Prozesskunst ist eine künstlerische Bewegung, bei der das Endprodukt, das Kunstobjekt (Kunstwerk/gefundenes Objekt), nicht im Vordergrund steht; Stattdessen bildet der kreative Prozess selbst einen primären, wenn nicht sogar den überragenden Fokus. Dieser Prozess umfasst Aktivitäten wie Sammlung, Kategorisierung, Anordnung, Korrelation und Musterbildung sowie die Initiierung verschiedener Aktionen und Verfahren. Befürworter der Prozesskunst konzipierten künstlerisches Schaffen als eine kollaborative Auseinandersetzung zwischen Menschen und den inhärenten Ausdrucksqualitäten von Materialien. Diese Bewegung untersucht im Wesentlichen die Manifestation von Kräften auf Materie und behauptet, dass der eigentliche Akt der künstlerischen Produktion als eigenständiges Kunstwerk betrachtet werden kann. Der Künstler Robert Morris charakterisierte diese künstlerische Methodik als „Anti-Form“, was eine Loslösung von jeglicher intrinsischer Beziehung zum resultierenden physischen Objekt bedeutet.
Geschichte und Bewegung
Die Prozesskunst entstand Mitte der 1960er Jahre in den Vereinigten Staaten und Europa und entwickelte sich zu einer kreativen Bewegung in direktem Gegensatz zum Minimalismus. Im Allgemeinen mieden Praktiker der Prozesskunst das Konzept eines einzelnen, vollendeten Artefakts und gaben stattdessen dem inhärenten künstlerischen Prozess den Vorrang. Ein bedeutender Vorläufer war Jackson Pollocks Drip-Painting-Technik, die sich durch den kräftigen Auftrag von Farbe auf eine horizontale Leinwand auszeichnete und dabei den vollen Körpereinsatz des Künstlers nutzte, um die gesamte Oberfläche zu bedecken. Process-Künstler legten bei ihrer Erforschung von Wandel und Vergänglichkeit den Schwerpunkt auf Unbestimmtheit und ließen sich auch von der Performance-Kunst und der Dada-Bewegung inspirieren. Im Jahr 1968 präsentierte Robert Morris eine wegweisende Ausstellung im Guggenheim Museum, begleitet von einem Aufsatz, der die Prinzipien der Prozesskunst erläuterte. Auf der offiziellen Website des Museums heißt es:
Prozesskünstler beschäftigen sich mit Themen im Zusammenhang mit Körperlichkeit, aleatorischen Ereignissen, Improvisation und dem emanzipatorischen Potenzial unkonventioneller Materialien wie Wachs, Filz und Latex. Mithilfe dieser Medien erzeugten sie unkonventionelle Formen in unvorhersehbaren oder asymmetrischen Konfigurationen, die durch Aktionen wie Schneiden, Aufhängen und Fallenlassen oder durch natürliche Phänomene wie Wachstum, Kondensation, Gefrieren oder Zersetzung erreicht wurden.
Die Prozesskunstbewegung weist eine direkte Beziehung zur Umweltkunstbewegung auf. Laut der Website „Kunst und Kultur“:
Prozesskünstler legen Wert auf organische Systeme und verwenden vergängliche, substanzlose und vergängliche Materialien wie Tierkadaver, Dampf, ausgeschmolzenes Fett, Eis, Körner, Sägemehl und Vegetation. Diese Materialien sind häufig natürlichen Kräften ausgesetzt, darunter Schwerkraft, zeitlicher Zerfall, meteorologische Bedingungen und Temperaturschwankungen.
In der Prozesskunst wird, ähnlich der Arte Povera-Bewegung, die Natur selbst als Kunst gefeiert, was häufig zur Ablehnung ihrer bloßen Symbolisierung oder Darstellung führt.
Interdisziplinäre Verbindungen und verwandte Bewegungen
Prozesskunst weist grundlegende Gemeinsamkeiten mit mehreren anderen Bereichen auf, insbesondere mit Ausdruckstherapien und transformativen Künsten. Beide Bereiche betonen, wie das kreative Engagement in künstlerischen Unternehmungen persönliche Einsichten fördern, individuelle Heilung erleichtern und soziale Transformation katalysieren kann, unabhängig vom wahrgenommenen ästhetischen oder Marktwert des resultierenden Artefakts.
Darüber hinaus ist Prozesskunst ein wesentlicher Bestandteil der kunstbasierten Forschung, einer Methodik, die kreative Prozesse und künstlerischen Ausdruck einsetzt, um Themen zu untersuchen, die sich gegenüber herkömmlichen beschreibenden oder darstellenden Untersuchungsmethoden als widersprüchlich erweisen.
Bemerkenswerte Werke
- Expanded Expansion von Eva Hesse besteht aus einem mit Gummi überzogenen Käsetuch, das an Glasfaserstangen hängt. Die unterschiedliche Breite dieser Stangen bei verschiedenen Installationen dient dazu, den inhärenten Prozess des Aufbaus der Installation zu veranschaulichen.
- Untitled (Pink Felt) von Robert Morris zeigt rosa Filzstoffstücke, die in einem Haufen auf dem Boden angeordnet sind. Diese Arbeit bezieht die Schwerkraft als integralen Bestandteil des künstlerischen Prozesses ein und betont so die inhärente Zufälligkeit der Komposition.
- Splash Piece: Casting, von Richard Serra. In seinem frühen Werk wurden Materialien wie Gummi, Neon, Latex, Glasfaser und Blei verwendet. Diese Kompositionen erforschten die inhärente Fließfähigkeit und strukturellen Eigenschaften von Materialien und verwendeten Techniken wie Gießen und Spritzen zur skulpturalen Bildung. Serras nachfolgende Arbeiten entwickelten sich zu monumentalen Installationen, die aus Materialien wie geschmiedetem Stahl und Beton gefertigt wurden, bei denen Form und Maßstab zu primären Medien wurden. Bei
- Contraband von Lynda Benglis wurde Latex aufgetragen, um einen unregelmäßigen, abstrakten Guss direkt auf den Boden zu bilden, der die Umweltverschmutzung symbolisieren sollte.
- Matratze Stück von Gary Kuehn untersuchte die Nutzung der Spannung zwischen verschiedenen Formen als Mittel zur Kritik an der starren, scharfkantigen minimalistischen Ästhetik, die in den 1960er Jahren vorherrschte.
- Accumulated Vision, eine Sammlung von Barry Le Va, zeigt sein künstlerisches Schaffen aus den 1960er-Jahren bis 2005 und umfasst verschiedene Materialien wie Glasscherben, Fleischerbeile, Wollfilz, Kreidepulver, Leinöl, eine Schreibmaschine und eine Pistole.
- Bruce Naumans Videoarbeit Art Make-Up zeigt, wie der Künstler nach und nach verschiedenfarbiges Make-up auf sein Gesicht und seinen Oberkörper aufträgt und so letztendlich die Illusion eines fotografischen Negativs erzeugt. Obwohl dieses Konzept ursprünglich für die gleichzeitige Projektion über vier Wände konzipiert war, wurde es im Originalwerk nicht umgesetzt, sondern später in späteren Projekten untersucht.
- Richard Van Burens Kreation Batambang aus dem Jahr 2010, bestehend aus Thermoplast, Acrylfarbe und Muscheln, untersucht kritisch die Entwicklung und die inhärenten Einschränkungen der Skulptur als Kunstform.
Referenzen
Wheeler, D. (1991). Kunst seit der Mitte des Jahrhunderts: 1945 bis heute.
- Wheeler, D. (1991). Kunst seit der Mitte des Jahrhunderts: 1945 bis heute.
- Morris, R. (1993). Kontinuierliches Projekt, täglich verändert: Die Schriften von Robert Morris.
- Andersen, W. V. (1975). Amerikanische Skulptur im Prozess: 1930-1970. Boston, MA: Little, Brown & Co.
- Krauss, R. E. (Hrsg.). (1986). Richard Serra / Skulptur. New York: Das Museum of Modern Art.
- Rorimer, A. (2004). Neue Kunst in den 60er und 70er Jahren: Die Realität neu definieren. London: Themse & Hudson.