El arte pop es un movimiento artístico influyente que surgió en el Reino Unido y Estados Unidos a mediados y finales de la década de 1950. Este movimiento desafió las tradiciones establecidas de las bellas artes al integrar imágenes de la cultura popular y de masas, incluida la publicidad, las historietas, los empaques de productos, las figuras de celebridades y los artículos de consumo cotidiano, en la pintura, la escultura y el grabado. Al elevar lo común, lo kitsch y lo producido en masa al estatus de arte elevado, el arte pop desdibujó efectivamente las distinciones entre alta y baja cultura. También se caracteriza por la adopción por parte de los artistas de métodos de reproducción mecánica o técnicas de renderizado. Dentro del arte pop, el tema en ocasiones se disloca visualmente de su contexto familiar, se aísla o se yuxtapone con elementos no relacionados.
Elarte pop es un movimiento artístico que surgió en el Reino Unido y Estados Unidos entre mediados y finales de los años cincuenta. El movimiento presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular y de masas (incluidas publicidad, historietas, empaques de productos, celebridades y bienes de consumo cotidianos) en la pintura, la escultura y el grabado. Al elevar lo banal, lo kitsch y lo producido en masa al estatus de arte elevado, el arte pop desdibujó los límites entre la alta y la baja cultura. También está asociado con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de renderizado. En el arte pop, el material a veces se elimina visualmente de su contexto conocido, se aísla o se combina con material no relacionado.
El movimiento se desarrolló inicialmente en Gran Bretaña a través de artistas como Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton, quienes investigaron las imágenes del consumo estadounidense y la cultura mediática de posguerra a través del collage y la pintura. En Estados Unidos, artistas como Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg y Jasper Johns establecieron un trabajo fundamental al incorporar objetos cotidianos y símbolos comerciales a su práctica artística. A principios de la década de 1960, figuras prominentes como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann impulsaron el movimiento hacia el reconocimiento internacional.
El arte pop está intrínsecamente vinculado con la ironía, la ambigüedad y un compromiso crítico con la cultura de consumo. Si bien ciertas obras parecen celebrar la estética refinada y la abundancia material del capitalismo de posguerra, otras examinan críticamente los efectos homogeneizadores de la producción en masa y la saturación de los medios. Ampliamente considerado como una reacción contra el expresionismo abstracto y una evolución del mismo, el arte pop redirigió el enfoque artístico hacia las imágenes cotidianas y el diseño comercial. A través de su apropiación de imágenes encontradas y estética comercial, el arte pop se basó en precedentes del dadaísmo y al mismo tiempo presagió desarrollos posteriores en el arte posmoderno. Al disolver las fronteras entre élite y cultura popular, originalidad y reproducción, arte y mercancía, reformuló fundamentalmente el léxico visual del arte contemporáneo.
Orígenes
La génesis del arte pop en América del Norte divergió de su desarrollo en Gran Bretaña. En Estados Unidos, el arte pop surgió como una reacción artística, señalando un retorno a la composición precisa y al arte representacional. Los artistas emplearon deliberadamente la realidad impersonal y mundana, la ironía y la parodia para neutralizar el simbolismo personal y la "relajación pictórica" características del expresionismo abstracto. En Estados Unidos, ciertas obras de Larry Rivers, Alex Katz y Man Ray se consideran precursoras del arte pop.
Por el contrario, los orígenes del arte pop en la Gran Bretaña de la posguerra, aunque también utilizaban la ironía y la parodia, exhibían una orientación más académica. Los artistas británicos se concentraron en las imágenes dinámicas y paradójicas de la cultura popular estadounidense, percibiéndolas como aparatos simbólicos poderosos y manipuladores que influyen en los patrones sociales y al mismo tiempo mejoran la prosperidad. El arte pop temprano en Gran Bretaña era principalmente conceptual, impulsado por la cultura popular estadounidense visto desde lejos. De manera similar, el arte pop funcionó como una extensión y un repudio del dadaísmo. Aunque ambos movimientos exploraron temas comparables, el arte pop reemplazó los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del dadaísmo con una afirmación distante de los artefactos de la cultura de masas. Entre los artistas europeos cuyo trabajo se considera que condujo al arte pop se encuentran Pablo Picasso, Marcel Duchamp y Kurt Schwitters.
Proto-pop
Aunque tanto el arte pop británico como el estadounidense surgieron durante la década de 1950, figuras como Marcel Duchamp y otros artistas europeos como Francis Picabia y Man Ray fueron anteriores al movimiento. Además, los orígenes del proto-pop estadounidense anterior implicaron la utilización de objetos culturales "tal como se encontraron". Durante la década de 1920, los artistas estadounidenses Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth y Stuart Davis produjeron pinturas que incorporaban imágenes de la cultura pop (específicamente, objetos mundanos derivados de productos comerciales y diseños publicitarios estadounidenses), casi prefigurando así el movimiento del arte pop.
Reino Unido: The Independent Group
El Independent Group (IG), fundado en Londres en 1952, es ampliamente reconocido como el progenitor del movimiento del arte pop. Este colectivo estaba formado por jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que cuestionaron activamente los paradigmas culturales modernistas dominantes y las perspectivas convencionales sobre las bellas artes. Sus discusiones exploraron principalmente las implicaciones de la cultura popular, basándose en elementos como la publicidad masiva, el cine, el diseño de productos, las historietas, la ciencia ficción y la tecnología. Durante la reunión inaugural del Grupo Independiente en 1952, el cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi pronunció una conferencia en la que presentaba una serie de collages titulados Bunk!, que había compilado en París entre 1947 y 1949. Estos "objetos encontrados", incluidos anuncios, personajes de cómics, portadas de revistas y diversos gráficos producidos en masa, representaban predominantemente la cultura popular estadounidense. En particular, el collage de Paolozzi de 1947, Yo era el juguete de un hombre rico, presentado durante esta conferencia, contiene el primer ejemplo conocido de la palabra "pop", representada dentro de una nube de humo que emana de un revólver. Después de la influyente presentación de Paolozzi en 1952, el enfoque del IG se centró predominantemente en imágenes de la cultura popular estadounidense, con un énfasis particular en la publicidad masiva.
El hijo de John McHale afirma que su padre creó el término "arte pop" en 1954 durante una discusión con Frank Cordell; sin embargo, relatos alternativos atribuyen su acuñación al crítico británico Lawrence Alloway. (Ambas narrativas coinciden en que el término se empleó activamente en las discusiones del Grupo Independiente a mediados de 1955).
La designación "arte pop" posteriormente ganó popularidad entre los miembros del IG durante la Segunda Sesión del IG en 1955. La frase precisa "arte pop" apareció impresa por primera vez en 1956, dentro del artículo "Pero hoy recopilamos anuncios" de los miembros del IG Alison y Peter Smithson, publicado en la revista Ark. Sin embargo, el término se atribuye con frecuencia al crítico de arte y curador británico Lawrence Alloway, específicamente por su ensayo de 1958, Las artes y los medios de comunicación, a pesar de que su frase real es "cultura popular de masas". El propio Alloway aclaró: "Además, lo que quise decir entonces no es lo que significa ahora. Utilicé el término, y también 'Cultura pop' para referirme a los productos de los medios de comunicación, no a obras de arte que se basan en la cultura popular. En cualquier caso, en algún momento entre el invierno de 1954-1955 y 1957 la frase adquirió vigencia en la conversación..." A pesar de esto, Alloway emergió como un destacado crítico que abogaba por la integración de las imágenes de la cultura de masas en las bellas artes. Alloway proporcionó más aclaraciones sobre estos términos en 1966, momento en el que el arte pop ya había evolucionado desde sus orígenes en las escuelas de arte y galerías más pequeñas hasta convertirse en una fuerza significativa dentro del mundo del arte. Sin embargo, su éxito principal no se materializó en Inglaterra. Al mismo tiempo y de forma independiente, la ciudad de Nueva York se había establecido como un centro central para el arte pop.
En Londres, la exposición anual de jóvenes talentos de 1960 organizada por la Royal Society of British Artists (RBA) mostró por primera vez influencias del pop estadounidense. La muy influyente exposición RBA-Jóvenes Contemporáneos de enero de 1961 supuso un importante reconocimiento para artistas como David Hockney, el estadounidense R. B. Kitaj, el neozelandés Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty y Peter Blake. Apple fue responsable del diseño de los carteles y las invitaciones para las exposiciones Jóvenes Contemporáneos de 1961 y 1962. Posteriormente, Hockney, Kitaj y Blake recibieron premios en la Exposición John Moores en Liverpool durante el mismo año. Durante el receso de verano de 1961 en el Royal College, Apple y Hockney viajaron a Nueva York, donde Apple conoció a Andy Warhol; Posteriormente, ambos artistas se mudaron a los Estados Unidos, y Apple se involucró profundamente en la escena del arte pop de Nueva York.
Estados Unidos
Si bien el arte pop se originó a principios de la década de 1950, obtuvo su impulso más significativo en Estados Unidos durante la década de 1960. Una reseña de agosto de 1962 en The New York Times, que cubría una exposición en el Wadsworth Atheneum en Hartford, observó el surgimiento de lo que entonces se denominaba arte "pop" o "ambiental" dentro de un estudio de obras estadounidenses contemporáneas procedentes de destacadas colecciones de Connecticut. La reseña presentó específicamente las imágenes de las tiras cómicas de Roy Lichtenstein, las pinturas inspiradas en vallas publicitarias de James Rosenquist y las icónicas latas de sopa Campbell repetidas de Andy Warhol. Estos desarrollos se caracterizaron no como provocaciones fugaces sino como "grandes pasos hacia un arte que va socialmente al grano", lo que indica un temprano reconocimiento crítico del desafío del arte pop al expresionismo abstracto y su aceptación de la cultura de masas.
La designación "arte pop" se estableció formalmente en diciembre de 1962 durante un "Simposio sobre Arte Pop" organizado por el Museo de Arte Moderno. Al mismo tiempo, la publicidad estadounidense había integrado numerosos componentes del arte moderno, operando a un nivel muy avanzado. Esto obligó a los artistas estadounidenses a explorar enfoques estilísticos más profundos y dramáticos para distinguir las bellas artes de los diseños comerciales sofisticados. La perspectiva británica sobre las imágenes de la cultura popular estadounidense, algo distante, con frecuencia imbuía sus interpretaciones de matices románticos, sentimentales y humorísticos. Por el contrario, los artistas estadounidenses, constantemente expuestos a una amplia gama de imágenes producidas en masa, generalmente generaban obras más audaces y contundentes.
El historiador, curador y crítico Henry Geldzahler afirmó que los collages de Ray Johnson, específicamente Elvis Presley No. 1 y James Dean, representan el momento fundacional del movimiento pop. La autora Lucy Lippard señaló además que los collages de Johnson con Elvis y Marilyn Monroe presagiaban el arte pop warholiano. Johnson, inicialmente diseñador gráfico, más tarde obtuvo reconocimiento como el progenitor del arte postal a través de su "Escuela por Correspondencia de Nueva York", favoreciendo los trabajos a pequeña escala que incluían recortes y dibujos dentro de sobres en lugar de los formatos más grandes adoptados por sus pares. Un artículo de enero de 1958 en Art News, comentando su imagen de portada, posicionó la exposición individual inaugural de Jasper Johns junto a las obras de figuras establecidas como Rauschenberg, Twombly, Kaprow y Ray Johnson.
Jasper Johns y Robert Rauschenberg también jugaron un papel decisivo en la configuración del léxico del arte pop estadounidense. Rauschenberg se inspiró en Kurt Schwitters y otros artistas dadaístas, y su convicción de que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida" desafió directamente los paradigmas modernistas predominantes en su época. Su incorporación de objetos prefabricados desechados en sus "Combinaciones" e imágenes de la cultura popular en sus pinturas vinculó sus creaciones con la vida estadounidense contemporánea. Específicamente, sus pinturas de 1962 a 1964 fusionaron pinceladas expresivas con extractos serigrafiados de revistas como Life, Newsweek y National Geographic. La producción artística de Johns, incluidas sus representaciones de banderas, objetivos, números, mapas de Estados Unidos y representaciones tridimensionales de latas de cerveza, impulsó una investigación crítica sobre la naturaleza de la representación en el arte. Las obras producidas por Johns y Rauschenberg durante la década de 1950 a menudo se clasifican como neodadá y exhiben un carácter visual distinto del arte pop estadounidense por excelencia que surgió de manera prominente a principios de la década de 1960.
Roy Lichtenstein tiene una importancia comparable dentro del arte pop estadounidense, ya que su obra, particularmente sus elementos paródicos, podría decirse que resume los principios fundamentales del movimiento de manera más efectiva. Al adoptar tiras cómicas antiguas como tema principal, Lichtenstein creó composiciones caracterizadas por sus bordes afilados y su precisión meticulosa, que al mismo tiempo documentaban y satirizaban sutilmente la cultura popular. Empleó óleo y pintura Magna en sus piezas más famosas, como Drowning Girl (1963), que se deriva de la narrativa principal de Secret Hearts #83 de DC Comics. Su estilo distintivo incorpora contornos prominentes, colores vibrantes y puntos Ben-Day para simular tonos específicos, imitando la estética de la reproducción mecánica. Lichtenstein articuló su proceso, afirmando: "[los expresionistas abstractos] pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es prácticamente la misma; las mías simplemente no salen con un aspecto caligráfico, como el de Pollock o Kline".
En 1964, The Observer reconoció a Andy Warhol como el "innovador del arte pop", una designación que refleja su papel fundamental en el movimiento, y es ampliamente reconocido como su figura fundamental. El crítico de arte Arthur Danto lo caracterizó notablemente como "lo más parecido a un genio filosófico que ha producido la historia del arte". Warhol trascendió el arte pop de una mera estética visual a un profundo fenómeno cultural, integrando hábilmente arte, celebridad y comercio a través de su estudio Factory y su identidad pública. Antes de su incursión en las pinturas de arte pop y las películas underground en la década de 1960, Warhol se estableció como un ilustrador comercial de éxito, creando anuncios, portadas de libros y carátulas de discos. Sus icónicos retratos serigrafiados, en los que aparecen figuras como Marilyn Monroe y Elvis Presley, transformaron las imágenes de los medios de comunicación en sorprendentes obras de arte serializadas que exploraron críticamente temas de fama y consumismo. Incluso los elementos mundanos, como el etiquetado en una caja de envío minorista, se convirtieron en tema artístico, ejemplificado por su Campbell's Tomato Juice Box, que destacó la asimilación del arte pop de imágenes comerciales cotidianas. En la década de 1980, Warhol amplió aún más su influencia al ser mentor de un nuevo grupo de artistas pop, entre ellos Keith Haring y Kenny Scharf.
Exposiciones pioneras en EE. UU.
La génesis del arte pop a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 estuvo significativamente moldeada por una secuencia de exposiciones y exhibiciones de galerías fundamentales, que marcaron un alejamiento definitivo del expresionismo abstracto. Entre 1959 y 1960, los artistas Claes Oldenburg, Jim Dine y Tom Wesselmann realizaron sus exposiciones iniciales en la Judson Gallery de Nueva York. Al mismo tiempo, la Galería Martha Jackson presentó montajes experimentales e instalaciones artísticas en su exposición de 1960, New Media – New Forms, que incluía obras de Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg y Dine. En 1961, Jackson promovió aún más las prácticas artísticas inmersivas y basadas en objetos organizando Environments, Situations, Spaces, una exposición fundamental para preparar el terreno para la adopción por parte del arte pop de materiales cotidianos e iconografía de consumo.
En diciembre de 1961, Oldenburg inauguró The Store en el Lower East Side de Manhattan, presentando una instalación de un mes de duración compuesta por esculturas hechas a mano que imitaban productos de consumo. Sus eventos asociados "Ray Gun Theatre", en los que participaron artistas como Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström y Richard Artschwager, cuestionaron activamente los límites tradicionales que separan el arte de la existencia cotidiana. Estos avances artísticos indicaron un alejamiento de la naturaleza introspectiva de la pintura de acción, avanzando hacia un compromiso más centrado en el exterior con la cultura de masas.
En julio de 1962, Andy Warhol presentó su exposición individual inaugural en la Galería Ferus de Irving Blum en Los Ángeles, mostrando 32 latas de sopa Campbell. Durante el mismo mes, el Wadsworth Atheneum de Hartford presentó la exposición American Painting and Sculpture from Connecticut Collections, que incorporó piezas de artistas pop como Warhol y Oldenburg. Posteriormente, Walter Hopps fue curador de Nueva pintura de objetos comunes en el Museo de Arte de Pasadena; Esta exposición es ampliamente reconocida como la primera presentación de un museo dedicada al arte pop estadounidense y destaca a artistas como Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud y Ed Ruscha. También en 1962, la Galería Sidney Janis de Nueva York orquestó la trascendental Exposición Internacional de los Nuevos Realistas, que unió a los artistas pop estadounidenses con los Nouveaux Réalistes europeos. Esta exposición solidificó la creciente prominencia del arte pop, lo que incluso llevó a varios expresionistas abstractos, en particular Mark Rothko y Robert Motherwell, a retirarse de la galería.
En 1963, importantes instituciones de Nueva York habían adoptado plenamente el movimiento del arte pop. El Museo Guggenheim, por ejemplo, exhibió Seis pintores y el objeto, una exposición comisariada por Lawrence Alloway que incluía obras de Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist y Warhol. Las galerías comerciales ampliaron progresivamente su representación de artistas pop: la Green Gallery expuso a Rosenquist, George Segal, Oldenburg y Wesselmann; Leo Castelli defendió a Rauschenberg, Johns y Lichtenstein; y la Galería Ferus mantuvo su promoción de Warhol y Ruscha en la Costa Oeste.
La Galería Bianchini albergó The American Supermarket en 1964, convirtiendo su área de exposición en una tienda de comestibles operativa llena de productos de consumo elaborados por artistas como Warhol, Lichtenstein, Oldenburg y Wesselmann. Esta instalación ilustró vívidamente la integración de la expresión artística y el comercialismo en el arte pop. A mediados de la década de 1960, los artistas pop habían obtenido un constante respaldo comercial e institucional, y la exposición de São Paulo de 1968, Environment U.S.A.: 1957–1967, ofreció una amplia visión de las figuras prominentes del movimiento, confirmando así su estatus como una influencia importante en el arte contemporáneo.
Francia
Nouveau réalisme designa un movimiento artístico establecido en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el artista Yves Klein durante su exposición colectiva inaugural en la galería Apollinaire de Milán. Pierre Restany fue el autor del manifiesto inicial del grupo, "Declaración constitutiva del nuevo realismo", en abril de 1960, afirmando: "Nouveau Realisme: nuevas formas de percibir lo real". Esta declaración de colaboración fue firmada formalmente el 27 de octubre de 1960, en el estudio de Yves Klein, por nueve personas: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely y los ultraletristas: François Dufrêne, Raymond Hains y Jacques de la Villeglé. En 1961, César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps se unieron al grupo. El artista Christo también expuso junto al colectivo, que finalmente se disolvió en 1970.
Considerado a menudo como la contraparte francesa del arte pop estadounidense, el Nouveau Realisme, junto con Fluxus y otros colectivos, constituyó uno de los muchos movimientos de vanguardia de la década de 1960. Inicialmente, el grupo estableció su base en Niza, en la Riviera francesa, dado que tanto Klein como Arman procedían de la región; en consecuencia, los historiadores frecuentemente ven el Nouveau Realisme retrospectivamente como una manifestación temprana del movimiento École de Nice. A pesar de la naturaleza variada de sus expresiones artísticas, los miembros identificaron un fundamento común para su práctica: una apropiación directa de la realidad, que Restany caracterizó como un "reciclaje poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria".
España
En España, la exploración del Pop Art está ligada al "nuevo movimiento figurativo", surgido de la crisis del informalismo. Eduardo Arroyo puede ser categorizado dentro de la tendencia Pop Art debido a su compromiso con temas ambientales, su crítica a la cultura mediática –integrando íconos tanto de la comunicación de masas como de la historia del arte– y su desdén por la mayoría de los estilos artísticos convencionales. Sin embargo, Alfredo Alcaín es posiblemente el artista español más genuinamente alineado con el Arte Pop, distinguiéndose por su incorporación de imaginería popular y espacio negativo dentro de sus composiciones.
El "Equipo Crónica" (El Equipo Crónica), compuesto por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes, también cae dentro del ámbito del Arte Pop español; este colectivo operó en Valencia de 1964 a 1981. Su enfoque artístico es identificable como "pop" por la incorporación de la estética del cómic, el imaginario publicitario y la simplificación de elementos visuales y fotográficos. El cineasta Pedro Almodóvar, originario de la subcultura madrileña "La Movida" de la década de 1970, produjo películas de bajo presupuesto en Super 8 Pop Art y posteriormente fue apodado "el Andy Warhol de España" por los medios contemporáneos. En Almodóvar sobre Almodóvar, afirma que la película de los años cincuenta "Funny Face" sirvió como inspiración principal para sus proyectos cinematográficos. Una característica distintiva del arte pop en las películas de Almodóvar es su constante creación de un comercial fabricado para insertarlo en una escena.
Nueva Zelanda
En Nueva Zelanda, el arte pop ha prosperado principalmente desde la década de 1990, alineándose frecuentemente con Kiwiana. Kiwiana representa una representación idealizada y centrada en el pop de los íconos neozelandeses por excelencia, que incluyen pasteles de carne, kiwis, tractores, jandals y supermercados Four Square; El kitsch inherente a estos elementos a menudo se recontextualiza para transmitir significados culturales más amplios. Dick Frizzell, un renombrado artista pop neozelandés, es reconocido por emplear símbolos tradicionales kiwiana para satirizar la cultura contemporánea. Por ejemplo, Frizzell reinterpreta con frecuencia las obras de artistas internacionales, dotándolas de una perspectiva o influencia distintiva de Nueva Zelanda. Esta práctica sirve para resaltar el impacto global históricamente subestimado de Nueva Zelanda, vinculando así el arte ingenuo con el arte pop aotearoano.
Esta estética también puede manifestarse con un enfoque abrasivo e inexpresivo, ejemplificado en la reconocida pieza de Michel Tuffery Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000). Tuffery, de ascendencia samoana, diseñó esta escultura de toro a partir de latas de alimentos procesados, específicamente aquellas que contienen pisupo. Esta obra de arte se distingue dentro del arte pop occidental al incorporar temas de neocolonialismo y racismo dirigidos a culturas no occidentales. Las latas de comida, parte integral de la escultura, simbolizan la dependencia económica impuesta a los samoanos por las influencias occidentales. Su distintiva perspectiva indígena la diferencia de las creaciones de arte pop no indígenas predominantes. Los artistas maoríes Michael Parekōwhai y Reuben Paterson son otros artistas pop neozelandeses destacados que exploran contenidos temáticos comparables.
Billy Apple, uno de los primeros y destacados artistas pop neozelandeses, se encontraba notablemente entre los pocos miembros no británicos de la Royal Society of British Artists. Su inclusión junto a artistas como David Hockney, el estadounidense R.B. Kitaj y Peter Blake en la exposición de la RBA de enero de 1961, Jóvenes contemporáneos, rápidamente estableció a Apple como un artista internacional icónico de la década de 1960. Antes de adoptar el apodo de "Billy Apple", sus creaciones se exhibían bajo su nombre de nacimiento, Barrie Bates. Para diferenciarse aún más, no sólo por su nombre sino también por su apariencia, se decoloró el cabello y las cejas con Lady Clairol Instant Creme Whip. Posteriormente, Apple se afilió al movimiento de Arte Conceptual de los años 1970.
Japón
El arte pop japonés surgió del distinguido movimiento de vanguardia del país. Las pinturas estilo fotomontaje de Harue Koga de finales de los años 1920 y principios de los 1930, que incorporaban imágenes del mundo moderno extraídas de revistas, anticiparon elementos clave del arte pop. El movimiento japonés Gutai culminó en una exposición de 1958 en la galería de Martha Jackson en Nueva York, dos años antes de su influyente exposición "New Forms New Media", un evento al que se le atribuye ampliamente el establecimiento de la prominencia del arte pop. Las contribuciones artísticas de Yayoi Kusama fueron fundamentales en la evolución del arte pop e impactaron significativamente a numerosos artistas, incluido Andy Warhol. A mediados de la década de 1960, el diseñador gráfico Tadanori Yokoo se había convertido en uno de los artistas pop más exitosos y se había convertido en un emblema internacional del arte pop japonés. Yokoo es conocido por su trabajo publicitario y por producir arte para íconos de la cultura pop, incluidos encargos para The Beatles, Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor. Keiichi Tanaami fue otro artista pop destacado durante este período. Además, personajes icónicos del manga y anime japoneses, como Speed Racer y Astro Boy, también se han adoptado como símbolos dentro del arte pop. Posteriormente, el manga y el anime japoneses influyeron en artistas pop posteriores, en particular Takashi Murakami y su movimiento Superflat.
Italia
En 1964, el arte pop había ganado reconocimiento en Italia, manifestándose en diversas formas, incluida la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma. Este movimiento contó con artistas pop como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y Claudio Cintoli, junto con contribuciones de Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella y Valerio Adami.
El arte pop italiano tiene sus orígenes en la cultura de la década de 1950, específicamente a través de las obras de Enrico Baj y Mimmo Rotella, quienes son considerados apropiadamente como pioneros de este movimiento artístico. De hecho, entre 1958 y 1959, tanto Baj como Rotella abandonaron sus esfuerzos artísticos anteriores (que en términos generales podrían clasificarse como un género no representacional, a pesar de sus fuertes inclinaciones posdadaístas) para sumergirse en la floreciente cultura visual y su discurso crítico asociado. Los escotes de Rotella, o carteles rotos, exhibían cada vez más una sensibilidad figurativa, haciendo con frecuencia referencias explícitas e intencionadas a los iconos destacados de la época. Las composiciones artísticas de Baj estaban profundamente imbuidas del kitsch contemporáneo, que resultó ser una rica fuente de imágenes y un importante catalizador para toda una generación de artistas.
La aparición de un panorama visual novedoso, que abarca tanto los interiores domésticos como los entornos exteriores, caracterizó este cambio artístico. Elementos del "nuevo mundo", como los automóviles, la señalización vial y la televisión, se convirtieron en sujetos legítimos dentro de este dominio artístico en evolución. El arte pop italiano se alineó así ideológicamente con sus homólogos internacionales. Las distinciones surgieron principalmente en la iconografía y, ocasionalmente, a través de un compromiso más crítico con el tema. Los precursores de este enfoque son evidentes en las obras de Rotella y Baj, ambos conocidos por sus comentarios sociales no neutrales. Sin embargo, esta perspectiva no fue excluyente; Numerosos artistas, entre ellos Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi y Claudio Cintoli, abordaron la realidad como una lúdica reserva de imágenes. Extrajeron material con un sentido de desapego y ligereza, desafiando los paradigmas lingüísticos convencionales con un espíritu que recuerda al "déjame divertirme" de Aldo Palazzeschi. El arte pop ha mantenido una presencia continua dentro del panorama artístico italiano, evolucionando a través de diversas iteraciones en forma y contenido a lo largo del tiempo. Por ejemplo, a principios de la década de 2000, el artista siciliano Arrigo Musti desarrolló el "Arte impopular". Más recientemente, un subgénero denominado simbolismo pop, predominantemente arte digital, ha ganado fuerza, particularmente en el norte de Italia.
Bélgica
El arte pop belga encontró representación a través de artistas como Paul Van Hoeydonck, cuya escultura Astronauta caído fue depositada en la Luna durante una misión Apolo, junto con otros artistas pop importantes. Figuras internacionalmente aclamadas como Marcel Broodthaers ( 'vous êtes doll? "), Evelyne Axell y Panamarenko fueron influenciadas significativamente por el movimiento Pop Art; Broodthaers, en particular, fue muy impactado por George Segal. Roger Raveel, otro destacado artista, incorporó una jaula que contenía una paloma viva en una de sus pinturas. Hacia finales de los años 1960 y principios de los 1970, alusiones al arte pop Se alejó de las obras de algunos artistas que adoptaron una postura más crítica hacia Estados Unidos, influenciados por la creciente brutalidad de la guerra de Vietnam. Por el contrario, Panamarenko ha mantenido constantemente la ironía intrínseca del movimiento del arte pop. Evelyne Axell, una prolífica artista pop de Namur activa entre 1964 y 1972, fue una de las mujeres pioneras en el género. Helado.
Países Bajos
Aunque no se fusionó un movimiento formal de arte pop en los Países Bajos, un grupo de artistas que pasaron un tiempo en Nueva York durante el período naciente del arte pop se inspiraron significativamente en el movimiento internacional. Figuras notables asociadas con el arte pop holandés incluyen a Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Woody van Amen. Estos artistas desafiaron la mentalidad pequeñoburguesa holandesa mediante la creación de obras humorísticas imbuidas de un trasfondo serio. Ejemplos ilustrativos incluyen Sex O'Clock de Woody van Amen y Crucifix / Target de Jacques Frenken.
Rusia
El compromiso de Rusia con el movimiento Pop Art se produjo más tarde, con la aparición de obras de estilo pop en la década de 1970. Este retraso probablemente fue atribuible al entorno político ruso de posguerra, que regulaba estrictamente la expresión artística. La versión rusa del arte pop, conocida como Sots Art, adoptó temas soviéticos. A diferencia del arte pop occidental, el Sots Art sirvió como una respuesta contracultural a los movimientos artísticos sancionados por el estado. Después de la caída del Muro de Berlín, el arte pop ruso evolucionó hacia una forma distinta, ejemplificada por la pintura de Dmitri Vrubel Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal.
Artistas destacados
Referencias
Referencias
Bloch, Mark. El ferrocarril de Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", junio de 2018.
- Bloch, Marcos. El ferrocarril de Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", junio de 2018.
- Diggory, Terence (2013) Enciclopedia de los poetas de la escuela de Nueva York (Biblioteca de datos de literatura estadounidense). ISBN 978-1-4381-4066-7
- Francis, Mark y Foster, Hal (2010) Pop. Londres y Nueva York: Phaidon.
- Haskell, Barbara (1984) ¡BLAM! La explosión del pop, el minimalismo y la performance 1958-1964. Nueva York: W.W. Norton & Company, Inc. en asociación con el Museo Whitney de Arte Americano.
- Lifshitz, Mijaíl. La crisis de la fealdad: del cubismo al pop-art. Traducido y con una introducción de David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (publicado originalmente en ruso por Iskusstvo, 1968).
- Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, con contribuciones de Lawrence Alloway, Nancy Marmer y Nicolas Calas, publicado por Frederick A. Praeger, Nueva York.
- Selz, Peter (moderador), Ashton, Dore, Geldzahler, Henry, Kramer, Hilton, Kunitz, Stanley y Steinberg, Leo (abril de 1963) "A Symposium on Pop Art", Arts Magazine, págs. Este artículo presenta la transcripción de un simposio realizado en el Museo de Arte Moderno el 13 de diciembre de 1962.
- Arte pop: una breve historia, MoMA Learning
- Exposiciones del Museo de Brooklyn: Subversión seductora: mujeres artistas pop, 1958–1968, octubre de 2010-enero. 2011
- Término del glosario Tate para arte pop