Neoclassicism

Neoklassizismus, alternativ auch als Neoklassizismus wiedergegeben, manifestierte sich als herausragendes westliches Kulturphänomen in den Bereichen dekorative und bildende Kunst, Literatur, Theater, Musik und Architektur und leitete seine Grundprinzipien aus dem künstlerischen und kulturellen Erbe der klassischen Antike ab. Diese Bewegung entstand in Rom und wurde maßgeblich von den wissenschaftlichen Beiträgen Johann Joachim Winckelmanns im Zuge der archäologischen Wiederentdeckungen von Pompeji und Herculaneum beeinflusst. Sein Einfluss verbreitete sich anschließend in ganz Europa, als Kunststudenten, die aus Italien zurückgekehrt waren und von neu geschätzten griechisch-römischen ästhetischen Idealen durchdrungen waren, ihre Grand Tour abschlossen. Die primäre neoklassizistische Strömung entwickelte sich aus dem Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert, erreichte ihren Höhepunkt Anfang bis Mitte des 19. Jahrhunderts und geriet schließlich in stilistische Rivalität mit der Romantik. Im architektonischen Bereich zeigte dieser Stil eine bemerkenswerte Langlebigkeit, hielt im 19. und 20. Jahrhundert an und erstreckte sich bis ins 21. Jahrhundert.

Der europäische Neoklassizismus, insbesondere in der bildenden Kunst, begann um c. 1760 und stellte einen direkten Kontrapunkt zur vorherrschenden Rokoko-Ästhetik dar. Während in der Rokoko-Architektur Anmut, aufwändige Ornamentik und Asymmetrie im Vordergrund standen, basierte die neoklassizistische Architektur im Wesentlichen auf den Prinzipien der Einfachheit und Symmetrie. Diese letztgenannten Eigenschaften galten als den künstlerischen Traditionen des antiken Roms und des antiken Griechenlands innewohnende Tugenden, die direkt vom Renaissance-Klassizismus des 16. Jahrhunderts beeinflusst waren. Jede „neo“-klassische Bewegung übernimmt selektiv bestimmte Modelle aus dem verfügbaren klassischen Repertoire und lässt andere außer Acht. Von 1765 bis 1830 verehrten Anhänger des Neoklassizismus – darunter Schriftsteller, Redner, Mäzene, Sammler, Künstler und Bildhauer – eine Idee der mit Phidias verbundenen künstlerischen Ära; Bei den von ihnen bevorzugten Skulpturen handelte es sich jedoch häufig um römische Reproduktionen hellenistischer Werke. Gleichzeitig übersahen sie weitgehend sowohl archaische griechische Kunst als auch Schöpfungen aus der Spätantike. Eine bedeutende Offenbarung ereignete sich mit der Entdeckung der Kunst im „Rokoko“-Stil des antiken Palmyra, die durch Gravuren in Robert Woods bahnbrechendem Werk Die Ruinen von Palmyra verbreitet wurde. Da Griechenland weitgehend unerforscht blieb und als gefährliche Region innerhalb des Osmanischen Reiches galt, beruhte das Verständnis der Neoklassizisten über die griechische Architektur hauptsächlich auf Zeichnungen und Stichen. Diese Darstellungen verfeinerten, regulierten, „korrigierten“ und „restaurierten“ griechische Denkmäler oft auf subtile Weise, manchmal ohne bewusste Absicht.

Der Empire-Stil, der eine spätere Phase des Neoklassizismus in der Architektur und den dekorativen Künsten darstellte, hatte während der napoleonischen Ära seinen kulturellen Schwerpunkt in Paris. Der Neoklassizismus hielt seinen Einfluss weit über das frühe 19. Jahrhundert hinaus an, insbesondere in der Architektur, aber auch in anderen Disziplinen, und erlebte im 20. und sogar im 21. Jahrhundert immer wieder Perioden des Revivalismus, insbesondere in den Vereinigten Staaten und Russland.

Verlauf

Der Neoklassizismus stellt ein Wiederaufleben der verschiedenen Stile und Ethos der klassischen Antike dar und lässt sich direkt von der klassischen Periode inspirieren. Diese Wiederbelebung fiel mit den philosophischen und anderen intellektuellen Fortschritten des Zeitalters der Aufklärung zusammen und spiegelte sie wider. Sie war zunächst eine Reaktion auf die wahrgenommenen Exzesse des vorangegangenen Rokoko-Stils. Obwohl die Bewegung häufig als das antithetische Gegenstück zur Romantik bezeichnet wird, stellt diese Perspektive eine erhebliche Vereinfachung dar, die sich bei näherer Betrachtung bestimmter Künstler oder ihrer Werke oft als unhaltbar erweist. Die Karriere von Ingres, der oft als Hauptvertreter des späten Neoklassizismus gilt, veranschaulicht diese Komplexität besonders. Die Ursprünge dieser Wiederbelebung können mit der formalen Etablierung der Archäologie in Verbindung gebracht werden.

Giovanni Pietro Bellori, ein italienischer Archäologe und Kunsttheoretiker, gilt als Vorläufer des Neoklassizismus. Im Jahr 1664 hielt er an der Accademia di San Luca in Rom einen Vortrag über das „Ideal“ in der Kunst, der später zu einer grundlegenden Darstellung der idealistischen Kunsttheorie wurde. Belloris Diskurs übte einen tiefgreifenden Einfluss auf das europäische akademische Denken aus und diente später als theoretische Grundlage für die von Winckelmann vertretenen neoklassischen Prinzipien.

Johann Joachim Winckelmanns wissenschaftliche Beiträge waren maßgeblich an der Gestaltung dieser Bewegung in den Bereichen Architektur und bildende Kunst beteiligt. Seine wegweisenden Werke Gedanken über die Nachahmung griechischer Werke in Malerei und Skulptur (1755) und Geschichte der Kunst des Alterthums ("Geschichte der antiken Kunst", 1764) waren die ersten, die deutlich zwischen antiker griechischer und römischer Kunst unterschieden. Diese Texte legten auch chronologische Perioden innerhalb der griechischen Kunst fest und zeichneten einen Entwicklungspfad vom anfänglichen Wachstum bis zur Reife nach, gefolgt von Phasen der Nachahmung oder Dekadenz – ein konzeptioneller Rahmen, der das zeitgenössische Verständnis weiterhin beeinflusst. Winckelmann plädierte für ein künstlerisches Streben nach „edler Einfachheit und ruhiger Erhabenheit“ und pries den der griechischen Kunst innewohnenden Idealismus. Er postulierte, dass die griechische Kunst „nicht nur die Natur in ihrer schönsten Form offenbarte, sondern auch etwas jenseits der Natur, nämlich bestimmte Idealformen ihrer Schönheit, die, wie uns ein antiker Platon-Interpret lehrt, aus Bildern entstehen, die allein vom Geist geschaffen werden.“ Während die theoretischen Grundlagen in der westlichen Kunst nichts Neues waren, war Winckelmanns Beharren auf der rigorosen Nachahmung griechischer Prototypen bahnbrechend, was in seiner Behauptung zum Ausdruck kommt: „Der einzige Weg für uns, groß oder, wenn dies möglich, unnachahmlich zu werden, besteht darin, die Alten zu imitieren.“

Die industrielle Revolution löste einen globalen wirtschaftlichen Wandel aus und verlagerte die menschlichen Gesellschaften hin zu effizienteren und stabileren Herstellungsprozessen. Diese Ära förderte bedeutenden materiellen Fortschritt und erhöhten Wohlstand. Gleichzeitig machte die Entstehung der Grand Tour die Antikensammlung populärer, wodurch zahlreiche bedeutende Sammlungen entstanden und eine Wiederbelebung des Neoklassizismus in ganz Europa verbreitet wurde. Grundsätzlich bezeichnet „Neoklassizismus“ innerhalb jeder künstlerischen Disziplin das Festhalten an einem bestimmten Kanon, der von einem „klassischen“ Vorbild abgeleitet ist.

Im englischen Kontext bezieht sich die Bezeichnung „Neoklassizismus“ in erster Linie auf die bildende Kunst. Eine parallele Bewegung in der englischen Literatur, die dem Trend der bildenden Künste vorausging, ist als augusteische Literatur bekannt; Dieser mehrere Jahrzehnte vorherrschende Stil war bereits im Niedergang, als der Neoklassizismus in der bildenden Kunst an Bedeutung gewann. Die französische Literatur wies trotz unterschiedlicher Terminologie einen vergleichbaren Verlauf auf. Musikalisch erlebte diese Zeit den Aufstieg der klassischen Musik, wobei der Begriff „Neoklassizismus“ typischerweise den Entwicklungen des 20. Jahrhunderts vorbehalten war. Dennoch verkörperten die Opern von Christoph Willibald Gluck eine ausgeprägte neoklassizistische Methodologie, die in seinem Vorwort zur veröffentlichten Partitur von Alceste (1769) zum Ausdruck kam. Glucks Reformen zielten darauf ab, die Oper zu rationalisieren, indem übermäßige Verzierungen beseitigt, die Rolle des Chors an die griechische Tragödie angepasst und direktere, schnörkellosere melodische Strukturen verwendet wurden.

Die Bezeichnung „neoklassisch“ entstand erst Mitte des 19. Jahrhunderts; Gleichzeitig wurde der Stil durch Beschreibungen wie „der wahre Stil“, „reformiert“ und „Wiederbelebung“ gekennzeichnet. Der spezifische historische Zeitraum oder die Ästhetik, die wiederbelebt wurde, variierte jedoch erheblich. Während antike Vorbilder unbestreitbar im Mittelpunkt standen, wurde der Stil auch als Wiederaufleben der Renaissance und insbesondere in Frankreich als Rückkehr zum strengeren und würdevolleren Barock der Ära Ludwigs XIV. wahrgenommen. Diese französische Interpretation entstand aus einer wachsenden Nostalgie nach einem vergangenen goldenen Zeitalter, die mit einem deutlichen Rückgang der militärischen und politischen Vormachtstellung Frankreichs einherging. Bemerkenswert ist, dass Ingres‘ Krönungsporträt Napoleons Elemente aus spätantiken Konsulardiptychen und deren karolingischen Wiederaufführungen enthielt, eine Wahl, die kritische Kritik hervorrief.

Der Neoklassizismus erreichte seinen stärksten Ausdruck in der Architektur, der Bildhauerei und der dekorativen Kunst, vor allem weil klassische Prototypen in diesen Medien vergleichsweise reichlich vorhanden und leicht verfügbar waren. Im Gegensatz dazu waren und sind antike Gemälde, die die ästhetischen Qualitäten verkörperten, die Winckelmann in der Skulptur identifizierte, rar. Winckelmann selbst beteiligte sich an der Bekanntmachung der ersten Entdeckungen bedeutender römischer Gemälde in Pompeji und Herculaneum. Wie die meisten seiner Zeitgenossen, mit der bemerkenswerten Ausnahme von Gavin Hamilton, fand er diese Werke jedoch enttäuschend und verwies auf die Beobachtungen Plinius des Jüngeren über den Niedergang der Malerei zu seiner Zeit.

Was die Malerei betrifft, war die gesamte antike griechische Malerei verloren gegangen. Neoklassizistische Maler unternahmen daher eine fantasievolle Rekonstruktion und ließen sich dabei von mehreren Quellen inspirieren: Flachrelieffriesen, Mosaiken und Töpfermalerei; die Malerei und dekorative Kunst der Hochrenaissance aus der Zeit Raffaels; Fresken gefunden in Neros Domus Aurea, Pompeji und Herculaneum; und eine erneute Wertschätzung für die Werke von Nicolas Poussin. Folglich zeichnet sich ein erheblicher Teil der „neoklassischen“ Malerei eher durch ihre klassizistische Thematik als durch ihre formalen oder stilistischen Elemente aus. Jahrzehntelang gab es einen heftigen, wenn auch häufig schlecht informierten Streit über die vergleichenden Vorzüge der griechischen und römischen Kunst, wobei Winckelmann und seine hellenistischen Kollegen in diesem intellektuellen Wettbewerb weitgehend die Oberhand gewannen.

Malerei, Zeichnung und Druckgrafik

Das zeitgenössische Publikum findet es oft schwierig, die revolutionären und anregenden Qualitäten der frühen neoklassizistischen Malerei vollständig zu erfassen. Sogar Befürworter des Stils empfinden ihn mittlerweile als „faul“ und „fast völlig uninteressant für uns“, ein Gefühl, das sich in Kenneth Clarks Beobachtungen zu Anton Raphael Mengs‘ monumentalem Parnassus in der Villa Albani widerspiegelt. Mengs war ein Künstler, den sein Mitarbeiter Winckelmann als „den größten Künstler seiner eigenen und vielleicht späteren Zeit“ lobte. John Flaxmans Zeichnungen, die später als Drucke reproduziert wurden, verwendeten minimalistische Strichzeichnungen – die als Inbegriff des klassischen Mediums gelten – und überwiegend Profilfiguren, um Die Odyssee und andere Themen zu illustrieren. Diese Werke, die einst „die künstlerische Jugend Europas“ inspirierten, werden heute weitgehend „vernachlässigt“. In ähnlicher Weise wurden die historischen Kompositionen von Angelica Kauffman, die in erster Linie eine Porträtistin war, von Fritz Novotny als „eine salbungsvolle Weichheit und Langweiligkeit“ charakterisiert. Während die Überschwänglichkeit des Rokoko und die Dynamik der Barockkunst bewusst verworfen wurden, fiel es vielen Künstlern schwer, neue künstlerische Konventionen zu etablieren. Da es außer den von Flaxman verwendeten griechischen Vasen keine direkten antiken Vorbilder für die Historienmalerei gab, übernahmen Künstler häufig Raffael als alternatives Paradigma, eine von Winckelmann befürwortete Praxis.

Umgekehrt integrierten bestimmte Künstler, deren Werke sich der Kategorisierung als „faul“ entzogen, Elemente der Romantik in einen überwiegend neoklassizistischen Rahmen und trugen so zur Entwicklung beider künstlerischer Bewegungen bei. Der deutsch-dänische Künstler Asmus Jacob Carstens vollendete nur einen Bruchteil seiner anspruchsvollen mythologischen Kompositionen und hinterließ vor allem Zeichnungen und Farbstudien. Diese verkörperten Winckelmanns Ideal der „edlen Einfachheit und ruhigen Erhabenheit“ oft erfolgreich. Im krassen Gegensatz zu Carstens' unerfüllten Projekten waren Giovanni Battista Piranesis Radierungen produktiv und kommerziell erfolgreich und wurden von Grand-Tour-Reisenden in ganz Europa weit verbreitet. Piranesis Hauptaugenmerk lag auf dem architektonischen Erbe und den Ruinen Roms und zeigte eine tiefergehende Auseinandersetzung mit der Antike als mit zeitgenössischen Themen. Die subtil beunruhigende Atmosphäre, die für viele seiner Veduten (Ansichten) charakteristisch ist, verstärkt sich in seiner Serie von 16 Drucken mit dem Titel Carceri d'invenzione („Imaginäre Gefängnisse“), wo die „bedrückende zyklopische Architektur“ eindringlich „Träume von Angst und Frustration“ hervorruft. Der in der Schweiz geborene Henry Fuseli, der den Großteil seines Berufslebens in England verbrachte, gründete seinen künstlerischen Stil auf neoklassizistischen Lehren; Seine thematische Auswahl und ihre Umsetzung orientierten sich jedoch häufig an der „gotischen“ Dimension der Romantik und zielten darauf ab, dramatische und spannende Reaktionen hervorzurufen.

Der Lauf des Neoklassizismus in der Malerei wurde durch den außergewöhnlichen Triumph von Jacques-Louis Davids Eid der Horatier im Pariser Salon 1785 erheblich neu ausgerichtet. Obwohl das Werk republikanische Ideale vertrat, wurde es paradoxerweise von der königlichen Regierung in Auftrag gegeben, wobei David seine Entstehung in Rom vorsah. David verband meisterhaft eine idealistische Ästhetik mit tiefgründigem Drama und fesselnder Kraft. Die Komposition zeichnet sich durch eine Zentralperspektive orthogonal zur Bildebene aus, die durch die dezente Arkade im Hintergrund akzentuiert wird. Vor diesem Hintergrund sind die Heldenfiguren friesartig angeordnet und erinnern an die theatralische Beleuchtung und Inszenierung der Oper, verbunden mit der klassischen Farbpalette, die an Nicolas Poussin erinnert. David erlangte schnell den Ruf als herausragende Figur der französischen Kunst. Nach der Französischen Revolution wechselte er in eine politische Rolle und übte erheblichen Einfluss auf die staatliche Förderung der Künste aus. Während der napoleonischen Ära behielt er seinen Einfluss bei und produzierte offenkundig propagandistische Stücke, musste aber nach der Bourbonen-Restauration nach Brüssel ins Exil gehen.

Zu Davids zahlreichen Schülern gehörte Jean-Auguste-Dominique Ingres, der sich während seiner langen Karriere stets als Klassiker identifizierte. Dennoch blieb sein reifer künstlerischer Ansatz in einer zweideutigen Verbindung zu den Grundprinzipien des Neoklassizismus, und seine späteren Erkundungen des Orientalismus und des Troubadour-Stils erwiesen sich oft als schwer von den Werken seiner offenkundig romantischen Zeitgenossen zu unterscheiden, abgesehen von der konsequenten Vorrangstellung der Zeichnung in seinen Kompositionen. Ingres stellte mehr als sechs Jahrzehnte lang im Salon aus, beginnend im Jahr 1802 und bis in die aufkommende Periode des Impressionismus, doch sein etablierter Stil erfuhr nur minimale Veränderungen.

Skulptur

Während die neoklassizistische Malerei mit einem Mangel an antiken Prototypen konfrontiert war, hatte die neoklassizistische Skulptur oft mit einer Fülle solcher Modelle zu kämpfen. Zu dieser Zeit waren authentische griechische Skulpturen aus der klassischen Periode, beginnend um 500 v. Chr., selten; Folglich handelte es sich bei den am meisten geschätzten Werken überwiegend um römische Reproduktionen. Prominente neoklassizistische Bildhauer erlangten zu ihrer Zeit beträchtliches Ansehen, obwohl ihre zeitgenössische Wertschätzung zurückgegangen ist, mit der bemerkenswerten Ausnahme von Jean-Antoine Houdon. Houdons Oeuvre bestand hauptsächlich aus Porträts, die häufig als Büsten dargestellt wurden und die die ausgeprägte Persönlichkeit des Dargestellten auf einzigartige Weise bewahrten, ohne einem übermäßigen Idealismus zu verfallen. Im Laufe seiner langen Karriere entwickelte sich sein künstlerischer Ansatz hin zu einer klassischeren Ästhetik und zeigte einen nahtlosen Übergang von der Rokoko-Eleganz zur klassischen Feierlichkeit. Houdon unterschied sich von bestimmten neoklassizistischen Zeitgenossen dadurch, dass er seinen Untertanen weder römische Kleidung noch Nacktheit vorschrieb. Er stellte viele bedeutende Persönlichkeiten der Aufklärung dar und reiste nach Amerika, um neben Büsten von Thomas Jefferson, Benjamin Franklin und anderen Gründern der aufstrebenden Republik eine Statue von George Washington zu schaffen.

Antonio Canova und der dänische Bildhauer Bertel Thorvaldsen, beide in Rom ansässig, schufen neben Porträts auch zahlreiche anspruchsvolle lebensgroße Figuren und Skulpturengruppen. Beide Künstler verkörperten die ausgeprägte idealisierende Strömung innerhalb der neoklassizistischen Bildhauerei. Canovas Werk zeichnet sich durch seine Leichtigkeit und Anmut aus und steht im Gegensatz zu Thorvaldsens strengerem Ansatz; Dieser Unterschied wird in ihren jeweiligen Darstellungen der Drei Grazien deutlich. Diese Bildhauer, darunter auch Flaxman, blieben bis in die 1820er Jahre aktiv, da der Einfluss der Romantik auf die Bildhauerei allmählich erfolgte und der Neoklassizismus für einen Großteil des 19. Jahrhunderts als vorherrschender Stil bestehen blieb.

Johan Tobias Sergel, ein schwedischer Künstler, war ein früher Befürworter des Neoklassizismus in der Bildhauerei. John Flaxman, in erster Linie Bildhauer, schuf strenge klassische Reliefs, die stilistisch seinen Drucken ähnelten; Außerdem entwarf und modellierte er mehrere Jahre lang neoklassizistische Keramik für Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow und sein Sohn Rudolph, einer der wenigen früh verstorbenen neoklassizistischen Bildhauer, waren neben Franz Anton von Zauner in Österreich herausragende deutsche Künstler. Der österreichische Spätbarock-Bildhauer Franz Dort widmete er sich der Herstellung höchst markanter „Charakterköpfe“, die kahlköpfige Gestalten mit übertriebenem Gesichtsausdruck darstellten. Diese Werke erlebten, ähnlich wie Piranesis Carceri, im psychoanalytischen Zeitalter des frühen 20. Jahrhunderts einen deutlichen Aufschwung des wissenschaftlichen Interesses. Mathieu Kessels, ein niederländischer neoklassizistischer Bildhauer, der bei Thorvaldsen ausgebildet wurde und überwiegend in Rom arbeitete.

Vor den 1830er Jahren fehlte in den Vereinigten Staaten eine einheimische Bildhauertradition, abgesehen von Grabsteinschnitzereien, Wetterfahnen und Schiffsgalionsfiguren. Infolgedessen wurde der europäische neoklassizistische Stil übernommen und blieb mehrere Jahrzehnte lang vorherrschend, wie die Werke von Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers und William Henry Rinehart belegen.

Architektur und dekorative Kunst

Neoklassizistische Kunst verkörperte gleichzeitig scheinbar widersprüchliche Eigenschaften: Sie war traditionell und doch innovativ, historisch und doch modern und konservativ und doch fortschrittlich.

Der Neoklassizismus erlangte zunächst in Großbritannien und Frankreich Bedeutung, propagiert von in Rom ausgebildeten französischen Kunststudenten und inspiriert von Winckelmanns Abhandlungen. Anschließend wurde es schnell von Avantgarde-Gemeinschaften in anderen Ländern, darunter Schweden, Polen und Russland, angenommen. Zunächst wurden klassische Ornamente in bestehende europäische Architekturstile integriert, wie zum Beispiel die Innenräume, die für den Liebhaber Katharinas der Großen, Graf Grigori Orlow, geschaffen wurden. Diese Innenräume, die von einem italienischen Architekten entworfen und von einem Team italienischer stuccadori ausgeführt wurden, zeigten nur subtile neoklassizistische Elemente, wie vereinzelte ovale Medaillons, die an Kameen erinnern, und Flachrelief-Übertüren, während die Einrichtung vollständig im italienischen Rokoko blieb.

Eine nachfolgende, strengere, sorgfältig recherchierte (oft anhand von Gravuren) und bewusst archäologische Phase des Neoklassizismus entstand gleichzeitig mit der Höhepunkt des Napoleonischen Reiches. In Frankreich wurde die erste Manifestation des Neoklassizismus als „Stil Ludwigs XVI.“ bezeichnet, während seine zweite Phase die Stile „Directoire“ und „Empire“ umfasste. In Italien behielt der Rokoko-Stil seine Popularität bei, bis mit dem Aufkommen der napoleonischen Herrschaft ein neuer archäologischer Klassizismus eingeführt wurde, der von jungen, fortschrittlichen, städtischen Italienern, die zum Republikanismus neigten, als politisches Bekenntnis übernommen wurde.

In der dekorativen Kunst manifestierte sich der Neoklassizismus vor allem in Empire-Möbeln, die in Großstädten wie Paris, London, New York und Berlin hergestellt wurden, sowie in Biedermeier-Möbeln aus Österreich. Zu den architektonischen Beispielen zählen die Museen von Karl Friedrich Schinkel in Berlin, die Bank of England von Sir John Soane in London und das kürzlich errichtete Kapitol der Vereinigten Staaten in Washington, D.C. Darüber hinaus veranschaulichen Josiah Wedgwoods Basreliefs und „Black Basaltes“-Vasen diesen Stil. Seine internationale Reichweite wird durch die Arbeit des schottischen Architekten Charles Cameron unterstrichen, der für Katharina die Große in St. Petersburg, Russland, opulente Innenräume im italienischen Stil entwarf.

In der Innenarchitektur markierte der Neoklassizismus einen bedeutenden Wandel hin zu einer authentischen klassischen Ästhetik, die stark von den archäologischen Entdeckungen in Pompeji und Herculaneum beeinflusst war. Während die ersten Ausgrabungen in den späten 1740er-Jahren begannen, erlangte das öffentliche Bewusstsein in den 1760er-Jahren große Aufmerksamkeit, als die ersten aufwändigen, sorgfältig verteilten Bände von Le Antichità di Ercolano (Die Altertümer von Herculaneum) herauskamen. Diese ausgegrabenen Antiquitäten zeigten, dass selbst die klassizistischsten Innenräume des Barock oder William Kents „römische“ Räume grundsätzlich äußere architektonische Elemente wie Basiliken und Tempel umkehrten, was zu dem führte, was zeitgenössische Beobachter oft als einen bombastischen Stil empfanden, der durch Merkmale wie in vergoldete Spiegel verwandelte Giebelfensterrahmen und mit Tempelfronten gekrönte Kamine gekennzeichnet war. Im Gegensatz dazu zielten die neuen neoklassizistischen Innenräume darauf ab, eine authentisch römische und intrinsische Innenarchitektursprache sorgfältig zu rekonstruieren.

Neoklassizistische Techniken umfassten die Verwendung flacherer, zarterer Motive, die oft in niedrigen, friesartigen Reliefs wiedergegeben oder in monochromatischen en camaïeu ("wie Kameen") gemalt wurden. Zu den üblichen dekorativen Elementen gehörten isolierte Medaillons, Vasen, Büsten oder Bukranien, die häufig an Lorbeer- oder Bandzweigen aufgehängt waren, neben schlanken Arabesken vor Hintergründen in „Pompejanischer Rot“, blassen Farbtönen oder Steinfarben. In Frankreich entstand der Stil zunächst als ein Pariser Phänomen, bekannt als Goût grec („griechischer Stil“), und nicht als eine gerichtlich sanktionierte Ästhetik. Nach der Thronbesteigung Ludwigs XVI. im Jahr 1774 führte seine Königin Marie Antoinette, eine prominente Modeschiedsrichterin, den Stil Ludwigs XVI. am königlichen Hof ein. Eine wirkliche Übernahme grundlegender römischer Möbelformen erfolgte jedoch erst um die Wende des 19. Jahrhunderts. Möbelhersteller ließen sich häufig von der antiken Architektur inspirieren und spiegelten damit wider, dass Silberschmiede sich häufiger auf antike Töpferwaren und Steinschnitzereien als auf Metallarbeiten bezogen. In einer Beobachtung heißt es: „Designer und Handwerker … scheinen ein fast perverses Vergnügen daran gehabt zu haben, Motive von einem Medium auf ein anderes zu übertragen.“

Um 1800 belebte ein erneuter Zustrom griechischer architektonischer Präzedenzfälle, die durch Radierungen und Gravuren verbreitet wurden, den Neoklassizismus und führte zum griechischen Revival. Gleichzeitig entwickelte sich der Empire-Stil zu einer grandioseren Manifestation des Neoklassizismus in der Architektur und den dekorativen Künsten. Dieser Stil, der sich hauptsächlich an der kaiserlich-römischen Ästhetik orientiert, entstand während der Herrschaft Napoleons im Ersten Französischen Kaiserreich, von dem er seinen Namen erhielt und der dazu diente, Napoleons Führung und den französischen Staat zu idealisieren. Regional findet der Empire-Stil Parallelen zum eher bürgerlichen Biedermeier-Stil der deutschsprachigen Gebiete, zum Federal-Stil in den Vereinigten Staaten, zum Regency-Stil in Großbritannien und zum Napoleon-Stil in Schweden. Der Kunsthistoriker Hugh Honor postulierte, dass der Empire-Stil entgegen der landläufigen Meinung „weit davon entfernt ist, wie manchmal angenommen wird, der Höhepunkt der neoklassizistischen Bewegung zu sein, sondern dass das Empire seinen raschen Niedergang und seine erneute Verwandlung in eine bloße Wiederbelebung der Antike markiert, ohne all die hochgesinnten Ideen und die Überzeugungskraft, die seine Meisterwerke inspiriert hatten.“ Eine frühere Variante dieses Stiltrends in Großbritannien war als Adam-Stil bekannt.

Der Neoklassizismus behielt seine herausragende Stellung als bedeutende Kraft in der akademischen Kunst im gesamten 19. Jahrhundert und darüber hinaus und diente stets als Gegenpol zur Romantik und zur Wiederbelebung der Gotik. Ab dem späten 19. Jahrhundert wurde sie jedoch von einflussreichen kritischen Kreisen häufig als antimodern oder sogar reaktionär charakterisiert. Infolgedessen entwickelten die zentralen Bezirke mehrerer europäischer Städte, insbesondere Sankt Petersburg und München, ein Erscheinungsbild, das ausgedehnten Museen neoklassizistischer Architektur ähnelte.

Die neugotische Architektur, ein Stil, der im 18. Jahrhundert entstand und im Laufe des 19. Jahrhunderts beträchtliche Popularität erlangte und oft mit der romantischen Kulturbewegung in Verbindung gebracht wurde, stellte einen deutlichen Kontrast zum Neoklassizismus dar. Während sich der Neoklassizismus durch sein Festhalten an griechischer und römischer Ästhetik, geometrischer Präzision und formaler Ordnung auszeichnete, legte die neogotische Architektur den Schwerpunkt auf mittelalterlich inspirierte Strukturen, die häufig eine rustikale und „romantische“ Stimmung hervorrufen sollten.

Frankreich

Louis XVI-Stil (1774–1789)

Dieser Stil markiert den Übergang vom Rokoko zum Klassizismus. Im Gegensatz zum Klassizismus Ludwigs XIV., der Ornamente zu symbolischen Darstellungen stilisierte, wurden sie im Stil Ludwigs XVI. mit höchstem Realismus und Naturalismus wiedergegeben; Beispielsweise erschienen Lorbeerzweige wie echte Lorbeerzweige und Rosen behielten ihre natürliche Form. Ein grundlegendes dekoratives Prinzip war die Symmetrie. Die Innenpaletten zeichneten sich durch außergewöhnlich helle Farbtöne aus, darunter Weiß, Hellgrau, leuchtendes Blau, Rosa, Gelb, blasses Flieder und Gold. Auf übermäßige Verzierungen wurde bewusst verzichtet. Die Wiederbelebung der Antike brachte vor allem eine Neubetonung geradliniger Formen mit sich, wobei strenge vertikale und horizontale Linien vorherrschend wurden. Krummlinige Elemente wie Serpentinenlinien waren weitgehend verboten, mit Ausnahme gelegentlicher Halbkreise oder Ovale. Auch die Innenarchitektur übernahm diese strenge Ästhetik, was zur Wiederbelebung flacher Flächen und rechter Winkel führte. Die Ornamentik milderte diese Strenge, respektierte jedoch konsequent die Grundlinien und war stets symmetrisch um eine Mittelachse angeordnet. Dennoch haben ébénistes häufig vordere Winkel abgeschrägt, um übermäßige Starrheit zu mildern.

Die dekorativen Motive, die für den Stil Ludwigs XVI. charakteristisch sind, wurden von der Antike, dem Stil Ludwigs XIV. und natürlichen Elementen inspiriert. Zu den charakteristischen Stilelementen gehörten eine mit einem Köcher voller Pfeile gekreuzte Fackel, schuppenförmige Scheiben, Guillochenmuster, doppelte Schleifenknoten, rauchende Kohlenbecken, lineare Wiederholungen kleiner Motive (wie Rosetten, Perlen und Eier), an geknoteten Bändern aufgehängte Trophäen- oder Blumenmedaillons, Akanthusblätter, Godronen, Flechtwerk, Mäander, Füllhörner, Maskarons und antike Urnen, Stative, Parfümbrenner, Delfine, Widder- und Löwenköpfe, Chimären und Greife. Auch griechisch-römische Architekturmotive kamen häufig zum Einsatz und umfassten Kannelierungen, Pilaster (sowohl geriffelt als auch nicht geriffelt), geriffelte Baluster (gedreht und gerade), Säulen (eingefasst und nicht eingebunden, gelegentlich durch Karyatiden ersetzt), Volutenkonsolen und Triglyphen mit Guttae (in Relief und Trompe-l'œil dargestellt).

Der Directoire-Stil (1789–1804).

Der Empire-Stil (1804–1815).

Der Neoklassizismus entwickelte sich zu einer prägenden Ästhetik für die postrevolutionäre französische Gesellschaft und beeinflusste alle Facetten des Lebens, einschließlich des künstlerischen Ausdrucks. In dieser Zeit wurde die Jacquardmaschine erfunden, die das bisher manuelle Nähsystem revolutionierte. Rot, oft mit vergoldeter Bronze verziert, war eine herausragende Farbe. Darüber hinaus wurden leuchtende Farben wie Weiß, Creme, Violett, Braun, Blau und Dunkelrot verwendet, typischerweise mit minimalen Verzierungen aus vergoldeter Bronze. Innenarchitektonische Elemente bestanden aus mit vergoldeten Reliefs verzierten Holztafeln vor weißem oder farbigem Hintergrund. Die Motive wurden mit geometrischer Präzision angeordnet. Die Wände wurden mit Stuck oder Tapetenstoffen verkleidet. Kaminsimse aus weißem Marmor waren häufig mit Karyatiden an den Ecken oder anderen dekorativen Elementen wie Obelisken, Sphinxen und geflügelten Löwen versehen. Auf diesen Kaminsimsen wurden häufig Bronzegegenstände, darunter auch Kaminuhren, aufgestellt. Die Türen bestanden aus einfachen rechteckigen Paneelen, die jeweils mit einer zentralen Figur verziert waren, die von der pompejanischen Kunst inspiriert war. Zu den Textilien aus der Empire-Ära gehörten Damaste mit blauem oder braunem Grund, Satin mit grünem, rosa oder violettem Grund, Samt in ähnlichen Farbtönen, mit Gold oder Silber verwobener Brokat und verschiedene Baumwollstoffe. Diese Materialien wurden in Innenräumen häufig für Vorhänge, Möbelbezüge, Kissen und Polster verwendet; Leder wurde auch für die Polsterung verwendet.

Die für den Empire-Stil charakteristische Ornamentik ist streng symmetrisch und spiegelt die ästhetischen Prinzipien der Ära Ludwigs XIV. wider. Typischerweise weisen Motive auf gegenüberliegenden Seiten eines Objekts eine genaue Übereinstimmung auf; Fehlt hingegen eine solche direkte Spiegelung, sind die einzelnen Motive selbst von Natur aus symmetrisch. Beispiele hierfür sind klassische Köpfe mit identischen Locken auf beiden Schultern, frontale Darstellungen des Sieges mit symmetrisch drapierten Tuniken oder Paare identischer Rosetten oder Schwäne, die neben einer Schlossplatte positioniert sind. Ähnlich wie Ludwig XIV. schuf Napoleon eine Reihe eindeutiger Embleme, die eindeutig mit seiner Herrschaft verbunden waren. Dazu gehörten vor allem der Adler, die Biene, Sterne und die Initialen I (für Imperator) und N (für Napoleon), häufig eingeschlossen in einer kaiserlichen Lorbeerkrone. Zu den gängigen Motiven gehörten Siegesfiguren mit Palmzweigen, griechische Tänzerinnen, sowohl nackte als auch drapierte Frauenfiguren, Darstellungen antiker Streitwagen, geflügelte Putten, Maskarons mit Darstellungen von Apollo, Hermes und der Gorgone sowie Schwäne, Löwen, Ochsenköpfe, Pferde und wilde Tiere. Zu den weiteren Elementen gehörten Schmetterlinge, Krallen, geflügelte Chimären, Sphinxen, Bukranien, Seepferdchen, Eichenkränze, die durch dünne Schleppbänder gesichert waren, kletternde Weinreben, Mohn-Rinceaux, Rosetten, Palmzweige und Lorbeer. Eine beträchtliche Anzahl von Motiven aus der griechisch-römischen Antike wurden ebenfalls verwendet, wie z. B. starre und abgeflachte Akanthusblätter, Palmetten, Füllhörner, Perlen, Amphoren, Stative, Schuppenscheiben, Merkur-Caducei, Vasen, Helme, brennende Fackeln, geflügelte Trompetenspieler und verschiedene antike Musikinstrumente, insbesondere Tuben, Rasseln und insbesondere Leiern. Ungeachtet ihres klassischen Ursprungs fehlten die Kannelierungen und Triglyphen, die während der Zeit Ludwigs XVI. im Vordergrund standen, deutlich. Motive der ägyptischen Wiedergeburt waren in der frühen Phase dieser Zeit besonders verbreitet und enthielten Elemente wie Skarabäen, Lotuskapitelle, geflügelte Scheiben, Obelisken, Pyramiden, mit Erzfeinden geschmückte Figuren und Karyatiden en Gaine, gekennzeichnet durch nackte Füße und ägyptische Frauenkopfbedeckungen.

Deutschland

Neoklassizistische Architektur erfreute sich in Deutschland großer Beliebtheit, insbesondere in der Region, die damals als Preußen bekannt war, und diente als Symbol für Wohlstand und Autorität. Karl Friedrich Schinkel war für den Bau zahlreicher bedeutender Bauten in diesem Stil verantwortlich, darunter das Alte Museum in Berlin. Obwohl Berlins Stadtplanung weitgehend seinen barocken Charakter beibehielt, verliehen Schinkels architektonische Beiträge und seine funktionale Ästhetik der Stadt einen unverwechselbaren neoklassizistischen Kern.

Die von Schinkel entworfene Bauakademie gilt als Vorreiter der modernen Architektur, vor allem aufgrund ihrer damals beispiellos stromlinienförmigen Fassade.

Italien

Während der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts und des gesamten 19. Jahrhunderts erlebte Italien erhebliche sozioökonomische Veränderungen, mehrere ausländische Einfälle und die turbulente Risorgimento-Bewegung, die in der Vereinigung der Nation im Jahr 1861 ihren Höhepunkt fand. Infolgedessen erlebte die italienische Kunst eine Reihe subtiler und tiefgreifender stilistischer Veränderungen.

Der italienische Neoklassizismus stellte die erste Entstehung des italienischen Neoklassizismus dar war eine breitere neoklassizistische Periode und hielt länger an als andere nationale Varianten des Stils. Diese Bewegung entwickelte sich im Gegensatz zum Barockstil und begann etwa ca. 1750 und dauerte bis etwa ca. 1850. Der Neoklassizismus entstand zeitgleich mit der Wiederentdeckung von Pompeji und verbreitete sich in ganz Europa, als eine Generation von Kunststudenten nach Abschluss der Grand Tour in Italien in ihre Heimat zurückkehrte, erfüllt von erneuerten griechisch-römischen Idealen. Ihr Epizentrum war zunächst Rom, wo in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, bevor die Bewegung nach Paris verlagerte, Künstler wie Antonio Canova und Jacques-Louis David eine herausragende Rolle spielten. Auch Vedutenmaler, darunter Canaletto und Giovanni Paolo Panini, erlangten während der Grand-Tour-Ära große Anerkennung. Die neoklassizistische Architektur ließ sich von den Renaissancewerken von Andrea Palladio inspirieren, wobei Luigi Vanvitelli als einer der bedeutendsten Vertreter dieses Stils gilt.

Die klassizistische Literatur beeinflusste die Risorgimento-Bewegung maßgeblich. Zu den Schlüsselfiguren dieser Epoche gehörten Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti, Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi und Alessandro Manzoni (Cesare Beccarias Neffe), die alle ebenfalls von der französischen Aufklärung und der deutschen Romantik geprägt waren. Der virtuose Geiger Paganini war neben den Opern von Rossini, Donizetti, Bellini und später Verdi die dominierende Kraft in der klassischen und romantischen Musik Italiens.

Die künstlerischen Beiträge von Francesco Hayez und insbesondere die der Macchiaioli bedeuteten eine Abkehr von der klassischen Schule, die mit der Vereinigung Italiens ihren Abschluss fand. Der Neoklassizismus ist nach der Renaissance und dem Barock der letzte aus Italien stammende Kunststil, der in der westlichen Kunst weite Verbreitung gefunden hat.

Rumänien

Das 19. Jahrhundert war in der Walachei und Moldawien, die später das Königreich Rumänien bildeten, weitgehend vom Klassizismus geprägt. Dieser Architekturstil blieb bis weit ins 20. Jahrhundert bestehen und existierte gelegentlich für kurze Zeit neben anderen Stilen. Ab dem frühen 19. Jahrhundert wurden ausländische Architekten und Ingenieure beauftragt, da den ortsansässigen rumänischen Fachleuten die Fachausbildung fehlte, die für den Entwurf von Bauwerken erforderlich war, die erheblich von der traditionellen rumänischen Architektur abweichen. Diese ausländischen Experten, die sich hauptsächlich mit dem Klassizismus beschäftigten, arbeiteten mit rumänischen Handwerkern zusammen, von denen viele ihre Ausbildung an internationalen Schulen oder Akademien erhalten hatten. Gleichzeitig setzten rumänische Architekten ihre Ausbildung auch in westeuropäischen Institutionen fort. Eine bemerkenswerte Persönlichkeit, die den Neoklassizismus in Rumänien vertrat, war Alexandru Orăscu.

Der Klassizismus fand sowohl in religiösen als auch in weltlichen Architekturformen seinen Ausdruck. Der Știrbei-Palast in der Calea Victoriei in Bukarest ist ein Beispiel für den weltlichen Klassizismus. Der um 1835 nach Entwürfen des französischen Architekten Michel Sanjouand erbaute Palast erhielt 1882 eine zusätzliche Ebene, die vom österreichischen Architekten Joseph Hartmann entworfen wurde.

Ukraine

Mehrere ukrainische Städte bewahren ein bedeutendes architektonisches Erbe aus der Zeit des Russischen und Österreichisch-Ungarischen Reiches, ein Beweis für die historische Kontrolle der ukrainischen Gebiete durch verschiedene ausländische Staaten. Als prominentes Beispiel dient die Teatralna-Straße in Kropyvnytskyi, wo alle Gebäude im 19. Jahrhundert im neoklassizistischen Stil von europäischen Architekten errichtet wurden.

Russland und die Sowjetunion

Von 1905 bis 1914 erlebte die russische Architektur eine prägnante, aber wirkungsvolle Wiederbelebung des Neoklassizismus. Diese Bewegung entstand mit der Neuinterpretation des Alexandrinischen Empire-Stils und diversifizierte sich schnell in verschiedene Ansätze der Neorenaissance, des Palladianismus und der modernisierten Klassik. An der Spitze dieses Trends standen in den 1870er Jahren geborene Architekten, darunter Ivan Fomin, Vladimir Shchuko und Ivan Zholtovsky, die ihren kreativen Höhepunkt vor dem Ersten Weltkrieg erreichten. Nach dem wirtschaftlichen Aufschwung in den 1920er Jahren lebten diese Architekten und ihre Schüler in einer überwiegend modernistischen Architekturlandschaft fort. Während einige, wie Zholtovsky, strikt an klassischen Prinzipien festhielten, entwickelten andere, wie Fomin, Shchuko und Ilya Golosov, ihre eigenen modernisierten Stile.

Die Unterdrückung der architektonischen Autonomie und die offizielle Ablehnung des Modernismus im Jahr 1932, die sich insbesondere im internationalen Wettbewerb um den Palast der Sowjets zeigte, führten zur sofortigen Förderung des Neoklassizismus als zentrale, wenn auch nicht ausschließliche Option innerhalb der stalinistischen Architektur. Dieser Stil existierte neben den gemäßigt modernistischen Entwürfen von Boris Iofan, die manchmal an zeitgenössisches Art Deco grenzten, wie in Werken von Shchuko zu sehen ist. Die unverfälschtesten Beispiele des Neoklassizismus gingen jedoch aus der Zholtovsky-Schule hervor, die ein eigenständiges und etwas isoliertes Phänomen blieb. Während sich dieser politische Eingriff für konstruktivistische Befürworter als schädlich erwies, wurde er von Architekten, die sich an der klassischen Tradition orientierten, enthusiastisch aufgenommen.

Der Neoklassizismus erwies sich für die Sowjetunion als pragmatische Wahl, da er keine fortschrittlichen Bautechnologien wie Stahlrahmen oder Stahlbeton erforderte und eine Reproduktion mit traditionellem Mauerwerk ermöglichte. Folglich wurden die Entwürfe von Zholtovsky, Fomin und anderen etablierten Meistern auch bei strenger Materialrationierung problemlos in entfernten Städten nachgeahmt. Fortschritte in der Bautechnologie nach dem Zweiten Weltkrieg ermöglichten es stalinistischen Architekten, Wolkenkratzerprojekte durchzuführen. Allerdings hatten diese hoch aufragenden Bauwerke, darunter „exportierte“ Beispiele wie der Kultur- und Wissenschaftspalast in Warschau und das Shanghai International Convention Centre, nur minimale stilistische Ähnlichkeit mit klassischen Vorbildern. Neoklassizismus und Neorenaissance wurden weiterhin in weniger komplexen Wohn- und Bürogebäuden eingesetzt, bis Nikita Chruschtschow 1955 die Ära der kostspieligen stalinistischen Architektur beendete.

Vereinigtes Königreich

Der Adam-Stil geht auf die Brüder Adam und James zurück, die 1777 einen Band mit Radierungen veröffentlichten, die sich detailliert mit Innenornamenten befassten. Bei Innenarchitekturen, die nach Robert Adams Vorgaben ausgeführt wurden, werden Wände, Decken, Türen und andere Oberflächen in große Tafeln – rechteckig, kreisförmig oder quadratisch – segmentiert, die an ihren Rändern mit Stuckarbeiten und griechisch-römischen Motiven verziert sind. Zu den üblichen dekorativen Elementen gehören Girlanden, Perlenschnüre, Eier-und-Pfeil-Bänder, Medaillons und andere Motive aus der klassischen Antike, insbesondere etruskische Designs. Ergänzende Dekorationsgegenstände wie urnenförmige Steinvasen, vergoldetes Silberbesteck, Lampen und Statuetten sind stets von der klassischen Antike inspiriert. Der Adam-Stil zeichnet sich durch raffinierte rechteckige Spiegel aus, die oft wie Gemälde mit stilisierten Blattmotiven eingerahmt sind oder von einem Giebel gekrönt werden, der eine Urne oder ein Medaillon trägt. Ein weiteres charakteristisches Adam-Spiegeldesign ähnelt einem venezianischen Fenster und verfügt über einen großen zentralen Spiegel, der von zwei schmaleren, länglichen Spiegeln flankiert wird. Ovale Spiegel, die häufig mit Girlanden verziert sind, stellen einen weiteren besonderen Typus dar. In diesem Stil gefertigte Möbel weisen strukturelle Ähnlichkeiten mit Louis XVI-Möbeln auf.

Neben dem Adam-Stil ist Englands dekorative Kunst auch für den Keramikhersteller Josiah Wedgwood (1730–1795) bekannt, der die Etruria-Keramik gründete. Wedgwood-Ware besteht hauptsächlich aus Jaspisware, einem haltbaren und feinkörnigen Steinzeug. Wedgwood-Vasen weisen typischerweise zweifarbige Reliefdekorationen auf, am häufigsten mit weißen Figuren vor einem blauen Hintergrund.

Vereinigte Staaten

Auf dem amerikanischen Kontinent wurden Architektur- und Innenarchitekturpraktiken stark von europäischen Stilentwicklungen geprägt. Französische ästhetische Vorlieben beeinflussten insbesondere die Südstaaten, was teilweise auf den Zustrom von Auswanderern nach der Französischen Revolution und das bedeutende französische Erbe der kanadischen Bevölkerung zurückzuführen war. Das pragmatische Ethos und die vorherrschenden materiellen Bedingungen der Amerikaner in dieser Zeit verliehen den Innenräumen einen unverwechselbaren Charakter. Alle amerikanischen Möbel, Teppiche, Tafelgeschirre, Keramiken und Silberbestecke enthielten zwar verschiedene europäische und gelegentlich auch islamische, türkische oder asiatische Einflüsse, wurden jedoch in Übereinstimmung mit amerikanischen Standards, Geschmäckern und funktionalen Anforderungen hergestellt. Die Vereinigten Staaten erlebten Zeiten, die vom Queen-Anne- und Chippendale-Stil geprägt waren. Eine einzigartige amerikanische Ästhetik, der Federal Style, entwickelte sich im 18. und frühen 19. Jahrhundert vollständig und blühte unter dem Einfluss des britischen Geschmacks auf. Angetrieben vom Neoklassizismus entstanden in dieser Zeit unverwechselbare Architektur, Innenräume und Möbel. Trotz regionaler Unterschiede behielt der Stil eine grundsätzliche Einheit. Architektur-, Innen- und Möbelstrukturen waren überwiegend klassizistisch und integrierten Elemente des Barock und des Rokoko. Zu den gängigen geometrischen Formen gehörten Rechtecke, Ovale und Halbmonde. Wände und Decken waren häufig mit Stuck oder Holzpaneelen versehen, die klassizistische Motive nachahmten. Möbel enthielten oft florale Intarsien und Bronze- oder Messingeinlagen, manchmal auch vergoldet.

Gärten

In England fand die augusteische Literatur eine direkte Parallele im augusteischen Stil der Landschaftsgestaltung, wobei klare Verbindungen in den Werken von Alexander Pope erkennbar sind. Bemerkenswerte erhaltene Beispiele neoklassizistischer englischer Gärten sind Chiswick House, Stowe House und Stourhead.

Mode

Der Neoklassizismus beeinflusste die Damenmode erheblich und förderte eine einfachere Ästhetik und eine anhaltende Vorliebe für weiße Kleidungsstücke, Trends, die lange vor der Französischen Revolution aufkamen. Allerdings fand die umfassende Nachahmung antiker Stile in Frankreich erst nach der Revolution breite Akzeptanz, insbesondere bei Frauen. Zuvor war klassische Kleidung typischerweise auf Porträtsitzungen beschränkt, bei denen modische Frauen als Figuren aus der griechischen oder römischen Mythologie posierten – eine Praxis, die in den 1780er Jahren durch zahlreiche Porträts von Emma und Lady Hamilton veranschaulicht wurde – und auf Maskenbällen oder als informelle Kleidung zu Hause, ähnlich zu anderen exotischen Stilen. Dennoch wechselten die Ensembles, die von Pariser Modeschöpfern wie Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais und Thérésa Tallien populär gemacht wurden, von der Porträtmalerei zur öffentlichen Kleidung. Als er Madame Tallien in der Oper beobachtete, bemerkte Talleyrand die berühmte Bemerkung: „Il n'est pas mglich de s'exposer plus somptueusement!“ („Prunkvoller kann man nicht ausgezogen sein“). Vor der Revolution im Jahr 1788 veranstaltete die Hofporträtistin Louise Élisabeth Vigée Le Brun ein „griechisches Abendessen“, bei dem die Teilnehmer einfache weiße griechische Tuniken trugen. Kürzere, oft gekräuselte, klassische Frisuren erwiesen sich als weniger umstritten und wurden allgemein übernommen, was dazu führte, dass die Haare auch im Freien unbedeckt blieben, eine Abkehr vom früheren Brauch, in Innenräumen Hauben oder andere Bedeckungen zu tragen, außer bei formeller Abendgarderobe. Stattdessen wurden schmale, griechisch inspirierte Bänder oder Bänder zum Haarschmuck und zum Binden verwendet.

Diese Kleidungsstücke zeichneten sich durch ihre extreme Leichtigkeit und lockere Passform aus, waren überwiegend weiß und zeigten häufig auffallend nackte Arme. Sie reichten vom Knöchel bis knapp unter das Oberteil, wo ein deutlicher, oft kontrastierender, dünner Saum oder ein Band den Körper umgab. Diese charakteristische Form wird heute allgemein als Empire-Silhouette bezeichnet, obwohl ihre Ursprünge vor Napoleons Erstem Französischen Kaiserreich liegen. Eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung dieses Stils in ganz Europa spielte jedoch Kaiserin Joséphine de Beauharnais, Napoleons erste Frau. Ein langer, rechteckiger Schal oder Überwurf, häufig einfarbig rot, in Porträts jedoch mit einer verzierten Bordüre dargestellt, bot in kühleren Klimazonen praktische Wärme. Berichten zufolge wurde dieses Accessoire beim Sitzen um die Taille drapiert und ergänzte oft die bevorzugte, halb liegende, ausgestreckte Haltung. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts hatten diese Modetrends auf dem gesamten europäischen Kontinent weite Verbreitung gefunden.

Die neoklassizistische Mode stellte Männer vor deutlich größere Herausforderungen und konnte sich kaum durchsetzen, mit Ausnahme der Frisuren. Dies trug erheblich zur Einführung kürzerer Haare bei und verdrängte letztendlich die Verwendung von Perücken und später von weißem Haarpuder bei jüngeren Männern. Historisch gesehen symbolisierten Hosen bei den Griechen und Römern den Barbaren; Folglich waren nur wenige Männer außerhalb künstlerischer Ateliers, insbesondere der Bildhauerateliers, geneigt, sie aufzugeben. Diese Ära markierte jedoch den Aufstieg der langen Hose oder des Pantalons gegenüber der für das Ancien Régime charakteristischen Culotte (Kniebundhose). Sogar Jacques-Louis Davids Entwurf für ein neues französisches „Nationalkostüm“ im Jahr 1792, den die Regierung inmitten des intensiven revolutionären Eifers für gesellschaftliche Veränderungen in Auftrag gab, enthielt relativ enge Leggings unter einem Mantel, der über dem Knie endete. Ein beträchtlicher Teil wohlhabender junger Männer diente während der kritischen Zeit der Französischen Unabhängigkeitskriege im Militär. Militäruniformen, deren Jacken an der Vorderseite gekürzt waren, sodass die eng anliegenden Hosen vollständig zur Geltung kamen, wurden häufig außerhalb des Dienstes getragen und beeinflussten daher die zivile männliche Kleidung.

Das „Hosenproblem“ wurde von Künstlern als erhebliches Hindernis für die Schaffung zeitgenössischer Historiengemälde anerkannt, da Hosen zusammen mit anderen Elementen moderner Kleidung von vielen Künstlern und Kritikern weithin als von Natur aus unheroisch und ästhetisch unattraktiv angesehen wurden. Folglich wurden verschiedene künstlerische Strategien eingesetzt, um ihre Darstellung in zeitgenössischen Szenen zu umgehen. Beispielsweise werden in Gavin Hamiltons „James Dawkins und Robert Wood entdecken die Ruinen von Palmyra“ (1758) die beiden antiquarischen Herren in togaähnlichen arabischen Gewändern dargestellt. Auch in John Singleton Copleys „Watson und der Hai“ (1778) konnte die zentrale Figur glaubhaft nackt dargestellt werden, und die kompositorische Anordnung stellt sicher, dass von den acht anderen männlichen Figuren nur eine deutlich ein einzelnes Bein in der Hose aufweist. Dennoch leisteten die amerikanischen Künstler Copley und Benjamin West Pioniere bei der erfolgreichen Integration von Hosen in heroische Erzählungen, wie in Werken wie Wests „Der Tod von General Wolfe“ (1770) und Copleys „Der Tod von Major Peirson, 6. Januar 1781“ (1783) gezeigt wird. Trotz dieser Fortschritte wurden Hosen in Théodore Géricaults 1819 fertiggestelltem Das Floß der Medusa weiterhin sorgfältig weggelassen

Zu den klassisch inspirierten Herrenfrisuren gehörte der Bedford Crop, der als Vorläufer vieler moderner schlichter Herrenfrisuren gilt. Dieser Stil wurde vom radikalen Politiker Francis Russell, 5. Duke of Bedford, als Protest gegen eine Haarpudersteuer ins Leben gerufen; Berichten zufolge ermutigte er seine Bekannten durch Wetten, es zu übernehmen. Ein anderer einflussreicher Stil oder eine Gruppe von Stilen wurde von den Franzosen als „Coiffure à la Titus“ bezeichnet und bezog sich dabei auf Titus Junius Brutus (im Unterschied zum römischen Kaiser Titus, ein weit verbreitetes Missverständnis). Dieser Stil zeichnete sich durch kurzes, gestuftes Haar aus, das oft auf dem Scheitel hochgehoben war, und häufig mit dezenten Haartollen oder baumelnden Locken. Variationen dieser Frisur sind in Porträts von Napoleon und Georg IV. des Vereinigten Königreichs erkennbar. Die Einführung dieses Stils wird dem Schauspieler François-Joseph Talma zugeschrieben, der Berichten zufolge seine Perücken tragenden Kollegen bei Aufführungen von Theaterstücken wie Voltaires Brutus in den Schatten stellte, in dem Lucius Junius Brutus die Hinrichtung seines Sohnes Titus anordnet. Eine Pariser Modezeitschrift berichtete 1799, dass sogar kahlköpfige Menschen Titus-Perücken annahmen. Auch bei Frauen erfreute sich der Stil zunehmender Beliebtheit: Das Journal de Paris stellte 1802 fest, dass „mehr als die Hälfte der eleganten Frauen ihre Haare oder Perücken à la Titus trugen.“

Musik

Der musikalische Neoklassizismus, eine Bewegung des 20. Jahrhunderts, beinhaltete die Wiederbelebung klassischer und barocker Musikstile des 17. und 18. Jahrhunderts, die häufig griechische und römische Themen enthielten, und nicht ein direktes Wiederaufleben der antiken Musik selbst. (Während des frühen 20. Jahrhunderts war die Barockperiode in der Musik, ein Haupteinfluss für neoklassizistische Komponisten, noch nicht klar von der heutigen klassischen Periode abgegrenzt worden.) Diese Bewegung, die im frühen 20. Jahrhundert entstand, stellte eine Reaktion auf die sich auflösende Chromatik dar, die für die Spätromantik und den Impressionismus charakteristisch ist. Sie entwickelte sich parallel zur musikalischen Moderne, die darauf abzielte, die Grundtonalität völlig abzuschaffen. Der Neoklassizismus drückte eine Vorliebe für stilistische Klarheit und Einfachheit aus. Sie erlaubte zwar dissonante Neuinterpretationen klassischer Techniken, zielte aber darauf ab, über die wahrgenommenen Exzesse der Romantik und die subtilen Nuancen des Impressionismus hinauszugehen und stattdessen robuste Rhythmen, durchsetzungsfähige Harmonien und ausgeprägte Schnittformen zu bevorzugen. Dies fiel mit einem Trend zu rekonstruierten „klassischen“ Tänzen und Kleidungsstücken im Ballett und im Sportunterricht zusammen.

Obwohl die Tanzsuite aus dem 17.–18. Jahrhundert vor dem Ersten Weltkrieg ein kleines Wiederaufleben erlebte, waren neoklassizistische Komponisten im Allgemeinen mit der unverfälschten Diatonik unzufrieden. Sie betonten oft die lebendige Dissonanz von Vorhalten und Verzierungen, die eckigen Eigenschaften der modalen Harmonie des 17. Jahrhunderts und die dynamischen Konturen der kontrapunktischen Stimmführung. Ottorino Respighis Ancient Airs and Dances (1917) schufen einen Präzedenzfall für die Klangästhetik, die Neoklassizisten anstrebten. Während die Aneignung vergangener Musikstile ein wiederkehrendes Phänomen in der Musikgeschichte ist, treten in der Kunstmusik immer wieder Komponisten auf, die zeitgenössische Techniken mit historischen Formen oder Harmonien verbanden, um neuartige Kompositionen zu schaffen. Zu den wichtigsten kompositorischen Merkmalen gehören: Anspielungen auf die diatonische Tonalität, das Festhalten an konventionellen Formen (wie Tanzsuiten, Concerti Grossi und Sonatenformen), das Konzept der absoluten Musik ohne beschreibende oder emotionale Konnotationen, die Verwendung leichter musikalischer Texturen und eine prägnante Herangehensweise an den musikalischen Ausdruck. Innerhalb der klassischen Musik war dieser Trend in den 1920er bis 1950er Jahren besonders deutlich. Igor Strawinsky gilt als der prominenteste Komponist dieses Stils, der mit seinem von Bach inspirierten Oktett für Blasinstrumente (1923) die musikalische Revolution effektiv eingeleitet hat. Als bemerkenswertes Einzelbeispiel dieser Ästhetik dient Prokofjews Klassische Sinfonie Nr. 1 in D, die an den symphonischen Stil Haydns oder Mozarts erinnert. Das von George Balanchine ins Leben gerufene neoklassizistische Ballett rationalisierte den russischen kaiserlichen Stil durch die Vereinfachung von Kostümen, Schritten und Erzählungen und führte gleichzeitig technische Fortschritte ein.

Späterer Neoklassizismus und seine Entwicklungen

Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts begann der Neoklassizismus als vorherrschender Architekturstil zurückzutreten und wurde von einem Eklektizismus klassischer Stile abgelöst. Das Palais Garnier in Paris ist ein Beispiel für diesen Trend, da es trotz seines überwiegend neoklassizistischen Charakters Elemente und Ornamente aus der Architektur des Barock und der Renaissance enthält. Ein solches synkretistisches Design war in der Architektur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts vor dem Ersten Weltkrieg weit verbreitet. Über den Neoklassizismus hinaus war die Beaux-Arts de Paris auch für ihre Übernahme des klassischen stilistischen Eklektizismus bekannt.

Pablo Picasso erforschte klassizistische Motive in der Zeit unmittelbar nach dem Ersten Weltkrieg.

In der amerikanischen Architektur Der Neoklassizismus stellte eine Facette der amerikanischen Renaissance-Bewegung ca. 1890–1917 dar und gipfelte in der Beaux-Arts-Architektur. Zu seinen letzten großen öffentlichen Aufträgen gehörte das Lincoln Memorial, das erheblicher zeitgenössischer Kritik ausgesetzt war; die National Gallery of Art in Washington, D.C., die von der Architektengemeinschaft wegen ihres als anachronistisch und konventionell empfundenen Designs ebenfalls vielfach kritisiert wird; und das Roosevelt Memorial des American Museum of Natural History. Nach ihrer Fertigstellung galten diese Bauwerke weitgehend als stilistische Anachronismen. Im britischen Raj bedeutete Sir Edwin Lutyens‘ monumentale Stadtplanung für Neu-Delhi den Niedergang des Neoklassizismus. Der Zweite Weltkrieg ließ in der Folge den weitverbreiteten Wunsch nach und die Nachahmung idealisierter historischer Epochen schwinden.

In den nichtbildenden Künsten entstand im 20. Jahrhundert eine eigenständige Bewegung, auch Neoklassizismus genannt. Diese Bewegung umfasste mindestens Musik, Philosophie und Literatur. Ihre primäre Einflussperiode erstreckte sich vom Ende des Ersten Weltkriegs bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs.

Diese literarische neoklassische Bewegung mied die extreme Romantik, die durch Bewegungen wie Dada verkörpert wurde, und plädierte stattdessen für Zurückhaltung, religiöse Zugehörigkeit (insbesondere das Christentum) und eine reaktionäre politische Agenda. Während T. E. Hulme die Grundprinzipien dieser Bewegung in der englischen Literatur begründete, gehörten zu ihren prominentesten Befürwortern T. S. Eliot und Wyndham Lewis. In Russland festigte sich die Bewegung bereits 1910 unter der Bezeichnung Akmeismus, wobei Anna Achmatowa und Ossip Mandelschtam als ihre wichtigsten Vertreter fungierten.

Art Deco

Obwohl der Neoklassizismus nach dem Ersten Weltkrieg zunehmend als anachronistisch wahrgenommen wurde, blieben seine grundlegenden Prinzipien, Proportionen und anderen Stilelemente bestehen. Art Deco, der vorherrschende Stil der Zwischenkriegszeit, spiegelte die Vorliebe der bürgerlichen Elite für anspruchsvolle historische französische Stile wie Louis XVI, Directoire und Empire wider, die Perioden des französischen Neoklassizismus darstellen. Gleichzeitig zeigte dieselbe französische Elite eine Wertschätzung für moderne Kunst, einschließlich der Werke von Pablo Picasso und Amedeo Modigliani. Dieses Zusammentreffen von Einflüssen führte zu einem frühen Art-Déco-Stil, der sowohl neuartige als auch traditionelle Elemente integrierte. Als Paradebeispiel dient das 1937 von André Aubert und Marcel Dastugue in Paris erbaute Palais de Tokyo. Während auf Verzierungen verzichtet wird und die Fassade ausschließlich mit Reliefs geschmückt ist, erinnert das Vorhandensein von Säulen stark an die neoklassizistische Ästhetik. Das Art-Déco-Design enthielt häufig, wenn auch subtil, neoklassizistische Motive: Beispiele hierfür sind die strengen, geradlinigen Kommoden von Émile-Jacques Ruhlmann oder Louis Süe & André Mare; Präzise Friese mit äußerst niedrigem Relief, die Jungfrauen und Gazellen in verschiedenen Medien darstellen; modische Kleidungsstücke, drapiert oder schräg geschnitten, um griechische Silhouetten nachzuahmen; und der interpretierende Tanz von Isadora Duncan. Sogar konservative Architekten der Moderne in Frankreich wie Auguste Perret behielten die rhythmischen und räumlichen Prinzipien der Säulenarchitektur in Industriebauten bei.

Das dynamische Zusammenspiel innerhalb des Art Déco, das durch die Integration historischer Elemente, Formen und Proportionen neben einer Hinwendung zur Moderne gekennzeichnet ist, beruht auf mehreren Faktoren, die dazu beitragen. Ein Haupteinfluss ist der Eklektizismus. Die inhärente Komplexität und Vielfältigkeit des Art Déco ist größtenteils diesem eklektischen Geist zu verdanken. Stilisierte Komponenten, die aus den Beaux-Arts und dem Neoklassizismus oder aus zeitlich und geografisch entfernten Kulturen wie dem alten Ägypten, dem präkolumbianischen Amerika und der afrikanischen Kunst südlich der Sahara stammen, wurden mit Anspielungen auf modernistische Avantgarde-Künstler des frühen 20. Jahrhunderts, darunter Henri Matisse, Amedeo Modigliani und Constantin Brâncuși, synthetisiert. Die ausgeprägte architektonische Identität der Art-Déco-Bewegung ist maßgeblich dem akademischen Eklektizismus und dem Neoklassizismus zu verdanken. Ohne die Beiträge von in der Beaux-Arts-Tradition ausgebildeten Architekten wäre die Art-Déco-Architektur, abgesehen von Wohngebäuden, möglicherweise lediglich eine Ansammlung von dekorativen Objekten gewesen, die auf eine urbane Dimension vergrößert wurden, ähnlich den damals umstrittenen Pavillons der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst von 1925. Ein weiterer Faktor, der die Oszillation zwischen historischen und modernen Elementen antreibt, war die Konsumkultur. Gebäude und Objekte im strengen Internationalen Stil, der auf Ornamente und historische Bezüge verzichtete, erwiesen sich für die breite Bevölkerung als zu radikal. In der Zwischenkriegszeit in Frankreich und England war es für die öffentliche Meinung und einen erheblichen Teil der Architekturkritik schwierig, einen Stil zu akzeptieren, der völlig auf Schnörkel verzichtete, wie den Internationalen Stil.

Die Einbeziehung historischer Stile als grundlegende Inspiration für Art Déco begann vor dem Ersten Weltkrieg, größtenteils durch die Bemühungen von Dekorateuren wie Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot und Émile-Jacques Rühlmann. Diese Designer griffen auf die angesehenen französischen Kunst- und Handwerkstraditionen des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts zurück, insbesondere auf die Stile Louis XVI, Directoire und Louis Philippe, mit dem Ziel, eine neuartige Interpretation einzuführen. Der Neo-Louis-XVI-Stil erfreute sich um 1910 in Frankreich und Rumänien großer Beliebtheit und beeinflusste maßgeblich zahlreiche frühe Art-déco-Entwürfe und Architekturprojekte. Ein bemerkenswertes Beispiel für diesen Einfluss ist das Château de Sept-Saulx in Grand Est, Frankreich, das zwischen 1928 und 1929 von Louis Süe entworfen wurde.

Neoklassizismus und totalitäre Regime

In den 1920er und 1930er Jahren übernahmen totalitäre Regime im faschistischen Italien, im nationalsozialistischen Deutschland, in Rumänien unter Carol II. und in der Sowjetunion den Neoklassizismus für Staatsarchitektur und Kunst. Architektur diente diesen Regimen als entscheidendes Medium, um trotz ihrer inhärenten Neuheit ein Bild der Beständigkeit zu vermitteln. Die Aneignung des Klassizismus durch totalitäre Staaten manifestierte sich in vielfältiger Form. Im Zusammenhang mit Staatsbauten in Italien und Rumänien versuchten Architekten, eine moderne Sensibilität mit abstrakten klassischen Formen zu verbinden. Exemplarische Beispiele hierfür sind der Palazzo della Civiltà Italiana in Rom und das Gebäude des Universitätsrektorats und der juristischen Fakultät in Bukarest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu Nr. 36–46). Umgekehrt zeichnete sich der in der Sowjetunion vorherrschende Klassizismus, bekannt als sozialistischer Realismus, durch seinen bombastischen Charakter mit zahlreichen Ornamenten und architektonischen Skulpturen aus. Dieser Ansatz zielte darauf ab, einen starken Kontrast zur wahrgenommenen Einfachheit „kapitalistischer“ oder „bürgerlicher“ Stile wie Art Deco oder Modernismus zu schaffen. Ein Paradebeispiel dieser Ästhetik ist die Lomonossow-Universität in Moskau. Nikita Chruschtschow, der Stalins Nachfolge als sowjetischer Führer antrat, äußerte seine Verachtung für die protzige sozialistisch-realistische Architektur der Ära seines Vorgängers. Unter Berufung auf das langsame Bautempo und die hohen Kosten, die mit diesen neoklassizistischen Gebäuden verbunden sind, bemerkte er bekanntlich: „Sie gaben das Geld der Menschen für Schönheit aus, die niemand brauchte, anstatt einfachere, aber mehr zu bauen.“

In der Sowjetunion wurde der Neoklassizismus als bewusster Kontrapunkt zu Art Deco und Modernismus übernommen, Stilen, die vom kommunistischen Regime als übermäßig „bürgerlich“ und „kapitalistisch“ galten. Diese charakteristische kommunistische neoklassizistische Ästhetik, bekannt als sozialistischer Realismus, blühte während der Führung Josef Stalins (1924–1953) auf. Im Bereich der bildenden Kunst manifestierte es sich typischerweise durch stark idealisierte Darstellungen robuster Arbeiter, die als Heldenfiguren in Kollektivwirtschaften oder industriellen städtischen Umgebungen sowie in politischen Versammlungen, Feierlichkeiten zu sowjetischen technologischen Fortschritten und Szenen fröhlicher Kinder an der Seite von Lenin oder Stalin dargestellt wurden. Sowohl der thematische Inhalt als auch seine visuelle Darstellung unterlagen einer strengen Kontrolle, wobei der künstlerische Wert durch den Beitrag eines Werkes zum sozialistischen Projekt bestimmt wurde. Alle Künstler wurden verpflichtet, dem staatlich kontrollierten Verband sowjetischer Künstler beizutreten und sich an den offiziell sanktionierten Stil zu halten. Zu den Grundprinzipien des sozialistischen Realismus gehörten unerschütterliche Parteitreue, die Verbreitung einer korrekten Ideologie und eine breite Zugänglichkeit. Der Realismus wurde als Stil bevorzugt, der für die breite Bevölkerung leichter verständlich war. Anfangs gab es in der Sowjetunion mehrere konkurrierende Avantgarde-Bewegungen, insbesondere den Konstruktivismus. Als Stalin jedoch in den späten 1920er Jahren seine Macht festigte, wurden avantgardistische Kunst und Architektur unterdrückt und schließlich verboten, was zur Etablierung offizieller Staatsstile führte. Nach dem Sieg von Boris Iofan im Wettbewerb um den Entwurf des Palastes der Sowjets, der einen klassischen Stufenturm mit einer kolossalen Lenin-Statue aufweist, kehrte die Architektur schnell zu vorrevolutionären Formen zurück und vermied bewusst die wahrgenommenen westlichen Einflüsse des Konstruktivismus. Während der sozialistische Realismus in der Architektur nach Stalins Tod und Nikita Chruschtschows Aufstieg weitgehend zurückging, blieben Gemälde in diesem Stil bestehen, insbesondere in Ländern, die durch einen starken Personenkult um ihre Führer gekennzeichnet waren, wie Mao Zedongs China, Kim Il Sungs Nordkorea und Nicolae Ceaușescus Rumänien.

Nach der Übernahme der Regierungsgewalt im Jahr 1933 unterdrückte das Nazi-Regime systematisch die lebendige Avantgarde-Kultur Deutschlands. Albert Speer, der 1934 zum Architekturberater Adolf Hitlers ernannt wurde, bemühte sich um die Schaffung eines Architekturstils, der gleichzeitig die wahrgenommene Einheit des deutschen Volkes verkörpern und als imposante Kulisse für die Machtdemonstrationen der Nazis dienen sollte. Der Nazi-Ansatz zur Architektur war von inhärenten Widersprüchen geprägt: Während Hitlers und Speers ehrgeizige Pläne zur Neugestaltung Berlins darauf abzielten, das kaiserliche Rom nachzuahmen, ließen sich Nazi-Strukturen in ländlichen Kontexten von lokalen Volkssprachen inspirieren und zielten darauf ab, einen „authentischen“ deutschen Geist zu vermitteln. In Bezug auf die bildende Kunst prägten die Nazis den Begriff „Entartete Kunst“, um die moderne Kunst zu kategorisieren, die sie als „undeutsch“, „jüdisch“ oder „kommunistisch“ anprangerten. Diese Verurteilung der modernen Kunst war untrennbar mit dem „Kulturbolschewismus“ verbunden, einer Verschwörungstheorie, die besagt, dass Kunst und Kultur im Allgemeinen von einer linken jüdischen Kabale kontrolliert würden, die die arische Rasse vernichten wollte. Hitlers Kampagne gegen die moderne Kunst umfasste in erster Linie eine Ausstellung mit dem Titel „Entartete Kunst“ (deutsch: Die Ausstellung „Entartete Kunst“), die darauf abzielte, moderne Künstler zu diskreditieren. Diese Ausstellung wurde strategisch neben der Großen Ausstellung Deutscher Kunst gezeigt, die von den Nazis genehmigte Kunstwerke zeigte und den Besuchern so einen direkten Vergleich der vom Regime als „gut“ und „schlecht“ eingestuften Kunst ermöglichte. Eine ähnliche Haltung vertretend, schloss das Regime 1931 das Bauhaus, eine avantgardistische Kunstschule in Dessau, die in der Nachkriegszeit großen Einfluss gehabt hatte. Obwohl sie 1932 kurzzeitig in Berlin wiedereröffnet wurde, wurde sie 1933 erneut endgültig geschlossen.

Im Gegensatz zu Deutschland und der Sowjetunion war Italien Zeuge, wie die Avantgarde zur Staatsarchitektur beitrug. Auch die klassische Architektur übte einen erheblichen Einfluss aus und spiegelte Benito Mussolinis direktere Versuche wider, Verbindungen zwischen seinem faschistischen Regime und dem antiken Rom herzustellen. Einige italienische Architekten, wie Marcello Piacentini von der Universität Sapienza in Rom und Giuseppe Terragni von der Casa del Fascio in Como, versuchten, Moderne und Klassizismus zu integrieren.

In Rumänien wurden in den späten 1930er Jahren unter dem Einfluss der autokratischen Politik von König Carol II. zahlreiche Staatsgebäude errichtet. Diese Bauwerke nahmen einen neoklassizistischen Stil an und zeigten oft starke Ähnlichkeiten mit zeitgenössischen Architekturtrends im faschistischen Italien. Bemerkenswerte Beispiele in Bukarest sind das Universitätsrektorat und das Gebäude der juristischen Fakultät (Bulevardul Mihail Kogălniceanu Nr. 36–46), das Kretzulescu-Wohnhaus (Calea Victoriei Nr. 45), das CFR-Gebäude (Bulevardul Dinicu Golescu Nr. 38) und der Victoria-Palast (Piața Victoriei Nr. 1). Der Königspalast, der vorwiegend über Innenräume im Neo-Adam-Stil verfügt, zeichnet sich durch eine aufwändigere Verzierung aus, die eher der architektonischen Ästhetik vor dem Ersten Weltkrieg entspricht.

Postmodernismus

Der Architekt Robert Venturi verfasste eine einflussreiche frühe Kritik des Modernismus, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in der er sich für die Wiedereinführung historischer Elemente oder der „Präsenz der Vergangenheit“ in die architektonische Gestaltung einsetzte. Seine eigenen architektonischen Bemühungen zielten darauf ab, Eigenschaften zu verkörpern, die er als „Inklusion, Inkonsistenz, Kompromiss, Anpassung, Anpassung, Superadjazenz, Äquivalenz, Mehrfachfokus, Nebeneinanderstellung oder guten und schlechten Raum“ formulierte. Venturis Werk stand im Einklang mit dem vorherrschenden gegenkulturellen Ethos der 1960er Jahre, einer Zeit, die von der kritischen Auseinandersetzung und Infragestellung bestehender politischer, sozialer und rassistischer Paradigmen durch jüngere Generationen geprägt war. Diese grundlegende Abkehr von den Prinzipien der Moderne wurde als Postmodernismus bekannt. Venturi parodierte bekanntermaßen Ludwig Mies van der Rohes ikonische Maxime „Weniger ist mehr“ mit seiner Erwiderung „Weniger ist langweilig.“ In den 1980er und 1990er Jahren wandten sich bestimmte postmoderne Architekten einer Form des Neo-Neoklassizismus zu. Ihre Auseinandersetzung mit dem Klassizismus ging über die bloße Verzierung hinaus und umfasste Proportionssysteme und andere Grundprinzipien. Der postmoderne Klassizismus erhielt von verschiedenen Kommentatoren Beschreibungen wie „Lager“ oder „Kitsch“. Ricardo Bofill ist ein bemerkenswerter Architekt, der für seine Beiträge zum postmodernen Klassizismus bekannt ist. Sein Portfolio umfasst zwei monumentale Wohnsiedlungen in der Nähe von Paris: Les Arcades du Lac (1975–1981) und Les Espaces d'Abraxas (1978–1983). Das J. Paul Getty Museum in Malibu, Kalifornien (1970–1975) zeichnet sich durch seinen revivalistischen Ansatz aus, der sich von der antiken römischen Villa der Papyri in Herculaneum inspirieren lässt. Das J. Paul Getty Museum weist eine stärkere Affinität zum Neoklassizismus des 19. Jahrhunderts auf, der durch Bauwerke wie das Pompejanum in Aschaffenburg, Deutschland, veranschaulicht wird, als zum postmodernen Klassizismus, der in den 1980er Jahren vorherrschte.

Architektur im 21. Jahrhundert

Nach einer Zeit abnehmender Bedeutung während des Aufstiegs der modernen Architektur (ungefähr von der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg bis Mitte der 1980er Jahre) erlebte der Neoklassizismus ein bemerkenswertes Wiederaufleben.

Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts wird zeitgenössische neoklassizistische Architektur im Allgemeinen unter der umfassenderen Bezeichnung Neue klassische Architektur kategorisiert. Gelegentlich wird er auch als Neohistorismus oder Traditionalismus bezeichnet. Darüber hinaus enthalten mehrere postmoderne Architekturwerke explizite Bezüge zum Neoklassizismus und lassen sich von dessen Formen inspirieren; Beispiele hierfür sind das Viertel Antigone und das Nationaltheater von Katalonien in Barcelona. Postmoderne Architektur integriert häufig historische Komponenten wie Säulen, Kapitelle oder das Tympanon.

Für Architekturstile, die sich tatsächlich an regionale Traditionen, Materialien und Handwerkskunst halten, wird überwiegend die Bezeichnung „Traditionelle Architektur“ (oder Volksarchitektur) verwendet. Der Driehaus-Architekturpreis würdigt bedeutende Mitwirkende der traditionellen oder klassischen Architektur des 21. Jahrhunderts und bietet einen Geldpreis, der doppelt so hoch ist wie der modernistische Pritzker-Preis.

In den Vereinigten Staaten werden zahlreiche zeitgenössische öffentliche Gebäude im neoklassizistischen Stil errichtet, wobei das Schermerhorn Symphony Center in Nashville aus dem Jahr 2006 als prominentes Beispiel dient.

In Großbritannien praktizieren mehrere Architekten aktiv die neoklassizistische Sprache. Ihre bemerkenswerten Projekte umfassen zwei Universitätsbibliotheken: die Maitland Robinson Library von Quinlan Terry am Downing College und die Sackler Library von Robert Adam Architects.

Notizen

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