El modernismo, un influyente movimiento de principios del siglo XX, abarcó la literatura, las artes visuales, las artes escénicas y la música, priorizando la experimentación, la abstracción y la experiencia subjetiva. Su alcance se extendió a la filosofía, la política, la arquitectura y diversas cuestiones sociales. Un principio central del modernismo fue una percepción de "creciente alienación" de la "moralidad, el optimismo y las convenciones" establecidas, junto con una aspiración a transformar las interacciones sociales y la vida comunitaria.
Elmodernismo fue un movimiento de principios del siglo XX en la literatura, las artes visuales, las artes escénicas y la música que enfatizaba la experimentación, la abstracción y la experiencia subjetiva. La filosofía, la política, la arquitectura y las cuestiones sociales fueron todos aspectos de este movimiento. El modernismo se centró en creencias en una "creciente alienación" de la "moralidad, el optimismo y las convenciones" prevalecientes y un deseo de cambiar la forma en que "los seres humanos en una sociedad interactúan y viven juntos".
Con origen a finales del siglo XIX, el movimiento modernista surgió como una reacción a profundas transformaciones dentro de la cultura occidental, en particular la secularización y el impacto cada vez mayor de los avances científicos. Se define por un repudio deliberado de las normas tradicionales y una búsqueda de nuevas formas de articulación cultural. El desarrollo del modernismo estuvo determinado por una amplia innovación tecnológica, la industrialización, la urbanización y los importantes trastornos culturales y geopolíticos que siguieron a la Primera Guerra Mundial. Los movimientos y técnicas artísticos clave vinculados al modernismo incluyen el arte abstracto, la corriente de conciencia en la literatura, el montaje cinematográfico, la atonalidad musical y las técnicas dodecafónicas, la danza moderna, la arquitectura modernista y la planificación urbana.
El modernismo adoptó una perspectiva crítica sobre el énfasis de la Ilustración en el racionalismo. Además, el movimiento rechazó la noción de originalidad absoluta, específicamente el concepto de "Creatio ex nihilo" (creación de la nada) del siglo XIX defendido tanto por el realismo como por el romanticismo. En cambio, el modernismo adoptó técnicas como el collage, la repetición, la incorporación, la reescritura, la recapitulación, la revisión y la parodia. Una característica distintiva del Modernismo fue su reflexividad sobre las convenciones artísticas y sociales, fomentando la experimentación que subrayó tanto la construcción de obras de arte como sus materiales constitutivos. La cronología precisa del modernismo sigue siendo un tema de debate académico, y algunos académicos postulan su evolución hacia el modernismo tardío o el alto modernismo. Por el contrario, el posmodernismo desafía fundamentalmente numerosos principios modernistas.
Descripción general y definición
El modernismo constituyó un movimiento cultural que influyó tanto en las artes como en el Zeitgeist más amplio. Con frecuencia se caracteriza como un marco de pensamiento y conducta que se distingue por la autoconciencia o la autorreferencia, particularmente prominente dentro de la vanguardia en diversos campos artísticos y académicos. Especialmente en contextos occidentales, a menudo se lo ve como un movimiento socialmente progresista que afirma la capacidad de la humanidad para crear, mejorar y reconfigurar su entorno a través de la experimentación práctica, la comprensión científica o la aplicación tecnológica. Desde este punto de vista, el Modernismo aboga por una reevaluación integral de todas las facetas de la existencia. Los modernistas examinan críticamente los temas para identificar los impedimentos percibidos para el progreso y posteriormente proponen metodologías alternativas para lograr los resultados deseados.
El historiador Roger Griffin define el modernismo como un amplio esfuerzo cultural, social o político respaldado por el espíritu de "la temporalidad de lo nuevo". Griffin postuló que el modernismo buscaba restablecer un "sentido de orden y propósito sublime en el mundo contemporáneo", mitigando así la "erosión percibida de un 'nomos' general o 'dosel sagrado'", causada por las fuerzas fragmentadoras y secularizadoras de la modernidad. En consecuencia, fenómenos aparentemente dispares (entre ellos "el expresionismo, el futurismo, el vitalismo, la teosofía, el psicoanálisis, el nudismo, la eugenesia, la planificación urbana y la arquitectura utópicas, la danza moderna, el bolchevismo, el nacionalismo orgánico) e incluso el culto al autosacrificio que sustentó la hecatombe de la Primera Guerra Mundial" revelan un origen compartido y un marco psicológico en su oposición a la "decadencia percibida". Estas diversas manifestaciones representan colectivamente intentos de lograr una "experiencia suprapersonal de la realidad", a través de la cual los individuos creían que podían trascender su mortalidad y, en última instancia, pasar de ser sujetos de la historia a sus creadores activos.
La religión también experimentó el impacto de los avances científicos, filosóficos y políticos emergentes durante finales del siglo XIX y principios del XX, que culminaron con el surgimiento del modernismo católico. T. S. Eliot, por ejemplo, estuvo notablemente influenciado por el modernismo católico.
En 1911, escribiendo para la Enciclopedia Católica, el jesuita Arthur Vermeersch proporcionó una definición de modernismo desde el punto de vista de la heresiología católica contemporánea:
El modernismo generalmente busca una transformación fundamental del pensamiento humano con respecto a la divinidad, la humanidad, el mundo y la existencia, tanto temporal como eterna. Este cambio intelectual fue iniciado por el humanismo y la filosofía del siglo XVIII, y declarado formalmente durante la Revolución Francesa.
Esta sección explora las interconexiones entre el modernismo, el romanticismo, la filosofía y el simbolismo.
El modernismo literario se resume con frecuencia en la frase de W. B. Yeats de "La Segunda Venida": "Las cosas se desmoronan; el centro no puede sostenerse". Si bien los modernistas frecuentemente buscaron un "centro" metafísico, invariablemente encontraron su desintegración. Por el contrario, el posmodernismo abraza este colapso, revelando las limitaciones inherentes de las construcciones metafísicas, ejemplificadas por los esfuerzos de Jacques Derrida por deconstruir tales afirmaciones.
Desde una perspectiva filosófica, el declive de la metafísica puede atribuirse al filósofo escocés David Hume (1711-1776). Hume sostuvo que la percepción directa de un evento que causa otro es imposible. Afirmó además que el yo sólo es aprehendido como sujeto, nunca como objeto, oscureciendo así nuestra esencia fundamental. En consecuencia, si el conocimiento se deriva únicamente de experiencias sensoriales (como la visión, el tacto y la emoción), entonces tanto el conocimiento mismo como las afirmaciones metafísicas se vuelven inalcanzables.
En consecuencia, el modernismo puede verse impulsado emocionalmente por un anhelo de verdades metafísicas, incluso reconociendo su inherente inalcanzabilidad. Por ejemplo, ciertas novelas modernistas presentan personajes, como Marlow en El corazón de las tinieblas o Nick Carraway en El gran Gatsby, que perciben verdades profundas sobre la naturaleza o el carácter humano. Sin embargo, estas narrativas a menudo tratan tales percepciones de manera irónica y, en cambio, brindan explicaciones más prosaicas. De manera análoga, numerosos poemas de Wallace Stevens exploran la lucha por determinar el significado de la naturaleza, que generalmente se manifiesta de dos formas: aquellos en los que el hablante inicialmente niega el significado de la naturaleza, solo para que su presencia se afirme en la conclusión del poema; y aquellos en los que el hablante plantea un significado en la naturaleza, sólo para que ese significado se disipe al final del poema.
El modernismo frecuentemente repudia el realismo del siglo XIX, particularmente si el realismo se define por su énfasis en incorporar significado dentro de las representaciones naturalistas. Al mismo tiempo, algunos modernistas persiguieron una forma de realismo más auténtica y "descentrada". Por ejemplo, la obra protocubista de Picasso, *Les Demoiselles d'Avignon* (1907), se desvía de presentar los temas desde un punto de vista singular, ofreciendo en cambio un plano pictórico plano y bidimensional. De manera similar, "El poeta" (1911) exhibe una perspectiva descentrada, retratando el cuerpo desde varios ángulos. La Colección Peggy Guggenheim describe este enfoque, afirmando que "Picasso presenta múltiples vistas de cada objeto, como si se hubiera movido alrededor de él, y las sintetiza en una única imagen compuesta".
El modernismo, caracterizado por su percepción de que "las cosas se desmoronan", puede interpretarse como la culminación del romanticismo, especialmente si se entiende el romanticismo como la búsqueda frecuentemente incumplida de verdades metafísicas relativas al carácter, la naturaleza, un poder trascendente y un significado global. El modernismo frecuentemente anhela un núcleo romántico o metafísico, sólo para presenciar posteriormente su desintegración.
La divergencia entre modernismo y romanticismo también es evidente en sus enfoques del "símbolo". En ocasiones, los románticos postularon una conexión intrínseca (el "fundamento") entre el símbolo (o "vehículo", en la terminología de I.A. Richards) y su "tenor" (su significado). Un ejemplo de esto es la descripción que hace Coleridge de la naturaleza como "ese lenguaje eterno que tu Dios / pronuncia". Sin embargo, mientras algunos románticos veían la naturaleza y sus símbolos como lenguaje divino, otros teóricos románticos los consideraban inescrutables. Goethe, aunque no era un romántico, articuló esto afirmando que "la idea [o significado] permanece eterna e infinitamente activa e inaccesible en la imagen". Esta perspectiva se desarrolló aún más en la teoría modernista, que, influenciada por sus antecedentes simbolistas, frecuentemente resalta la inherente inescrutabilidad e insuficiencia de los símbolos y metáforas. Por ejemplo, Wallace Stevens se esfuerza, pero finalmente fracasa, en discernir el significado de la naturaleza, incluso cuando parece aprehender momentáneamente dicho significado. En consecuencia, tanto los simbolistas como los modernistas emplean ocasionalmente una metodología mística para transmitir una comprensión no racional del significado.
En consecuencia, las metáforas modernistas a menudo se manifiestan como antinaturales, como lo ejemplifica T.S. La descripción que hace Eliot de una tarde "desplegada contra el cielo / como un paciente eterizado sobre una mesa". De manera similar, los poetas modernistas posteriores retratan con frecuencia la naturaleza como desnaturalizada y ocasionalmente mecanizada, como en la imagen de Stephen Oliver de la luna ocupada "elevándose" a la conciencia.
Orígenes e historia temprana
Romanticismo y Realismo
El modernismo surgió de la rebelión del romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores de la sociedad burguesa. Como afirma el estudioso de la literatura Gerald Graff: "El motivo fundamental del modernismo fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo; los modernistas, que llevaban la antorcha del romanticismo".
Si bien J. M. W. Turner (1775–1851), un destacado pintor paisajista del siglo XIX, fue miembro del movimiento romántico, sus innovadoras exploraciones de la luz, el color y la atmósfera "se anticiparon a los impresionistas franceses" y, en consecuencia, al modernismo "al romper con las fórmulas convencionales de representación". Sin embargo, divergió de ellos en su convicción de que su arte debe articular consistentemente profundos temas históricos, mitológicos, literarios o narrativos de otro tipo. Por el contrario, los modernistas criticaron la convicción romántica de que el arte funcionaba como un conducto directo a la esencia de la realidad. Sostuvieron que, dada la interpretación subjetiva inherente al compromiso de cada espectador con el arte, éste no podía transmitir las verdades metafísicas fundamentales perseguidas por los románticos. Sin embargo, los modernistas no descartaron por completo el arte como mecanismo para comprender el mundo. En cambio, lo percibieron como un instrumento para desafiar e inquietar la perspectiva del espectador, en lugar de un camino directo hacia una realidad trascendente.
El modernismo frecuentemente repudia el realismo del siglo XIX, particularmente cuando este último se caracteriza por su énfasis en incorporar significado dentro de las representaciones naturalistas. Por el contrario, ciertos modernistas buscaron un realismo más "auténtico", que careciera de un punto focal singular. Por ejemplo, la obra protocubista de Picasso de 1907, Les Demoiselles d'Avignon, se desvía de una perspectiva singular y, en cambio, presenta a sus sujetos en un plano pictórico plano y bidimensional. De manera similar, El poeta (1911) exhibe un enfoque descentrado, representando el cuerpo desde varios puntos de vista. Como señala la Colección Peggy Guggenheim, "Picasso presenta múltiples vistas de cada objeto, como si se hubiera movido alrededor de él, y las sintetiza en una única imagen compuesta".
El modernismo, caracterizado por su percepción de que "las cosas se desmoronan", se considera con frecuencia como la culminación del romanticismo. Como lo expresó August Wilhelm Schlegel, uno de los primeros románticos alemanes, mientras el romanticismo se esfuerza por descubrir verdades metafísicas relativas al carácter, la naturaleza, el poder superior y el significado mundano, el modernismo, a pesar de su anhelo por tal núcleo metafísico, en última instancia sólo enfrenta su desintegración.
Principios del siglo XIX
Dentro del período de la Revolución Industrial (aproximadamente 1760-1840), importantes innovaciones abarcaron la industrialización impulsada por vapor, en particular el surgimiento de los ferrocarriles en Gran Bretaña a partir de la década de 1830 y el consiguiente progreso en física, ingeniería y arquitectura. Un logro notable de la ingeniería del siglo XIX fue el Palacio de Cristal, una inmensa sala de exposiciones construida con hierro fundido y placas de vidrio para la Gran Exposición de 1851 en Londres. Estos materiales, vidrio y hierro, se emplearon de manera similar de manera monumental para la construcción de importantes terminales ferroviarias en toda la ciudad, como la estación de King's Cross (1852) y la estación de Paddington (1854). Estos avances tecnológicos se difundieron internacionalmente y culminaron en estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889), superando esta última todas las limitaciones de altura anteriores para las construcciones artificiales. Si bien estas maravillas de la ingeniería transformaron fundamentalmente el paisaje urbano y la existencia cotidiana del siglo XIX, la percepción humana del tiempo sufrió una modificación con la invención del telégrafo eléctrico en 1837, junto con la implementación del "tiempo estándar" por parte de las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845, un concepto adoptado posteriormente a nivel mundial durante las siguientes cinco décadas.
Al mismo tiempo, Søren Kierkegaard (1813–1855) y Nietzsche repudiaron de forma independiente el concepto de que la realidad podía aprehenderse únicamente a través de un marco objetivo, una postura que moldeó profundamente la evolución del existencialismo y el nihilismo.
El crítico de arte Clement Greenberg caracterizó a la Hermandad Prerrafaelita como protomodernistas, afirmando: "Allí los protomodernistas eran, precisamente, los prerrafaelitas (e incluso antes que ellos, como protoprotomodernistas, los nazarenos alemanes). Los prerrafaelitas presagiaron a Manet (1832-1883), con quien definitivamente comienza la pintura modernista. Actuaron basándose en una insatisfacción con la pintura como practicado en su tiempo, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz."
Al mismo tiempo, las afirmaciones de Marx sobre las contradicciones inherentes dentro del marco capitalista y la agencia restringida de los trabajadores culminaron en el desarrollo de la teoría marxista.
El arte africano influyó significativamente en el arte modernista, inspirando a sus practicantes a través de su énfasis en la representación abstracta.
Finales del siglo XIX
El influyente ensayo de Baudelaire "El pintor de la vida moderna" (1863) animó a los artistas emergentes a apartarse de las prácticas convencionales e idear métodos novedosos para la representación artística de su mundo contemporáneo.
A partir de la década de 1860, dos movimientos artísticos y literarios distintos surgieron de forma independiente en Francia. El impresionismo, la primera de ellas, fue una escuela de pintura conocida principalmente por su énfasis inicial en el trabajo al aire libre, o en plein air, en lugar de la creación en el estudio. El arte impresionista buscó representar la luz misma, en lugar de limitarse a representar objetos. A pesar de los desacuerdos internos entre sus artistas destacados, el movimiento ganó un gran número de seguidores y creció en influencia. Aunque inicialmente excluidos del prestigioso Salón de París patrocinado por el gobierno, los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en espacios comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, programándolas estratégicamente para que coincidieran con el Salón oficial. En 1863, el emperador Napoleón III creó el Salón de los Rechazados para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría de las obras expuestas se adhirieron a estilos convencionales de artistas menos destacados, las contribuciones de Édouard Manet atrajeron una atención significativa, creando así oportunidades comerciales para el movimiento naciente. La segunda escuela francesa fue el Simbolismo, que los historiadores literarios remontan a Charles Baudelaire y posteriormente incluyen a poetas como Arthur Rimbaud (1854–1891), conocido por Una temporada en el infierno (1873), Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) y Paul Valéry (1871–1945). Los simbolistas priorizaron "la prioridad de la sugestión y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita" y demostraron un interés particular en "las propiedades musicales del lenguaje".
Se considera generalmente que el cabaret, un importante progenitor de numerosas formas de arte modernista, incluidos los antecedentes directos del cine, se originó en Francia en 1881 con el establecimiento de la Sociedad de Artes Incoherentes y el Gato Negro en Montmartre.
Los marcos teóricos desarrollados por Sigmund Freud (1856-1939), Krafft-Ebing y otros sexólogos ejercieron una influencia considerable durante el período naciente del modernismo. La publicación fundamental de Freud, en coautoría con Josef Breuer, fue Estudios sobre la histeria (1895). Una piedra angular del pensamiento freudiano postula "la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", sugiriendo que toda realidad subjetiva se construye a través de la interacción de impulsos e instintos fundamentales, que median la percepción del mundo externo. La conceptualización de Freud de los estados subjetivos abarcaba un reino inconsciente repleto de impulsos primarios, equilibrado por limitaciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales.
Las contribuciones filosóficas de Friedrich Nietzsche (1844-1900) también sirvieron como precursores significativos del modernismo, particularmente su énfasis en los impulsos psicológicos, en particular la "voluntad de poder" (Wille zur macht). Nietzsche frecuentemente equiparó la vida misma con esta "voluntad de poder", definiéndola como un instinto inherente de crecimiento y resiliencia. Por el contrario, Henri Bergson (1859-1941) distinguió entre el tiempo objetivo y cronológico y la experiencia humana inmediata y subjetiva de la temporalidad. Sus investigaciones sobre el tiempo y la conciencia "influyeron profundamente en los novelistas del siglo XX", especialmente en autores modernistas como Dorothy Richardson, James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941), que emplearon la técnica narrativa de la "corriente de conciencia". Otro concepto fundamental en la filosofía de Bergson fue élan vital, o fuerza vital, que, según él, "provoca la evolución creativa de todo". Su marco filosófico también otorgó un gran valor a la intuición, sin descartar la importancia de los procesos intelectuales.
Varias figuras literarias distinguidas son reconocidas como precursoras cruciales del modernismo. Entre ellos se incluyen Fyodor Dostoievski (1821-1881), cuyas novelas notables incluyen Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), autor de la colección de poesía Hojas de hierba (1855–1891); y August Strindberg (1849-1912), particularmente por sus obras dramáticas posteriores, como la trilogía A Damasco (1898-1901), A Dream Play (1902) y La sonata fantasma (1907). Henry James también ha sido identificado como un importante precursor del modernismo, con obras tempranas como El retrato de una dama (1881) que demuestran tendencias modernistas.
El surgimiento del modernismo
1901–1930
La ola inicial de obras modernistas surgió en la primera década del siglo XX, como resultado de una confluencia de ideales derivados del romanticismo y una búsqueda de conocimiento para dilucidar fenómenos previamente inexplicables. Si bien sus creadores a menudo veían estas obras como continuación de tendencias artísticas establecidas, alteraron fundamentalmente la comprensión implícita del arte por parte del público, que tradicionalmente posicionaba a los artistas como intérpretes y representantes de la cultura y el pensamiento burgueses. Los logros "modernistas" fundamentales de este período incluyen el segundo cuarteto de cuerda atonal de Arnold Schoenberg (1908), las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky (a partir de 1903) que culminaron en su obra abstracta inaugural y el establecimiento del grupo Blue Rider en Munich (1911), y el surgimiento del fauvismo y las innovaciones del cubismo en los estudios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque y otros artistas entre 1900. y 1910.
Una característica significativa del modernismo implica su compromiso con la tradición, manifestada a través de la adaptación y recontextualización de técnicas como la repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia en formas artísticas novedosas.
T. S. Eliot ofreció observaciones notables sobre la relación entre un artista y la tradición, afirmando:
A menudo encontraremos que no sólo las mejores, sino también las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos, sus antepasados, afirman su inmortalidad con mayor vigor.
Sin embargo, la interacción del modernismo con la tradición resultó intrincada, como lo expresó el erudito literario Peter Child: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y deleite por la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación."
Las composiciones musicales de Arnold Schoenberg sirven como un ejemplo ilustrativo de cómo el arte modernista integra tradiciones establecidas con técnicas innovadoras. Schoenberg se apartó notablemente de la armonía tonal tradicional, un sistema jerárquico que había estructurado la composición musical durante más de 150 años. Postuló el descubrimiento de un método completamente nuevo para organizar el sonido, basado en la utilización de filas de doce notas. A pesar de su naturaleza innovadora, la génesis de esta técnica se remonta a las contribuciones de compositores anteriores, incluidos Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss y Max Reger.
Durante la década inicial del siglo XX, destacados pintores jóvenes como Pablo Picasso y Henri Matisse generaron considerable controversia y crítica al abandonar la perspectiva tradicional como elemento estructural fundamental en la pintura, a pesar de las anteriores innovaciones impresionistas de Claude Monet en materia de perspectiva. Al mismo tiempo, en 1907, mientras Picasso creaba Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen (Asesino, esperanza de mujeres), reconocida como la primera obra expresionista (que se estrenó polémicamente en 1909), y Arnold Schoenberg estaba componiendo su Cuarteto de cuerda n.° 2 en fa sostenido menor (1908), lo que marcó su composición inaugural desprovista de un centro tonal.
Las últimas obras de Paul Cézanne, particularmente su representación de formas tridimensionales, influyeron significativamente en el desarrollo del cubismo. Estas obras aparecieron en una retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907. El arte cubista implica el análisis, la deconstrucción y el reensamblaje abstracto de objetos. En lugar de presentar un único punto de vista, los artistas retratan temas desde múltiples perspectivas para transmitir un contexto más completo. El cubismo obtuvo reconocimiento público por primera vez en 1911 en el Salón de los Independientes de París, que tuvo lugar del 21 de abril al 13 de junio. La exposición colectiva de obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger y Roger de La Fresnaye en la Sala 41 desató un "escándalo" que impulsó el cubismo a la prominencia, lo que llevó a su difusión por todo París. e internacionalmente. También en 1911, Kandinsky creó Bild mit Kreis (Cuadro con un círculo), obra que posteriormente identificó como la pintura abstracta inaugural. En 1912, Metzinger y Gleizes fueron coautores del fundamental manifiesto cubista, Du "Cubisme", que se publicó coincidiendo con el Salón de la Sección de Oro, entonces la exposición cubista más extensa. Ese mismo año, Metzinger pintó y expuso sus obras notables, La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) y Danseuse au Café (Bailarina en un café). Albert Gleizes también pintó y expuso Les Baigneuses (Los bañistas) y su pieza monumental, Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha). Esta obra en particular, junto con La Ville de Paris (Ciudad de París) de Robert Delaunay, representó las pinturas cubistas más grandes y ambiciosas creadas durante la era cubista de antes de la guerra.
En 1905, un cuarteto de artistas alemanes, encabezados por Ernst Ludwig Kirchner, fundaron Die Brücke (El Puente) en Dresde. Este colectivo es ampliamente considerado la organización fundacional del movimiento expresionista alemán, a pesar de no adoptar explícitamente el término "expresionismo". Varios años más tarde, en 1911, un grupo similar de jóvenes artistas formó Der Blaue Reiter (El jinete azul) en Munich. El nombre del grupo proviene del cuadro de Wassily Kandinsky de 1903, Der Blaue Reiter. Los miembros clave incluyeron a Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee y August Macke. Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. Si bien fue principalmente un movimiento artístico alemán, más prominente en la pintura, la poesía y el teatro entre 1910 y 1930, muchos de sus precursores no eran alemanes. Además, surgieron escritores de ficción en prosa expresionistas y autores expresionistas de habla no alemana. Aunque el movimiento experimentó un declive en Alemania tras el ascenso al poder de Adolf Hitler en la década de 1930, se siguieron produciendo obras expresionistas posteriores.
El expresionismo presenta importantes desafíos de definición, en parte debido a su amplia superposición con otros movimientos modernistas prominentes como el futurismo, el vorticismo, el cubismo, el surrealismo y el dadaísmo. Richard Murphy señala además la dificultad de una definición que lo abarque todo, observando que algunos de los expresionistas más influyentes, incluidos los novelistas Franz Kafka y Alfred Döblin, y el poeta Gottfried Benn, se oponían simultáneamente al movimiento. Sin embargo, el expresionismo surgió principalmente en la Alemania de principios del siglo XX como respuesta a los impactos deshumanizadores de la industrialización y la expansión urbana. Un aspecto clave que distinguió al expresionismo como movimiento de vanguardia, y que marcó su divergencia con las instituciones culturales tradicionales, fue su postura crítica hacia el realismo y las convenciones de representación establecidas. Fundamentalmente, los expresionistas repudiaron los principios del realismo. A principios del siglo XX se produjo un movimiento expresionista concentrado dentro del teatro alemán, siendo Georg Kaiser y Ernst Toller reconocidos como sus dramaturgos más célebres. Otros dramaturgos expresionistas notables fueron Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen. Estos artistas se inspiraron en el dramaturgo sueco August Strindberg y el actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind, considerándolos precursores de sus enfoques dramatúrgicos experimentales. El asesino, la esperanza de las mujeres de Oskar Kokoschka, estrenada en Viena el 4 de julio de 1909, se considera la primera obra teatral plenamente expresionista. Sus rasgos característicos, como la simplificación radical de los personajes en arquetipos míticos, la incorporación de elementos corales, el diálogo declamatorio y la mayor intensidad emocional, se convirtieron posteriormente en sellos distintivos de las obras expresionistas posteriores. El hijo de Walter Hasenclever, publicado en 1914 y estrenado por primera vez en 1916, tiene la distinción de ser la primera obra expresionista de larga duración.
El futurismo representa otro importante movimiento modernista. Su génesis se produjo en 1909 cuando el periódico parisino Le Figaro publicó el manifiesto inicial de F. T. Marinetti. Poco después, un colectivo de pintores, entre ellos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini, respaldaron conjuntamente el Manifiesto Futurista. Estos manifiestos, inspirados en el famoso "Manifiesto Comunista" (1848) de Marx y Engels, tenían como objetivo incitar al debate y atraer adeptos. Sin embargo, durante este período, los debates en favor de la pintura geométrica o puramente abstracta se restringieron predominantemente a "pequeñas revistas" especializadas con un número de lectores extremadamente limitado. Las tendencias modernistas como el primitivismo y el pesimismo generaron una controversia considerable, ya que el sentimiento predominante en la primera década del siglo XX favorecía en gran medida la creencia en el progreso y el optimismo liberal.
Los artistas abstractos, que se inspiraron en los impresionistas, junto con figuras como Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), postularon fundamentalmente que el color y la forma, más que la representación literal del mundo natural, constituían las cualidades intrínsecas del arte. Históricamente, el arte occidental desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX se basó en los principios de la perspectiva y el esfuerzo por replicar una ilusión de realidad visible. Al mismo tiempo, la exposición a tradiciones artísticas no europeas proporcionó a los artistas marcos alternativos para representar la experiencia visual. A finales del siglo XIX, numerosos artistas percibieron la necesidad de forjar expresiones artísticas novedosas que reflejaran las profundas transformaciones que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Los fundamentos teóricos adoptados por artistas individuales fueron variados y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales prevalentes en la cultura occidental durante esa época. Figuras destacadas como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malevich abogaron uniformemente por redefinir el arte como la disposición sistemática del color puro. Este énfasis modernista estuvo significativamente influenciado por el advenimiento de la fotografía, que había dejado obsoleta en gran medida la función representacional que tradicionalmente cumplía el arte visual.
Prominentes arquitectos y diseñadores modernistas, incluidos Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, sostuvieron que las tecnologías emergentes hacían anticuados los estilos arquitectónicos tradicionales. Le Corbusier postuló que las estructuras deberían funcionar como "máquinas para vivir", trazando un paralelo con los automóviles, a los que consideraba máquinas de locomoción. Sostuvo que así como los vehículos habían reemplazado a los caballos, el diseño modernista debería descartar de manera similar los estilos y formas históricos derivados de la Antigua Grecia o la Edad Media. Siguiendo esta estética de la máquina, los practicantes modernistas generalmente evitaron los motivos ornamentales, priorizando en cambio las cualidades inherentes de los materiales y las configuraciones geométricas sin adornos. El rascacielos ejemplifica el edificio modernista por excelencia, con el edificio Wainwright, una estructura de oficinas de diez pisos terminada en St. Louis, Missouri, Estados Unidos, en 1891, reconocida como uno de los primeros rascacielos del mundo. El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe, construido en Nueva York entre 1956 y 1958, se considera con frecuencia el cenit de este movimiento arquitectónico modernista de gran altura. Si bien muchos elementos del diseño modernista perduran en la práctica arquitectónica contemporánea, su dogmatismo rígido anterior ha evolucionado hacia un enfoque más adaptable que incorpora elementos decorativos, alusiones históricas y arreglos espaciales dramáticos.
El año 1913 marcó un período de importantes avances culturales y científicos, incluida la publicación de Ideas del filósofo Edmund Husserl, la articulación del átomo cuantificado por el físico Niels Bohr, el establecimiento del imagismo por Ezra Pound, el Armory Show de Nueva York y el estreno de la "primera ópera futurista" de Mikhail Matyushin, Victoria sobre el Sun, en San Petersburgo. Paralelamente, el compositor ruso Igor Stravinsky estrenó su ballet La consagración de la primavera, una obra que representa un sacrificio humano caracterizado por una partitura musical disonante y rítmicamente primitiva, que provocó una considerable controversia en su representación inicial en París. Durante esta era, si bien el modernismo todavía adoptaba una postura "progresista", percibía cada vez más las formas tradicionales y las estructuras sociales como impedimentos para el avance, redefiniendo así el papel del artista como una figura revolucionaria decidida a transformar la sociedad en lugar de una mera ilustración. También en 1913, Francia fue testigo de la publicación, menos conflictiva, del volumen inaugural de la seminal novela de Marcel Proust, À la recherche du temps perdu (1913-1927), traducida como En busca del tiempo perdido. Aunque frecuentemente citado como un ejemplo temprano de un escritor que emplea la técnica de la corriente de conciencia, Robert Humphrey observa que Proust "se preocupa sólo por el aspecto reminiscente de la conciencia" y "estaba deliberadamente recuperando el pasado con el propósito de comunicar; por lo tanto, no escribió una novela sobre la corriente de conciencia".
La técnica de la corriente de conciencia constituyó una importante innovación literaria modernista. A Arthur Schnitzler (1862-1931) se le atribuye a menudo su aplicación integral pionera en su cuento de 1900, "Leutnant Gustl" ("Nadie más que los valientes"). Dorothy Richardson se convirtió en la primera autora inglesa en utilizar este método, especialmente en los volúmenes iniciales de su secuencia de novelas Pilgrimage (1915-1967). Otros novelistas modernistas destacados reconocidos por su adopción de este enfoque narrativo incluyen a James Joyce en Ulises (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923).
El inicio de la Gran Guerra (1914-1918) y la Revolución Rusa de 1917 transformaron profundamente el panorama global, instigando un escepticismo generalizado respecto de las creencias e instituciones históricas establecidas. La insuficiencia del statu quo anterior a la guerra se volvió innegable para una generación que había sido testigo de la muerte de millones de personas en conflictos territoriales, particularmente teniendo en cuenta las afirmaciones previas de que una guerra tan costosa era inconcebible antes de 1914. El advenimiento de la era de las máquinas, que había remodelado significativamente la vida cotidiana en el siglo XIX, ahora alteró fundamentalmente el carácter de la guerra. El profundo trauma de estas experiencias recientes desafió los supuestos fundamentales, haciendo que las representaciones artísticas realistas de la vida sean insuficientes cuando se enfrentan a los horrores surrealistas de la guerra de trincheras. La noción predominante del continuo avance moral de la humanidad parecía absurda a la luz de la matanza indiscriminada, vívidamente representada en obras como la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente occidental (1929). En consecuencia, el marco interpretativo de la realidad del modernismo, que anteriormente era una perspectiva de nicho, ganó una aceptación más amplia a lo largo de la década de 1920.
Dentro de la literatura y las artes visuales, ciertos modernistas desafiaron deliberadamente las expectativas convencionales, principalmente para realzar la viveza de sus creaciones o para obligar al público a examinar críticamente sus propias nociones preconcebidas. Esta característica del modernismo surgió con frecuencia como respuesta a la floreciente cultura de consumo que se desarrolló en Europa y América del Norte a finales del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes se esfuerzan por producir bienes comercializables atendiendo a las preferencias y prejuicios existentes, los modernistas evitaron deliberadamente tales enfoques consumistas para subvertir el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg articuló esta teoría modernista en su ensayo Avant-Garde and Kitsch. Greenberg caracterizó los productos de la cultura de consumo como "kitsch", argumentando que su diseño priorizaba el máximo atractivo al eliminar cualquier elemento desafiante. En consecuencia, Greenberg vio el modernismo como un contramovimiento contra la proliferación de manifestaciones contemporáneas de la cultura de consumo, incluida la música popular comercial, Hollywood y la publicidad. Además, vinculó esta postura con un rechazo revolucionario del capitalismo.
Un segmento de modernistas se percibía a sí mismos como parte integral de una cultura revolucionaria que abarcaba agitación política. Después de la Revolución de 1917 en Rusia, de hecho se materializó una oleada inicial de actividad cultural de vanguardia, incluido el futurismo ruso. Por el contrario, otros modernistas repudiaron tanto la política convencional como las normas artísticas, sosteniendo que una transformación de la conciencia política tenía mayor importancia que meras alteraciones en las estructuras políticas. Sin embargo, un número considerable de modernistas se consideraban apolíticos. Figuras destacadas como T. S. Eliot, por ejemplo, rechazaron la cultura popular de masas desde un punto de vista conservador. Algunos estudiosos incluso sostienen que el modernismo en la literatura y el arte sirvió para perpetuar una cultura de élite, excluyendo así a la población en general.
El surrealismo, que surgió a principios de la década de 1920, obtuvo reconocimiento público como la manifestación más radical del modernismo, a menudo denominada "la vanguardia del modernismo". El término "surrealista" fue acuñado por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias, escrita en 1903 y estrenada en 1917. Entre los artistas surrealistas notables se incluyen Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró y Marcel. Duchamp.
Para 1930, el modernismo había asegurado su posición dentro del establishment político y artístico, a pesar de sus propias transformaciones internas durante ese período.
La evolución del modernismo: 1930–1945
El modernismo experimentó un desarrollo continuo a lo largo de la década de 1930. Entre 1930 y 1932, el compositor Arnold Schoenberg desarrolló Moses und Aron, una de las primeras óperas que empleaba la técnica dodecafónica. En 1937, Pablo Picasso creó Guernica, una obra cubista que condenaba el fascismo. Al mismo tiempo, James Joyce amplió aún más los parámetros de la novela moderna con su publicación de 1939, Finnegans Wake. En 1930, el modernismo también comenzó a impregnar la cultura dominante; por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar obras de influencia modernista de escritores y humoristas emergentes como Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman y James Thurber. Perelman es particularmente apreciado por sus cuentos humorísticos, publicados frecuentemente en revistas como The New Yorker durante las décadas de 1930 y 1940, que son reconocidos como ejemplos pioneros de humor surrealista en Estados Unidos. Además, los conceptos artísticos modernos aparecieron cada vez más en anuncios y logotipos comerciales, ejemplificados por el renombrado logotipo del Metro de Londres de Edward Johnston de 1916.
Una transformación destacada durante esta era implicó la integración de tecnologías novedosas en las rutinas diarias de los ciudadanos comunes en Europa Occidental y América del Norte. La adopción generalizada de la electricidad, los teléfonos, las radios y los automóviles, junto con la necesidad de operar, mantener y coexistir con estas innovaciones, precipitó cambios sociales significativos. El tipo de experiencia disruptiva que antes se limitaba a unos pocos elegidos en la década de 1880 se convirtió en un hecho común. Por ejemplo, las rápidas capacidades de comunicación que alguna vez fueron exclusivas de los corredores de bolsa de la década de 1890 se convirtieron en un aspecto integral de la vida familiar, particularmente dentro de la clase media norteamericana. Concomitantemente con la urbanización y la evolución de las normas sociales, hubo tendencias hacia unidades familiares más pequeñas y dinámicas alteradas en las relaciones entre padres e hijos.
El marxismo surgió como otra influencia significativa durante este período. El modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial, caracterizado por el primitivismo y el irracionalismo, a menudo evitó soluciones puramente políticas, una postura de la que se hizo eco el neoclasicismo de la década de 1920, ejemplificado por T. S. Eliot e Igor Stravinsky, que de manera similar rechazaron los enfoques populares de los problemas contemporáneos. Sin embargo, el posterior ascenso del fascismo, la Gran Depresión y el inminente conflicto global radicalizaron profundamente a una generación. Entre las figuras destacadas que encarnan esta forma modernista de marxismo se encuentran Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin. Por el contrario, también existió un grupo distinto de modernistas alineados con la derecha política, con artistas como Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound y el autor holandés Menno ter Braak, entre otros.
Las décadas de 1920 y 1930 fueron testigos de la creación continua de importantes obras literarias modernistas, incluidas novelas adicionales de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil y Dorothy Richardson. Eugene O'Neill, un dramaturgo modernista estadounidense, comenzó su carrera en 1914, y sus obras más importantes aparecieron a lo largo de las décadas de 1920, 1930 y principios de 1940. Bertolt Brecht y Federico García Lorca fueron otros dos notables dramaturgos modernistas activos durante estas décadas. El amante de Lady Chatterley de D. H. Lawrence se publicó de forma privada en 1928, mientras que El sonido y la furia de William Faulkner, publicado en 1929, marcó otro momento crucial en la evolución de la novela moderna. La década de 1930 vio nuevas contribuciones importantes de Faulkner, y Samuel Beckett publicó su importante obra inaugural, la novela Murphy, en 1938. Posteriormente, apareció Finnegans Wake de James Joyce en 1939, que se distingue por su lenguaje en gran medida idiosincrásico, que combina el léxico inglés estándar con juegos de palabras neologistas multilingües y palabras combinadas para evocar la experiencia del sueño y sueños. En poesía, T. S. Eliot, E. E. Cummings y Wallace Stevens estuvieron activos desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista inglesa se asocia frecuentemente con exponentes estadounidenses como Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. y Louis Zukofsky, importantes poetas modernistas británicos incluyeron a David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting y W. H. Auden. Entre los poetas modernistas europeos destacados se encuentran Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy y Paul Valéry.
El movimiento modernista también persistió en la Rusia soviética durante esta época. En 1930, Dimitri Shostakovich (1906-1975) estrenó su ópera La nariz, que empleó de manera innovadora un montaje de diversos estilos, incorporando música folclórica, canciones populares y atonalidad. La ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985-1935) influyó significativamente en Shostakovich, ya que causó una profunda impresión cuando se representó en Leningrado. Sin embargo, la Unión Soviética comenzó a suprimir el modernismo en favor del realismo socialista a partir de 1932, lo que provocó la censura de Shostakovich en 1936 y la retirada forzada de su cuarta sinfonía. Alban Berg compuso otra ópera modernista notable, aunque incompleta, Lulu, que se estrenó en 1937, y su Concierto para violín se estrenó en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores enfrentaron desafíos considerables durante este período.
En 1933, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a partir de Alemania hacia los Estados Unidos, como consecuencia tanto de su estilo compositivo modernista atonal como de su herencia judía, tras el ascenso de Hitler al poder. Composiciones importantes de esta época incluyen su Concierto para violín, op. 36 (1934/36) y un Concierto para piano, op. 42 (1942). Al mismo tiempo, Schoenberg también produjo obras tonales, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n.° 2 en mi menor, op. 38 (iniciado en 1906 y terminado en 1939). Durante este mismo período, el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) creó varias piezas notables, entre ellas Música para cuerdas, percusión y celesta (1936), el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), el Cuarteto de cuerda n.º 5 (1934) y el Cuarteto de cuerda n.º 6 (su último cuarteto, 1939). Sin embargo, Bartók también emigró a Estados Unidos en 1940 debido a la escalada del fascismo en Hungría. Igor Stravinsky (1882-1971) mantuvo su enfoque compositivo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, produciendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), la Sinfonía en do (1940) y la Sinfonía en tres movimientos (1945). Él también se mudó a los Estados Unidos debido a la Segunda Guerra Mundial. Por el contrario, Olivier Messiaen (1908-1992) sirvió en el ejército francés durante el conflicto y fue internado por los alemanes en el Stalag VIII-A, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps ("Cuarteto para el fin de los tiempos"). Este cuarteto se estrenó en enero de 1941 ante un público compuesto tanto por prisioneros como por guardias de prisión.
Dentro del ámbito de la pintura durante las décadas de 1920, 1930 y la Gran Depresión, el modernismo en Europa se caracterizó por movimientos como el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, el dadaísmo y el expresionismo alemán, junto con las contribuciones de maestros coloristas como Henri Matisse y Pierre Bonnard, y las obras abstractas de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky. En Alemania, artistas como Max Beckmann, Otto Dix y George Grosz infundieron en sus pinturas comentarios políticos, anticipando el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Mientras tanto, en Estados Unidos, el modernismo se manifestó a través de la pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo, que incorporaron importantes críticas políticas y sociales, dominando así el panorama artístico. Entre los artistas destacados de esta época se encuentran Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry y Reginald Marsh. En América Latina, el modernismo fue ejemplificado por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México. Al mismo tiempo, el movimiento muralista, que presenta figuras como Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado, junto con las pinturas simbolistas de Frida Kahlo, inició un renacimiento artístico en la región, que se distingue por una aplicación más liberal del color y un énfasis en los mensajes políticos.
Diego Rivera es ampliamente reconocido por su mural de 1933, Man at the Crossroads, situado en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center. La inclusión en el mural de un retrato de Vladimir Lenin y otra iconografía comunista provocó el despido de Rivera por parte de su mecenas, Nelson Rockefeller, y la posterior destrucción de la obra inacabada por parte del personal de Rockefeller. La producción artística de Frida Kahlo se distingue frecuentemente por sus crudas representaciones del sufrimiento. El profundo compromiso de Kahlo con la cultura indígena mexicana es evidente en los colores vibrantes y el dramático simbolismo omnipresente en sus pinturas. Su obra también incorpora con frecuencia motivos cristianos y judíos, mezclando elementos del arte religioso tradicional mexicano, que a menudo presentaba imágenes gráficas y violentas. Las obras simbolistas de Frida Kahlo exhiben fuertes afinidades con el surrealismo y el movimiento literario del realismo mágico.
El activismo político constituyó un aspecto significativo de la vida de David Siqueiros, lo que con frecuencia lo llevó a suspender temporalmente sus actividades artísticas. Su arte estuvo profundamente influenciado por la Revolución Mexicana. El período que abarca las décadas de 1920 y 1950 se denomina Renacimiento mexicano, durante el cual Siqueiros se esforzó activamente por forjar una forma de arte que fuera a la vez distintivamente mexicana y universalmente resonante. Cabe destacar que un joven Jackson Pollock participó en el taller de Siqueiros, ayudando en la construcción de carrozas para el desfile.
En la década de 1930, muchos artistas asociados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso, se caracterizaban por ideologías políticas de izquierda radical. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la localidad vasca de Gernika fue sometida a un bombardeo aéreo por parte de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Este ataque tenía como objetivo apoyar la campaña de Francisco Franco para desestabilizar los gobiernos republicanos vasco y español. En respuesta, Pablo Picasso creó su monumental mural, Guernica, como una poderosa conmemoración de las atrocidades del bombardeo.
A lo largo de la Gran Depresión de la década de 1930 y hasta la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se definió predominantemente por el realismo social y la pintura de escena estadounidense, ejemplificada por artistas como Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn y Thomas Hart Benton. La pintura de Edward Hopper de 1942, Nighthawks, muestra a personas sentadas en un restaurante nocturno del centro. Esta obra no sólo es la más famosa de Hopper, sino que también es una de las piezas más emblemáticas del arte estadounidense. La inspiración para la escena provino de un restaurante ubicado en Greenwich Village. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor, un evento que inculcó una sensación generalizada de desaliento nacional, que se transmite palpablemente en la obra de arte. La calle urbana fuera del restaurante permanece desierta, mientras que en el interior, los tres clientes parecen desconectados unos de otros, cada uno absorto en sus propios reflejos. Esta representación de la existencia urbana moderna caracterizada por el vacío y la soledad es un motivo recurrente en la obra de Hopper.
La pintura de Grant Wood de 1930, American Gothic, muestra a un granjero sosteniendo una horca junto a una mujer más joven, colocada frente a una casa en el estilo arquitectónico gótico de Carpenter. Esta obra de arte sigue siendo una de las imágenes más reconocibles del arte estadounidense del siglo XX. Inicialmente, los críticos de arte, incluidos Gertrude Stein y Christopher Morley, vieron la pintura favorablemente, interpretándola como un comentario satírico sobre la existencia de una pequeña ciudad rural. En consecuencia, se percibió como una contribución a una tendencia artística más amplia de representaciones cada vez más críticas de la América rural, similar a obras literarias como Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson de 1919, Main Street de Sinclair Lewis de 1920 y La condesa tatuada de Carl Van Vechten. Sin embargo, con la llegada de la Gran Depresión, la interpretación de la pintura cambió y se convirtió en un emblema del inquebrantable espíritu pionero estadounidense.
Durante la década de 1930, las circunstancias de los artistas en Europa empeoraron rápidamente con la escalada de poder del régimen nazi en Alemania y en toda Europa del Este. El régimen nazi en Alemania acuñó el término arte degenerado para categorizar casi todo el arte moderno, que consideraba bolchevique no alemán o judío. En consecuencia, ese arte fue proscrito y los artistas identificados como "degenerados" enfrentaron severas sanciones. Estas medidas punitivas incluían el despido de puestos académicos, la prohibición de exhibir o vender sus obras y, en algunos casos, la prohibición total de la producción artística. En 1937, los nazis propagaron aún más esta ideología organizando una exposición titulada "Arte degenerado" en Munich. El entorno cada vez más hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción provocó un éxodo significativo hacia las Américas. El destacado artista alemán Max Beckmann, entre muchos otros, buscó refugio en Nueva York. Al mismo tiempo, en la ciudad de Nueva York, estaba comenzando a surgir una generación floreciente de pintores modernistas innovadores, incluidos Arshile Gorky y Willem de Kooning.
El retrato de Arshile Gorky, que potencialmente representa a Willem de Kooning, ejemplifica el desarrollo del expresionismo abstracto desde sus cimientos en la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. En colaboración con sus compañeros artistas Willem de Kooning y John D. Graham, Gorky inicialmente produjo composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas. En la década de 1940, estas obras se habían convertido en pinturas completamente abstractas. La obra de Gorky parece constituir una exploración meticulosa de la memoria, la emoción y la forma, empleando líneas y colores para articular sentimientos y elementos naturales.
Ataques al modernismo temprano
El movimiento modernista, caracterizado por su énfasis en la libertad de expresión, la experimentación, el radicalismo y el primitivismo, desafió las normas artísticas convencionales. En diversas disciplinas artísticas, esto a menudo se manifiesta como el uso deliberado de elementos inquietantes y poco convencionales, diseñados para provocar y desorientar al público. Los ejemplos incluyen la inquietante yuxtaposición de motivos en el surrealismo y la adopción de disonancia y atonalidad extremas en las composiciones musicales modernistas. El modernismo literario implicó con frecuencia el abandono de narrativas coherentes o el desarrollo convencional de personajes en las novelas, junto con la producción de poesía resistente a una interpretación directa. Dentro de la Iglesia Católica, las inquietudes en torno al modernismo y el concepto de una doctrina en evolución se vieron exacerbadas por preocupaciones históricas relacionadas con el protestantismo y el legado de Martín Lutero.
A partir de 1932, el realismo socialista reemplazó al modernismo en la Unión Soviética. Anteriormente, la Unión Soviética había apoyado el futurismo y el constructivismo rusos, en gran medida influenciados por el movimiento filosófico indígena del suprematismo.
El régimen nazi en Alemania condenó el modernismo como narcisista, absurdo, "judío" y "negro". Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de personas con enfermedades mentales en una exposición titulada "Arte degenerado". Las acusaciones de "formalismo" podrían tener graves repercusiones profesionales, incluido el cese de la carrera. En consecuencia, muchos modernistas de la posguerra se percibieron a sí mismos como una defensa crucial contra el totalitarismo, actuando como un "canario en la mina de carbón" cuya supresión por parte de entidades gubernamentales u otras entidades autorizadas señalaba una amenaza más amplia a las libertades individuales. Louis A. Sass, ofreciendo una perspectiva no fascista, trazó paralelismos entre la locura, particularmente la esquizofrenia, y el modernismo, destacando sus puntos en común en narrativas disyuntivas, imágenes surrealistas e incoherencia inherente.
Después de 1945
Aunque La Enciclopedia Oxford de Literatura Británica postula que el modernismo concluyó alrededor de 1939 en la literatura británica y estadounidense, la demarcación precisa entre el declive del modernismo y el surgimiento del posmodernismo sigue siendo un tema de intenso debate académico, comparable a las discusiones en torno al cambio del victorianismo al modernismo. Clement Greenberg sugiere que el modernismo concluyó en gran medida en la década de 1930, excluyendo las artes visuales y escénicas. Por el contrario, Paul Griffiths observa que si bien el modernismo en la música pareció decaer a finales de la década de 1920, experimentó un resurgimiento después de la Segunda Guerra Mundial a través de una nueva generación de compositores, entre ellos Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen y Xenakis. De hecho, numerosos modernistas literarios permanecieron activos en las décadas de 1950 y 1960, aunque su producción de obras significativas en general disminuyó. La designación "modernismo tardío" se aplica ocasionalmente a obras modernistas publicadas después de 1930. Entre los modernistas notables, o modernistas tardíos, que continuaron publicando después de 1945 se incluyen Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys y Ezra Pound. Basil Bunting, nacido en 1901, publicó su seminal poema modernista, Briggflatts, en 1965. Además, La muerte de Virgilio de Hermann Broch apareció en 1945, seguido de Doctor Fausto de Thomas Mann en 1947. Samuel Beckett, cuya muerte ocurrió en 1989, es frecuentemente caracterizado como un "modernista posterior". Beckett, un escritor profundamente arraigado en la tradición expresionista del modernismo, produjo obras desde los años 1930 hasta los años 1980, abarcando títulos como Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Días felices (1961) y Rockaby (1981). Sus obras posteriores también han sido categorizadas utilizando los términos "minimalista" y "posmodernista". Entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX identificados como modernistas tardíos se encuentran los poetas Charles Olson (1910-1970) y J. H. Prynne (nacido en 1936).
En la erudición contemporánea, al menos un crítico ha redefinido el "modernismo tardío" para abarcar obras producidas después de 1945, divergiendo de la demarcación anterior de 1930. Esta redefinición suele ir acompañada de la afirmación de que los fundamentos ideológicos del modernismo fueron profundamente transformados por los acontecimientos catastróficos de la Segunda Guerra Mundial, en particular el Holocausto y el despliegue de la bomba atómica.
La era de la posguerra dejó a las capitales europeas en un profundo desorden, lo que requirió una reconstrucción económica y física urgente junto con un realineamiento político. En París, antiguo epicentro de la cultura europea y capital mundial del arte, el entorno artístico se deterioró significativamente. Coleccionistas, comerciantes y artistas, escritores y poetas modernistas influyentes emigraron de Europa a Nueva York y Estados Unidos. Surrealistas y artistas modernos de diversos centros culturales europeos buscaron refugio en Estados Unidos para escapar de la agresión nazi. Numerosas personas que no buscaron refugio sucumbieron a las condiciones reinantes. Por el contrario, un número limitado de artistas, incluidos Pablo Picasso, Henri Matisse y Pierre Bonnard, optaron por permanecer en Francia y soportaron el período.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York marcó el ascenso del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que sintetizó influencias de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano, facilitado por influyentes educadores estadounidenses como Hans Hofmann y John. D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron significativamente de la reubicación de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, así como de instituciones como la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo, entre otros elementos que contribuyeron.
París, además, reafirmó su prominencia en las décadas de 1950 y 1960 como epicentro del florecimiento de la máquina. arte, atrayendo a destacados escultores de arte de máquinas Jean Tinguely y Nicolas Schöffer, quienes establecieron sus carreras en la ciudad. Es probable que este resurgimiento artístico, dada la naturaleza tecnocéntrica de la sociedad contemporánea, ejerza un impacto sostenido y significativo.
Teatro del Absurdo
El término "Teatro del Absurdo" designa un género de obras, principalmente escritas por europeos, que articulan la convicción filosófica de que la existencia humana carece de significado o propósito inherente, lo que conduce a una ruptura en la comunicación. En consecuencia, el discurso y la argumentación racionales son suplantados por expresiones irracionales e ilógicas, que culminan en el silencio. Aunque existen antecedentes notables, como Alfred Jarry (1873-1907), comúnmente se considera que el Teatro del Absurdo se originó en la década de 1950 con las obras dramáticas de Samuel Beckett.
El crítico Martin Esslin introdujo esta nomenclatura en su ensayo de 1960 "Teatro del Absurdo". Conectó estas obras dramáticas a través de un tema omnipresente del absurdo, estableciendo paralelismos con el uso que Albert Camus hizo del concepto en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo. Dentro de estas producciones teatrales, lo Absurdo se manifiesta como la respuesta de la humanidad a un mundo aparentemente sin sentido, o como individuos manipulados o amenazados por fuerzas externas invisibles. Si bien esta designación abarca una amplia gama de obras dramáticas, con frecuencia se observan varias características recurrentes: extensos elementos cómicos, a menudo que recuerdan al vodevil, yuxtapuestos con imágenes horribles o trágicas; protagonistas atrapados en circunstancias inútiles, obligados a realizar acciones repetitivas o sin propósito; diálogo repleto de clichés, juegos lingüísticos y discursos ilógicos; estructuras narrativas que son cíclicas o excesivamente extensas; y una imitación satírica o un rechazo total del realismo y la estructura convencional de "obra bien hecha".
Dramaturgos destacados frecuentemente vinculados al Teatro del Absurdo incluyen a Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard. (1937-2025), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936–2011) y Edward Albee (1928–2016).
Pollock y las influencias abstractas
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo posterior. Pollock reconoció que el proceso creativo era tan crucial como la propia obra de arte terminada. Al igual que las innovaciones de Pablo Picasso en pintura y escultura a principios del siglo XX a través del cubismo y las formas construidas, Pollock redefinió las metodologías de producción artística. Su alejamiento de la pintura de caballete y de las prácticas convencionales sirvió como una señal liberadora para los artistas de su época y los que le siguieron. Los artistas observaron que el proceso de Pollock, que implicaba colocar lienzos en bruto sin estirar en el suelo para un compromiso multidireccional con materiales artísticos e industriales, emplear técnicas como gotear y arrojar madejas de pintura lineales, dibujar, teñir y cepillar, e incorporar imágenes y no imágenes, expandió fundamentalmente los límites de la creación artística. El expresionismo abstracto, como movimiento, generalmente amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras.
Otros expresionistas abstractos posteriormente aprovecharon los avances fundamentales de Pollock con sus propios avances significativos. Las innovaciones colectivas de artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell y Peter Voulkos, entre otros, iniciaron efectivamente una era de diversidad y alcance sin precedentes en los movimientos artísticos posteriores. Sin embargo, las reevaluaciones críticas del arte abstracto por parte de historiadores del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher han demostrado que las artistas pioneras, que hicieron contribuciones sustanciales al arte moderno, fueron frecuentemente omitidas de las narrativas históricas convencionales.
Figuras internacionales del arte británico
Henry Moore (1898–1986) saltó a la fama como el escultor más destacado de Gran Bretaña en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Obtuvo un amplio reconocimiento por sus monumentales esculturas de bronce semiabstractas, muchas de las cuales se exhiben en todo el mundo como obras de arte públicas. Las formas características de Moore son típicamente abstracciones de la figura humana, que frecuentemente retratan a madre e hijo o sujetos reclinados, a menudo evocando la forma femenina, con la excepción de un período en la década de 1950 cuando se centró en grupos familiares. Estas esculturas suelen presentar perforaciones o incorporar secciones ahuecadas.
Durante la década de 1950, Moore comenzó a conseguir encargos cada vez más prestigiosos, como una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. A medida que emprendió numerosos proyectos adicionales de arte público, la escala monumental de las esculturas de Moore se expandió considerablemente. Las últimas tres décadas de la carrera de Moore mantuvieron esta trayectoria, marcada por varias retrospectivas internacionales importantes, incluida una notable exposición en el verano de 1972 en el Forte di Belvedere, con vistas a Florencia. A finales de la década de 1970, aproximadamente 40 exposiciones anuales mostraban su obra. En el campus de la Universidad de Chicago, en diciembre de 1967, exactamente 25 años después de que el equipo de físicos de Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se dio a conocer la Energía Nuclear de Moore. También en Chicago, Moore conmemoró los logros científicos con un importante reloj de sol de bronce, conocido localmente como El hombre entra en el cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial.
La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, compuesta por artistas como Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (1931-2024), Leon Kossoff (1926–2019) y Michael Andrews (1928–1995) ha obtenido un gran reconocimiento internacional.
Francis Bacon, un pintor figurativo británico nacido en Irlanda, era conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. Su estilo distintivo presentaba figuras pictóricas pero abstractas, típicamente aisladas dentro de recintos geométricos de vidrio o acero, contra fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar cuando tenía poco más de veinte años, pero trabajó esporádicamente hasta mediados de los treinta. Su avance se produjo con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión, que solidificó su reputación como un cronista singularmente sombrío de la condición humana. Su obra puede describirse en términos generales como compuesta de secuencias o variaciones de motivos consistentes: cabezas masculinas aisladas en habitaciones de la década de 1940, papas gritando a principios de la década de 1950 y animales o figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas de mediados a finales de la década de 1950. Estas fueron sucedidas por sus interpretaciones modernas de la crucifixión de principios de la década de 1960 en forma de tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, Bacon produjo principalmente retratos sorprendentemente compasivos de amigos. Tras el suicidio de su amante, George Dyer, en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y preocupado por temas de muerte. A lo largo de su vida, la obra de Bacon obtuvo una repulsión significativa y una aclamación generalizada.
Lucian Freud, un pintor británico nacido en Alemania, fue reconocido principalmente por sus retratos y pinturas de figuras densamente empastadas, y fue ampliamente considerado el artista británico más destacado de su tiempo. Sus obras se caracterizan por su profunda penetración psicológica y su examen, a menudo inquietante, de la relación entre artista y modelo. Según William Grimes de The New York Times, "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como La muchacha con un perro blanco (1951-1952), Freud empleó el lenguaje pictórico de la pintura tradicional europea para servir a un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que desnudaba la fachada social de la modelo. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban fijamente Con los ojos muy abiertos fuera del lienzo, vulnerable a la inspección despiadada del artista."
Siguiendo el expresionismo abstracto
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta vio el surgimiento de varias direcciones nuevas, como la pintura de bordes duros y otras formas de abstracción geométrica. Estos avances aparecieron en los estudios de artistas y en los círculos radicales de vanguardia, a menudo como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en un destacado defensor de la abstracción pospictórica y fue curador de una influyente exposición de pintura nueva que recorrió los principales museos de arte de los Estados Unidos en 1964. Esta era marcó el surgimiento de la pintura de campos de color, la pintura de bordes duros y la abstracción lírica como nuevos movimientos artísticos importantes.
A finales de la década de 1960, el posminimalismo, el arte procesual y el arte povera también emergieron como conceptos y movimientos revolucionarios. Estos abarcaron tanto la pintura como la escultura, manifestándose a través de la abstracción lírica, el movimiento posminimalista y el arte conceptual temprano. El arte procesal, inspirado en Pollock, permitió a los artistas experimentar y utilizar una amplia gama de estilos, contenidos, materiales, ubicaciones, percepciones temporales, elementos aplásticos y espacio real. Un grupo de artistas más jóvenes, incluidos Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz y Peter Reginato, saltaron a la fama durante este período modernista tardío, que fomentó el florecimiento del arte a finales de los años 1960.
Arte pop
En 1962, la Galería Sidney Janis presentó The New Realists, marcando la importante exposición inaugural de un grupo de arte pop celebrada en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. Esta exposición fue organizada por Janis en una tienda de la calle 57, adyacente al espacio de su galería principal. La exposición influyó significativamente tanto en la Escuela de Nueva York como en el panorama artístico internacional más amplio. Antes de esto, en Inglaterra, en 1958, Lawrence Alloway acuñó el término "Pop Art" para caracterizar las pinturas que reflejan la cultura de consumo prevaleciente en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento artístico divergió del expresionismo abstracto, que enfatizaba la introspección hermenéutica y psicológica, abrazando en cambio representaciones de la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los ejemplos fundamentales dentro de este movimiento incluyen las primeras obras de David Hockney, junto con creaciones de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, en particular la innovadora I was a Rich Man's Plaything de 1947. Al mismo tiempo, dentro de la escena del centro del East Village de Nueva York, específicamente entre las galerías de la Calle 10, los artistas estaban desarrollando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg operó su propio espacio de exhibición, mientras que la Green Gallery en 57th Street comenzó a exhibir las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist. Posteriormente, Leo Castelli expuso las obras de otros destacados artistas estadounidenses, incluidos Andy Warhol y Roy Lichtenstein, a lo largo de la mayor parte de sus respectivas carreras. Existe una conexión discernible entre las obras radicales y humorísticamente rebeldes de los dadaístas Marcel Duchamp y Man Ray, y las creaciones de artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas a menudo replican la estética de los puntos Ben-Day, una técnica empleada en la reproducción comercial.
Minimalismo
El minimalismo abarca movimientos artísticos y de diseño, particularmente dentro del arte visual y la música, donde los practicantes buscan revelar la esencia o identidad fundamental de un tema eliminando sistemáticamente todas las formas, características o elementos conceptuales no esenciales. Fundamentalmente, el minimalismo representa cualquier diseño o enfoque estilístico que emplee la menor cantidad y la menor cantidad de elementos para lograr el impacto más profundo.
Como movimiento artístico distinto, el minimalismo se asocia principalmente con los desarrollos del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, particularmente con las artes visuales estadounidenses durante los años 1960 y principios de los 1970. Los artistas clave vinculados a este movimiento incluyen a Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt y Frank Stella. Sus orígenes se encuentran en los principios reduccionistas del modernismo y con frecuencia se interpreta como una contrarreacción al expresionismo abstracto y una fase de transición que conduce a prácticas artísticas posminimalistas. A principios de la década de 1960, el minimalismo se materializó como un movimiento de arte abstracto, arraigado en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich, la Bauhaus y Piet Mondrian. Rechazó explícitamente la pintura relacional y subjetiva, las intrincadas superficies características del expresionismo abstracto y el zeitgeist emocional y el discurso polémico que prevalecen en la pintura de acción. Los defensores del minimalismo sostenían que la extrema simplicidad era suficiente para transmitir toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se conceptualiza de diversas formas, ya sea como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno por derecho propio. Desde esta última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas; sin embargo, el movimiento se desvió parcialmente de esta trayectoria cuando ciertos artistas, como Robert Morris, se inclinaron hacia el movimiento antiforma.
En su ensayo The Crux of Minimalism, Hal Foster analiza cómo Donald Judd y Robert Morris, a través de sus definiciones publicadas del minimalismo, reconocen y trascienden el modernismo greenbergiano. Foster postula que el minimalismo no representa un "callejón sin salida" para el modernismo, sino que constituye un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que se siguen elaborando en la actualidad".
Música mínima
El alcance de estos términos se ha ampliado para abarcar un movimiento musical caracterizado por la repetición y la iteración, ejemplificado en las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams. Las composiciones minimalistas a veces se denominan música de sistemas. La designación "música minimalista" típicamente describe un estilo musical que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 y 1970, inicialmente asociado con estos compositores específicos. El movimiento minimalista involucró principalmente a estas figuras, junto con otros pioneros menos destacados como Pauline Oliveros, Phill Niblock y Richard Maxfield. En Europa, compositores notables dentro de esta esfera incluyen a Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt y John Tavener.
Postminimalismo
A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten introdujo el término "postminimalismo" para caracterizar el arte derivado del minimalismo pero que incorpora contenidos y matices contextuales que el propio minimalismo evitaba. Pincus-Witten aplicó este término a las obras de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y nuevas creaciones de ex minimalistas como Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt y Barry Le Va. Por el contrario, otros minimalistas, como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin y John McCracken, continuaron produciendo pinturas y esculturas del modernismo tardío a lo largo de sus carreras.
Posteriormente, numerosos artistas han adoptado el minimalismo o el posminimalismo. estética, lo que a menudo lleva a su clasificación bajo la etiqueta de "posmoderno".
Collage, ensamblaje e instalaciones
Un desarrollo vinculado al expresionismo abstracto fue la integración de artículos manufacturados con materiales artísticos tradicionales, divergiendo de las convenciones establecidas de pintura y escultura. La obra de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia; sus "cosechadoras" de la década de 1950, que incorporaban ensamblajes de objetos físicos sustanciales como animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales, sirvieron como precursoras del arte pop y el arte de instalación. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz fueron pioneros fundamentales tanto en la abstracción como en el arte pop. Al establecer nuevas convenciones artísticas, legitimaron la inclusión radical de materiales no convencionales dentro de los círculos serios del arte contemporáneo. Joseph Cornell, otro innovador del collage, creó obras de escala más íntima consideradas radicales debido a su distintiva iconografía personal y su utilización de objetos encontrados.
Neo-Dada
En 1917, Marcel Duchamp presentó un urinario, titulado Fuente, como escultura para la exposición inaugural de la Sociedad de Artistas Independientes, celebrada en el Grand Central Palace de Nueva York. Afirmó su intención de que el urinario fuera percibido como una obra de arte, declarándolo como tal. Esta pieza, firmada con el seudónimo de "R. Mutt", también ejemplifica lo que Duchamp denominó más tarde "readymades". Esta obra y otras creaciones de Duchamp generalmente se clasifican como dadaístas. Duchamp es considerado un precursor del arte conceptual, con otros ejemplos destacados que incluyen 4′33″ de John Cage, una composición de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg. Muchas obras conceptuales postulan que el arte surge de la percepción que tiene el espectador de un objeto o acto como arte, más que de las cualidades intrínsecas de la obra en sí. Al seleccionar "un artículo ordinario de la vida" y generar "un nuevo pensamiento para ese objeto", Duchamp invitó a los observadores a interpretar Fountain como una escultura.
Marcel Duchamp abandonó el "arte" para dedicarse al ajedrez. El compositor de vanguardia David Tudor, en colaboración con Lowell Cross, creó la pieza Reunion (1968), que presenta un juego de ajedrez donde cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección específica. Duchamp y Cage participaron en el juego durante el estreno de la obra.
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como figuras clave en una fase de transición, influenciada por Duchamp, uniendo modernismo y posmodernismo. Ambos artistas incorporaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, al mismo tiempo que conservaban la abstracción y los gestos pictóricos característicos del alto modernismo.
Rendimiento y acontecimientos
A finales de los años cincuenta y sesenta, artistas de diversos orígenes ampliaron el alcance del arte contemporáneo. Entre las figuras clave del arte basado en la performance se encuentran Yves Klein en Francia; Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York; y Joseph Beuys, Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania. Los esfuerzos de colaboración, como los de The Living Theatre, dirigidos por Julian Beck y Judith Malina, involucraron a escultores y pintores en la creación de entornos inmersivos, alterando fundamentalmente la dinámica entre la audiencia y el intérprete, particularmente evidente en su trabajo Paradise Now. De manera similar, el Judson Dance Theatre, ubicado en la Judson Memorial Church de Nueva York, vio a bailarines como Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs y Steve Paxton colaborar con artistas como Robert Morris, Robert Whitman, John Cage y Robert Rauschenberg, junto con ingenieros como Billy Klüver. La Park Place Gallery también sirvió como un lugar importante para actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich y Philip Glass, así como de otros destacados artistas, incluido Joan Jonas.
Estas actuaciones constituyeron una forma de arte novedosa, que integraba escultura, danza y sonido, incorporando con frecuencia la participación del público. Fueron definidos por los principios reduccionistas de la filosofía minimalista y la improvisación espontánea y las cualidades expresivas del expresionismo abstracto. Si bien a veces se utilizan fotografías de las actuaciones de Schneemann, como Interior Scroll, cuyo objetivo era provocar conmoción en el público, para ejemplificar este género, la filosofía modernista de las artes escénicas generalmente se opone a dicha documentación. Los artistas del performance sostienen que el acto en vivo constituye en sí mismo el medio, lo que hace que los medios externos sean incapaces de ilustrarlo verdaderamente. La performance es inherentemente transitoria, efímera e íntima, no está destinada a ser capturada. Las representaciones de artes escénicas a través de imágenes, videos o narrativas inevitablemente imponen perspectivas espaciales o temporales específicas y están limitadas por las limitaciones inherentes de sus respectivos medios. En consecuencia, los artistas afirman que las grabaciones no representan adecuadamente la performance como forma de arte.
Al mismo tiempo, los artistas de vanguardia desarrollaron 'Happenings', que a menudo eran asambleas enigmáticas, espontáneas y sin guión que involucraban a artistas, sus conocidos y familiares en sitios designados. Estos eventos frecuentemente incorporaron elementos de absurdo, compromiso físico, vestuario, desnudez improvisada y acciones aparentemente desconectadas o aleatorias. Entre las figuras destacadas en la creación de Happenings se encuentran Allan Kaprow, quien acuñó el término en 1958, junto con Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman.
Intermedia y Multimedia
Una trayectoria artística distinta vinculada al posmodernismo implica la integración de múltiples medios. El término 'Intermedia', acuñado por Dick Higgins, describe formas de arte emergentes como Fluxus, poesía concreta, objetos encontrados, arte escénico y arte por computadora. Higgins, un poeta concreto, editor de Something Else Press, esposo de la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp, influyó significativamente en este concepto. Ihab Hassan identifica "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos" como una característica definitoria del arte posmoderno. El videoarte, que utiliza cintas de video y monitores CRT, representa una forma predominante de expresión multimedia. Aunque el concepto teórico de sintetizar diversas artes es antiguo y ha experimentado un resurgimiento periódico, su iteración posmoderna frecuentemente se fusiona con el arte escénico. En este contexto, a menudo se resta importancia a la narrativa dramática, poniendo en primer plano las declaraciones específicas del artista o el fundamento conceptual de sus acciones.
Fluxus
Fluxus, un movimiento nombrado y estructurado libremente en 1962 por el artista estadounidense nacido en Lituania George Maciunas (1931-1978), se originó a partir de las clases de Composición Experimental de John Cage celebradas en la Nueva Escuela de Investigación Social de la ciudad de Nueva York entre 1957 y 1959. Muchos participantes en las clases de Cage eran artistas de diversos medios de comunicación con formación musical formal limitada o nula. Entre los estudiantes notables que se convirtieron en miembros fundadores de Fluxus se encuentran Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins.
Fluxus defendió una estética de autoproducción y priorizó la simplicidad sobre los diseños complejos. Haciéndose eco de su predecesor, el dadaísmo, Fluxus mantuvo una pronunciada postura anticomercial y antiarte, criticando el establishment del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una metodología creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus preferían utilizar materiales fácilmente disponibles, participando en la creación independiente o en esfuerzos artísticos colaborativos con sus pares.
Andreas Huyssen critica los esfuerzos por categorizar Fluxus dentro del posmodernismo, caracterizándolo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable; por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". Por el contrario, Huyssen postula a Fluxus como una importante manifestación neodadaísta incrustada dentro del linaje vanguardista más amplio. Si bien no significó una progresión sustancial en las metodologías artísticas, articuló un desafío contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como puntal ideológico de la Guerra Fría".
Música popular de vanguardia
El modernismo mantuvo una relación conflictiva con las formas musicales populares, tanto estructural como estéticamente, y a menudo rechazó de plano la cultura popular. Sin embargo, compositores como Stravinsky incorporaron modismos del jazz en composiciones como "Ragtime" de su obra teatral Histoire du Soldat de 1918 y el Concierto de ébano de 1945.
Durante la década de 1960, a medida que la música popular ascendía en importancia cultural y desafiaba su clasificación como mero entretenimiento comercial, los artistas buscaban cada vez más inspiración en la vanguardia de la posguerra. En 1959, el productor Joe Meek grabó I Hear a New World (lanzado en 1960), un trabajo descrito por Jonathan Patrick de Tiny Mix Tapes' como un "momento fundamental tanto en la música electrónica como en la historia del avant-pop [...] una colección de viñetas pop de ensueño, adornadas con ecos dubby y zarcillos sónicos deformados en cintas", a pesar de su falta inicial de reconocimiento generalizado. Otros ejemplos tempranos de composiciones pop de vanguardia incluyen el tema de 1966 de The Beatles "Tomorrow Never Knows", que integraba elementos de la música concreta, métodos compositivos de vanguardia, música india y manipulación de sonido electroacústico dentro de una estructura pop de tres minutos, y la síntesis de The Velvet Underground de los conceptos de música minimalista y drone de La Monte Young, poesía beat y arte pop de los años 60.
Periodo tardío
Las trayectorias del expresionismo abstracto, la pintura de campos de color, la abstracción lírica, la abstracción geométrica, el minimalismo, el ilusionismo abstracto, el arte procesal, el arte pop, el posminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX, tanto en pintura como en escultura, se extendieron hasta la década inicial del siglo XXI, estableciendo así direcciones innovadoras dentro de estas disciplinas artísticas.
Al ingresar al siglo XXI, destacados artistas establecidos, incluidos Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz y Philip Pearlstein, junto con un grupo de profesionales más jóvenes como Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand y Susan Crile mantuvieron su producción de pinturas y esculturas significativas e impactantes.
Arquitectura moderna
Numerosos rascacielos en Hong Kong y Frankfurt se inspiran en Le Corbusier y en principios arquitectónicos modernistas más amplios. Su estilo distintivo continúa influyendo en el diseño arquitectónico a nivel mundial.
Modernismo en Asia
El académico William J. Tyler señala que los términos "modernismo" y "modernista" se han integrado recientemente en el discurso inglés estándar sobre la literatura japonesa moderna, y persisten dudas sobre su aplicabilidad genuina en comparación con el modernismo de Europa occidental. Tyler considera esto peculiar, dada la prosa claramente moderna evidente en las obras de destacados autores japoneses como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu y Jun'ichirō Tanizaki. Por el contrario, los académicos especializados en artes visuales y bellas artes, arquitectura y poesía adoptaron fácilmente "modanizumu" como un concepto fundamental para analizar y caracterizar la cultura japonesa durante las décadas de 1920 y 1930. Dentro de la fotografía japonesa, un movimiento modernista denominado Shinkō shashin ("Nueva Fotografía") se materializó alrededor de 1930, inspirándose en la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) y el Surrealismo de Alemania. En este contexto, el poeta y fotógrafo Kansuke Yamamoto cultivó un enfoque artístico de influencia surrealista que se comprometió con el modernismo internacional. En 1924, varios escritores japoneses emergentes, entre ellos Kawabata y Riichi Yokomitsu, lanzaron la revista literaria Bungei Jidai ("La era artística"). Esta publicación fue parte integral de un movimiento de "arte por el arte", que absorbió influencias del cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otras estéticas modernistas.
Kenzō Tange (1913-2005), arquitecto modernista japonés, es una de las figuras más influyentes del siglo XX, conocido por integrar la estética tradicional japonesa con principios modernistas y por diseñar importantes estructuras en los cinco continentes. Tange también se desempeñó como un destacado defensor del movimiento metabolista. Articuló su desarrollo conceptual diciendo: "Creo que fue alrededor de 1959 o principios de los años sesenta cuando comencé a pensar en lo que más tarde llamaría estructuralismo". Al principio de su carrera, Tange estuvo significativamente influenciado por el modernista suizo Le Corbusier. Su reconocimiento internacional comenzó en 1949 cuando consiguió la victoria en el concurso para el diseño del Parque Conmemorativo de la Paz de Hiroshima.
En China, los "nuevos sensacionistas" (新感覺派, Xīn Gǎnjué Pài) constituyeron un colectivo de escritores radicados en Shanghai activos durante las décadas de 1930 y 1940. Este grupo exhibió diversos niveles de influencia del modernismo tanto occidental como japonés. Su producción literaria priorizó temas relacionados con el inconsciente y consideraciones estéticas sobre preocupaciones socioeconómicas. Entre los miembros notables de este grupo se encontraban Mu Shiying y Shi Zhecun.
En la India, el Grupo de Artistas Progresistas, situado principalmente en Mumbai, surgió en 1947 como un colectivo de artistas modernos. A pesar de no adherirse a un enfoque estilístico singular, el grupo integró las tradiciones artísticas indias con influencias europeas y norteamericanas desde principios hasta mediados del siglo XX, abarcando movimientos como el posimpresionismo, el cubismo y el expresionismo.
Modernismo en África
Peter Kalliney postula que los conceptos modernistas, en particular la autonomía estética, desempeñaron un papel fundamental en la literatura sobre la descolonización en el África anglófona. Sostiene que escritores como Rajat Neogy, Christopher Okigbo y Wole Soyinka adaptaron interpretaciones modernistas de la autonomía estética para afirmar su liberación de la subyugación colonial, los sistemas de discriminación racial e incluso del naciente Estado poscolonial.
Relación con el posmodernismo
A principios de la década de 1980, el movimiento posmoderno en el arte y la arquitectura solidificó su presencia a través de diversos enfoques conceptuales e intermedios. Sin embargo, el surgimiento del posmodernismo en la música y la literatura es anterior a este período. En música, una obra de referencia caracteriza el posmodernismo como un "término introducido en los años 1970". Por el contrario, en la literatura británica, The Oxford Encyclopaedia of British Literature sugiere que el modernismo comenzó a "ceder su predominio al posmodernismo" ya en 1939. Sin embargo, la cronología precisa sigue siendo muy polémica, particularmente dada la observación de Andreas Huyssen de que "el posmodernismo de un crítico es el modernismo de otro crítico". Esta perspectiva abarca a los académicos que critican la estricta demarcación entre los dos movimientos, viéndolos más bien como facetas interconectadas de una trayectoria continua, y que sostienen que el modernismo tardío persiste.
El modernismo sirve como una designación integral que abarca un amplio espectro de movimientos culturales. En contraste, el posmodernismo representa fundamentalmente un movimiento autoidentificado y centralizado arraigado en la teoría sociopolítica. Sin embargo, el término "posmodernismo" se aplica ahora de manera más amplia para describir actividades culturales a partir del siglo XX que demuestran una conciencia y una reinterpretación de lo moderno.
La teoría posmoderna postula que cualquier intento retrospectivo de canonizar el modernismo conduce inherentemente a contradicciones irreconciliables. Una divergencia fundamental entre el posmodernismo y el modernismo radica en sus respectivos puntos de vista sobre la existencia de la verdad, ya que el posmodernismo critica cualquier afirmación de una verdad singular y discernible. Mientras que los modernistas exploran la verdad a través de varios marcos teóricos (por ejemplo, correspondencia, coherencia, pragmatista, semántico), los posmodernistas adoptan un enfoque negativo, desafiando la posibilidad misma de una verdad accesible.
Más específicamente, no todos los elementos modernistas eran inherentemente posmodernistas. Los aspectos del modernismo que enfatizaban las ventajas de la racionalidad y el avance sociotecnológico siguieron siendo exclusivamente modernistas.
Las respuestas modernistas al posmodernismo abarcan movimientos como el remodernismo, que repudia el cinismo y las tendencias deconstructivas del arte posmoderno, abogando en cambio por un resurgimiento de los primeros principios estéticos modernistas.
Críticas a la Modernidad Tardía
Si bien el modernismo artístico generalmente se opuso a principios capitalistas como el consumismo, la sociedad civil del siglo XX adoptó cada vez más la producción en masa global y la disponibilidad generalizada de bienes asequibles. Esta fase de evolución social, denominada "modernidad tardía" o "alta modernidad", surgió principalmente en las naciones occidentales avanzadas. Jürgen Habermas, un sociólogo alemán, presentó la importante crítica inicial de la cultura de la modernidad tardía en su obra de 1981, La teoría de la acción comunicativa. Otra crítica fundamental de esta era es la publicación de George Ritzer de 1993, La McDonaldización de la Sociedad, en la que el sociólogo estadounidense detalla la influencia generalizada de la cultura de consumo de comida rápida durante la modernidad tardía. Además, varios estudiosos han ilustrado la integración de elementos modernistas en el cine popular y, posteriormente, en los vídeos musicales. El diseño modernista también ha permeado la cultura popular dominante, con formas simplificadas y estilizadas ganando protagonismo, frecuentemente vinculadas a aspiraciones de un futuro de alta tecnología en la era espacial.
En 2008, Janet Bennett contribuyó con La modernidad y sus críticos al Manual de Teoría Política de Oxford. La convergencia de las manifestaciones de la cultura modernista orientadas al consumo y de alto nivel alteró fundamentalmente el concepto de "modernismo". Esta transformación sugirió en primer lugar que un movimiento fundado en el repudio de la tradición se había convertido en una tradición. En segundo lugar, reveló una menor claridad en la distinción entre las culturas modernistas de élite y consumistas de masas. La institucionalización del modernismo llegó a un punto en el que se lo consideró "postvanguardia", lo que significó una pérdida de su ímpetu revolucionario. Numerosos estudiosos han interpretado este cambio como la génesis de la era posmodernista. Por el contrario, figuras como el crítico de arte Robert Hughes veían el posmodernismo como una continuación del modernismo.
Los movimientos "antimodernos" o "contramodernos" abogan por el holismo, la interconexión y la espiritualidad como correctivos del modernismo. Estos movimientos perciben el modernismo como reduccionista, limitando así su capacidad para discernir fenómenos sistémicos y emergentes.
Los artistas tradicionalistas, como Alexander Stoddart, descartan en términos generales el modernismo como el resultado de "una época de dinero falso aliado con una cultura falsa".
El impacto del modernismo ha sido más pronunciado y duradero en ciertos ámbitos que en otros. El arte visual, por ejemplo, ha demostrado la ruptura más amplia con sus precedentes históricos. La mayoría de los centros urbanos importantes cuentan con museos dedicados al arte moderno, lo que lo distingue del arte posrenacentista, que abarca aproximadamente c. 1400 a c. 1900. Ejemplos notables incluyen el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Pinakothek der Moderne de Munich, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París. Estas instituciones normalmente no diferencian entre las fases modernista y posmodernista, considerando ambas como desarrollos integrales dentro del alcance más amplio del arte moderno.
Notas al pie
Notas al pie
Referencias
Fuentes
- Barth, John (1979) The Literature of Replenishment, reeditado posteriormente en The Friday Book (1984).
- Eco, Umberto (1990) Interpreting Serials, en The Limits of Interpretation, páginas 83–100, extracto archivado el 21 de julio de 2011 en Wayback Machine.
- Everdell, William R. (1997) Los primeros modernos: perfiles en los orígenes del pensamiento del siglo XX (Chicago: University of Chicago Press).
- Orton, Fred y Pollock, Griselda (1996) Revisión de vanguardias y partisanos, Universidad de Manchester.
- Steiner, George (1998) Después de Babel, capítulo 6, Topologías de la cultura, tercera edición revisada.
- Berman, Art (1994) Prefacio al modernismo. Prensa de la Universidad de Illinois.
- Ballard, J. G., sobre el modernismo.
- Denzer, Anthony S., PhD, Maestros del Modernismo.
- Hoppé, E. O., fotógrafo, modernistas eduardianos.
- Malady of Writing: Modernism You Can Dance To, un programa de radio en línea que presenta una perspectiva humorística sobre el modernismo.
- Laboratorio de Modernismo en la Universidad de Yale.
- Modernismo/Modernidad, la publicación oficial de la Asociación de Estudios Modernistas.
- Modernismo versus posmodernismo.
- Tobolczyk, Marta (2021). Arquitectura contemporánea: génesis y características de las principales tendencias (PDF). Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing. ISBN 978-1-5275-7039-9. Archivado desde el (PDF) original el 14 de enero de 2025. Consultado el 27 de octubre de 2024.Fuente: Archivo de la Academia TORIma