In künstlerischen Kontexten bezeichnet Realismus typischerweise das Bestreben, Themen authentisch darzustellen, ohne Künstlichkeit, Übertreibung oder spekulative oder übernatürliche Komponenten. Obwohl diese Begriffe häufig mit Naturalismus verwechselt werden, sind sie nicht grundsätzlich gleichwertig. Der in der westlichen visuellen Darstellung konzipierte Naturalismus zielt darauf ab, Objekte mit minimaler Verzerrung darzustellen, was untrennbar mit dem Aufkommen der linearen Perspektive und des Illusionismus während der europäischen Renaissance verbunden ist. Umgekehrt bezeichnet der Realismus, obwohl er auf naturalistischer Darstellung und einer Abweichung von der in der früheren akademischen Kunst vorherrschenden Idealisierung basiert, häufig eine eigenständige kunsthistorische Bewegung, die in Frankreich nach der Französischen Revolution von 1848 entstand. Angetrieben von einer erneuten Fokussierung auf die Allgemeinheit und dem Aufkommen linker politischer Ideologien betonte der Realismus, wie ihn Künstler wie Gustave Courbet verkörperten, oft das Gewöhnliche, Unansehnliche oder Schmutzige. Realistische Maler lehnten die Romantik bewusst ab, eine Bewegung, die seit dem späten 18. Jahrhundert in der französischen Literatur und Kunst vorherrschend geworden war.
In der Kunst ist Realismus im Allgemeinen der Versuch, einen Gegenstand wahrheitsgetreu darzustellen, ohne Künstlichkeit, Übertreibung oder spekulative oder übernatürliche Elemente. Der Begriff wird oft synonym mit Naturalismus verwendet, obwohl diese Begriffe nicht unbedingt synonym sind. Der Naturalismus als eine Idee der visuellen Darstellung in der westlichen Kunst strebt danach, Objekte mit der geringstmöglichen Verzerrung darzustellen und ist mit der Entwicklung der linearen Perspektive und des Illusionismus im Europa der Renaissance verbunden. Obwohl der Realismus auf naturalistischer Darstellung und einer Abkehr von der Idealisierung früherer akademischer Kunst basiert, bezieht er sich oft auf eine bestimmte kunsthistorische Bewegung, die in Frankreich nach der Französischen Revolution von 1848 entstand. Da Künstler wie Gustave Courbet aus dem Alltäglichen, Hässlichen oder Schmutzigen Kapital schlugen, wurde der Realismus durch das erneute Interesse am Bürgerlichen und den Aufstieg der linken Politik motiviert. Die realistischen Maler lehnten die Romantik ab, die mit ihren Wurzeln im späten 18. Jahrhundert die französische Literatur und Kunst dominierte.
Im Europa des 19. Jahrhunderts wurde „Naturalismus“ oder die „Naturalistenschule“ bewusst als Bezeichnung für eine bestimmte Unterbewegung innerhalb des Realismus etabliert. Diese Bewegung versuchte mit unterschiedlichem Erfolg, sich von ihrem Grundstil abzugrenzen, indem sie bewusst auf politische und gesellschaftliche Kommentare verzichtete. Es wurde auch häufig eine quasi-wissenschaftliche Untermauerung behauptet, indem die Konnotation von „Naturalist“ als Gelehrter der Naturgeschichte genutzt wurde, was zu dieser Zeit der vorherrschende Begriff für die biologischen Wissenschaften war.
Der Realismus hat auch verschiedene Strömungen in anderen künstlerischen Disziplinen beeinflusst, darunter den Opernstil des Verismo, den literarischen Realismus, den theatralischen Realismus und das italienische neorealistische Kino.
Bildende Kunst
Als Adjektiv bezieht sich „realistisch“ typischerweise auf visuelle Wahrhaftigkeit und unterscheidet es von „realistischer“ Kunst, die sich in erster Linie mit Themen befasst. Analog kann „illusionistisch“ die genaue Darstellung visueller Erscheinungen innerhalb einer künstlerischen Komposition beschreiben. In der Malerei bedeutet Naturalismus die genaue, sorgfältige und originalgetreue künstlerische Darstellung von Szenen und Objekten. Dieser Ansatz wird auch Mimesis oder Illusionismus genannt und erlangte im 15. Jahrhundert in der europäischen Malerei besondere Bedeutung, insbesondere in den frühniederländischen Werken von Künstlern wie Robert Campin und Jan van Eyck. Im Gegensatz dazu waren die Maler des Realismus des 19. Jahrhunderts, darunter Gustave Courbet, nicht vor allem für ihre absolute Präzision und sorgfältige Wiedergabe visueller Erscheinungen bekannt. Zu Courbets Zeiten war eine solche detaillierte Darstellung eher charakteristisch für die akademische Malerei, die häufig mit viel Geschick und Sorgfalt erfundene, künstliche oder imaginäre historische Szenen darstellte.
Widerstand gegen Idealisierung
Der Realismus oder Naturalismus als künstlerischer Stil stellt Themen auf unidealisierte Weise dar und kann auf jedes Thema angewendet werden, nicht nur auf das Typische oder Alltägliche. Trotz des allgegenwärtigen Idealismus in der klassischen Kunst fand dieser Ansatz klassische Vorläufer, die sich bei der Befürwortung solcher Darstellungen in der Renaissance und im Barock als vorteilhaft erwiesen. Demetrius von Alopece, ein Bildhauer aus dem 4. Jahrhundert v. Chr., dessen Werke heute verschollen sind, war Berichten zufolge dafür bekannt, dass er dem Realismus Vorrang vor idealisierter Schönheit einräumte. In ähnlicher Weise bevorzugten Politiker während der Antiken Römischen Republik veristische Darstellungen in ihren Porträts, obwohl spätere Kaiser sich dem griechischen Idealismus zuwandten. Goyas Porträts der spanischen Königsfamilie veranschaulichen eine ehrliche, ungeschminkte Darstellung prominenter Persönlichkeiten.
Ein anhaltendes Thema in der christlichen Kunst war eine Form des „Realismus“, der den menschlichen Aspekt religiöser Figuren, insbesondere Christus und sein körperliches Leiden während der Passion, hervorhob. Diese künstlerische Entwicklung begann im Spätmittelalter, beeinflusst von zeitgenössischer Andachtsliteratur. In dieser Zeit stellten bestimmte bemalte Holzskulpturen, die vor allem in Deutschland und Mitteleuropa verbreitet waren, Christus mit fast grotesker Intensität dar, bedeckt mit Wunden und Blut. Ziel war es, die Zuschauer dazu anzuregen, über das tiefe Leid nachzudenken, das Christus erlitten hat. Während dieser Trend während der Renaissance nachließ, tauchten im Barock wieder analoge Werke auf, insbesondere in der spanischen Bildhauerei.
Renaissance-Theoretiker initiierten einen jahrhundertelangen Diskurs über das angemessene Gleichgewicht zwischen künstlerischer Darstellung, die auf natürlichen Beobachtungen basiert, und solchen, die auf idealisierten Formen basieren. Diese idealisierten Formen entstanden typischerweise aus klassischen Prototypen oder den Kreationen anderer Künstler. Während einige die Bedeutung des Naturalismus anerkannten, plädierten viele dafür, die Natur in unterschiedlichem Ausmaß zu idealisieren und dabei nur ästhetisch ansprechende Elemente einzubeziehen. Leonardo da Vinci beispielsweise setzte sich für die sorgfältige Erforschung der Natur ein und zielte darauf ab, das gesamte Spektrum individueller Variationen menschlicher Figuren und anderer Motive darzustellen. Umgekehrt trat Leon Battista Alberti als früher Vertreter der Idealisierung hervor und betonte typische Formen. Andere Persönlichkeiten wie Michelangelo unterstützten die Auswahl der schönsten Aspekte und lehnten es insbesondere aus diesem Grund ab, Porträts zu malen.
Die Debatte hielt bis ins 17. Jahrhundert an, insbesondere in Italien, wo sie sich häufig um die Dichotomie zwischen dem „klassischen Idealismus“ der Carracci und dem „naturalistischen“ Ansatz der Caravaggisten drehte. Letztere, Anhänger Caravaggios, stellten religiöse Erzählungen so dar, als ob sie in den alltäglichen Seitenstraßen zeitgenössischer italienischer Städte angesiedelt wären, und identifizierten sich selbst mit dem Begriff „Naturforscher“. Jahrzehnte nach Caravaggios vorzeitigem Ableben bezog sich Bellori, ein Kritiker, der Caravaggios Stil nicht mochte, auf „diejenigen, die sich im Namen der Naturforscher rühmen“ (naturalisti).
Im 19. Jahrhundert entwickelte sich der Naturalismus zu einer weit gefassten künstlerischen Bewegung in ganz Europa, die sich vom Realismus durch das Fehlen expliziter politischer Motivationen unterschied. Der französische Kunstkritiker Jules-Antoine Castagnary prägte den Begriff und erklärte 1863: „Die naturalistische Schule erklärt, dass Kunst der Ausdruck des Lebens in allen Phasen und auf allen Ebenen ist und dass ihr einziges Ziel darin besteht, die Natur zu reproduzieren, indem sie sie zu ihrer maximalen Kraft und Intensität bringt: Sie ist Wahrheit im Gleichgewicht mit Wissenschaft.“ Später übernahm Émile Zola diesen Begriff und legte im Roman einen vergleichbaren wissenschaftlichen Schwerpunkt auf seine literarischen Ziele. Während sich viele naturalistische Gemälde mit Themen befassten, die denen des Impressionismus ähnelten, verwendeten sie in der Regel eingeschränktere und konventionellere Pinseltechniken.
Mehrere Jahrzehnte lang wurde der Begriff „Naturalist“ „weiterhin wahllos für verschiedene Arten des Realismus verwendet“ und diente häufig als allgemeine Beschreibung für Kunst, die vom Impressionismus, späteren modernistischen Bewegungen und akademischer Kunst abwich. Bewegungen wie die späteren Phasen der französischen Schule von Barbizon, die Düsseldorfer Malerschule (die internationale Studenten anzog) und der amerikanische Regionalismus des 20. Jahrhunderts werden oft als „naturalistisch“ kategorisiert, obwohl diese Bezeichnung selten auf die britische Malerei angewendet wird. In jüngerer Zeit haben einige Kunsthistoriker die Bezeichnung „Naturalist“ entweder Courbet oder den Impressionisten zugeschrieben.
Illusionismus
Die Entwicklung zunehmend präziser künstlerischer Darstellungen visueller Phänomene hat eine lange Geschichte. Dieser Fortschritt umfasst Elemente wie die genaue Darstellung der menschlichen und tierischen Anatomie, die Anwendung von Perspektiven- und Distanzeffekten sowie die sorgfältige Wiedergabe von Licht und Farbe. Die europäische Kunst des Jungpaläolithikums brachte beispielsweise bemerkenswert lebensechte Tierdarstellungen hervor. Im Gegensatz dazu etablierte die altägyptische Kunst Konventionen, die sowohl Stilisierung als auch Idealisierung beinhalteten. Die antike griechische Kunst ist weithin für ihre bedeutenden Fortschritte in der anatomischen Darstellung bekannt. Obwohl keine originalen Tafel- oder Wandgemälde bedeutender griechischer Künstler erhalten geblieben sind, deuten literarische Aufzeichnungen und die erhaltenen abgeleiteten Werke (hauptsächlich griechisch-römische Mosaike) darauf hin, dass der Illusionismus in ihrer Malerei einen hohen Stellenwert hatte. Die berühmte Anekdote von Plinius dem Älteren aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., in der von Zeuxis gemalte Vögel beschrieben werden, die versuchen, Weintrauben zu picken, ist wahrscheinlich apokryphisch.
Römische Gemälde beweisen über Präzision in Form, Licht und Farbe hinaus ein intuitives, aber effektives Verständnis dafür, entfernte Objekte kleiner als nahegelegene darzustellen und regelmäßige geometrische Formen wie Zimmerdächer und Wände perspektivisch darzustellen. Dieser Fortschritt in der Illusionstechnik bedeutete jedoch keine Abkehr vom Idealismus. Statuen griechischer Götter und Helden zielten darauf ab, idealisierte und schöne Formen genau darzustellen, obwohl bestimmte Werke, wie die Köpfe des notorisch unattraktiven Sokrates, von diesen ästhetischen Idealen abweichen durften. Die römische Porträtmalerei zeigte, insbesondere wenn sie weniger von der griechischen Ästhetik beeinflusst war, eine stärkere Hingabe an die wahrheitsgetreue Darstellung ihrer Motive, eine Praxis, die als Verismus bekannt ist.
Die Kunst der Spätantike gab insbesondere den Illusionismus zugunsten der Ausdruckskraft auf, ein Wandel, der bereits erheblich fortgeschritten war, als das Christentum begann, die künstlerischen Praktiken der Elite zu beeinflussen. In der westlichen Kunst wurden die klassischen Maßstäbe des Illusionismus erst im Spätmittelalter und in der frühen Renaissance wieder erreicht. Dieses Wiederaufleben wurde zunächst in den Niederlanden im frühen 15. Jahrhundert und später in Italien um die 1470er Jahre durch die Innovation der Ölmaltechniken erleichtert. Diese Methoden ermöglichten die Schaffung äußerst subtiler und präziser Lichteffekte durch das Auftragen mehrerer Farb- und Glasurschichten. Gleichzeitig entstanden im frühen 15. Jahrhundert in Italien wissenschaftliche Ansätze zur perspektivischen Darstellung, die sich nach und nach in ganz Europa verbreiteten. Auch die anatomische Genauigkeit wurde wiederentdeckt, weitgehend beeinflusst von klassischen künstlerischen Prinzipien. Der Idealismus, der die klassischen Traditionen widerspiegelte, blieb als vorherrschender künstlerischer Standard bestehen.
Die präzise Darstellung von Landschaften in der Malerei entwickelte sich durch die Kunst der frühen niederländischen/frühnördlichen Renaissance und der italienischen Renaissance und erreichte in der niederländischen Malerei des Goldenen Zeitalters des 17. Jahrhunderts einen anspruchsvollen Höhepunkt. In dieser Zeit wurden äußerst differenzierte Techniken zur Darstellung verschiedener Wetterbedingungen und unterschiedlicher Intensitäten des natürlichen Lichts entwickelt. Die europäische Porträtmalerei um 1600, auch beeinflusst von der frühniederländischen Malerei, idealisierte häufig Motive durch Verfeinerung der Gesichtszüge oder stilisierte Posen. Stilllebenkompositionen trugen sowohl als eigenständige Werke als auch als Elemente in größeren Werken wesentlich zur Weiterentwicklung der illusionistischen Malerei bei. Allerdings weichen diese Werke innerhalb der niederländischen Tradition der Blumenmalerei oft vom strengen „Realismus“ ab. Dies zeigte sich in der gängigen Praxis, Blumen aus verschiedenen Jahreszeiten zu kombinieren, sei es aufgrund von Kompositionsmethoden, die auf individuellen Studien basierten, oder als bewusste künstlerische Konvention. Darüber hinaus war die dargestellte aufwändige Präsentation von Blumensträußen in Vasen nicht typisch für die Bräuche des 17. Jahrhunderts, bei denen Blumen typischerweise einzeln präsentiert wurden.
Darstellung alltäglicher Themen
Die Darstellung alltäglicher, alltäglicher Themen in der Kunst hat eine lange historische Geschichte, obwohl solche Darstellungen häufig an den Rand von Kompositionen verbannt oder in verkleinertem Maßstab wiedergegeben wurden. Diese Praxis resultierte zum Teil aus den hohen Kosten der Kunst und ihrer typischen Auftragsvergabe für bestimmte religiöse, politische oder persönliche Ziele, die folglich die Zuweisung von Raum oder künstlerischen Bemühungen auf diese gewöhnlichen Szenen beschränkten. In mittelalterlichen illuminierten Manuskripten finden sich in marginalen Skurrilitäten gelegentlich Miniaturszenen des Alltagslebens, während die Entwicklung der Perspektive weitreichende Hintergrundelemente in zahlreiche Außenbereiche einführte. Üblicherweise wurden in der Kunst des Mittelalters und der Frührenaissance nicht-heilige Figuren in zeitgenössischer Kleidung dargestellt.
Die frühniederländische Malerei erweiterte die Porträtmalerei auf niedrigere soziale Schichten und umfasste wohlhabende flämische Kaufleute. Mehrere Beispiele, insbesondere Jan van Eycks Arnolfini-Porträt (1434) und häufiger religiöse Werke wie der Merode-Altar von Robert Campin und seiner Werkstatt (um 1427), zeigen akribisch detaillierte Darstellungen bürgerlicher Innenräume voller sorgfältig wiedergegebener Objekte. Dennoch dienten diese Objekte in erster Linie dazu, komplizierte Schichten von Bedeutung und Symbolik zu vermitteln, wodurch jede inhärente Verpflichtung zum Realismus als Selbstzweck geschwächt wurde. Spätmittelalterliche künstlerische Zyklen, die die Arbeit der Monate darstellen und von denen zahlreiche Beispiele in Stundenbüchern überliefert sind, konzentrieren sich auf Bauern, die saisonale Aufgaben verrichten, häufig vor kunstvollen Landschaftskulissen. Diese Zyklen trugen maßgeblich dazu bei, sowohl die Landschaftskunst als auch die Darstellung gewöhnlicher Arbeiterklasse-Individuen voranzutreiben.
Im 16. Jahrhundert bestand ein vorherrschender künstlerischer Trend darin, großformatige Gemälde zu schaffen, die Menschen bei der Arbeit verrichteten, insbesondere auf Lebensmittelmärkten und in Küchen. In zahlreichen Fällen erhielten die Lebensmittel eine vergleichbare visuelle Betonung wie die Arbeiter selbst. Zu den bemerkenswerten Künstlern dieser Zeit gehörten Pieter Aertsen und sein Neffe Joachim Beuckelaer in den Niederlanden, die einen überwiegend manieristischen Stil verwendeten. Gleichzeitig nahm in Italien in den 1580er Jahren der aufkommende Annibale Carracci eine unraffinierte Ästhetik an, während Bartolomeo Passerottis Werk eine Zwischenstellung einnahm. Pieter Bruegel der Ältere war maßgeblich an der Erstellung großer, panoramaartiger Darstellungen des bäuerlichen Lebens beteiligt. Diese frühen Darstellungen dienten als Vorläufer der weit verbreiteten Popularität der Genremalerei mit Arbeitsthemen im gesamten Europa des 17. Jahrhunderts. Insbesondere das Goldene Zeitalter der Niederlande brachte mehrere unterschiedliche Subgenres hervor, darunter die Bamboccianti in Italien (obwohl sie hauptsächlich aus Künstlern aus den Niederlanden bestanden) und das Bodegones-Genre in Spanien. In dieser Zeit wurden auch unidealisierte Bauernfiguren in historische Gemälde von Künstlern wie Jusepe de Ribera und Velázquez integriert. In Frankreich stellten die Brüder Le Nain neben zahlreichen flämischen Künstlern, darunter Adriaen Brouwer und David Teniers der Ältere und Jüngere, häufig Bauern dar, Stadtbewohner waren jedoch weniger häufige Motive. Im 18. Jahrhundert erfreuten sich kleinformatige Gemälde arbeitender Menschen weiterhin großer Beliebtheit. Sie ließen sich überwiegend von niederländischen Kunsttraditionen inspirieren und zeigten oft weibliche Motive.
Ein bedeutender Teil der Kunst, die gewöhnliche Menschen darstellte, insbesondere im Druckformat, vermittelte oft komische oder moralistische Themen. Allerdings bildete die Armut der Untertanen selbst selten ein zentrales Element der moralischen Botschaft. Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts verdeutlichten künstlerische Darstellungen zunehmend die Nöte der Mittellosen. Ungeachtet dieser Entwicklung, die mit einer umfassenden Land-Stadt-Wanderung in weiten Teilen Europas zusammenfiel, stellten Künstler weiterhin weitgehend verarmte Landbevölkerungen dar. Umgekehrt gewannen geschäftige urbane Straßenlandschaften bei Impressionisten und verwandten Malern an Beliebtheit, wobei Pariser Szenen besonders hervorzuheben waren.
Mittelalterliche Buchmaler erhielten häufig Aufträge zur Darstellung technischer Themen. Nach der Renaissance blieben solche Bilder in Buchillustrationen und Drucken bestehen, mit Ausnahme der Marinemalerei, die bis zum Aufkommen der frühen Industriellen Revolution weitgehend aus der bildenden Kunst zurücktrat. Während der frühen Industriellen Revolution malten eine begrenzte Anzahl von Künstlern, darunter Joseph Wright of Derby und Philip James de Loutherbourg, Szenen aus dieser Transformationsperiode. Diese industriellen Motive hatten wahrscheinlich nur begrenzten kommerziellen Erfolg, was sich daran zeigt, dass bis zum Ende des 19. Jahrhunderts, abgesehen von gelegentlichen Eisenbahnszenen, auffallend wenige industrielle Darstellungen in der Malerei auftraten. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kam es immer häufiger zu Aufträgen für Industriekunst, die oft von Industriellen oder für Institutionen in Industriestädten initiiert wurden. Diese Werke waren häufig großformatig und gelegentlich von einer quasi-heroischen Qualität geprägt.
Der amerikanische Realismus, eine künstlerische Bewegung des frühen 20. Jahrhunderts, stellt eine von zahlreichen modernen Strömungen dar, die diese besondere Interpretation des Realismus übernahmen.
Die realistische Bewegung
Die Mitte des 19. Jahrhunderts entstandene realistische Bewegung entwickelte sich als Gegenreaktion sowohl zur Romantik als auch zur Historienmalerei. Realistische Maler setzten sich für die Darstellung des „wirklichen“ Lebens ein und wählten einfache Arbeiter und gewöhnliche Menschen, die in ihrer typischen Umgebung alltägliche Aktivitäten verrichteten, als Hauptmotive für ihre Kunstwerke. Zu den prominenten Persönlichkeiten dieser Bewegung gehörten Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier und Jean-Baptiste-Camille Corot. Ross Finocchio, früher Mitarbeiter der Abteilung für europäische Malerei am Metropolitan Museum of Art, stellt fest, dass Realisten ungeschönte Details verwendeten, um die Realitäten des zeitgenössischen Alltagslebens darzustellen, eine Praxis, die der naturalistischen Literaturbewegung entsprach, die von Émile Zola, Honoré de Balzac und Gustave Flaubert verkörpert wurde.
Die französische realistische Bewegung fand analoge Entwicklungen, wenn auch etwas später, in anderen westlichen Ländern. Bemerkenswert ist, dass in Russland die Peredwischniki, auch bekannt als die Wanderer-Gruppe, die in den 1860er Jahren gegründet wurde und ab 1871 Ausstellungen organisierte, zahlreiche realistische Künstler wie Ilja Repin, Wassili Perow und Iwan Schischkin umfassten und die russische Kunst maßgeblich beeinflussten. In Großbritannien erlangten Künstler wie Hubert von Herkomer und Luke Fildes große Anerkennung für ihre realistischen Gemälde, die sich mit sozialen Belangen befassten.
Literatur
Als literarische Bewegung basiert der Realismus im Wesentlichen auf dem Konzept der „objektiven Realität“, das oft allgemein als „die getreue Darstellung der Realität“ charakterisiert wird. Es ist bestrebt, alltägliche Aktivitäten und das Leben vor allem der Mittel- und Unterschicht darzustellen, ohne romantische Idealisierung oder dramatische Ausschmückung. Laut Kornelije Kvas „bilden die realistische Darstellung und Neugestaltung der Realität logische Konstrukte, die unserer üblichen Vorstellung von der Realität ähneln, ohne das Prinzip von drei Arten von Gesetzen zu verletzen – denen der Naturwissenschaften, der Psychologie und der Gesellschaft.“ Dieser Ansatz kann als allgemeines Bestreben verstanden werden, Subjekte so darzustellen, wie sie in einer objektiven Realität einer dritten Person vermutet werden, ohne Ausschmückung oder subjektive Interpretation und „im Einklang mit säkularen, empirischen Regeln“. Folglich impliziert diese Methodik von Natur aus die Überzeugung, dass eine solche Realität ontologisch unabhängig von menschlichen konzeptuellen Rahmenbedingungen, sprachlichen Praktiken und Überzeugungen ist und somit dem Künstler für eine getreue Darstellung zugänglich ist. Ian Watt geht davon aus, dass der moderne Realismus „von der Position ausgeht, dass die Wahrheit vom Individuum durch die Sinne entdeckt werden kann“, wobei er seine Ursprünge auf Descartes und Locke zurückführt und „seine erste vollständige Formulierung von Thomas Reid Mitte des 18. Jahrhunderts erhielt“.
Während die vorangegangene Romantik auch als Reaktion auf die Werte der Industriellen Revolution entstand, entwickelte sich der Realismus wiederum als Gegenbewegung zur Romantik, was zu seiner häufig abwertenden Bezeichnung als „traditioneller bürgerlicher Realismus“ führte. Bestimmte viktorianische Literaten schufen Werke, die sich an realistischen Prinzipien orientierten. Die Starrheiten, Konventionen und inhärenten Beschränkungen des „bürgerlichen Realismus“ provozierten anschließend die Revolte, die später als Modernismus bezeichnet wurde. Ab etwa 1900 war der Hauptimpuls der modernistischen Literatur eine Kritik der bürgerlichen Gesellschaftsordnung und Weltanschauung des 19. Jahrhunderts, die durch eine antirationalistische, antirealistische und antibürgerliche Agenda in Frage gestellt wurde.
Theater
Es wird allgemein angenommen, dass sich der Theaterrealismus erstmals im europäischen Drama des 19. Jahrhunderts manifestierte und als Nebenprodukt der industriellen Revolution und des wissenschaftlichen Zeitalters entstand. Einige Gelehrte bezeichnen die Erfindung der Fotografie ausdrücklich als grundlegendes Element des realistischen Theaters, während andere behaupten, dass die Verbindung zwischen Realismus und Drama wesentlich älter ist, was durch dramatische Prinzipien wie die Darstellung einer physischen Welt, die die Realität genau widerspiegelt, belegt wird.
Die bedeutende Errungenschaft des Realismus im Theater war seine Fähigkeit, den Fokus auf die sozialen und psychologischen Herausforderungen zu richten, die dem Alltagsleben innewohnen. In diesen Dramen werden die Charaktere oft als Opfer von Kräften dargestellt, die größer sind als sie selbst, als Individuen, die einer sich schnell beschleunigenden Welt gegenüberstehen. Wegweisende Dramatiker dieser Bewegung stellten ihre Charaktere als gewöhnlich, oft machtlos und unfähig dar, ihre missliche Lage zu lösen. Dieser künstlerische Stil zielt darauf ab, die Realität so darzustellen, wie sie vom menschlichen Auge wahrgenommen wird. Anton Tschechow beispielsweise nutzte Techniken, die der „Kameraarbeit“ ähneln, um ein unflektiertes „Stück Leben“ zu präsentieren. Gelehrte wie Thomas Postlewait haben im gesamten 19. und 20. Jahrhundert eine allgegenwärtige Vermischung melodramatischer und realistischer Formen und Funktionen beobachtet, die durch das Vorhandensein melodramatischer Elemente in realistischen Strukturen und umgekehrt nachgewiesen werden kann.
In den Vereinigten Staaten war der dramatische Realismus etwa zwei Jahrzehnte älter als der fiktionale Realismus, wobei Theaterhistoriker seinen ersten Aufschwung in den späten 1870er und frühen 1880er Jahren identifizierten. Seine Entwicklung wird auch William Dean Howells und Henry James zugeschrieben, die als prominente Verfechter des Realismus und Artikulatoren seiner ästhetischen Prinzipien fungierten.
Nach dem Zweiten Weltkrieg konvergierte die realistische Herangehensweise an das Theater schließlich mit dem Nihilismus und dem Absurden.
Kino
Der italienische Neorealismus war eine filmische Bewegung, die Elemente des Realismus einbezog und sich im Italien nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelte. Zu den herausragenden Persönlichkeiten des Neorealismus gehörten Vittorio De Sica, Luchino Visconti und Roberto Rossellini. Typischerweise befasst sich das realistische Kino mit gesellschaftlichen Belangen. Der filmische Realismus wird grob in zwei Formen eingeteilt: nahtloser Realismus und ästhetischer Realismus. Der nahtlose Realismus nutzt narrative Strukturen und filmische Techniken, um einen „Realitätseffekt“ zu erzeugen und so seine wahrgenommene Authentizität zu bewahren. Umgekehrt geht der ästhetische Realismus, der ursprünglich in den 1930er Jahren von französischen Filmemachern vertreten und später in den 1950er Jahren von Andre Bazin vertreten wurde, davon aus, dass „ein Film nicht auf die Bedeutung festgelegt werden kann, die er zeigt“, und erkennt die Existenz verschiedener Realismen an. Folglich nutzen Praktiker des ästhetischen Realismus Dreharbeiten vor Ort, natürliches Licht und Laienschauspieler, um den Zuschauern die Möglichkeit zu geben, ihre eigenen Interpretationen zu formulieren, anstatt sich auf eine „bevorzugte Lektüre“ einzulassen. Auch Siegfried Kracauer betonte prominent, dass der Realismus die wichtigste Funktion der Filmkunst darstellt.
Filmemacher, die sich des ästhetischen Realismus bedienen, nutzen lange Aufnahmen, tiefe Fokussierung und 90-Grad-Perspektiven auf Augenhöhe, um die Manipulation der Wahrnehmung des Betrachters zu minimieren. Italienische neorealistische Filmemacher, die nach dem Zweiten Weltkrieg aktiv waren, übernahmen bestehende realistische Filmansätze aus Frankreich und Italien, um ein politisch orientiertes Kino zu schaffen. In den 1960er Jahren produzierten französische Filmemacher politisch orientierte realistische Werke, beispielhaft dargestellt durch Jean Rouchs Cinéma Vérité und Dokumentarfilme. Gleichzeitig brachten in den 1950er und 1960er Jahren die britischen, französischen und deutschen New-Wave-Bewegungen im Filmschaffen „Slice-of-Life“-Produktionen hervor, darunter die im Vereinigten Königreich vorherrschenden Kitchen-Sink-Dramen.
Oper
Verismo stellte eine postromantische Operntradition dar, die hauptsächlich mit italienischen Komponisten verbunden war, darunter Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea und Giacomo Puccini. Diese Komponisten waren bestrebt, den für einflussreiche Autoren des späten 19. Jahrhunderts wie Émile Zola, Gustave Flaubert und Henrik Ibsen charakteristischen Naturalismus in die Opernform zu integrieren. Dieser aufkommende Stil stellte lebensnahe Dramen dar, in denen häufig düstere und fehlerhafte Protagonisten der Unterschicht vorkamen, obwohl einige Interpretationen ihn als eine intensivere Darstellung realistischer Ereignisse charakterisieren. Während einige historische Berichte Giuseppe Verdis Luisa Miller und La traviata als frühe Vorläufer des Verismo bezeichnen, behaupten andere, dass die Bewegung 1890 mit der Uraufführung von Mascagnis Cavalleria Rusticana begann und Anfang des 20. Jahrhunderts ihren Höhepunkt erreichte. Anschließend folgte Leoncavallos Pagliacci, eine Oper, die sich mit Themen wie Untreue, Rache und Gewalt beschäftigt.
Verismos Einfluss erstreckte sich bis nach Großbritannien, wo zu seinen frühen Befürwortern die Theaterzusammenarbeit zwischen dem Dramatiker W. S. Gilbert und dem Komponisten Arthur Sullivan (1842–1900) im viktorianischen Zeitalter gehörte. Insbesondere ihr Werk Iolanthe gilt als realistische Darstellung des Adels, obwohl es fantastische Elemente enthält.
Notizen
Notizen
Referenzen
- Blunt, Anthony. Künstlerische Theorie in Italien, 1450–1600. 1940 (Verweise auf die Ausgabe von 1985). OUP. ISBN 0-19-881050-4.
- Morris, Pam (2003). Realismus. London: Routledge. ISBN 978-0-415-22938-8.
- Raben, Hans. „Belloris Kunst: Der Geschmack und die Abneigung eines Kunstkritikers des 17. Jahrhunderts in Rom.“ Simiolus: Niederländisches Vierteljahr für Kunstgeschichte, Bd. 32, Nr. 2/3 (2006), S. 126–46. Stichting voor Nederlandse Kunsthistorische Publicaties.
- Watt, Ian (1957). Der Aufstieg des Romans: Studien zu Defoe, Richardson und Fielding. Berkeley: University of California Press.West, Shearer (1996). The Bullfinch Guide to Art. Vereinigtes Königreich: Bloomsbury Publishing Plc. ISBN 978-0-8212-2137-2.Buchanan, William (1982). Die realistische Tradition. In Cencrastus Nr. 8 (Frühjahr 1982), S. 17–20. ISSN 0264-0856.
- Buchanan, William (1982), The Realist Tradition, in Cencrastus Nr. 8, Frühjahr 1982, S. 17–20, ISSN 0264-0856
- Dahlhaus, Carl (1985). Realismus in der Musik des 19. Jahrhunderts. Übersetzt von Mary Whittall. Cambridge, London, New York, New Rochelle, Melbourne, Sydney: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-26115-9.Dahlhaus, Carl (1989). Nineteenth-Century Music. Übersetzt von J. Bradford Robinson. Berkeley, Los Angeles und London: University of California Press. ISBN 978-0-520-07644-0.Frisch, Walter (2005). Deutsche Moderne: Musik und Kunst. Berkeley, Los Angeles und London: University of California Press. ISBN 978-0-520-25148-9.
- Artikel über den amerikanischen literarischen Realismus auf der Website von Literary Movements
- Kunstbegriff: Realismus bei tate.org.uk