Photorealism

Fotorealismus bezeichnet ein künstlerisches Genre, das Malerei, Zeichnung und verschiedene grafische Medien umfasst, wobei Künstler Fotografien akribisch studieren, um Bilder mit größtmöglichem Realismus in einem anderen Medium zu reproduzieren. Während dieser Begriff im Großen und Ganzen verschiedene künstlerische Schöpfungen charakterisiert, bezeichnet er insbesondere eine amerikanische Malbewegung, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren entstand.

Fotorealismus ist ein Kunstgenre, das Malerei, Zeichnung und andere grafische Medien umfasst, bei dem ein Künstler ein Foto studiert und dann versucht, das Bild in einem anderen Medium so realistisch wie möglich wiederzugeben. Obwohl der Begriff im weitesten Sinne zur Beschreibung von Kunstwerken in vielen verschiedenen Medien verwendet werden kann, bezieht er sich auch auf eine bestimmte Kunstrichtung amerikanischer Maler, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren begann.

Verlauf

Ursprünge

Der Fotorealismus entstand in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren als eigenständige Kunstrichtung in den Vereinigten Staaten. Er entwickelte sich aus der Pop-Art und stellte einen bewussten Kontrapunkt sowohl zum Abstrakten Expressionismus als auch zur minimalistischen Kunstrichtung dar. Praktiker des Fotorealismus nutzen eine oder mehrere Fotografien als primäre Quelle für visuelle Informationen, um ihre Gemälde zu prägen, was auf eine Übernahme modernistischer Prinzipien durch die Einführung fotografischer Technologie hindeutet. Dennoch stieß das ausdrückliche Eingeständnis von Künstlern, dass sie sich innerhalb des Fotorealismus auf Fotografien verlassen, erheblichen kritischen Widerstand, als die Bewegung in den späten 1960er Jahren an Bedeutung gewann, ungeachtet des historischen Präzedenzfalls, dass Künstler seit dem 15. Jahrhundert verschiedene visuelle Hilfsmittel nutzten.

Laut Louis K. Meisel hatte das Aufkommen der Fotografie im 19. Jahrhundert in seinen Veröffentlichungen und Präsentationen tiefgreifende Auswirkungen auf die Kunst, und zwar auf drei wesentliche Arten: erstens Porträt und Landschaftskünstler galten oft als minderwertig gegenüber fotografischen Reproduktionen, was viele dazu veranlasste, eine Karriere in der Fotografie einzuschlagen; Zweitens bestätigen historische Aufzeichnungen aus den Kunstbewegungen des 19. und 20. Jahrhunderts, dass Künstler häufig Fotografien als Ausgangsmaterial und Hilfsmittel verwendeten, diese Praxis jedoch oft akribisch verheimlichten, weil sie befürchteten, dass ihre Kreationen als bloße Nachahmungen missverstanden werden könnten; und drittens eröffnete die Erfindung der Fotografie Möglichkeiten für umfangreiche neue künstlerische Experimente. Folglich markierte die Entwicklung der Fotografie einen entscheidenden Wandel in der Kunstgeschichte und veränderte grundlegend die dauerhafte Herausforderung für Künstler – die bis zu den frühesten bekannten Höhlenzeichnungen zurückreicht –, beobachtete Szenen genau darzustellen.

Als die Fotorealisten mit ihrer künstlerischen Arbeit begannen, hatte sich die Fotografie als wichtigste Methode zur Darstellung der Realität etabliert, während die Abstraktion den Fokus der Kunstwelt dominierte. Obwohl der Realismus als dauerhafte Kunstrichtung fortbestand und in den 1930er Jahren ein Wiederaufleben erlebte, hatten modernistische Kritiker und der Siegeszug des Abstrakten Expressionismus in den 1950er Jahren den Status des Realismus als bedeutendes künstlerisches Unterfangen an den Rand gedrängt. Während Fotorealisten bestimmte Merkmale mit amerikanischen Realisten wie Edward Hopper teilen, versuchten sie bewusst, sich sowohl von traditionellen Realisten als auch von abstrakten Expressionisten abzugrenzen. Ihre künstlerische Richtung war maßgeblich vom Einfluss von Pop-Künstlern geprägt und stellte eine direkte Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus dar.

Sowohl Pop-Art als auch Fotorealismus entstanden als reaktionäre Bewegungen, ausgelöst durch die eskalierende und allgegenwärtige Verbreitung fotografischer Medien, die Mitte des 20. Jahrhunderts so allgegenwärtig geworden waren, dass sie eine wahrgenommene Bedrohung für den inneren Wert von Bildern in der Kunst darstellten. Während Pop-Künstler vor allem die in vielen dieser Bilder enthaltene Absurdität hervorhoben, insbesondere in kommerziellen Anwendungen, waren Fotorealisten bestrebt, den inhärenten Wert eines Bildes erneut zu betonen und zu steigern.

Der Vergleich des Fotorealismus mit Trompe-l'œil ist eine fehlerhafte Zuschreibung, die eine Fehlinterpretation oder einen Beobachtungsfehler darstellt, den Kritiker in den 1970er und 1980er Jahren häufig machten. Trompe-l'œil-Kunstwerke zielen darauf ab, die Wahrnehmung des Betrachters zu täuschen, indem sie die Illusion eines greifbaren Objekts und nicht einer gemalten Darstellung erzeugen. Im Gegensatz dazu bleibt sich der Betrachter bei der Auseinandersetzung mit einem fotorealistischen Gemälde stets seiner Natur als gemaltes Kunstwerk bewusst.

Definition

Der Begriff Fotorealismus wurde 1969 von Louis K. Meisel ins Leben gerufen und erschien erstmals 1970 in veröffentlichter Form in einem Katalog des Whitney Museum für die Ausstellung „Twenty-two Realists“. Diese Bewegung wird gelegentlich auch mit alternativen Bezeichnungen wie Superrealismus, Neuer Realismus, Scharffokus-Realismus oder Hyperrealismus bezeichnet.

Zwei Jahre nach der Prägung des Begriffs formulierte Louis K. Meisel im Auftrag von Stuart M. Speiser eine Fünf-Punkte-Definition. Speiser hatte eine umfangreiche Sammlung fotorealistischer Werke in Auftrag gegeben, die sich anschließend zu einer Wanderausstellung mit dem Titel „Fotorealismus 1973: Die Sammlung Stuart M. Speiser“ entwickelte. Diese Sammlung wurde später im Jahr 1978 der Smithsonian Institution geschenkt, wo sie in verschiedenen Museen ausgestellt wird und auch unter der Schirmherrschaft „Site“ zirkuliert. Die grundlegende Definition der „Urheber“ der Bewegung sah Folgendes vor:

1. Der Fotorealist nutzt die Kamera und das Foto zur Informationsbeschaffung.
2. Ein Fotorealist verwendet mechanische oder halbmechanische Methoden, um visuelle Informationen auf die Leinwand zu übertragen.
3. Unverzichtbar für einen Fotorealisten ist die technische Fähigkeit, das fertige Kunstwerk fotorealistisch wiederzugeben.
4. Um unter den wegweisenden Fotorealisten anerkannt zu werden, muss das Werk eines Künstlers unter dieser Bezeichnung von ausgestellt worden sein.
5. Darüber hinaus muss der Künstler mindestens fünf Jahre der Schaffung und öffentlichen Ausstellung fotorealistischer Kunst gewidmet haben.

Künstlerische Stile

Die fotorealistische Malerei basiert grundsätzlich auf der Fotografie. Im Fotorealismus werden vorübergehende Bewegungen und Veränderungen zeitlich angehalten und erfordern anschließend eine präzise künstlerische Darstellung. Praktiker des Fotorealismus erwerben ihre visuellen Daten und Informationen hauptsächlich durch Kameras und Fotografien. Nachdem ein Foto verarbeitet wurde, typischerweise zu einem Dia, überträgt der Künstler das Bild sorgfältig vom Dia auf Leinwände. Bei diesem Übertragungsprozess wird das Dia üblicherweise entweder direkt auf die Leinwand projiziert oder es werden herkömmliche Rastermethoden verwendet. Die resultierenden Kunstwerke reproduzieren häufig das Originalfoto, sind jedoch in der Regel vergrößert. Dieser akribische Ansatz führt zu einer strengen und präzisen fotorealistischen Ästhetik, die oft Motive hervorhebt, deren Wiedergabe außergewöhnliche technische Fähigkeiten und Virtuosität erfordert, wie etwa Reflexionen auf hochglanzpolierten Oberflächen und die strengen geometrischen Formen, die man in städtischen Umgebungen findet.

Bemerkenswerte Künstler

Zur ersten Generation amerikanischer Fotorealisten gehören Maler wie Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack, Don Eddy, Denis Peterson, Robert Bechtle, Ron Kleemann, Richard McLean, John Salt, Ben Schonzeit und Tom Blackwell. Diese bahnbrechenden Fotorealisten agierten häufig autonom und näherten sich ihrem Handwerk aus unterschiedlichen Perspektiven. Sie befassten sich üblicherweise mit gewöhnlichen oder erkennbaren Themen innerhalb etablierter künstlerischer Kategorien, darunter Landschaften (überwiegend urban und nicht naturalistisch), Porträts und Stillleben.

Nach dem Aufkommen der fotorealistischen Bewegung entwickelten und perfektionierten zahlreiche mit dem Fotorealismus verbundene Künstler weiterhin ihre Methoden und bildeten so die zweite Generation der Fotorealisten. Zu dieser Gruppe gehörten John Baeder, Hilo Chen, Jack Mendenhall, Ken Marschall, David Parrish und Idelle Weber.

Im Vereinigten Königreich erfreuten sich fotorealistische Methoden bei mehreren Künstlern großer Beliebtheit, insbesondere bei Mike Gorman und Eric Scott. Diese europäischen Maler wurden einem breiteren amerikanischen Publikum durch die Ausstellung „Superhumanism“ in der Arnold Katzen Gallery in New York vorgestellt.

Während die Bewegung hauptsächlich mit der Malerei verbunden ist, werden die Bildhauer Duane Hanson und John DeAndrea auch mit dem Fotorealismus in Verbindung gebracht. Ihre Verbindung rührt von ihren bemalten, lebensechten Skulpturen her, die gewöhnliche Menschen darstellen und sorgfältig mit simulierten Haaren und echter Kleidung dargestellt sind. Diese Künstler werden als Veristen

Entwicklungen seit

Obwohl der Fotorealismus im Jahr 2010 seinen Höhepunkt erreichte, besteht die Bewegung fort und umfasst mehrere grundlegende Fotorealisten sowie zahlreiche zeitgenössische Praktiker. Wie in Meisel und Chases Photorealism at the Millennium dokumentiert, blieben nur acht der ursprünglich dreizehn Fotorealisten in diesem Stil aktiv. Im September wurde Richard Estes als der einzige ursprüngliche Fotorealist identifiziert, der noch aktiv Arbeiten im fotorealistischen Stil produzierte.

Unter den namhaften Künstlern sind Robert Bechtle, Charles Bell, Tom Blackwell, Ralph Goings, John Kacere, Ron Kleemann, Audrey Flack und Chuck Close verstorben. Don Eddy, Denis Peterson und Ben Schonzeit haben sich vom Fotorealismus abgewendet, während Robert Cottingham sich nicht mehr als Fotorealist identifiziert.

Zeitgenössische fotorealistische Künstler entwickeln die Grundprinzipien ihrer Vorgänger weiter. Beispielsweise ist der Einfluss von Richard Estes in der Kunst von Anthony Brunelli erkennbar, während der Einfluss von Ralph Goings und Charles Bell in den Kreationen von Glennray Tutor offensichtlich ist. Diese Entwicklung hat jedoch zu einer Abkehr von der strengen Definition des Fotorealismus als ausschließlicher Nachahmung fotografischer Bilder geführt. Darüber hinaus hat der Fotorealismus seine Ursprünge als ausschließlich amerikanische Kunstrichtung hinter sich gelassen. Nach den Beiträgen von Franz Gertsch in den 1980er Jahren ist seit Mitte der 1990er Jahre eine Kohorte europäischer Künstler entstanden, darunter Clive Head, Raphaella Spence, Bertrand Meniel und Roberto Bernardi, die sich der Tradition des Fotorealismus anschließen. Die internationale Ausbreitung des Fotorealismus wird auch durch Gemeinschaftsinitiativen wie das Prager Projekt veranschaulicht, bei dem amerikanische und internationale fotorealistische Maler in Städten wie Prag, Zürich, Monaco und New York zusammenkamen, um gemeinsam Kunst zu schaffen.

Technologische Fortschritte haben die Schaffung fotorealistischer Gemälde erleichtert, die frühere künstlerische Grenzen überschreiten, wobei diese zeitgenössischen Werke oft als „Hyperrealismus“ kategorisiert werden. Innovationen bei Kameras und digitaler Bildgebungsausrüstung ermöglichen es Künstlern, eine höhere Präzision zu erreichen und eine vielfältigere Palette von Medien in ihrer künstlerischen Produktion einzusetzen. Insbesondere der Künstler Bill Fink hat eine besondere Methode zur Erzeugung fotorealistischer Bilder entwickelt, bei der er unkonventionelle Materialien wie Erde, Pollen, menschliches Haar und eingeäscherte menschliche Überreste einbezieht.

Der Einfluss und die Popularität des Fotorealismus bleiben bestehen, was durch aktuelle Veröffentlichungen wie Juxtapoz‘ Band Hyperreal aus dem Jahr 2014 belegt wird, der die zeitgenössischen Entwicklungen innerhalb dieses künstlerischen Genres aufzeichnet.

Ein Kompendium fotorealistischer Künstler

Wegweisende fotorealistische Künstler

Zu den prominenten Künstlern, deren Beiträge maßgeblich zur Definition der fotorealistischen Bewegung beigetragen haben, gehören:

Zeitgenössische fotorealistische Künstler

Bemerkenswerte Künstler, deren Werk den etablierten Kriterien des Fotorealismus entspricht, sind:

• Steven Townsend (geb. 1955)
• Linda Bacon (geb. 1942)
• Mike Bayne (geb. 1977)
• Roberto Bernardi (geb. 1974)
• Arne Besser (1935–2012)
• Anthony Brunelli (geb. 1968)
• Bryan Charnley (1949–1991)
• Hilo Chen (geb. 1942)
• Davis Cone (geb. 1950)
• Randy Dudley (geb. 1950)
• Martin Gale (geb. 1949)
• Franz Gertsch (1930–2022)
• Robert Gniewek (geb. 1951)
• Gus Heinze (geb. 1926)
• Gottfried Helnwein (geb. 1948)
• Don Jacot (geb. 1949)
• Noel Mahaffey (geb. 1944)
• Dennis James Martin (1956–2001)
• Jack Mendenhall (geb. 1937)
• Kim Mendenhall (geb. 1949)
• Betrand Meniel (geb. 1961)
• Reynard Milici (geb. 1942)
• Marilyn Minter (geb. 1948)
• Robert Neffson (geb. 1949)
• William Nichols (geb. 1942)
• Jerry Ott (geb. 1947)
• James Torlakson (geb. 1951)
• Tjalf Sparnaay (geb. 1954)
• Paul Staiger (geb. 1941)
• Glennray Tutor (geb. 1950)
• Rod Penner (geb. 1965)
• Raphaella Spence (geb. 1978)
• Idelle Weber (1932–2020)
• Ken Orton (geb. 1951)
• Roger Winter (geb. 1934)

Zusätzliche fotorealistische Künstler

• Clive Head (geb. 1965)

Bibliographie

Bibliographie

Referenzen

Baker, Kenneth (22.06.1982). „Die Illusion der Realität der Realitätsillusion.“ Der Boston Phoenix. Abgerufen am 02.09.2024.

• Baker, Kenneth (22.06.1982). „Die Illusion der Realität der Realitätsillusion“. Der Boston Phoenix. Abgerufen am 02.09.2024.Die Wörterbuchdefinition von Fotorealismus ist verfügbar.
  • Die Wörterbuchdefinition von Fotorealismus bei Wiktionary