Mannerism

Manierismus bezeichnet einen in der europäischen Kunst vorherrschenden künstlerischen Stil, der seinen Ursprung in Italien in der Spätphase der Hochrenaissance, etwa 1520, hat. Sein Einfluss weitete sich um 1530 aus und hielt bis zum Ende des 16. Jahrhunderts in Italien an, wo ihn der Barockstil weitgehend verdrängte. Der nördliche Manierismus dehnte seine Präsenz jedoch bis ins frühe 17. Jahrhundert aus.

Manierismus ist ein Stil in der europäischen Kunst, der in den späteren Jahren der italienischen Hochrenaissance um 1520 entstand, sich um 1530 ausbreitete und bis etwa zum Ende des 16. Jahrhunderts in Italien anhielt, als der Barockstil ihn weitgehend ersetzte. Der nördliche Manierismus setzte sich bis ins frühe 17. Jahrhundert fort.

Diese künstlerische Bewegung umfasst verschiedene Methoden, die sowohl von den harmonischen Prinzipien beeinflusst sind als auch eine Reaktion darauf darstellen, die für Meister der Hochrenaissance wie Leonardo da Vinci, Raffael, Vasari und den frühen Michelangelo charakteristisch sind. Während in der Kunst der Hochrenaissance Proportionen, Ausgewogenheit und idealisierte Schönheit im Vordergrund stehen, verstärkt der Manierismus diese Attribute häufig, was zu Kompositionen führt, die oft asymmetrisch sind oder eine unnatürliche Eleganz besitzen. Dieser Stil zeichnet sich durch eher künstliche als naturalistische Merkmale aus und bevorzugt kompositorische Spannung und Instabilität gegenüber der Ausgewogenheit und Klarheit der vorangegangenen Renaissance-Malerei. Im Bereich der Literatur und Musik ist der Manierismus für seine ausgefeilten Stilmerkmale und seine intellektuelle Komplexität bekannt.

Die genaue Definition des Manierismus und seiner inneren Entwicklungsstadien bleibt unter Kunsthistorikern umstritten. Einige Wissenschaftler haben diese Bezeichnung beispielsweise auf bestimmte frühneuzeitliche literarische Formen ausgeweitet, insbesondere auf Poesie und Musikkompositionen aus dem 16. und 17. Jahrhundert. Darüber hinaus beschreibt der Begriff einige spätgotische Maler, die zwischen etwa 1500 und 1530 in Nordeuropa tätig waren, insbesondere die Antwerpener Manieristen, ein Kollektiv, das sich von der italienischen Bewegung unterscheidet. Analog dazu wurde der Manierismus auch mit dem Silbernen Zeitalter der lateinischen Literatur in Verbindung gebracht.

Nomenklatur

Der Begriff „Manierismus“ stammt vom italienischen Wort maniera und bedeutet „Stil“ oder „Manier“. Ähnlich wie sein englisches Gegenstück kann maniera entweder eine bestimmte Stilkategorie (z. B. ein eleganter oder ein strenger Stil) oder eine inhärente Qualität bezeichnen, die keiner weiteren Spezifikation bedarf (z. B. „Stil“ besitzen). In der zweiten Auflage seines bahnbrechenden Werks Leben der besten Maler, Bildhauer und Architekten von 1568 verwendete Giorgio Vasari maniera auf drei verschiedene Arten: um sich auf die Arbeitsmethode oder den Ansatz eines Künstlers zu beziehen; um einen individuellen oder kollektiven Stil zu charakterisieren, wie zum Beispiel die Phrase maniera greca für den mittelalterlichen italienisch-byzantinischen Stil oder einfach Michelangelos maniera; und eine positive Beurteilung der künstlerischen Leistung zu vermitteln. Vasari, selbst ein manieristischer Künstler, charakterisierte seine zeitgenössische Periode als „la maniera moderna“ oder „modernen Stil“. James V. Mirollo erläutert, wie „Bella maniera“-Dichter sich bemühten, die Virtuosität der Sonette Petrarcas zu übertreffen. Dieses Konzept der „Bella maniera“ impliziert, dass Künstler, die sich von diesem Prinzip inspirieren ließen, die Werke ihrer Vorgänger nachahmen und verfeinern wollten, anstatt sich direkt mit der Natur auseinanderzusetzen. Im Wesentlichen ging es bei „Bella maniera“ um die Synthese überlegener Elemente aus verschiedenen Quellen, um neuartige künstlerische Ausdrucksformen zu schaffen.

Die Definition von „Manierismus“ als stilistische Klassifizierung stellt erhebliche Herausforderungen dar. Ursprünglich verwendete der Schweizer Historiker Jacob Burckhardt den Begriff, der im frühen 20. Jahrhundert unter deutschen Kunsthistorikern an Bedeutung gewann. Ihr Zweck bestand darin, die scheinbar nicht klassifizierbare italienische Kunst des 16. Jahrhunderts zu kategorisieren – Kunst, die von den harmonischen und rationalen Methoden der Hochrenaissance abwich. Die „Hochrenaissance“ selbst bezeichnete eine Ära, die von Harmonie, Pracht und einem Wiederaufleben der klassischen Antike geprägt war. John Shearman definierte daraufhin 1967 den Begriff „Manierist“ neu, eine Entwicklung, die auf die von Fritz Grossmann kuratierte Ausstellung manieristischer Gemälde im Jahr 1965 in der Manchester City Art Gallery folgte.

Trotzdem besteht nach wie vor kein wissenschaftlicher Konsens darüber, ob der Manierismus einen bestimmten Stil, eine bestimmte Bewegung oder eine ganze historische Periode darstellt. Einige Gelehrte haben es alternativ als „Spätrenaissance“ bezeichnet. Trotz anhaltender Kontroversen wird der Begriff weiterhin häufig zur Charakterisierung der europäischen Kunst und Kultur im 16. Jahrhundert verwendet.

Ursprung und Entwicklung

Gegen Ende der Hochrenaissance standen aufstrebende Künstler vor einem bedeutenden künstlerischen Dilemma, da sie erkannten, dass alle erdenklichen Errungenschaften bereits verwirklicht worden waren. Es schienen keine weiteren technischen oder konzeptionellen Herausforderungen ungelöst zu bleiben. Das tiefgreifende Verständnis der Anatomie, der Beleuchtung, der Physiognomie und der nuancierten Darstellung menschlicher Emotionen durch Ausdruck und Gestik sowie die innovative Anwendung der menschlichen Form in figurativen Kompositionen und die Beherrschung subtiler Tonabstufungen hatten gemeinsam die Perfektion erreicht. Folglich waren diese jungen Künstler gezwungen, neue künstlerische Ziele zu identifizieren und neuartige Methoden zu erforschen. Zu diesem Zeitpunkt begann sich der Manierismus zu manifestieren. Dieser unverwechselbare Stil entwickelte sich zwischen 1510 und 1520 und hatte seinen Ursprung entweder in Florenz, Rom oder gleichzeitig in beiden städtischen Zentren.

Ursprünge und Modelle

Diese künstlerische Epoche wurde als „natürliche Erweiterung“ der Werke von Andrea del Sarto, Michelangelo und Raffael charakterisiert. Insbesondere Michelangelo pflegte zu Beginn seiner Karriere einen äußerst originellen Stil, der zunächst große Bewunderung hervorrief und später häufig zum Gegenstand von Kopien und Nachahmungen durch zeitgenössische Künstler wurde. Zu den von seinen Kollegen am meisten verehrten Eigenschaften gehörte seine terribilità, ein tiefes Gefühl von Ehrfurcht gebietender Erhabenheit, das spätere Künstler nachzuahmen versuchten. Viele Künstler assimilierten Michelangelos leidenschaftlichen und höchst individuellen Stil durch die Praxis, seine Meisterwerke zu kopieren, eine konventionelle pädagogische Methode für Studenten der Malerei und Bildhauerei. Seine Decke in der Sixtinischen Kapelle bot zahlreiche Vorbilder zum Nachahmen, insbesondere seine Darstellungen der gesammelten Figuren, die oft als ignudi bezeichnet werden, und der libyschen Sibylle, sowie sein Vestibül zur Laurentianischen Bibliothek, die Skulpturenfiguren auf seinen Medici-Gräbern und vor allem sein Jüngstes Gericht. Die späteren Werke Michelangelos dienten somit als herausragendes Vorbild für den Manierismus. Es war bekannt, dass junge Künstler unerlaubt in seine Wohnung eindrangen und seine Zeichnungen stahlen. In seinem wegweisenden Werk Leben der bedeutendsten Maler, Bildhauer und Architekten dokumentierte Giorgio Vasari Michelangelos Aussage: „Wer Anhänger sind, können niemals an dem vorbeikommen, dem er folgt.“

Der Wettbewerbsgeist

Ein Wettbewerbsethos wurde von Förderern gefördert, die gesponserte Künstler dazu anregten, virtuose technische Fähigkeiten hervorzuheben und sich um Aufträge zu bewerben. Diese Dynamik trieb Künstler dazu an, nach innovativen Ansätzen zu suchen, was zu dramatisch beleuchteten Szenen, aufwändigen Kleidungsstücken und Kompositionen, verlängerten Proportionen, stark stilisierten Posen und einer bewussten Mehrdeutigkeit der Perspektive führte. Beispielsweise beauftragte Gonfaloniere Piero Soderini sowohl Leonardo da Vinci als auch Michelangelo, eine Wand im Saal der Fünfhundert in Florenz zu schmücken. Diese beiden Künstler waren in der Lage, Seite an Seite zu malen und in direktem Wettbewerb zu stehen, wodurch der Impuls für maximale Innovation verstärkt wurde.

Früher Manierismus

Die ersten Manieristen in Florenz, insbesondere die Schüler von Andrea del Sarto wie Jacopo da Pontormo und Rosso Fiorentino, zeichnen sich durch die Verwendung langgestreckter Formen, prekär ausbalancierter Posen, einer komprimierten Perspektive, unlogischer Schauplätze und theatralischer Beleuchtung aus. Gleichzeitig verfolgten Parmigianino, ein Schüler von Correggio, und Giulio Romano, Raffaels wichtigster Assistent, in Rom ähnlich stilisierte ästhetische Wege. Diese Künstler waren unter dem allgegenwärtigen Einfluss der Hochrenaissance gereift, und ihr stilistisches Schaffen wurde entweder als Reaktion dagegen oder als übertriebene Erweiterung ihrer Prinzipien charakterisiert. Anstatt die Natur direkt zu beobachten, begannen jüngere Künstler, sich mit der hellenistischen Bildhauerei und den Gemälden früherer Meister zu beschäftigen. Daher wird dieser Stil häufig als „antiklassisch“ bezeichnet, obwohl er damals als natürliche Weiterentwicklung der Hochrenaissance angesehen wurde. Diese früheste experimentelle Phase des Manierismus, die für ihre „antiklassischen“ Formen bekannt ist, hielt bis etwa 1540 oder 1550 an. Marcia B. Hall, Professorin für Kunstgeschichte an der Temple University, stellt in ihrem Buch After Raphael fest, dass Raphaels vorzeitiger Tod das Aufkommen des Manierismus in Rom signalisierte.

Historische Analysen deuten darauf hin, dass der Manierismus im frühen 16. Jahrhundert entstand, was mit bedeutenden sozialen, wissenschaftlichen, religiösen und politischen Veränderungen zusammenfiel, darunter dem kopernikanischen Heliozentrismus, der Plünderung Roms im Jahr 1527 und der zunehmenden Herausforderung, die die protestantische Reformation für die Autorität der katholischen Kirche darstellte. Folglich wurden die charakteristischen länglichen und verzerrten Formen des Stils zuvor als direkte Reaktion auf die idealisierten Kompositionen verstanden, die in der Kunst der Hochrenaissance vorherrschend waren. Allerdings wird diese Interpretation des radikalen stilistischen Wandels um ca. 1520 von Wissenschaftlern nicht mehr allgemein akzeptiert, auch wenn frühe manieristische Werke deutlich von den Konventionen der Hochrenaissance abweichen. Die harmonische Zugänglichkeit und Ausgeglichenheit, die beispielsweise Raffaels Schule von Athen verkörpert, faszinierte aufstrebende Künstler nicht mehr.

Hohe Maniera

Die zweite Phase des Manierismus unterscheidet sich typischerweise von seiner anfänglichen, oft als „antiklassizistisch“ bezeichneten Periode. Spätere manieristische Künstler betonten intellektuelle Raffinesse und technische Virtuosität, Eigenschaften, die spätere Kritiker dazu veranlassten, ihre Arbeit als eine künstliche und affektierte „Manier“ (maniera) aufweisend zu beschreiben. Diese Maniera-Praktizierenden betrachteten Michelangelo, ihren älteren Zeitgenossen, als ihr wichtigstes künstlerisches Vorbild und schufen so eine Kunst, die andere Kunst nachahmte, anstatt die Natur direkt zu imitieren. Der Kunsthistoriker Sydney Joseph Freedberg geht davon aus, dass die intellektuelle Dimension der Maniera-Kunst auf der Anerkennung und Wertschätzung dieser visuellen Anspielungen durch das Publikum beruht – ein vertrautes Motiv in einem unbekannten Kontext, eingerahmt von „unsichtbaren, aber gefühlten Anführungszeichen“. Ein Markenzeichen der Maniera-Kunstfertigkeit ist die Neigung des Malers, künstlerische Zitate bewusst neu zu kontextualisieren. Agnolo Bronzino und Giorgio Vasari verkörpern diese Maniera-Tendenz, die von etwa 1530 bis 1580 vorherrschte. Die Maniera-Kunst wird vor allem an europäischen Höfen und intellektuellen Milieus kultiviert und verbindet höchste Eleganz mit akribischer Aufmerksamkeit für die Oberfläche und komplizierte Details: Figuren mit porzellanähnlicher Haut werden oft in gedämpftem, gleichmäßigem Licht liegend dargestellt und grüßen den Betrachter mit distanziertem Blick, sofern ein direkter Blickkontakt besteht gemacht. Maniera-Themen vermitteln selten starke Emotionen, was dazu führt, dass Werke in diesem Sinne häufig als „kalt“ oder „distanziert“ charakterisiert werden. Dies ist ein Beispiel für den ausgereiften „stilvollen Stil“ oder Maniera.

Verbreitung

In Italien dienten Rom, Florenz und Mantua als zentrale Zentren der manieristischen Kunst, während die venezianische Malerei, die durch Tizians umfangreiche Karriere veranschaulicht wird, eine deutliche Entwicklung verfolgte. Die Plünderung Roms im Jahr 1527 veranlasste viele frühmanieristische Künstler, die in den 1520er Jahren in der Stadt aktiv gewesen waren, zur Abreise. Ihre anschließende Zerstreuung über den gesamten Kontinent auf der Suche nach Aufträgen erleichterte die Verbreitung ihres Stils in ganz Italien und Nordeuropa und etablierte den Manierismus als erste internationale künstlerische Bewegung seit der Gotik. Obwohl es in einigen Regionen Nordeuropas an einer direkten Zusammenarbeit mit italienischen Künstlern mangelte, drang die manieristische Ästhetik in Drucke und illustrierte Bücher ein. Europäische Monarchen und andere Mäzene erwarben italienische Kunstwerke, während nordeuropäische Künstler weiterhin Reisen nach Italien unternahmen und so zur weiteren Verbreitung des Stils beitrugen. Die Anwesenheit einzelner im Norden tätiger italienischer Künstler förderte auch die Entstehung des nördlichen Manierismus; Beispielsweise erhielt Franz I. von Frankreich Bronzinos „Venus, Amor, Torheit und Zeit“ als Geschenk. In Italien begann der Niedergang des Stils nach 1580, als eine neue Generation von Künstlern, darunter die Brüder Carracci, Caravaggio und Cigoli, eine Wiederbelebung des Naturalismus einleitete. Walter Friedlaender charakterisierte diese nachfolgende Ära als „Antimanierismus“ und zog eine Parallele zur „antiklassischen“ Haltung der frühen Manieristen, die gegen ästhetische Prinzipien der Hochrenaissance reagierten. Heute sind die Brüder Carracci und Caravaggio weithin dafür bekannt, dass sie den Übergang zur Barockmalerei eingeleitet haben, die um 1600 zum vorherrschenden Stil wurde.

Über Italien hinaus hielt der Manierismus jedoch bis ins 17. Jahrhundert an. In Frankreich, wo Rosso für den Hof von Fontainebleau arbeitete, wird der Stil als „Heinrich-II.-Stil“ anerkannt und übte einen bemerkenswerten Einfluss auf die Architektur aus. Zu den wichtigsten kontinentalen Zentren des nördlichen Manierismus gehörten der Hof Rudolfs II. in Prag sowie Haarlem, Antwerpen und Danzig (Danzig). Die Klassifizierung des Manierismus wird seltener der englischen bildenden und dekorativen Kunst zugeschrieben, die typischerweise indigene Bezeichnungen wie „elisabethanische“ und „jakobinische“ verwendet. Eine bemerkenswerte Ausnahme ist der handwerkliche Manierismus des 17. Jahrhunderts, ein Begriff, der auf Architekturpraktiken angewendet wird, die sich auf Musterbücher und nicht auf etablierte kontinentaleuropäische Präzedenzfälle stützten.

Bemerkenswert ist, dass der flämische Einfluss in Fontainebleau die für den französischen Stil charakteristische Erotik mit einer aufkommenden Form der Vanitas-Tradition verband, die später zu einem vorherrschenden Thema in der niederländischen und flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts wurde. In dieser Zeit war das Konzept des „Pittore vago“ weit verbreitet und bezog sich auf nordische Maler, die sich in Werkstätten in Frankreich und Italien assimilierten und so zur Entwicklung eines wirklich internationalen künstlerischen Stils beitrugen.

Skulptur

Die frühen manieristischen Skulpturen Italiens spiegelten die Entwicklungen in der Malerei wider und stellten weitgehend das Bestreben dar, einen unverwechselbaren Stil zu schaffen, der die Errungenschaften der Hochrenaissance, insbesondere die von Michelangelo in der Bildhauerei, übertrifft. Dieser künstlerische Kampf manifestierte sich häufig in Aufträgen für die Piazza della Signoria in Florenz, neben Michelangelos David. Baccio Bandinelli übernahm den Auftrag für Herkules und Cacus direkt von Michelangelo; Allerdings wurde es damals nicht besser aufgenommen als heute, da Benvenuto Cellini es bekanntermaßen als „einen Sack voller Melonen“ herabwürdigte. Trotz dieser Kritik übte das Werk einen nachhaltigen Einfluss aus, indem es scheinbar Relieftafeln auf Statuensockeln einführte. Im Einklang mit anderen manieristischen Schöpfungen, einschließlich der eigenen von Bandinelli, musste bei dieser Skulptur deutlich mehr Material aus dem ursprünglichen Block entfernt werden, als Michelangelo normalerweise verwendete. Umgekehrt gilt Cellinis bronzener Perseus mit dem Haupt der Medusa als unbestrittenes Meisterwerk, das aus acht verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden soll – ein Markenzeichen des manieristischen Designs – und im Vergleich zu den David-Skulpturen von Michelangelo und Donatello eine künstliche Stilisierung aufweist. Ursprünglich als Goldschmied ausgebildet, markierte Cellinis berühmter Gold- und Emaille-Salzkeller (1543) sein erstes bildhauerisches Werk und stellte sein außergewöhnliches künstlerisches Können unter Beweis.

Kleine Bronzefiguren, die häufig mythologische Themen mit Akten für Sammlerschränke darstellten, stellten eine vorherrschende Kunstform der Renaissance dar. Giambologna, ein flämischer Künstler, der seine Karriere in Florenz begann, zeichnete sich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts besonders in diesem Genre aus. Darüber hinaus schuf er lebensgroße Skulpturen, von denen zwei in die auf der Piazza della Signoria ausgestellte Sammlung aufgenommen wurden. Giambologna und seine Anhänger entwickelten elegante, langgestreckte Darstellungen der figura serpentinata, häufig mit zwei ineinander verschlungenen Figuren, die aus mehreren Perspektiven ein fesselndes visuelles Interesse bieten sollten.

Frühe Theoretiker

Giorgio Vasari

Giorgio Vasaris Perspektiven auf die Kunst der Malerei werden in den Auszeichnungen deutlich, die er in seinem mehrbändigen Werk Leben der Künstler an Künstlerkollegen ausspricht. Er ging davon aus, dass künstlerische Exzellenz Verfeinerung, eine Fülle an Erfindungsreichtum (invenzione), vermittelt durch virtuose Technik (maniera), und die Manifestation von Intellekt und sorgfältigem Studium im fertigen Kunstwerk erfordert. Diese Kriterien unterstrichen insgesamt die intellektuelle Leistungsfähigkeit des Künstlers und den anspruchsvollen Geschmack des Auftraggebers. Künstler waren nicht mehr nur erfahrene Mitglieder einer örtlichen Lukasgilde; Stattdessen stiegen sie in höfische Kreise auf und verkehrten mit Gelehrten, Dichtern und Humanisten in einem Umfeld, das eine Wertschätzung für Raffinesse und Komplexität kultivierte. Das Wappen von Vasaris Medici-Gönnern prangt prominent an der Spitze seines Porträts, fast so, als wäre es sein persönliches Emblem. Der Rahmen der Holzschnittillustration zu Vasaris Leben würde im englischsprachigen Kontext als „jakobinisch“ kategorisiert werden. Dieser Rahmen umfasst „anti-architektonische“ architektonische Elemente an der Oberseite, einen perforierten, papierähnlichen Rahmen und Satyr-Akte an der Basis, die alle von Michelangelos Medici-Gräbern inspiriert sind. Als bloßer Rahmen kommt seine Extravaganz zum Ausdruck und verkörpert die Essenz des Manierismus.

Gian Paolo Lomazzo

Gian Paolo Lomazzo, eine weitere bedeutende literarische Persönlichkeit dieser Zeit, verfasste zwei unterschiedliche Werke – ein praktisches und ein metaphysisches –, die maßgeblich dazu beitrugen, die introspektive Beziehung des manieristischen Künstlers zu seinem Handwerk zu artikulieren. Sein Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Mailand, 1584) fungiert teilweise als Handbuch zum zeitgenössischen Anstand, einem Konzept, das die Renaissance teilweise aus der Antike übernommen, aber durch den Manierismus erheblich erweitert hat. Lomazzos systematische ästhetische Kodifizierung, die für die im späten 16. Jahrhundert vorherrschenden zunehmend formalisierten und akademischen Methoden charakteristisch ist, unterstrich die Bedeutung der Harmonie zwischen Innenfunktionen und angemessenen bemalten oder skulpturalen Dekorationen. Die komplizierte und oft komplizierte Ikonographie wurde zu einem ausgeprägteren Merkmal manieristischer Stile. Sein späteres, eher metaphysisches Werk Idea del tempio della pittura (Der ideale Tempel der Malerei, Mailand, 1590) erforscht die menschliche Natur und Persönlichkeit durch die Linse der Theorie der „vier Temperamente“ und beschreibt so die Bedeutung der Individualität für künstlerisches Urteilsvermögen und Innovation.

Eigenschaften manieristischer Kunstwerke

Der Manierismus entstand als antiklassische Bewegung, die deutlich von den ästhetischen Prinzipien der Renaissance abwich. Während der Manierismus zunächst positiv aufgenommen wurde, insbesondere durch Vasaris Schriften, erregte er später negative Wahrnehmungen und wurde lediglich als „eine Änderung der natürlichen Wahrheit und eine abgedroschene Wiederholung natürlicher Formeln“ angesehen. Als künstlerisches Phänomen weist der Manierismus zahlreiche charakteristische Merkmale auf, die einen experimentellen Ansatz künstlerischer Wahrnehmung widerspiegeln. Im Folgenden werden einige spezifische Merkmale aufgeführt, die häufig von manieristischen Künstlern in ihren Kreationen verwendet werden.

• Verlängerung von Figuren: Ein herausragendes Merkmal in der manieristischen Kunst war die Verlängerung der menschlichen Figur, die gelegentlich zu eigenartigen oder unkonventionellen Bildern führte.
• Verzerrung der Perspektive: In der Malerei diente die Manipulation der Perspektive dazu, Ideale hinsichtlich der Schaffung perfekter räumlicher Anordnungen zu untersuchen. Dennoch manifestierte sich dieses Streben nach Perfektion gelegentlich in der Schaffung unverwechselbarer visueller Kompositionen. Die Verkürzung war eine häufig eingesetzte Technik, um eine solche Verzerrung zu erreichen. In Fällen extremer Verzerrung könnten die resultierenden Bilder fast nicht mehr zu entziffern sein.
• Schwarze Hintergründe: Manieristische Künstler verwendeten häufig flache schwarze Hintergründe, um starke Kontraste in den Konturen zu erzielen und so dramatische Szenen zu verstärken. Diese dunklen Hintergründe trugen auch zu einer ätherischen oder fantastischen Atmosphäre innerhalb des dargestellten Themas bei.
• Einsatz von Dunkelheit und Licht: Viele manieristische Künstler versuchten, die nächtliche Essenz durch bewusste Beleuchtung hervorzurufen und verliehen den Szenen häufig eine fantastische Qualität. Besonderer Wert wurde auf die Darstellung von Fackel- und Mondlicht gelegt, um die dramatische Wirkung zu verstärken.
• Skulptuelle Formen: Der Manierismus zeigte einen erheblichen Einfluss der Skulptur, einem Medium, das im 16. Jahrhundert einen Aufschwung erlebte. Folglich haben manieristische Künstler ihre Darstellungen des menschlichen Körpers häufig anhand vorhandener Skulpturen und Drucke modelliert. Diese Praxis ermöglichte es ihnen, sich darauf zu konzentrieren, ein gesteigertes Gefühl der Dreidimensionalität zu erreichen.
• Klarheit der Linien: Ein bemerkenswertes Merkmal des Manierismus war die akribische Aufmerksamkeit, die auf die präzisen Umrisse der Figuren gelegt wurde, was ihn deutlich vom Stil des Barock und der Hochrenaissance unterschied. Diese klaren Umrisse ermöglichten häufig eine stärkere Betonung komplizierter Details.
• Komposition und Raum: Manieristische Künstler wichen bewusst von den Idealen der Renaissance ab, insbesondere von der Konvention der Ein-Punkt-Perspektive. Stattdessen verlagerte sich ihr Fokus auf atmosphärische Effekte und die bewusste Verzerrung der Perspektive. Die räumliche Anordnung manieristischer Kunstwerke begünstigte daher entweder dicht besiedelte Kompositionen mit zahlreichen Formen und Figuren oder spärliche Kompositionen, die schwarze Hintergründe hervorhoben.
• Manieristische Bewegung: Das tiefe Interesse an der menschlichen Fortbewegung führte häufig dazu, dass manieristische Künstler markante, schlangenförmige Posen darstellten. Diese oft instabilen Figuren implizieren durch ihre dynamischen Bewegungen häufig Folgebewegungen. Darüber hinaus veranschaulicht diese Technik den experimentellen Umgang der Künstler mit der Form.
• Gemalte Rahmen: In bestimmten manieristischen Kreationen wurden bemalte Rahmen integriert, um mit dem Hintergrund des Kunstwerks zu harmonieren, und wurden gelegentlich zu einem wesentlichen Bestandteil der Gesamtkomposition. Diese Integration wurde besonders deutlich, wenn komplizierte Details im Vordergrund standen.
• Manieristische Künstler verwendeten häufig Sfumato, eine Technik, die durch „die Wiedergabe weicher und verschwommener Konturen oder Oberflächen“ gekennzeichnet ist, um den Lichtfluss in ihren Kompositionen darzustellen.
• Über das Experimentieren mit Form, Komposition und Licht hinaus erweiterte der Manierismus auf einzigartige Weise seinen innovativen Ansatz zur Farbe. Zahlreiche Kunstwerke zeichnen sich durch reine und intensive Blau-, Grün-, Rosa- und Gelbtöne aus, die gelegentlich das Gesamtdesign stören, es jedoch manchmal verstärken. Bei der Darstellung von Figuren betonten Künstler häufig die Leuchtkraft des Teints und verwendeten blaue Untertöne.

Prominente Künstler und beispielhafte Werke

Jacopo da Pontormo

Jacopo da Pontormos Werk stellt einen grundlegenden Beitrag zum Manierismus dar. Seine Themen orientierten sich häufig an religiösen Erzählungen, und – maßgeblich von Michelangelo beeinflusst – bezog er sich häufig auf skulpturale Formen oder verwendete diese direkt als kompositorische Vorbilder. Ein charakteristisches Merkmal seiner Kunst ist die Darstellung von Figuren, deren Blicke den Betrachter oft aus mehreren Blickwinkeln direkt ansprechen. Pontormo, der für seinen sorgfältigen und bewussten Arbeitsprozess bekannt ist, äußerte häufig Bedenken hinsichtlich der Qualität seiner Kreationen. Sein bleibendes Erbe wird hoch geschätzt, da er Künstler wie Agnolo Bronzino tiefgreifend beeinflusst und die ästhetischen Prinzipien des Spätmanierismus geprägt hat.

Pontormos Joseph in Ägypten, fertiggestellt 1517, präsentiert eine fortlaufende Erzählung mit vier verschiedenen biblischen Episoden, die Josephs Wiedervereinigung mit seiner Familie darstellen. Die linke Seite der Komposition zeigt, wie Joseph seine Familie dem Pharao von Ägypten vorstellt. Auf der rechten Seite ist Joseph auf einer rollenden Bank dargestellt, umgeben von Putten, anderen Figuren und entfernten Felsen entlang eines Pfades. Über diesen Szenen führt eine Wendeltreppe hinauf, über die Joseph einen seiner Söhne zu seiner Mutter auf dem Gipfel führt. Die letzte Szene auf der rechten Seite zeigt die abschließenden Momente in Jakobs Leben, beobachtet von seinen Söhnen.

Joseph in Ägypten veranschaulicht mehrere Schlüsselmerkmale des Manierismus. Bemerkenswert ist, dass es unpassende Farbschemata verwendet, wobei verschiedene Rosa- und Blautöne die Leinwand dominieren. Ein weiteres manieristisches Merkmal ist die unzusammenhängende zeitliche und räumliche Darstellung von Josephs Erzählung über mehrere Szenen hinweg. Durch die Integration dieser vier unterschiedlichen Erzählungen schafft Pontormo eine dicht gepackte Komposition, die einen übergreifenden Eindruck visueller Komplexität und Aktivität vermittelt.

Rosso Fiorentino und die Schule von Fontainebleau

Rosso Fiorentino, ein Zeitgenosse von Pontormo in Andrea del Sartos Atelier, führte 1530 den Florentiner Manierismus in Fontainebleau ein. Dort entwickelte er sich zu einer Schlüsselfigur bei der Etablierung des französischen Manierismus des 16. Jahrhunderts, der später als Schule von Fontainebleau bekannt wurde.

Die in Fontainebleau entwickelte opulente und dynamische dekorative Ästhetik propagierte maßgeblich den italienischen Stil. Diese Verbreitung erfolgte hauptsächlich durch Stiche, die bis nach Antwerpen und anschließend über ganz Nordeuropa, von London bis Polen, reichten. Manieristische Designprinzipien wurden auch auf Luxusartikel angewendet, darunter Silberarbeiten und geschnitzte Möbel. Zu den charakteristischen Merkmalen dieses Stils gehören ein gesteigertes Gefühl kontrollierter Spannung, das durch komplizierte Symbolik und Allegorien vermittelt wird, sowie eine idealisierte Darstellung weiblicher Schönheit, die durch längliche Proportionen gekennzeichnet ist.

Agnolo Bronzino

Agnolo Bronzino, ein Schüler von Pontormo, entwickelte einen äußerst einflussreichen Stil, der die Zuschreibung zahlreicher Kunstwerke häufig erschwerte. Im Laufe seiner Karriere arbeitete Bronzino auch mit Vasari zusammen und fungierte als Bühnenbildner für die Produktion „Comedy of Magicians“, bei der er zahlreiche Porträts anfertigte. Seine Kunst war sehr begehrt und er erlangte beträchtliche Anerkennung, als er 1539 zum Hofmaler der Medici-Familie ernannt wurde. Ein charakteristisches manieristisches Merkmal in Bronzinos Oeuvre war seine charakteristische Darstellung leuchtender, fast milchiger Gesichtsfarbe.

Bronzinos Gemälde Venus, Amor, Torheit und Zeit zeigt eine rätselhafte erotische Szene, die zahlreiche Interpretationen hervorruft. Im Vordergrund sind Amor und Venus zu sehen, die kurz vor einem Kuss stehen und scheinbar mitten im Akt unterbrochen werden. Über ihnen sind mythologische Figuren zu sehen, darunter der Vater der Zeit auf der rechten Seite, der einen Vorhang zurückzieht, um das Paar zu enthüllen, und die Göttin der Nacht auf der linken Seite. Die Komposition umfasst außerdem eine Sammlung von Masken, ein Hybridwesen mit den Merkmalen eines Mädchens und einer Schlange sowie eine Figur in heftigem Todeskampf. Für die Bedeutung des Gemäldes wurden verschiedene Theorien aufgestellt, beispielsweise sein möglicher Kommentar zu den Gefahren der Syphilis oder seine Funktion als höfische Ablenkung.

Bronzinos manieristische Porträts zeichnen sich durch eine ruhige Eleganz und einen anspruchsvollen Fokus auf komplizierte Details aus. Daher vermitteln seine Motive oft den Eindruck von Distanz und emotionaler Distanz zum Betrachter. Ein bemerkenswerter Aspekt ist die meisterhafte Wiedergabe der präzisen Muster und des strahlenden Glanzes opulenter Textilien. In Venus, Cupid, Folly and Time setzt Bronzino gezielt manieristische Techniken ein, darunter markante Bewegungen, akribische Details, lebendige Farben und skulpturale Formen. Die unbeholfenen, verzerrten Haltungen von Amor und Venus, die sich teilweise umarmen, sind ein Beispiel für diese manieristische Bewegung. Bronzino verleiht den Figuren vor allem ein makelloses, porzellanähnliches Weiß und lässt ihre Muskulatur sanft verschwinden, um an die polierte Oberfläche einer Skulptur zu erinnern.

Alessandro Allori

Alessandro Alloris (1535–1607) Susanna und die Ältesten zeichnet sich durch seine subtile Erotik und bewusst auffällige Stilllebenelemente aus, die alle in eine dichte, verzerrte Komposition integriert sind.

Jacopo Tintoretto

Jacopo Tintoretto ist für seine besonderen Beiträge zur venezianischen Malerei bekannt, die sich deutlich von Tizians Vermächtnis unterscheiden. Sein künstlerisches Schaffen, das sich deutlich von dem seiner Vorgänger unterschied, wurde von Vasari wegen seines „fantastischen, extravaganten, bizarren Stils“ kritisiert. Tintoretto integrierte Elemente des Manierismus in sein Werk und löste sich damit von den traditionellen venezianischen Malkonventionen. Er schuf häufig Kunst, die fantastische Komponenten mit Naturalismus vermischte. Zu den weiteren charakteristischen Merkmalen von Tintorettos Oeuvre gehört seine Betonung der Farbe, die durch die konsequente Anwendung grober Pinselstriche und den experimentellen Einsatz von Pigmenten erreicht wird, um optische Täuschungen zu erzeugen.

Tintorettos Letztes Abendmahl, 1591 von Michele Alabardi für San Giorgio Maggiore in Auftrag gegeben, veranschaulicht die Merkmale des Manierismus. In dieser Darstellung wird die Szene aus der Perspektive einer Gruppe dargestellt, die auf der rechten Seite der Komposition positioniert ist. Auf der linken Seite sitzen Christus und die Apostel an einer Seite des Tisches, während Judas auffällig isoliert ist. Die überwiegend dunkle Umgebung verfügt über begrenzte Lichtquellen, die insbesondere vom Heiligenschein Christi und einer über dem Tisch hängenden Fackel ausgehen.

Die charakteristische Komposition von Tintorettos Letztem Abendmahl weist deutlich manieristische Züge auf. Ein wesentliches Merkmal von Tintoretto ist der dunkle Hintergrund. Während das Gemälde perspektivisch eine Innenkulisse suggeriert, sind die kompositorischen Ränder größtenteils in Schatten gehüllt, was die dramatische Wirkung der zentralen Szene des Letzten Abendmahls verstärkt. Darüber hinaus verwendet Tintoretto dramatische Scheinwerfer, die besonders deutlich im Heiligenschein Christi und der aufgehängten Fackel, die den Tisch beleuchtet, deutlich werden. Ein drittes manieristisches Merkmal, das Tintoretto verwendet, ist die atmosphärische Darstellung von Figuren, die wie aus Rauch geformt erscheinen und in der Komposition schweben.

El Greco

El Greco, der auf Kreta geborene spanische Maler, versuchte, religiöse Gefühle durch übertriebene Gesichtszüge zu vermitteln. Im Anschluss an die Errungenschaften der Hochrenaissance in der realistischen menschlichen Darstellung und der Beherrschung der Perspektive verzerrten bestimmte Künstler absichtlich Proportionen innerhalb fragmentierter, unlogischer Räume, um eine ausdrucksstarke und ästhetische Wirkung zu erzielen. El Greco bleibt ein zutiefst origineller Künstler, den zeitgenössische Gelehrte als so unverwechselbar beschreiben, dass er sich jeder Kategorisierung innerhalb einer konventionellen Schule entzieht. Zu den herausragenden manieristischen Elementen in El Grecos Werk gehören eine nicht übereinstimmende „saure“ Farbpalette, längliche und verzerrte anatomische Formen, unlogische Perspektive und Beleuchtung sowie eine rätselhafte, beunruhigende Ikonographie. El Grecos unverwechselbarer Stil stellte eine Synthese einzigartiger künstlerischer Entwicklungen dar, die in seinem griechischen Erbe und seinen Reisen durch Spanien und Italien verwurzelt waren.

El Grecos künstlerisches Schaffen integrierte verschiedene Stilelemente, darunter byzantinische Einflüsse, die Techniken von Caravaggio und Parmigianino sowie venezianische Farbpaletten. Seine starke Betonung der Farbe war ein grundlegender Aspekt seiner Malerei, den er für überragend hielt. Im Laufe seiner Karriere stießen El Grecos Kreationen stets auf große Nachfrage und führten zu Großaufträgen, unter anderem für Institutionen wie das Colegio de la Encarnación de Madrid.

El Grecos unverwechselbarer Malstil und seine Ausrichtung auf manieristische Merkmale werden in seinem Werk Laocoön aus dem Jahr 1610 deutlich. Dieses Gemälde veranschaulicht die mythologische Erzählung von Laokoon, der die Trojaner vor der Gefahr des hölzernen Pferdes warnte, das die Griechen der Göttin Athene als Friedensangebot darbrachten. Folglich übte Athene (oder ihr römisches Gegenstück Minerva) Rache, indem sie Schlangen schickte, um Laokoon und seine beiden Söhne zu töten. Anstatt Troja als Schauplatz darzustellen, positionierte El Greco die Szene in der Nähe von Toledo, Spanien, mit der Absicht, „die Geschichte zu universalisieren, indem sie ihre Relevanz für die heutige Welt herausstellte“.

Der unverwechselbare Stil von El Grecos Laocoön dient als Paradebeispiel für zahlreiche manieristische Merkmale. Die Komposition zeichnet sich vor allem durch längliche menschliche Formen und schlangenförmige Bewegungen aus, die insgesamt einen Eindruck von Eleganz vermitteln. Darüber hinaus weist das Gemälde durch El Grecos Darstellung eines dunstigen Himmels und einer verschwommenen Hintergrundlandschaft manieristische atmosphärische Effekte auf.

Benvenuto Cellini

Im Jahr 1540 fertigte Benvenuto Cellini den Cellini-Salzkeller, ein exquisites Stück aus Gold und Emaille. Es zeigt Figuren von Poseidon und Amphitrite, die Wasser und Erde symbolisieren, in unkonventionellen Posen und mit länglichen Proportionen dargestellt. Dieses Werk gilt weithin als wegweisendes Meisterwerk der manieristischen Bildhauerei.

Lavinia Fontana

Lavinia Fontana (1552–1614) war eine prominente manieristische Porträtmalerin, die häufig als die erste professionelle Künstlerin in Westeuropa anerkannt wurde. Sie bekleidete die angesehene Position der Porträtmalerin im Vatikan. Ihr künstlerischer Ansatz zeichnet sich durch Einflüsse der Malerfamilie Carracci und die für die venezianische Schule charakteristischen lebendigen Farbpaletten aus. Fontana wird besonders für ihre Porträts von Adligen und ihre Darstellungen von Aktfiguren gefeiert, ein Thema, das für eine Künstlerin ihrer Zeit als unkonventionell galt.

Taddeo Zuccaro (oder Zuccari)

Taddeo Zuccaro wurde in Sant'Angelo in Vado, einer Stadt in der Nähe von Urbino, als Sohn von Ottaviano Zuccari, einem Maler von begrenztem Ruf, geboren. Sein Bruder Federico, geboren um 1540, verfolgte ebenfalls eine Karriere als Maler und Architekt.

Federico Zuccaro (oder Zuccari)

Federico Zuccaros professionelle künstlerische Karriere begann im Jahr 1550, als er nach Rom zog, um bei seinem älteren Bruder Taddeo in die Lehre zu gehen. Anschließend führte er dekorative Arbeiten für Papst Pius IV. aus und trug zu den Freskenverzierungen in der Villa Farnese in Caprarola bei. Von 1563 bis 1565 war Zuccaro in Venedig tätig und arbeitete mit der Familie Grimani aus Santa Maria Formosa zusammen. Während dieser venezianischen Amtszeit reiste er in Begleitung von Palladio durch Friaul.

Joachim Wtewael

Joachim Wtewael (1566–1638) pflegte zeitlebens einen nordischen manieristischen Malstil, wobei er insbesondere die Entstehung der Barockkunst außer Acht ließ. Dieses Festhalten macht ihn möglicherweise zum letzten prominenten manieristischen Künstler, der noch aktiv ist. Sein Oeuvre umfasste neben mythologischen Szenen auch umfangreiche Stilllebenkompositionen, die an Pieter Aertsen erinnern. Viele seiner Werke waren kleine, sorgfältig auf Kupfer gemalte Kabinettgemälde, die häufig nackte Figuren zeigten.

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo ist vor allem für seine unverwechselbaren Kunstwerke bekannt, die Elemente von Stillleben und Porträts integrieren. Sein künstlerischer Ansatz wird als manieristisch kategorisiert und zeichnet sich durch einen Assemblage-Stil aus, bei dem Obst und Gemüse Kompositionen bilden, die in mehreren Ausrichtungen, auch umgekehrt, interpretiert werden können. Arcimboldos Kreationen stehen auch durch den Humor, den sie dem Betrachter vermitteln, im Einklang mit dem Manierismus und weichen von der tiefen Ernsthaftigkeit ab, die oft mit der Kunst der Renaissance assoziiert wird. Stilistisch zeichnen sich seine Gemälde durch eine sorgfältige Beobachtung der Natur und die Konzeptualisierung einer „monströsen Erscheinung“ aus.

Zu Arcimboldos Werken, die ausgeprägte manieristische Merkmale aufweisen, gehört das Gemälde Vertumnus. Auf schwarzem Hintergrund dargestellt, zeigt es ein Porträt Rudolfs II., dessen Form ausschließlich aus verschiedenen Gemüsesorten, Blumen und Früchten besteht. Der humorvolle Aspekt des Gemäldes vermittelt einen Kommentar zur Macht und legt nahe, dass Kaiser Rudolf II. ein dunkleres inneres Selbst hinter seiner öffentlichen Rolle verbarg. Umgekehrt lässt sein ernster Unterton den erwarteten Wohlstand während seiner kaiserlichen Amtszeit ahnen.

Das Kunstwerk Vertumnus enthält mehrere manieristische Elemente, die sowohl in seiner Komposition als auch in seinem thematischen Inhalt deutlich werden. Ein bemerkenswertes Merkmal ist der flache, schwarze Hintergrund, den Arcimboldo verwendete, um den Status und die Identität des Kaisers zu unterstreichen und gleichzeitig die fantastische Natur seiner Herrschaft hervorzuheben. In diesem Porträt von Rudolf II. weicht Arcimboldo von der für die Renaissance typischen naturalistischen Darstellung ab und erforscht stattdessen den kompositorischen Aufbau, indem er den Kaiser aus einer Ansammlung von Früchten, Gemüse, Pflanzen und Blumen darstellt. Darüber hinaus veranschaulicht das Gemälde den Manierismus durch seine doppelte Erzählung, indem es Humor einer ernsten Botschaft gegenüberstellt – eine Abkehr von der typischen Abwesenheit von Humor in der Kunst der Renaissance.

Architektur

Manieristische Architektur zeichnete sich durch visuelle Täuschung und unkonventionelle Elemente aus, die etablierte Konventionen der Renaissance untergruben. Flämische Künstler, von denen viele auf ihren Reisen in Italien die Neuerungen des Manierismus übernommen hatten, spielten eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung dieser Trends in ganz Europa nördlich der Alpen, insbesondere im architektonischen Design. In dieser Zeit experimentierten Architekten mit der Nutzung architektonischer Formen, um solide und räumliche Beziehungen hervorzuheben. Die Betonung der Harmonie in der Renaissance wich flüssigeren und fantasievolleren kompositorischen Rhythmen. Michelangelo (1475–1564), ein Pionier der Laurentianischen Bibliothek, gilt als der bedeutendste Architekt des manieristischen Stils. Ihm wird die Idee des Riesenordens zugeschrieben, eines monumentalen Pilasters oder einer Säule, die sich vertikal über mehrere Stockwerke einer Fassade erstreckt und den er in seinem Entwurf für die Piazza del Campidoglio in Rom verwendete. Gleichzeitig entstand in Spanien im letzten Drittel des 16. Jahrhunderts unter der Herrschaft Philipps II. (1556–1598) der Herrerianische Architekturstil (Spanisch: estilo herreriano oder arquitectura herreriana), der bis ins 17. Jahrhundert anhielt, wenn auch durch den vorherrschenden Barockstil verändert. Dieser Stil stellt die dritte und letzte Phase der spanischen Renaissance-Architektur dar, die durch eine fortschreitende ornamentale Vereinfachung gekennzeichnet ist und vom anfänglichen Plateresken und klassischen Purismus der Mitte des 16. Jahrhunderts zur völligen dekorativen Strenge übergeht, die durch den Herrerianischen Stil eingeführt wurde.

Vor dem 20. Jahrhundert hatte der Begriff Manierismus eine abwertende Konnotation; Heutzutage wird es jedoch verwendet, um die historische Periode in umfassenderen, nicht bewertenden Begriffen zu charakterisieren. Manieristische Architektur wurde auch zur Beschreibung eines Trends in der Mitte des 20. Jahrhunderts (1960er und 1970er Jahre) herangezogen, der die Konventionen der modernistischen Architektur gleichzeitig in Frage stellte und anerkannte. In diesem Zusammenhang definierte der Architekt und Autor Robert Venturi den Manierismus als: „Manierismus für die Architektur unserer Zeit, der die konventionelle Ordnung anstelle des ursprünglichen Ausdrucks anerkennt, aber die konventionelle Ordnung bricht, um Komplexität und Widersprüchen Rechnung zu tragen, und dadurch Mehrdeutigkeit eindeutig angeht.“

Renaissance-Beispiele

Die Villa Farnese in Caprarola liegt in der rauen römischen Landschaft und ist ein herausragendes Beispiel manieristischer Architektur. Die weit verbreitete Tätigkeit von Graveuren im 16. Jahrhundert ermöglichte die Verbreitung manieristischer Stile in einem beispiellosen Tempo im Vergleich zu früheren künstlerischen Strömungen.

Das reich verzierte Schauportal von Schloss Colditz, reich an „römischen“ Details, ist ein Beispiel für den nördlichen manieristischen Stil, der typischerweise als eigenständiges, isoliertes architektonisches Element gegen schmuckloses volkstümliches Mauerwerk eingesetzt wird.

Ab den späten 1560er Jahren entstanden zahlreiche Bauwerke in Valletta, Maltas neu gegründete Hauptstadt, wurde vom Architekten Girolamo Cassar im manieristischen Stil konzipiert. Zu diesen Gebäuden gehören die St. John's Co-Cathedral, der Grandmaster's Palace und die sieben ursprünglichen Auberges. Während viele von Cassars Bauwerken späteren Veränderungen unterzogen wurden, insbesondere während der Barockzeit, haben einige ausgewählte Gebäude, darunter die Auberge d'Aragon und das Äußere der St. John's Co-Cathedral, weitgehend Cassars ursprüngliche manieristische Ästhetik bewahrt.

Während viele Architekturstile harmonische Ideale erforschen, geht der Manierismus über konventionelle Stilnormen hinaus, indem er die Ästhetik der Übertreibung und Übertreibung erforscht. Es zeichnet sich durch seine intellektuelle Raffinesse und seine eher künstlichen als naturalistischen Merkmale aus. Der Manierismus priorisiert kompositorische Spannung und Instabilität gegenüber traditioneller Ausgewogenheit und Klarheit. Die genaue Definition des Manierismus und seiner inneren Phasen ist nach wie vor Gegenstand anhaltender wissenschaftlicher Debatten unter Kunsthistorikern.

Der Manierismus im Norden oder Antwerpen ging dem italienischen Manierismus voraus und unterschied sich von ihm. Während seiner wirtschaftlichen Blütezeit im 16. Jahrhundert entwickelte Antwerpen einen unverwechselbaren Stil, der die letzte Phase der frühen niederländischen Malerei darstellte und gleichzeitig Elemente der Frührenaissance einbezog. Antwerpen diente als entscheidender Kanal für die weite Verbreitung des Stils der Renaissance und des Manierismus in ganz England, Deutschland und Nord- und Osteuropa.

Literatur und Musik

Der literarische Manierismus umfasste unter anderem prominente Persönlichkeiten wie Michelangelo, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Veronica Franco und Miguel de Cervantes.

In der englischen Literatur wird Manierismus häufig mit den Merkmalen der „metaphysischen Dichter“ in Verbindung gebracht, wobei John Donne der bekannteste ist. Eine prägnante Unterscheidung zwischen barocken und manieristischen künstlerischen Zielen liefert die scharfsinnige Kritik von John Dryden, einem barocken Schriftsteller, der sich an der Poesie von John Donne aus der vorhergehenden Generation richtet:

Er beeinflusst die Metaphysik, nicht nur in seinen Satiren, sondern auch in seinen Liebesversen, wo nur die Natur herrschen sollte; und verwirrt den Verstand des schönen Geschlechts mit netten Spekulationen der Philosophie, obwohl er ihre Herzen fesseln und sie mit den Sanftheiten der Liebe unterhalten sollte.

Das reichhaltige musikalische Potenzial der Poesie des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts bot eine überzeugende Grundlage für das Madrigal. Diese Form erlangte schnell Bekanntheit als wichtigstes Musikgenre in der italienischen Kultur, wie Tim Carter feststellte:

Das Madrigal, insbesondere in seiner aristokratischen Gestalt, war offensichtlich ein Vehikel für den „stilvollen Stil“ des Manierismus, bei dem Dichter und Musiker in witzigen Einfällen und anderen visuellen, verbalen und musikalischen Tricks schwelgten, um den Kenner zu erfreuen.

Der Begriff „Manierismus“ wurde auch verwendet, um die äußerst kunstvolle und kontrapunktisch komplizierte polyphone Musik zu charakterisieren, die im Frankreich des späten 14. Jahrhunderts komponiert wurde. Diese Ära wird heute häufiger als ars subtilior bezeichnet.

Manierismus und Theater

Die frühe Commedia dell'Arte (1550–1621): Der manieristische Kontext von Paul Castagno untersucht den Einfluss des Manierismus auf das zeitgenössische professionelle Theater. Castagnos Forschung markierte den ersten Versuch, eine Theaterform als manieristisch zu kategorisieren, indem er die Terminologie des Manierismus und der *maniera* nutzte, um die Typisierung, Übertreibung und das effetto meraviglioso zu analysieren, die den comici dell'arte innewohnen. Die Studie ist überwiegend ikonografisch und bietet bildliche Beweise dafür, dass zahlreiche Künstler, die für das Malen oder Drucken von *commedia*-Bildern verantwortlich sind, aus zeitgenössischen Werkstätten stammen, die tief in der *maniera*-Tradition verwurzelt sind.

Die komplizierten Details in Jacques Callots winzigen Gravuren scheinen auf ein weitaus größeres Ausmaß der Handlung hinzuweisen. Callots Balli di Sfessania (lit.'Tanz der Gesäßbacken') zeigt die offene Erotik der *commedia* durch Elemente wie hervorstehende Phalli, Speere, die mit der Andeutung komischer Durchdringung positioniert und grotesk übertrieben sind Masken, die bestialische und menschliche Eigenschaften vereinen. Die mit den Innamorate ("Liebenden") verbundene Erotik, die sich in Elementen wie entblößten Brüsten oder aufwändiger Verschleierung manifestierte, war in Gemälden und Stichen der zweiten Schule von Fontainebleau hoch in Mode, insbesondere in solchen, die einen französisch-flämischen Einfluss zeigten. Castagno stellt ikonografische Verbindungen zwischen der Genremalerei und den Figuren der *Commedia dell'arte* her und veranschaulicht, wie diese Theaterform tief in die kulturellen Traditionen des späten *Cinquecento* integriert war.

Commedia dell'arte, disegno interno und die Discordia Concors

Bedeutende Korrelationen bestehen zwischen dem disegno interno, das in der manieristischen Malerei das disegno esterno (äußere Gestaltung) ablöste. Dieses Konzept beinhaltet die Projektion einer zutiefst subjektiven Perspektive, die natürliche Formen oder etablierte Prinzipien (wie die lineare Perspektive) außer Kraft setzt und dadurch den Schwerpunkt vom Objekt auf sein Subjekt verlagert und Ausführung, Virtuosität oder besondere Techniken hervorhebt. Diese innere Vision ist für die Aufführung einer Komödie von grundlegender Bedeutung. Bei der Improvisation beispielsweise demonstriert ein Schauspieler Virtuosität, ohne sich an formale Zwänge, Anstand, Einheitlichkeit oder einen vorgeschriebenen Text zu halten. Arlecchino verkörperte die manieristische Discordia Concors (die Vereinigung der Gegensätze); Er könnte einen Moment lang sanft und wohlwollend sein und sich dann plötzlich in einen gewalttätigen Dieb verwandeln, der sich auf einen Konflikt einlässt. Arlecchino könnte anmutige Bewegungen zeigen, nur um im nächsten Moment ungeschickt zu stolpern. Befreit von äußeren Vorschriften zelebrierte der Schauspieler die Vergänglichkeit des Augenblicks, ähnlich wie Benvenuto Cellini seine Besucher fesselte, indem er seine Skulpturen drapierte und sie mit dramatischer Beleuchtung und einem Sinn für Staunen enthüllte. Die Präsentation eines Objekts wurde somit ebenso entscheidend wie das Objekt selbst.

Neo-Manierismus

Im 20. Jahrhundert ging die Entstehung des Neomanierismus auf den Künstler Ernie Barnes zurück. Der Stil wurde stark von der jüdischen und afroamerikanischen Gemeinschaft beeinflusst und gipfelte in der Ausstellung „Die Schönheit des Ghettos“, die zwischen 1972 und 1979 auf Tournee ging. Diese Ausstellung reiste in große amerikanische Städte und erhielt die Schirmherrschaft von Würdenträgern, Profisportlern und Prominenten. Als die Ausstellung 1974 im Museum of African Art in Washington, D.C. gezeigt wurde, unterstrich der Abgeordnete John Conyers ihre bedeutende positive Botschaft im Congressional Record.

Der von Barnes entwickelte neomanieristische Stil zeichnet sich durch verlängerte Gliedmaßen und Körper sowie übertriebene Bewegungen aus. Ein weiteres wiederkehrendes Motiv sind die geschlossenen Augen der Motive, die symbolisieren, „wie blind wir für die Menschlichkeit des anderen sind“. Barnes drückte dies so aus: „Wir schauen einander an und entscheiden sofort: Diese Person ist schwarz, also muss sie … Diese Person lebt in Armut, also muss sie …“ sein.

Theater und Kino

In einem Interview nannte Filmregisseur Peter Greenaway Federico Fellini und Bill Viola als Hauptinspirationen für seine umfassende und selbstreferenzielle Untersuchung der inhärenten Spannung zwischen der Datenbankstruktur von Bildern und den verschiedenen analogen und digitalen Schnittstellen, die sie filmisch organisieren. Dieses Engagement kann gerade deshalb als neomanieristisch eingestuft werden, weil es sich vom (neo-)barocken unterscheidet: „So wie der römische Katholizismus Ihnen das Paradies und den Himmel bieten würde, gibt es ein entsprechendes kommerzielles Paradies, das größtenteils durch den gesamten kapitalistischen Effekt geboten wird, der mit dem westlichen Kino verbunden ist. Dies ist meine politische Analogie in Bezug auf den Einsatz von Multimedia als politische Waffe. Ich würde in gewisser Weise die große barocke Gegenreformation und ihre kulturelle Aktivität mit dem gleichsetzen, was das Kino, vorwiegend das amerikanische Kino, hat.“ was ich in den letzten siebzig Jahren getan habe.“

Als Begriff der Kritik

Laut dem Kunstkritiker Jerry Saltz gehört „Neo-Manierismus“ (neuer Manierismus) zu mehreren Klischees, die „der Kunstwelt das Leben verdrängen“. Saltz definiert den Neo-Manierismus als Kunst des 21. Jahrhunderts, die von Studenten geschaffen wurde, deren akademische Lehrer „sie so eingeschüchtert haben, dass sie angenehm sanftmütig, nachahmend und gewöhnlich sind“.

Counter-Maniera

• Gegenmaniera
• Manieristische Architektur und Skulptur in Polen
• Zeitleiste italienischer Künstler bis 1800
• Manierismus in Brasilien
• Philippe Millereau
• Kunst des späten 16. Jahrhunderts in Mailand

Fußnoten

Referenzen

• Ein Artikel mit dem Titel „Manierismus: Bronzino (1503–1572) und seine Zeitgenossen“ aus dem Metropolitan Museum of Art.