Performance art

El arte del performance es una disciplina o exhibición artística caracterizada por acciones realizadas por el artista u otros participantes. Puede experimentarse en vivo o a través de documentación, y puede concebirse espontáneamente o escribirse meticulosamente, generalmente presentado a una audiencia dentro de un marco de bellas artes, adoptando a menudo un enfoque interdisciplinario. También conocida como acción artística, ha evolucionado con el tiempo hasta convertirse en un género distinto donde la expresión artística se realiza en tiempo real. Esta forma jugó un papel crucial y fundamental en los movimientos artísticos de vanguardia del siglo XX.

Arte performativo es una obra de arte o exposición de arte creada a través de acciones ejecutadas por el artista u otros participantes. Puede ser presenciado en vivo o a través de documentación, desarrollado espontáneamente o escrito, y tradicionalmente se presenta al público en un contexto de bellas artes de manera interdisciplinaria. También conocida como acción artística, se ha ido desarrollando a través de los años como un género propio en el que se presenta el arte en vivo. Tuvo un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia del siglo XX.

Esta forma de arte abarca cinco componentes fundamentales: el tiempo, el espacio, el cuerpo, la presencia del artista y la dinámica entre el artista y el público. Si bien estas representaciones suelen realizarse en galerías de arte y museos, pueden ocurrir en diversos entornos, espacios y contextos temporales. El objetivo principal es provocar una respuesta, a menudo facilitada por la improvisación y una sensibilidad estética deliberada. Los elementos temáticos comunes incluyen las experiencias personales del artista, el imperativo de la crítica o denuncia social y un impulso subyacente para un cambio transformador.

Aunque la práctica de la performance dentro de las artes visuales tiene sus orígenes en las producciones futuristas y los cabarets de la década de 1910, los términos "arte de performance" y "rendimiento" ganaron amplia aceptación durante la década de 1970. En 1969, el crítico de arte y artista de performance John Perreault atribuyó la acuñación del término a Marjorie Strider. Los pioneros clave del arte escénico incluyen a Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein y Vito Acconci. Exponentes destacados más contemporáneos incluyen a Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Marta Minujín, Melati Suryodarmo y Petr Pavlensky. Esta disciplina está conceptualmente conectada con los happenings y "eventos" asociados con el movimiento Fluxus, el accionismo vienés, el arte corporal y el arte conceptual.

Definición

La definición precisa y la contextualización histórica y pedagógica del arte escénico siguen siendo temas de considerable debate. Un desafío importante surge de la naturaleza polisémica del término, particularmente porque una de sus interpretaciones pertenece a las artes escénicas. Sin embargo, esta interpretación de "actuación" dentro del contexto de las artes escénicas difiere fundamentalmente del concepto de "arte escénico", que se originó a partir de una postura crítica y a menudo antagónica contra las artes escénicas tradicionales. Las artes escénicas comparten puntos en común con las artes escénicas sólo en aspectos específicos, como la presencia de una audiencia y el cuerpo físico; además, no todas las obras de arte escénico incorporan estos elementos particulares.

En su sentido más restringido, el término "arte escénico" está intrínsecamente vinculado a las tradiciones posmodernistas que prevalecen en la cultura occidental. Emergiendo aproximadamente desde mediados de los años 1960 hasta los años 1970, y frecuentemente basándose en conceptos de arte visual, el arte performativo (influenciado por figuras y movimientos como Antonin Artaud, Dada, los situacionistas, Fluxus, el arte de instalación y el arte conceptual) a menudo se conceptualizó como una antítesis del teatro tradicional, desafiando así las formas de arte establecidas y las normas culturales predominantes. El principio subyacente era crear una experiencia efímera y auténtica tanto para el intérprete como para el público, manifestándose como un evento incapaz de repetición, captura o adquisición comercial. La diferenciación ampliamente debatida en la aplicación de los conceptos de arte visual y arte escénico impacta significativamente la interpretación de una presentación de arte escénico.

La designación "arte de performance" generalmente se reserva para una forma de arte conceptual que comunica un significado basado en el contenido, a menudo con matices dramáticos, en lugar de servir simplemente como entretenimiento o interpretación por su bien intrínseco. Este género abarca principalmente representaciones dirigidas a una audiencia, pero evita deliberadamente presentar una obra de teatro convencional, una narrativa lineal formal o la representación de personajes ficticios dentro de interacciones estructuradas y escritas. En consecuencia, puede incorporar acción o palabra hablada como comunicación directa entre el artista y la audiencia, o incluso ignorar intencionalmente las expectativas de la audiencia, en lugar de adherirse a un guión preescrito.

Sin embargo, ciertas manifestaciones del arte escénico pueden exhibir proximidad a las artes escénicas. Estas representaciones pueden emplear un guión o establecer un contexto dramático ficticio; sin embargo, permanecen dentro del dominio del arte escénico al desviarse intencionalmente de la norma dramática convencional de construir un escenario ficticio con un guión lineal que se adhiere a la dinámica típica del mundo real. En cambio, su objetivo es satirizar o trascender las dinámicas ordinarias del mundo real comúnmente empleadas en las producciones teatrales tradicionales.

Los artistas de performance con frecuencia desafían al público a participar en procesos de pensamiento novedosos y poco convencionales, subvirtiendo las convenciones artísticas tradicionales y desmantelando nociones establecidas de "qué es el arte". Siempre que el intérprete evite los juegos de roles repetitivos, el arte escénico puede incorporar elementos satíricos; utilizar robots y máquinas como intérpretes, como lo ejemplifican las piezas de Survival Research Laboratories; involucrar componentes ritualizados (por ejemplo, Shaun Caton); o integrar aspectos de diversas artes escénicas como la danza, la música y el circo. El arte performativo también puede cruzarse con la arquitectura y entrelazarse con la práctica religiosa y la teología.

Algunos artistas, como los accionista vieneses y los neodadaístas, prefieren términos alternativos como "arte vivo", "arte de acción", "acciones", "intervención" o "maniobra" para caracterizar sus actividades performativas. Los géneros específicos dentro del arte escénico incluyen el arte corporal, el performance Fluxus, los sucesos, la poesía de acción y el intermedia.

Orígenes

El arte escénico se originó como una expresión artística alternativa; la disciplina surgió en 1916, al mismo tiempo que el dadaísmo y situada dentro del marco más amplio del arte conceptual. Tristan Tzara, un pionero del dadaísmo, encabezó este movimiento. Los teóricos culturales occidentales generalmente sitúan la génesis del arte escénico a principios del siglo XX, junto con movimientos como el constructivismo, el futurismo y el dadaísmo. Dada sirvió como una inspiración significativa debido a sus acciones poéticas poco convencionales. Además, ciertos artistas futuristas, particularmente aquellos asociados con el futurismo ruso, también son reconocidos como fundamentales para el surgimiento del arte escénico.

Cabaret Voltaire

El Cabaret Voltaire fue fundado en Zúrich, Suiza, por Hugo Ball y Emmy Hennings con objetivos tanto artísticos como políticos, sirviendo como crisol de nuevas tendencias artísticas. Ubicado en el piso superior de un teatro, cuyas exhibiciones convencionales eran a menudo satirizadas en las representaciones del cabaret, el cabaret presentaba obras experimentales y de vanguardia. Se cree que el movimiento dadaísta se estableció en este lugar de diez metros cuadrados. Además, los surrealistas, cuyo movimiento evolucionó directamente del dadaísmo, se reunían con frecuencia en el Cabaret. Durante su breve período operativo, que duró apenas seis meses hasta su cierre en el verano de 1916, el Cabaret acogió las acciones, actuaciones y presentaciones dadaístas inaugurales que integraban poesía, artes visuales, música y acciones repetitivas, junto con la lectura del Manifiesto dadaísta. Figuras clave, entre ellas Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp, participaron en eventos provocativos y escandalosos que formaron los principios fundacionales del movimiento anarquista conocido como Dada.

El dadaísmo surgió con el objetivo explícito de desmantelar los sistemas y normas establecidos dentro del mundo del arte. Caracterizado como un movimiento antiarte, antiliterario y antipoesía, desafió fundamentalmente la existencia misma del arte, la literatura y la poesía. El dadaísmo trascendió un mero método creativo, evolucionando hacia una ideología integral que influyó en una forma de vida. Se opuso a conceptos como belleza eterna, principios inmutables, leyes lógicas, estancamiento intelectual y verdades universales. En cambio, defendió el cambio, la espontaneidad, la inmediatez, la contradicción, la aleatoriedad y la adopción del caos sobre el orden y la imperfección sobre la perfección, principios que resuenan en el arte escénico. Los dadaístas abogaban por la provocación, la protesta contra el arte y el escándalo, empleando a menudo modos de expresión satíricos e irónicos. Sus acciones disruptivas contra las formas artísticas tradicionales se caracterizaron con frecuencia por el absurdo, el rechazo del valor inherente y la aceptación del caos.

El Cabaret Voltaire cerró en 1916 pero revivió en el siglo XXI.

Futurismo

El futurismo surgió en 1909 como un movimiento artístico de vanguardia. Inicialmente, se manifestó como un movimiento literario, a pesar de que la mayoría de sus seguidores eran pintores. Su ámbito inicial también abarcó la escultura, la fotografía, la música y el cine. Si bien la Primera Guerra Mundial limitó en gran medida el movimiento, persistió en Italia hasta la década de 1930. Rusia fue una de las naciones donde el futurismo ejerció una influencia significativa. Los manifiestos notables publicados incluyen el Manifiesto de la escultura futurista y la Arquitectura futurista en 1912, seguidos en 1913 por el Manifiesto de la lujuria futurista del bailarín, escritor y artista francés Valentine de Saint-Point. Los futuristas difundieron sus teorías a través de encuentros públicos, reuniones y conferencias, que parecían mítines políticos e incorporaban poesía y elementos de music-hall, presagiando así el arte escénico.

Bauhaus

La Bauhaus, una escuela de arte establecida en Weimar en 1919, incorporó talleres experimentales de artes escénicas destinados a explorar la interrelación del cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. Black Mountain College, fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus exiliados por el Partido Nazi, continuó integrando las artes escénicas experimentales en la educación de las artes escénicas, precediendo en dos décadas los importantes avances en la historia del espectáculo durante la década de 1960. El nombre Bauhaus deriva de las palabras alemanas Bau, construcción, y Haus, casa; Irónicamente, a pesar de su nombre y de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus careció de un departamento de arquitectura durante sus primeros años.

Pintura de acción

Durante las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento de pintura de acción permitió a los artistas conceptualizar el lienzo como un escenario para la acción, transformando así las obras de arte resultantes en vestigios de la actuación de estudio del artista. Según el crítico de arte Harold Rosenberg, constituyó un proceso fundacional para el arte escénico, junto con el expresionismo abstracto. Jackson Pollock, a menudo considerado el pintor de acción por excelencia, frecuentemente ejecutaba sus obras como presentaciones en vivo. En Europa, Yves Klein creó sus *Antropométries* empleando cuerpos femeninos para aplicar pintura a lienzos en manifestaciones públicas. Figuras notables como Willem de Kooning y Franz Kline también incorporaron elementos de pintura abstracta y de acción en sus obras.

Nuevo realismo

El nouveau réalisme es reconocido como un movimiento artístico fundamental en la génesis del arte escénico. Este movimiento pictórico fue establecido en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, coincidiendo con su exposición colectiva inaugural en la Galería Apollinaire de Milán. El nouveau réalisme estuvo, junto con Fluxus y otros grupos, entre las numerosas corrientes de vanguardia de los años sesenta. Pierre Restany orquestó varias instalaciones de artes escénicas en la Tate Modern y otros lugares. Yves Klein surgió como un claro pionero del arte del performance, con sus piezas conceptuales como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) y el fotomontaje Saut dans le vide. Toda su obra demuestra una fuerte conexión con el arte escénico, a menudo concebida como acciones en vivo, ejemplificadas por sus reconocidas pinturas creadas con modelos femeninas. Los miembros del grupo percibieron el mundo como una vasta imagen, de la cual extrajeron elementos para integrarlos en su arte, esforzándose así por cerrar la brecha entre la vida y la expresión artística.

Gutai

El movimiento japonés Gutai, conocido por su arte de acción y sus acontecimientos, también anticipó significativamente el arte escénico. Se originó en 1955 en la región japonesa de Kansai (que abarca Kyōto, Ōsaka y Kōbe). Los participantes clave incluyeron a Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. Formado tras la Segunda Guerra Mundial, el grupo Gutai rechazaba el consumismo capitalista, manifestándolo a través de acciones irónicas imbuidas de una agresividad latente, como la destrucción de objetos y las actuaciones basadas en humo. Su influencia se extendió a grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell.

Land art y performance

A finales de la década de 1960, varios artistas de Land Art, incluidos Robert Smithson y Dennis Oppenheim, produjeron instalaciones ambientales que anticiparon el arte escénico de la década de 1970. Posteriormente, los artistas conceptuales de principios de la década de 1980, como Sol LeWitt, que transformó el dibujo mural en un acto performativo, se inspiraron en Yves Klein y otros practicantes del Land Art. Land Art es un movimiento de arte contemporáneo caracterizado por una conexión intrínseca entre el paisaje y la creación artística. Utiliza elementos naturales (por ejemplo, madera, suelo, rocas, arena, viento, fuego, agua) como materiales para intervenciones específicas del sitio. La génesis de la obra de arte está inherentemente ligada a su ubicación específica. Los resultados a menudo se manifiestan como una fusión de escultura y arquitectura, o escultura y paisajismo, una forma híbrida que gana cada vez más protagonismo en los espacios públicos contemporáneos. Cuando el cuerpo del artista se integra en el proceso creativo, el Land Art exhibe paralelismos con las etapas nacientes del performance art.

1960

Durante la década de 1960, una amplia gama de nuevas obras artísticas, conceptos y un número creciente de artistas contribuyeron al surgimiento de nuevas formas de arte escénico. Este desarrollo tenía como objetivo ampliar la comprensión convencional del arte, inspirándose en principios similares a los del Cabaret Voltaire o el futurismo. Estos nuevos movimientos eran distintos del accionismo vienés, el arte escénico de vanguardia en la ciudad de Nueva York, el arte procesual, la evolución de The Living Theatre o los acontecimientos, pero en conjunto solidificaron las contribuciones fundamentales de los pioneros del arte escénico.

Accionismo vienés

El accionismo vienés (Wiener Aktionismus) denota un movimiento artístico conciso pero polémico del siglo XX, reconocido por la naturaleza violenta, grotesca y visceral de sus obras. Con origen en la vanguardia austriaca de los años 60, su objetivo era integrar el arte con la performance, estableciendo conexiones con Fluxus y Body Art. Entre sus exponentes destacados se encontraban Günter Brus, Otto Muehl y Hermann Nitsch, quienes llevaron a cabo principalmente sus actividades accionistas de 1960 a 1971. Nitsch, un pionero en el arte escénico, estrenó su Teatro de orgías y misterios (Teatro Orgien und Mysterien) en 1962. Marina Abramović participó más tarde como intérprete en una de sus obras en 1975.

Nueva York y el Performance de Vanguardia

A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York se convirtió en un centro importante para numerosos movimientos, eventos e intereses relacionados con el arte escénico. Cabe destacar que Andy Warhol inició su trabajo en la producción de cine y vídeo. A mediados de la década, patrocinó The Velvet Underground y orquestó varios eventos escénicos en Nueva York, como Exploding Plastic Inevitable (1966), que contó con música rock en vivo, iluminación dinámica y películas. Entre los artistas de performance de vanguardia de la ciudad, Joey Skaggs ganó prominencia en la década de 1960 a través de provocativas intervenciones públicas que criticaban el poder institucional y el espectáculo mediático. Sus primeras obras incluyen La Crucifixión (1966-1969), una escultura de tamaño natural de un Cristo en descomposición exhibida en parques públicos para protestar contra la hipocresía religiosa, y el Tour en autobús hippie a Queens (1968), donde los artistas del East Village parodiaban autobuses turísticos voyeristas visitando barrios suburbanos.

El Teatro Viviente

Las nuevas formas teatrales, ejemplificadas por el San Francisco Mime Troupe y The Living Theatre, influyeron significativamente en la actuación en el mundo del arte, particularmente en los Estados Unidos. Estas producciones se presentaban a menudo en teatros Off-Off Broadway en SoHo y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. El Living Theatre, fundado en Nueva York en 1947, tiene la distinción de ser el teatro experimental más antiguo de Estados Unidos. Su liderazgo ha estado siempre a cargo de sus fundadores: la actriz Judith Malina, que estudió teatro con Erwin Piscator, centrándose en las teorías de Bertolt Brecht y Meyerhold; y el pintor y poeta Julian Beck. Tras la muerte de Beck en 1985, Hanon Reznikov, miembro de la compañía, asumió el papel de codirector junto a Malina.

Como uno de los grupos de teatro experimental más antiguos, The Living Theatre sirvió como un modelo importante para otros. Sus miembros veían el teatro como una forma de vida, con actores que vivían en comunidad bajo principios libertarios. Los esfuerzos teatrales de la compañía tenían como objetivo transformar las estructuras de poder de sociedades autoritarias y jerárquicas. The Living Theatre realizó una gira principalmente por Europa de 1963 a 1968, y por Estados Unidos en 1968. Una producción notable de esta época, Paradise Now, ganó notoriedad por su amplia participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales, incluida la desnudez, mientras se desnudaban.

Fluxus

Fluxus, término latino que significa flujo, constituye un movimiento de artes visuales que abarca música, literatura y danza. Su período de máxima actividad se produjo durante las décadas de 1960 y 1970. Los partidarios de Fluxus abogaron contra la mercantilización de los objetos artísticos tradicionales, posicionando el movimiento como una forma de arte sociológico. George Maciunas (1931-1978) fundó Fluxus de manera informal en 1962. El movimiento ganó adeptos en Europa, Estados Unidos y Japón. El movimiento Fluxus, que evolucionó principalmente en América del Norte y Europa, influenciado por John Cage, se apartó de ver la vanguardia como una mera innovación lingüística. En cambio, pretendía reutilizar los canales artísticos establecidos, separándolos de limitaciones lingüísticas específicas y adoptó un enfoque interdisciplinario mediante la incorporación de diversos medios y materiales. En este marco, el lenguaje sirvió no como un objetivo último, sino como un mecanismo para una renovación más amplia del arte, concebido como un fenómeno global. Al igual que Dada, Fluxus se resistió a una definición o categorización precisa. Dick Higgins, cofundador del movimiento, articuló:

Fluxus comenzó con el trabajo y luego se unió, aplicando el nombre Fluxus al trabajo que ya existía. Fue como si comenzara en medio de la situación, en lugar de al principio.

Robert Filliou contrastó Fluxus con el arte conceptual, enfatizando su compromiso directo, inmediato y urgente con la existencia cotidiana. Postuló que mientras Marcel Duchamp, a través de sus Ready-mades, integraba objetos cotidianos en el arte, Fluxus invirtió este enfoque al disolver el arte en la vida cotidiana, frecuentemente a través de acciones o performances menores.

John Cage fue un destacado compositor, teórico musical, artista y filósofo estadounidense. Como pionero en la indeterminación musical, la música electroacústica y la instrumentación no convencional, Cage emergió como una figura fundamental en la vanguardia de la posguerra. Ha sido ampliamente aclamado por la crítica como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Además, Cage jugó un papel crucial en la evolución de la danza moderna, en gran parte atribuible a su extensa colaboración con la coreógrafa Merce Cunningham, quien también fue su pareja romántica de toda la vida.

Sari Dienes, una colaboradora cercana de Cage, es reconocida como una importante intermediaria que conecta a los expresionistas abstractos, los artistas neodadá como Robert Rauschenberg y Ray Johnson, y el movimiento Fluxus. Dienes influyó notablemente en estos artistas para integrar elementos de la vida, la filosofía zen, metodologías de creación de arte performativo y "eventos", ejecutados a través de enfoques tanto premeditados como espontáneos.

Arte del proceso

El arte de proceso designa un movimiento artístico donde el resultado final del arte y la artesanía, específicamente el objet d’art (que abarca tanto las obras de arte como los objetos encontrados), no es el énfasis principal. En cambio, el proceso creativo en sí mismo, que involucra actividades como reunir, clasificar, cotejar, asociar, modelar e iniciar acciones y procedimientos, se considera primordial. Los practicantes del arte procesal consideraban la creación artística como una forma pura de expresión humana. El movimiento postula que el acto mismo de crear una obra de arte puede constituir una obra de arte por derecho propio. El artista Robert Morris priorizó notablemente la "antiforma", el proceso y el tiempo sobre un producto terminado definitivo basado en objetos.

Suceso

Según Wardrip-Fruin y Montfort en The New Media Reader, "El término 'Happening' se ha utilizado para describir muchas representaciones y eventos organizados por Allan Kaprow y otros durante las décadas de 1950 y 1960, incluidas varias producciones teatrales que tradicionalmente tenían guiones e invitaban sólo a una interacción limitada del público". Un happening proporciona a los artistas una plataforma para explorar el movimiento corporal, audio grabado, textos hablados y escritos y elementos olfativos. Las primeras contribuciones de Allan Kaprow incluyen Happenings in the New York Scene, publicado en 1961. Los sucesos de Kaprow transformaron a los miembros de la audiencia en participantes o intérpretes activos. Con frecuencia, los espectadores, sin darse cuenta, se convertían en parte integral de la actuación. Entre los creadores notables de happenings se encuentran Jim Dine, Al Hansen, Claes Oldenburg, Robert Whitman y Wolf Vostell, cuyo trabajo incluye El teatro está en la calle (París, 1958).

Artistas principales

El arte escénico creado después de 1968 frecuentemente reflejaba el panorama político y cultural de ese año. Barbara T. Smith, con su obra de 1969 Ritual Meal, fue una figura de vanguardia en el arte feminista corporal y escénico durante la década de 1970, un movimiento en el que también participaron Carolee Schneemann y Joan Jonas. Estos artistas, junto con Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden, Dennis Oppenheim y miembros del colectivo español Zaj como Esther Ferrer y Juan Hidalgo, fueron pioneros en explorar la relación entre el arte corporal y el arte performance.

Barbara Smith es una artista y activista estadounidense, reconocida como una de las principales defensoras afroamericanas del feminismo y el activismo LGBT en los Estados Unidos. A principios de la década de 1970, se desempeñó como educadora, escritora y defensora del movimiento feminista negro. Ha enseñado en numerosos colegios y universidades durante los últimos cinco años. Los ensayos, reseñas, artículos, cuentos y críticas literarias de Smith han aparecido en una variedad de publicaciones, incluidas The New York Times, The Guardian, The Village Voice y The Nation.

Carolee Schneemann fue una artista visual experimental estadounidense, reconocida por sus trabajos multimedia que exploran el cuerpo, la narrativa, la sexualidad y el género. Entre sus piezas destacadas se incluyen Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). Schneemann consideraba su cuerpo como una superficie fundamental para sus esfuerzos artísticos y se describió a sí misma como "una pintora que ha abandonado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido".

Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del vídeo y el arte performance, reconocida como una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a finales de los años 1960 y principios de los 1970. Sus proyectos y experimentos fundacionales sirvieron de base para gran parte del video performance posterior, y su influencia también se extendió al arte conceptual, el teatro y otros medios visuales. Jonas actualmente vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá. Inmersa en la escena artística del centro de Nueva York durante la década de 1960, estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años y también colaboró ​​con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton.

Yoko Ono fue una figura prominente en los movimientos de vanguardia y Fluxus de la década de 1960. Es particularmente reconocida por sus piezas de arte performance de finales de la década de 1960, como Cut Piece, donde se invitaba a los visitantes a interactuar con su cuerpo cortándole la ropa. Otra de sus obras notables es Pieza de pared para orquesta (1962).

Joseph Beuys fue un artista alemán reconocido por sus contribuciones a Fluxus, events, performance, pintura, escultura, diseño de medallas y arte de instalación. Su compromiso con el movimiento neodadaísta Fluxus comenzó en 1962, donde posteriormente se convirtió en un miembro fundamental. Un aspecto significativo de su legado fue la socialización del arte, con el objetivo de mejorar su accesibilidad a un público más amplio. En su performance de 1965 Cómo explicarle imágenes a una liebre muerta, Beuys se cubrió la cara con miel y pan de oro mientras explicaba su obra de arte a una liebre muerta acunada en sus brazos. Esta pieza integró elementos espaciales, escultóricos, lingüísticos y sonoros con la presencia física y los gestos del artista, encarnando la conciencia de un comunicador que se dirige a un receptor animal. Beuys a menudo adoptó la personalidad de un chamán, creyendo que poseía poderes curativos y salvadores para una sociedad que percibía como moribunda. En 1974 realizó la performance I Like America and America Likes Me, en la que intervinieron Beuys, un coyote, y materiales como papel, fieltro y paja. Convivió con el coyote durante tres días, durante los cuales acumuló periódicos estadounidenses, que simbolizan el capitalismo. Con el tiempo, se desarrolló un grado de tolerancia mutua entre Beuys y el coyote, que culminó cuando el artista abrazó al animal. Beuys incorporó con frecuencia elementos recurrentes en sus obras. Sus objetos se diferenciaban de los readymades de Duchamp no por su naturaleza humilde o efímera, sino porque eran parte integral de la vida personal de Beuys, al haber estado imbuidos de sus experiencias y huellas. Muchos de estos elementos, como la miel o la grasa asociada con los tártaros que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial, tenían un significado autobiográfico. En 1970 creó su Traje de Fieltro. Ese mismo año, Beuys enseñó escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. En 1979 se exhibió una retrospectiva de su obra de los años 1940 a 1970 en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York.

Nam June Paik, un artista surcoreano de performance, composición y video, se destacó durante la segunda mitad del siglo XX. Realizó estudios de música e historia del arte en la Universidad de Tokio. En 1956 se trasladó a Alemania, donde inicialmente estudió teoría musical en Munich antes de continuar su educación en el Conservatorio de Friburgo en Colonia. Durante sus estudios alemanes, Paik conoció figuras notables como los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage, junto con los artistas conceptuales Sharon Grace, George Maciunas, Joseph Beuys y Wolf Vostell. A partir de 1962, participó activamente en Fluxus, un movimiento artístico experimental. Posteriormente, Paik se involucró con este movimiento neodadá, Fluxus, que se inspiró en la incorporación de sonidos y ruidos cotidianos de John Cage en sus composiciones musicales. Como miembro de Fluxus, mantuvo una estrecha asociación con Yoko Ono.

Wolf Vostell, artista alemán, surgió como una figura muy representativa durante la segunda mitad del siglo XX. Su diversa práctica artística abarcó una amplia gama de medios y técnicas, incluida la pintura, la escultura, la instalación, el escote, el videoarte, los acontecimientos y Fluxus.

Vito Acconci fue un influyente artista estadounidense reconocido por su trabajo en performance, video e instalación, cuya práctica expansiva se extendió más tarde a la escultura, el diseño arquitectónico y el diseño de paisajes. Su performance y videoarte fundamental se distinguieron por temas de "inquietud existencial", exhibicionismo, malestar, transgresión y provocación, a menudo combinados con ingenio y audacia. Este trabajo desafió con frecuencia los límites convencionales, como los que existen entre lo público y lo privado, lo consensual y no consensual, y el mundo real y el mundo del arte. La obra de Acconci es reconocida por su influencia en artistas como Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman y Tracey Emin. Inicialmente atraído por la poesía radical, Acconci cambió su enfoque a finales de la década de 1960 para crear actuaciones de influencia situacionista. Estas obras, a menudo representadas en espacios públicos o para audiencias íntimas, investigaron el cuerpo y su interacción con entornos públicos. Entre sus piezas más famosas se encuentran Following Piece (1969), donde seleccionó al azar y siguió a peatones en las calles de la ciudad de Nueva York durante períodos prolongados, y Seedbed (1972), una instalación en la Galería Sonnabend donde supuestamente se masturbaba debajo de un piso temporal mientras los visitantes caminaban por encima y escuchaban sus vocalizaciones.

Chris Burden fue un artista estadounidense cuya práctica abarcó performance, escultura e instalación. Ganó prominencia en la década de 1970 por sus obras de arte performance, en particular Shoot (1971), un acto en el que consiguió que un asociado le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Burden, un artista prolífico, produjo numerosas instalaciones, obras de arte públicas y esculturas de renombre antes de su fallecimiento en 2015. Su compromiso con el arte escénico comenzó a principios de la década de 1970, marcado por una serie de obras controvertidas que se centraron en el concepto de peligro personal como forma de expresión artística. Su importante actuación inaugural, Five Day Locker Piece (1971), concebida para su tesis de maestría en la Universidad de California, Irvine, implicó su confinamiento dentro de un casillero durante cinco días.

Dennis Oppenheim fue un artista estadounidense reconocido por sus contribuciones al arte conceptual, el arte de performance, el arte de la tierra, la escultura y la fotografía. Los primeros esfuerzos artísticos de Oppenheim constituyeron una investigación epistemológica sobre la esencia, creación y definición del arte, manifestándose como un metaarte. Este enfoque surgió de una expansión de las estrategias minimalistas para incorporar consideraciones de sitio y contexto. Más allá de sus objetivos estéticos, su trabajo evolucionó desde examinar los atributos físicos del espacio de la galería hasta abordar contextos sociales y políticos más amplios. Durante las dos últimas décadas de su prolífica carrera, la diversa producción de Oppenheim, que ocasionalmente desafió a los críticos, tomó predominantemente la forma de escultura pública permanente.

Yayoi Kusama es un artista japonés cuya extensa carrera ha abarcado una amplia gama de medios, incluyendo escultura, instalación, pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras formas artísticas. Una parte importante de su trabajo demuestra un profundo interés por la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es reconocida como una pionera dentro de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista, e influyó en contemporáneos como Andy Warhol y Claes Oldenburg. Es ampliamente reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón y una voz muy relevante en el arte de vanguardia.

1970

Durante la década de 1970, los artistas cuyas prácticas previamente habían incorporado elementos del arte escénico lo establecieron cada vez más como su disciplina principal. Esta evolución llevó a la creación de instalaciones a través de performance, video performance o acciones colectivas, frecuentemente contextualizadas dentro de marcos sociohistóricos y políticos específicos.

Rendimiento de vídeo

A principios de la década de 1970, la integración del vídeo en las artes escénicas quedó firmemente establecida. Las exposiciones de artistas como Joan Jonas y Vito Acconci, por ejemplo, presentaban obras compuestas enteramente de vídeo, a menudo activadas por procesos performativos anteriores. Durante esta década, varias publicaciones, incluida Expanded Cinema de Gene Youngblood, exploraron la utilización de los medios de comunicación, el vídeo y el cine por parte de los artistas de performance. Un artista fundamental en este ámbito es el surcoreano Nam June Paik, célebre por sus innovadoras instalaciones audiovisuales. El viaje artístico de Paik comenzó a principios de la década de 1960 dentro del movimiento Fluxus, lo que posteriormente condujo a su desarrollo como artista multimedia y a la creación de sus icónicas instalaciones audiovisuales.

El trabajo de video- performance de Carolee Schneemann y Robert Whitman de la década de 1960 también merece consideración. Ambos artistas fueron pioneros en el arte del performance, lo que fue fundamental para su establecimiento como forma de arte independiente a principios de la década de 1970.

Joan Jonas comenzó a incorporar el video en sus performances experimentales en 1972, al mismo tiempo que Bruce Nauman, quien escenificó específicamente sus actos para la grabación de video directa. Nauman, un artista multimedia estadounidense, ha diversificado y avanzado significativamente el discurso cultural desde la década de 1960 a través de sus esculturas, vídeos, obras gráficas y performances. Sus obras de arte, a menudo inquietantes, subrayan la esencia conceptual del arte y el proceso creativo, priorizando el concepto subyacente y el proceso de creación por encima del producto final. Su práctica artística emplea una amplia gama de materiales, incorporando frecuentemente su propio cuerpo.

Gilbert & George, compuesto por el artista italiano Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, son reconocidos por sus contribuciones al arte conceptual, el arte escénico y el arte corporal. Obtuvieron un importante reconocimiento por sus actuaciones de "esculturas vivientes". Una de las primeras obras notables fue The Singing Sculpture, en la que los artistas cantaron y bailaron "Underneath the Arches", una canción de los años 30. Posteriormente, se ganaron una sólida reputación como "esculturas vivientes", presentándose como obras de arte expuestas ante el público durante diferentes duraciones. Por lo general, aparecen con traje y corbata, adoptando posturas estáticas durante períodos prolongados, aunque ocasionalmente incorporan movimiento, recitación de textos o se integran en montajes e instalaciones más grandes. Más allá de su obra escultórica, Gilbert & George ha producido obras pictóricas, collages y fotomontajes. A menudo presentan a los artistas junto con diversos objetos de su entorno inmediato, incorporando referencias a la cultura urbana y abordando temas potentes como el sexo, la raza, la muerte y el VIH, la religión y la política, criticando con frecuencia al gobierno británico y las estructuras de poder establecidas. Entre sus proyectos más prolíficos y ambiciosos se encuentra Jack Freak Pictures, caracterizado por la presencia omnipresente de los colores rojo, blanco y azul de la Union Jack. Gilbert & El trabajo de George se ha exhibido a nivel mundial en instituciones como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) y la Tate Modern (2007). También han participado en la Bienal de Venecia y fueron galardonados con el Premio Turner en 1986.

Arte de resistencia

El arte escénico de resistencia investiga temas que incluyen estados de trance, dolor físico, soledad, restricción de la libertad, aislamiento social y agotamiento extremo. Las representaciones que duran mucho tiempo se clasifican con frecuencia como obras de larga duración. Chris Burden, figura destacada de este género artístico, fue pionero en este enfoque a lo largo de la década de 1970. Entre sus obras destacadas, Five Day Locker Piece (1971) implicó su confinamiento en un casillero de la escuela durante cinco días; en Shoot (1971), sufrió una herida de bala; y para Bed Piece (1972), permaneció en la cama dentro de una galería de arte durante veintidós días consecutivos. Tehching Hsieh representa otro importante artista de resistencia. En su performance de 1980-1981, Time Clock Piece, Hsieh se documentó a sí mismo cada hora durante un año completo fotografiándose junto a un reloj en su estudio. Hsieh también es reconocido por sus trabajos que exploran la privación de libertad, en particular por pasar un año completo en confinamiento. Bryan Lewis Saunders es otro practicante del rendimiento de larga duración; su proyecto en curso, Under the Influence (1995-presente), implica producir autorretratos diarios mientras se experimentan estados alterados de percepción. Además, en 30 días totalmente ciego (2018), soportó un mes de ceguera total autoimpuesta, durante el cual mantuvo su práctica diaria de autorretrato. Marina Abramović, en La casa con vista al mar (2003), soportó doce días de vida silenciosa y sin sustento. "Los Nueve Confinamientos" o "La Privación de la Libertad" constituye una serie de performances de resistencia conceptual del artista Abel Azcona, ejecutadas entre 2013 y 2016, y cada pieza examina la restricción ilegítima de la libertad.

Dimensiones políticas del arte escénico

A mediados de la década de 1970, las artes escénicas experimentales proliferaron en importantes ciudades de Europa del Este detrás del Telón de Acero, incluidas Budapest, Cracovia, Belgrado, Zagreb y Novi Sad. En oposición a los controles políticos y sociales predominantes, numerosos artistas desarrollaron obras de performance con temas políticos explícitos. Las series de performance de Orshi Drozdik, Individual Mythology (1975–77) y NudeModel (1976–77), ejemplifican esta tendencia. Sus intervenciones artísticas criticaron constantemente el discurso patriarcal prevaleciente en el arte y desafiaron los programas de emancipación impuestos por el estado, que a su vez estaban arraigados en estructuras patriarcales. El trabajo de Drozdik demostró una perspectiva feminista pionera sobre estos temas, consolidándola como una precursora significativa del arte crítico en Europa del Este. La naturaleza efímera del arte performance contribuyó a su fuerte presencia dentro de la vanguardia de Europa del Este durante la década de 1970, particularmente en Polonia y Yugoslavia, donde docenas de artistas participaron en exploraciones conceptuales y críticas del cuerpo humano.

El Otro

A mediados de la década de 1970, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en Ámsterdam. Su colaboración investigó principalmente conceptos de ego e identidad artística, iniciando una década de esfuerzos artísticos conjuntos. Ambos artistas compartían el interés por su herencia cultural y el deseo humano por las prácticas rituales. Dentro de El Otro, adoptaron una apariencia y un comportamiento unificados, fomentando una relación de profunda confianza. Sus obras a menudo involucraban sus cuerpos creando espacios interactivos para la audiencia. Por ejemplo, en Relación en el espacio, corrían por una habitación, encarnando dos figuras planetarias, fusionando energías masculinas y femeninas en una tercera entidad a la que denominaron "ese yo". En Relation in Movement (1976), el dúo condujo su coche dentro de un museo y completó 365 giros. Un líquido negro goteaba del vehículo, formando una escultura, y cada rotación simbolizaba un año. Posteriormente, crearon Breathing In/Breathing Out, una performance en la que unían sus labios, inhalando el aire exhalado cada uno hasta agotar el oxígeno. Precisamente a los 17 minutos de actuación, ambos artistas perdieron el conocimiento debido a la acumulación de dióxido de carbono en sus pulmones. Esta pieza exploró la noción de la capacidad de un individuo para absorber, transformar y potencialmente disminuir la vitalidad de otro. En 1988, tras varios años de una relación tensa, Abramović y Ulay decidieron concluir su trabajo colectivo con un viaje espiritual. Atravesaron la Gran Muralla China, comenzando desde extremos opuestos y encontrándose a mitad de camino. Abramović imaginó este paseo en sueños y lo percibió como una culminación apropiada y romántica de su relación, caracterizada por el misticismo, la energía y la atracción mutua. Ulay comenzó su viaje en el desierto de Gobi, mientras que Abramović partió del Mar Amarillo. Cada artista caminó 2.500 kilómetros, convergió en el medio y se despidió.

Artistas de performance destacados

En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Al mismo tiempo, la performance de Marina Abramović Rhythm 10 abordó conceptualmente la violación corporal. Tres décadas más tarde, los temas de la violación, la vergüenza y la explotación sexual fueron reexaminados en las obras de artistas contemporáneos como Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko y Rebecca Patek. Los artistas pioneros, a través de sus acciones radicales, se establecieron como figuras clave del arte del performance. Los ejemplos incluyen la obra de Chris Burden de 1971 Shoot, donde un asistente le disparó en el brazo desde cinco metros de distancia, y Seedbed de Vito Acconci del mismo año. Eye Body (1963) de Carolee Schneemann ya había sido reconocido como uno de los primeros prototipos de arte escénico. En 1975, Schneemann exploró más a fondo las performances en solitario innovadoras, como Interior Scroll, que utilizaba el cuerpo femenino como medio artístico.

Gina Pane, una artista francesa de ascendencia italiana, fue una figura prominente en el arte de performance. Realizó estudios en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París de 1960 a 1965 y participó activamente en el movimiento francés de artes escénicas de la década de 1970 conocido como "Art Corporel". Paralelamente a su práctica artística, Pane enseñó en la École des Beaux-Arts de Mans de 1975 a 1990 y dirigió un atelier dedicado al arte del performance en el Centro Pompidou de 1978 a 1979. Entre sus obras más reconocidas se encuentra The Conditioning (1973), en la que yacía sobre un somier de metal colocado sobre velas encendidas. Esta pieza fue reinterpretada posteriormente como homenaje a Marina Abramović, formando parte de su Seven Easy Pieces (2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York. Una parte importante de la obra de Pane presentaba dolor autoinfligido, lo que la distingue de muchas otras artistas femeninas de la década de 1970. A través de actos como cortarse la piel con navajas o apagar llamas con las manos y los pies desnudos, Pane pretendía provocar una experiencia real en el espectador, provocando una respuesta visceral al malestar. La naturaleza impactante de estas primeras piezas escénicas, o "acciones", como ella prefería llamarlas, a menudo eclipsaba su prolífico trabajo fotográfico y escultórico. Sin embargo, el cuerpo siguió siendo la preocupación temática central en el arte de Pane, ya sea explorado literal o conceptualmente.

Los años 80

Técnicas de artes escénicas

La característica inicial del arte del performance, antes de la década de 1980, fue su desmitificación del virtuosismo. Sin embargo, a partir de la década de 1980, la disciplina comenzó a incorporar elementos de brillantez técnica. Sally Banes, crítica de danza, observa este cambio en su comentario sobre la obra de Philip Auslander, Presence and Resistance. Banes señala que a finales de la década de 1980, el arte performance había logrado un reconocimiento tan amplio que se volvió innecesaria una definición explícita. La cultura de masas, en particular la televisión, proporcionó cada vez más marcos estructurales y contenido temático para gran parte del arte escénico. Además, varios artistas de performance, incluidos Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, hicieron una transición exitosa al entretenimiento convencional. Durante esta década se establecieron los parámetros específicos y las metodologías técnicas encaminadas a refinar y perfeccionar el arte escénico.

Análisis crítico e investigación académica sobre el arte escénico

Si bien numerosas representaciones ocurren dentro de los límites de una comunidad especializada del mundo del arte, Roselee Goldberg destaca en Performance Art: From Futurism to the Present que "la performance ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, así como de impactar al público para que reevalúe sus propias nociones del arte y su relación con la cultura". Por el contrario, el compromiso del público con el medio, particularmente durante la década de 1980, pareció originarse en un deseo de acceder al mundo del arte, observar sus rituales y su comunidad única, y encontrarse con las presentaciones consistentemente poco convencionales y sorprendentes de los artistas. Esta década también vio la proliferación de publicaciones y antologías dedicadas al arte del performance y a sus practicantes más destacados.

Arte performativo dentro de un marco político

El clima político de la década de 1980 influyó significativamente en el desarrollo artístico, particularmente dentro del arte del performance, dado que casi todas las obras que incorporaban un discurso crítico y político se situaban dentro de esta disciplina. Antes de la disolución del Bloque Europeo del Este a finales de los años 1980, la mayoría de los gobiernos comunistas suprimieron activamente el arte escénico. Con las notables excepciones de Polonia y Yugoslavia, las artes escénicas estaban en gran medida prohibidas en países donde las reuniones públicas independientes eran vistas con sospecha. En la República Democrática Alemana (RDA), Checoslovaquia, Hungría y Letonia, estas actuaciones se limitaron a apartamentos privados, reuniones de artistas aparentemente espontáneas, entornos supervisados ​​por la iglesia o disfrazadas de otras actividades, como sesiones fotográficas. Separadas de los marcos conceptuales occidentales, estas actuaciones en diversos escenarios abarcaron desde protestas lúdicas hasta críticas conmovedoras, empleando metáforas subversivas para articular la oposición a las condiciones políticas prevalecientes. Entre las obras de arte performance con carga política más notables de esta época se encuentra Art/Life: One Year Performance (Rope Piece) de Tehching Hsieh, ejecutada entre julio de 1983 y julio de 1984.

Poesía escénica

Los términos "poesía" y "actuación" se combinaron por primera vez en 1982. La poesía escénica surgió como una categoría distinta para diferenciar las presentaciones vocales centradas en el texto del arte escénico más amplio, particularmente del trabajo de artistas escénicos y musicales como Laurie Anderson, quien incorporó la música a su práctica durante ese período. Los poetas de performance típicamente enfatizaban más la expresión retórica y filosófica dentro de su poética que los artistas de performance, que a menudo se originaban en disciplinas de artes visuales como la pintura y la escultura. Desde el trabajo pionero de John Cage, numerosos artistas han integrado la interpretación con una sensibilidad poética fundamental.

Arte Performance feminista

El Feminist Studio Workshop, ubicado dentro del Woman's Building en Los Ángeles, influyó significativamente en la floreciente ola de acciones artísticas feministas que comenzó en 1973; sin embargo, una integración completa del feminismo y el arte del performance no se materializó completamente hasta 1980. La convergencia de estos dos dominios avanzó considerablemente a lo largo de la década siguiente. En particular, muchas obras creadas durante las dos primeras décadas del desarrollo del arte escénico, aunque originalmente no se conceptualizaron como feministas, ahora se interpretan retrospectivamente a través de una lente feminista.

Las artistas no se identificaron explícitamente como feministas hasta 1980. Los grupos de artistas destacados presentaban a mujeres significativamente influenciadas tanto por el movimiento estudiantil de 1968 como por el movimiento feminista más amplio. La investigación histórica del arte contemporáneo ha explorado ampliamente esta interrelación. Entre las figuras clave que brindaron contribuciones innovadoras a las representaciones y exposiciones artísticas se encuentran Pina Bausch y las Guerrilla Girls, un colectivo artístico anónimo feminista y antirracista formado en la ciudad de Nueva York en 1985. El apodo que eligieron reflejaba su uso de tácticas guerrilleras en el activismo, empleando arte político y escénico para exponer la discriminación contra las mujeres dentro del mundo del arte. Las actuaciones iniciales implicaron colocar carteles y realizar apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, abordando críticamente la discriminación racial y de género. Estas acciones se ejecutaron de forma anónima, y ​​los miembros ocultaron sus identidades detrás de máscaras de gorila, una elección que hace referencia a la similitud fonética entre "gorila" y "guerrilla". Como seudónimos, adoptaron los nombres de artistas femeninas fallecidas. Entre los años 1970 y 1980, obras importantes que desafiaron las estrategias de representación convencionales se centraron con frecuencia en el cuerpo femenino. Los ejemplos incluyen las piezas de Ana Mendieta radicadas en Nueva York, que representan el cuerpo violado y abusado, y las representaciones artísticas de Louise Bourgeois, caracterizadas por un discurso minimalista que surgió a finales de los años setenta y ochenta. En particular, las obras que exploran la corporalidad femenina y feminista, como las acciones performativas fálicas de Lynda Benglis, tenían como objetivo reconstruir la imagen femenina más allá de la mera fetichización. El arte del performance feminista transformó así el cuerpo en un lugar crucial para desarrollar discursos e interpretaciones novedosos. Eleanor Antin, artista activa durante las décadas de 1970 y 1980, exploró temas de género, raza y clase. Cindy Sherman, desde sus primeros trabajos en los años 1970 hasta su madurez artística en los años 1980, mantuvo un enfoque crítico para subvertir el yo impuesto, utilizando el cuerpo como objeto de investigación privilegiado.

Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Reconocida como una de las artistas más influyentes de la posguerra, su obra que abarca más de tres décadas se ha exhibido en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Aunque aparece en la mayoría de sus fotografías performativas, no las categoriza como autorretratos. Sherman emplea su propia imagen como conducto para explorar una amplia gama de temas contemporáneos, incluidos los roles sociales de las mujeres, su representación en los medios y la naturaleza fundamental de la creación artística. En 2020 recibió el Premio Wolf en las Artes.

Judy Chicago es una artista estadounidense y una figura pionera en el arte feminista y performance. Chicago es conocida por sus instalaciones artísticas colaborativas a gran escala, que exploran temas de nacimiento y creación para examinar el papel de las mujeres en la historia y la cultura. Durante la década de 1970, Chicago estableció el programa inaugural de arte feminista en Estados Unidos. Su práctica artística integra diversas habilidades, como la costura, a menudo yuxtapuestas con técnicas que requieren mucha mano de obra como la soldadura y la pirotecnia. La obra más famosa de Chicago es The Dinner Party, que está instalada permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista dentro del Museo de Brooklyn. La Cena conmemora los logros históricos de las mujeres y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos notables incluyen International Honor Quilt, The Birth Project Powerplay y The Holocaust Project.

El colectivo canadiense de arte lésbico Kiss & Tell, formada por Persimmon Blackbridge (n. 1951), Lizard Jones (n. 1961) y Susan Stewart (n. 1952), integra el feminismo queer en su práctica creativa, que abarca una amplia gama de artes escénicas. Sus actuaciones incluyeron monólogos, confesionarios y anécdotas humorísticas, entregadas a través de una combinación de narración, fotografía, video y música para atraer y conectar con el público. Beso y amp; Tell se inspiró en varios artistas de performance, incluidos Emmy Hennings, Carolee Schneemann, Martha Rosler y Guerrilla Girls.

Expansión a América Latina.

Durante esta década, el arte escénico se expandió a América Latina, principalmente facilitado por talleres y programas ofrecidos por universidades e instituciones académicas. Su desarrollo fue particularmente notable en México, Colombia—con artistas como Maria Teresa Hincapié—Brasil y Argentina.

Ana Mendieta, artista conceptual y de performance nacida en Cuba y criada en los Estados Unidos, obtuvo un importante reconocimiento por sus instalaciones y piezas de performance de land art. Inicialmente, la obra de Mendieta fue reconocida principalmente dentro de la crítica de arte feminista. Sin embargo, en los años posteriores a su muerte, particularmente después de la retrospectiva del Whitney Museum of American Art de 2004 y la retrospectiva de la Haywart Gallery de Londres de 2013, ha sido ampliamente reconocida como una figura pionera en el arte de performance, el arte corporal, el land art, la escultura y la fotografía. Mendieta caracterizó su práctica artística distintiva como arte tierra-cuerpo.

Tania Bruguera es una artista cubana cuya práctica se especializa en arte performance y arte político, interpretando principalmente temas políticos y sociales. Ha conceptualizado el "arte conductual" para delinear prácticas artísticas que exploran los límites del lenguaje y el cuerpo en relación con la reacción y el comportamiento de la audiencia. Además, Bruguera introdujo el concepto de "arte útil", cuyo objetivo es instigar transformaciones en dimensiones políticas y jurídicas específicas de la sociedad. Su trabajo aborda con frecuencia temas de poder y control, y una parte sustancial examina críticamente las condiciones contemporáneas en su Cuba natal. En 2002, fundó la Cátedra Arte de Conducta en La Habana.

Regina José Galindo es una artista de performance guatemalteca cuyo trabajo se distingue por su contenido político y crítico explícito, empleando su propio cuerpo como instrumento de confrontación y transformación social. Su trayectoria artística ha estado profundamente influenciada por la Guerra Civil Guatemalteca (1960-1996), un conflicto que resultó en el genocidio de más de 200.000 personas, incluido un número significativo de indígenas, agricultores, mujeres y niños. A través de su arte, Galindo critica la violencia, el sexismo (siendo el feminicidio un tema destacado), los estándares de belleza occidentales, la represión estatal y el abuso de poder, particularmente dentro de su contexto nacional, aunque su discurso artístico trasciende las fronteras geográficas. Inicialmente, utilizó exclusivamente su cuerpo como medio, llevándolo a veces a situaciones extremas, como en Himenoplastia (2004), una performance que involucra la reconstrucción del himen que le valió el León de Oro en la Bienal de Venecia. Posteriormente, empezó a incorporar voluntarios o participantes contratados, cediendo así el control sobre el resultado de la actuación.

Los años 90

La década de 1990 marcó un período de visibilidad reducida para el arte escénico tradicional europeo, lo que llevó a muchos artistas a mantener un perfil bajo. Por el contrario, Europa del Este fue testigo de un aumento significativo del arte escénico. Al mismo tiempo, el arte del performance latinoamericano y el arte del performance feminista continuaron su expansión. La disciplina también experimentó un auge en los países asiáticos, donde sus orígenes se remontan a la danza Butō de la década de 1950; Sin embargo, durante esta década se profesionalizó y nuevos artistas chinos obtuvieron un reconocimiento sustancial. Esta era también vio una profesionalización más amplia del arte del performance, evidenciada por un aumento en las exposiciones dedicadas y la inclusión del arte del performance en la Bienal de Arte de Venecia, donde varios profesionales, entre ellos Anne Imhof, Regina José Galindo y Santiago Sierra, recibieron el Leone d'Oro.

Arte performativo en contextos políticos

Con la disolución del bloque soviético, las obras de arte escénicas previamente prohibidas comenzaron a circular más ampliamente. Jóvenes artistas del antiguo Bloque del Este, incluida Rusia, se involucran cada vez más con el arte escénico. Al mismo tiempo, surgieron las artes escénicas, incluida la performance, en Cuba, el Caribe y China. Como señalaron los académicos, "En estos contextos, el arte del performance se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de Europa occidental, Estados Unidos y América del Sur en los años sesenta y principios de los setenta. Se debe enfatizar que el auge del arte del performance en la década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares no debe considerarse secundario o una imitación de Occidente".

La profesionalización del arte escénico

Durante la década de 1990, el arte escénico logró una integración generalizada en el mundo occidental. Diversas obras de arte escénicas, que abarcaban presentaciones en vivo, documentación fotográfica y otros registros, comenzaron a incorporarse a galerías y museos, que reconocían cada vez más el arte escénico como una disciplina artística distinta. Sin embargo, una institucionalización significativa se produjo principalmente en la década siguiente, cuando importantes museos como la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de París comenzaron a adquirir artes escénicas para sus colecciones y a organizar extensas exposiciones y retrospectivas. Al mismo tiempo, a partir de la década de 1990, un número creciente de artistas de performance recibieron invitaciones a prestigiosas bienales, incluidas la Bienal de Venecia, la Bienal de São Paulo y la Bienal de Lyon.

Arte escénico en China

El arte contemporáneo y performance chino obtuvo un importante reconocimiento internacional a finales de los años 1990, en particular con la invitación de 19 artistas chinos a la Bienal de Venecia. Si bien el arte escénico en China se había ido desarrollando desde la década de 1970, impulsado por intereses culturales en el arte, el proceso y la tradición, su reconocimiento más amplio surgió a partir de la década de 1990. A principios de la década de 1990, el arte escénico chino ya había obtenido elogios dentro de la comunidad artística internacional. A nivel nacional, ahora está integrado en los programas de educación de bellas artes y su popularidad continúa creciendo.

Desarrollos desde la década de 2000

Rendimiento de nuevos medios

Desde finales de la década de 1990 hasta la década de 2000, numerosos artistas integraron tecnologías emergentes, incluida la World Wide Web, el vídeo digital, las cámaras web y los medios de streaming, en su arte escénico. Practicantes como Coco Fusco, Shu Lea Cheang y Prema Murthy crearon obras que examinaron la interacción de género, raza, colonialismo y el cuerpo en el contexto de Internet. Al mismo tiempo, grupos como Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theatre y Yes Men aprovecharon las tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para abordar preocupaciones políticas relacionadas con el capitalismo y el consumismo contemporáneos.

Durante la segunda mitad de la década de 2000, surgieron formas de arte escénico asistidas por computadora, fomentando el desarrollo del arte algorítmico, el arte generativo y el arte robótico. En estas formas innovadoras, la computadora misma o un robot controlado por computadora asume el papel del intérprete.

Coco Fusco, una artista, escritora y curadora interdisciplinaria cubanoamericana radicada en los Estados Unidos, comenzó su carrera artística en 1988. Su práctica involucra principalmente la performance, a través de la cual investiga temas de identidad, raza, poder y género. Además, su obra incluye vídeos, instalaciones interactivas y escritura crítica.

Arte escénico radical

A lo largo de las décadas de 2000 y 2010, varios artistas de performance, incluidos Pussy Riot, Tania Bruguera y Petr Pavlensky, enfrentaron procesamiento por sus diversas intervenciones artísticas.

Pussy Riot

El 21 de febrero de 2012, miembros del colectivo artístico Pussy Riot organizaron una protesta contra la reelección de Vladimir Putin ingresando a la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, una iglesia ortodoxa rusa. En el interior, cantaron y bailaron, se persignaron y se inclinaron ante el santuario, bajo el lema "Virgen María, aleja a Putin". Su detención se produjo el 3 de marzo. El mismo día, Maria Alyokhina y Nadezhda Tolokonnikova, identificadas como miembros de Pussy Riot, fueron arrestadas por las autoridades rusas y acusadas de vandalismo. Inicialmente, ambos negaron su afiliación al grupo e iniciaron una huelga de hambre, protestando por su encarcelamiento y separación de sus hijos hasta que comenzaron sus juicios en abril. El 16 de marzo, Yekaterina Samutsévitch, que anteriormente había sido interrogada como testigo, también fue arrestada y acusada.

El 5 de julio se presentaron cargos formales, acompañados de una acusación de 2.800 páginas, contra el grupo. Al mismo tiempo, se les informó que tenían hasta el 9 de julio para preparar su defensa. En respuesta, declararon una huelga de hambre, argumentando que un período de dos días era insuficiente para la preparación de la defensa. El 21 de julio, el tribunal amplió su prisión preventiva seis meses más. Posteriormente, la Unión de Solidaridad con los Presos Políticos reconoció a los tres miembros detenidos como presos políticos. Amnistía Internacional también los designó presos de conciencia, citando "la severidad de la respuesta de las autoridades rusas".

Otras instancias

Desde 2012, el artista Abel Azcona enfrenta procesos judiciales relacionados con varias de sus creaciones artísticas. La acción legal más publicitada provino del Arzobispado de Pamplona y Tudela, actuando en nombre de la Iglesia Católica. La Iglesia acusó a Azcona de profanación, blasfemia, delitos de odio y de atentar contra la libertad y los sentimientos religiosos, concretamente en relación con su obra titulada Amén o La Pederastia. Posteriormente, en 2016, Azcona enfrentó acusaciones de enaltecimiento del terrorismo por su exposición Natura Morta. Esta exposición presentó performances, esculturas hiperrealistas e instalaciones que representaban escenarios de violencia, memoria histórica, terrorismo y conflictos armados.

En diciembre de 2014, Tania Bruguera fue detenida en La Habana, aparentemente para impedir la ejecución de nuevas obras de arte orientadas a la protesta. Su arte escénico ha recibido constantemente duras críticas, lo que ha dado lugar a acusaciones de incitación a la resistencia y al desorden público. Entre diciembre de 2015 y enero de 2016, Bruguera fue nuevamente detenido por orquestar una actuación pública en la Plaza de la Revolución de La Habana. Su arresto se produjo junto a otros artistas, activistas y periodistas cubanos involucrados en la campaña Yo También Exijo, surgida tras los anuncios de Raúl Castro y Barack Obama sobre el restablecimiento de relaciones diplomáticas. Para la actuación titulada El Susurro de Tatlin #6, Bruguera instaló micrófonos y altavoces en la Plaza de la Revolución, permitiendo a los ciudadanos cubanos articular sus perspectivas sobre el cambiante panorama político. Este evento atrajo significativa atención de los medios internacionales, incluida una presentación de El Susurro de Tatlin #6 en Times Square. Además, numerosos artistas e intelectuales abogaron por la liberación de Bruguera enviando una carta abierta a Raúl Castro, firmada por miles de personas en todo el mundo, exigiendo la devolución de su pasaporte y afirmando que su detención constituía una injusticia criminal, dado que su única acción era proporcionar una plataforma para la expresión pública.

Petr Pavlensky fue arrestado en noviembre de 2015 y nuevamente en octubre de 2017 por ejecutar obras de arte radicales. Se trataba de incendiar la entrada del edificio Lubyanka, la sede del Servicio Federal de Seguridad de Rusia y, posteriormente, una sucursal del Banco de Francia. En ambos casos roció la entrada principal con gasolina; Durante la segunda actuación, también roció el interior antes de encenderlo con un encendedor. En consecuencia, las puertas del edificio sufrieron daños parciales por quemaduras. En ambas ocasiones, Pavlensky fue detenido sin resistencia y acusado de libertinaje. A las pocas horas de estas acciones, aparecieron en línea varios videos de protesta con carga política y artística.

Lia García, una artista de performance transfeminista de México conocida por su nombre artístico la Novia Sirena, explora temas de contacto y vulnerabilidad para subrayar cuestiones de violencia de género y identidad transgénero. El trabajo de García Proyecto 10bis (2016-2017) involucró una actuación en El Reclusorio Norte, una prisión de la Ciudad de México. Vestida de quinceañera, bailaba con los reclusos y empleaba el contacto físico como medio para desafiar las barreras institucionales diseñadas para aislar a los individuos encarcelados de la población en general.

La institucionalización del arte escénico y sus procesos de colección

Desde principios de la década de 2000, los principales museos, instituciones culturales y colecciones privadas han adoptado y apoyado cada vez más el arte escénico. En particular, la Tate Modern de Londres inició un programa curador de arte en vivo y performance en enero de 2003. Este programa ha presentado exposiciones de artistas destacados, entre ellos Tania Bruguera y Anne Imhof. En 2012, la Tate Modern solidificó aún más este compromiso con la inauguración de The Tanks, estableciendo los primeros espacios dedicados a la performance, el cine y la instalación dentro de un importante museo de arte moderno y contemporáneo.

El Museo de Arte Moderno organizó una importante retrospectiva y recreación escénica de la obra de Marina Abramović, marcando la mayor exposición de arte escénico en la historia del MoMA, del 14 al 31 de marzo de 2010. Esta exposición presentó más de veinte obras del artista, predominantemente del período comprendido entre 1960 y 1980. Un aspecto notable fue la reactivación de muchas piezas por un grupo diverso de jóvenes artistas internacionales elegidos específicamente para el evento. Paralelamente a la exposición, Abramović presentó El artista está presente, una actuación estática y silenciosa de 726 horas y 30 minutos de duración en la que permaneció inmóvil en el atrio del museo, invitando a los espectadores a sentarse frente a ella por turnos. Esta obra sirvió como una interpretación actualizada de una pieza de 1970 incluida en la exposición, en la que Abramović había pasado días completos junto a Ulay, su pareja artística y romántica. La actuación atrajo considerable atención de los medios y atrajo a participantes famosos, entre ellos Björk, Orlando Bloom y James Franco.

En medio de la creciente institucionalización del arte escénico, la iniciativa A Performance Affair, con sede en Bruselas y cofundada por Liv Vaisberg y Will Kerr, y el formato Performance Exchange, con sede en Londres, investigan la coleccionabilidad de las obras escénicas. Además, el museo y centro cultural austriaco OÖLKG/OK, a través de su formato de festival discursivo titulado ¿El cuerpo no fungible?, exploró los desarrollos recientes en la institucionalización de la performance, presentado por primera vez en junio de 2022.

Defensa Colectiva en el Arte Performance

En 2014, la artista Emma Sulkowicz creó la obra de arte performativo Carry That Weight, también conocida como "el performance del colchón", como parte de su proyecto de tesis de artes visuales en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. La actuación comenzó en septiembre de 2014, con Sulkowicz cargando su colchón por el campus de la Universidad de Columbia. La artista concibió esta obra para protestar por una violación no abordada que sufrió años antes en su dormitorio, que había denunciado pero no recibió resolución de la universidad ni de las autoridades legales. En consecuencia, se comprometió a cargar el colchón continuamente durante todo el semestre hasta su ceremonia de graduación en mayo de 2015. Si bien la pieza generó una controversia significativa, también recibió el apoyo de numerosos compañeros y activistas que periódicamente se unieron a Sulkowicz para cargar el colchón, transformando el trabajo en un acto de protesta reconocido internacionalmente. El crítico de arte Jerry Saltz identificó esta obra de arte como una de las más importantes de 2014.

En 2019, la obra de arte performance colectiva Un violador en tu camino fue desarrollada por Lastesis, un grupo feminista de Valparaíso, Chile. Esta obra funcionó como una manifestación contra las violaciones a los derechos de las mujeres en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020. Su actuación inaugural tuvo lugar el 18 de noviembre de 2019, frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso. Una actuación posterior, en la que participaron 2.000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019, coincidiendo con el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, fue filmada y alcanzó estatus viral en las redes sociales. La influencia de la actuación se expandió globalmente a medida que los movimientos feministas en docenas de países la adoptaron y la tradujeron para sus propias protestas y demandas por el cese y el castigo del feminicidio y la violencia sexual, entre otros temas.

Referencias

Referencias

Bibliografía

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