Pop art

Pop-Art ist eine einflussreiche Kunstrichtung, die Mitte bis Ende der 1950er Jahre im Vereinigten Königreich und in den Vereinigten Staaten entstand. Diese Bewegung stellte etablierte Kunsttraditionen in Frage, indem sie Bilder aus der Populär- und Massenkultur, darunter Werbung, Comics, Produktverpackungen, Prominentenfiguren und alltägliche Konsumgüter, in Malerei, Skulptur und Druckgrafik integrierte. Durch die Erhebung des Alltäglichen, des Kitschs und der Massenproduktion zur Hochkunst verwischte die Pop-Art effektiv die Grenzen zwischen Hoch- und Niederkultur. Es ist auch dadurch gekennzeichnet, dass Künstler mechanische Reproduktionsmethoden oder Wiedergabetechniken übernehmen. In der Pop-Art werden Themen gelegentlich visuell aus ihrem vertrauten Kontext gelöst, isoliert oder mit nicht zusammenhängenden Elementen gegenübergestellt.

Pop-Art ist eine Kunstrichtung, die Mitte bis Ende der 1950er Jahre im Vereinigten Königreich und in den Vereinigten Staaten entstand. Die Bewegung stellte eine Herausforderung für die Traditionen der bildenden Kunst dar, indem sie Bilder aus der Populär- und Massenkultur – darunter Werbung, Comics, Produktverpackungen, Prominente und alltägliche Konsumgüter – in Malerei, Skulptur und Druckgrafik einbezog. Indem sie das Banale, Kitschige und Massenproduzierte zur Hochkunst erhob, verwischte die Pop-Art die Grenzen zwischen Hoch- und Niederkultur. Es ist auch mit der Verwendung mechanischer Reproduktionsmittel oder Wiedergabetechniken durch die Künstler verbunden. In der Pop-Art wird Material manchmal visuell aus seinem bekannten Kontext entfernt, isoliert oder mit nicht verwandtem Material kombiniert.

Die Bewegung entwickelte sich ursprünglich in Großbritannien durch Künstler wie Eduardo Paolozzi und Richard Hamilton, die sich durch Collagen und Malerei mit amerikanischen Konsumbildern und der Medienkultur der Nachkriegszeit befassten. In den Vereinigten Staaten haben Künstler wie Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg und Jasper Johns entscheidende Grundlagenwerke geschaffen, indem sie Alltagsgegenstände und kommerzielle Symbole in ihre künstlerische Praxis einbezogen haben. In den frühen 1960er Jahren verhalfen prominente Persönlichkeiten wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Tom Wesselmann der Bewegung zu internationaler Anerkennung.

Pop-Art ist untrennbar mit Ironie, Mehrdeutigkeit und einer kritischen Auseinandersetzung mit der Konsumkultur verbunden. Während bestimmte Werke die ausgefeilte Ästhetik und den materiellen Überfluss des Nachkriegskapitalismus zu zelebrieren scheinen, setzen sich andere kritisch mit den homogenisierenden Auswirkungen der Massenproduktion und der Mediensättigung auseinander. Die Pop-Art, die weithin als Reaktion auf und Weiterentwicklung des abstrakten Expressionismus angesehen wird, richtete den künstlerischen Fokus auf alltägliche Bilder und kommerzielles Design. Durch die Aneignung vorgefundener Bilder und kommerzieller Ästhetik orientierte sich die Pop-Art an Präzedenzfällen des Dadaismus und war gleichzeitig ein Vorbote späterer Entwicklungen in der postmodernen Kunst. Indem es die Grenzen zwischen Elite und Populärkultur, Originalität und Reproduktion sowie Kunst und Ware auflöste, veränderte es das visuelle Lexikon der zeitgenössischen Kunst grundlegend.

Ursprünge

Die Entstehung der Pop-Art in Nordamerika unterschied sich von ihrer Entwicklung in Großbritannien. In den Vereinigten Staaten entstand die Pop-Art als künstlerische Reaktion und signalisierte eine Rückkehr zur präzisen Komposition und Darstellungskunst. Künstler setzten bewusst unpersönliche, alltägliche Realität, Ironie und Parodie ein, um die persönliche Symbolik und die „malerische Lockerheit“, die für den abstrakten Expressionismus charakteristisch ist, zu neutralisieren. In den USA gelten bestimmte Werke von Larry Rivers, Alex Katz und Man Ray als Vorläufer der Pop-Art.

Umgekehrt zeigten die Ursprünge der Pop-Art im Nachkriegs-Großbritannien, obwohl sie auch Ironie und Parodie verwendeten, eine eher akademische Ausrichtung. Britische Künstler konzentrierten sich auf die dynamischen und paradoxen Bilder der amerikanischen Populärkultur und betrachteten sie als mächtige, manipulative Symbolapparate, die gesellschaftliche Muster beeinflussen und gleichzeitig den Wohlstand steigern. Die frühe Pop-Art in Großbritannien war in erster Linie konzeptuell und wurde aus der Ferne betrachtet von der amerikanischen Populärkultur angetrieben. In ähnlicher Weise fungierte die Pop-Art sowohl als Erweiterung als auch als Ablehnung des Dadaismus. Obwohl beide Bewegungen vergleichbare Themen behandelten, ersetzte die Pop-Art die destruktiven, satirischen und anarchischen Impulse von Dada durch eine distanzierte Affirmation von Artefakten der Massenkultur. Zu den europäischen Künstlern, deren Werk als Wegbereiter der Pop-Art gilt, gehören Pablo Picasso, Marcel Duchamp und Kurt Schwitters.

Proto-pop

Obwohl sowohl die britische als auch die amerikanische Pop-Art in den 1950er-Jahren entstanden, gab es bereits vor dieser Bewegung Persönlichkeiten wie Marcel Duchamp und andere europäische Künstler wie Francis Picabia und Man Ray. Darüber hinaus beinhalteten frühere amerikanische Proto-Pop-Ursprünge die Verwendung von „wie gefundenen“ Kulturobjekten. In den 1920er Jahren schufen die amerikanischen Künstler Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth und Stuart Davis Gemälde mit Bildern der Popkultur – insbesondere alltäglichen Objekten, die von amerikanischen kommerziellen Produkten und Werbedesign abgeleitet waren – und stellten damit die Pop-Art-Bewegung fast vorweg.

Vereinigtes Königreich: The Independent Group

Die 1952 in London gegründete Independent Group (IG) gilt weithin als Begründer der Pop-Art-Bewegung. Dieses Kollektiv bestand aus jungen Malern, Bildhauern, Architekten, Schriftstellern und Kritikern, die aktiv die vorherrschenden modernen Kulturparadigmen und konventionellen Perspektiven auf die bildende Kunst in Frage stellten. Ihre Diskussionen befassten sich hauptsächlich mit den Auswirkungen der Populärkultur und stützten sich dabei auf Elemente wie Massenwerbung, Kino, Produktdesign, Comicstrips, Science-Fiction und Technologie. Während des ersten Treffens der Independent Group im Jahr 1952 hielt der Mitbegründer, Künstler und Bildhauer Eduardo Paolozzi einen Vortrag über eine Reihe von Collagen mit dem Titel Bunk!, die er zwischen 1947 und 1949 in Paris zusammengestellt hatte. Diese „gefundenen Objekte“, darunter Anzeigen, Comicfiguren, Zeitschriftencover und verschiedene massenproduzierte Grafiken, stellten überwiegend die amerikanische Populärkultur dar. Bemerkenswert ist, dass Paolozzis Collage I was a Rich Man's Plaything aus dem Jahr 1947, die in diesem Vortrag vorgestellt wurde, die früheste bekannte Instanz des Wortes „Pop“ enthält, dargestellt in einer Rauchwolke, die von einem Revolver ausgeht. Nach Paolozzis einflussreicher Präsentation von 1952 verlagerte sich der Schwerpunkt der IG vorwiegend auf Bilder aus der amerikanischen Populärkultur, mit besonderem Schwerpunkt auf Massenwerbung.

John McHales Sohn behauptet, dass sein Vater den Begriff „Pop Art“ 1954 während einer Diskussion mit Frank Cordell erfunden habe; Alternative Berichte führen die Münzprägung jedoch auf den britischen Kritiker Lawrence Alloway zurück. (Beide Erzählungen stimmen darin überein, dass der Begriff Mitte 1955 aktiv in Diskussionen unabhängiger Gruppen verwendet wurde.)

Die Bezeichnung „Pop-Art“ erlangte später während der zweiten Sitzung der IG im Jahr 1955 unter IG-Mitgliedern Verbreitung. Der genaue Ausdruck „Pop-Art“ erschien erstmals 1956 in gedruckter Form in dem Artikel „But Today We Collect Ads“ der IG-Mitglieder Alison und Peter Smithson, der in der Zeitschrift Ark veröffentlicht wurde. Dennoch wird der Begriff häufig dem britischen Kunstkritiker und Kurator Lawrence Alloway zugeschrieben, insbesondere für seinen Essay „The Arts and the Mass Media“ aus dem Jahr 1958, obwohl er eigentlich „populäre Massenkultur“ formuliert. Alloway selbst stellte klar: „Darüber hinaus ist das, was ich damals damit meinte, nicht das, was es heute bedeutet. Ich habe den Begriff und auch ‚Popkultur‘ verwendet, um mich auf die Produkte der Massenmedien zu beziehen, nicht auf Kunstwerke, die sich auf die Populärkultur stützen. Auf jeden Fall erlangte der Begriff irgendwann zwischen dem Winter 1954/55 und 1957 in Gesprächen Aktualität …“ Trotzdem entwickelte sich Alloway zu einem prominenten Kritiker, der sich für die Integration der Bilder der Massenkultur in die schönen Künste einsetzte. Alloway lieferte 1966 eine weitere Klärung dieser Begriffe. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich die Pop-Art bereits von ihren Ursprüngen in Kunstschulen und kleineren Galerien zu einer bedeutenden Kraft innerhalb der Kunstwelt entwickelt. Der Haupterfolg blieb jedoch in England aus. Gleichzeitig und unabhängig davon hatte sich New York City als zentrales Zentrum für Pop-Art etabliert.

In London zeigte die jährliche Ausstellung junger Talente der Royal Society of British Artists (RBA) im Jahr 1960 erstmals amerikanische Pop-Einflüsse. Die äußerst einflussreiche RBA-Ausstellung „Young Contemporaries“ im Januar 1961 brachte bedeutende Anerkennung für Künstler wie David Hockney, den Amerikaner R. B. Kitaj, den Neuseeländer Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty und Peter Blake. Apple war für die Gestaltung der Plakate und Einladungen für die Ausstellungen „Young Contemporaries“ 1961 und 1962 verantwortlich. Hockney, Kitaj und Blake erhielten anschließend im selben Jahr Auszeichnungen auf der John Moores Exhibition in Liverpool. Während der Sommerpause 1961 am Royal College reisten Apple und Hockney nach New York, wo Apple Andy Warhol zum ersten Mal traf; Beide Künstler zogen später in die Vereinigten Staaten, wobei Apple sich intensiv in der New Yorker Pop-Art-Szene engagierte.

Vereinigte Staaten

Während die Pop-Art in den frühen 1950er-Jahren entstand, erlangte sie in den 1960er-Jahren in Amerika ihren größten Aufschwung. Eine Rezension in der The New York Times vom August 1962 über eine Ausstellung im Wadsworth Atheneum in Hartford beobachtete den Aufstieg dessen, was damals als „Pop“- oder „Environmental“-Kunst bezeichnet wurde, im Rahmen einer Übersicht zeitgenössischer amerikanischer Werke aus bedeutenden Sammlungen in Connecticut. Die Rezension befasste sich insbesondere mit Roy Lichtensteins Comic-Bildern, James Rosenquists von Plakatwänden inspirierten Gemälden und Andy Warhols ikonischen wiederholten Suppendosen von Campbell. Diese Entwicklungen wurden nicht als flüchtige Provokationen, sondern als „große Schritte hin zu einer sozial auf den Punkt gebrachten Kunst“ beschrieben, was auf eine frühe kritische Anerkennung der Pop-Art als Herausforderung für den Abstrakten Expressionismus und ihre Übernahme der Massenkultur hindeutet.

Die Bezeichnung „Pop Art“ wurde im Dezember 1962 während eines „Symposiums über Pop Art“, das vom Museum of Modern Art veranstaltet wurde, offiziell eingeführt. Gleichzeitig hatte die amerikanische Werbung zahlreiche moderne Kunstkomponenten integriert und operierte auf einem sehr fortgeschrittenen Niveau. Dies erforderte, dass amerikanische Künstler tiefgreifendere und dramatischere stilistische Ansätze erforschten, um bildende Kunst von anspruchsvollen kommerziellen Designs zu unterscheiden. Die britische Sicht auf die Bilder der amerikanischen Populärkultur war etwas distanziert und verlieh ihren Interpretationen häufig romantische, sentimentale und humorvolle Nuancen. Umgekehrt schufen amerikanische Künstler, die ständig einer Vielzahl massenproduzierter Bilder ausgesetzt waren, in der Regel kühnere und kraftvollere Werke.

Der Historiker, Kurator und Kritiker Henry Geldzahler behauptete, dass Ray Johnsons Collagen, insbesondere Elvis Presley Nr. 1 und James Dean, den Gründungsmoment der Pop-Bewegung darstellten. Die Autorin Lucy Lippard bemerkte weiter, dass Johnsons Collagen mit Elvis und Marilyn Monroe einen Vorgeschmack auf die Warholian Pop Art gaben. Johnson, ursprünglich Grafikdesigner, erlangte später durch seine „New York Correspondence School“ Anerkennung als Begründer der Mail Art und bevorzugte kleinformatige Arbeiten mit Ausschnitten und Zeichnungen in Umschlägen gegenüber den größeren Formaten seiner Kollegen. In einem Artikel in Art News vom Januar 1958 wurde die erste Einzelausstellung von Jasper Johns in einem Kommentar zum Titelbild neben den Werken etablierter Persönlichkeiten wie Rauschenberg, Twombly, Kaprow und Ray Johnson positioniert.

Jasper Johns und Robert Rauschenberg waren auch maßgeblich an der Gestaltung des Lexikons der amerikanischen Pop-Art beteiligt. Rauschenberg ließ sich von Kurt Schwitters und anderen Dada-Künstlern inspirieren und seine Überzeugung, dass „Malerei sowohl mit Kunst als auch mit Leben zu tun hat“, stellte die vorherrschenden modernistischen Paradigmen seiner Zeit direkt in Frage. Durch die Einbindung von ausrangierten Fertigobjekten in seine „Combines“ und populärkulturellen Bildern in seine Gemälde wurden seine Kreationen mit dem zeitgenössischen amerikanischen Leben verknüpft. Insbesondere seine Gemälde aus den Jahren 1962–64 verbanden ausdrucksstarke Pinselführung mit Siebdruckauszügen aus Magazinen wie Life, Newsweek und National Geographic. Johns‘ künstlerisches Schaffen, darunter seine Darstellungen von Flaggen, Zielscheiben, Zahlen, US-Karten und dreidimensionalen Darstellungen von Bierdosen, löste eine kritische Untersuchung der Natur der Darstellung in der Kunst aus. Die von Johns und Rauschenberg in den 1950er Jahren geschaffenen Werke werden oft als Neo-Dada kategorisiert und weisen einen deutlichen visuellen Charakter auf, der sich von der typischen amerikanischen Pop Art unterscheidet, die in den frühen 1960er Jahren eine herausragende Rolle spielte.

Roy Lichtenstein hat innerhalb der amerikanischen Pop-Art eine vergleichbare Bedeutung, da sein Werk, insbesondere seine parodistischen Elemente, die Grundprinzipien der Bewegung wohl am wirkungsvollsten auf den Punkt bringt. Indem Lichtenstein Vintage-Comics als Hauptthema verwendete, schuf er Kompositionen, die sich durch scharfe Kanten und akribische Präzision auszeichneten und gleichzeitig die Populärkultur dokumentierten und auf subtile Weise persiflierten. Er verwendete Öl- und Magna-Farbe in seinen berühmtesten Stücken, wie zum Beispiel Drowning Girl (1963), das von der Haupterzählung in Secret Hearts #83 von DC Comics abgeleitet wurde. Sein unverwechselbarer Stil umfasst markante Konturen, leuchtende Farben und Ben-Day-Punkte, um bestimmte Farbtöne zu simulieren und so die Ästhetik der mechanischen Reproduktion nachzuahmen. Lichtenstein formulierte seinen Prozess folgendermaßen: „[Abstrakte Expressionisten] brachten Dinge auf die Leinwand und reagierten auf das, was sie getan hatten, auf die Farbpositionen und -größen. Mein Stil sieht völlig anders aus, aber die Art, Linien zu zeichnen, ist im Großen und Ganzen dieselbe; meine sehen einfach nicht kalligraphisch aus, wie der von Pollock oder Kline.“

Im Jahr 1964 erkannte The Observer Andy Warhol als „Erneuerer der Pop-Art“ an, eine Bezeichnung, die seine zentrale Rolle in der Bewegung widerspiegelt, und er gilt allgemein als ihre wegweisende Figur. Der Kunstkritiker Arthur Danto charakterisierte ihn insbesondere als „das, was einem philosophischen Genie am nächsten kommt, das die Kunstgeschichte hervorgebracht hat“. Warhol verwandelte die Pop-Art von einer bloßen visuellen Ästhetik in ein tiefgreifendes kulturelles Phänomen, indem er Kunst, Berühmtheit und Kommerz über sein Factory-Studio und seine öffentliche Identität geschickt integrierte. Bevor er sich in den 1960er Jahren mit Pop-Art-Gemälden und Underground-Filmen beschäftigte, etablierte sich Warhol als erfolgreicher kommerzieller Illustrator und schuf Anzeigen, Buchcover und Plattenhüllen. Seine ikonischen Siebdruckporträts mit Figuren wie Marilyn Monroe und Elvis Presley verwandelten Bilder der Massenmedien in eindrucksvolle, serialisierte Kunstwerke, die sich kritisch mit den Themen Ruhm und Konsum auseinandersetzten. Sogar alltägliche Elemente, wie die Beschriftung einer Versandschachtel für den Einzelhandel, wurden zum künstlerischen Thema, wie beispielsweise in seiner Campbell's Tomato Juice Box, die die Assimilation alltäglicher kommerzieller Bilder durch die Pop-Art hervorhob. In den 1980er Jahren weitete Warhol seinen Einfluss weiter aus, indem er eine neue Kohorte von Pop-Künstlern betreute, darunter Keith Haring und Kenny Scharf.

Wegweisende US-Ausstellungen

Die Entstehung der Pop-Art in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren wurde maßgeblich durch eine Reihe entscheidender Ausstellungen und Galeriepräsentationen geprägt, die eine endgültige Abkehr vom Abstrakten Expressionismus signalisierten. Zwischen 1959 und 1960 veranstalteten die Künstler Claes Oldenburg, Jim Dine und Tom Wesselmann ihre ersten Ausstellungen in der Judson Gallery in New York. Gleichzeitig zeigte die Martha Jackson Gallery 1960 in ihrer Ausstellung „New Media – New Forms“ experimentelle Assemblage- und Installationskunst, die Werke von Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg und Dine umfasste. Im Jahr 1961 förderte Jackson weiter immersive und objektbasierte künstlerische Praktiken, indem er Environments, Situations, Spaces organisierte, eine Ausstellung, die maßgeblich dazu beitrug, den Boden für die Übernahme alltäglicher Materialien und Verbraucherikonographie durch die Pop-Art zu bereiten.

Im Dezember 1961 eröffnete Oldenburg The Store in Manhattans Lower East Side und präsentierte eine einmonatige Installation mit handgefertigten Skulpturen, die Konsumgüter nachahmten. Seine begleitenden „Ray Gun Theater“-Happenings, an denen Künstler wie Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström und Richard Artschwager teilnahmen, stellten aktiv die traditionellen Grenzen zwischen Kunst und Alltag in Frage. Diese künstlerischen Fortschritte deuteten auf eine Abkehr vom introspektiven Charakter des Action Paintings hin zu einer eher extern fokussierten Auseinandersetzung mit der Massenkultur.

Im Juli 1962 präsentierte Andy Warhol seine erste Einzelausstellung in der Ferus Gallery von Irving Blum in Los Angeles und zeigte 32 Campbell's Soup Cans. Im selben Monat zeigte das Wadsworth Atheneum in Hartford die Ausstellung American Painting and Sculpture from Connecticut Collections, die Werke von Pop-Künstlern wie Warhol und Oldenburg umfasste. Anschließend kuratierte Walter Hopps New Painting of Common Objects im Pasadena Art Museum; Diese Ausstellung gilt allgemein als die erste Museumspräsentation, die der amerikanischen Pop-Art gewidmet ist und Künstler wie Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud und Ed Ruscha hervorhebt. Ebenfalls im Jahr 1962 veranstaltete die Sidney Janis Gallery in New York die bahnbrechende International Exhibition of the New Realists, die amerikanische Pop-Künstler mit europäischen Nouveaux Réalistes vereinte. Diese Ausstellung festigte die zunehmende Bedeutung der Pop-Art und veranlasste sogar mehrere Künstler des Abstrakten Expressionismus, insbesondere Mark Rothko und Robert Motherwell, sich aus der Galerie zurückzuziehen.

Bis 1963 hatten prominente New Yorker Institutionen die Pop-Art-Bewegung vollständig übernommen. Das Guggenheim Museum beispielsweise zeigte Six Painters and the Object, eine von Lawrence Alloway kuratierte Ausstellung, die Werke von Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist und Warhol umfasste. Kommerzielle Galerien erweiterten nach und nach ihre Darstellung von Pop-Künstlern: Die Green Gallery stellte Rosenquist, George Segal, Oldenburg und Wesselmann aus; Leo Castelli vertrat Rauschenberg, Johns und Lichtenstein; und die Ferus Gallery setzte ihre Werbung für Warhol und Ruscha an der Westküste fort.

Die Bianchini Gallery war 1964 Gastgeber des The American Supermarket und wandelte seinen Ausstellungsbereich in ein funktionierendes Lebensmittelgeschäft mit Konsumgütern von Künstlern wie Warhol, Lichtenstein, Oldenburg und Wesselmann um. Diese Installation veranschaulichte anschaulich die Integration von künstlerischem Ausdruck und Kommerz in der Pop-Art. Bis Mitte der 1960er Jahre hatten Pop-Künstler kontinuierlich kommerzielle und institutionelle Unterstützung erhalten, und die Ausstellung Environment U.S.A.: 1957–1967 in São Paulo im Jahr 1968 bot einen umfassenden Überblick über die prominenten Persönlichkeiten der Bewegung und bestätigte damit ihren Status als wichtiger Einflussfaktor in der zeitgenössischen Kunst.

Frankreich

Nouveau réalisme bezeichnet eine Kunstrichtung, die 1960 vom Kunstkritiker Pierre Restany und dem Künstler Yves Klein während ihrer ersten Gemeinschaftsausstellung in der Galerie Apollinaire in Mailand gegründet wurde. Pierre Restany verfasste im April 1960 das erste Manifest der Gruppe, „Constitutive Declaration of New Realism“, in dem er behauptete: „Nouveau Réalisme – neue Wege, das Reale wahrzunehmen.“ Diese gemeinsame Erklärung wurde am 27. Oktober 1960 in Yves Kleins Atelier von neun Personen offiziell unterzeichnet: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely und den Ultra-Lettristen – François Dufrêne, Raymond Hains und Jacques de la Villeglé. 1961 schlossen sich César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle und Gérard Deschamps der Gruppe an. Neben dem Kollektiv, das sich schließlich 1970 auflöste, stellte auch der Künstler Christo aus.

Oft als französisches Gegenstück zur amerikanischen Pop Art angesehen, bildete Nouveau Réalisme neben Fluxus und anderen Kollektiven eine der vielen Avantgarde-Bewegungen der 1960er Jahre. Die Gruppe hatte ihren Sitz zunächst in Nizza an der französischen Riviera, da sowohl Klein als auch Arman aus der Region stammten. Daher betrachten Historiker den Nouveau Réalisme im Nachhinein häufig als eine frühe Manifestation der École de Nice-Bewegung. Trotz der Vielfalt ihrer künstlerischen Ausdrucksformen identifizierten die Mitglieder eine gemeinsame Grundlage für ihre Praxis: eine direkte Aneignung der Realität, die Restany als „poetisches Recycling der städtischen, industriellen und Werberealität“ bezeichnete.

Spanien

In Spanien ist die Auseinandersetzung mit der Pop-Art mit der „neuen figurativen“ Bewegung verbunden, die aus der Krise des Informalismus hervorgegangen ist. Eduardo Arroyo kann aufgrund seiner Auseinandersetzung mit Umweltthemen, seiner Kritik der Medienkultur – unter Einbeziehung von Ikonen aus der Massenkommunikation und der Kunstgeschichte – und seiner Verachtung für die meisten konventionellen Kunststile der Pop-Art-Tendenz zugerechnet werden. Nichtsdestotrotz ist Alfredo Alcaín wohl der spanische Künstler, der sich am stärksten mit der Pop-Art verbindet, da er sich dadurch auszeichnet, dass er populäre Bilder und negativen Raum in seine Kompositionen einbezieht.

Das „Chronicle Team“ (El Equipo Crónica), bestehend aus den Künstlern Manolo Valdés und Rafael Solbes, fällt ebenfalls in den Bereich der spanischen Pop-Art; Dieses Kollektiv war von 1964 bis 1981 in Valencia tätig. Ihr künstlerischer Ansatz ist aufgrund der Einbeziehung von Comic-Ästhetik, Werbebildern und der Vereinfachung visueller und fotografischer Elemente als „Pop“ identifizierbar. Der Filmemacher Pedro Almodóvar, der aus der Madrider „La Movida“-Subkultur der 1970er Jahre stammte, produzierte Low-Budget-Super-8-Pop-Art-Filme und wurde in der Folge von zeitgenössischen Medien als „Andy Warhol Spaniens“ bezeichnet. In Almodovar über Almodovar gibt er an, dass der Film „Funny Face“ aus den 1950er Jahren als Hauptinspiration für seine filmischen Bemühungen diente. Ein charakteristisches Pop-Art-Merkmal in Almodóvars Filmen ist seine konsequente Schaffung eines fabrizierten Werbespots zum Einfügen in eine Szene.

Neuseeland

In Neuseeland blüht die Pop-Art vor allem seit den 1990er Jahren auf und steht häufig im Einklang mit Kiwiana. Kiwiana stellt eine idealisierte, pop-zentrierte Darstellung typischer neuseeländischer Ikonen dar, darunter Fleischpasteten, Kiwis, Traktoren, Jandalen und Four-Square-Supermärkte; Der diesen Elementen innewohnende Kitsch wird oft neu kontextualisiert, um breitere kulturelle Bedeutungen zu vermitteln. Dick Frizzell, ein renommierter neuseeländischer Pop-Künstler, ist dafür bekannt, traditionelle Kiwiana-Symbole zur Satire auf die zeitgenössische Kultur zu verwenden. Beispielsweise interpretiert Frizzell die Werke internationaler Künstler häufig neu und verleiht ihnen eine bestimmte neuseeländische Perspektive oder einen neuseeländischen Einfluss. Diese Praxis dient dazu, Neuseelands historisch unterschätzte globale Wirkung hervorzuheben und so naive Kunst mit aotearischer Pop-Art zu verbinden.

Diese Ästhetik kann sich auch mit einem rauen und trockenen Ansatz manifestieren, wie Michel Tufferys berühmtes Werk Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) zeigt. Tuffery, samoanischer Abstammung, fertigte diese Stierskulptur aus verarbeiteten Lebensmitteldosen an, insbesondere solchen, die Pisupo enthielten. Dieses Kunstwerk zeichnet sich innerhalb der westlichen Pop-Art durch die Einbeziehung von Themen des Neokolonialismus und Rassismus aus, die sich gegen nicht-westliche Kulturen richten. Die in die Skulptur integrierten Lebensmitteldosen symbolisieren die wirtschaftliche Abhängigkeit, die den Samoanern durch westliche Einflüsse aufgezwungen wurde. Seine ausgeprägte indigene Perspektive unterscheidet es von den vorherrschenden nicht-indigenen Pop-Art-Kreationen. Die Māori-Künstler Michael Parekōwhai und Reuben Paterson sind weitere bemerkenswerte neuseeländische Popkünstler, die sich mit vergleichbaren thematischen Inhalten befassen.

Billy Apple, ein prominenter und früher neuseeländischer Popkünstler, gehörte insbesondere zu den wenigen nicht-britischen Mitgliedern der Royal Society of British Artists. Seine Teilnahme an der Seite von Künstlern wie David Hockney, dem Amerikaner R.B. Kitaj und Peter Blake in der RBA-Ausstellung Young Contemporaries im Januar 1961 machte Apple schnell zu einem ikonischen internationalen Künstler der 1960er Jahre. Bevor er den Spitznamen „Billy Apple“ annahm, wurden seine Kreationen unter seinem Geburtsnamen Barrie Bates ausgestellt. Um sich nicht nur namentlich, sondern auch äußerlich von anderen abzuheben, hat er seine Haare und Augenbrauen mit Lady Clairol Instant Creme Whip gebleicht. Anschließend schloss sich Apple der Konzeptkunstbewegung der 1970er Jahre an.

Japan

Die japanische Pop-Art entstand aus der angesehenen Avantgarde-Bewegung des Landes. Harue Kogas Gemälde im Fotomontage-Stil aus den späten 1920er und frühen 1930er Jahren, die Bilder der modernen Welt aus Zeitschriften enthielten, nahmen Schlüsselelemente der Pop-Art vorweg. Die japanische Gutai-Bewegung erreichte ihren Höhepunkt in einer Ausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson im Jahr 1958, die zwei Jahre vor ihrer einflussreichen Ausstellung „New Forms New Media“ stattfand, ein Ereignis, das weithin als Grund für die Bedeutung der Pop-Art gilt. Yayoi Kusamas künstlerische Beiträge waren maßgeblich an der Entwicklung der Pop-Art beteiligt und hatten großen Einfluss auf zahlreiche Künstler, darunter Andy Warhol. Mitte der 1960er Jahre war der Grafikdesigner Tadanori Yokoo zu einem der erfolgreichsten Pop-Künstler aufgestiegen und galt als internationales Wahrzeichen der japanischen Pop-Art. Yokoo ist bekannt für seine Werbearbeit und die Produktion von Kunst für Ikonen der Popkultur, darunter Aufträge für die Beatles, Marilyn Monroe und Elizabeth Taylor. Keiichi Tanaami war in dieser Zeit ein weiterer prominenter Pop-Künstler. Darüber hinaus wurden auch ikonische Charaktere aus japanischen Mangas und Animes wie Speed ​​Racer und Astro Boy als Symbole in die Pop-Art übernommen. Japanische Mangas und Animes beeinflussten später spätere Popkünstler, insbesondere Takashi Murakami und seine Superflat-Bewegung.

Italien

Bis 1964 erlangte die Pop-Art in Italien Anerkennung und manifestierte sich in verschiedenen Formen, unter anderem in der „Scuola di Piazza del Popolo“ in Rom. Zu dieser Bewegung gehörten Pop-Künstler wie Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa und Claudio Cintoli sowie Beiträge von Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella und Valerio Adami.

Die italienischen Pop-Art geht auf die Kultur der 1950er Jahre zurück, insbesondere auf die Werke von Enrico Baj und Mimmo Rotella, die zu Recht als Pioniere dieser Kunst gelten Bewegung. Tatsächlich wechselten sowohl Baj als auch Rotella zwischen 1958 und 1959 von ihren früheren künstlerischen Bestrebungen – die trotz ihrer starken postdadaistischen Neigungen allgemein als nicht-gegenständliches Genre kategorisiert werden könnten – und tauchten in die aufkeimende visuelle Kultur und den damit verbundenen kritischen Diskurs ein. Rotellas Décollagen oder zerrissene Plakate zeigten zunehmend eine figurative Sensibilität und stellten häufig explizite und absichtliche Bezüge zu den prominenten Ikonen der Zeit her. Bajs künstlerische Kompositionen waren tief durchdrungen vom zeitgenössischen Kitsch, der sich als reiche Bildquelle und bedeutender Katalysator für eine ganze Künstlergeneration erwies.

Die Entstehung eines neuartigen visuellen Panoramas, das sowohl häusliche Innenräume als auch äußere Umgebungen umfasst, kennzeichnete diesen künstlerischen Wandel. Elemente der „neuen Welt“ wie Autos, Straßenschilder und Fernsehen wurden zu legitimen Themen in diesem sich entwickelnden künstlerischen Bereich. Die italienische Pop-Art orientierte sich damit ideologisch an ihren internationalen Gegenstücken. Unterscheidungen ergaben sich vor allem in der Ikonographie und gelegentlich auch durch eine kritischere Auseinandersetzung mit dem Thema. Vorläufer dieses Ansatzes sind in den Werken von Rotella und Baj zu finden, die beide für ihre nicht neutralen gesellschaftlichen Kommentare bekannt sind. Diese Perspektive war jedoch nicht exklusiv; Zahlreiche Künstler, darunter Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi und Claudio Cintoli, näherten sich der Realität als spielerischem Bildreservoir. Sie extrahierten das Material mit einem Gefühl von Distanziertheit und Leichtigkeit und forderten konventionelle Sprachparadigmen mit einem Geist heraus, der an Aldo Palazzeschis „Lass mich Spaß haben“ erinnerte. Pop Art ist in der italienischen Kunstlandschaft kontinuierlich präsent und hat sich im Laufe der Zeit durch verschiedene Iterationen in Form und Inhalt weiterentwickelt. Beispielsweise entwickelte der sizilianische Künstler Arrigo Musti Anfang der 2000er Jahre „Impopular Art“. In jüngerer Zeit hat ein Subgenre namens Pop-Symbolismus, vorwiegend digitale Kunst, vor allem in Norditalien an Bedeutung gewonnen.

Belgien

Belgische Pop-Art wurde von Künstlern wie Paul Van Hoeydonck vertreten, dessen Skulptur Gefallener Astronaut während einer Apollo-Mission auf dem Mond abgesetzt wurde, sowie von anderen bedeutenden Pop-Künstlern. International gefeierte Persönlichkeiten wie Marcel Broodthaers ( 'vous êtes doll? "), Evelyne Axell und Panamarenko wurden maßgeblich von der Pop-Art-Bewegung beeinflusst; insbesondere Broodthaers wurde stark von George Segal beeinflusst. Roger Raveel, ein weiterer prominenter Künstler, baute einen Vogelkäfig mit einer lebenden Taube in eines seiner Gemälde ein. Gegen Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre gingen die Pop-Art-Anspielungen zurück Im Gegensatz dazu hat Panamarenko, eine produktive Pop-Art-Künstlerin aus Namur, die zwischen 1964 und 1972 tätig war, eine kritischere Haltung gegenüber Amerika eingenommen. Ihr bekanntestes Werk ist Ice Sahne.

Niederlande

Obwohl in den Niederlanden keine formelle Pop-Art-Bewegung entstand, ließ sich eine Kohorte von Künstlern, die während der Entstehungsphase der Pop-Art einige Zeit in New York verbrachten, von der internationalen Bewegung stark inspirieren. Bemerkenswerte Persönlichkeiten der niederländischen Pop-Art sind Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers und Woody van Amen. Diese Künstler forderten die kleinbürgerliche Denkweise der Niederlande heraus, indem sie humorvolle Werke mit ernsten Untertönen schufen. Anschauliche Beispiele sind Woody van Amens Sex O'Clock und Jacques Frenkens Crucifix / Target.

Russland

Russlands Engagement für die Pop-Art-Bewegung erfolgte später, wobei in den 1970er-Jahren Werke im Pop-Stil erschienen. Diese Verzögerung war wahrscheinlich auf das politische Umfeld Russlands nach dem Krieg zurückzuführen, das den künstlerischen Ausdruck streng regulierte. Die russische Version der Pop Art, bekannt als Sots Art, übernahm sowjetische Themen. Im Gegensatz zur westlichen Pop-Art diente Sots Art als gegenkulturelle Antwort auf staatlich sanktionierte Kunstbewegungen. Nach dem Fall der Berliner Mauer entwickelte sich die russische Pop-Art zu einer eigenständigen Form, beispielhaft dargestellt durch Dmitri Vrubels Gemälde Mein Gott, hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben.

Bemerkenswerte Künstler

Referenzen

Referenzen

Bloch, Mark. Die Brooklyn Rail. „Gutai: 1953 –1959“, Juni 2018.

• Bloch, Mark. Die Brooklyn Rail. „Gutai: 1953–1959“, Juni 2018.
• Diggory, Terence (2013) Encyclopedia of the New York School Poets (Fakten zur File Library of American Literature). ISBN 978-1-4381-4066-7
• Francis, Mark und Foster, Hal (2010) Pop. London und New York: Phaidon.
• Haskell, Barbara (1984) BLAM! Die Explosion von Pop, Minimalismus und Performance 1958–1964. New York: W.W. Norton & Company, Inc. in Zusammenarbeit mit dem Whitney Museum of American Art.
• Lifshitz, Mikhail. Die Krise der Hässlichkeit: Vom Kubismus zur Pop-Art. Übersetzt und mit einer Einführung von David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (ursprünglich auf Russisch veröffentlicht von Iskusstvo, 1968).
• Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, mit Beiträgen von Lawrence Alloway, Nancy Marmer und Nicolas Calas, herausgegeben von Frederick A. Praeger, New York.
• Selz, Peter (Moderator), Ashton, Dore, Geldzahler, Henry, Kramer, Hilton, Kunitz, Stanley und Steinberg, Leo (April 1963) „A Symposium on Pop Art“, Arts Magazine, S. 36–45. Dieser Artikel präsentiert das Protokoll eines Symposiums, das am 13. Dezember 1962 im Museum of Modern Art stattfand.

• Pop Art: Eine kurze Geschichte, MoMA Learning
• Ausstellungen im Brooklyn Museum: Verführerische Subversion: Pop-Künstlerinnen, 1958–1968, Okt. 2010–Januar. 2011
• Tate-Glossar-Begriff für Pop-Art