Conceptual art

Arte conceptual, también conocido como conceptualismo, denota una práctica artística en la que los conceptos o ideas subyacentes se priorizan por igual o por encima de las consideraciones estéticas, técnicas y materiales tradicionales. Cualquiera puede realizar algunas obras de arte conceptuales simplemente siguiendo un conjunto de instrucciones escritas. Esta metodología fue fundamental para la definición de arte conceptual del artista estadounidense Sol LeWitt, que fue una de las primeras en publicarse:

En el arte conceptual, la idea o concepto constituye el aspecto más crucial de la obra. Cuando un artista emplea una forma artística conceptual, toda la planificación y las decisiones se hacen de antemano, lo que hace que la ejecución sea un asunto superficial. La idea funciona así como un mecanismo que genera el arte.

Tony Godfrey, autor de Conceptual Art (Art & Ideas) (1998), afirma que el arte conceptual cuestiona fundamentalmente la naturaleza del arte. Esta noción fue elevada por Joseph Kosuth a una definición del arte mismo en su primer manifiesto seminal de arte conceptual, El arte después de la filosofía (1969). La idea de que el arte debería examinar su propia esencia ya era un elemento potente en la visión del influyente crítico de arte Clement Greenberg sobre el arte moderno durante la década de 1950. Sin embargo, con el surgimiento del arte exclusivamente basado en el lenguaje en la década de 1960, artistas conceptuales como Art & Language, Joseph Kosuth (que se convirtió en el editor estadounidense de Art-Language) y Lawrence Weiner iniciaron un interrogatorio del arte mucho más radical de lo que había sido posible anteriormente. Un aspecto principal que cuestionaron fue la suposición común de que el papel del artista era crear tipos específicos de objetos materiales.

A través de su asociación con los Jóvenes Artistas Británicos y el Premio Turner durante la década de 1990, el "arte conceptual" en el uso popular, particularmente en el Reino Unido, pasó a significar todo el arte contemporáneo que no emplea habilidades tradicionales de pintura y escultura. Una razón para la asociación del término con diversas prácticas contemporáneas, muy alejadas de sus objetivos y formas originales, radica en la dificultad inherente de definir el término en sí. Como sugirió el artista Mel Bochner ya en 1970, al explicar su disgusto por el epíteto "conceptual", no siempre está del todo claro a qué se refiere "concepto", y se corre el riesgo de confundirlo con "intención". Por lo tanto, al describir o definir una obra de arte como conceptual, es crucial no confundir lo que se denomina "conceptual" con la "intención" de un artista.

Precursores históricos

El artista francés Marcel Duchamp influyó significativamente en los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales, como sus readymades. El más famoso de los readymades de Duchamp fue Fountain (1917), un urinario estándar firmado por el artista con el seudónimo de "R. Mutt" y presentado para su inclusión en la exposición anual sin jurado de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York (que lo rechazó). Las convenciones artísticas tradicionales no suelen clasificar un objeto común (como un urinario) como arte porque no es creado por un artista con intención artística ni es único o está hecho a mano. La relevancia y la importancia teórica de Duchamp para los futuros "conceptualistas" fueron reconocidas más tarde por el artista estadounidense Joseph Kosuth en su ensayo de 1969, Art after Philosophy, donde afirmó: "Todo el arte (después de Duchamp) es conceptual (por naturaleza) porque el arte sólo existe conceptualmente".

En 1956, Isidore Isou, el fundador del letrismo, desarrolló la noción de una obra de arte que, por su propia naturaleza, nunca podría crearse físicamente. pero, no obstante, podía proporcionar recompensas estéticas a través de la contemplación intelectual. Este concepto, también denominado Art esthapériste (o "estética-infinita"), derivó de los infinitesimales de Gottfried Wilhelm Leibniz, cantidades que en realidad no podrían existir excepto conceptualmente. A partir de 2013, la encarnación actual del movimiento isouiano, el Excoördismo, se define a sí mismo como el arte de lo infinitamente grande y lo infinitamente pequeño.

Orígenes

En 1961, el filósofo y artista Henry Flynt introdujo el término "arte conceptual" en un artículo del mismo título, publicado dentro de la compilación proto-Fluxus An Anthology of Chance Operations. Flynt afirmó que su "arte conceptual" se originó a partir de su teoría del "nihilismo cognitivo", que postula que las paradojas lógicas disminuyen la sustancia inherente de los conceptos. Utilizando las estructuras de la lógica y las matemáticas, el arte conceptual pretendía trascender tanto las matemáticas como la música formalista predominante dentro de las comunidades artísticas serias. En consecuencia, Flynt argumentó que para que una obra calificara como arte conceptual, tenía que examinar críticamente la lógica o las matemáticas, empleando un concepto lingüístico como medio principal, una característica notablemente ausente del "arte conceptual" posterior.

El término posteriormente adquirió una interpretación distinta cuando fue adoptado por Joseph Kosuth y el grupo English Art and Language. Estos profesionales rechazaron los objetos de arte tradicionales y optaron en cambio por una investigación crítica documentada, iniciada en 1969 con Art-Language: The Journal of Conceptual Art, sobre las dimensiones sociales, filosóficas y psicológicas del papel del artista. A mediados de la década de 1970, sus esfuerzos habían dado como resultado una diversa gama de productos, incluidas publicaciones, índices, performances, textos y pinturas. La exposición inaugural dedicada al arte conceptual, Conceptual Art and Conceptual Aspects, se presentó en el Centro Cultural de Nueva York en 1970.

Críticas al formalismo y la mercantilización del arte

El arte conceptual se materializó como un movimiento significativo durante la década de 1960, en parte en oposición al formalismo defendido por el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg. Greenberg postuló que el arte moderno progresó a través de un proceso sistemático de reducción y refinamiento, con el objetivo de delinear la esencia formal y fundamental de cada medio artístico. En consecuencia, debían eliminarse todos los elementos percibidos como antitéticos a esta naturaleza intrínseca. Por ejemplo, el objetivo de la pintura, en opinión de Greenberg, era definir con precisión su naturaleza objetual inherente: lo que constituye una pintura y la distingue de otras formas. Dado que las pinturas son objetos inherentemente planos con superficies de lienzo para la aplicación de pigmentos, elementos como la figuración, la ilusión de perspectiva tridimensional y las alusiones a temas externos se consideraron ajenos a la esencia central de la pintura y, por lo tanto, requirieron su eliminación.

Algunos estudiosos sostienen que el arte conceptual amplió la "desmaterialización" del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos físicos. Por el contrario, otros, incluidos muchos artistas, vieron el arte conceptual como una desviación fundamental del modernismo formalista de Greenberg. Si bien los artistas posteriores mantuvieron una inclinación compartida por la autocrítica del arte y un desdén por la ilusión, a finales de la década de 1960 se hizo evidente que las restricciones de Greenberg (que exigían que el arte permaneciera dentro de los límites específicos del medio y excluyeran los temas externos) ya no prevalecían. El arte conceptual también constituyó una reacción contra la mercantilización del arte. Intentó subvertir el papel de la galería o museo como lugar principal y árbitro del arte, y del mercado del arte como su propietario y distribuidor. Lawrence Weiner articuló este sentimiento, afirmando: "Una vez que conoces una obra mía, eres dueña de ella. No hay manera de que pueda meterme en la cabeza de alguien y sacársela". En consecuencia, gran parte del trabajo de los artistas conceptuales es accesible principalmente a través de su documentación (como fotografías, textos escritos u objetos expuestos) que, según algunos, no son el arte en sí. En ciertos casos, ejemplificados por las prácticas de Robert Barry, Yoko Ono y Weiner, la obra se resume en un conjunto de instrucciones escritas que describen una obra de arte sin producirla realmente, enfatizando así la primacía de la idea sobre el artefacto. Esta metodología sustenta el Arte Protocolar, que profundiza en la certificación administrativa y física del acto artístico. Este enfoque subraya una clara preferencia por el componente "arte" dentro de la dicotomía percibida entre arte y artesanía, donde el arte, a diferencia de la artesanía, opera dentro del discurso histórico y contribuye al mismo; por ejemplo, las instrucciones escritas de Ono adquieren un mayor significado contextual cuando se consideran junto con otro arte conceptual de esa época.

El lenguaje como medio artístico

El lenguaje constituyó un foco fundamental para la ola inicial de artistas conceptuales durante los años 1960 y principios de los 1970. Si bien la incorporación del texto a la práctica artística no tuvo precedentes, fue específicamente en la década de 1960 cuando artistas como Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry y Art & El lenguaje comenzó a crear arte únicamente a través de modalidades lingüísticas. A diferencia de períodos anteriores, donde el lenguaje funcionaba como un componente visual complementario subordinado a una estructura compositiva más amplia (como lo ejemplifica el cubismo sintético), los artistas conceptuales emplearon el lenguaje como medio principal, suplantando herramientas tradicionales como el pincel y el lienzo, permitiéndole así transmitir significado de forma autónoma. Respecto a la obra de Lawrence Weiner, Anne Rorimer observa que "el contenido temático de las obras individuales se deriva únicamente de la importancia del lenguaje empleado, mientras que los medios de presentación y la ubicación contextual desempeñan papeles cruciales, aunque separados".

Peter Osborne, filósofo británico y destacado teórico del arte conceptual, postula que la inclinación hacia el arte basado en el lenguaje dentro del conceptualismo estuvo significativamente influenciada por el cambio de mediados del siglo XX hacia teorías lingüísticas del significado, evidente tanto en la analítica angloamericana filosofía y filosofía continental estructuralista y postestructuralista. Este cambio lingüístico fundamental "reforzó y legitimó" efectivamente la trayectoria artística adoptada por los artistas conceptuales. Osborne destaca además que los conceptualistas pioneros representaron la primera generación de artistas en obtener títulos universitarios formales en arte. En una conferencia pública pronunciada en la Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota en Como el 9 de julio de 2010, Osborne afirmó posteriormente que el arte contemporáneo es post-conceptual. Esta afirmación opera en el nivel ontológico de la obra de arte en sí, en lugar de simplemente describir un estilo o movimiento.

Edward A. Shanken, un historiador del arte estadounidense, cita a Roy Ascott como un ejemplo que "demuestra poderosamente las intersecciones significativas entre el arte conceptual y el arte-y-tecnología, explotando la autonomía convencional de estas categorías histórico-artísticas". Ascott, reconocido como el artista británico más íntimamente vinculado con el arte cibernético en Inglaterra, estuvo notablemente ausente en Cybernetic Serendipity debido a su aplicación predominantemente conceptual de la cibernética, que no incorporaba abiertamente la tecnología. Por el contrario, a pesar de que su ensayo "La construcción del cambio" (1964), que exploraba la aplicación de la cibernética al arte y la pedagogía del arte, fue citado en la página de dedicatoria (a Sol LeWitt) de la seminal obra de Lucy R. Lippard Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972, las contribuciones pioneras de Ascott al desarrollo del arte conceptual en Gran Bretaña han obtenido un reconocimiento limitado. reconocimiento, potencialmente (e irónicamente) debido a su fuerte afiliación con el arte y la tecnología. Otra intersección crucial fue investigada a través del empleo del tesauro por parte de Ascott en su trabajo de 1963, *conexiones telemáticas:: línea de tiempo*, que explícitamente era paralelo a las características taxonómicas de los lenguajes verbales y visuales. Este concepto fue adoptado posteriormente en la Segunda investigación, Proposición 1 de Joseph Kosuth (1968) y en los Elementos de un mapa incompleto de Mel Ramsden (1968).

Reseña histórica contemporánea

El protoconceptualismo tiene sus orígenes en el surgimiento del modernismo, ejemplificado por figuras como Manet (1832–1883) y posteriormente Marcel Duchamp (1887–1968). La fase inicial del movimiento de "arte conceptual" abarcó aproximadamente de 1967 a 1978. Artistas "conceptuales" pioneros, incluidos Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) y Ray Johnson (1927–1995), influyeron significativamente en el movimiento de arte conceptual posterior, ampliamente reconocido. Destacados artistas conceptuales como Dan Graham, Hans Haacke y Lawrence Weiner han ejercido una influencia considerable en las generaciones posteriores de artistas. En consecuencia, profesionales contemporáneos de renombre como Mike Kelley o Tracey Emin son categorizados ocasionalmente como conceptualistas de "segunda o tercera generación", o artistas "postconceptuales" (donde el prefijo "Post-" en el arte a menudo denota una relación de derivación o consecuencia). Los desarrollos recientes, ejemplificados por el Arte Protocolar, perpetúan esta trayectoria evolutiva al reorientar el enfoque del concepto desmaterializado a la autenticación administrativa y física del acto artístico.

Los artistas contemporáneos frecuentemente abordan temas originados en el movimiento del arte conceptual, independientemente de si se identifican como "artistas conceptuales". Conceptos centrales como la antimercantilización, la crítica sociopolítica y la utilización de ideas o información como medios artísticos siguen siendo parte integral de las prácticas artísticas contemporáneas, particularmente dentro del arte de instalación, el arte escénico, la intervención artística, el net.art y el arte electrónico/digital.

Renacimiento

El arte neoconceptual abarca prácticas artísticas desde los años 1980, y particularmente desde los años 1990 hasta la actualidad, que derivan del movimiento de arte conceptual de los años 1960 y 1970. Las iniciativas posteriores incluyen a los conceptualistas de Moscú, los neoconceptualistas estadounidenses como Sherrie Levine y los jóvenes artistas británicos, en particular Damien Hirst y Tracey Emin en el Reino Unido.

Parodia

El movimiento es parodiado en la novela Pandora de Jilly Cooper de 2002.

Ejemplos destacados

• 1913: Rueda de bicicleta (Roue de Bicyclette) de Marcel Duchamp, un ready-made asistido compuesto por una rueda de bicicleta montada por su horquilla sobre un taburete de madera pintada. Aunque el concepto de readymade se formalizó dos años después, esta pieza se considera la primera. La obra original se ha perdido y también se la reconoce como la primera escultura cinética.
• 1914: Bottle Rack de Marcel Duchamp (también conocido como Bottle Dryer o Hedgehog), o en francés, Egouttoir, Porte-bouteilles o Hérisson. Duchamp compró este ready-made, un estante para secar botellas de hierro galvanizado, como una escultura "ya hecha", pero permaneció en su estudio de París. En 1916, dos años más tarde, mientras mantenía correspondencia desde Nueva York con su hermana Suzanne Duchamp en Francia, expresó su deseo de designarlo formalmente como readymade; sin embargo, Suzanne, que supervisaba su estudio de París, ya se había deshecho del objeto.
• 1915: En avance del brazo roto (En prévision du bras cassé) de Marcel Duchamp, un readymade compuesto por una pala quitanieves en la que Duchamp inscribió meticulosamente su título. Esta pieza marca la primera vez que el artista designa oficialmente una obra de arte como "readymade".
• 1916–17: Apolinère Esmaltado, 1916–1917. Este readymade rectificado es un anuncio de pintura Sapolin modificado.
• 1917: Fuente de Marcel Duchamp, que un artículo en The Independent describió como la invención del arte conceptual. También representa un ejemplo temprano de crítica institucional.
• 1917: Perchero (Porte-chapeaux) de Marcel Duchamp, alrededor de c. 1917. Este readymade consta de un perchero de madera.
• 1919: L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp, un ready-made rectificado. Esta obra presenta una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, en la que Duchamp dibujó una perilla y un bigote, titulándolo con un juego de palabras grosero.
• 1921: ¿Por qué no estornudar, Rose Sélavy? de Marcel Duchamp, un ready-made asistido. Esta pieza está formada por cubos de mármol con forma de terrones de azúcar, acompañados de un termómetro y huesos de sepia, todo ello contenido dentro de una pequeña jaula para pájaros.
• 1921: Belle Haleine, Eau de Voilette de Marcel Duchamp, un ready-made asistido. Esta obra consta de un frasco de perfume alterado presentado dentro de su caja original.
• 1952: El estreno de la composición de tres movimientos del compositor experimental estadounidense John Cage, 4′33″, tuvo lugar el 29 de agosto de 1952. El pianista David Tudor interpretó la obra en el Maverick Concert Hall de Woodstock, Nueva York, como parte de un recital de música de piano contemporánea. Se interpreta comúnmente como "cuatro minutos treinta y tres segundos de silencio".
• 1953: Robert Rauschenberg produjo Dibujo borrado de Kooning, una obra de arte creada borrando un dibujo de Willem de Kooning. Esta pieza suscitó preguntas importantes sobre la naturaleza fundamental del arte, desafiando a los espectadores a considerar si el acto de borrar la obra de otro artista podría ser un acto creativo y si su validez artística se derivaba únicamente de la celebridad de Rauschenberg.
• 1955: Rhea Sue Sanders creó sus textos iniciales para la serie pièces de complices, integrando el arte visual con la poesía y la filosofía. Este trabajo introdujo el concepto de complicidad, postulando que el espectador debe completar la obra de arte dentro de su propia imaginación.
• 1958: George Brecht desarrolló la Event Score, un concepto que posteriormente se convirtió en una característica central de Fluxus. Brecht, Dick Higgins, Allan Kaprow, Al Hansen, Jackson MacLow y otros estudiaron con John Cage en The New School entre 1958 y 1959, un período que contribuyó directamente a la creación de Happenings, Fluxus y el arte conceptual de Henry Flynt. Las puntuaciones de eventos son instrucciones sencillas para completar tareas cotidianas, que pueden realizarse de forma pública, privada o no realizarse en absoluto.
• En 1958, Wolf Vostell presentó Das Theatre ist auf der Straße/El teatro está en la calle, reconocido como el Happening inaugural en Europa.
• En 1961, Piero Manzoni exhibió Mierda de artista, una serie de latas que supuestamente contenían sus propias heces, que puso a la venta por su peso equivalente en oro. El contenido de estas latas sigue sin verificarse, ya que abrirlas comprometería la obra de arte. Manzoni también comercializó su aliento exhalado, encapsulado en globos, bajo el título Cuerpos de aire. Además, firmó los cuerpos de los individuos, designándolos así como obras de arte vivas, ya sea por períodos perpetuos o definidos, dependiendo de su pago. Entre las figuras destacadas declaradas como "obras de arte" mediante este método se incluyen Marcel Broodthaers y Primo Levi.
• En 1962, el artista Barrie Bates experimentó un cambio de marca, adoptando el apodo de Billy Apple y descartando su identidad anterior para avanzar en su investigación artística sobre la vida cotidiana y las prácticas comerciales. En ese momento, una parte importante de sus creaciones eran producidas por fabricantes externos.
• En 1962, Yves Klein dirigió varias ceremonias a lo largo del Sena, presentando Sensibilidad pictórica inmaterial. Durante estos eventos propuso vender su "sensibilidad pictórica" ​​-concepto que no definió- a cambio de pan de oro. Los compradores presentaban a Klein pan de oro y recibían un certificado. Dada la naturaleza inmaterial de la sensibilidad de Klein, posteriormente se ordenó al comprador que quemara el certificado, mientras Klein arrojaba simultáneamente al río la mitad de la hoja de oro recibida. Siete personas participaron en estas transacciones.
• El FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik tuvo lugar en Wiesbaden en 1962, con contribuciones de George Maciunas, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros artistas.
• En 1963, George Maciunas publicó la compilación de Event-Scores de George Brecht, titulada Water Yam, como el Fluxkit inaugural.
• En 1964, Yoko Ono publicó Pomelo: un libro de instrucciones y dibujos, una obra que ejemplifica el arte heurístico a través de la provisión de instrucciones diseñadas para facilitar una experiencia estética.
• En 1965, Michael Baldwin, cofundador de Art & Lenguaje, creado Pieza de espejo. Esta obra de arte, que se aleja de la pintura tradicional, incorporó una disposición variable de espejos, lo que atrajo tanto al espectador como al desafío del marco teórico de Clement Greenberg.
• Joseph Kosuth atribuye la conceptualización de Una y tres sillas a 1965. La presentación de la obra de arte comprende una silla física, una fotografía de esa silla y una definición ampliada del diccionario de la palabra "silla", seleccionada por Kosuth. Se han documentado cuatro versiones distintas de esta obra, cada una con una definición diferente.
• Concebido en 1966, Art & The Air Conditioning Show de Language se publicó posteriormente como artículo en la edición de noviembre de 1967 de la Arts Magazine.
• En 1967, Mel Ramsden produjo sus primeras pinturas 100% abstractas. Esta obra de arte en particular presenta una lista que detalla los componentes químicos que forman la sustancia material de la pintura.
• En 1968, Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge y Harold Hurrell cofundaron el colectivo Art & Idioma.
• En 1968, Lawrence Weiner articuló su "Declaración de intenciones", una declaración fundamental en el arte conceptual que siguió a los "Párrafos sobre arte conceptual" de LeWitt, negando así la necesidad de la fabricación física en su práctica artística. Esta declaración, que informó su metodología posterior, establece: "1. El artista puede construir la pieza. 2. La pieza puede ser fabricada. 3. No es necesario construir la pieza. Siendo cada uno igual y consistente con la intención del artista, la decisión sobre las condiciones recae en el receptor en el momento de la administración judicial".
• El año 1969 marcó el establecimiento de la ola inicial de lugares de exhibición alternativos en Nueva York, entre los que destacan APPLE de Billy Apple, Gain Ground de Robert Newman (un sitio donde Vito Acconci creó numerosas obras tempranas importantes) y 112 Greene Street.
• En 1973, Jacek Tylicki inició la práctica de colocar lienzos en blanco u hojas de papel en entornos naturales, permitiendo que la naturaleza actuara como creadora artística.
• Entre 1973 y 1979, Mary Kelly desarrolló su Documento posparto, un trabajo de seis partes que narra los primeros seis años del cuidado de su hijo. Empleando una perspectiva psicoanalítica y feminista, esta pieza investiga la dinámica madre-hijo y examina tanto la identidad en desarrollo de su hijo como la suya propia.
• En 1981, Joey Skaggs orquestó el engaño Metamorfosis: cura milagrosa para las cucarachas,, haciéndose pasar por el Dr. Josef Gregor y afirmando el descubrimiento de un remedio universal derivado de las hormonas de las cucarachas. Esta actuación, que fusionó afirmaciones científicas absurdas con comentarios sociales, reveló la credulidad de los medios y mostró la aplicación del arte conceptual por parte de Skaggs para cuestionar la dependencia pública de la autoridad y el conocimiento especializado.
• En 1982, la ópera Victorine de Art & La presentación de Language estaba prevista en Kassel durante la documenta 7, destinada a acompañar la exposición de Art & Estudio de Language en 3 Wesley Place pintado por actores; sin embargo, la actuación finalmente fue cancelada.
• En 1990, Ashley Bickerton y Ronald Jones aparecieron en la exposición "Mind Over Matter: Concept and Object" en el Museo Whitney de Arte Americano, que mostraba a "artistas conceptuales de tercera generación".
• En 1991, Ronald Jones presentó una exposición en Metro Pictures Gallery, presentando objetos y textos que exploraban el arte, la historia y la ciencia a través del lente de crudas realidades políticas.
• En 1991, Charles Saatchi proporcionó financiación a Damien Hirst y, al año siguiente, la Galería Saatchi expuso La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Hirst, una obra de arte que consiste en un tiburón conservado en formaldehído dentro de una vitrina.
• En 1992, Maurizio Bolognini inició el "sellado" de sus Máquinas Programadas, un proyecto que involucra cientos de computadoras programadas para funcionar indefinidamente, generando interminables flujos de imágenes aleatorias e invisibles.
• En 1999, Tracey Emin recibió una nominación al Premio Turner, con su exposición que incluía My Bed, una cama desaliñada rodeada de detritos personales como condones, ropa interior manchada de sangre, biberones y pantuflas.
• En 2001, Martin Creed recibió el Premio Turner por su pieza Obra n.º 227: Las luces encendidas y apagadas, que comprendía una habitación vacía donde las luces se encendían y apagaban de forma intermitente.
• En 2003, damali ayo presentó Flesh Tone #1: Skinned en el Centro de Arte Contemporáneo de Seattle, WA. En este autorretrato colaborativo, ella solicitó mezcladores de pintura de ferreterías locales para formular pintura para el hogar que combinara con diferentes áreas de su cuerpo, y las interacciones se documentaron.
• En 2005, Simon Starling recibió el Premio Turner por Shedboatshed, una obra de arte que implicaba transformar un cobertizo de madera en un barco, navegarlo por el río Rin y posteriormente convertirlo nuevamente en un cobertizo.
• En 2005, David Lynch creó la serie de vídeos Weather Report. Los críticos han caracterizado la serie Weather Report de Lynch como una forma de arte conceptual o basada en la performance, observando que su formato ritualizado, diario, repetitivo, minimalista y autoeditado se alinea con el enfoque del conceptualismo en el proceso y la elevación de las acciones cotidianas. Aunque no está categorizada universalmente como tal, la serie ha logrado una amplia circulación en línea y ocasionalmente se hace referencia a ella en discusiones sobre arte conceptual posminimal y orientado a procesos.
• En 2014, Olaf Nicolai diseñó el Monumento a las Víctimas de la Justicia Militar Nazi, situado en la Ballhausplatz de Viena, tras su victoria en un concurso internacional. La inscripción que adorna la escultura de tres escalones presenta un poema de dos palabras del poeta escocés Ian Hamilton Finlay (1924-2006): completamente solo.
• En 2019, Maurizio Cattelan vendió dos ediciones de Comedian, una obra de arte que representa un plátano pegado a una pared con cinta adhesiva, por 120.000 dólares cada una, atrayendo así una considerable atención de los medios.

Artistas conceptuales destacados

Referencias

Referencias

Libros

Libros

• Harrison, Carlos. Ensayos sobre arte y literatura Idioma. Prensa del MIT, 1991.
• Harrison, Charles. Arte conceptual y pintura: más ensayos sobre arte y pintura. Idioma. Prensa del MIT, 2001.
• Migliorini, Ermanno. Arte Conceptual. Florencia, 1971.
• Honnef, Klaus. Arte conceptual. Colonia: Phaidon, 1972.
• Meyer, Úrsula, ed. Arte Conceptual. Nueva York: Dutton, 1972.
• Lippard, Lucy R. Seis años: la desmaterialización del objeto de arte de 1966 a 1972. 1973. Berkeley: University of California Press, 1997.
• Battcock, Gregory, ed. Idea Art: una antología crítica. Nueva York: E. P. Dutton, 1973.
• Schilling, Jürgen. Acción de arte. ¿Identität von Kunst und Leben? Verlag C.J. Bucher, 1978, ISBN 3-7658-0266-2.
• Aliaga, Juan Vicente y José Miguel G. Cortés, ed. Arte Conceptual Revisado/Conceptual Art Revisited. Valencia: Universidad Politécnica de Valencia, 1990.
• Dreher, Thomas. Konzeptuelle Kunst in Amerika und England zwischen 1963 und 1976 (Tesis, Ludwig-Maximilians-Universität, München). Fráncfort del Meno: Peter Lang, 1992.
• Morgan, Robert C. Arte conceptual: una perspectiva estadounidense. Jefferson, Carolina del Norte/Londres: McFarland, 1994.
• Morgan, Robert C. El arte en ideas: ensayos sobre arte conceptual. Cambridge et al.: Cambridge University Press, 1996.
• Harrison, Charles y Paul Wood. Arte en teoría: 1900-1990. Editorial Blackwell, 1993.
• Godfrey, Tony. Arte Conceptual. Londres, 1998.
• Editores Alexander Alberro y Blake Stimson. Arte conceptual: una antología crítica. Cambridge, Massachusetts y Londres: MIT Press, 1999.
• Editado por Michael Newman y Jon Bird. Reescritura del arte conceptual. Londres: Reaktion, 1999.
• Rorimer, Ana. Nuevo arte en los años 60 y 70: redefiniendo la realidad. Londres: Támesis y Londres Hudson, 2001.
• Osborne, Pedro. Arte Conceptual (Temas y Movimientos). Phaidon, 2002.
• Alberro, Alejandro. Arte conceptual y política de la publicidad. Prensa del MIT, 2003.
• Editado por Michael Corris. Arte conceptual: teoría, práctica, mito. Cambridge, Inglaterra: Cambridge University Press, 2004.
• Marzona, Daniel. Arte Conceptual. Colonia: Taschen, 2005.
• Roberts, Juan. Las intangibilidades de la forma: habilidad y descalificación en el arte después del readymade. Londres y Nueva York: Verso Books, 2007.
• Goldie, Peter y Elisabeth Schellekens. ¿Quién teme al arte conceptual? Abingdon: Routledge, 2010. VIII, 152 páginas: ilustraciones; 20cm. ISBN 0-415-42281-7 (tapa dura); ISBN 978-0-415-42281-9 (tapa dura); ISBN 0-415-42282-5 (rústica); ISBN 978-0-415-42282-6 (rústica).

Ensayos

• Epstein, Mikhail, Alexander Genis y Slobodanka Vladiv-Glover. (2016) [1999]. "Tesis sobre metarrealismo y conceptualismo (1983)". En Posmodernismo ruso: nuevas perspectivas sobre la cultura postsoviética, traducido por Slobodanka Vladiv-Glover (edición revisada), 169-176. Nueva York; Oxford: Libros Berghahn. ISBN 978-1-78238-864-7.Revista de Educación Estética (de próxima publicación, 2016).

Catálogos de exposiciones

• Cuadros de diagramas y estructuras analógicas. Catálogo de exposición. Londres: Molton Gallery, 1963.
• 5 al 31 de enero de 1969. Catálogo de exposición. Nueva York: Seth Siegelaub, 1969.
• Cuando las actitudes toman forma. Catálogo de exposición. Berna: Kunsthalle Bern, 1969.
• 557.087. Catálogo de exposición. Seattle: Museo de Arte de Seattle, 1969.
• Concepción/Concepción. Catálogo de exposición. Leverkusen: Städtisches Museum Leverkusen et al., 1969.
• Arte Conceptual y Aspectos Conceptuales. Catálogo de exposición. Nueva York: Centro Cultural de Nueva York, 1970.
• Arte en la Mente. Catálogo de exposición. Oberlin, Ohio: Museo de Arte Allen Memorial, 1970.
• Información. Catálogo de exposición. Nueva York: Museo de Arte Moderno, 1970.
• Software. Catálogo de exposición. Nueva York: Museo Judío, 1970.
• Conceptos de situación. Catálogo de exposición. Innsbruck: Forum für aktuelle Kunst, 1971.
• Arte conceptual I. Catálogo de exposición. Burdeos: capcMusée d’art contemporain de Bordeaux, 1988.
• El arte conceptual. Catálogo de exposición. París: ARC–Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1989.
• Editado por Christian Schlatter. Art Conceptuel Formes Conceptuelles/Arte Conceptual Formas Conceptuales. Catálogo de exposición. París: Galerie 1900–2000 y Galerie de Poche, 1990.
• Reconsiderando el objeto de arte: 1965-1975. Catálogo de exposición. Los Ángeles: Museo de Arte Contemporáneo, 1995.
• Conceptualismo global: puntos de origen, décadas de 1950 a 1980. Catálogo de exposición. Nueva York: Museo de Arte de Queens, 1999.
• Sistemas abiertos: repensar el arte c. 1970. Catálogo de exposición. Londres: Tate Modern, 2005.
• Arte y cultura Idioma incompleto: la colección Philippe Méaille. Prensa MACBA, 2014.
• Años luz: arte conceptual y fotografía 1964-1977. Catálogo de exposición. Chicago: Instituto de Arte de Chicago, 2011.

• Medios relacionados con el arte conceptual en Wikimedia Commons
• Arte y cultura Lenguaje incompleto: Colección Philippe Méaille, MACBA Archivado el 29 de julio de 2017 en Wayback Machine
• Años luz: arte conceptual y fotografía, 1964-1977 en el Instituto de Arte de Chicago
• Schellekens, Elisabeth. "Arte Conceptual". En Zalta, Edward N. (ed.), Enciclopedia de Filosofía de Stanford. ISSN 1095-5054. OCLC 429049174.Fuente: Archivo de la Academia TORIma