية على شكل زهرة، والتي تفسر هشاشتها الشديدة ندرتها في المجموعات المعاصرة.

في فيينا، كانت التصاميم الزجاجية لحركة الانفصال أكثر هندسية بشكل ملحوظ من نظيراتها الفرنسية أو البلجيكية؛ ميز أوتو بروتشر نفسه باعتباره مصمم الزجاج الأكثر انضباطًا في الحركة. في بريطانيا، أنتجت مارغريت ماكدونالد ماكينتوش العديد من تصميمات الزجاج الملون الزهرية للمعرض المعماري المعروف باسم بيت عاشق الفن.

في الولايات المتحدة، حقق لويس كومفورت تيفاني ومصمموه شهرة خاصة لمصابيحهم، التي تتميز بظلال زجاجية تم تجميعها بدقة من الزخارف الزهرية السائدة. برزت مصابيح تيفاني بعد المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893، حيث عرض تيفاني مصابيحه داخل كنيسة صغيرة مصممة على الطراز البيزنطي. أجرت تيفاني تجارب مكثفة على تقنيات تلوين الزجاج، وحصلت على براءة اختراع في عام 1894 لعملية زجاج فيفريل، والتي تضمنت دمج أكاسيد معدنية في الجزء الداخلي من الزجاج المنصهر لإضفاء لمسة نهائية متقزحة اللون. قامت ورش عمله بتصنيع سلاسل متعددة من مصابيح تيفاني، تتميز كل منها بأنماط زهرية مميزة، بالإضافة إلى النوافذ الزجاجية الملونة والشاشات والمزهريات والعديد من العناصر الزخرفية الأخرى. تم تقديم إبداعاته في البداية إلى ألمانيا، ثم تم استيرادها لاحقًا إلى فرنسا بواسطة سيغفريد بينج، وظهرت في النهاية كأحد المعالم الزخرفية المهمة في معرض عام 1900. تأسست شركة Steuben Glass، وهي منافس أمريكي لتيفاني، في عام 1903 في كورنينج، نيويورك، على يد فريدريك كاردر، الذي استخدم، على غرار تيفاني، عملية فيفريل لإنتاج أسطح قزحية الألوان. قام جون لا فارج، وهو فنان زجاج أمريكي بارز آخر، بصنع نوافذ زجاجية ملونة متقنة ونابضة بالحياة تشمل موضوعات دينية ومواضيع زخرفية بحتة.

الفن المعدني

الفن المعدني

كان المنظر المعماري فيوليت لو دوك في القرن التاسع عشر قد دافع عن عرض الأطر الحديدية للمباني الحديثة، بدلاً من إخفائها، لكن المهندسين المعماريين على طراز فن الآرت نوفو فيكتور هورتا وهيكتور جيمارد طوروا هذا المفهوم من خلال دمج الزخارف الحديدية التي تتميز بمنحنيات مشتقة من الزخارف النباتية والنباتية في كل من التصميمات الداخلية والخارجية لهياكلهم. وتجلت هذه العناصر في درابزين السلالم الداخلية، وتركيبات الإضاءة، وغيرها من التفاصيل المعقدة، بالإضافة إلى الشرفات الخارجية والزخارف المختلفة. أصبحت مثل هذه التطبيقات من السمات المميزة للتصميم المعماري على طراز فن الآرت نوفو. امتد بعد ذلك دمج الزخارف المعدنية مع الأشكال النباتية إلى الفضيات والمصابيح والأشياء الزخرفية الأخرى.

في الولايات المتحدة، ابتكر المصمم جورج جرانت إلمسلي تصميمات معقدة بشكل استثنائي من الحديد الزهر للدرابزينات وغيرها من الزخارف الداخلية داخل الهياكل التي صممها المهندس المعماري في شيكاغو لويس سوليفان.

بينما استخدم المصممون الفرنسيون والأمريكيون الزخارف النباتية والنباتية، استخدم جوزيف ماريا أولبريتش وفناني الانفصال الآخرين أباريق الشاي وغيرها من المصنوعات المعدنية بشكل جمالي أكثر هندسية وضبط النفس.

المجوهرات

تتميز مجوهرات فن الآرت نوفو بمنحنيات دقيقة وخطوط انسيابية. تتضمن التصاميم في كثير من الأحيان عناصر طبيعية مثل الزهور أو الحيوانات أو الطيور. شكل الشكل الأنثوي أيضًا فكرة شائعة، غالبًا ما يتم تصويرها على النقش. عادةً ما تتميز القطع بقلائد طويلة مكونة من اللؤلؤ أو سلاسل من الفضة الإسترليني، تتخللها خرزات زجاجية، أو تبلغ ذروتها في قلادة من الفضة أو الذهب، والتي غالبًا ما كانت تُصنع لتغليف حجر كريم واحد متعدد الأوجه مثل الجمشت أو الزبرجد أو السترين.

تتميز مجوهرات فن الآرت نوفو بدمجها الواسع النطاق للزخارف الرمزية المعقدة، مما يعكس ارتباط الحركة العميق بالموضوعات الطبيعية والأسطورية. تشمل الزخارف الرئيسية الأشكال الدقيقة لليعسوب والطاووس، مما يدل على التحول والجاذبية الجمالية، إلى جانب تمثيلات متقنة للنباتات، والتي تؤكد على العمليات الدورية والتطور في الطبيعة. غالبًا ما قدمت الحشرات المطلية بدقة، مثل الفراشات والجعارين، عنصرًا من التصوف، يرمز إلى التجديد والحماية. يصور الأسلوب أيضًا بشكل شائع شخصيات نسائية متعرجة، تنقل الشهوانية والارتباط الجوهري بالعالم الأرضي. علاوة على ذلك، فإن المزيد من الصور المنذرة بالخطر، بما في ذلك الثعابين والكيانات الأسطورية مثل ميدوسا والكيميرا، عملت على استحضار الأبعاد الأكثر غموضًا لكل من المجالين الطبيعي والأسطوري. إن تطبيق هذه الزخارف تجاوز مجرد الزخرفة. وكان كل منها مشبعًا بدلالات محددة، بما يتماشى مع المبدأ الأساسي للفن الحديث المتمثل في تجميع التعبير الفني والعناصر الطبيعية والرمزية الروحية.

لقد أحدث عصر الفن الحديث تحولًا كبيرًا في الأسلوب في قطاع المجوهرات، وكان الدافع الرئيسي وراء ذلك هو المؤسسات الباريسية البارزة. على مدى القرنين الماضيين، كان التركيز في المجوهرات الراقية في الغالب على صياغة إعدادات متقنة لعرض الماس. ومع ذلك، خلال فترة الفن الحديث، لعب الماس عادةً دورًا ثانويًا. اكتشف الجواهريون مجموعة واسعة من الأحجار الكريمة البديلة، مثل العقيق والعقيق والأوبال وحجر القمر والزبرجد والعديد من الأحجار شبه الكريمة الأخرى. وفي الوقت نفسه، اعتمدوا مجموعة متنوعة من التقنيات الجديدة، بما في ذلك طلاء المينا، ودمجوا مواد جديدة مثل القرن والزجاج المصبوب والعاج. وقد مكنت هذه الابتكارات من خلق أشكال عضوية وزخارف معقدة، مما يؤكد انحراف تلك الفترة عن جماليات المجوهرات التقليدية نحو تصاميم أكثر فنية وعاطفية. تم استخدام أساليب محددة، مثل طلاء المينا plique-à-jour، لإنتاج صفات شفافة تذكرنا بالزجاج الملون، وبالتالي تعزيز عمق وتألق إبداعاتهم.

من بين أوائل صائغي المجوهرات الباريسيين المتميزين الذين عملوا على طراز فن الآرت نوفو كان لويس أوكوك، الذي تأسست شركة عائلته في عام 1821. وأكمل رينيه لاليك، المصمم الأكثر شهرة في عصر الفن الحديث، تصميمه التدريب المهني في استوديو أوكوك بين عامي 1874 و1876. برزت لاليك كشخصية محورية في مجوهرات فن الآرت نوفو وفن الزجاج، حيث كانت تستمد الإلهام باستمرار من الأشكال الطبيعية، بدءًا من اليعسوب إلى الأعشاب. علاوة على ذلك، قام مصممون من خارج مجال المجوهرات التقليدية، مثل بول فولوت، المعروف في المقام الأول بتصميمات الأثاث، باستكشاف صناعة المجوهرات. ومن بين مصممي المجوهرات الفرنسيين البارزين الآخرين على طراز فن الآرت نوفو جول براتو وجورج هنري. في الولايات المتحدة، برز لويس كومفورت تيفاني باعتباره المصمم الأكثر شهرة، حيث عُرضت إبداعاته في مؤسسة سيغفريد بينج وفي معرض باريس عام 1900. كان لمعرض Siegfried Bing الباريسي، Maison de l'Art Nouveau، دورًا فعالًا في تطوير مجوهرات الفن الحديث. من خلال عرض القطع التي صممها صائغو المجوهرات الطليعيون مثل رينيه لاليك، وهنري فيفر، وإدوارد كولونا، ارتقى بينج بالمجوهرات بشكل كبير إلى عالم الفنون الجميلة وزاد الإعجاب العالمي بالجماليات.

في بريطانيا، قام أرشيبالد نوكس، وهو مصمم لشركة Liberty & شركة & كان Cymric شخصية رائدة في إنتاج عناصر متنوعة من فن الآرت نوفو، مثل أبازيم الحزام الفضي. قام C. R. Ashbee بإنشاء المعلقات على شكل الطاووس. كما قام مصمم غلاسكو متعدد الأوجه تشارلز ريني ماكينتوش بصياغة المجوهرات التي تتضمن الرمزية السلتية التقليدية. في ألمانيا، كانت مدينة بفورتسهايم بمثابة المركز الرئيسي لمجوهرات Jugendstil، حيث استضافت غالبية الشركات الألمانية، بما في ذلك شركة Theodor Fahrner. وسرعان ما أنتج هؤلاء المصنعون قطعًا لتلبية الطلب المتزايد على الأسلوب الجديد.

الهندسة المعمارية والزخرفة

ظهرت عمارة فن الآرت نوفو كحركة مضادة للأنماط الانتقائية السائدة في العمارة الأوروبية خلال النصف الأخير من القرن التاسع عشر. تم نقل طابعها المميز في المقام الأول من خلال الزخرفة، والتي يمكن أن تكون إما نباتية (مستوحاة من النباتات مثل الأشواك، والسوسن، وبخور مريم، وبساتين الفاكهة، وزنابق الماء) أو منحوتة. في حين تم دمج الوجوه البشرية، أو الماسكارون، كعناصر زخرفية، فإن تصوير الشخصيات البشرية في أشكال نحتية مختلفة، بما في ذلك التماثيل والنقوش، كان أيضًا سمة شائعة في بعض مظاهر الفن الحديث. قبل انفصال فيينا، وJugendstil، وغيرها من الأساليب الرومانسية الوطنية، أظهرت الواجهات عدم تناسق وزخرفة بلاط السيراميك متعدد الألوان في كثير من الأحيان. عادة ما تنقل هذه الزخرفة إحساسًا بالديناميكية، مما يؤدي إلى عدم وضوح التمييز بين العناصر الهيكلية والزخارف الزخرفية. استخدم الفن الحديث المبكر على نطاق واسع فكرة الشباك أو "الإصابة" المستمدة من أشكال النباتات والزهور. ومع ذلك، فإن التكرارات اللاحقة للأسلوب، مثل انفصال فيينا، اعتمدت مخططات زخرفية أكثر تجريدًا وتناسقًا، والتي تجسدت في قصر ستوكليت في بروكسل (1905-1911).

ظهر أسلوب الفن الحديث لأول مرة في بروكسل مع منزل هانكار لبول هانكار (1893) وفندق تاسيل (1892-1893) لفيكتور هورتا. قام هيكتور جيمارد، بعد زيارة فندق تاسيل، بتطبيق هذه الجمالية على مشروعه الافتتاحي المهم، كاستل بيرانجر (1897-1898). قام كل من هورتا وغيمارد بتوسيع تأثير تصميمهما ليشمل الأثاث والديكور الداخلي، حيث قاما بصياغة العناصر بدقة بدءًا من مقابض الأبواب وحتى السجاد. بحلول عام 1899، أدت شهرة Castel Béranger إلى تكليف Guimard بتصميم مداخل محطات مترو باريس الجديدة، والتي بدأت العمل في عام 1900. على الرغم من البقاء المحدود للهياكل الأصلية، أصبحت هذه المداخل رمزًا لحركة الفن الحديث في باريس.

في باريس، يمثل الطراز المعماري أيضًا خروجًا عن لوائح الواجهة الصارمة التي فرضها جورج يوجين هوسمان، المحافظ. باريس في عهد نابليون الثالث. دفع الترخيص بالنوافذ المقوسة في عام 1903 المهندسين المعماريين على طراز فن الآرت نوفو إلى تبني جمالية متعارضة، وخاصة في مساكن جول لافيروت، التي كانت بمثابة تركيبات نحتية موسعة مزينة بالكامل بالزخرفة. ظهرت مجموعة بارزة من منازل فن الآرت نوفو في نانسي بفرنسا، وتمركزت حول فيلا ماجوريل (1901–02)، وهي مسكن مصمم الأثاث لويس ماجوريل. صمم هنري سوفاج هذه الفيلا كمساحة عرض مخصصة لإبداعات أثاث ماجوريل.

تم تصنيف العديد من مباني الفن الحديث كمواقع للتراث الثقافي العالمي لليونسكو، إما كمكونات أساسية لمراكز المدن الخاصة بها (بما في ذلك برن، بودابست، لفيف، باريس، بورتو، براغ، ريغا، سانت بطرسبورغ، ستراسبورغ (نيوشتات)، وفيينا) أو كخصائص متميزة ومدرجة بشكل فردي.

• بلجيكا: تشمل المساهمات البارزة أعمال فيكتور هورتا (فندق تاسيل، وفندق سولفاي، وفندق فان إيتفيلد، وميزون، وأتيلير هورتا) وقصر ستوكليت لجوزيف هوفمان، وكلاهما يقع في بروكسل.
• إسبانيا: تشمل الأمثلة المهمة إبداعات Lluís Domènech i Montaner (Palau de la Música Catalana وHospital de Sant Pau في برشلونة) وأنتوني غاودي (Park Güell، Palau Güell، Sagrada Família، Casa Batlló، Casa Milá، Casa Vicens في برشلونة؛ Colònia غويل في سانتا كولوما دي سيرفيلو).

النحت

كان النحت بمثابة وسيلة تعبيرية إضافية لفناني الفن الحديث، حيث يتقاطع أحيانًا مع السيراميك. نال تمثال أغاثون ليونارد الخزفي، الراقص ذو الوشاح، استحسانًا في فئتي السيراميك والنحت في معرض باريس عام 1900. أنتج النحاتون من مختلف الدول أيضًا أعمالًا خزفية، بما في ذلك الفنانين البوهيميين ستانيسلاف سوشاردا ولاديسلاف سالون، والبلجيكي تشارلز فان دير ستابن، والكاتالوني لامبرت إسكالير، الذي صنع تماثيل الطين متعددة الألوان. قام أغوستي كيرول سوبيراتس، وهو نحات كاتالوني بارز في ذلك العصر، بإنشاء تماثيل تم تركيبها في جميع أنحاء إسبانيا والمكسيك والأرجنتين وكوبا.

يضم النحت المعماري كلا من التماثيل والنقوش. كثيرًا ما استوحى المهندسون المعماريون والنحاتون على طراز فن الآرت نوفو الإلهام من الزخارف الحيوانية، مثل الفراشات والطاووس والبجع والبوم والخفافيش والتنين والدببة. بالإضافة إلى ذلك، تم دمج عناصر مثل الأطلنطيين والكارياتيدات والبوتي والغرغول في تصميماتهم.

الأثاث

كان تصميم الأثاث خلال عصر الفن الحديث مرتبطًا بشكل جوهري بالنمط المعماري للهياكل، حيث قام المهندسون المعماريون في كثير من الأحيان بوضع تصور للأثاث والسجاد وتركيبات الإضاءة ومقابض الأبواب وعناصر الزينة الأخرى. كان هذا الأثاث عادةً معقدًا ومكلفًا، مما يستلزم تشطيبًا عالي الجودة، غالبًا ما يكون مصقولًا أو ملمعًا. وتميزت التصاميم القارية، على وجه الخصوص، بأشكالها المعقدة والمنحنية، مما ساهم في ارتفاع تكلفة إنتاجها. وكان العيب الكبير هو أن أصحاب المنازل لم يتمكنوا من تعديل أو تقديم الأثاث بأسلوب مختلف دون المساس بالتماسك الجمالي العام للغرفة. وبالتالي، مع انخفاض شعبية فن الآرت نوفو، تلاشى أيضًا طراز الأثاث المرتبط به إلى حد كبير.

كانت نانسي بمثابة المركز الرئيسي لتصميم وتصنيع الأثاث في فرنسا، حيث استضافت استوديوهات وورش عمل للمصممين البارزين إميل جالي ولويس ماجوريل. وكانت أيضًا الموقع التأسيسي لـ تحالف الصناعات الفنية (الذي عُرف فيما بعد باسم مدرسة نانسي) في عام 1901. وقد استمد كلا المصممين إلهامهما الهيكلي والزخرفي من الأشكال الطبيعية، بما في ذلك النباتات والحشرات مثل اليعسوب، وهو أحد أشكال الفن الحديث السائد. حصل جالي على تقدير خاص لأعماله المطعمة البارزة، والتي غالبًا ما تصور المناظر الطبيعية أو الموضوعات الشعرية. تميز ماجوريل بدمجه للأخشاب الغريبة والمكلفة، وبدمج المنحوتات البرونزية ذات الزخارف النباتية في قطع أثاثه. بينما استخدم كلا المصممين الآلات في مراحل التصنيع الأولية، فقد تم تشطيب جميع العناصر يدويًا. ومن بين مصممي الأثاث البارزين الآخرين المرتبطين بمدرسة نانسي يوجين فالين وإميل أندريه، وكلاهما مهندسين معماريين مدربين. تحمل تصميمات الأثاث الخاصة بهم تشابهًا مع تصميمات المصممين البلجيكيين مثل هورتا وفان دي فيلدي، والتي تتميز بالزخرفة المنخفضة والالتزام الوثيق بالأشكال المنحنية للنباتات والزهور.

ومن بين المصممين الفرنسيين البارزين الإضافيين هنري بيليري-ديسفونتين، الذي استوحى عمله من الأساليب القوطية الجديدة في فيوليت لو دوك. تعاون جورج دي فيور، ويوجين جيلارد، وإدوارد كولونا مع تاجر الأعمال الفنية سيغفريد بينج لتنشيط صناعة الأثاث الفرنسية من خلال موضوعات مبتكرة. وقد تم الاعتراف بإبداعاتهم بسبب "طبيعتها المجردة"، وهي مزيج متناغم من الخطوط المستقيمة والمنحنية، وتأثير الروكوكو الواضح. حصل أثاث De Feure، المعروض في جناح Bing، على ميدالية ذهبية في معرض باريس عام 1900. برز فرانسوا روبرت كارابين، النحات حسب المهنة، باعتباره المصمم الفرنسي الأكثر تميزًا وإبهارًا بصريًا. يضم أثاثه شخصيات أنثوية عارية منحوتة وحيوانات رمزية، وخاصة القطط، وبالتالي دمج عناصر الفن الحديث مع الرمزية. ومن بين مصممي الأثاث الباريسيين المؤثرين الآخرين تشارلز بلوميت وألكسندر شاربنتييه. بشكل أساسي، تمت إعادة تفسير المعجم والمنهجيات الراسخة لأثاث الروكوكو الفرنسي الكلاسيكي في القرن الثامن عشر ضمن هذا الإطار الأسلوبي الجديد.

في بلجيكا، قام فيكتور هورتا وهنري فان دي فيلدي، المهندسان المعماريان البارزان في حركة الفن الحديث، بإنشاء أثاث لمساكنهم، يتميز بأشكال منحنية ديناميكية وزخرفة بسيطة. قام المصمم البلجيكي غوستاف سيروريير-بوفي بدمج عناصر زخرفية إضافية باستخدام شرائط نحاسية في تكوينات منحنية. على العكس من ذلك، في هولندا، حيث تم تسمية الأسلوب Nieuwe Kunst أو الفن الجديد، اتبع H. P. Berlag وLion Cachet وTheodor Nieuwenhuis مسارًا متميزًا، يتماشى مع حركة الفنون والحرف الإنجليزية، التي فضلت المزيد من الأشكال الهندسية والعقلانية.

في بريطانيا، جسد أثاث تشارلز ريني ماكينتوش جمالية الفنون والحرف، التي تتميز بتقشفها وهندستها. الدقة والخطوط المستقيمة الممتدة والزوايا القائمة والحد الأدنى من الزخرفة. في المقابل، كانت التصميمات القارية أكثر زخرفة بكثير، وكثيرًا ما تستخدم أشكالًا منحنية في كل من الهيكل الأساسي للقطعة والزخارف الزخرفية المطبقة. أثاث Jugendstil الألماني، وخاصة أثاث Peter Behrens، اعتمد إلى حد كبير نهجًا عقلانيًا، ويتميز بخطوط هندسية مستقيمة وزخارف مطبقة على السطح. اختلف هدفهم بشكل كبير عن الفن الفرنسي الحديث، مع إعطاء الأولوية للبساطة الهيكلية والمادية لتسهيل إنتاج أثاث رخيص الثمن وسهل التصنيع بكميات كبيرة. وقد وجهت فلسفة مماثلة مصممي الأثاث في Wiener Werkstätte في فيينا، تحت قيادة أوتو فاغنر، وجوزيف هوفمان، وجوزيف ماريا أولبريتش، وكولومان موسر. كان هذا الأثاث هندسيًا ومزخرفًا بشكل بسيط، على الرغم من أن أسلوبه غالبًا ما يشير إلى سوابق تاريخية وطنية، ولا سيما أسلوب بيدرمير.

طور تصميم الأثاث الإيطالي والإسباني خصائص مميزة. في إيطاليا، ابتكر كارلو بوجاتي كرسي الحلزون الرائع، الذي يتميز بالخشب المزين بالرق المطلي والنحاس، لمعرض تورينو الدولي عام 1902. في الوقت نفسه، في إسبانيا، متأثرًا بأنطوني غاودي وحركة الحداثة، أنتج مصمم الأثاث غاسبر هومار قطعًا تدمج الأشكال الطبيعية مع عناصر من الأساليب الكاتالونية التقليدية.

في الولايات المتحدة، كان تصميم الأثاث في الغالب مستوحى من حركة الفنون والحرف اليدوية أو النماذج الأولية الأمريكية التاريخية، بدلاً من الفن الحديث. ومع ذلك، كان تشارلز رولفس من بوفالو، نيويورك، مصممًا بارزًا قام بدمج موضوعات فن الآرت نوفو. أظهرت تصميماته للأثاث الأمريكي المصنوع من خشب البلوط الأبيض تأثيرات من زخارف الفن السلتي والقوطي، مكملة بعناصر فن الآرت نوفو في الزخارف المعدنية.

السيراميك

يمثل فن الخزف، الذي يشمل الخزف، مجالًا مزدهرًا آخر لممارسي الفن الحديث، لا سيما داخل حركة صناعة الفخار الفنية الأوسع في الدول الناطقة باللغة الإنجليزية. شهد أواخر القرن التاسع عشر العديد من التطورات التكنولوجية في إنتاج السيراميك، ولا سيما ظهور السيراميك عالي الحرارة (grand feu) الذي يتميز بطبقة زجاجية متبلورة وغير لامعة. في الوقت نفسه، تم بنجاح إحياء العديد من التقنيات المفقودة سابقًا، مثل sang de boeuf glaze. استلهم سيراميك فن الآرت نوفو أيضًا من السيراميك الياباني والصيني التقليدي والمعاصر، والذي تناغمت زخارفه النباتية والزهرية بشكل فعال مع جمالية فن الآرت نوفو. وفي فرنسا، أعاد الفنانون أيضًا استكشاف تقنيات الخزف الحجري التقليدي (grés)، وأعادوا تفسيرها بتصميمات جديدة.

أنتج إميل جالي، المقيم في نانسي، قطعًا خزفية تتميز بألوان ترابية طبيعية وصور طبيعية للنباتات والحشرات. اكتسب السيراميك أيضًا تطبيقًا جديدًا مهمًا في الهندسة المعمارية. بدأ مهندسو فن الآرت نوفو، بما في ذلك جول لافيروت وهيكتور غويمارد، في تزيين واجهات المباني بالسيراميك المعماري، حيث تم تصنيع العديد منها من قبل شركة ألكسندر بيجو، مما أضفى جودة نحتية مميزة على طراز فن الآرت نوفو.

حافظ إرنست شابليت، وهو فنان خزف فرنسي رائد على طراز فن الآرت نوفو، على مسيرة مهنية متميزة في مجال صناعة الخزف على مدار ثلاثة عقود. في البداية، قام بصناعة الخزف الحجري المتأثر بالنماذج اليابانية والصينية. منذ عام 1886 فصاعدًا، تعاون مع الرسام بول غوغان في تصميمات الخزف الحجري التي تتضمن أشكالًا تطبيقية ومقابض متعددة وتشطيبات مطلية ومزججة جزئيًا. كما دخل في شراكة مع النحاتين فيليكس براكموند وجول دالو وأوغست رودان. حظيت إبداعاته بتقدير كبير في معرض عام 1900.

كان لمصنعي السيراميك الوطنيين البارزين حضور كبير في معرض باريس عام 1900، بما في ذلك المصنع الوطني في سيفر بالقرب من باريس؛ نيمفينبورج، مايسن، وفيليروي & بوش من ألمانيا؛ ودولتون من بريطانيا. ومن بين فناني الخزف الفرنسيين البارزين الآخرين تاكسيلي دوات، وبيير أدريان دالبايرات، وإدموند لاتشينال، وألبرت داموس، وأوغست ديلاهيرش.

في فرنسا، طمس سيراميك فن الآرت نوفو أحيانًا التمييز بالنحت. على سبيل المثال، حصل تمثال أجاثون ليونارد الخزفي الراقص ذو الوشاح، الذي تم إنتاجه لصالح شركة Manufacture nationale de Sèvres، على الأوسمة في كل من فئتي السيراميك والنحت في معرض باريس عام 1900.

تم إنشاء مصنع Zsolnay، الواقع في بيكس، المجر، في عام 1853 على يد ميكلوس زسولناي. (1800-1880). تحت قيادة ابنه، فيلموس زسولناي (1828–1900)، وكبير المصممين تادي سيكورسكي (1852–1940)، أنتج المصنع الخزف الحجري والمواد الخزفية الأخرى. في عام 1893، قدم زسولناي قطعًا من الخزف مصنوعة من الأيوسين. ساهم فيلموس زسولناي في دفع المصنع إلى الشهرة العالمية من خلال عرض منتجاته المبتكرة في المعارض العالمية، بما في ذلك المعرض العالمي لعام 1873 في فيينا والمعرض العالمي لعام 1878 في باريس، حيث حصل فيلموس زسولناي على الجائزة الكبرى. تم استخدام زخارف Zsolnay المعمارية المقاومة للصقيع على نطاق واسع في العديد من المباني، خاصة خلال فترة الفن الحديث.

يشكل بلاط السيراميك عنصرًا مميزًا في Arte Nova البرتغالية، مما يؤدي إلى توسيع تقاليد الأزوليجو الدائمة في البلاد.

الفسيفساء

تم استخدام الفسيفساء من قبل العديد من فناني فن الآرت نوفو عبر حركات مختلفة، لا سيما داخل الحداثة الكاتالونية، والتي تجسدت في هياكل مثل مستشفى دي سانت باو، وبالاو دي لا ميوزيكا كاتالانا، وكازا ليو موريرا. كان أنتوني غاودي رائداً في تقنية معالجة المواد الجديدة المعروفة باسم trencadís، والتي تضمنت استخدام قطع السيراميك المهملة.

يشكل بلاط مايوليكا الملون الذي يتميز بتصميمات نباتية سمة مميزة لبيت ماجوليكا لأوتو فاغنر في فيينا (1898) والمباني داخل مستعمرة أبرامتسيفو الروسية، وخاصة تلك التي صممها ميخائيل فروبيل.

المنسوجات وورق الحائط

كانت المنسوجات وورق الحائط بمثابة وسيلة مهمة للتعبير عن فن الآرت نوفو منذ بداية الأسلوب وكانت عنصرًا أساسيًا في التصميم الداخلي على طراز فن الآرت نوفو. في بريطانيا، كانت تصاميم المنسوجات التي صممها ويليام موريس فعالة في إطلاق حركة الفنون والحرف اليدوية، والتي أثرت لاحقًا على فن الآرت نوفو. تم إنشاء العديد من التصميمات لمتجر Liberty متعدد الأقسام في لندن، مما ساهم في انتشار هذا الأسلوب على نطاق واسع في جميع أنحاء أوروبا. على سبيل المثال، أنتج الاستوديو الفضي أنماطًا زهرية نابضة بالحياة ومنمقة. ظهرت تصميمات بارزة إضافية من مدرسة جلاسكو، وخاصة تلك التي صممتها مارغريت ماكدونالد ماكينتوش. كانت مدرسة جلاسكو رائدة في العديد من الزخارف المميزة، مثل البيض المنمق والأشكال الهندسية و"وردة جلاسكو" الشهيرة.

وفي فرنسا، قدم يوجين جراسيه مساهمة كبيرة، حيث نشر La Plante et ses apps Ornatales في عام 1896، والذي اقترح تصميمات على طراز فن الآرت نوفو مستمدة من نباتات مختلفة. تم تصميم وتصنيع العديد من الأنماط من قبل منتجي المنسوجات الفرنسيين البارزين في مولوز وليل وليون، وغالبًا ما يتم تنفيذها من قبل ورش عمل ألمانية وبلجيكية. تخصص المصمم الألماني هيرمان أوبريست في الزخارف الزهرية، ولا سيما بخور مريم وأسلوب "المصاب"، المشتق من سيقان الزهور، والتي أصبحت فيما بعد سمة بارزة للحركة. عرض البلجيكي هنري فان دي فيلدي قطعة نسيج La Veillée d'Anges في صالون La Libre Esthéthique في بروكسل، مستوحاة من رمزية بول غوغان والنابيس. في هولندا، كانت المنسوجات مستوحاة في كثير من الأحيان من أنماط الباتيك التي نشأت في مستعمرات جزر الهند الشرقية الهولندية. وبالمثل، أثر الفن الشعبي على إنتاج المفروشات والسجاد والتطريز والمنسوجات في أوروبا الوسطى والدول الاسكندنافية، وهو ما تجسد في أعمال جيرهارد مونتي وفريدا هانسن في النرويج. تم تقديم تصميم البجعات الخمس لأوتو إيكمان بأكثر من مائة شكل مختلف. قام المصمم المجري يانوس فاسزاري بدمج مكونات الفن الحديث مع الزخارف الفولكلورية.

المتاحف

تعرض أربع فئات من المتاحف تراث الفن الحديث:

• المتاحف العامة، وهي ليست مخصصة حصريًا للفن الحديث ولكنها تمتلك مجموعات كبيرة من الأعمال في هذا النمط. ملاحظة: معالم الفن الحديث مكتوبة بخط مائل.
• المتاحف المنزلية المخصصة لفناني الفن الحديث، باستثناء متحف ألفونس موتشا، جميعها تعتبر آثارًا مخصصة للفن الحديث.
• المتاحف التي تركز على حركات فن الآرت نوفو الإقليمية، والتي يتم الاعتراف بها جميعها على أنها آثار على طراز فن الآرت نوفو.
• هياكل أخرى على طراز فن الآرت نوفو تحمل صفة المتحف أو تضم متحفًا بداخلها. هذه ليست مخصصة لحركات فن الآرت نوفو المحلية المحددة أو لفنانين فرديين.

تفتقر العديد من المباني والهياكل الأخرى ذات طراز فن الآرت نوفو إلى صفة المتحف الرسمي، ومع ذلك يمكن الوصول إليها من خلال الجولات الرسمية المدفوعة أو المشاهدة المجانية غير الرسمية. تشمل الأمثلة محطات السكك الحديدية والكنائس والمقاهي والمطاعم والحانات والفنادق والمتاجر والمكاتب والمكتبات والمقابر والنوافير والعديد من المباني السكنية التي لا تزال مأهولة.

الأجيال القادمة

بعد عام 1911، بدأ الفن الحديث في التراجع، بعد أن تعرض لانتقادات بسبب "البذخ البدائي". خلال منتصف القرن العشرين (من ثلاثينيات إلى خمسينيات القرن العشرين)، تجاهل المؤرخون البارزون للهندسة المعمارية الأوروبية، بما في ذلك نيكولاس بيفسنر، وسيغفريد جيديون، وهنري راسل هيتشكوك، الفن الحديث إلى حد كبير. ونتيجة لذلك، حذفت الإصدارات المبكرة من كتاب بيفسنر عبقرية العمارة الأوروبية أي إشارة إلى هيكتور جويمارد أو أنتوني غاودي. ظهرت الأعمال العلمية الأولية الهامة التي تناولت الفن الحديث في أواخر الخمسينيات، ولا سيما من قبل جوني واتسر.

التأثير على آرت ديكو

كان فن الآرت نوفو بمثابة تأثير أساسي على آرت ديكو، وهو أسلوب تم تصوره حوالي عام 1910 من خلال الجهود التعاونية للعديد من المصممين الفرنسيين الذين يهدفون إلى إنشاء جمالية حديثة جديدة. نشأ هذا التأثير من تحدي الفن الحديث لهيمنة النهضة والانتقائية في القرن التاسع عشر، وبالتالي معارضة الاتفاقيات الأكاديمية الراسخة. من خلال مظاهره المتنوعة، كان الفن الحديث رائدًا في أنظمة الزينة الجديدة، التي لم تعد تعتمد على السوابق التاريخية، والتي شملت أشكال النباتات المنحنية في معظم أنحاء العالم، والزخرفة الهندسية في النمسا-المجر والمملكة المتحدة، وإعادة تفسير التقاليد الوطنية في بلدان شمال ووسط وشرق أوروبا. إن المساهمة المفاهيمية لفن الآرت نوفو، ولا سيما تركيزه على خلق نمط جديد بزخارف وأشكال مبتكرة، قد أثرت بشكل كبير في تطور آرت ديكو. بالإضافة إلى ذلك، تبنى آرت ديكو تركيز فن الآرت نوفو على الرفاهية المحلية.

يمكن أيضًا تمييز التفاصيل المعقدة والخطوط المتعرجة المميزة للفن الحديث، وإن كان ذلك في شكل مبسط إلى حد ما، ضمن هندسة آرت ديكو وتصميمه في عشرينيات القرن العشرين. وبالمثل، فإن الألوان المسطحة والخطوط العريضة المميزة التي شاعتها ملصقات فن الآرت نوفو تظهر بشكل متكرر في الرسوم التوضيحية لفن الآرت ديكو. على النقيض من العديد من تصميمات فن الآرت نوفو، حيث غالبًا ما تظهر الزخارف النباتية وكأنها تنمو عضويًا وتتحول عبر الأشياء أو العناصر المعمارية، فإن معظم أعمال آرت ديكو تعرض بنية تركيبية واضحة، تذكرنا بالكلاسيكية الجديدة.

وبخلاف المفاهيم المستمدة من الفن الحديث الفرنسي البلجيكي، تنبع التأثيرات أيضًا من الأنماط الهندسية والأشكال الحجمية السائدة في المملكة المتحدة وفيينا. الزهور واللوالب والمربعات التي لوحظت في هذه المناطق تحمل تشابهًا قويًا مع تلك الموجودة في آرت ديكو. حتى أن تشارلز ريني ماكينتوش، في أعماله اللاحقة، تنبأ بأشكال آرت ديكو. ومن بين الإبداعات الانفصالية، يستبق قصر ستوكليت في بروكسل هذا الطراز بشكل خاص، حيث يتميز بانتكاسات على شكل زقورة، وشق رأسي لنافذة الدرج، وجمالية عامة تتميز بالبساطة والزخرفة المقيدة.

الإحياء

شهدت الستينيات ظهور ما بعد الحداثة، وهي حركة قامت بفحص الحداثة بشكل نقدي - النموذج الفني السائد بعد الحرب العالمية الثانية - ودعت إلى دمج وإعادة تفسير العناصر الأسلوبية التاريخية في التصاميم المعاصرة. في حين أقيمت العديد من المعارض الدولية حول الفن الحديث في الخمسينيات من القرن العشرين، فقد اكتسبت النهضة الملحوظة زخمًا في الستينيات، وتكثفت في السبعينيات مع ظهور ما بعد الحداثة. قد يكون هذا الانبعاث، خارج المعارض، مرتبطًا أيضًا بجيل "قوة الزهور"، الذي حدد النغمة الثقافية للعصر، وحدد مُثُل حياته الخاصة من خلال الزخرفة الزهرية وموضوعات الفن المثيرة "المتحررة" السائدة في حوالي عام 1900.

كان الفن الحديث أيضًا بمثابة مصدر رئيسي للإلهام للعديد من ملصقات موسيقى الروك المخدرة من نفس الفترة. تضمنت الشخصيات البارزة في حركة الفن المخدر في الستينيات فناني الملصقات في سان فرانسيسكو مثل ريك غريفين، وفيكتور موسكوسو، وبوني ماكلين، وستانلي ماوس، وألتون كيلي، وويس ويلسون. على عكس لوحات الألوان الترابية النموذجية للفن الحديث، تتميز هذه الملصقات بألوان مشبعة للغاية ومتناقضة ونص منمق على نطاق واسع، وأحيانًا يصعب قراءته. ازدهر هذا النمط المميز تقريبًا من عام 1966 إلى عام 1972.

اليوم، يتم إعادة إنتاج لوحات غوستاف كليمت الشهيرة على نطاق واسع على العديد من الهدايا التذكارية التجارية، بما في ذلك الأكواب والأطباق والمناديل وسلاسل المفاتيح. تمت طباعة عمله القبلة بأحجام لا حصر لها وعلى مواد متنوعة. ملصقات ألفونس موتشا موجودة في كل مكان بالمثل في النسخ التجاري.

استوحى الرسام والمهندس المعماري النمساوي فريدنسرايش هوندرتفاسر إلهامًا كبيرًا من فن الآرت نوفو. كانت تأثيراته الإبداعية متنوعة، حيث شملت إيغون شيله، والفن الباروكي، والمنمنمات الفارسية، والزخرفة المنحنية المميزة للفن الحديث.

ملاحظات

قائمة المراجع

• بوني، آن، العمارة الحديثة، باريس، لاروس (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
• بوليون، جان بول (1985). مجلة الفن الحديث. باريس: سكيرا. رقم ISBN 2605000699.سيلاك، ماريانا؛ كارابيلا، أوكتافيان؛ ماركو لابادات، ماريوس (2017). الهندسة المعمارية في بوخارست - دليل مشروح. ترتيب المهندسين المعماريين في رومانيا. ISBN 9789730238846.كولوت, موريس; بيرلوت، آن ماري (2005). الفن الحديث في بروكسل (بالفرنسية). بروكسل: أرشيف العمارة الحديثة. رقم ISBN 2-87143-126-4.
• هيلر وستيفن وسيمور تشواست. نمط الرسوم من العصر الفيكتوري إلى الرقمي. طبعة جديدة. نيويورك: Harry N. Abrams, Inc., 2001، الصفحات من 53 إلى 57.
• هويجز، رينيه. الفن والعالم الحديث، المجلد الأول. مكتبة لاروس، باريس، 1970.
• جورنال، جيليميت موريل (2015). لو كوربوزييه- بناء الحياة الحديثة (بالفرنسية). طبعات التراث: مركز الآثار الوطنية. رقم ISBN 978-2-7577-0419-6.
• لاهور، جان (2007) [1901]. الفن الحديث (بالفرنسية). شركة بيزلين المحدودة. رقم ISBN 9781859956670.
• بلوم، جيل (2014). معماريات باريس في العصر الجميل (بالفرنسية). طبعات باريجرام. رقم ISBN 9782840968009.
• سارنيتز، أغسطس (2018). أوتو فاغنر (بالفرنسية). كولونيا: تاشن. رقم ISBN 9783836564328.
• سيمباخ، كلاوس يورغن (2013). الفن الحديث: يوتوبيا المصالحة (بالفرنسية). تاشين. رقم ISBN 9783822830055.
• ثييبو، فيليب (2018). موتشا ولا آرت نوفو (بالفرنسية). باريس: طبعات دو شين. رقم ISBN 9782812318061.

الفن الحديث. كتب جرانج، روتشستر، إنجلترا، 2007. ISBN 978-1-84013-790-3.

• كتب آرت نوفو جرانج، روتشستر، إنجلترا، 2007، رقم ISBN 978-1-84013-790-3.
• برومفيلد، ويليام كرافت. أصول الحداثة في العمارة الروسية. بيركلي: مطبعة جامعة كاليفورنيا، 1991. ISBN 0-520-06929-3.
• سيلفرمان، ديبورا إل. (1992). الفن الحديث في Fin-de-siècle فرنسا: السياسة وعلم النفس والأسلوب.
• فيل، شارلوت، وبيتر فيل (2005). تصميم القرن العشرين (طبعة الذكرى السنوية الخامسة والعشرين). كولن: تاشن، الصفحات 55–60. رقم ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
• الفن التزييني: Le Style Moderne, Revue Internationale. المحرر: هـ. لورينس (باريس)، 1903–04. المكتبة الوطنية الفرنسية (باللغة الفرنسية).
• النمط الحديث (الفن الحديث): Le Dictionnaire Pratique de Menuiserie – Ebénisterie – Charpente. بقلم ج. جاستن ستورك، طبعة 1900 (باللغة الفرنسية).
• جوس، جاريد (2014). آرت ديكو فرنسي. متحف متروبوليتان للفنون. رقم ISBN 9780300204308.
  • مصدر تعليمي للفن الحديث عن حركة الفن الحديث من المتحف الوطني للفنون في واشنطن العاصمة.
  • الطريق الأوروبي للفن الحديث، وهي جمعية غير ربحية تهدف إلى تعزيز وحماية تراث الفن الحديث على المستوى الدولي
  • المعرض الافتراضي الأوروبي للفن الحديث