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Land Art, auch bekannt als Earth Art, Environmental Art und Earthworks, ist eine Kunstbewegung, die in den 1960er und 1970er Jahren entstand und größtenteils mit… verbunden ist.

Land Art, auch Earth Art, Environmental Art und Earthworks genannt, ist eine künstlerische Bewegung, die in den 1960er und 1970er Jahren entstand, vor allem mit Großbritannien und den Vereinigten Staaten verbunden war, sich aber auch in zahlreichen anderen Ländern manifestierte. Als Trend definierte „Land Art“ durch die Wahl der Materialien und die Platzierung der Werke die Parameter der konventionellen künstlerischen Praxis neu. Die Materialien beinhalten häufig natürliche Elemente wie heimische Böden, Steine, Flora und hydrologische Merkmale vor Ort, und die Standorte liegen typischerweise abgelegen von städtischen Ballungsräumen. Trotz gelegentlicher Unzugänglichkeit werden fotografische Aufzeichnungen routinemäßig in städtischen Kunstgalerien ausgestellt.

Zu den Kerngedanken der Bewegung gehört die Ablehnung der Kommerzialisierung von Kunst und die Akzeptanz des entstehenden ökologischen Bewusstseins. Seine Entstehung ging mit einem gesellschaftlichen Trend einher, der die Ablehnung städtischer Umgebungen und eine entsprechende Wertschätzung des ländlichen Lebens begünstigte. Diese Tendenzen umfassten auch spirituelle Bestrebungen hinsichtlich der Rolle der Erde als Wohnsitz der Menschheit.

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Diese Kunstform erlangte in den 1960er und 1970er Jahren große Bedeutung, vor allem weil sich die Land Art der Kommerzialisierung widersetzte und in scharfem Kontrast zu den „massenproduzierten Kulturschutt“ dieser Zeit stand. In dieser Ära verzichteten ihre Befürworter auf konventionelle Museen und Galerien als künstlerische Veranstaltungsorte und konzipierten stattdessen monumentale Landschaftsinterventionen, die über den Rahmen tragbarer Skulpturen und des kommerziellen Kunstmarktes hinausgingen, ungeachtet der häufigen Ausstellung fotografischer Dokumentationen in Standardgalerien. Land Art ließ sich von der Minimal Art und der Konzeptkunst sowie von modernen Bewegungen wie De Stijl, dem Kubismus und der umfassenderen Ästhetik des Minimalismus sowie den Werken von Constantin Brâncuși und Joseph Beuys inspirieren. Herbert Bayer, der 1955 Grass Mound in Aspen, Colorado, schuf, gilt als einer der ersten Erdarbeiten.

Obwohl Land Art in den 1960er Jahren als Bewegung formalisiert wurde, reichen ihre konzeptionellen Wurzeln bis in alte Traditionen von Hügelfiguren und Geoglyphen zurück. Das Litlington White Horse in East Sussex ist ein Beispiel für ein Erdwerk aus dem 20. Jahrhundert, das mithilfe einer „subtraktiven“ Technik realisiert wurde, bei der ein Hügel ausgegraben wurde, um die darunter liegende natürliche Kreide freizulegen. Seine ortsspezifische Natur bedeutet, dass seine Konfiguration durch das Gefälle des Unterlandes bestimmt wird, was eine kontinuierliche Pflege erfordert, um zu verhindern, dass eindringende Vegetation das Bild verdeckt – ein zentraler Grundsatz im Zusammenspiel von Land Art und der natürlichen Welt.

Zahlreiche mit der Land Art verbundene Künstler beschäftigten sich zuvor mit Minimal Art und Konzeptkunst. Isamu Noguchis Entwurf für Contoured Playground in New York City aus dem Jahr 1941 wird gelegentlich als bedeutender Vorläufer der Land Art angesehen, obwohl der Künstler selbst seine Kreation eher als „Skulptur“ als als „Land Art“ einstufte. Sein Einfluss auf zeitgenössische Land Art, Landschaftsarchitektur und Umweltskulptur bleibt in zahlreichen aktuellen künstlerischen Unternehmungen erkennbar.

Alan Sonfist hat eine alternative Methodik zur Auseinandersetzung mit Natur und Kultur übernommen und historische ökologische Elemente und nachhaltige Kunstpraktiken wieder in New York City eingeführt. Sein bahnbrechendes Werk, Time Landscape, umfasst einen einheimischen Wald, den er in New York City kultivierte. Sonfist entwickelte weltweit weitere Zeitlandschaften, darunter Circles of Time in Florenz, Italien, das die historische Nutzung des Landes aufzeichnet, und ein weiteres im deCordova Sculpture Park and Museum in der Nähe von Boston. Im Jahr 1969 bemerkte die Kritikerin Barbara Rose im Artforum, dass Sonfist mit der Kommerzialisierung und Abschottung, die für die Kunst in Galerien charakteristisch ist, unzufrieden geworden sei. Dian Parker, die für ArtNet schrieb, brachte Adam Weinbergs Einschätzung zum Ausdruck, dass „die ökologische Botschaft des Künstlers heute aktueller zu sein scheint als je zuvor“, wobei Weinberg, emeritierter Direktor des Whitney Museum of American Art, weiter anmerkte: „Seit den 60er Jahren hat [Sonfist] seine Ideen über das Land weiter vorangetrieben, was gerade jetzt angesichts der globalen Erwärmung auf der ganzen Welt besonders dringend ist. Wir brauchen Lösungen für den Klimawandel nicht nur von Wissenschaftlern und Politikern, sondern auch von Künstlern.“ Wir stellen uns eine grünere, ursprünglichere Zukunft vor und verwirklichen sie.“

Zeitgenössische Umweltprinzipien und Naturschutzinitiativen aus den 2010er und 2020er Jahren stehen häufig im Widerspruch zum grundlegenden Ethos bestimmter Land Art, die darauf ausgelegt war, sich in die natürliche Umgebung zu integrieren und entropischen Kräften zu unterliegen, wie beispielsweise Spiral Jetty. Paradoxerweise kann die Existenz dieser von Menschenhand geschaffenen Strukturen unbeabsichtigt den Umweltschutz fördern. Jüngste Bemühungen zur Erhaltung der Land Art werfen Fragen hinsichtlich ihrer ursprünglichen Absicht und ihrer inhärenten Anfälligkeit für Veränderungen bis hin zum eventuellen Verschwinden auf. Wie ein Beobachter feststellte: „Der spiralförmige Steg ist sicherlich ein malerisches Denkmal … Aber der Drang, ihn zu retten und zu bewahren, macht ihn zu einer Kunst wie nichts anderes. Seien Sie nicht überrascht, wenn jemand ihn mit einer Plastikblasenkuppel bedecken möchte … Eine weitere Ironie – mit Plänen für nahe gelegene Ölbohrungen, die Künstler, Ökoaktivisten und Gemeindemitglieder verärgern, ist die Erhaltung der unnatürlichen Stegform als Ikone der Erdkunst zu einem Hindernis gegen die Gewinnung dieses natürlichen Erdprodukts geworden "

Im Gegensatz dazu priorisieren zeitgenössische Ausstellungen wie die Fly Ranch-Veranstaltung 2021 die Umweltauswirkungen ihrer Kunstwerke und orientieren sich dabei an aktuellen ökologischen Grundsätzen. Diese besondere Ausstellung zeigte künstlerische Kreationen, die gleichzeitig praktische Funktionen erfüllten, darunter Tierlebensräume, platzsparende Solarenergieanlagen, Pflanzgefäße für den Gartenbau und Wasseraufbereitungssysteme. Diese Integration wurde durch einen sorgfältigen Designprozess erreicht, der sowohl die Umsetzung der Kunstwerke als auch ihre Darstellung oder Nutzung nachhaltiger Energiequellen berücksichtigte.

Im Jahr 1967 identifizierte die Kunstkritikerin Grace Glueck, die für The New York Times schrieb, das erste Earthwork als eine Zusammenarbeit zwischen Douglas Leichter und Richard Saba an der Skowhegan School of Painting and Sculpture. Die anschließende Verbreitung der Land Art im Jahr 1968 ist einer Kohorte von Künstlern zuzuschreiben, überwiegend in den späten Zwanzigern, die auf den verstärkten politischen Aktivismus dieser Zeit und die aufkommenden Umwelt- und Frauenbefreiungsbewegungen reagierten.

Eine bedeutende Manifestation der Land Art im 20. Jahrhundert war die Gruppenausstellung „Earthworks“, die 1968 in der Dwan Gallery in New York präsentiert wurde. Anschließend kuratierte Willoughby Sharp im Februar 1969 die Ausstellung „Earth Art“ im Andrew Dickson White Museum of Art an der Cornell University in Ithaca, New York. Diese Ausstellung zeigte prominente Künstler wie Walter De Maria, Jan Dibbets, Hans Haacke, Michael Heizer, Neil Jenney, Richard Long, David Medalla, Robert Morris, Dennis Oppenheim, Robert Smithson und Gunther Uecker unter der Leitung von Thomas W. Leavitt. Gordon Matta-Clark, der damals in Ithaca lebte, wurde von Sharp eingeladen, den teilnehmenden Künstlern bei der Umsetzung ihrer Werke für die Ausstellung vor Ort zu helfen.

Robert Smithson gilt als wohl der renommierteste Künstler dieses Genres, dessen Essay „The Sedimentation of the Mind: Earth Projects“ aus dem Jahr 1968 einen entscheidenden theoretischen Rahmen für die Bewegung schuf. Dieser Rahmen positionierte Land Art als direkten Kontrapunkt zur wahrgenommenen Distanzierung der Moderne von gesellschaftlichen Belangen, eine Kritik, die oft mit Clement Greenberg in Verbindung gebracht wird. Smithsons berühmtestes Werk und wohl das ikonischste Stück aller Land Art ist der Spiral Jetty (1970). Für diese monumentale Schöpfung arrangierte Smithson sorgfältig Steine, Erde und Algen, um einen 1.500 Fuß langen spiralförmigen Steg zu errichten, der sich in den Großen Salzsee im Norden Utahs, USA, erstreckt. Die Sichtbarkeit des Kunstwerks hängt von den schwankenden Wasserständen des Sees ab; Seit seiner Gründung war es vollständig untergetaucht und wurde anschließend wieder freigelegt. Das Utah Museum of Fine Arts fungiert in Zusammenarbeit mit der Dia Foundation als Verwalter der Kunstwerke und organisiert regelmäßig Bildungsprogramme rund um den Spiral Jetty, wie zum Beispiel die Initiative „Family Backpacks“.

Smithsons Kiesspiegel mit Rissen und Staub (1968) ist ein Beispiel für Land Art, das für den Innenbereich einer Galerie adaptiert wurde und von der typischen natürlichen Umgebung abweicht. Diese Installation besteht aus einem Kieshaufen, der neben einer teilweise verspiegelten Galeriewand positioniert ist. Die formale Einfachheit des Werks und die Betonung roher Materialien stellen eine klare Affinität zum Minimalismus her. Darüber hinaus zeigt die Verwendung von Substanzen, die traditionell als „unkünstlerisch“ oder „wertlos“ gelten, eine konzeptionelle Verwandtschaft mit der Arte Povera. Germano Celant, der italienische Gründer von Arte Povera, gehörte insbesondere zu den ersten Kuratoren, die sich für Land Art einsetzten.

Landkünstler waren überwiegend Amerikaner, zu den namhaften Praktikern auf diesem Gebiet zählen Carl Andre, Alice Aycock, Walter De Maria, Hans Haacke, Michael Heizer, Nancy Holt, Peter Hutchinson, Ana Mendieta, Dennis Oppenheim, Andrew Rogers, Charles Ross, Alan Sonfist und James Turrell. Im Jahr 1972 begann Turrell mit der Arbeit an dem wohl monumentalsten Land-Art-Werk aller Zeiten, bei dem es um die Umgestaltung des Geländes rund um den erloschenen Vulkan Roden Crater in Arizona ging. Zu den prominenten nichtamerikanischen Landkünstlern zählen der Brite Chris Drury, Andy Goldsworthy, Richard Long und der Australier Andrew Rogers. Der Westen der Vereinigten Staaten diente als wichtige Region für Landkünstler, da seine ausgedehnten Grenzen und Wüsten als Leinwände oder Versuchsorte für ihre Kreationen konzipiert wurden.

Im Jahr 1973 führte Jacek Tylicki die Praxis ein, leere Leinwände oder Papierbögen in natürlichen Umgebungen zu platzieren, um der Natur die Möglichkeit zu geben, künstlerisches Schaffen zu erleichtern. Bestimmte Projekte von Christo und Jeanne-Claude, die dafür bekannt sind, Denkmäler, Gebäude und Landschaften mit Stoff zu umhüllen, wurden von einigen als Land Art kategorisiert, obwohl die Künstler selbst diese Klassifizierung bestritten. Joseph Beuys‘ Konzept der „sozialen Skulptur“ hat die Land Art tiefgreifend beeinflusst, und sein Projekt *7000 Eichen* aus dem Jahr 1982, bei dem 7.000 Eichen gepflanzt wurden, weist erhebliche Ähnlichkeiten mit Land Art-Prozessen auf. Rogers‘ „Rhythms of Life“-Projekt stellt das weltweit größte zeitgenössische Land-Art-Projekt dar und umfasst eine Reihe von Steinskulpturen oder Geoglyphen, die an 12 unterschiedlichen geografischen Orten weltweit aufgestellt sind, die von unterhalb des Meeresspiegels bis zu Höhen von 4.300 Metern (14.107 Fuß) reichen. Jeder Standort beherbergt bis zu drei Geoglyphen, deren einzelne Größen bis zu 40.000 Quadratmeter (430.560 Quadratfuß) erreichen.

Amerikanische Landkünstler waren in erster Linie auf wohlhabende Wohltäter und private Wohltätigkeitsorganisationen angewiesen, um ihre kostspieligen Projekte zu subventionieren, oder sie erhielten von diesen Unternehmen Aufträge zur Schaffung von Kunstwerken; Beispielsweise wurde Walter de Marias Lightning Field (1977) von der Dia Art Foundation in Auftrag gegeben. Aufgrund der steilen wirtschaftlichen Rezession Mitte der 1970er Jahre und der Tatsache, dass Land Art im kommerziellen Kunstsektor von Natur aus nicht vermarktbar war, wurde die Finanzierung aus diesen Quellen weitgehend eingestellt. Der Tod von Robert Smithson bei einem Flugzeugabsturz im Jahr 1973 führte dazu, dass die Bewegung eine ihrer wichtigsten Figuren verlor, was zu einem deutlichen Niedergang führte.

Land-Art-Werke waren durch lange Fertigstellungszeiten gekennzeichnet, und zahlreiche Projekte blieben unvollendet. Charles Ross setzt seine Arbeit am Star Axis-Projekt fort, die er 1971 begann. Michael Heizer beendete seine Arbeit an City im Jahr 2022 und James Turrell setzt seine laufenden Bemühungen am Roden Crater-Projekt fort. In vielerlei Hinsicht hat sich Land Art weitgehend in den Mainstream-Diskurs über öffentliche Kunst integriert, obwohl der Begriff „Land Art“ gelegentlich fälschlicherweise verwendet wird, um jede Form von Kunst zu bezeichnen, die in der Natur angesiedelt ist, auch wenn sie konzeptionell von den Avantgarde-Werken der Pioniere der Bewegung abweicht.

Erdkunst aus den 1960er Jahren wies gelegentlich Parallelen zu viel älteren terrestrischen Bauwerken wie Stonehenge, den Pyramiden, den Hügeln der amerikanischen Ureinwohner und der Nazca auf Linien in Peru, Carnac-Steine und Grabstätten der amerikanischen Ureinwohner, die häufig an die spirituelle Essenz solcher archäologischen Stätten erinnern.

Zeitgenössische Landkünstler

Ökofeministische Kunst

Referenzen

„The Case for Land Art“ aus The Art Assignment, ausgestrahlt von PBS.

Çavkanî: Arşîva TORÎma Akademî

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