Op art, abreviatura de arte óptico, denota un estilo de arte visual caracterizado por la utilización de patrones geométricos distorsionados o manipulados, frecuentemente empleados para generar ilusiones ópticas. Este movimiento, que se originó a principios del siglo XX, ganó una popularidad significativa a partir de la década de 1960, y el término "arte óptico" se acuñó en 1964.
Las obras de arte óptico son predominantemente abstractas, con varios ejemplos destacados ejecutados en paletas monocromáticas. Estas piezas evocan característicamente en el observador percepciones de movimiento, imágenes ocultas, patrones pulsantes y oscilantes, o expansión y distorsión volumétrica. Por el contrario, la técnica del trompe-l'œil, significativamente más antigua, representa consistentemente sujetos figurativos, representados con una ilusión de profundidad tridimensional.
Contexto histórico
El ilusionismo, que se centra en la percepción de un espacio expansivo dentro de un plano bidimensional, ha estado presente desde las etapas incipientes de la historia del arte. Sin embargo, los precursores del Op art, particularmente en lo que respecta a los efectos gráficos y el interés por fenómenos ópticos inusuales, se pueden discernir en movimientos como el neoimpresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo y el dadaísmo. Los Divisionistas, un colectivo de artistas neoimpresionistas, se esforzaron por aumentar la luminosidad percibida de sus lienzos empleando ilusiones y principios ópticos. László Moholy-Nagy fue pionero en el Op art fotográfico e instruyó sobre el tema en la Bauhaus; Un ejercicio pedagógico notable involucró a los estudiantes creando perforaciones en tarjetas y posteriormente fotografiandolas.
La revista Time introdujo formalmente el término op art en 1964, específicamente en reacción a la exposición de Julian Stanczak, Pinturas ópticas en la galería Martha Jackson. Esta designación se refería a un género de arte abstracto (específicamente arte no objetivo) que incorpora ilusiones ópticas. Sin embargo, las creaciones artísticas ahora clasificadas como "Op art" se habían desarrollado durante varios años antes de la publicación de Time en 1964. Por ejemplo, la pintura de Victor Vasarely de 1938, Cebras, consta exclusivamente de franjas curvilíneas en blanco y negro que carecen de líneas de contorno definidas. Como resultado, estas rayas generan el efecto visual de fusionarse y proyectarse simultáneamente con el fondo circundante. Además, los paneles iniciales "deslumbrantes" en blanco y negro de John McHale, exhibidos en la exposición This Is Tomorrow en 1956, y su serie Pandora, presentada en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1962, ejemplifican las primeras características del proto-op art. Martin Gardner exploró el Op art y sus fundamentos matemáticos en su columna "Mathematical Games", publicada en Scientific American en julio de 1965. En Italia, Franco Grignani, inicialmente formado como arquitecto, emergió como una figura destacada en el diseño gráfico, siendo el Op art y el arte cinético el núcleo de su práctica. Su logotipo Woolmark, introducido en Gran Bretaña en 1964, es posiblemente su diseño más famoso.
El arte óptico probablemente exhibe una derivación más cercana de las metodologías constructivistas prevalecientes en la Bauhaus. Esta institución alemana, establecida por Walter Gropius, enfatizó la conexión intrínseca entre forma y función, operando dentro de un marco analítico y racional. Se instruyó a los estudiantes a priorizar el diseño holístico o la estructura compositiva completa para lograr resultados artísticos cohesivos. Además, el Op art tiene su origen en el trompe-l'œil y la anamorfosis. También se han establecido conexiones con la investigación psicológica, en particular con la teoría de la Gestalt y la psicofisiología. Tras el cierre forzoso de la Bauhaus en 1933, numerosos instructores emigraron a Estados Unidos. Posteriormente, el movimiento se estableció en Chicago y más tarde en el Black Mountain College de Asheville, Carolina del Norte, donde Anni y Josef Albers acabaron ocupando puestos docentes.
Frank Popper afirma que "Los artistas ópticos lograron explotar diversos fenómenos", detallando con más detalle "la imagen residual y el movimiento consecutivo; la interferencia de líneas; el efecto de deslumbramiento; las figuras ambiguas y la perspectiva reversible; los contrastes de color sucesivos y la vibración cromática; y en obras tridimensionales, diferentes puntos de vista y la superposición de elementos en el espacio".
En 1955, Victor Vasarely y Pontus Hulten introdujeron novedosas expresiones cinéticas, basadas en fenómenos ópticos y luminosos junto con el ilusionismo pictórico, a través de su "Manifiesto amarillo" para la exposición Mouvements en la galería Denise René de París. La manifestación contemporánea del arte cinético surgió inicialmente en el Museum für Gestaltung de Zúrich en 1960, experimentando posteriormente una importante evolución a lo largo de la década de 1960. En la mayoría de los países europeos, esta categoría artística generalmente abarca el arte óptico, que emplea principalmente ilusiones visuales como el op art y el arte basado en el movimiento, ejemplificado por artistas como Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega y Nicolas Schöffer. Entre 1961 y 1968, el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), fundado por François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio García Rossi, Yvaral, Joël Stein y Vera Molnár, funcionó como un conjunto colaborativo de artistas optocinéticos. Como se expresó en su manifiesto de 1963, GRAV abogó por la participación pública directa, con el objetivo de influir en el comportamiento del espectador, particularmente a través de instalaciones laberínticas interactivas.
Varios artistas europeos asociados con el grupo Nouvelle Tendance (1961-1965), incluidos Almir Mavignier y Gerhard von Graevenitz, también exploraron el op art, principalmente a través de sus obras serigráficas. Sus investigaciones artísticas se centraron en las ilusiones ópticas. La designación "op" resultó polémica para muchos artistas categorizados bajo ella, en particular Albers y Stanczak, quienes previamente habían propuesto "arte perceptual" como un descriptor más apropiado durante el inicio del término. A partir de 1964, Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) presentó múltiples exposiciones individuales en la Terrain Gallery de Nueva York, mostrando sus amplias pinturas ópticas con formas en blanco y negro.
El ojo receptivo
Del 23 de febrero al 25 de abril de 1965, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York acogió The Responsive Eye, una exposición comisariada por William C. Seitz, que posteriormente viajó a St. Louis, Seattle, Pasadena y Baltimore. La diversa colección de obras de arte incluía piezas minimalistas de Frank Stella y Ellsworth Kelly, las fluidas formas escultóricas de Alexander Liberman, proyectos colaborativos del grupo Anonima y contribuciones de destacados artistas como Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stanczak, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley y Getulio Alviani. Esta exposición destacó específicamente las dimensiones perceptuales del arte, que surgen tanto de la ilusión del movimiento como de la interacción de las relaciones cromáticas.
Si bien la exposición obtuvo una importante aclamación del público y atrajo a más de 180.000 visitantes, recibió una recepción menos favorable por parte de los críticos de arte. Los críticos en gran medida descartaron el op art como un mero trompe-l'œil, caracterizándolo como un engaño visual. Sin embargo, la aceptación pública del estilo creció, lo que llevó a la aplicación generalizada de imágenes de arte óptico en diversas aplicaciones comerciales. En particular, uno de los primeros documentales de Brian de Palma relató esta exposición.
Metodología operativa
Dicotomía del blanco y negro: dinámica figura-suelo
El op art constituye un fenómeno perceptivo intrínsecamente ligado a los mecanismos de la visión humana. Esta dinámica forma de arte visual se origina a partir de una relación disonante entre figura y fondo, estableciendo una yuxtaposición tensa y paradójica entre los planos de primer plano y de fondo. Los artistas emplean principalmente dos métodos para producir op art. El enfoque más reconocido implica generar efectos mediante la manipulación de patrones y líneas. Estas obras de arte utilizan con frecuencia blanco y negro, o tonos de gris (grisaille), como lo ejemplifican las primeras obras de Bridget Riley como Current (1964), que apareció en la portada del catálogo The Responsive Eye. En tales piezas, las líneas onduladas en blanco y negro muy espaciadas sobre la superficie del lienzo engendran una interacción volátil entre figura y fondo. Getulio Alviani, por el contrario, utilizó superficies de aluminio tratado para generar patrones de luz que se transforman con el movimiento del espectador, creando superficies texturizadas vibrantes. Otro efecto visual observado es la generación de imágenes residuales de colores específicos, consecuencia de cómo la retina procesa e interpreta la luz. Como lo aclara Goethe en su obra fundamental Teoría de los colores, el color emerge en la interfaz entre la luz y la oscuridad, dado que la claridad y la oscuridad son propiedades fundamentales en la generación cromática.
Elementos cromáticos
Bridget Riley inició la producción de Op Art basado en el color en 1965; sin embargo, otros artistas, incluidos Julian Stanczak y Richard Anuszkiewicz, priorizaron constantemente el color como elemento central de sus esfuerzos artísticos. Josef Albers instruyó a estos dos destacados exponentes de la escuela "Color Function" en Yale durante la década de 1950. Las obras coloristas frecuentemente abordan los mismos principios de la dinámica figura-fondo, pero incorporan la dimensión adicional de tonos contrastantes, que generan efectos visuales distintos. Por ejemplo, las pinturas del "templo" de Anuszkiewicz utilizan la yuxtaposición de dos colores muy contrastantes para evocar una ilusión de profundidad dentro de un espacio tridimensional, creando la percepción de que la forma arquitectónica se proyecta en el entorno inmediato del espectador.
Exposiciones
- L'Œil moteur: Art optique et cinétique 1960–1975, Musée d'art moderne et contemporain, Estrasburgo, Francia, 13 de mayo a 25 de septiembre de 2005.
- Op Art, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania, del 17 de febrero al 20 de mayo de 2007.
- The Optical Edge, The Pratt Institute of Art, Nueva York, 8 de marzo a 14 de abril de 2007.
- Nervio óptico: arte perceptual de la década de 1960, Museo de Arte de Columbus, Columbus, Ohio, 16 de febrero a 17 de junio de 2007.
- CLE OP: Cleveland Op Art Pioneers, Museo de Arte de Cleveland, Cleveland, Ohio, 9 de abril de 2011 – 26 de febrero de 2012.
- Bridget Riley ha aparecido en numerosas exposiciones internacionales, incluidas las del Dia Center, Nueva York (2000); Tate Britain, Londres (2003); y el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney (2004).
Referencias
Referencias
Bibliografía
- Popper, Frank. Orígenes y desarrollo del arte cinético. Sociedad Gráfica de Nueva York/Studio Vista, 1968.
- Popper, Frank. Del arte tecnológico al arte virtual. Libros Leonardo, MIT Press, 2007.
- Seitz, William C. (1965). El ojo receptivo (PDF). Nueva York: Museo de Arte Moderno. Catálogo de exposición.{{citar libro}}: mantenimiento CS1: posdata (enlace)
- Opartica: herramienta de creación de arte óptico en línea