Postmoderne Kunst umfasst verschiedene Kunstrichtungen, die im Gegensatz zu bestimmten Grundsätzen der Moderne oder späteren Entwicklungen entstanden sind. Typischerweise werden Kategorien wie Intermedia, Installationskunst, Konzeptkunst und Multimedia, insbesondere solche mit Video, als postmodern bezeichnet.
Postmoderne Kunst zeichnet sich durch mehrere definierende Merkmale aus. Dazu gehören die Rekontextualisierung historischer Stile und Themen in zeitgenössischen Rahmen, Bricolage, die prominente Integration von Text als primärer künstlerischer Komponente, Collage, Vereinfachung, Aneignung und Performance-Kunst. Ein weiteres wesentliches Merkmal ist die Auflösung der traditionellen Unterscheidungen zwischen bildender Kunst, hoher Kunst, niedriger Kunst und Populärkultur.
Verwendung des Begriffs
Seit den 1950er Jahren ist die vorherrschende Bezeichnung für künstlerisches Schaffen „zeitgenössische Kunst“. Allerdings ist nicht jede als zeitgenössisch kategorisierte Kunst postmodern; Diese breitere Klassifizierung umfasst Künstler, die modernistische und spätmodernistische Praktiken beibehalten, sowie solche, die den Postmodernismus aus alternativen Gründen ablehnen. Arthur Danto geht davon aus, dass „zeitgenössisch“ als umfassendere Beschreibung dient, wobei postmoderne Werke einen „Untersektor“ innerhalb der breiteren zeitgenössischen Bewegung bilden. Während einige postmoderne Künstler deutlich von modernistischen Prinzipien abgewichen sind, bleibt ein endgültiger Konsens darüber, „Spätmoderne“ von „Postmoderne“ zu unterscheiden, schwer zu erreichen. Konzepte, die zuvor von der modernen Ästhetik abgelehnt wurden, wurden wieder eingeführt. Insbesondere in der Malerei markierte die Postmoderne die Wiedereinführung gegenständlicher Formen. Bestimmte Kritiker sind der Meinung, dass ein erheblicher Teil der zeitgenössischen „postmodernen“ Kunst, insbesondere neuere avantgardistische Ausdrucksformen, der modernen Kunst zugeordnet werden sollten.
Der Begriff „postmodern“ bezeichnet nicht nur bestimmte Trends in der zeitgenössischen Kunst, sondern bezeichnet auch eine bestimmte Phase innerhalb der modernen Kunst. Diese Perspektive wurde sowohl von Befürwortern des Modernismus, darunter Clement Greenberg, als auch von seinen radikalen Kritikern, wie Félix Guattari, vertreten, der ihn bekanntlich als den „letzten Atemzug des Modernismus“ bezeichnete. Der neokonservative Kritiker Hilton Kramer charakterisierte die Postmoderne als „eine Schöpfung der Moderne am Ende ihrer Kräfte“. Nach der Interpretation von Fredric Jameson behauptete Jean-François Lyotard nicht, dass es sich um eine postmoderne Phase handele, die sich grundsätzlich von der Hochmoderne unterschied; Vielmehr betrachtete Lyotard die postmoderne Unzufriedenheit mit bestimmten Stilen der Hochmoderne als integralen Bestandteil des experimentellen Charakters der Hochmoderne und förderte so neue Modernismen. Im Bereich der Ästhetik und Kunst gilt Jean-François Lyotard als zentraler Philosoph der Postmoderne.
Eine vorherrschende kritische Sichtweise geht davon aus, dass sich die postmoderne Kunst aus der modernen Kunst entwickelt hat. Die vorgeschlagenen Zeitpläne für diesen Übergang reichen von 1914 in Europa bis 1962 oder 1968 in Amerika. James Elkins, der über die Debatten rund um den genauen Beginn des Übergangs vom Modernismus zum Postmodernismus nachdenkt, zieht eine Parallele zum Diskurs der 1960er Jahre über die genaue Dauer des Manierismus und seinen Entstehungszeitpunkt – sei es unmittelbar nach der Hochrenaissance oder später im Jahrhundert. Er betont, dass solche Debatten über Kunstrichtungen und -epochen immer wieder stattfinden, ohne deren Bedeutung zu schmälern. Das Ende der postmodernen Kunstära wird oft am Ende der 1980er Jahre angesiedelt, einer Zeit, in der der Begriff „Postmoderne“ an kritischer Relevanz verlor und künstlerische Praktiken sich zunehmend mit den Auswirkungen der Globalisierung und aufkommenden Medien auseinandersetzten.
Jean Baudrillard übte erheblichen Einfluss auf die von der Postmoderne inspirierte Kunst aus und betonte das Potenzial für neuartige kreative Ausdrucksformen. Der Künstler Peter Halley beispielsweise charakterisierte seine Verwendung von Tagesleuchtfarben als „Hyperrealisation echter Farben“ und schrieb Baudrillard einen entscheidenden Einfluss zu. Umgekehrt behauptete Baudrillard ab 1984 konsequent, dass zeitgenössische Kunst – insbesondere postmoderne Kunst – der modernistischen Kunst der Nachkriegszeit unterlegen sei, während Jean-François Lyotard die zeitgenössische Malerei lobte und ihre Entwicklung aus der modernen Kunst hervorhob. Zahlreiche prominente Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts sind mit der postmodernen Kunst verbunden, da ein Großteil des theoretischen Rahmens für ihre Arbeit aus der französischen Psychoanalyse und der feministischen Theorie stammt, die beide eng mit der postmodernen Philosophie verbunden sind.
Die Verwendung des Begriffs „postmodern“ stößt auf Kritik, was bei solchen Bezeichnungen häufig vorkommt. Kirk Varnedoe behauptete beispielsweise, dass die Postmoderne nicht existiere und dass das Potenzial der Moderne unerfüllt bleibe. Obwohl der Begriff seit Anfang bis Mitte der 1980er-Jahre zu einer herkömmlichen Abkürzung für die Bezeichnung von Werken spezifischer künstlerischer Nachkriegsbewegungen geworden ist, die unterschiedliche Materialien und generische Techniken verwenden, sind die theoretischen Grundlagen der Postmoderne als epochale oder epistemische Abgrenzung weiterhin äußerst umstritten.
Merkmale
Der Postmodernismus umfasst künstlerische Bewegungen, die sowohl aus etablierten modernistischen Trends hervorgehen als auch diese aktiv bekämpfen oder ablehnen. Zu den Schlüsselmerkmalen, die der Moderne häufig zugeschrieben werden, gehören formale Reinheit, Medienspezifität, das Konzept der Kunst um der Kunst willen, Authentizität, Universalität, Originalität sowie entweder revolutionäre oder reaktionäre Tendenzen, die in der Avantgarde zum Ausdruck kommen. Dennoch ist das Paradox das wohl bedeutendste modernistische Konzept, das die Postmoderne in Frage stellt. Paradox war von grundlegender Bedeutung für das modernistische Projekt, das insbesondere von Manet eingeführt wurde. Manets vielfältige Subversionen der gegenständlichen Kunst unterstrichen unter anderem die wahrgenommene gegenseitige Ausschließlichkeit zwischen Realität und Repräsentation, Design und Repräsentation sowie Abstraktion und Realität. Diese Integration des Paradoxons erwies sich als äußerst einflussreich für Künstler von Manet bis zu den Konzeptualisten.
Die Position der Avantgarde innerhalb der zeitgenössischen Kunst bleibt umstritten. Zahlreiche Institutionen behaupten, dass visionäre, zukunftsweisende, innovative und fortschrittliche Qualitäten für die zeitgenössische Mission der Kunst unverzichtbar sind, was darauf hindeutet, dass postmoderne Kunst von Natur aus im Widerspruch zum Ethos der „Kunst unserer Zeit“ steht. Die Postmoderne lehnt das Konzept eines inhärenten Fortschritts in der Kunst grundsätzlich ab und versucht damit, den „Mythos der Avantgarde“ zu demontieren. Rosalind Krauss war eine prominente Vertreterin der Perspektive, die der Avantgardismus geschlossen hatte und die eine neue künstlerische Epoche einläutete, die als postliberal und postprogressiv bezeichnet wurde. Griselda Pollock hat in einer Reihe wegweisender Veröffentlichungen intensiv mit der Avantgarde und der modernen Kunst recherchiert und sich kritisch damit auseinandergesetzt. Dabei hat sie gleichzeitig die moderne Kunst neu bewertet und die postmoderne Kunst neu konzeptualisiert.
Ein charakteristisches Merkmal der postmodernen Kunst ist ihre Verschmelzung von Hoch- und Niederkultur, die durch die Einbeziehung industrieller Materialien und populärkultureller Bilder erreicht wird. Obwohl zu modernistischen Experimenten auch die Nutzung „niederer“ Kunstformen gehörte, wie Kirk Varnedoe und Adam Gopniks Ausstellung High and Low: Popular Culture and Modern Art von 1990–91 im New Yorker Museum of Modern Art beweist – eine Ausstellung, die damals weithin kritisiert wurde, weil sie Persönlichkeiten wie Douglas Crimp und Hilton Kramer in kollektiver Verachtung vereinte –, ist die postmoderne Kunst besonders dafür bekannt, dass sie die Grenzen zwischen dem, was als schöne oder hohe Kunst gilt, und dem, was typisch ist, bewusst verwischt kategorisiert als niedrige oder kitschige Kunst. Während das Konzept der „Verwischung“ oder „Verschmelzung“ von hoher und niedriger Kunst in der Moderne erforscht wurde, erlangte es erst mit dem Aufkommen der Postmoderne volle Zustimmung. Die Postmoderne integrierte Elemente des Kommerzismus, des Kitschs und einer breiteren Lagerästhetik in ihren künstlerischen Rahmen. Darüber hinaus eignet es sich Stile aus verschiedenen historischen Epochen wie der Gotik, der Renaissance und dem Barock an und kombiniert sie, wobei häufig deren ursprüngliche kontextuelle Funktionen innerhalb der jeweiligen künstlerischen Strömungen außer Acht gelassen werden. Diese Elemente bilden zusammengenommen gemeinsame Merkmale, die die postmoderne Kunst definieren. Als Art Spiegelman seine stilistischen Entscheidungen für Maus besprach, brachte er die Fähigkeit des postmodernen Künstlers zum Ausdruck, eine umfangreiche „Palette“ unterschiedlicher Stile zu pflegen, aus der er frei schöpfen kann, im Gegensatz zu seinen Vorgängern, die sich typischerweise auf die Verfeinerung und Beibehaltung eines einzigartigen „Markenstils“ konzentrierten.
Fredric Jameson geht davon aus, dass postmoderne Werke auf jegliche Behauptung von Spontaneität und Direktheit im Ausdruck verzichten und stattdessen Pastiche und Kunst verwenden Diskontinuität. Im Gegensatz zu dieser Definition behaupteten Charles Harrison und Paul Wood von Art and Language, dass Pastiche und Diskontinuität der modernistischen Kunst innewohnen und von modernen Künstlern wie Manet und Picasso effektiv genutzt wurden.
Eine prägnante Definition des Postmodernismus postuliert seine Ablehnung der übergreifenden künstlerischen Narrative der Moderne, löst gleichzeitig die Unterscheidung zwischen hohen und niedrigen Kunstformen auf und unterwandert konventionelle Genres durch Techniken wie Kollision, Collage und Fragmentierung. In der postmodernen Kunst gelten alle Perspektiven als inhärent instabil und unaufrichtig; Folglich erweisen sich Ironie, Parodie und Humor als die einzigen kritischen oder revisionistischen Haltungen, die gegen Subversion immun sind. Weitere Kennzeichen sind Pluralismus und Diversität.
Avantgarde-Vorläufer
Einflussreiche radikale Bewegungen und Trends, die als potenzielle Vorläufer der Postmoderne gelten, entstanden während und unmittelbar nach dem Ersten Weltkrieg. Die Einbeziehung industrieller Artefakte in die Kunst und die Übernahme von Techniken wie Collagen durch Avantgarde-Bewegungen wie Kubismus, Dada und Surrealismus stellten etablierte Vorstellungen vom Wesen und Wert der Kunst grundlegend in Frage. Auch aufkommende Kunstformen wie das Kino und die zunehmende Verbreitung der Reproduktion prägten diese Bewegungen als neue Wege für künstlerisches Schaffen. Clement Greenbergs bahnbrechender Essay „Avantgarde und Kitsch“, der erstmals 1939 in der Zeitschrift „Partisan Review“ veröffentlicht wurde, diente als grundlegender Text für die Definition des Modernismus und plädierte für die Avantgarde vor dem Hintergrund der Populärkultur. Anschließend unterschied Peter Bürger zwischen historischer Avantgarde und Moderne, eine Unterscheidung, die Kritiker wie Krauss, Huyssen und Douglas Crimp dazu veranlasste, die historische Avantgarde als Vorläufer der Postmoderne zu identifizieren. Krauss interpretiert beispielsweise Pablo Picassos Anwendung der Collage als eine avantgardistische Technik, die die Vorrangstellung sprachlicher Elemente gegenüber autobiografischen Ausdrucksformen in der postmodernen Kunst vorwegnahm. Umgekehrt legt eine alternative Perspektive nahe, dass avantgardistische und modernistische Künstler vergleichbare Strategien verwendeten, wobei die Postmoderne letztendlich beide ablehnte.
Dada
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts präsentierte Marcel Duchamp ein Urinal als skulpturales Stück. Seine Absicht war es, den Betrachter allein durch seine Aussage dazu zu zwingen, das Urinal als Kunstwerk wahrzunehmen. Er nannte solche Kreationen „Readymades“. Der ikonische Fountain, ein mit dem Pseudonym R. Mutt signiertes Urinal, löste 1917 in der Kunstwelt erhebliche Kontroversen aus. Dieses Werk wird zusammen mit Duchamps anderen ähnlichen Werken allgemein als Dada kategorisiert. Duchamp wird oft als Begründer der Konzeptkunst angesehen. Einige Kritiker bestreiten jedoch die Einstufung von Duchamp – der für seine Beschäftigung mit dem Paradoxon bekannt ist – als Postmodernisten und argumentieren, dass seine Ablehnung der Medienspezifität (angesichts der Tatsache, dass das Paradoxon über jedes bestimmte Medium hinausgeht, obwohl es erstmals in Manets Gemälden auftaucht) eine solche Kategorisierung erschwert.
Der Dadaismus kann neben Surrealismus, Futurismus und abstraktem Expressionismus als Ausdruck der dem Modernismus innewohnenden Neigung dazu verstanden werden etablierte künstlerische Stile und Formen untergraben. Chronologisch ist Dada fest in der Moderne verankert; Dennoch behaupten mehrere Kritiker, dass es ein Vorbote der Postmoderne sei, während andere, darunter Ihab Hassan und Steven Connor, behaupten, es stelle eine mögliche Übergangsphase zwischen Moderne und Postmoderne dar. McEvilly postuliert beispielsweise, dass die Postmoderne mit der Erkenntnis beginnt, dass der Mythos des Fortschritts nicht mehr glaubwürdig ist, eine Erkenntnis, die Duchamp Berichten zufolge 1914 erfasste, als er von einer modernistischen zu einer postmodernistischen Praxis überging und damit „ästhetischem Genuss, transzendentem Ehrgeiz und Meisterdemonstrationen formaler Agilität zugunsten ästhetischer Gleichgültigkeit, der Anerkennung der gewöhnlichen Welt und des gefundenen Objekts“ abschwor fertig".
Radikale Bewegungen in der modernen Kunst
Anfangs entstanden Pop Art und Minimalismus als modernistische Bewegungen; Ein bedeutender Paradigmenwechsel und eine philosophische Divergenz zwischen Formalismus und Antiformalismus in den frühen 1970er Jahren führten jedoch dazu, dass einige diese Bewegungen als Vorläufer oder Übergangsformen der postmodernen Kunst neu bewerteten. Zu den weiteren modernen Bewegungen, die als einflussreich für die postmoderne Kunst gelten, gehören die Konzeptkunst und die Anwendung von Techniken wie Assemblage, Montage, Bricolage und Appropriation.
Jackson Pollock und der abstrakte Expressionismus
In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren revolutionierte Pollocks radikaler Ansatz zur Malerei die Entwicklung der späteren zeitgenössischen Kunst. Pollock ging davon aus, dass der künstlerische Prozess die gleiche Bedeutung habe wie das endgültige Kunstwerk selbst. Ähnlich wie Pablo Picasso um die Jahrhundertwende durch den Kubismus und die konstruierte Skulptur bahnbrechende Neuerfindungen von Malerei und Skulptur durchführte, definierte Pollock Mitte des 20. Jahrhunderts das künstlerische Schaffen grundlegend neu. Seine Abkehr von der traditionellen Staffeleimalerei und konventionellen Methoden emanzipierte sowohl seine Zeitgenossen als auch nachfolgende Künstlergenerationen. Die Künstler erkannten, dass Pollocks Methodik – die das Arbeiten auf dem Boden, die Verwendung von ungedehnter roher Leinwand von allen vier Seiten, die Einbeziehung künstlerischer und industrieller Materialien, den Einsatz von Bildern und Nicht-Bildern sowie das Auftragen von Farbe durch lineare Stränge, Tropfen, Zeichnen, Beizen und Pinseln umfasste – die Parameter des Kunstschaffens über die bisherigen Grenzen hinaus erweiterte. Der Abstrakte Expressionismus erweiterte und erweiterte folglich die Definitionen und kreativen Möglichkeiten, die Künstlern für die Schaffung neuer Werke zur Verfügung standen. Die von Persönlichkeiten wie Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman und Ad Reinhardt und anderen eingeführten Innovationen ebneten effektiv den Weg für die vielfältige Bandbreite und Tragweite späterer künstlerischer Bestrebungen.
Post-Abstrakter Expressionismus
In den 1950er und 1960er Jahren entstanden in der abstrakten Malerei mehrere neue Bewegungen, darunter die Hard-Edge-Malerei und andere Formen der geometrischen Abstraktion, beispielhaft dargestellt durch die Arbeit von Frank Stella. Diese Entwicklungen entstanden in Künstlerateliers und Avantgardekreisen als Reaktion auf den wahrgenommenen Subjektivismus des Abstrakten Expressionismus. Clement Greenberg setzte sich für die Post-malerische Abstraktion ein und artikulierte ihre Prinzipien in einer einflussreichen Ausstellung neuer Malerei, die 1964 in großen Kunstmuseen in den Vereinigten Staaten zu sehen war. Farbfeldmalerei, Hard-Edge-Malerei und lyrische Abstraktion stellten später bedeutende neue künstlerische Entwicklungen dar.
In den späten 1960er Jahren entstanden auch Postminimalismus, Prozesskunst und Arte Povera als revolutionäre Konzepte und Bewegungen, die sowohl die Malerei als auch die Skulptur beeinflussen. Diese Entwicklungen waren mit der lyrischen Abstraktion, der postminimalistischen Bewegung und der frühen Konzeptkunst verknüpft. Inspiriert von Pollock ermöglichte Process Art Künstlern die Erforschung und Anwendung vielfältiger Stile, Inhalte, Materialien, Platzierungen, zeitlicher Wahrnehmungen sowie sowohl plastischer als auch realer Räume. Zu den prominenten jüngeren Künstlern, die in dieser Ära der Spätmoderne auftauchten und zum künstlerischen Aufschwung der späten 1960er Jahre beitrugen, gehörten Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra und Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato und Lee Lozano.
Künstlerische Bewegungen
Performance-Kunst und Happenings
In den späten 1950er und 1960er Jahren erweiterten Künstler mit unterschiedlichem Hintergrund aktiv die Parameter der zeitgenössischen Kunst. Zu den Pionieren der Performance-Kunst gehörten Yves Klein in Frankreich sowie Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman und Yoko Ono in New York City. Ensembles wie The Living Theater unter der Leitung von Julian Beck und Judith Malina arbeiteten mit Bildhauern und Malern zusammen, um immersive Umgebungen zu schaffen und die Dynamik zwischen Publikum und Darsteller grundlegend zu verändern, insbesondere in ihrem Werk Paradise Now. Im Judson Dance Theater in der Judson Memorial Church in New York traten Tänzer wie Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs und Steve Paxton auf, die mit den Künstlern Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg und Ingenieuren wie Billy Klüver zusammenarbeiteten. Diese Aufführungen zielten häufig darauf ab, eine neue Kunstform zu schaffen, indem sie Skulptur, Tanz und Musik oder Klang integrierten, oft unter Beteiligung des Publikums. Die Werke zeichneten sich durch die reduktiven Philosophien des Minimalismus, die spontane Improvisation und die dem Abstrakten Expressionismus innewohnende Expressivität aus.
Gleichzeitig schufen verschiedene Avantgarde-Künstler von Ende der 1950er bis Mitte der 1960er Jahre Happenings. Bei diesen Veranstaltungen handelte es sich oft um spontane, nicht geplante und rätselhafte Zusammenkünfte von Künstlern, ihren Freunden und Verwandten, die an verschiedenen, dafür vorgesehenen Orten stattfanden. Happenings enthielten häufig Elemente wie absurde Übungen, körperliche Aktivitäten, Kostüme, spontane Nacktheit und eine Reihe scheinbar unabhängiger und zufälliger Aktionen. Zu den prominenten Persönlichkeiten bei der Entstehung von Happenings gehörten Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms und Robert Whitman.
Assemblage-Kunst
Die Assemblage-Kunst, die im Zusammenhang mit dem Abstrakten Expressionismus entstand, beinhaltete die Integration von hergestellten Gegenständen mit traditionellen künstlerischen Materialien und wich damit von etablierten Konventionen der Malerei und Bildhauerei ab. Robert Rauschenbergs „Kombinationen“ aus den 1950er-Jahren, die große physische Objekte wie ausgestopfte Tiere, Vögel und kommerzielle Fotografie beinhalteten, dienten als Paradebeispiel für diesen künstlerischen Werdegang und waren ein Vorbote sowohl der Pop-Art als auch der Installationskunst.
Im Jahr 1969 verwendete Leo Steinberg den Begriff „Postmoderne“, um Rauschenbergs „Flachbett“-Bildebene zu charakterisieren, die eine vielfältige Reihe kultureller Bilder und Artefakte integriert, die zuvor als mit dem Bild unvereinbar galten Bereiche der vormodernen und modernistischen Malerei. Craig Owens erweiterte diese Interpretation und behauptete, dass die Bedeutung von Rauschenbergs Werk nicht darin liege, wie Steinberg es vorschlug, „den Wandel von der Natur zur Kultur“ darzustellen, sondern vielmehr darin, die inhärente Unmöglichkeit zu veranschaulichen, einen solchen binären Gegensatz aufrechtzuerhalten.
Steven Best und Douglas Kellner positionieren Rauschenberg und Jasper Johns in einer von Marcel Duchamp beeinflussten Übergangsphase, die Moderne und Postmoderne verbindet. Ihre künstlerische Praxis umfasste Bilder alltäglicher Objekte oder der Objekte selbst und bewahrte gleichzeitig die für die Hochmoderne charakteristische Abstraktion und gestische Pinselführung.
Anselm Kiefer integriert in ähnlicher Weise Elemente der Assemblage in seine Kreationen, insbesondere zeigt er den Bug eines Fischerbootes in einem seiner Gemälde.
Pop Art
Lawrence Alloway prägte den Begriff „Pop Art“, um Kunstwerke zu charakterisieren, die den in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg vorherrschenden Konsumismus feierten. Diese künstlerische Bewegung wich von der Betonung des Abstrakten Expressionismus auf hermeneutischer und psychologischer Selbstbeobachtung ab und bevorzugte stattdessen Kunst, die materielle Konsumkultur, Werbung und die Ikonographie des Zeitalters der Massenproduktion darstellte und häufig gelobt wurde. Zu den wegweisenden Beispielen dieser Bewegung zählen frühe Werke von David Hockney sowie Werke von Richard Hamilton, John McHale und Eduardo Paolozzi. Nachfolgende amerikanische Manifestationen umfassen die umfangreichen Karrieren von Künstlern wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein, wobei letzterer insbesondere Benday-Punkte verwendete, eine aus der kommerziellen Reproduktion abgeleitete Technik. Eine eindeutige Abstammungslinie verbindet die radikalen, humorvollen Werke des rebellischen Dadaisten Marcel Duchamp mit Pop-Künstlern wie Claes Oldenburg, Andy Warhol und Roy Lichtenstein.
Thomas McEvilly stimmt mit Dave Hickey überein und geht davon aus, dass der US-amerikanische Postmodernismus in der bildenden Kunst mit den ersten Pop-Art-Ausstellungen im Jahr 1962 begann, obwohl es etwa zwei Jahrzehnte dauerte, bis die Postmoderne entstand etabliert sich als vorherrschende Sensibilität innerhalb der bildenden Kunst. Fredric Jameson kategorisiert Pop Art in ähnlicher Weise als postmodern.
Der postmoderne Charakter der Pop Art ist teilweise auf die Beseitigung dessen zurückzuführen, was Andreas Huyssen als „Große Kluft“ zwischen Hochkunst und Populärkultur bezeichnete. Man geht davon aus, dass die Postmoderne selbst aus einer „generationellen Ablehnung der kategorischen Gewissheiten der Hochmoderne“ hervorgegangen ist.
Fluxus
Die Fluxus-Bewegung wurde 1962 von George Maciunas (1931–78), einem in Litauen geborenen amerikanischen Künstler, benannt und grob strukturiert. Seine Ursprünge lassen sich auf John Cages Experimentelle Kompositionskurse zurückführen, die von 1957 bis 1959 an der New School for Social Research in New York City stattfanden. Eine beträchtliche Anzahl von Cages Schülern waren Künstler, die sich mit verschiedenen Medien beschäftigten und oft nur über eine minimale oder keine formale musikalische Ausbildung verfügten. Zu Cages Schülern gehörten mehrere Gründungsmitglieder von Fluxus, darunter Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht und Dick Higgins. In Deutschland begann Fluxus 1962 mit den FLUXUS Internationalen Festspielen Neuester Musik in Wiesbaden mit George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik und anderen. 1963 folgte das Festum Fluxorum Fluxus in Düsseldorf, an dem unter anderem George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson und Emmett Williams teilnahmen.
Fluxus vertrat den Ethos der Eigenproduktion und gab der Einfachheit Vorrang vor kompliziertem Design. Ähnlich wie sein Vorgänger Dada zeigte Fluxus eine ausgeprägte antikommerzielle und kunstfeindliche Haltung und kritisierte das konventionelle, marktorientierte Kunstestablishment zugunsten einer künstlerzentrierten kreativen Methodik. Fluxus-Künstler bevorzugten die Verwendung leicht verfügbarer Materialien, indem sie ihre Werke entweder unabhängig produzierten oder gemeinsam mit Gleichgesinnten schufen.
Fluxus wird oft in die Anfangsphase der Postmoderne eingeordnet, neben Persönlichkeiten wie Rauschenberg, Johns, Warhol und der Situationistischen Internationale. Andreas Huyssen kritisiert jedoch die Bemühungen, Fluxus mit der Postmoderne in Einklang zu bringen, und charakterisiert solche Versuche als „entweder als den Hauptkodex der Postmoderne oder als die letztendlich nicht darstellbare Kunstbewegung – sozusagen als das Erhabene der Postmoderne“. Umgekehrt postuliert Huyssen Fluxus als eine bedeutende neodadaistische Manifestation innerhalb der Avantgarde-Linie. Auch wenn es keinen wesentlichen Fortschritt in der künstlerischen Methodologie bedeutete, artikulierte es dennoch einen Widerstand gegen „die verwaltete Kultur der 1950er Jahre, in der ein gemäßigter, domestizierter Modernismus als ideologische Stütze des Kalten Krieges diente.“
Minimalismus
In den frühen 1960er Jahren manifestierte sich der Minimalismus als abstrakte Kunstrichtung, deren Ursprünge auf die geometrische Abstraktion durch Malewitsch, das Bauhaus und Mondrian zurückgeführt wurden. Diese Bewegung lehnte die relationale und subjektive Malerei, die komplizierten Oberflächen des Abstrakten Expressionismus und den emotionalen Tenor und die Polemik ab, die für das Action Painting charakteristisch sind. Befürworter des Minimalismus behaupteten, dass tiefe Einfachheit die erhabene Darstellung erreichen könne, die der Kunst innewohnt. In der Malerei stellt der Minimalismus, der von Künstlern wie Frank Stella verkörpert wird, eine modernistische Bewegung dar, die je nach kontextueller Interpretation als Vorläufer der Postmoderne angesehen werden kann.
In seinem Aufsatz The Crux of Minimalism analysiert Hal Foster, wie Donald Judd und Robert Morris durch ihre veröffentlichten Definitionen des Minimalismus gleichzeitig den Greenbergschen Modernismus anerkennen und über ihn hinausgehen. Foster behauptet, dass der Minimalismus keine „Sackgasse“ der Moderne darstellt, sondern vielmehr einen „Paradigmenwechsel hin zu postmodernen Praktiken, die auch heute noch weiterentwickelt werden.“
Landkunst
Diese Kunstbewegung ist unter verschiedenen Bezeichnungen wie Land Art, Earth Art, Environmental Art und Earthworks bekannt und hat ihren Ursprung in den 1960er und 1970er Jahren. Während es hauptsächlich mit Großbritannien und den Vereinigten Staaten verbunden ist, umfasst es Beispiele aus zahlreichen anderen Nationen. Als künstlerisches Phänomen erweiterte „Land Art“ durch die Wahl der Materialien und die Platzierung der Installationen den Spielraum der konventionellen Kunstproduktion. Die Grundmaterialien bestehen häufig aus natürlichen Elementen wie Erde, Gestein, Vegetation und Wasser, die direkt am Standort stammen, der oft weit entfernt von städtischen Gebieten liegt. Trotz der gelegentlichen Unzugänglichkeit dieser Orte werden fotografische Dokumentationen routinemäßig in städtischen Kunstgalerien präsentiert.
Die Grundprinzipien dieser Kunstbewegung drehen sich um die Ablehnung der Kommerzialisierung der Kunst und die Akzeptanz der aufkeimenden ökologischen Bewegung. Seine Entstehung fiel mit einer weit verbreiteten Ablehnung städtischer Lebensstile und einer entsprechenden Wertschätzung ländlicher Umgebungen zusammen. Diese Tendenzen umfassten auch spirituelle Bestrebungen hinsichtlich der Rolle der Erde als Wohnsitz der Menschheit.
Postminimalismus
Im Jahr 1977 führte Robert Pincus-Witten den Begriff „Postminimalismus“ ein, um Kunst zu charakterisieren, die vom Minimalismus abgeleitet ist, aber Inhalte und kontextuelle Nuancen enthält, die der Minimalismus selbst meidet. Seine Verwendung des Begriffs erstreckte sich über den Zeitraum von 1966 bis 1976 und umfasste Werke von Künstlern wie Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra sowie neue Kreationen ehemaliger Minimalisten wie Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt und Barry Le Va. Dieses Werk wird auch mit Begriffen wie Prozesskunst und Anti-Form-Kunst beschrieben, wobei seine Merkmale durch den besetzten Raum und seine Produktionsmethodik definiert werden.
Rosalind Krauss geht davon aus, dass Künstler wie Morris, LeWitt, Smithson und Serra bis 1968 „in eine Situation geraten waren, deren logische Bedingungen nicht mehr als modernistisch bezeichnet werden können“. Sie behauptet weiter, dass die Erweiterung der Skulpturenkategorie um Land Art und Architektur „den Übergang zur Postmoderne herbeiführte“.
Der amerikanische Bildhauer Christopher Wilmarth wird oft als Postminimalist eingestuft und steht damit auf einer Linie mit Figuren wie Eva Hesse und Bruce Nauman. Wilmarths Werk weicht bewusst von der makellosen, maschinell hergestellten Ästhetik ab, die von Minimalisten bevorzugt wird, und vermeidet gleichzeitig den prozessorientierten Überschwang, der in weiten Teilen der postminimalistischen Skulptur der 1970er-Jahre vorherrscht.
Prominente minimalistische Künstler, darunter Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin und John McCracken, haben während ihres gesamten Berufslebens an der Produktion spätmoderner Gemälde und Skulpturen festgehalten.
Konzeptkunst
Konzeptkunst wird aufgrund ihrer expliziten Auseinandersetzung mit der Dekonstruktion künstlerischer Definitionen häufig als postmodern kategorisiert. Dieses Genre ruft oft erhebliche Kontroversen hervor, da seine Kreationen häufig darauf abzielen, die vorherrschende Wahrnehmung des Publikums herauszufordern, zu provozieren oder zu kritisieren.
Frühe Einflüsse auf die Konzeptkunst umfassen Duchamps Beiträge, John Cages „4' 33“ – ein Stück, dessen musikalischer Inhalt durch Umgebungsgeräusche bestimmt wird, die das Publikum während seiner Aufführung wahrnimmt – und Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing. Ein grundlegender Grundsatz vieler konzeptueller Kunstwerke ist, dass Kunst dadurch entsteht, dass der Betrachter ein Objekt oder eine Handlung als künstlerisch wahrnimmt, und nicht durch inhärente Qualitäten des Werks selbst. Folglich machte die Ausstellung von Fountain daraus eine Skulptur.
Figurative Malerei
Bestimmte Trends in der figurativen Malerei der Nachkriegszeit wurden durch eine postmoderne Linse interpretiert. Amerikanische Kritiker identifizierten beispielsweise den italienischen Künstler Carlo Maria Mariani als Postmodernisten. Charles Jencks bemerkte, dass Marianis Gruppenporträt Die Konstellation des Löwen (1980–1981), das Figuren aus der italienischen Kunstszene neben mythologischen und kunsthistorischen Anspielungen darstellt, ein Schlüsselmerkmal der postmodernen Kunst veranschaulicht: „ein ironischer Kommentar zu einem Kommentar zu einem Kommentar, der die Distanz signalisiert; ein neuer Mythos, der dreimal von seinem ursprünglichen Ritual entfernt wurde.“
Installationskunst
Eine bedeutende Entwicklung in der Kunst, die konsequent als postmodern kategorisiert wird, umfasst Installationskunst und die Produktion konzeptionell motivierter Artefakte. Jenny Holzers Schilder beispielsweise nutzen künstlerische Mechanismen, um präzise Botschaften zu vermitteln, wie zum Beispiel „Schütze mich vor dem, was ich will.“ Die Installationskunst hat eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der architektonischen Anforderungen an Museen für zeitgenössische Kunst gespielt und erfordert Räume, die in der Lage sind, umfangreiche Werke aufzunehmen, die umfangreiche Collagen hergestellter und entdeckter Materialien umfassen. Diese Installationen und Collagen beinhalten häufig elektrische Komponenten, kinetische Elemente und Beleuchtung.
Solche Werke werden häufig so konzipiert, dass sie Auswirkungen auf die Umwelt haben, wie beispielsweise Christo und Jeanne-Claudes Eiserner Vorhang, Mauer aus 240 Ölfässern, Blockierung der Rue Visconti, Paris, Juni 1962, der als symbolischer Kommentar zur 1961 errichteten Berliner Mauer diente.
Lowbrow Art
Lowbrow-Kunst stellt eine allgegenwärtige populistische Bewegung dar, die ihren Ursprung in Underground-Comix, Punkmusik, Hot-Rod-Straßenkultur und verschiedenen kalifornischen Subkulturen hat. Lowbrow-Kunst, auch häufig als Pop-Surrealismus bezeichnet, unterstreicht einen Kerngedanken der Postmoderne: die Auflösung traditioneller Unterscheidungen zwischen „hohen“ und „niedrigen“ Kunstformen.
Performance-Kunst
Digitale Kunst
Digitale Kunst dient als übergreifender Deskriptor für verschiedene künstlerische Kreationen und Methoden, die digitale Technologie als grundlegenden Bestandteil ihrer Generierungs- oder Ausstellungsprozesse integrieren. Der Einfluss der digitalen Technologie hat etablierte Praktiken wie Malerei, Zeichnung, Skulptur und Musik/Klangkunst revolutioniert und gleichzeitig die Entstehung und Anerkennung neuartiger künstlerischer Formen wie Netzkunst, digitale Installationskunst und virtuelle Realität gefördert.
Prominente Kunsttheoretiker und Historiker, die sich auf diesen Bereich spezialisiert haben, sind Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy und Edmond Couchot, Fred Forest und Edward A. Shanken.
Intermedia und Multimedia
Ein bemerkenswerter Trend in der Kunst, der mit der Postmoderne in Verbindung gebracht wird, ist die Integration verschiedener Medien, die oft als „Intermedia“ bezeichnet werden. Intermedia wurde von Dick Higgins geprägt und bezieht sich auf neuartige Kunstformen, die Bewegungen wie Fluxus, konkrete Poesie, gefundene Objekte, Performance-Kunst und Computerkunst umfassen. Higgins, ein konkreter Dichter, Herausgeber der Something Else Press und Bewunderer von Marcel Duchamp, war mit der Künstlerin Alison Knowles verheiratet. Ihab Hassan zählt „Intermedia, die Verschmelzung der Formen, die Verwirrung der Bereiche“ zu seinen charakteristischen Merkmalen der postmodernen Kunst. Videokunst, die Videobänder und CRT-Monitore nutzt, stellt eine der am weitesten verbreiteten Formen der „Multimedia-Kunst“ dar. Während das theoretische Konzept der Kombination mehrerer künstlerischer Disziplinen alt ist und regelmäßig wiederbelebt wird, verschmilzt seine postmoderne Manifestation häufig mit Performance-Kunst, oft ohne dramatischen Subtext, und konzentriert sich stattdessen auf die spezifischen Aussagen des Künstlers oder die konzeptionelle Essenz seiner Handlungen. Higgins‘ Vision von Intermedia ist untrennbar mit der Entwicklung multimedialer digitaler Praktiken verbunden, einschließlich immersiver virtueller Realität, digitaler Kunst und Computerkunst.
Telematische Kunst
Telematische Kunst beschreibt künstlerische Bestrebungen, die computergestützte Telekommunikationsnetze als primäres Medium nutzen. Diese Kunstform stellt die konventionelle Dynamik zwischen aktiv betrachtenden Subjekten und passiven Kunstobjekten in Frage, indem sie interaktive Verhaltenskontexte für entfernte ästhetische Begegnungen schafft. Roy Ascott betrachtet telematische Kunst als die Umwandlung des Betrachters in einen aktiven Teilnehmer an der Entstehung des Kunstwerks, das während seiner gesamten Dauer in einem fortwährenden Prozess bleibt. Ascott ist seit 1978 ein Pionier in Theorie und Praxis der telematischen Kunst, als er sich erstmals online engagierte, um verschiedene kollaborative digitale Projekte zu organisieren.
Appropriation-Kunst und neokonzeptuelle Kunst
In seinem 1980 erschienenen Aufsatz The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism identifiziert Craig Owens das Wiederaufleben eines allegorischen Impulses als ein Markenzeichen der postmodernen Kunst. Dieser Impuls zeigt sich in der Aneignungskunst von Figuren wie Sherrie Levine und Robert Longo, da „allegorische Bilder angeeignete Bilder sind“. Appropriation Art kritisiert modernistische Ideale künstlerischer Genialität und Originalität und weist eine größere Ambivalenz und Widersprüchlichkeit auf als moderne Kunst, indem sie Ideologien gleichzeitig etabliert und untergräbt und dadurch „sowohl kritisch als auch mitschuldig“ ist.
Neo-Expressionismus und Malerei
Das Wiederaufleben traditioneller Kunstformen wie Bildhauerei und Malerei in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren, beispielhaft dargestellt durch neoexpressionistische Künstler wie Georg Baselitz und Julian Schnabel, wurde als postmoderne Tendenz und als eine der ersten zusammenhängenden Bewegungen bezeichnet, die in der postmodernen Ära entstanden. Allerdings haben ihre starken Verbindungen zum kommerziellen Kunstmarkt Fragen hinsichtlich ihres Status als postmoderne Bewegung und der eigentlichen Definition von Postmoderne aufgeworfen. Hal Foster behauptet, dass der Neoexpressionismus eine Komplizenschaft mit der konservativen Kulturpolitik war, die während der Reagan-Bush-Ära in den USA vorherrschte. Félix Guattari weist die „großen Werbeaktionen, die in Deutschland als „Neoexpressionismus“ bezeichnet werden“ (und nennt sie als Beispiel für eine „Modeerscheinung, die sich durch Werbung aufrechterhält“) als ein zu vereinfachendes Mittel für ihn zurück, „um zu zeigen, dass die Postmoderne nichts anderes als der letzte Atemzug der Moderne ist“. Diese Kritik am Neoexpressionismus verdeutlicht, wie finanzielle Unterstützung und Öffentlichkeitsarbeit die Glaubwürdigkeit der zeitgenössischen Kunstwelt in Amerika in einer Zeit erheblich stärkten, in der Konzeptkünstler und die Praktiken von Künstlerinnen, darunter Malerinnen und feministische Theoretikerinnen wie Griselda Pollock, die moderne Kunst systematisch neu bewerteten. Brian Massumi behauptet, dass Deleuze und Guattari den Spielraum für neue Definitionen von Schönheit in der postmodernen Kunst erweitern. Für Jean-François Lyotard dienten die Gemälde von Künstlern wie Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger und Barnett Newman in Anlehnung an die Avantgarde-Ära und die Werke von Paul Cézanne und Wassily Kandinsky als Kanal für neuartige Konzepte des Erhabenen in der zeitgenössischen Kunst.
Institutionskritik
Kritik an Kunstinstitutionen, vor allem Museen und Galerien, steht im Mittelpunkt der Arbeit von Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren und Hans Haacke.
Quellen
Quellen
- Der Triumph der Moderne: Die Kunstwelt, 1985–2005. Von Hilton Kramer. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Bilder des Nichts: Abstrakte Kunst seit Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts). Von Kirk Varnedoe. 2003.
- Kunst der Postmoderne: Von den späten 1960er bis frühen 1990er Jahren. Von Irving Sandler.
- Postmodernismus (Bewegungen in der modernen Kunst). Von Eleanor Heartney.
- Skulptur im Zeitalter des Zweifels. Von Thomas McEvilley. 1999.
Referenzen
- Medien im Zusammenhang mit postmoderner Kunst bei Wikimedia Commons