En contextos artísticos, el realismo generalmente denota un esfuerzo por retratar temas auténticamente, sin artificialidad, hipérbole o cualquier componente especulativo o sobrenatural. Si bien estos términos se intercambian frecuentemente con naturalismo, no son inherentemente equivalentes. El naturalismo, conceptualizado dentro de la representación visual occidental, tiene como objetivo representar objetos con una distorsión mínima, intrínsecamente vinculado al surgimiento de la perspectiva lineal y el ilusionismo durante el Renacimiento europeo. Por el contrario, el realismo, aunque se basa en una representación naturalista y una divergencia de la idealización prevaleciente en el arte académico anterior, con frecuencia designa un movimiento histórico del arte distinto que surgió en Francia después de la Revolución Francesa de 1848. Impulsado por un enfoque renovado en la población común y el ascenso de ideologías políticas de izquierda, el realismo, ejemplificado por artistas como Gustave Courbet, a menudo resaltaba lo ordinario, lo antiestético o lo sórdido. Los pintores realistas repudiaron conscientemente el romanticismo, un movimiento que se había vuelto dominante en la literatura y el arte franceses desde finales del siglo XVIII.
En el arte, el realismo es generalmente el intento de representar un tema con sinceridad, sin artificialidad, exageración ni elementos especulativos o sobrenaturales. El término se utiliza a menudo indistintamente con naturalismo, aunque estos términos no son necesariamente sinónimos. El naturalismo, como idea relacionada con la representación visual en el arte occidental, busca representar objetos con la menor distorsión posible y está ligado al desarrollo de la perspectiva lineal y el ilusionismo en la Europa del Renacimiento. El realismo, si bien se basa en la representación naturalista y en un alejamiento de la idealización del arte académico anterior, a menudo se refiere a un movimiento histórico del arte específico que se originó en Francia después de la Revolución Francesa de 1848. Con artistas como Gustave Courbet capitalizando lo mundano, lo feo o lo sórdido, el realismo fue motivado por el renovado interés en el plebeyo y el surgimiento de la política de izquierda. Los pintores realistas rechazaron el romanticismo, que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a finales del siglo XVIII.
Durante la Europa del siglo XIX, el "naturalismo" o la "escuela naturalista" se estableció de manera deliberada como designación de un submovimiento distinto dentro del realismo. Este movimiento buscó, con distintos grados de éxito, diferenciarse de su estilo fundacional evitando deliberadamente los comentarios políticos y sociales. También afirmó con frecuencia un fundamento cuasi científico, aprovechando la connotación de "naturalista" como estudioso de la historia natural, que era el término predominante para las ciencias biológicas en ese momento.
El realismo también ha influido en varios movimientos en otras disciplinas artísticas, incluido el estilo operístico del verismo, el realismo literario, el realismo teatral y el cine neorrealista italiano.
Artes visuales
Como adjetivo, "realista" normalmente se refiere a la verosimilitud visual, lo que lo diferencia del arte "realista", que aborda principalmente el tema. De manera análoga, "ilusionista" puede describir la representación precisa de las apariencias visuales dentro de una composición artística. Dentro de la pintura, el naturalismo significa la representación artística exacta, meticulosa y fiel de escenas y objetos. Este enfoque también se denomina mimesis o ilusionismo y se volvió particularmente prominente en la pintura europea durante el siglo XV, especialmente en las obras holandesas tempranas de artistas como Robert Campin y Jan van Eyck. Por el contrario, los pintores del movimiento realista del siglo XIX, incluido Gustave Courbet, no fueron reconocidos principalmente por su absoluta precisión y su meticulosa interpretación de las apariencias visuales. Durante la época de Courbet, una representación tan detallada era más característica de la pintura académica, que frecuentemente retrataba escenas históricas inventadas, artificiales o imaginadas con considerable habilidad y cuidado.
Resistencia a la idealización
El realismo o naturalismo, como estilo artístico, retrata los temas de una manera no idealizada y puede aplicarse a cualquier tema, no exclusivamente al típico o mundano. A pesar del idealismo omnipresente en el arte clásico, este enfoque encontró antecedentes clásicos, que resultaron ventajosos a la hora de defender tales representaciones durante los períodos del Renacimiento y el Barroco. Según se informa, Demetrio de Alopecia, un escultor del siglo IV a. C. cuyas obras ahora se han perdido, era conocido por priorizar el realismo sobre la belleza idealizada. De manera similar, durante la Antigua República Romana, las figuras políticas favorecían las representaciones veristas en sus retratos, aunque los emperadores posteriores gravitaron hacia el idealismo griego. Los retratos de Goya de la familia real española ejemplifican una representación honesta y sin adornos de individuos prominentes.
Un tema persistente en el arte cristiano implicaba una forma de "realismo" que subrayaba el aspecto humano de las figuras religiosas, en particular de Cristo y su sufrimiento físico durante la Pasión. Este desarrollo artístico surgió en la Baja Edad Media, influenciado por la literatura devocional contemporánea. Durante este período, ciertas esculturas de madera pintadas, especialmente frecuentes en Alemania y Europa Central, representaban a Cristo con una intensidad casi grotesca, cubierto de heridas y sangre. El objetivo era provocar a los espectadores a contemplar el profundo sufrimiento que soportó Cristo. Si bien esta tendencia disminuyó durante el Renacimiento, obras análogas resurgieron en la época barroca, especialmente en la escultura española.
Los teóricos del Renacimiento iniciaron un discurso de siglos de duración sobre el equilibrio apropiado entre la representación artística derivada de la observación natural y la basada en formas idealizadas. Estas formas idealizadas generalmente se originaron a partir de prototipos clásicos o creaciones de otros artistas. Si bien algunos reconocieron la importancia del naturalismo, muchos abogaron por idealizar la naturaleza en diversos grados, incorporando así sólo elementos estéticamente agradables. Leonardo da Vinci, por ejemplo, defendió el estudio meticuloso de la naturaleza, con el objetivo de retratar todo el espectro de variaciones individuales en figuras humanas y otros temas. Por el contrario, Leon Battista Alberti surgió como uno de los primeros defensores de la idealización, enfatizando las formas típicas. Otras figuras, como Miguel Ángel, apoyaron la selección de los aspectos más bellos, negándose en particular a pintar retratos por este mismo motivo.
El debate persistió hasta el siglo XVII, particularmente en Italia, donde frecuentemente giraba en torno a la dicotomía entre el "idealismo clásico" asociado con los Carracci y el enfoque "naturalista" de los Caravaggisti. Estos últimos, seguidores de Caravaggio, describieron narrativas religiosas como si estuvieran situadas en las callejuelas mundanas de las ciudades italianas contemporáneas y se autoidentificaran con el término "naturalista". Décadas después de la desaparición prematura de Caravaggio, Bellori, un crítico poco inclinado hacia el estilo de Caravaggio, hizo referencia a "Aquellos que se glorian en nombre de los naturalistas" (naturalisti).
En el siglo XIX, el naturalismo surgió como un movimiento artístico ampliamente definido en toda Europa, distinto del realismo debido a su ausencia de motivaciones políticas explícitas. El crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary acuñó el término y declaró en 1863: "La escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida en todas las fases y en todos los niveles, y que su único objetivo es reproducir la naturaleza llevándola a su máximo poder e intensidad: es la verdad equilibrada con la ciencia". Émile Zola adoptó posteriormente este término, aplicando un énfasis científico comparable a sus objetivos literarios en la novela. Si bien muchas pinturas naturalistas exploraron temas similares a los del impresionismo, por lo general emplearon técnicas de pincelada más restringidas y convencionales.
Durante varias décadas, el término "naturalista" "siguió usándose indiscriminadamente para diversos tipos de realismo", sirviendo con frecuencia como un descriptor general del arte que divergía del impresionismo, los movimientos modernistas posteriores y el arte académico. Movimientos como las últimas fases de la Escuela francesa de Barbizon, la Escuela de pintura de Düsseldorf (que atrajo a estudiantes internacionales) y el regionalismo estadounidense del siglo XX a menudo se clasifican como "naturalistas", aunque esta designación rara vez se aplica a la pintura británica. Más recientemente, algunos historiadores del arte han atribuido la etiqueta de "naturalista" a Courbet o a los impresionistas.
Ilusionismo
La evolución de representaciones artísticas cada vez más precisas de los fenómenos visuales posee una extensa historia. Esta progresión abarca elementos como la representación precisa de la anatomía humana y animal, la aplicación de efectos de perspectiva y distancia, y la representación meticulosa de la luz y el color. El arte europeo del Paleolítico superior, por ejemplo, produjo representaciones de animales notablemente realistas. El arte del antiguo Egipto, por el contrario, estableció convenciones que integraban tanto la estilización como la idealización. El arte griego antiguo es ampliamente reconocido por sus importantes avances en la representación anatómica. Aunque no ha sobrevivido ningún panel o pintura mural original de destacados artistas griegos, los registros literarios y el conjunto existente de obras derivadas (principalmente mosaicos grecorromanos) sugieren que el ilusionismo era muy apreciado en su pintura. La famosa anécdota de Plinio el Viejo del siglo V a. C., que describe pájaros que intentan picotear uvas pintadas por Zeuxis, es probablemente apócrifa.
Más allá de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas demuestran una comprensión intuitiva pero efectiva de representar objetos distantes como más pequeños que los próximos, y de representar formas geométricas regulares, como techos y paredes de habitaciones, con perspectiva. Sin embargo, este avance en las técnicas ilusionistas no significó un repudio al idealismo. Las estatuas de dioses y héroes griegos pretendían representar con precisión formas hermosas e idealizadas, aunque a ciertas obras, como las cabezas del notoriamente poco atractivo Sócrates, se les permitió desviarse de estos ideales estéticos. El retrato romano, particularmente cuando estaba menos influenciado por la estética griega, mostró una mayor dedicación a la representación veraz de sus sujetos, una práctica conocida como verismo.
El arte de la Antigüedad tardía abandonó notablemente el ilusionismo en favor del poder expresivo, un cambio que ya estaba significativamente avanzado cuando el cristianismo comenzó a influir en las prácticas artísticas de la élite. En el arte occidental, los criterios clásicos del ilusionismo no se retomaron hasta las épocas de la Baja Edad Media y el comienzo del Renacimiento. Este resurgimiento se vio facilitado inicialmente en los Países Bajos a principios del siglo XV, y posteriormente en Italia alrededor de la década de 1470, mediante la innovación de las técnicas de pintura al óleo. Estos métodos permitieron la creación de efectos de iluminación muy sutiles y precisos mediante la aplicación de múltiples capas de pintura y esmalte. Al mismo tiempo, surgieron en Italia a principios del siglo XV enfoques científicos sobre la representación en perspectiva, que se difundieron progresivamente por toda Europa. También se redescubrió la precisión anatómica, en gran medida influenciada por los principios artísticos clásicos. El idealismo, que refleja las tradiciones clásicas, persistió como el estándar artístico predominante.
La representación precisa de los paisajes en la pintura evolucionó a través del arte del Renacimiento holandés temprano/del norte temprano y del Renacimiento italiano, alcanzando un cenit sofisticado en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII. Este período vio el desarrollo de técnicas muy matizadas para representar diversas condiciones climáticas y diferentes intensidades de luz natural. Los retratos europeos de alrededor de 1600, también influenciados por la pintura holandesa temprana, frecuentemente idealizaban a los sujetos refinando los rasgos faciales o adoptando poses estilizadas. Las composiciones de bodegones, tanto como obras independientes como como elementos dentro de piezas más amplias, contribuyeron significativamente al avance de la pintura ilusionista. Sin embargo, dentro de la tradición holandesa de pintura floral, estas obras a menudo divergían del estricto "realismo". Esto era evidente en la práctica común de combinar flores de varias estaciones, ya sea debido a métodos compositivos basados en estudios individuales o como una convención artística intencional. Además, las elaboradas exhibiciones de ramos en jarrones, como se muestra, no eran características de las costumbres del siglo XVII, donde las flores normalmente se presentaban individualmente.
Representación de sujetos cotidianos
La representación de temas mundanos y cotidianos en el arte posee una larga trayectoria histórica, aunque tales representaciones frecuentemente fueron relegadas a la periferia de las composiciones o representadas a una escala reducida. Esta práctica surgió en parte del alto costo del arte y su típico encargo para objetivos religiosos, políticos o personales específicos, lo que en consecuencia limitó la asignación de espacio o esfuerzo artístico a estas escenas ordinarias. Las bromas marginales de los manuscritos iluminados medievales presentan ocasionalmente escenas en miniatura de la existencia cotidiana, mientras que la evolución de la perspectiva introdujo amplios elementos de fondo en numerosos escenarios al aire libre. Convencionalmente, el arte medieval y del Renacimiento temprano representaba figuras no sagradas con atuendos contemporáneos.
La pintura holandesa temprana extendió el retrato a los estratos sociales más bajos, abarcando a los prósperos comerciantes flamencos. Varios ejemplos, en particular el Retrato de Arnolfini (1434) de Jan van Eyck y, más frecuentemente, obras religiosas como el Retablo de Merode de Robert Campin y su taller (alrededor de 1427), muestran representaciones meticulosamente detalladas de interiores de clase media repletos de objetos cuidadosamente representados. Sin embargo, estos objetos sirvieron principalmente para transmitir intrincadas capas de significado y simbolismo, disminuyendo así cualquier compromiso inherente con el realismo como fin en sí mismo. Los ciclos artísticos de finales de la Edad Media que representan los trabajos de los meses, de los cuales se conservan numerosos ejemplos en libros de horas, se centran en campesinos dedicados a tareas estacionales, frecuentemente contra elaborados paisajes. Estos ciclos fueron fundamentales para el avance tanto del arte paisajístico como de la representación de individuos comunes y corrientes de la clase trabajadora.
En el siglo XVI, una tendencia artística predominante implicaba la creación de pinturas a gran escala que representaban a personas dedicadas al trabajo, particularmente en los mercados de alimentos y las cocinas. En numerosos casos, los alimentos recibieron un énfasis visual comparable al de los propios trabajadores. Entre los artistas notables de este período se encuentran Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, quienes emplearon un estilo predominantemente manierista. Al mismo tiempo, en Italia durante la década de 1580, el naciente Annibale Carracci adoptó una estética poco refinada, mientras que la obra de Bartolomeo Passerotti ocupaba una posición intermedia. Pieter Bruegel el Viejo contribuyó decisivamente a establecer grandes retratos panorámicos de la vida campesina. Estas primeras representaciones sirvieron como precursoras de la amplia popularidad de la pintura de género con temática laboral en toda la Europa del siglo XVII. El Siglo de Oro holandés, en particular, fomentó varios subgéneros distintos, incluidos los Bamboccianti en Italia (aunque compuestos principalmente por artistas de los Países Bajos) y el género de los bodegones en España. Esta época también vio la integración de figuras campesinas no idealizadas en pinturas históricas de artistas como Jusepe de Ribera y Velázquez. En Francia, los hermanos Le Nain, junto con numerosos artistas flamencos, incluidos Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven, representaban con frecuencia a campesinos, aunque los habitantes urbanos eran sujetos menos comunes. Durante el siglo XVIII, las pinturas de menor formato de personas trabajadoras mantuvieron su popularidad, inspirándose predominantemente en las tradiciones artísticas holandesas y a menudo presentando temas femeninos.
Una parte importante del arte que representaba a personas comunes, particularmente en formato impreso, a menudo transmitía temas cómicos o moralistas. Sin embargo, la pobreza misma de los sujetos rara vez constituía un elemento central del mensaje moral. Desde mediados del siglo XIX en adelante, las representaciones artísticas subrayaron cada vez más las dificultades que enfrentaban los empobrecidos. A pesar de este desarrollo, que coincidió con una extensa migración del campo a la ciudad en gran parte de Europa, los artistas continuaron representando en gran medida a poblaciones rurales empobrecidas. Por el contrario, los bulliciosos paisajes urbanos ganaron popularidad entre los pintores impresionistas y afines, siendo particularmente prominentes las escenas parisinas.
Los iluminadores de manuscritos medievales recibían con frecuencia encargos para representar temas tecnológicos. Después del Renacimiento, estas imágenes persistieron en las ilustraciones de libros y en los grabados, con la notable excepción de la pintura marina, que en gran medida desapareció de las bellas artes hasta el advenimiento de principios de la Revolución Industrial. Durante los inicios de la Revolución Industrial, un número limitado de artistas, incluidos Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg, representaron escenas de este período transformador. Estos temas industriales probablemente experimentaron un éxito comercial limitado, como lo demuestra la notoria escasez de representaciones industriales en la pintura, aparte de ocasionales escenas ferroviarias, hasta finales del siglo XIX. En la última parte del siglo XIX, los encargos de arte industrial se hicieron más comunes, a menudo iniciados por industriales o para instituciones ubicadas en ciudades industriales. Estas obras eran frecuentemente de gran escala y ocasionalmente estaban imbuidas de una cualidad casi heroica.
El realismo estadounidense, un movimiento artístico de principios del siglo XX, representa una entre las numerosas corrientes modernas que adoptaron esta interpretación particular del realismo.
El movimiento realista
Surgiendo a mediados del siglo XIX, el movimiento realista se desarrolló como una reacción contraria tanto al romanticismo como a la pintura histórica. Al defender la representación de la vida "real", los pintores realistas seleccionaron trabajadores comunes e individuos comunes y corrientes involucrados en actividades cotidianas dentro de sus entornos típicos como temas principales para sus obras de arte. Entre las figuras destacadas de este movimiento se encuentran Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot. Ross Finocchio, anteriormente asociado con el Departamento de Pintura Europea del Museo Metropolitano de Arte, señala que los realistas empleaban detalles sin adornos para representar las realidades de la vida cotidiana contemporánea, una práctica paralela al movimiento literario naturalista ejemplificado por Émile Zola, Honoré de Balzac y Gustave Flaubert.
El movimiento realista francés encontró desarrollos análogos, aunque algo más tarde, en otras naciones occidentales. En particular, en Rusia, el grupo Peredvizhniki, también conocido como el grupo Wanderers, establecido en la década de 1860 y organizando exposiciones a partir de 1871, estaba compuesto por numerosos artistas realistas como Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, lo que influyó significativamente en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes lograron un reconocimiento considerable por sus pinturas realistas que abordan preocupaciones sociales.
Literatura
Como movimiento literario, el realismo se basa fundamentalmente en el concepto de "realidad objetiva", a menudo caracterizada en términos generales como "la representación fiel de la realidad". Se esfuerza por representar las actividades y la vida cotidianas, principalmente entre las clases media o baja, sin idealización romántica ni adornos dramáticos. Según Kornelije Kvas, "la figuración realista y la refiguración de la realidad forman construcciones lógicas que son similares a nuestra noción habitual de la realidad, sin violar el principio de tres tipos de leyes: las de las ciencias naturales, las psicológicas y las sociales". Este enfoque puede entenderse como un esfuerzo general por retratar a los sujetos tal como se supone que existen en una realidad objetiva en tercera persona, sin adornos ni interpretación subjetiva, y "de acuerdo con reglas empíricas seculares". En consecuencia, esta metodología implica inherentemente una convicción de que dicha realidad es ontológicamente independiente de los marcos conceptuales, prácticas lingüísticas y creencias humanas, por lo que es accesible al artista para una representación fiel. Ian Watt postula que el realismo moderno "comienza desde la posición de que la verdad puede ser descubierta por el individuo a través de los sentidos", remontando sus orígenes a Descartes y Locke, y recibiendo "su primera formulación completa de Thomas Reid a mediados del siglo XVIII".
Si bien la era romántica anterior también surgió como una respuesta a los valores de la Revolución Industrial, el realismo, a su vez, se desarrolló como un contramovimiento al romanticismo, lo que llevó a su frecuente designación peyorativa como "realismo burgués tradicional". Ciertas figuras literarias victorianas produjeron obras alineadas con principios realistas. Las rigideces, convenciones y limitaciones inherentes del "realismo burgués" provocaron posteriormente la revuelta que más tarde se identificó como modernismo. A partir de 1900, el principal impulso de la literatura modernista fue una crítica del orden social y la cosmovisión burguesa del siglo XIX, que fue desafiada por una agenda antirracionalista, antirrealista y antiburguesa.
Teatro
Se considera ampliamente que el realismo teatral se manifestó por primera vez en el drama europeo durante el siglo XIX, emergiendo como un subproducto de la Revolución Industrial y la era científica. Algunos estudiosos atribuyen específicamente la invención de la fotografía como un elemento fundamental del teatro realista, mientras que otros sostienen que la asociación entre realismo y drama es considerablemente más antigua, como lo demuestran principios dramáticos como la presentación de un mundo físico que refleja fielmente la realidad.
El logro significativo del realismo en el teatro fue su capacidad de dirigir la atención hacia los desafíos sociales y psicológicos inherentes a la vida cotidiana. En estos dramas, los personajes suelen ser retratados como víctimas de fuerzas mayores que ellos mismos, individuos que se enfrentan a un mundo que se acelera rápidamente. Los dramaturgos pioneros de este movimiento describieron a sus personajes como personas corrientes, a menudo impotentes e incapaces de resolver sus problemas. Este estilo artístico tiene como objetivo representar la realidad tal como la percibe la visión humana. Antón Chéjov, por ejemplo, empleó técnicas similares a los "trabajos de cámara" para presentar una "parte de la vida" sin inflexiones. Académicos como Thomas Postlewait han observado una mezcla generalizada de formas y funciones melodramáticas y realistas a lo largo de los siglos XIX y XX, demostrable por la presencia de elementos melodramáticos dentro de estructuras realistas y viceversa.
En los Estados Unidos, el realismo dramático precedió al realismo ficticio en aproximadamente dos décadas, y los historiadores del teatro identificaron su impulso inicial durante finales de la década de 1870 y principios de la de 1880. Su desarrollo también se atribuye a William Dean Howells y Henry James, quienes fueron destacados defensores del realismo y articuladores de sus principios estéticos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el enfoque realista del teatro finalmente convergió con el nihilismo y el absurdo.
Cine
El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que incorporaba elementos del realismo que se desarrolló en la Italia posterior a la Segunda Guerra Mundial. Entre las figuras destacadas del neorrealismo se encuentran Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Roberto Rossellini. Normalmente, el cine realista aborda preocupaciones sociales. El realismo cinematográfico se clasifica en términos generales en dos formas: realismo continuo y realismo estético. El realismo perfecto emplea estructuras narrativas y técnicas cinematográficas para generar un "efecto de realidad", preservando así su autenticidad percibida. Por el contrario, el realismo estético, inicialmente defendido por los cineastas franceses en la década de 1930 y luego defendido por André Bazin en la década de 1950, postula que "una película no puede ser fijada para que signifique lo que muestra", reconociendo la existencia de diversos realismos. En consecuencia, los practicantes del realismo estético utilizan rodajes en exteriores, iluminación natural y actores no profesionales para capacitar a los espectadores para que formen sus propias interpretaciones, en lugar de ser guiados hacia una "lectura preferida". Siegfried Kracauer también afirmó de manera destacada que el realismo constituye la función primordial del arte cinematográfico.
Los cineastas que emplean realismo estético utilizan planos largos, enfoque profundo y perspectivas de 90 grados al nivel de los ojos para minimizar la manipulación de la percepción del espectador. Los cineastas neorrealistas italianos, activos después de la Segunda Guerra Mundial, adoptaron enfoques cinematográficos realistas existentes en Francia e Italia para crear un cine de orientación política. Durante la década de 1960, los cineastas franceses produjeron obras realistas de orientación política, ejemplificadas por el cinéma vérité y los documentales de Jean Rouch. Al mismo tiempo, a lo largo de las décadas de 1950 y 1960, los movimientos cinematográficos de la Nueva Ola británica, francesa y alemana generaron producciones basadas en "recuentos de la vida", incluidos los dramas sobre el fregadero que prevalecían en el Reino Unido.
Ópera
El verismo constituyó una tradición operística posromántica vinculada principalmente con compositores italianos, incluidos Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea y Giacomo Puccini. Estos compositores se esforzaron por integrar en la forma operística el naturalismo característico de autores influyentes de finales del siglo XIX, como Émile Zola, Gustave Flaubert y Henrik Ibsen. Este estilo emergente representaba dramas reales, a menudo presentando protagonistas valientes y defectuosos de clase baja, aunque algunas interpretaciones lo caracterizan como una representación intensificada de sucesos realistas. Mientras que algunos relatos históricos identifican a Luisa Miller y La traviata de Giuseppe Verdi como los primeros precursores del verismo, otros sostienen que el movimiento comenzó en 1890 con el estreno de la Cavalleria rusticana de Mascagni, alcanzando su cenit a principios del siglo XX. Posteriormente siguió Pagliacci de Leoncavallo, una ópera que explora temas de infidelidad, venganza y violencia.
La influencia del verismo se extendió a Gran Bretaña, donde sus primeros defensores incluyeron la colaboración teatral de la época victoriana entre el dramaturgo W. S. Gilbert y el compositor Arthur Sullivan (1842-1900). En particular, su obra Iolanthe se considera una representación realista de la nobleza, a pesar de incorporar elementos fantásticos.
Notas
Notas
Referencias
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- Artículo sobre el realismo literario americano en el sitio Movimientos Literarios
- Término artístico: Realismo en tate.org.uk