Baroque

Der Barock, eine bedeutende westliche Kunstrichtung, umfasst Architektur, Musik, Tanz, Malerei, Skulptur, Poesie und verschiedene andere Kunstformen und blühte vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1750er Jahre. Seine Aussprache ist UK: bə-ROK, US: bə-ROHK und auf Französisch: [baʁɔk]. Dieser Stil entstand nach der Kunst der Renaissance und dem Manierismus und ging sowohl dem Rokoko (historisch als „Spätbarock“ bezeichnet) als auch der neoklassizistischen Ästhetik voraus. Die katholische Kirche förderte aktiv die Barockkunst als Strategie, um der wahrgenommenen Einfachheit und Strenge protestantischer künstlerischer Ausdrucksformen entgegenzuwirken. Allerdings entwickelte sich auch in bestimmten europäischen Regionen lutherische Barockkunst.

Der Barock (UK: bə-ROK, USA: bə-ROHK, Französisch: [baʁɔk]) ist ein westlicher Stil der Architektur, Musik, des Tanzes, der Malerei, der Skulptur, der Poesie und anderer Künste, der vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1750er Jahre florierte. Es folgte der Kunst der Renaissance und dem Manierismus und ging dem Rokoko (in der Vergangenheit oft als „Spätbarock“ bezeichnet) und dem Neoklassizismus voraus. Er wurde von der katholischen Kirche gefördert, um der Einfachheit und Strenge der protestantischen Architektur, Kunst und Musik entgegenzuwirken, obwohl sich die lutherische Barockkunst auch in Teilen Europas entwickelte.

Der Barockstil zeichnete sich durch die Verwendung von Kontrasten, dynamischer Bewegung, verschwenderischen Details, satten Farben, monumentaler Erhabenheit und unerwarteten Elementen aus und zielte darauf ab, tiefe Ehrfurcht hervorzurufen. Der zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Rom entstandene Stil verbreitete sich schnell in ganz Italien, Frankreich, Spanien und Portugal und gelangte anschließend nach Österreich, Süddeutschland, Polen und Russland. In den 1730er Jahren hatte sich daraus eine noch kunstvollere Ästhetik entwickelt, die als Rocaille oder Rokoko bekannt ist und in Frankreich und Mitteleuropa bis Mitte bis Ende des 18. Jahrhunderts vorherrschte. Im spanischen und portugiesischen Reich, einschließlich der Iberischen Halbinsel, blieb der Barockstil neben aufkommenden neuen Stilen bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts bestehen.

In der dekorativen Kunst zeichnet sich der Barockstil durch seine reichhaltige und aufwändige Verzierung aus. Während sich die Abweichung vom Renaissance-Klassizismus in verschiedenen Nationen auf einzigartige Weise manifestierte, war ein durchgängiges Merkmal die grundlegende Verwendung von Zierelementen, die während der Renaissance eingeführt wurden. Das klassische Repertoire wurde stark gedrängt, dicht, überlagert und überladen, um eine beeindruckende visuelle Wirkung zu erzielen. Zu den neuartigen Motiven, die im Barock eingeführt wurden, gehören Kartuschen, Trophäen und Waffen, Körbe mit Früchten oder Blumen sowie andere Elemente, die in Intarsien, Stuck oder Schnitzerei ausgeführt sind.

Etymologische Ursprünge

Der englische Begriff Barock leitet sich direkt aus dem Französischen ab. Einige Gelehrte gehen davon aus, dass das französische Wort vom portugiesischen Begriff barroco abstammt, der „eine fehlerhafte Perle“ bedeutet und möglicherweise mit dem lateinischen verruca („Warze“) oder einem Wort mit dem romanischen Suffix -ǒccu (vorwiegend im vorrömischen Iberien). Umgekehrt identifizieren andere wissenschaftliche Perspektiven einen mittelalterlichen lateinischen logischen Begriff, baroco, als wahrscheinlichste etymologische Quelle.

Im 16. Jahrhundert ging der mittelalterliche lateinische Begriff baroco über seine ursprüngliche Verwendung in der scholastischen Logik hinaus und wurde zur Beschreibung von allem verwendet, was als übermäßig kompliziert empfunden wurde. Der französische Philosoph Michel de Montaigne (1533–1592) trug maßgeblich zum Begriff Baroco bei (den er als Barroco), der die Konnotation von „bizarr“ oder „unnötig kompliziert“ erhält. Weitere frühe Referenzen verknüpfen Baroco mit Konzepten wie Magie, Komplexität, Unordnung und Extravaganz.

Vor dem 18. Jahrhundert wurde der Begriff Barock auch mit unregelmäßig geformten Perlen in Verbindung gebracht. Sowohl der französische Barock als auch der portugiesische Barroco wurden häufig im Zusammenhang mit Schmuck verwendet. Beispielsweise wurde der Begriff in einer Bestandsaufnahme der Schätze Karls V. von Frankreich aus dem Jahr 1531 zur Charakterisierung von Perlen verwendet. Anschließend tauchte das Wort in einer Ausgabe von Le Dictionnaire de l'Académie Française aus dem Jahr 1694 auf und definierte barock als „ausschließlich für Perlen verwendet, die unvollkommen rund sind“. In ähnlicher Weise beschreibt ein portugiesisches Wörterbuch aus dem Jahr 1728 Barroco als eine „grobe und unebene Perle“.

Eine alternative etymologische Hypothese für das Wort Barock legt seinen Ursprung im Namen des italienischen Malers Federico Barocci (1528–1612) nahe.

Im 18. Jahrhundert Jahrhundert begann man, den Begriff auf Musik anzuwenden, zunächst mit abwertender Konnotation. Eine anonyme satirische Rezension der Premiere von Jean-Philippe Rameauss Hippolyte et Aricie im Oktober 1733, veröffentlicht im Mercure de France im Mai 1734, vorgestellt ein Kritiker, der die Neuheit der Oper als „du barocque“ beschrieb. In der Kritik wurde behauptet, dass es der Musik an melodischer Kohärenz mangele, sie voller Dissonanzen sei, häufige Tonart- und Taktwechsel aufweise und schnell jede verfügbare Kompositionstechnik anwende.

Im Jahr 1762 dokumentierte Le Dictionnaire de l'Académie Française, dass der Begriff im übertragenen Sinne etwas „Unregelmäßiges, bizarr oder ungleich.“

Jean-Jacques Rousseau, ein Philosoph, Musiker und Komponist, formulierte 1768 in der Encyclopédie: „Barockmusik zeichnet sich durch verworrene Harmonien, reichliche Modulationen und Dissonanzen aus. Ihr Stimmvortrag ist hart und künstlich, die Intonation bereitet Schwierigkeiten und die Bewegung ist eingeschränkt. Dieser Begriff stammt anscheinend von „Baroco“, ein Wort, das von Logikern verwendet wird.“

Im Jahr 1788 lieferte Quatremère de Quincy eine Definition des Begriffs in der Encyclopédie Méthodique und beschrieb ihn als „einen architektonischen Stil, der durch umfangreiche Ornamentik und eine gequälte Atmosphäre gekennzeichnet ist.“ ästhetisch."

Die französischen Ausdrücke Stil barock und musique baroque wurden 1835 in Le Dictionnaire de l'Académie Française dokumentiert Mitte des 19. Jahrhunderts hatten Kunstkritiker und Historiker den Begriff Barock übernommen, um die Kunst der Nachrenaissance herabzusetzen. Diese abwertende Konnotation wurde 1855 durch den bekannten Kunsthistoriker Jacob Burckhardt deutlich, der behauptete, dass Barockkünstler „Details verachteten und missbrauchten“, weil es ihnen angeblich an „Respekt vor der Tradition“ mangelte.

Im Jahr 1888 veröffentlichte der Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin die erste bedeutende wissenschaftliche Abhandlung über diesen Stil mit dem Titel Renaissance und Barock. Diese Arbeit verdeutlichte die Unterschiede zwischen Malerei, Skulptur und Architektur aus der Renaissance und dem Barock.

Architektur: Ursprünge und Eigenschaften

Der als Barock bekannte Architekturstil entstand aus Lehren, die von der katholischen Kirche während des Konzils von Trient (1545–1563) aufgestellt wurden, das als Reaktion auf die protestantische Reformation einberufen wurde. Die erste Phase der Gegenreformation erforderte zunächst einen rigorosen, akademischen Ansatz für die religiöse Architektur, der bei Intellektuellen Anklang fand, die breitere Gemeinde jedoch nicht einbezog. Folglich entschied sich das Konzil von Trient für eine breitere Zielgruppe und verfügte, dass künstlerische Ausdrucksformen religiöse Erzählungen mit unmittelbarer und emotionaler Resonanz vermitteln sollten. Gleichzeitig entwickelte sich die lutherische Barockkunst als eindeutiges konfessionelles Erkennungsmerkmal und reagierte auf den Großen Bildersturm der Calvinisten.

Barocke Kirchenbauten verfügten über weitläufige Mittelschiffe, in denen die Gläubigen in der Nähe des Altars unter einer hohen Kuppel oder Kuppel untergebracht waren, die reichlich Licht in den Altarraum ließ. Die Kuppel stellte ein zentrales symbolisches Element in der barocken Architektur dar und symbolisierte die Konvergenz der himmlischen und irdischen Bereiche. Das Innere der Kuppel war aufwendig mit Darstellungen von Engeln und Heiligen sowie Engelsstatuetten aus Stuck geschmückt, wodurch für die Betrachter unten die Illusion entstand, direkt in den Himmel zu blicken. Ein weiteres Merkmal barocker Kirchen ist die Einbeziehung von quadratura: Trompe-l'œil-Deckengemälde, die oft in echte oder bemalte Stuckrahmen eingelassen sind, dicht mit Bildern von Heiligen und Engeln besetzt sind und in architektonische Elemente wie Balustraden und Konsolen integriert sind. Quadratura-Kompositionen mit Atlantes unter Gesimsen vermittelten den Eindruck, die Decke der Kirche zu stützen. Im Gegensatz zu Michelangelos Decken in der Sixtinischen Kapelle, die diskrete Szenen zeigten, jede mit ihrer individuellen Perspektive, die für eine sequentielle Betrachtung vorgesehen war, wurden barocke Deckengemälde sorgfältig ausgearbeitet, um sicherzustellen, dass ein Betrachter auf dem Kirchenboden die gesamte Decke in einer genauen Perspektive wahrnahm, als ob die abgebildeten Figuren eine greifbare Realität besäßen.

Während des Hochbarocks wurden die Innenräume barocker Kirchen zunehmend verziert, wobei der Schwerpunkt hauptsächlich auf dem Altar lag, der sich typischerweise unter der Kuppel befand. Zu den bekanntesten dekorativen Errungenschaften des Hochbarocks zählen der Stuhl des Heiligen Petrus (1647–1653) und der Baldachin des Petersdoms (1623–1634), beides Schöpfungen von Gian Lorenzo Bernini, die sich im Petersdom in Rom befinden. Der Baldachin des Petersdoms ist ein Beispiel für das Gleichgewicht der Kontraste in der barocken Ästhetik: Seine kolossale Größe steht im Kontrast zur wahrgenommenen Leichtigkeit des Baldachins, und die robusten, gedrehten Säulen aus Bronze, Gold und Marmor stehen im Gegensatz zu den fließenden Vorhängen der Engel, die den Baldachin schmücken. Die Dresdner Frauenkirche gilt als bemerkenswertes Beispiel lutherischer Barockkunst. Sie wurde 1743 unter der Schirmherrschaft des lutherischen Stadtrates von Dresden fertiggestellt und „von Beobachtern des 18. Jahrhunderts mit dem Petersdom in Rom verglichen“.

Die gedrehte Säule, die häufig in Kircheninterieurs integriert ist, stellt ein charakteristisches Merkmal des Barockstils dar. Dieses architektonische Element vermittelt sowohl ein dynamisches Bewegungsgefühl als auch eine innovative, dramatische Methode zur Lichtreflexion.

Kartuschen waren ein charakteristisches Element barocker Ornamentik. Diese massiven Tafeln, typischerweise aus Marmor oder Stein geschnitzt, waren oft oval und hatten eine konvexe Oberfläche. Sie waren mit vergoldeten Bildern oder Texten versehen und wurden strategisch als Innendekoration oder über Gebäudeeingängen positioniert, um den Betrachtern Botschaften zu übermitteln. Kartuschen zeigten eine beträchtliche künstlerische Vielfalt und tauchten in einem breiten Spektrum von Bauwerken auf, von großen Kathedralen und Palästen bis hin zu bescheidenen Kapellen.

Architekten des Barock nutzten gelegentlich eine erzwungene Perspektive, um optische Täuschungen zu erzeugen. Ein bemerkenswertes Beispiel ist Francesco Borrominis Entwurf für den Palazzo Spada in Rom, bei dem er immer kleinere Säulen, einen zusammenlaufenden Boden und eine Miniaturgartenstatue verwendete, um den Eindruck eines dreißig Meter langen Durchgangs zu erwecken, obwohl dieser nur sieben Meter lang ist. So erscheint eine am Ende des Durchgangs aufgestellte Statue mit einer Höhe von lediglich sechzig Zentimetern lebensgroß. Borromini entwickelte diese Illusion in Zusammenarbeit mit einem Mathematiker.

Italienischer Barock

Die 1584 in Rom fertiggestellte Kirche des Gesù wies die erste Barockfassade der Stadt auf. Obwohl es im Vergleich zu späteren Barockentwürfen bescheiden war, stellte es eine deutliche Abkehr von den vorangegangenen Renaissance-Architekturstilen dar. Das Innere der Kirche behielt bis zum Hochbarock eine strenge Ästhetik bei, als es umfangreiche und opulente Verzierungen erhielt.

Im Jahr 1605 leitete Paul V. einen päpstlichen Trend in Rom ein und ließ zahlreiche Basiliken und kirchliche Bauwerke in Auftrag geben, die durch eine Fülle von Formen, leuchtenden Farben und theatralischen Effekten tiefe Emotionen und Ehrfurcht hervorrufen sollten. Zu den wichtigsten Denkmälern des Frühbarocks gehörten die Fassade des Petersdoms (1606–1619) sowie das neu errichtete Kirchenschiff und die Loggia, die die Fassade mit Michelangelos bereits bestehender Kuppel verbanden. Dieses innovative Design schuf eine eindrucksvolle Gegenüberstellung zwischen der erhöhten Kuppel und der weitläufigen Fassade, die durch den Kontrast zwischen den dorischen Säulen und dem massiven Portikus an der Fassade selbst noch verstärkt wurde.

Der Barockstil erreichte seinen Höhepunkt in der Mitte bis zum Ende des 17. Jahrhunderts, einer Zeit, die später als Hochbarock bezeichnet wurde. Die Päpste Urban VIII. und Alexander VII. gaben in dieser Zeit zahlreiche monumentale Projekte in Auftrag. Gian Lorenzo Bernini, ein bekannter Bildhauer und Architekt, entwarf eine neue vierfache Kolonnade rund um den Petersplatz (1656–1667). Die drei Säulengalerien, die in einer riesigen Ellipse angeordnet sind, bilden einen visuellen Kontrapunkt zur riesigen Kuppel und verleihen der Kirche und dem Platz ein Gefühl von Zusammenhalt und die Erhabenheit eines kolossalen Theaters.

Francesco Borromini entwickelte sich zu einem weiteren wichtigen Erneuerer des italienischen Hochbarock. Sein wegweisendes Werk war die Kirche San Carlo alle Quattro Fontane (Heiliger Karl der vier Brunnen) (1634–1646). Die dynamische Qualität dieses Bauwerks beruht nicht auf seiner Verzierung, sondern auf der inhärenten Wellenform seiner Wände und dem Zusammenspiel von konkaven und konvexen Formen, insbesondere einem ovalen Turm und einem Balkon, die in einen konkaven Abschnitt integriert sind. Der Innenraum erwies sich als ebenso bahnbrechend und verfügte über einen ovalen Hauptraum, der von einer ovalen Kuppel überragt wurde.

Aufwändig bemalte Decken, dicht bevölkert mit Engeln, Heiligen und architektonischen Trompe-l'œil-Illusionen, stellten ein wesentliches Merkmal des italienischen Hochbarock dar. Prominente Beispiele sind Andrea Pozzos „Der Einzug des Heiligen Ignatius ins Paradies“ (1685–1695) in der Kirche Sant’Ignazio in Rom und Giovanni Battista Gaullis „Der Triumph des Namens Jesu“ (1669–1683) in der Kirche des Gesù in Rom, in dem vor allem Figuren dargestellt wurden, die scheinbar über den Rahmen hinausragten, neben dramatischer Schrägbeleuchtung und grellem Licht Hell-Dunkel-Kontraste.

Der Barockstil verbreitete sich von Rom aus schnell in anderen italienischen Regionen. In Venedig manifestierte es sich in Baldassare Longhenas Santa Maria della Salute (1631–1687), einem außergewöhnlich innovativen achteckigen Bauwerk mit einer kolossalen Kuppel. Auch Turin übernahm den Stil, insbesondere in der Grabtuchkapelle von Guarino Guarini (1668–1694). Darüber hinaus begann die barocke Ästhetik die Palastarchitektur zu beeinflussen; Guarini entwarf den Palazzo Carignano in Turin, während Longhena das Ca' Rezzonico am Canal Grande (1657) entwarf, das Giorgio Massari später vollendete und mit Gemälden von Giovanni Battista Tiepolo schmückte. Nach einer Reihe verheerender Erdbeben in Sizilien mussten viele Bauwerke wieder aufgebaut werden, einige davon wurden im opulenten Spätbarock- oder Rokokostil wieder aufgebaut.

Spanisches Barock

Die katholische Kirche in Spanien, insbesondere der Jesuitenorden, war der wichtigste Impulsgeber für die spanische Barockarchitektur. Die Kapelle San Isidro in Madrid, die 1643 von Pedro de la Torre initiiert wurde, gilt als das erste bedeutende Werk in diesem Stil. Es zeigte einen auffälligen Kontrast zwischen einer außergewöhnlich reichen Außenverzierung und einem Innenraum, der sich durch Einfachheit, segmentierte Räume und strategische Lichteffekte auszeichnete, die ein Gefühl des Mysteriums hervorrufen sollten. Die Kathedrale von Santiago de Compostela erfuhr ab dem späten 17. Jahrhundert eine barocke Modernisierung, beginnend mit einem kunstvollen Glockenturm (1680). Dieser wurde später von zwei noch höheren und kunstvolleren Türmen flankiert, die als Obradorio bekannt sind und zwischen 1738 und 1750 von Fernando de Casas Novoa erbaut wurden. Ein weiteres prominentes Beispiel des spanischen Barocks ist der von Leonardo de Figueroa entworfene Kapellenturm des Palastes von San Telmo in Sevilla.

Granada, das im 15. Jahrhundert von den Mauren zurückerobert wurde, entwickelte seine eigene, unverwechselbare Variante der Barockarchitektur. Der Künstler Alonso Cano, ein erfahrener Maler, Bildhauer und Architekt, war zwischen 1652 und seinem Untergang im Jahr 1657 für die Gestaltung des barocken Innenraums der Kathedrale von Granada verantwortlich. Dieser Innenraum zeichnet sich durch sein dramatisches Zusammenspiel aus massiven weißen Säulen und opulenten Goldverzierungen aus.

Die aufwendigste und prächtigste dekorierte Form der spanischen Barockarchitektur wird als Churrigueresque-Stil bezeichnet, benannt nach den Churriguera-Brüdern, deren Auftraggeber Die Arbeiten wurden in Salamanca und Madrid ausgeführt. Zu ihren Beiträgen gehören die Gebäude rund um Salamancas Hauptplatz, die Plaza Mayor (1729). Dieser äußerst ornamentale Barockstil übte erheblichen Einfluss auf zahlreiche von den Spaniern in Amerika errichtete Kirchen und Kathedralen aus.

Andere bedeutende spanische Barockarchitekten der Spätzeit sind Pedro de Ribera, ein Schüler von Churriguera, der das Real Hospicio de San Fernando in Madrid entwarf. Narciso Tomé ist auch dafür bekannt, dass er das berühmte Altarbild „El Transparente“ in der Kathedrale von Toledo (1729–1732) geschaffen hat, das unter bestimmten Lichtbedingungen die Illusion einer Aufwärtsbewegung erzeugt.

Der Einfluss spanischer Barockarchitekten reichte weit über Spanien hinaus und hatte tiefgreifenden Einfluss auf die Gestaltung von Kirchen, die in den spanischen Kolonien in ganz Lateinamerika und auf den Philippinen errichtet wurden. Ein Paradebeispiel ist die von den Jesuiten für das Kolleg San Francisco Javier in Tepotzotlán erbaute Kirche, die sich durch ihre reich verzierte Barockfassade und ihren Turm auszeichnet.

Niederländischer Barock

Die niederländische Barockarchitektur stellt eine einzigartige und zurückhaltende Interpretation des umfassenderen Barockstils dar, der stark vom kulturellen, religiösen und politischen Umfeld der niederländischen Republik im 17. Jahrhundert geprägt ist. Im Gegensatz zur überschwänglichen und theatralischen Barockarchitektur, die in katholischen Regionen wie Italien und Spanien vorherrscht, legte die niederländische Manifestation Wert auf Nüchternheit, Ausgeglichenheit und Klarheit. Diese Mäßigung spiegelte die protestantischen Werte der Republik und das pragmatische Ethos einer wohlhabenden Handelsgesellschaft wider, die Funktionalität und ästhetische Form gleichermaßen schätzte.

Statt dramatischer Kurven und verschwenderischer Verzierungen zeichnet sich die niederländische Barockarchitektur durch Symmetrie, die Einhaltung klassischer Proportionen und eine umsichtige Verwendung dekorativer Elemente aus. Beeinflusst vom Klassizismus der Renaissance und den Werken von Architekten wie Jacob van Campen und Pieter Post weisen Bauwerke häufig geordnete Fassaden, Pilaster, Giebel und präzise bemessene Verzierungen auf. Als vorherrschendes Baumaterial diente Ziegel, oft ergänzt durch Natursteinakzente, wodurch sowohl die strukturelle Haltbarkeit als auch die optische Zurückhaltung verstärkt wurden. Bürgerhäuser, Rathäuser und Privathäuser sind Beispiele für diesen Stil, wobei der Königspalast von Amsterdam als eines seiner symbolträchtigsten Denkmäler gilt.

Letztendlich verkörpert die niederländische Barockarchitektur einen ausgeprägten nationalen Ausdruck des Barockgeistes, bei dem Würde Vorrang vor Theatralik und Harmonie vor Extravaganz hat. Es zeigt, wie eine internationale Kunstbewegung an lokale Traditionen und Werte angepasst werden kann, was zu einem Stil führt, der sowohl eindeutig barock als auch einzigartig niederländisch ist.

Mitteleuropa

Zwischen 1680 und 1750 wurden in Mitteleuropa, das Österreich, Böhmen und Südwestpolen umfasste, zahlreiche reich verzierte Kathedralen, Abteien und Wallfahrtskirchen gebaut. Einige dieser Bauwerke übernahmen den Rokoko-Stil, eine ausgeprägte, extravagantere und asymmetrischere Ästhetik, die aus dem Barock hervorging und ihn in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Mitteleuropa verdrängte, bevor sie vom Klassizismus abgelöst wurde.

Die Herrscher der zahlreichen Staaten in dieser Region bevorzugten auch Barock- oder Rokoko-Stile für ihre Paläste und Residenzen und beauftragten häufig in Italien ausgebildete Architekten mit deren Bau.

Die St.-Nikolaus-Kirche (Malá Strana) in Prag, die zwischen 1704 und 1755 von Christoph Dientzenhofer und seinem Sohn Kilian Ignaz Dientzenhofer erbaut wurde, ist ein Beispiel für diesen Stil. Die Innenwände sind reich verziert. Der Altar befindet sich im Kirchenschiff unter der zentralen Kuppel und ist von Kapellen umgeben, deren Beleuchtung sowohl von der Kuppel als auch von den umliegenden Kapellen herabfällt. Dieser Altar wird von einer komplexen Anordnung aus Bögen, Säulen, geschwungenen Balustraden und Pilastern aus farbigem Stein eingerahmt, die alle aufwendig mit Statuen verziert sind. Dieses komplizierte Design verwischt absichtlich die Unterscheidung zwischen strukturellen Elementen und dekorativen Merkmalen und verwandelt den architektonischen Raum in ein dynamisches Spektakel aus Licht, Farbe und Bewegung.

In Polen erstreckte sich die italienisch beeinflusste polnische Barockzeit vom frühen 17. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts und zeichnete sich durch eine Betonung aufwendiger Details und lebendiger Farben aus. Die von Giovanni Battista Trevano entworfene Kirche der Heiligen Peter und Paul in Krakau gilt als das erste Barockgebäude im heutigen Polen und hat nach wie vor einen hohen Wiedererkennungswert. Die 1644 errichtete Sigismundsäule in Warschau gilt als weltweit erstes weltliches Barockdenkmal in Säulenform. Der palastartige Wohnstil fand seinen Inbegriff im Wilanów-Palast, der zwischen 1677 und 1696 erbaut wurde. Der bedeutendste in Polen tätige Barockarchitekt war der Niederländer Tylman van Gameren, zu dessen bedeutenden Beiträgen die Warschauer St.-Kazimierz-Kirche und der Krasiński-Palast, die St.-Anna-Kirche in Krakau und der Branicki-Palast in Białystok gehören. Dennoch wird die Posener Fara-Kirche mit Details von Pompeo Ferrari oft als das berühmteste Beispiel des polnischen Barocks angesehen. Nach dem Dreißigjährigen Krieg und im Einklang mit dem Westfälischen Frieden wurden zwei markante barocke Flechtwerkbauten errichtet: die Friedenskirche in Jawor und die Friedenskirche der Heiligen Dreifaltigkeit in Schweidnitz, die zusammen die größten hölzernen Barockkirchen Europas darstellen.

Barockarchitektur in Deutschland

Im Heiligen Römischen Reich versuchten zahlreiche Staaten auf dem Gebiet des heutigen Deutschlands ihr Ansehen durch prachtvolle Barockbauten zu behaupten. Zu den prominenten Architekten dieser Epoche gehörten Johann Bernhard Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt und Dominikus Zimmermann in Bayern, Balthasar Neumann in Brühl und Matthäus Daniel Pöppelmann in Dresden. In Preußen ließ sich Friedrich II. vom Großen Trianon im Schloss Versailles inspirieren und übernahm es als architektonischen Vorbild für seine Sommerresidenz Sanssouci in Potsdam, die von Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747) entworfen wurde. Ein weiteres bedeutendes Beispiel barocker Palastarchitektur ist der Zwinger in Dresden, der im 18. Jahrhundert als ehemalige Orangerie für das Schloss der Kurfürsten von Sachsen diente.

Die Basilika Vierzehnheiligen, auch Basilika der Vierzehnheiligen genannt, ist ein Paradebeispiel für die Kirchenarchitektur des Rokoko. Diese Wallfahrtskirche liegt in der Nähe von Bad Staffelstein, in der Nähe von Bamberg, in Bayern, Süddeutschland. Der von Balthasar Neumann entworfene und zwischen 1743 und 1772 erbaute Grundriss besteht aus einer Folge ineinandergreifender Kreise, die ein zentrales Oval umgeben, wobei der Altar genau im Kern der Kirche positioniert ist. Die Innenausstattung dieser Basilika stellt den Höhepunkt der dekorativen Kunst des Rokoko dar. Ein weiteres bedeutendes Beispiel dieses Stils ist die Wieskirche, die von den Brüdern J. B. und Dominikus Zimmermann entworfen wurde. Das im Alpenvorland in der Gemeinde Steingaden im bayerischen Landkreis Weilheim-Schongau gelegene Gotteshaus wurde von 1745 bis 1754 erbaut. Der Innenraum wurde in Anlehnung an die Tradition der Wessobrunner Schule mit Fresken und Stuckarbeiten geschmückt. Diese Stätte ist jetzt als UNESCO-Weltkulturerbe anerkannt.

Französische Barockarchitektur

Die französische Barockarchitektur entwickelte sich deutlich von den kunstvolleren und dramatischeren regionalen barocken Erscheinungsformen in Italien, Spanien und anderen Teilen Europas. Es zeichnete sich durch eine vergleichsweise strenge, distanzierte und zurückhaltende Ästhetik aus und war ein Vorbote des Neoklassizismus und der architektonischen Prinzipien der Aufklärung. Im Gegensatz zu italienischen Bauwerken fehlen französischen Barockgebäuden insbesondere gebrochene Giebel oder krummlinige Fassaden. Sogar religiöse Konstruktionen verzichteten auf die intensive räumliche Dynamik, die für Borrominis Werk charakteristisch ist. Dieser Stil ist eng mit Projekten verbunden, die von Ludwig XIV. (reg. 1643–1715) in Auftrag gegeben wurden, was zu seiner alternativen Bezeichnung als Ludwig-XIV.-Stil führte. Obwohl Ludwig

Prominente Architekten dieses Stils waren François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (verantwortlich für die Kirche von Val-de-Grâce, 1645–1665) und Louis Le Vau (Designer von Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart war der erste Architekt, der barocke Elemente in das französische Architekturvokabular integrierte, insbesondere durch die häufige Anwendung einer angewandten Ordnung und starken Rustikalität. Obwohl er das Mansarddach nicht erfunden hat, führte seine weit verbreitete Verwendung bei Mansart dazu, dass es mit seinem Namen in Verbindung gebracht wurde.

Ein bedeutendes königliches Vorhaben dieser Zeit war die Erweiterung des Schlosses von Versailles, die 1661 von Le Vau initiiert wurde und deren Innenausstattung vom Maler Charles Le Brun überwacht wurde. André Le Nôtre hat die Gärten sorgfältig entworfen, um die architektonische Pracht zu ergänzen und zu unterstreichen. Das zentrale Element, die Galerie des Glaces (Spiegelsaal), geschmückt mit Gemälden von Le Brun, wurde zwischen 1678 und 1686 erbaut. Mansart vollendete das Grand Trianon 1687 und die von Robert de Cotte entworfene Kapelle wurde 1710 fertiggestellt. Nach dem Tod Ludwigs XIV. ließ Ludwig XV. das intimere Petit Trianon und ein aufwändiges Theater errichten. Die Gartenbrunnen wurden strategisch platziert, um vom Inneren des Palastes aus einen atemberaubenden Ausblick zu bieten. Versailles diente als Vorbild für andere europäische Monarchen, insbesondere Peter den Großen von Russland, der nach einem Besuch während der frühen Regierungszeit Ludwigs XV. von 1705 bis 1725 ein ähnliches Anwesen, Schloss Peterhof, in der Nähe von Sankt Petersburg errichtete.

Portugiesischer Barock

Die Barockarchitektur in Portugal erstreckte sich über etwa zwei Jahrhunderte und umfasste das späte 17. und das gesamte 18. Jahrhundert. Während der Regierungszeit von Johannes V. und Joseph I., einer Zeit, die vom königlichen Absolutismus geprägt war, lieferten erhöhte Importe von Gold und Diamanten die finanziellen Mittel für das Aufblühen des portugiesischen Barocks.

Die portugiesische Barockarchitektur zeichnet sich durch ihren einzigartigen historischen Kontext und eine deutliche chronologische Entwicklung im Vergleich zu anderen europäischen Erscheinungsformen aus.

Diese Besonderheit ist durch das Zusammentreffen politischer, künstlerischer und wirtschaftlicher Faktoren geprägt, die mehrere Phasen hervorbrachten und unterschiedliche äußere Einflüsse integrierten. Die daraus resultierende einzigartige Mischung wird von Beobachtern, die Parallelen zum italienischen Barock suchen, oft falsch interpretiert, da sie spezifische Formen und Merkmale aufweist, die ihre einzigartige portugiesische Identität definieren. Ein wesentlicher Beitrag dazu ist die jesuitische Architekturtradition, auch bekannt als „einfacher Stil“ (Estilo Chão oder Estilo Plano), die sich, wie der Name schon sagt, durch eine einfachere, etwas strenge Ästhetik auszeichnet.

Diese Bauwerke bestehen typischerweise aus einräumigen Basiliken, einer tiefen Hauptkapelle und Seitenkapellen, die mit kleinen Verbindungstüren ausgestattet sind. Zunächst ohne Innen- und Außenverzierungen, weisen sie ein einfaches Portal und Fenster auf. Dieses praktische Design ermöglichte weit verbreitete Bauten im ganzen Reich mit minimalen Änderungen und ermöglichte eine spätere Dekoration, sobald wirtschaftliche Ressourcen verfügbar wurden.

Tatsächlich litt die Anfangsphase des portugiesischen Barocks nicht unter einem Mangel an Bauwerken, da sich der „schlichte Stil“ leicht für Veränderungen eignete. Durch den Einsatz dekorativer Elemente wie Malerei und Fliesen könnten diese schmucklosen Räume in kunstvolle, opulente Barockumgebungen umgewandelt werden, ein Prinzip, das auch im Außenbereich anwendbar ist. Diese inhärente Anpassungsfähigkeit ermöglichte eine einfache Anpassung an sich verändernde Geschmäcker und regionale Vorlieben, erleichterte das Hinzufügen neuer Merkmale und Details und erwies sich somit als sowohl praktisch als auch wirtschaftlich.

Die nördlichen Regionen, insbesondere Porto und Braga, profitierten von der wachsenden Bevölkerung und dem gestiegenen wirtschaftlichen Wohlstand und erlebten einen bedeutenden architektonischen Aufschwung. Diese Erneuerung zeigt sich im umfangreichen Bau von Kirchen, Klöstern und Adelspalästen.

Porto gilt als zentrales Zentrum der Barockarchitektur in Portugal, dessen historischer Kern zum UNESCO-Weltkulturerbe gehört.

Zahlreiche Barockbauten im historischen Viertel von Porto und in den umliegenden Gebieten werden Nicolau Nasoni zugeschrieben, einem in Portugal lebenden italienischen Architekten. Nasoni entwarf markante Gebäude mit dramatischen, szenografischen Platzierungen, darunter die Kirche und den Turm von Clérigos, die Loggia der Kathedrale von Porto, die Kirche von Misericórdia, den Palast von São João Novo, den Palast von Freixo und den Bischofspalast (portugiesisch: Paço Episcopal do Porto) und viele andere.

Russischer Barock

Die Entstehung des russischen Barocks, auch Petrinischer Barock genannt, wurde direkt von Peter dem Großen beeinflusst. Nach seiner Rückkehr nach Russland beschloss er, vergleichbare Gebäude in St. Petersburg zu errichten, das 1712 zur neuen russischen Hauptstadt erklärt wurde. Zu den prominenten frühen Beispielen petrinischer Barockarchitektur zählen die Peter-und-Paul-Kathedrale und der Menschikow-Palast.

Während der Herrschaft von Anna und Elisabeth wurde die russische Architektur überwiegend vom opulenten Barockstil des in Italien geborenen Francesco Bartolomeo Rastrelli geprägt, der sich später zum elisabethanischen Barock entwickelte. Zu Rastrellis bemerkenswerten architektonischen Errungenschaften zählen der Winterpalast, der Katharinenpalast und die Smolny-Kathedrale. Weitere herausragende Beispiele des elisabethanischen Barocks sind der Glockenturm der Troitse-Sergiyeva Lavra und das Rote Tor.

In Moskau erlangte der Naryschkin-Barockstil große Bedeutung, insbesondere bei der Gestaltung ostorthodoxer Kirchen im späten 17. Jahrhundert. Dieser unverwechselbare Stil stellte eine Synthese der westeuropäischen Barockästhetik mit traditionellen russischen Volksarchitekturelementen dar.

Barockarchitektur im spanischen und portugiesischen Kolonialamerika

Die Kolonisierung Amerikas durch europäische Mächte erleichterte die natürliche Übertragung des Barockstils in die Neue Welt, wo er in Regionen unter spanischer und portugiesischer Herrschaft besonders fruchtbaren Boden fand. Beide Nationen waren zentralisierte, streng katholische Monarchien, die von Natur aus mit Rom verbündet waren und Befürworter der barocken Gegenreformation waren. Europäische Künstler wanderten nach Amerika aus, gründeten Kunstschulen und förderten neben der großen Präsenz erfahrener katholischer Missionare einen vielfältigen barocken Ausdruck, der häufig vom Volksgeschmack beeinflusst war. Criollo und indigene Kunsthandwerker trugen maßgeblich dazu bei, diesem amerikanischen Barock einzigartige Merkmale zu verleihen. Zu den wichtigsten dauerhaften Zentren der amerikanischen Barockentwicklung gehören der Reihe nach Mexiko, Peru, Brasilien, Kuba, Ecuador, Kolumbien, Bolivien, Guatemala, Nicaragua, Puerto Rico und Panama.

Von besonderer Bedeutung ist der „missionarische Barock“, der im Rahmen der spanischen Reduktionen entstand – indigene Siedlungen, die von spanischen katholischen Missionaren organisiert wurden – in einem riesigen Gebiet, das von Mexiko und dem Südwesten der Vereinigten Staaten bis nach Argentinien und Chile reichte. Diese Kürzungen zielten darauf ab, die indigene Bevölkerung zum Christentum zu bekehren und sie in die westliche Kultur zu integrieren, was zu einem hybriden Barockstil führte, der von einheimischen Traditionen beeinflusst wurde. Dieses Umfeld förderte die Talente zahlreicher Criollo- und indigener Handwerker und Musiker, von denen einige lesen und schreiben konnten und über beträchtliche Fähigkeiten verfügten. Missionsberichte beschreiben häufig die tiefgreifende, fast hypnotische Wirkung westlicher Kunst, insbesondere Musik, auf Waldbewohner, und den Bildern von Heiligen wurde oft eine große Macht zugeschrieben. Viele Eingeborene konvertierten, was zur Entwicklung einer neuen, äußerst leidenschaftlichen Form der Frömmigkeit führte, die von Mystik, Aberglauben und Theatralik geprägt war und sich in aufwändigen festlichen Messen, heiligen Konzerten und religiösen Mysterien manifestierte.

Die koloniale Barockarchitektur im spanischen Amerika zeichnet sich durch ihre üppige Verzierung aus, wie zum Beispiel das Portal der Kirche La Profesa in Mexiko-Stadt und die mit Azulejos im Puebla-Stil geschmückten Fassaden, wie in zu sehen ist die Kirche San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula und die Klosterkirche San Francisco in Puebla. Dieser dekorative Überschwang verstärkte sich im churrigueresken Stil, was in der Fassade des Tabernakels der Kathedrale von Mexiko-Stadt von Lorenzo Rodríguez, der Kirche San Francisco Javier in Tepotzotlán und der Kirche Santa Prisca de Taxco deutlich wird. In Peru entwickelten sich die Bauten ab 1650 vor allem in Lima, Cusco, Arequipa und Trujillo und zeigten Originalmerkmale, die bereits vor dem europäischen Barock existierten, wie etwa die Verwendung von gepolsterten Wänden und salomonischen Säulen, wie sie in der Iglesia de la Compañía de Jesús in Cusco und in der Basilika und dem Kloster San Francisco in Lima zu sehen sind. Weitere bemerkenswerte Beispiele in der gesamten Region sind die Kathedrale von Sucre in Bolivien, die Kathedrale von Esquipulas in Guatemala, die Kathedrale von Tegucigalpa in Honduras, die Kathedrale von León in Nicaragua, die Kirche La Compañía de Jesús in Quito, Ecuador, die Kirche San Ignacio in Bogotá, Kolumbien, die Kathedrale von Caracas in Venezuela, das Cabildo von Buenos Aires in Argentinien, die Kirche Santo Domingo in Santiago, Chile und die Kathedrale von Havanna in Kuba. Auch die außergewöhnliche Qualität der Kirchen innerhalb der spanischen Jesuitenmissionen in Bolivien, der spanischen Jesuitenmissionen in Paraguay, der spanischen Missionen in Mexiko und der spanischen Franziskanermissionen in Kalifornien verdient Anerkennung.

Der architektonische Stil in Brasilien, der den seiner Metropolmacht Portugal widerspiegelt, weist einen deutlichen italienischen Einfluss auf, der oft durch borromineske Elemente gekennzeichnet ist. Bemerkenswerte Beispiele sind die Konkathedrale von Recife (1784) und die Kirche Nossa Senhora da Glória do Outeiro in Rio de Janeiro (1739). In der Region Minas Gerais sind die architektonischen Beiträge von Aleijadinho besonders bedeutsam. Er umfasst eine Reihe von Kirchen, die sich durch ihre geschwungenen Grundrisse, Fassaden mit dynamischen konkav-konvexen Effekten und einen skulpturalen Ansatz bei allen architektonischen Komponenten auszeichnen (z. B. die Kirche São Francisco de Assis, Ouro Preto, 1765–1788).

Barockarchitektur im spanischen und portugiesischen Kolonialasien

In den portugiesischen Kolonien in Indien, insbesondere in Goa, Daman und Diu, entstand ein unverwechselbarer Architekturstil, der barocke Formen mit indigenen hinduistischen Elementen vermischte. Prominente Beispiele sind die Se-Kathedrale und die Basilika Bom Jesus in Goa, wobei letztere die Ruhestätte des Heiligen Franz Xaver ist. Das Gesamtensemble aus Kirchen und Klöstern in Goa wurde 1986 von der UNESCO zum Weltkulturerbe erklärt.

Die Philippinen sind seit mehr als drei Jahrhunderten eine spanische Kolonie und verfügen über zahlreiche barocke Bauwerke. Vier davon gehören neben der barocken und neoklassizistischen Stadt Vigan zum UNESCO-Weltkulturerbe. Darüber hinaus verfügen sowohl die Walled City of Manila als auch die Stadt Tayabas über eine umfangreiche Sammlung spanischer Barockarchitektur, auch wenn es keine formale Klassifizierung gibt.

Barockeinflüsse in der Walachei und Moldawien

Der aus Italien stammende Barock ist im Grunde ein westlicher Kunststil. Seine Einflüsse erstreckten sich bis nach Osteuropa, insbesondere nach Moldawien und der Walachei auf der Balkanhalbinsel, hauptsächlich durch italienischen Handels- und Kulturaustausch. Diese Einflüsse waren jedoch im Allgemeinen moderat und manifestierten sich überwiegend in der Architektur und in Steinmetzornamenten und wurden häufig mit Elementen aus der byzantinischen und islamischen Kunst integriert.

Vor und nach dem Zusammenbruch des Byzantinischen Reiches war das künstlerische Schaffen der Walachei und Moldawiens überwiegend von Einflüssen aus Konstantinopel geprägt. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts behielten Kirchen- und Klosterpläne, Wandgemälde und geschnitzte Steinornamente mit minimalen Änderungen weitgehend ihre traditionellen Formen bei. Mit der Herrschaft von Matei Basarab (1632–1654) und Vasile Lupu (1634–1653) begann jedoch eine Zeit des Wandels, die mit der zunehmenden Beliebtheit des italienischen Barocks zusammenfiel. In dieser Zeit wurden neue Zierelemente integriert und der Stil der religiösen Einrichtung entwickelte sich erheblich weiter. Diese Verschiebung war kein Zufall; Dekorationsprinzipien und -motive wurden aus Italien über Venedig oder die dalmatinischen Regionen eingeführt und anschließend von lokalen Architekten und Handwerkern übernommen. Elemente wie Fenster- und Türrahmen, die Widmungssäule, Grabsteine, Säulen, Geländer und bestimmte Möbel aus Bronze, Silber oder Holz spielten eine wichtigere ästhetische Rolle als zuvor. Während diese Elemente in der byzantinischen Tradition existierten, nahmen sie nun ein realistischeres Aussehen an und zeigten oft zarte Blumenmotive. Reliefarbeiten, ebenfalls ein bereits vorhandenes Merkmal, wurden ausgeprägter und zeigten größeres Volumen und Konsistenz. Früher bestanden Reliefs in der Walachei und Moldawien, ähnlich denen im weiteren Osten, typischerweise nur aus zwei flachen Ebenen: eine an der Oberfläche und eine andere leicht vertieft. Große Blumenmuster, möglicherweise Rosen, Pfingstrosen oder Disteln, zusammen mit dicken Akanthusblättern oder ähnlichen Blättern, wurden aufwendig um Säulen oder gerahmte Türen und Fenster gedreht. Insbesondere Säulen und Geländer zeigten einen starken barocken Einfluss. Die Kapitelle wurden aufwändiger mit Blattwerk verziert. Säulen waren häufig mit verdrehten Schäften versehen, was eine lokalisierte Interpretation der salomonischen Säule darstellte. Zwischen diesen Säulen wurden maximalistische Geländer angebracht, die oft mit Rinceaux verziert waren. Einige Beispiele aus dem Mogoșoaia-Palast enthalten auch Delfinmotive. Gelegentlich wurden Kartuschen verwendet, vor allem auf Grabsteinen wie dem von Constantin Brâncoveanu. Diese Architektur- und Designrichtung wird als Brâncovenesc-Stil bezeichnet, benannt nach Constantin Brâncoveanu, einem walachischen Herrscher, dessen Herrschaft (1654–1714) eng mit ihrer Entwicklung verbunden ist. Der Stil blieb durch das 18. Jahrhundert und bis in Teile des 19. Jahrhunderts bestehen, wobei viele Kirchen und Wohnhäuser, die in dieser Zeit von Bojaren und Woiwoden erbaut wurden, Brâncovenesc-Merkmale aufwiesen. Trotz deutlicher barocker Einflüsse lässt sich der Brâncovenesc-Stil wesentlich mehr von indigenen Traditionen inspirieren.

Im Laufe des 18. Jahrhunderts, während der Herrschaft der Phanarioten (ausgeübt durch prominente griechische Familien aus Phanar, Istanbul) in der Walachei und Moldawien, kamen auch barocke Einflüsse aus Istanbul. Während diese Einflüsse bereits im 17. Jahrhundert auftraten, erleichterte die Phanariot-Zeit die Übertragung eher westlicher Barockmotive, die, nachdem sie das Osmanische Reich erreicht hatten, anschließend ihren Weg in die Gebiete des heutigen Rumäniens fanden. Darüber hinaus erhielt Moldawien barocke Elemente aus Russland, einer Region, die maßgeblich von italienischen Kunsttraditionen geprägt ist.

Malerei

Barockmaler grenzten sich bewusst von den Künstlern der Renaissance und des darauffolgenden Manierismus ab. Ihre Palette bestand aus intensiven, warmen Farbtönen, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf den Primärfarben Rot, Blau und Gelb lag, die oft eng nebeneinander standen. Sie verzichteten auf die einheitliche Beleuchtung, die für die Malerei der Renaissance charakteristisch ist, und verwendeten stattdessen starke Hell-Dunkel-Kontraste, um zentrale Handlungen oder Figuren hervorzuheben. Kompositorisch wichen sie von den heiteren Darstellungen der Renaissance ab und setzten stattdessen auf Momente erhöhter Bewegung und dramatischer Intensität. Im Gegensatz zu den ruhigen Gesichtern, die in der Kunst der Renaissance vorherrschen, vermittelten barocke Porträts emotionale Zustände anschaulich. Häufig wurde Asymmetrie eingesetzt, um die Aktion außermittig zu positionieren und diagonale Achsen statt vertikaler oder horizontaler Achsen festzulegen, wodurch ein Gefühl von Instabilität und Dynamik vermittelt wurde. Diese Bewegungswahrnehmung wurde durch die Darstellung von Figuren mit windgepeitschten Gewändern oder dynamischen Gesten noch verstärkt. Der kumulative Effekt war eine tiefgreifende Bewegung, Emotion und Dramatik. Die Allegorie war ein weiterer grundlegender Aspekt der Barockmalerei. Jedes Werk vermittelte eine Erzählung und eine Botschaft, häufig verschlüsselt durch Symbole und allegorische Figuren, die ein informierter Betrachter entschlüsseln sollte.

Die ersten Manifestationen italienischer Barockkonzepte in der Malerei entstanden in Bologna, wo Annibale, Agostino und Ludovico Carracci versuchten, die bildende Kunst innerhalb des strukturierten Klassizismus der Renaissance wiederherzustellen. Dennoch enthielten ihre künstlerischen Werke auch Kernprinzipien der Gegenreformation, insbesondere intensive Emotionen und religiöse Ikonographie, die eher auf Gefühle als auf reinen Intellekt abzielten.

Michelangelo Merisi da Caravaggio gilt als ein weiterer äußerst einflussreicher Maler des Barock. Seine veristische Darstellung der menschlichen Form, direkt anhand lebender Modelle wiedergegeben und vor einem düsteren Hintergrund dramatisch beleuchtet, überraschte seine Zeitgenossen und leitete eine neue Phase in der Entwicklung der Malerei ein. Weitere prominente Künstler, die eng mit dem Barockstil verbunden sind, sind Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo und Paolo de Matteis in Italien; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo und Diego Velázquez in Spanien; Adam Elsheimer in Deutschland; und Nicolas Poussin, Simon Vouet, Georges de La Tour und Claude Lorrain in Frankreich (obwohl Poussin und Lorrain den Großteil ihrer Karriere in Italien verbrachten). Poussin und de La Tour vertraten jedoch eine „klassische“ Barockästhetik, die durch eine geringere Betonung der Emotionen und einen stärkeren Fokus auf die Linearität der Figuren statt auf die Farbe gekennzeichnet war.

Peter Paul Rubens entwickelte sich zum herausragenden Maler des flämischen Barockstils. Rubens' äußerst dynamische Kompositionen spielten häufig auf gelehrte Aspekte der klassischen und christlichen Geschichte an. Sein unverwechselbarer und weithin gefeierter Barockstil betonte Bewegung, Farbe und Sinnlichkeit und stand im Einklang mit den unmittelbaren und dramatischen künstlerischen Grundsätzen der Gegenreformation. Rubens spezialisierte sich auf die Schaffung von Altarbildern, Porträts, Landschaften und historischen Gemälden mit mythologischen und allegorischen Themen.

Ein bedeutendes Genre innerhalb der Barockmalerei war Quadratura oder Trompe-l'œil, eine Technik, die wörtlich übersetzt „täuscht das Auge“ bedeutet. Diese Kunstwerke wurden typischerweise auf den Stuckoberflächen von Decken, oberen Wänden und Balustraden ausgeführt und erzeugten für den Betrachter unten die Illusion, auf himmlische Bereiche zu blicken, die von Engeln, Heiligen und anderen göttlichen Figuren bevölkert sind, alles vor simulierten Himmeln und architektonischen Fantasien.

Im Italien des 17. Jahrhunderts arbeiteten Künstler häufig mit Architekten an Innenarchitekturprojekten zusammen. Pietro da Cortona verkörperte diesen Trend, indem er sich illusionistischer Maltechniken bediente. Zu seinen bemerkenswertesten Aufträgen gehörten die Fresken für den Palazzo Barberini (1633–39), die das Papsttum von Urban VIII. preisen sollten. Diese Kompositionen von Pietro da Cortona stellten die umfangreichsten dekorativen Fresken dar, die in Rom seit Michelangelos Arbeit in der Sixtinischen Kapelle ausgeführt wurden.

François Boucher entwickelte sich zu einer herausragenden Figur im raffinierteren französischen Rokoko-Stil, der sich im Spätbarock entwickelte. Über seine Gemälde hinaus umfassten Bouchers künstlerische Beiträge die Gestaltung von Wandteppichen, Teppichen und Theaterdekorationen. Sein Werk erhielt große Anerkennung von Madame de Pompadour, der Geliebten von König Ludwig XV. Bouchers Gemälde beschäftigten sich häufig mit mythologischen, romantischen und subtil erotischen Themen.

Hispanisches Amerika

Im hispanischen Amerika gingen frühe künstlerische Einflüsse vom sevillanischen Tenebrismus aus, insbesondere von Zurbarán, dessen Werke noch in Mexiko und Peru erhalten sind. Dieser Einfluss zeigt sich in den Kreationen der mexikanischen Künstler José Juárez und Sebastián López de Arteaga sowie des Bolivianers Melchor Pérez de Holguín. Die Malschule von Cusco entstand nach der Ankunft des italienischen Malers Bernardo Bitti im Jahr 1583, der den Manierismus auf dem amerikanischen Kontinent einführte. Zu den bemerkenswerten Künstlern dieser Schule gehört Luis de Riaño, ein Schüler des Italieners Angelino Medoro und Schöpfer der Wandgemälde in der Kirche San Pedro in Andahuaylillas. Hervorzuheben waren auch die indigenen (Quechua-)Maler Diego Quispe Tito und Basilio Santa Cruz Pumacallao sowie Marcos Zapata, der fünfzig große Leinwände schuf, die die hohen Bögen der Kathedrale von Cusco schmückten. In Ecuador entwickelte sich die Quito-Schule, die vor allem durch den Mestizen Miguel de Santiago und den Criollo Nicolás Javier de Goríbar repräsentiert wurde.

Im 18. Jahrhundert wichen skulpturale Altarbilder in Amerika zunehmend der Malerei, was die Barockmalerei in der Region erheblich voranbrachte. Gleichzeitig nahm die Nachfrage nach weltlichen Aufträgen zu, insbesondere nach Porträts der Aristokratie und kirchlicher Persönlichkeiten. Der vorherrschende künstlerische Einfluss war murillesk, obwohl in bestimmten Fällen, wie zum Beispiel beim Criollo Cristóbal de Villalpando, auch der Stil von Juan de Valdés Leal offensichtlich war. Gemälde aus dieser Zeit zeichnen sich durch eine sentimentalere Qualität mit weicheren Formen und einer süßeren Farbpalette aus. Zu den wichtigsten Vertretern zählen Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos in Kolumbien sowie Juan Rodríguez Juárez und Miguel Cabrera in Mexiko.

Skulptur

Gian Lorenzo Bernini gilt als die herausragende Figur der Barockskulptur. Unter der Schirmherrschaft von Papst Urban VIII. schuf Bernini eine außergewöhnliche Serie monumentaler Statuen, die Heilige und andere Figuren darstellen und sich durch ihren lebendigen emotionalen Ausdruck durch Gesichtszüge und Gesten auszeichnen. Zu seinem Oeuvre gehören auch bemerkenswert realistische Porträtbüsten und aufwendige Dekorationsarbeiten für den Vatikan, wie zum Beispiel der imposante Stuhl des Heiligen Petrus, der sich unter der Kuppel des Petersdoms befindet. Darüber hinaus konzipierte und entwarf Bernini Brunnen mit monumentalen Skulpturengruppen, die die Hauptplätze Roms schmücken.

Barocke Skulpturen ließen sich maßgeblich von antiken römischen Statuen inspirieren, insbesondere von dem berühmten Werk Laokoon und seine Söhne aus dem 1. Jahrhundert n. Chr., das 1506 entdeckt und anschließend in der vatikanischen Galerie ausgestellt wurde. Während seiner Rede im Jahr 1665 erzählte er berühmt: „Als ich Probleme mit meiner ersten Statue hatte, befragte ich den Antinoos wie ein Orakel.“ Diese spezielle Antinous-Statue wird heute als Hermes des Museo Pio-Clementino identifiziert.

Prominente spätfranzösische Barockbildhauer waren Étienne Maurice Falconet und Jean Baptiste Pigalle. Pigalle erhielt von Friedrich dem Großen den Auftrag, Statuen für Sanssouci in Potsdam, Deutschland, Friedrichs Adaption von Versailles, zu schaffen. Falconet übernahm auch einen bedeutenden internationalen Auftrag und fertigte die berühmte Bronze-Reiter-Statue von Peter dem Großen in St. Petersburg an.

In Spanien widmete der Bildhauer Francisco Salzillo seine Arbeiten ausschließlich religiösen Themen und verwendete dazu polychromes Holz. Aus den vergoldeten Stuckaltären in den Kirchen der spanischen Kolonien in der Neuen Welt, die von indigenen Kunsthandwerkern gefertigt wurden, sind einige der erlesensten barocken Bildhauerkunstwerke hervorgegangen. Ein bemerkenswertes Beispiel ist die Kapelle del Rosario in Puebla, Mexiko, die zwischen 1724 und 1731 fertiggestellt wurde.

Möbel

Zu den prominenten dekorativen Motiven gehörten Füllhörner, Girlanden, Putten, Löwenköpfe, die Metallringe greifen, mit Girlanden gerahmte Frauengesichter, ovale Kartuschen, Akanthusblätter, klassische Säulen, Karyatiden, Giebel und andere Elemente der klassischen Architektur, die oft auf Möbel gemeißelt wurden. Weitere Verzierungen waren Körbe voller Früchte oder Blumen, Muscheln, Rüstungen und Trophäen, Darstellungen von Apollo- oder Bacchusköpfen sowie C-förmige Voluten.

Zu Beginn der Regierungszeit Ludwigs Nach 1680 entstand eine ausgesprochen originelle und raffinierte Ästhetik, die größtenteils dem Möbeldesigner André-Charles Boulle zuzuschreiben war und gelegentlich als Boulle-Werk bezeichnet wird. Dieser Stil basierte auf der Einlage von Ebenholz und anderen exotischen Hölzern, einer Technik, die ihren Ursprung im Florenz des 15. Jahrhunderts hatte und die Boulle und seine Zeitgenossen im Dienste Ludwigs XIV. akribisch verfeinerten und weiterentwickelten. Möbelstücke wurden mit eingelegten Plaketten aus Ebenholz, Kupfer und verschiedenen polychromatischen exotischen Hölzern verziert.

In dieser Ära wurden mehrere neuartige und oft dauerhafte Möbeltypologien eingeführt. Die Kommode mit zwei bis vier Schubladen löste die traditionelle Truhe ab. Das Canapé oder Sofa entstand als zusammengesetzte Form, die typischerweise zwei oder drei Sessel kombinierte. Es entstanden auch neuartige Sesselentwürfe, insbesondere der fauteuil en Confessionale oder „Beichtstuhl“, der sich durch gepolsterte Kissen auf beiden Seiten der Rückenlehne auszeichnet. Außerdem wurde der Konsolentisch vorgestellt, der speziell für die Aufstellung an einer Wand konzipiert wurde. Darüber hinaus stellte der table à gibier, ein Tisch mit Marmorplatte zum Servieren von Speisen, eine weitere Innovation dar. Es entstanden auch erste Iterationen des Schreibtisches; Der Mazarin-Schreibtisch beispielsweise verfügte über einen vertieften Mittelteil zwischen zwei Schubladensäulen, die jeweils auf vier Füßen ruhten.

Musik

Die Bezeichnung Barock bezeichnet in ähnlicher Weise einen Musikstil, der in einer Zeit vorherrschte, die mit der der Barockkunst einherging. Zunächst wurde der Begriff „Barock“ in einem kritischen Kontext auf Musik angewendet. Eine anonyme, satirische Kritik an der Premiere von Jean-Philippe Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733, die im Mai 1734 im Mercure de France veröffentlicht wurde, legte nahe, dass die Neuheit der Oper „du barocque“ sei. Der Kritiker beklagte das vermeintliche Fehlen einer kohärenten Melodie, die Fülle an unaufhörlichen Dissonanzen, die häufigen Tonart- und Taktwechsel und den schnellen Einsatz verschiedener Kompositionstechniken. Jean-Jacques Rousseau, ein angesehener Musiker, Komponist und Philosoph, formulierte 1768 in Denis Diderots berühmter Encyclopédie eine vergleichbare Einschätzung: „Barockmusik zeichnet sich durch verwirrte Harmonien aus, die mit Modulationen und Dissonanzen beladen sind. Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation ist anspruchsvoll und die Bewegung ist eingeschränkt. Es scheint, dass dieser Begriff von dem Wort „baroco“ abgeleitet ist, das von verwendet wird Logiker."

Die weit verbreitete Anwendung dieses Begriffs in der Musik dieser Zeit begann erst 1919 und wurde Curt Sachs zugeschrieben, und seine erste englische Verwendung in einem veröffentlichten Artikel erfolgte 1940 von Manfred Bukofzer.

Das Barockzeitalter stellte eine Zeit bedeutender musikalischer Experimente und Innovationen dar, die für den umfangreichen Einsatz von Ornamenten und Improvisationen durch Musiker verantwortlich war. Es wurden neuartige Formen wie das Konzert und die Sinfonia konzipiert. Die Oper entstand im späten 16. Jahrhundert in Italien, ein Beispiel hierfür ist Jacopo Peris weitgehend verlorenes Werk „Dafne“, das 1598 in Florenz uraufgeführt und anschließend in ganz Europa verbreitet wurde. Ludwig XIV. gründete insbesondere die erste Königliche Musikakademie. Im Jahr 1669 eröffnete der Dichter Pierre Perrin in Paris eine Opernakademie, die zum ersten öffentlichen Opernhaus Frankreichs wurde, und brachte Pomone zur Uraufführung. Dieses von Robert Cambert komponierte Werk war die erste große Oper in französischer Sprache mit fünf Akten, einer komplizierten Bühnentechnik und einem Ballett. Prominente Komponisten wie Heinrich Schütz in Deutschland, Jean-Baptiste Lully in Frankreich und Henry Purcell in England trugen maßgeblich zur Festigung ihrer jeweiligen nationalen Musiktraditionen im 17. Jahrhundert bei.

In dieser Epoche entstanden mehrere neuartige Musikinstrumente, insbesondere das Klavier. Die Erfindung des Klaviers wird Bartolomeo Cristofori (1655–1731) aus Padua, Italien, zugeschrieben, der Ferdinando de' Medici, dem Großfürsten der Toskana, als Hüter der Instrumente diente. Cristofori bezeichnete das Instrument ursprünglich als un cimbalo di cipresso di Piano e forte („eine Tastatur aus Zypressen mit leisen und lauten Tönen“), ein Name, der später zu pianoforte, fortepiano und schließlich einfach zu Piano.

Komponisten und Beispiele

• Giovanni Gabrieli (ca. 1554/1557–1612) komponierte Sonata pian' e forte (1597) und In Ecclesiis (aus Symphoniae sacrae Buch 2, 1615).
• Cristóbal de Medrano (ca. 1561 – 1597) ist bekannt für voce mea cum sex vocibus (1594).
• Giovanni Girolamo Kapsperger (ca. 1580–1651) veröffentlichte 1610 Libro primo di villanelle, 20.
• Claudio Monteverdi (1567–1643) schuf L'Orfeo, favola in musica (1610).
• Heinrich Schütz (1585–1672) komponierte Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650).
• Francesco Cavalli (1602–1676) produzierte Opern, darunter L'Egisto (1643), Ercole amante (1662) und Scipione affricano (1664).
• Johann Jacob Froberger (1616–1667) wird mit der „Gesamtmusik für Cembalo und Orgel“ von Simone Stella in Verbindung gebracht.
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687) komponierte die Oper Armide (1686).
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704) ist bekannt für sein Te Deum (1688–1698).
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704) schuf die Mysteriensonaten (1681).
• John Blow (1649–1708) komponierte Venus und Adonis (1680–1687).
• Johann Pachelbel (1653–1706) ist bekannt für seinen Kanon in D (1680).
• Arcangelo Corelli (1653–1713) veröffentlichte seine 12 Concerti Grossi, Op. 6, im Jahr 1714.
• Marin Marais (1656–1728) komponierte Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723).
• Henry Purcell (1659–1695) ist bekannt für seine Oper Dido and Aeneas (1688).
• Alessandro Scarlatti (1660–1725) komponierte mehrere Opern, darunter L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683) und Mitridate Eupatore (1707).
• François Couperin (1668–1733) ist bekannt für Les barricades mystérieuses (1717).
• Tomaso Albinoni (1671–1751) komponierte Didone abbandonata (1724).
• Antonio Vivaldi (1678–1741) wird für Die vier Jahreszeiten (1725) gefeiert.
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745) komponierte Werke wie Il Serpente di Bronzo (1730) und Missa Sanctissimae Trinitatis (1736).
• Georg Philipp Telemann (1681–1767) schuf Der Tag des Gerichts (1762).
• Johann David Heinichen (1683–1729).
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764) komponierte Dardanus (1739).
• Georg Friedrich Händel (1685–1759) ist bekannt für Kompositionen wie Wassermusik (1717), Musik für das königliche Feuerwerk (1749) und Messias (1741).
• Domenico Scarlatti (1685–1757) ist für seine zahlreichen Sonaten für Cembalo bekannt.
• Johann Sebastian Bach (1685–1750) komponierte bedeutende Werke wie die Toccata und Fuge in d-Moll (1703–1707), die Brandenburgischen Konzerte (1721) und die Matthäus-Passion (1727).
• Nicola Porpora (1686–1768) komponierte Semiramide riconosciuta (1729).
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736) ist bekannt für sein Stabat Mater (1736).

Tanz.

Das klassische Ballett entstand im Barock. Marie de' Medici führte den höfischen Tanzstil in Frankreich ein, wo zunächst die Hofmitglieder selbst als Tänzer fungierten. Ludwig XIV. trat insbesondere in verschiedenen öffentlichen Balletten auf. Im März 1662 gründete der König die Académie Royale de Danse, die zur ersten professionellen Tanzschule und Kompanie wurde, und legte damit in dieser Zeit die grundlegenden Standards und das Vokabular für das Ballett in ganz Europa fest.

Literaturtheorie.

Heinrich Wölfflin war Pionier der Anwendung des Begriffs „Barock“ in der Literatur. Die Grundprinzipien der barocken Literaturtheorie, darunter „Einbildung“ (concetto), „Witz“ (acutezza, ingegno) und „Wunder“ (meraviglia), erreichten mit der Veröffentlichung von Emanuele Tesauros Il Cannocchiale aristotelico (Das aristotelische Teleskop) im Jahr 1654 ihre volle theoretische Ausprägung. Diese einflussreiche Abhandlung, die sich von Giambattista Marinos Epos Adone und den philosophischen Beiträgen des spanischen Jesuiten Baltasar Gracián inspirieren ließ, entwickelte eine Theorie der Metapher als universelle Bildsprache und überragendes intellektuelles Unterfangen, das gleichzeitig als künstlerisches Konstrukt und erkenntnistheoretisch überlegenes Mittel zur Wahrheitserfassung fungiert.

Dramaturgie Mitteleuropas in der Barock.

Walter Benjamins Analyse des Barock, präsentiert in Der Ursprung des deutschen tragischen Dramas, gilt als notorisch herausfordernder, aber hoch angesehener historischer Maßstab für diese Zeit. Obwohl der Schwerpunkt der Studie angeblich auf dem Barockdrama liegt, ist der Inhalt bemerkenswert vielfältig und komplex und umfasst ein umfangreiches Spektrum an historischem Material. Trotz dieses breiten Spektrums richtet es seine Aufmerksamkeit hauptsächlich auf Mitteleuropa, mit besonderem Schwerpunkt auf Deutschland, obwohl es gelegentlich auf Österreicher aus dem Heiligen Römischen Reich und sogar auf Spanier unter dem Habsburger Kaiser Ferdinand Bezug nimmt.

Ein zentrales Argument von Benjamins Analyse geht davon aus, dass die Barockzeit als direkte Reaktion auf die weit verbreitete traumatische Gewalt des Dreißigjährigen Krieges entstand. An diesem Konflikt, der den gewaltsamen Höhepunkt der Reformation markierte, waren fast alle europäischen Nationen beteiligt, obwohl er hauptsächlich innerhalb des Heiligen Römischen Reiches ausgetragen wurde. Alle bedeutenden Mächte, mit bemerkenswerten Ausnahmen von England und Russland (obwohl beide indirekt betroffen oder beteiligt waren), stationierten ihre Streitkräfte auf diesem Schlachtfeld.

In Walter Benjamins Studie über den Ursprung wird die charakteristische kulturelle Produktion dieser Ära – gekennzeichnet durch eine fast pathologische oder zumindest historisch anomale und intensive Ausarbeitung von Details, eine Neigung zu rekursiven Involutionen und sogar einen Horror vacui – als psychologischer Abwehrmechanismus oder als psychologischer Abwehrmechanismus interpretiert abschweifende Unterdrückung von weitverbreitetem Terror und Anomie. Dies ergab sich aus der Auflösung der symbolisch transzendenten Autorität, die zuvor die westliche Kirche in Rom verkörperte, deren Institutionen und rituelle Absolutionsformen lange Zeit die kontinentale Vormachtstellung in Verwaltung und sozialer Kontrolle ausgeübt hatten. Dieser historische Wandel wurde verschiedentlich als „Zerstückelung der Christenheit“ oder, optimistischer, als Entstehung der Moderne und der anschließende Aufstieg der kapitalistischen Hegemonie bezeichnet, eine Perspektive, die von Max Weber und anderen Gelehrten geteilt wurde, darunter Hugh Trevor-Roper in seiner „Krise des 17. Jahrhunderts“ und seinem herausragenden Werk über den „Europäischen Hexenwahn“.

Theater

Die Barockzeit stellte eine blühende Ära für das Theater in Frankreich und Spanien dar; Zu den namhaften Dramatikern gehörten Corneille, Racine und Molière in Frankreich sowie Lope de Vega und Pedro Calderón de la Barca in Spanien.

Während des Barock erlebten Theaterkunst und -stil eine rasante Entwicklung, gleichzeitig mit der Entstehung von Oper und Ballett. Die Gestaltung neuerer und größerer Theater, der Einsatz ausgefeilterer Bühnentechnik und die weit verbreitete Einführung des Proszeniumbogens, der die Bühne umrahmte und ihre Mechanismen vor dem Publikum verbarg, förderten die Schaffung aufwändigerer szenischer Effekte und großartigerer Spektakel.

In Spanien war die Barockzeit von einem katholischen und konservativen Ethos geprägt, das sich von italienischen literarischen Vorbildern der Renaissance inspirieren ließ. Das hispanische Barocktheater versuchte, seinem Publikum eine idealisierte Realität zu präsentieren, die drei Kerngefühle verkörperte: katholische Religiosität, monarchischer und nationaler Stolz sowie Ehre, die sich aus der ritterlichen Tradition ergibt.

Das spanische Barocktheater ist typischerweise in zwei Perioden unterteilt, wobei der Abgrenzungspunkt bei 1630 liegt. Die anfängliche Periode wird hauptsächlich mit Lope de Vega in Verbindung gebracht, enthält aber auch Beiträge von Tirso de Molina, Gaspar Aguilar und Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente und Juan Pérez de Montalbán. Zahlreiche Persönlichkeiten dieser Zeit nahmen an academias literarias (Literaturakademien) teil, beispielsweise an der renommierten Medrano-Akademie, die von Sebastián Francisco de Medrano gegründet wurde. Die darauffolgende Periode wird durch Pedro Calderón de la Barca und seine Zeitgenossen veranschaulicht, darunter Dramatiker wie Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto und Francisco Bances Candamo. Diese Kategorisierungen sind fließend, da einzelne Autoren oft einzigartige Stile entwickelten und sich gelegentlich an den von Lope aufgestellten dramatischen Konventionen orientierten. Tatsächlich könnte Lopes Ansatz liberaler und struktureller gewesen sein als der von Calderón.

In seiner Abhandlung Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo aus dem Jahr 1609 begründete Lope de Vega das Konzept der neuen Komödie. Dieses neue dramatische Paradigma stellte die drei aristotelischen Einheiten der italienischen poetischen Tradition (Handlung, Zeit und Ort) sowie eine vierte aristotelische Einheit hinsichtlich des Stils in Frage. Es plädierte für die Integration tragischer und komischer Elemente und den Einsatz unterschiedlicher Versformen und Strophen passend zum dargestellten Inhalt. Trotz Lopes umfassendem Wissen über die bildende Kunst verzichtete er während des größten Teils seiner Karriere weitgehend darauf, sie in seine Theaterwerke oder Szenografien einzubeziehen. Lopes komödiantischer Stil verwies die visuellen Dimensionen der Theaterdarstellung konsequenterweise auf eine untergeordnete Rolle.

Tirso de Molina, Lope de Vega und Calderón waren herausragende Dramatiker im Goldenen Zeitalter Spaniens. Ihre literarischen Beiträge, die sich durch ihre subtile Intelligenz und tiefe Einsicht in die menschliche Verfassung auszeichnen, gelten als Brücke zwischen Lopes früheren komödiantischen Formen und Calderóns anspruchsvollerem dramatischen Stil. Tirso de Molina ist vor allem für zwei Werke bekannt: The Convicted Suspicions und The Trickster of Seville, wobei letzteres insbesondere eine der frühesten Interpretationen des Don-Juan-Mythos enthält.

Bei seiner Ankunft in Madrid führte Cosimo Lotti den spanischen Hof in die fortschrittlichsten Theatertechniken Europas ein. Sein Fachwissen in Mechanik und Theaterdesign wurde bei höfischen Spektakeln, den sogenannten „Fiestas“, und aufwändigen Wasserdarbietungen mit künstlichen Flüssen oder Springbrunnen, den sogenannten „Naumaquias“, eingesetzt. Lotti war auch für die Gestaltung der Gärten von Buen Retiro, Zarzuela und Aranjuez sowie für den Bau des Theaters Coliseo del Buen Retiro verantwortlich. Die etablierten dramatischen Konventionen von Lope de Vega, die durch einen Versstil gekennzeichnet waren, der für das entstehende Palasttheater weniger geeignet war, wichen nach und nach neuen konzeptionellen Rahmenwerken und förderten die Karrieren von Dramatikern wie Calderón de la Barca. Während Calderóns Stil auf den Innovationen der „Neuen Comedia“ (oft mit Lope in Verbindung gebracht) aufbaute, zeichnete er sich durch sorgfältige strukturelle Gestaltung und sorgfältige Beachtung der inneren Kohärenz aus. Calderóns Werk zeichnet sich durch formale Perfektion und eine äußerst lyrische, symbolische Sprache aus. Die Freiheit, Vitalität und Offenheit, die Lopes Werken innewohnen, entwickelte sich zu Calderóns Schwerpunkt auf intellektueller Reflexion und formaler Präzision. In seinen Komödien traten ideologische und doktrinäre Absichten oft an die Stelle bloßer Leidenschaft und Tat; Seine *Autos sacramentales* (Sakramentenstücke) erlangten insbesondere eine bedeutende künstlerische Bedeutung. Das *Comedia*-Genre selbst war von Natur aus politisch, multikünstlerisch und hybrid. Sein poetischer Text war mit verschiedenen Medien und Ressourcen aus Architektur, Musik und Malerei verwoben und ging damit über die einfachere theatralische Illusion von Lopes Komödien hinaus, die oft auf minimale Kulissen setzten und sich hauptsächlich durch Dialog und Aktion beschäftigten.

Der prominenteste deutsche Dramatiker war Andreas Gryphius, der das jesuitische dramatische Modell übernahm, beeinflusst von den Niederländern Joost van den Vondel und Pierre Corneille. Eine weitere bemerkenswerte Persönlichkeit war Johannes Velten, der die Traditionen der englischen Komikertruppen und der Commedia dell'arte mit dem klassischen französischen Theater von Corneille und Molière verband. Seine Reisegesellschaft gilt wohl als die bedeutendste des 17. Jahrhunderts.

Der herausragende italienische Barocktragiker war Federico Della Valle. Sein literarisches Schaffen wird hauptsächlich durch vier Stücke bestimmt, die für das höfische Theater komponiert wurden: die Tragikomödie Adelonda di Frigia (1595) und insbesondere drei Tragödien, Judith (1627), Esther (1627) und La reina di Scotia (1628). Della Valles Einfluss erstreckte sich auf zahlreiche Nachahmer und Anhänger (z. B. Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani), die in ihren eigenen Werken die barocke Ästhetik mit den didaktischen Zielen der Jesuiten verbanden.

Im russischen Zarentum kam die russische Manifestation des Barockstils erst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts zum Vorschein, vor allem angespornt durch die Initiative des Zaren Alexei von Russland, ein Hoftheater zu errichten 1672. Der Regisseur und Dramatiker des Theaters war Johann Gottfried Gregorii, ein deutsch-russischer lutherischer Pfarrer, der insbesondere ein zehnstündiges Theaterstück mit dem Titel Die Handlung des Artaxerxes verfasste. Auch die dramaturgischen Werke von Symeon von Polozk und Demetrius von Rostow stellten bedeutende Beiträge zum russischen Barocktheater dar.

Spanisches Kolonialamerika

In Anlehnung an den in Spanien etablierten Weg begannen im späten 16. Jahrhundert Wandertheatergruppen im spanischen Kolonialgebiet Amerikas einen Prozess der Professionalisierung. Mit dieser Professionalisierung ging eine zunehmende Regulierung und Zensur einher. Ähnlich wie in Europa erlebte das Theater in den Kolonien Zeiten der Toleranz, sogar staatlicher Schirmherrschaft, aber auch Ablehnung (mit Ausnahmen) oder regelrechte Verfolgung durch die Kirche. Die Behörden nutzten das Theater als didaktisches Instrument, um gewünschte Verhaltensweisen zu propagieren, den Respekt vor der Gesellschaftsordnung und der Monarchie zu stärken und religiöse Dogmen zu vermitteln.

Die Corrales wurden zugunsten von Krankenhäusern verwaltet, die sich dann am Erlös der Aufführungen beteiligten. Wandertheatergruppen, auch „of the league“ genannt, traten auf improvisierten Open-Air-Bühnen in Regionen auf, in denen es keine festen Veranstaltungsorte gab, und benötigten für den Betrieb eine vizekönigliche Lizenz. Die Gebühr für diese Lizenz, oder pinción, wurde für wohltätige Spenden und religiöse Zwecke verwendet. Für Unternehmen mit Sitz in Hauptstädten und Großstädten war die Teilnahme an Fronleichnamsfeierlichkeiten eine Haupteinnahmequelle, die sowohl finanzielle Gewinne als auch erhebliche gesellschaftliche Anerkennung mit sich brachte. Aufführungen im Vizekönigspalast und auf aristokratischen Anwesen, die sowohl Standardkomödien als auch aufwändige Sonderproduktionen mit umfassender Beleuchtung, Kulisse und Inszenierung umfassten, stellten ebenfalls eine lukrative und geschätzte Beschäftigungsmöglichkeit dar.

Juan Ruiz de Alarcón, ein Eingeborener des Vizekönigreichs Neuspanien, der später in Spanien lebte, gilt als die bedeutendste Figur des neuspanischen Barocktheaters. Wissenschaftler haben seine charakteristischen Merkmale, die ihn von seinen spanischen Zeitgenossen unterscheiden, als seine Anpassung an den neuen komödiantischen Stil von Lope de Vega, einen ausgeprägten Säkularismus, bemerkenswerte Diskretion und Zurückhaltung sowie eine profunde Fähigkeit zur psychologischen Einsicht identifiziert. Zu seinen bedeutenden Werken gehört La verdad sospechosa, eine charakterbasierte Komödie, die seine konsequent moralisierende Absicht veranschaulicht. Das dramatische Schaffen von Sor Juana Inés de la Cruz macht sie zur zweitgrößten Figur des spanisch-amerikanischen Barocktheaters. Zu ihren bemerkenswerten Werken gehören das autosakramentale El divino Narciso und die Komödie Los empeños de una casa.

Gärten

Der Barockgarten, auch jardin à la française oder französischer Gartengarten genannt, entstand im Rom des 16. Jahrhunderts, bevor er im Frankreich des 17. Jahrhunderts seine berühmteste Ausdrucksform erreichte, insbesondere in den Gärten von Vaux le Vicomte und im Schloss von Versailles. Monarchen und Aristokraten in ganz Deutschland, den Niederlanden, Österreich, Spanien, Polen, Italien und Russland ließen bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts Barockgärten errichten. Zu diesem Zeitpunkt wurden viele Gärten in den naturalistischeren englischen Landschaftsgartenstil umgestaltet.

Barockgärten wurden entworfen, um die Herrschaft des Menschen über die Natur zu symbolisieren und ihre Gönner zu verherrlichen. Diese Gärten wiesen geometrische Grundrisse auf, die oft den Innengliederungen einer großen Residenz ähnelten. Eine optimale Aussicht wurde typischerweise von einem erhöhten Aussichtspunkt aus erreicht, beispielsweise von einem Schloss oder einer Terrasse, von wo aus man auf die Landschaft hinunterblickte. Zu den wichtigsten Bestandteilen eines Barockgartens gehörten Parterres, bei denen es sich um komplizierte Anordnungen von Blumenbeeten oder niedrigen Hecken handelte, die sorgfältig in kunstvolle Muster geschnitten wurden, sowie gerade Kieswege und Gassen, die den Garten segmentierten und durchquerten. Terrassen, Rampen, Treppen und Kaskaden wurden strategisch integriert, um Höhenunterschiede auszugleichen und unterschiedliche Aussichtsperspektiven zu bieten. Runde oder rechteckige Teiche und Wasserbecken dienten als Standorte für Brunnen und Statuen. Bosquets, bestehend aus sorgfältig gepflegten Hainen oder gleichmäßigen Baumreihen, erzeugten die Illusion grüner Wände und bildeten den Hintergrund für Skulpturen. An den Rändern dieser Gärten befanden sich häufig Pavillons, Orangerien und andere Strukturen, die den Besuchern Schutz vor Sonne und Regen boten.

Die Pflege barocker Gärten erforderte eine große Belegschaft an Gärtnern, kontinuierliches Beschneiden und umfangreiche Wasserressourcen. Im Spätbarock kam es zu einem Wandel, da formale Elemente nach und nach naturalistischeren Elementen Platz machten. Zu diesen Neuzugängen gehörten verschlungene Wege, vielfältige Haine unbeschnittener Bäume, rustikale Architekturelemente und malerische Bauwerke wie römische Tempel oder chinesische Pagoden. Darüber hinaus entstanden am Rande des Hauptgartens „geheime Gärten“, die üppig mit Blattwerk bewachsen sind und abgeschiedene Räume zum Lesen oder für private Gespräche bieten. Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts wurden die meisten Barockgärten teilweise oder vollständig in Adaptionen des englischen Landschaftsgartenstils umgewandelt.

Neben Versailles und Vaux-le-Vicomte haben weitere berühmte Barockgärten ihre ursprüngliche Gestaltung weitgehend bewahrt, darunter der Königspalast von Caserta in der Nähe von Neapel, Italien; Schloss Nymphenburg und Schlösser Augustusburg und Falkenlust in Brühl, Deutschland; Het Loo Palace in den Niederlanden; das Schloss Belvedere in Wien, Österreich; der Königspalast von La Granja de San Ildefonso in Spanien; und Schloss Peterhof in St. Petersburg, Russland.

Stadtplanung und -design

Europäische Städte erlebten vom 16. bis zum 19. Jahrhundert bedeutende Veränderungen in den städtischen Gestaltungs- und Planungsprinzipien, die ihre Landschaften und gebauten Umgebungen grundlegend veränderten. Major urban centers such as Rome and Paris were reconfigured to support expanding populations through advancements in housing, transportation infrastructure, and public amenities. In dieser Zeit beeinflusste der allgegenwärtige Barockstil die Stadtentwicklung tiefgreifend und manifestierte sich in der barocken Stadtplanung, die aufwändige, dramatische und künstlerische Architekturelemente in das Stadtgefüge integrierte. Die Gestaltung dieser Städte zielte darauf ab, die emotionale Erhabenheit, die für die barocke Ästhetik charakteristisch ist, bei ihren Bewohnern und Fußgängern hervorzurufen und zu ergänzen. Diese Planungsmethode betonte häufig die demonstrative Zurschaustellung von Reichtum und Macht durch die herrschenden Autoritäten, wobei markante Bauwerke als visuelle und symbolische Mittelpunkte der Stadtlandschaft fungierten.

Im 16. Jahrhundert initiierte Papst Sixtus V. ein umfassendes Stadterneuerungsprojekt für Rom, das die Stadt revitalisierte und erweiterte. Zahlreiche große Plätze und Plätze wurden als öffentliche Räume integriert, was die dramatische Wirkung des Barockstils verstärkte. Diese Plätze waren mit Springbrunnen und verschiedenen dekorativen Elementen geschmückt, die die vorherrschenden Gefühle der damaligen Zeit zum Ausdruck bringen sollten. Ein Schlüsselprinzip der barocken Planung bestand darin, ein komplexes Netzwerk von Achsen zu errichten, um Kirchen, Regierungsgebäude und Plätze miteinander zu verbinden. Durch diese strategische Anordnung wurden bedeutende Wahrzeichen der katholischen Kirche als Hauptschwerpunkte im städtischen Umfeld positioniert.

In Barcelona sind weitere Merkmale der barocken Stadtplanung erkennbar. Das von Ildefons Cerdà konzipierte Viertel Eixample besteht aus breiten Alleen, die in einem Gittermuster angeordnet sind und durch mehrere diagonale Boulevards ergänzt werden. Seine markanten achteckigen Blockkreuzungen verbessern die Sicht auf die Straße und sorgen für natürliches Licht. Zahlreiche architektonische Werke in diesem Viertel wurden von Antoni Gaudí geschaffen, der für seinen unverwechselbaren Stil bekannt ist. Die von Gaudí entworfene Sagrada Família nimmt eine zentrale Position im Stadtviertel Eixample ein und ist von tiefgreifender Bedeutung für die Stadt.

Posterity

Der Übergang zum Rokoko

Das Rokoko stellt die letzte Phase des Barock dar und weitet seine Grundprinzipien der Illusion und dramatischen Wirkung oft bis zu ihren extremsten Erscheinungsformen aus. Die Rokoko-Bewegung entstand in Frankreich als stilistischer Kontrapunkt zur opulenten barocken Pracht, die am Hofe Ludwigs Daher wurde der Stil auch als Pompadour bezeichnet. Trotz seiner starken Verbindung mit der Herrschaft Ludwigs XV. entstand der Stil bereits vor dieser Zeit. Mehrere künstlerische Schöpfungen aus den letzten Regierungsjahren Ludwigs XIV. veranschaulichen die Merkmale des frühen Rokoko. Der Name der Bewegung geht auf den französischen Begriff rocaille zurück, der „Kiesel“ bedeutet und früher die Steine ​​und Muscheln bezeichnete, die zur Verzierung von Höhleninnenräumen verwendet wurden; Analoge Muschelmotive wurden später zu einem Markenzeichen des Rokoko-Designs. Ursprünglich manifestierte er sich als Stil im Design und in der dekorativen Kunst und zeichnete sich durch seine eleganten, geschwungenen Formen aus. Sein Einfluss erstreckte sich später auf die Architektur, gefolgt von Malerei und Bildhauerei. Jean-Antoine Watteau, ein französischer Maler, wird häufig mit dem Rokoko-Begriff identifiziert, insbesondere für seine pastoralen Szenen oder fêtes galantes, die im frühen 18. Jahrhundert eine herausragende Rolle spielten.

Rokoko- und Barockstile weisen mehrere Gemeinsamkeiten auf. Beide Kunstrichtungen legen Wert auf monumentale Formen, die kontinuierliche Raumanordnungen, paarige Säulen oder Pilaster und opulente Materialien, häufig mit vergoldeten Komponenten, einbeziehen. Dennoch sind auch deutliche Unterschiede erkennbar. Rokoko-Designer wichen von der strikten Einhaltung der Symmetrie ab, die Architektur und Design seit der Renaissance geprägt hatte. Zahlreiche kleine Objekte wie Tintenfässer und Porzellanfiguren sowie verschiedene Zierelemente weisen daher häufig Asymmetrien auf. Diese Asymmetrie steht im Einklang mit der Verbreitung von Ornamenten, die aus Interpretationen von Blattwerk und Muscheln abgeleitet sind, und steht im Gegensatz zu den zahlreicheren klassischen Motiven, die aus der Renaissance stammen und in der Barockkunst zu finden sind. Ein weiterer bedeutender Unterschied liegt in der primären Verbindung des Barock mit der kirchlichen Architektur, da diese als wichtigster kultureller Ausdruck der Gegenreformation galt. Umgekehrt ist das Rokoko vor allem mit palastartigen und hausarchitektonischen Kontexten verbunden. In Paris fiel der Aufstieg des Rokoko mit der Entwicklung des Salons als neuartiger gesellschaftlicher Treffpunkt zusammen, wobei viele dieser Veranstaltungsorte häufig in dieser Ästhetik geschmückt waren. Rokoko-Innenräume waren im Allgemeinen bescheidener als barocke Räume, was auf eine Entwicklung hin zu größerer häuslicher Intimität hindeutet. Dieser Wandel spiegelte sich auch in den Farbpaletten wider, die von den für Caravaggios Werke charakteristischen Erdtönen und den roten Marmor- und vergoldeten Innenräumen der Ära Ludwigs Analog zur Farbverschiebung vollzog sich in der Malerei und Bildhauerei eine thematische Entwicklung, die sich von ernsten, dramatischen und moralistischen Themen hin zu unbeschwerteren und fröhlicheren Motiven bewegte.

Ein letztes Unterscheidungsmerkmal zwischen Barock und Rokoko betrifft das aufkeimende Interesse der Aristokratie im 18. Jahrhundert an Ostasien. Während in der westlichen Ästhetik vor dem Barock orientalistische Tendenzen existierten, ließen sie sich typischerweise eher von islamischen als von ostasiatischen Ursprüngen inspirieren. Dieses Muster blieb während der gesamten Barockzeit bestehen und manifestierte sich insbesondere im türkisch beeinflussten Stil namens Turquerie. Die orientalistische Faszination für die islamische Welt, die die Türkei umfasste, erstreckte sich bis in die Zeit des Rokoko und darüber hinaus; In dieser späteren Phase begannen jedoch auch chinesische und andere ostasiatische Kulturen, Einfluss auf die westliche Ästhetik auszuüben. Chinoiserie, a style prevalent in fine art, architecture, and design during the eighteenth century, drew significant inspiration from both Chinese art and contemporary Rococo aesthetics. Da Reisen nach China und in andere fernöstliche Länder zu dieser Zeit mühsam waren und sie für die meisten Westler weitgehend rätselhaft waren, war die europäische Vorstellungskraft von der Vorstellung Asiens als einem Reich immensen Reichtums und Luxus fasziniert. Folglich konkurrierten Gönner, vom Kaiser bis zum Kaufmann, darum, ihre Residenzen mit asiatischen Waren zu verschönern und sie im asiatischen Stil zu dekorieren. Als sich der Erwerb authentischer asiatischer Objekte als schwierig erwies, kamen europäische Kunsthandwerker und Maler der Nachfrage nach, indem sie Gegenstände herstellten, die Formen des Rokoko mit asiatischen Figuren, Motiven und Techniken verbanden. Über europäische Interpretationen ostasiatischer Stile hinaus fanden chinesische Lackwaren vielfältige Anwendungen. Eine ausgewählte Anzahl palastartiger Räume wurde vollständig von europäischen Aristokraten geschmückt und verwendete chinesische Lackpaneele als Wandverkleidungen. Aufgrund seiner ästhetischen Qualitäten wurde schwarzer Lack besonders für westliche Herrenstudien bevorzugt. Diese Platten waren typischerweise glänzend und schwarz und stammten aus der chinesischen Provinz Henan. Sie bestanden aus mehreren Lackschichten, in die anschließend Motive eingraviert und anschließend mit Farbe und Gold eingelegt wurden. Im 18. Jahrhundert verwendeten europäische Tischler auch chinesische und japanische Lackplatten in die Möbelproduktion. Um dies zu erreichen, wurden asiatische Paravents zerlegt und als Furnier für in Europa hergestellte Möbel verwendet.

Verurteilung und anschließende akademische Neubewertung

Der bahnbrechende deutsche Kunsthistoriker und Archäologe Johann Joachim Winckelmann verurteilte den Barockstil ebenfalls und plädierte stattdessen für die überlegenen Vorzüge der klassischen Kunst und Architektur. Im 19. Jahrhundert war der Barockstil häufig Gegenstand von Spott und kritischer Betrachtung. Der neoklassizistische Kritiker Francesco Milizia behauptete: „Borrominini in der Architektur, Bernini in der Bildhauerei, Pietro da Cortona in der Malerei … sind eine Plage für den guten Geschmack, die eine große Zahl von Künstlern infiziert hat.“ Im 19. Jahrhundert verschärfte sich die Kritik weiter, als der britische Kritiker John Ruskin die barocke Skulptur als nicht nur ästhetisch mangelhaft, sondern auch moralisch verdorben bezeichnete.

Der Schweizer Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin (1864–1945) leitete 1888 in seiner Publikation Renaissance und Barock die Neubewertung des Begriffs „Barock“ ein. Wölfflin charakterisierte den Barock als „in die Masse importierte Bewegung“ und positionierte ihn als künstlerischen Kontrapunkt zur Kunst der Renaissance. Seine Analyse unterschied jedoch nicht zwischen Manierismus und Barock, wie es zeitgenössische Wissenschaftler tun, und befasste sich auch nicht mit der späteren akademischen Barockphase, die bis ins 18. Jahrhundert reichte. Barocke Kunst und Architektur erfreuten sich in der Zwischenkriegszeit zunehmender Beliebtheit und erfreuten sich weitgehend großer Beliebtheit bei der Kritik. Dennoch kann der Begriff „Barock“ immer noch abwertend verwendet werden, um Kunstwerke, Kunsthandwerk oder Designs zu beschreiben, die als übermäßig kunstvoll oder strukturell komplex empfunden werden. Gleichzeitig ist „Barock“ zu einem akzeptierten Begriff für verschiedene künstlerische und architektonische Trends in der römischen Kunst aus dem 2. und 3. Jahrhundert n. Chr. geworden, die ähnliche Merkmale wie die spätere Barockzeit aufweisen.

Revivals und eklektische Einflüsse

Trotz anfänglicher Kritik diente die Barockkunst im Laufe des 19. Jahrhunderts als bedeutende Inspirationsquelle für Künstler, Architekten und Designer, vor allem durch die Linse der Romantik. Diese Bewegung, die im 18. Jahrhundert entstand und im 19. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte, betonte Emotionen, Individualismus und die Verherrlichung der Vergangenheit und der Natur und bevorzugte oft die mittelalterliche Ästhetik gegenüber der klassischen. In Großbritannien motivierte ein Zusammentreffen literarischer, religiöser und politischer Faktoren Architekten und Designer des späten 18. und 19. Jahrhunderts, sich vom Mittelalter inspirieren zu lassen, was das 19. Jahrhundert für seine zahlreichen Wiederbelebungen bekannt machte. In Frankreich war die Romantik jedoch nicht der primäre Katalysator für die Wiederbelebung der gotischen Architektur und des Designs. Stattdessen veranlasste der weit verbreitete Vandalismus an Denkmälern und Bauwerken, die mit dem Ancien Régime während der Französischen Revolution in Verbindung gebracht wurden, die Ernennung des Archäologen Alexandre Lenoir zum Kurator des Petits-Augustins-Depots. Dort gründete er das Museum für französische Denkmäler (1795–1816), das Skulpturen, Statuen und Gräber aus Kirchen, Abteien und Klöstern beherbergte. Lenoir war maßgeblich an der Wiedereinführung der Wertschätzung für mittelalterliche Kunst beteiligt, die im folgenden Vierteljahrhundert allmählich aufblühte.

Diese erneute Wertschätzung für mittelalterliche Kunst löste in der Folge die Wiederbelebung anderer historischer Epochen aus, darunter Barock und Rokoko. Der Wiederbelebungismus konzentrierte sich zunächst auf mittelalterliche Themen und verlagerte sich dann bis zum Ende der Herrschaft Ludwig Philipps I. (1830–1848) auf Renaissance-Stile. Barock- und Rokoko-Inspirationen gewannen während der Herrschaft Napoleons III. (1852–1870) an Bedeutung und hielten auch nach dem Zusammenbruch des Zweiten Französischen Kaiserreichs an.

Im Gegensatz zu England, wo die Gotik von Architekten und Designern als nationaler Stil wahrgenommen wurde, galt das Rokoko als eine der repräsentativsten Strömungen Frankreichs. Die französische Bevölkerung empfand eine stärkere Affinität zu den Stilen des Ancien Régime und des Kaiserreichs Napoleons als zu deren Erbe aus dem Mittelalter oder der Renaissance, obwohl die gotische Architektur eher aus Frankreich als aus England stammte.

Der Erweckungsismus des 19. Jahrhunderts entwickelte sich schließlich zum Eklektizismus, der durch die Verschmelzung verschiedener Stilelemente gekennzeichnet war. Da Architekten häufig klassische Stile neu interpretierten, weisen die meisten eklektischen Gebäude und Designs eine unverwechselbare Ästhetik auf. Über direkte Wiederaufleben hinaus diente der Barock auch als Hauptinspirationsquelle für den Eklektizismus. In eklektischen Bauwerken des 19. und frühen 20. Jahrhunderts kommen häufig markante barocke Merkmale wie gekoppelte Säulen und die Riesenordnung vor. Der Einfluss des Eklektizismus reichte über die Architektur hinaus; Viele Entwürfe aus dem Zweiten Empire-Stil (1848–1870) enthielten Elemente aus verschiedenen Epochen. Nur wenige Möbelstücke aus dieser Zeit konnten sich den drei vorherrschenden historistischen Einflüssen – Renaissance, Louis XV (Rokoko) und Louis XVI – entziehen, die manchmal deutlich angewendet und manchmal kombiniert wurden. Auch barocke Elemente lieferten Inspiration, was sich in Neuauflagen und Arabesken zeigt, die Boulle-Intarsien imitieren, neben Einflüssen aus anderen Stilrichtungen wie Gotik, Renaissance oder englischem Regentschaftsstil.

Die Belle Époque, die etwa von 1871–1880 bis zum Beginn des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 reichte, bildete eine besondere historische Ära. Diese Zeit war geprägt von einem vorherrschenden Gefühl von Optimismus, regionaler Stabilität, wirtschaftlichem Wohlstand, kolonialer Expansion und bedeutenden Fortschritten in technologischen, wissenschaftlichen und kulturellen Bereichen. Der Eklektizismus erreichte in dieser Zeit seinen Höhepunkt, insbesondere in der Beaux-Arts-Architektur. Der architektonische Stil leitet seine Bezeichnung von der École des Beaux-Arts in Paris ab, der Institution, in der er seinen Ursprung hat und an der zahlreiche Hauptvertreter ihre Ausbildung erhielten. Structures designed in this style frequently incorporate Ionic columns featuring corner volutes, reminiscent of French Baroque examples, alongside a rusticated basement level. Sie weisen eine übergreifende Einfachheit auf, die durch komplizierte Details, gewölbte Türen und einen Eingangsbogen, der dem des Petit Palais in Paris ähnelt, unterbrochen wird. Der Stil zielte darauf ab, barocke Opulenz durch monumentale, kunstvoll verzierte Bauwerke nachzuahmen, die an die Pracht von Versailles Ludwigs XIV. erinnerten. Was das Design der Belle Époque anbelangt, herrschte eine breite Wertschätzung für historische Möbelstile vor, die etwas unerwartet auch den Stil des Zweiten Kaiserreichs (aus der Vorgängerperiode) umfasste, der bis 1900 seine Popularität beibehielt. Um 1900 zeichnete sich eine umfassende Zusammenfassung der Stile verschiedener Nationen und aller vorangegangenen historischen Perioden ab. Die Möbelproduktion enthielt eine Vielzahl von Einflüssen, die von chinesischen bis zu spanischen Modellen und von Boulle bis Gotik reichten, obwohl bestimmte Stile größere Anerkennung fanden als andere. Besonders geschätzt wurden das Hochmittelalter und die Frührenaissance. Verschiedene Formen des Exotismus und aufwändige Rokoko-Designs erfreuten sich ebenfalls großer Beliebtheit.

Barocke Wiederaufleben und Einflüsse ließen allmählich nach und verschwanden schließlich mit dem Aufkommen des Art Déco, einem Stil, der um 1910 durch die Zusammenarbeit zahlreicher französischer Designer mit dem Ziel entstand, eine neue moderne Ästhetik zu schaffen. Obwohl Art Deco vor dem Ersten Weltkrieg relativ unbekannt war, erfreute es sich in der Zwischenkriegszeit großer Beliebtheit und wurde stark mit den Jahrzehnten der 1920er und 1930er Jahre in Verbindung gebracht. Diese Bewegung synthetisierte verschiedene Merkmale, die von den in den 1900er und 1910er Jahren vorherrschenden modernistischen Strömungen abgeleitet waren, darunter die Wiener Secession, Kubismus, Fauvismus, Primitivismus, Suprematismus, Konstruktivismus, Futurismus, De Stijl und Expressionismus. Neben modernistischen Einflüssen enthält Art Deco auch Elemente aus Stilen, die während der Belle Époque beliebt waren, wie das Rokoko-Revival, der Neoklassizismus und der Neo-Louis-XVI-Stil. Die Proportionsverhältnisse, volumetrischen Qualitäten und Strukturprinzipien der Beaux-Arts-Architektur vor dem Ersten Weltkrieg sind in frühen Art-Déco-Gebäuden aus den 1910er und 1920er Jahren erkennbar. Barocke Elemente sind besonders selten, da Architekten und Designer im Allgemeinen den Louis XVI-Stil bevorzugten.

Gegen Ende der Zwischenkriegszeit führte die wachsende Beliebtheit des Internationalen Stils, der sich durch den völligen Verzicht auf Verzierungen auszeichnete, dazu, dass der Einfluss und die Wiederbelebung des Barock völlig aufgegeben wurden. Zahlreiche internationale Architekten und Designer sowie Künstler der Moderne kritisierten den Barock wegen seiner wahrgenommenen Extravaganz und „Exzesse“. Paradoxerweise fiel dies genau mit einem starken Wiederaufleben der kritischen Würdigung der ursprünglichen Barockzeit zusammen.

Postmoderne Wertschätzung und Neuinterpretationen

Die Wertschätzung für den Barock erwachte mit dem Aufkommen der Postmoderne wieder, einer Bewegung, die den Modernismus (das vorherrschende Paradigma nach dem Zweiten Weltkrieg) herausforderte und sich für die Einbeziehung historischer Stilelemente in zeitgenössische Designs einsetzte, um die Wertschätzung für die vormoderne Vergangenheit zu fördern. Explizite Anspielungen auf den Barock sind selten, da die Postmoderne häufig stark vereinfachte Elemente integrierte, die als „Zitate“ des Klassizismus im weiteren Sinne fungierten, etwa Giebel oder Säulen.

Direktere Anspielungen auf die barocke Ästhetik finden sich in den Keramikwaren und der Mode von Versace, die maximalistische Acanthus-Rinceaux-Elemente aufweisen. Diese Motive haben eine starke Ähnlichkeit mit denen, die auf italienischen Barock-Ziertafeln und in Boulle-Werken zu finden sind, sowie mit Mustern auf Objekten aus der Empire-Ära, insbesondere Textilien, aus der Regierungszeit Napoleons I.

Notizen

• Die Kultur des Barock und des Rokoko
• Barocke im Val di Noto – Sizilien (archiviert am 2. September 2018)
• Der Barockstil und der Einfluss von Ludwig XIV. (archiviert am 24. Juni 2007)
• Melvyn Braggs BBC Radio 4-Sendung mit dem Titel In Our Time: The Barock.
• "Barock Style Guide." Britische Galerien, Victoria and Albert Museum. Archiviert vom Original am 19. August 2007. Abgerufen am 16. Juli 2007.Quelle: TORIma Akademie Archive