Orphismus, auch bekannt als Orphischer Kubismus, entstand 1912 als eigenständiger Zweig des Kubismus, eine Bezeichnung, die dem französischen Dichter Guillaume Apollinaire zugeschrieben wird. Diese künstlerische Bewegung legte Wert auf reine Abstraktion und lebendige Farbpaletten und ließ sich dabei vom Fauvismus und den theoretischen Beiträgen von Paul Signac, Charles Henry und dem Farbstoffchemiker Michel Eugène Chevreul beeinflussen. Der Orphismus, der als entscheidend für die Entwicklung vom Kubismus zur abstrakten Kunst gilt, wurde von František Kupka, Robert Delaunay und Sonia Delaunay vorangetrieben, die in der überwiegend monochromatischen Periode des Kubismus insbesondere den Einsatz von Farbe wiederbelebten.
Orphistische Kunstwerke untersuchen akribisch Farbe und das Zusammenspiel von Licht. Dieser künstlerische Stil blühte in den frühen 1910er Jahren auf, einer Zeit, die von technologischen Fortschritten geprägt war, die die Wahrnehmung von Zeit und Raum veränderten. Anhänger des Orphismus erforschten das transformative Potenzial, das Farbe, Form und Bewegung innewohnt. Bemerkenswerte Künstler, die den orphistischen Ansatz übernommen haben, sind Marcel Duchamp, Mainie Jellett, Francis Picabia, Amadeo de Souza-Cardoso, Stanton Macdonald-Wright und Morgan Russell.
Verlauf
Obwohl orphistische Künstler ihren Ursprung im Kubismus hatten, neigten sie zu einer ausgeprägten lyrischen Abstraktion. Sie konzipierten Kunst als die Synthese von Sinneserfahrung und chromatischem Ausdruck. Diese Künstler stellten die Sensation in den Vordergrund und stellten zunächst erkennbare Themen mithilfe abstrakter Strukturrahmen dar. Letztendlich versuchte der Orphismus, durch einen ausschließlichen Fokus auf Form und Farbe über identifizierbare Themen hinauszugehen. Darüber hinaus strebte die Bewegung danach, die Prinzipien des Simultanismus zu verkörpern, die durch ständig miteinander verbundene Existenzzustände gekennzeichnet sind.
Die neoimpressionistische Farbtheorie, insbesondere in Bezug auf die Zerlegung des Spektrallichts, wie sie von Paul Signac und Charles Henry artikuliert wurde, trug wesentlich zur Entstehung des Orphismus bei. Charles Henry, ein Universalgelehrter, der als Mathematiker, Erfinder und Ästhetiker tätig war, pflegte persönliche Beziehungen zu prominenten Persönlichkeiten wie Robert Delaunay, Albert Gleizes und Gino Severini. Er war auch ein enger Mitarbeiter der symbolistischen Schriftsteller Félix Fénéon und Gustave Kahn und kannte Seurat, Signac und Pissarro, nachdem er ihnen auf der achten und letzten Impressionistenausstellung im Jahr 1886 begegnet war. Henry führte die emotionale Assoziationstheorie in den künstlerischen Diskurs ein, ein Konzept, das die Neoimpressionisten tiefgreifend beeinflusste. Sowohl Henry als auch Seurat postulierten, dass die Grundbestandteile der Kunst – Linie, Farbe und Form – ähnlich wie sprachliche Elemente funktionieren könnten, unabhängige abstrakte Qualitäten besitzen oder harmonisch integriert werden könnten, abhängig von der Absicht des Künstlers. Fénéon stellte 1889 fest, dass „Seurat erkennt, dass die Linie über ihre topografische Funktion hinaus einen quantifizierbaren abstrakten Wert besitzt“, der die chromatischen Partikel und ihre emotionale Resonanz für den Betrachter ergänzt. Diese grundlegende neoimpressionistische Theorie übte einen nachhaltigen Einfluss auf Delaunays Gesamtwerk aus. Während die Neoimpressionisten erfolgreich einen wissenschaftlichen Rahmen für Farben in der Malerei etablierten, der sich hauptsächlich auf das Lichtspektrum bezog (mit weniger wissenschaftlicher Genauigkeit für Farbpigmente), adaptierten die Kubisten später Aspekte dieser Theorie, um sie bei der Verwendung von Farbe, Form und Dynamik zu unterstützen.
Apollinaire
Im Jahr 1912 führte Apollinaire während einer Ansprache im Salon de la Section d'Or den Begriff Orphismus ein, insbesondere in Bezug auf František Kupkas Praxis der reinen Malerei.
In seiner Veröffentlichung von 1913, Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques, charakterisierte Apollinaire den Orphismus als „die Kunst, neu zu malen“. Totalitäten mit Elementen, die der Künstler nicht der visuellen Realität entnimmt, sondern völlig selbst erschafft.“ Er behauptete weiter, dass ein orphisches Gemälde „einen ‚ungetrübten ästhetischen Genuss‘, eine bedeutungsvolle Struktur und erhabene Bedeutung vermitteln sollte.“
Solche konzeptionellen Parallelen waren in den Werken von František Kupka und Wassily Kandinsky offensichtlich. Beide Künstler versuchten, wissenschaftliche Prinzipien im visuellen und auditiven Bereich zu synthetisieren und so den Bereich der Abstraktion zu erweitern. Robert Delaunay und Sonia Delaunay stellten beispielsweise elektrisches Licht dar und gingen davon aus, dass die Leuchtkraft direkt von einer bemalten Oberfläche ausgehen könnte.
Ausstellungen
Der Salon de la Section d'Or im Jahr 1912 markierte die erste öffentliche Präsentation des Orphismus. Anschließend wurden im März 1913 orphistische Werke im Salon des Indépendants in Paris ausgestellt. In seiner Rezension dieses Salons, die am 29. März 1913 in Montjoie veröffentlicht wurde, plädierte Apollinaire für die Ablösung des Kubismus durch den Orphismus und verkündete: „Wenn der Kubismus tot ist, lebe der Kubismus. Das Königreich des Orpheus ist nahe!“
Der Herbstsalon 1913 (Erster Deutscher Herbstsalon, Berlin), kuratiert von Herwarth Walden von Der Sturm, zeigte zahlreiche Werke von Robert und Sonia Delaunay, Jean Metzingers L'Oiseau bleu (1913, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), Albert Gleizes' Les Joueurs de football (1912-1913, National Gallery of Kunst), Gemälde von Picabia und Léger sowie mehrere futuristische Werke. Nach dieser Ausstellung verschlechterte sich Apollinaires Beziehung zu R. Delaunay nach Gesprächen mit Umberto Boccioni über die Mehrdeutigkeit der „Gleichzeitigkeit“. Folglich verwendete Apollinaire in seinen späteren Veröffentlichungen den Begriff Orphismus nicht mehr und plädierte stattdessen für die Werke von Picabia, Alexander Archipenko und futuristische Prinzipien.
Die Delaunays
Robert Delaunay und seine Frau Sonia Terk Delaunay waren zentrale Figuren der orphistischen Bewegung. Ihre ersten künstlerischen Bemühungen erforschten fauvistische Farbpaletten, oft in abstrakten Formen. Beispiele hierfür sind Sonias Finnish Girl von 1907, das reine Farben verwendete, und Roberts Paysage au disque von 1906, das sich durch Farbe und mosaikartige Pinselstriche auszeichnete. Das letztgenannte Werk entstand unter dem Einfluss von Jean Metzinger, einem Neoimpressionisten mit starken Divisionisten- und Fauve-Elementen.
Im Jahr 1912 distanzierte sich Delaunay offiziell vom Kubismus und kritisierte Picasso dafür, dass er das Farbspektrum seiner Stillleben auf gedämpfte, monochromatische Braun- und Grautöne beschränkte und Reste figurativer Darstellung bewahrte.
Obwohl weitgehend Orphismus Zwei von R. Delaunays amerikanischen Schülern, Patrick Henry Bruce und Arthur Burdett Frost Jr., die sich vor dem Ersten Weltkrieg auflösten, verfolgten ab 1912 einen vergleichbaren künstlerischen Stil. Gleichzeitig verfassten die synchromistischen Künstler Morgan Russell und Stanton Macdonald-Wright unterschiedliche Manifeste, um ihre Bewegung vom Orphismus der Delaunays abzugrenzen.
Purismus
- Purismus
- De Stijl
- Kristallkubismus
- Orpheus (Spiel)
Referenzen und Quellen
- Referenzen
- Quellen
- Baron, Stanley und Jacques Damase. Sonia Delaunay: Das Leben einer Künstlerin. Harry N. Abrams, Inc., 1995.
- Buckberrough, Sherry A. Robert Delaunay: Die Entdeckung der Gleichzeitigkeit. Ann Arbor, Michigan: UMI Research Press, 1978.
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- MoMA-Sammlung: Robert Delaunay
- MoMA-Sammlung: František Kupka
- Harmonie und Dissonanz: Orphismus in Paris, 1910–1930 Ausstellung im Solomon R. Guggenheim Museum, 8. November 2024–9. März 2025. Katalog