Rococó, ocasionalmente escrito rococó (rə-KOH-koh, en EE. UU. también ROH-kə-KOH; francés: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko]), también identificado como barroco tardío, representa un estilo de arquitectura, arte y diseño de interiores muy ornamentado y teatral. Esta estética distintiva integra asimetría, curvas sinuosas, dorados, una paleta de tonos blancos y pasteles, molduras esculpidas intrincadas y frescos trompe-l'œil, todos diseñados para evocar asombro y la percepción de movimiento y teatralidad. Con frecuencia se caracteriza como la máxima manifestación de la época barroca.
Rococó, menos comúnmente Rococó ( rə-KOH-koh, US también ROH-kə-KOH; Francés: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko]), también conocido como Barroco tardío, es un estilo de arquitectura, arte y decoración excepcionalmente ornamental y dramático que combina asimetría, curvas en movimiento, Colores dorados, blancos y pasteles, molduras esculpidas y frescos trompe-l'œil para crear sorpresa y la ilusión de movimiento y dramatismo. A menudo se describe como la expresión final del movimiento barroco.
Inicialmente denominado "estilo Rocaille", el rococó surgió en Francia durante la década de 1730 como un contrapunto estilístico a la estética más rígida y geométrica de Luis XIV. Su influencia se expandió rápidamente por toda Europa, llegando especialmente al norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa Central y Rusia. Además, el rococó impregnó diversas disciplinas artísticas, entre ellas la escultura, el diseño de muebles, la platería, la cristalería, la pintura, la música, el teatro y la literatura. Si bien se concibió principalmente como un estilo secular para interiores residenciales privados, el rococó también poseía una dimensión espiritual, lo que llevó a su amplia adopción en la arquitectura eclesiástica, particularmente en Europa Central, Portugal y América del Sur.
Etimología
El término rococó surgió inicialmente como una adaptación lúdica de la palabra rocaille, acuñada por Pierre-Maurice Quays (1777–1803). Históricamente, rocaille se refería a una técnica decorativa que empleaba guijarros, conchas y cemento, utilizada frecuentemente desde el Renacimiento para adornar grutas y fuentes. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, la rocaille evolucionó hasta convertirse en un motivo decorativo específico dentro del estilo tardío Luis XIV, caracterizado por una concha marina entrelazada con hojas de acanto. En 1736, el diseñador y joyero Jean Mondon publicó el Premier Livre de forme rocquaille et cartel, un compendio de diseños para muebles y ornamentación de interiores. Esta publicación marcó el uso impreso inaugural del término rocaille para denotar el floreciente estilo. El distintivo motivo de concha tallada o moldeada a menudo se integraba con hojas de palma o enredaderas sinuosas para embellecer puertas, muebles, paneles de pared y otros componentes arquitectónicos.
La palabra rococó apareció impresa por primera vez en 1825 y se empleó para caracterizar la ornamentación considerada "pasada de moda y pasada de moda". En 1828, se aplicó a decoraciones "que pertenecían al estilo del siglo XVIII, sobrecargadas de adornos retorcidos". Posteriormente, en 1829, el autor Stendhal definió el rococó como "el estilo rocaille del siglo XVIII".
A lo largo del siglo XIX, el término se aplicó con frecuencia a la arquitectura o la música percibida como excesivamente ornamental. Sin embargo, desde mediados del siglo XIX, los historiadores del arte han adoptado ampliamente la designación. Aunque continúa el discurso académico sobre el significado histórico preciso del estilo, el rococó se reconoce actualmente como un período distinto e influyente dentro de la trayectoria del arte europeo.
Características
El rococó se distingue por su fastuosa ornamentación, caracterizada por una profusión de curvas, contracurvas, ondulaciones y motivos inspirados en formas naturales. Si bien los exteriores de las estructuras rococó suelen exhibir sencillez, sus interiores están abrumadoramente adornados. El estilo poseía una cualidad profundamente teatral, meticulosamente elaborado para evocar asombro, reverencia y asombro tras la observación inicial. Los planos de planta eclesiásticos a menudo presentaban diseños intrincados, incorporando configuraciones ovaladas entrelazadas. Dentro de los entornos palaciegos, las grandes escaleras servían como puntos focales, brindando diversas perspectivas sobre la elaborada decoración. Los elementos ornamentales rococó prominentes abarcan conchas asimétricas, acantos y otros follajes, pájaros, arreglos florales, frutas, instrumentos musicales, putti y chinoiserie, que incluye pagodas, dragones, monos, flora exótica y representaciones de figuras chinas.
Esta estética frecuentemente incorporaba estuco moldeado, intrincados tallados en madera y cuadratura (pinturas ilusionistas en el techo) meticulosamente elaboradas para crear la percepción de los observadores dentro de la sala de contemplación. hacia el cielo, con querubines y otras figuras celestiales que parecen descender. Los materiales comunes empleados incluyeron estuco, ya sea pintado o dejado en su estado blanco natural; diversas combinaciones de maderas, normalmente roble, haya o nogal; Madera lacada estilo japonés; bronce dorado; y mármol.
Diferencias entre Barroco y Rococó
El rococó exhibe las siguientes características, que generalmente están ausentes en el barroco:
- Una desviación parcial de la simetría estricta, con composiciones que presentan predominantemente líneas y curvas elegantes, que recuerdan al Art Nouveau.
- Curvas asimétricas y distintivas volutas en forma de C.
- Abundantes motivos florales ornamentales, como elaborados adornos florales.
- El estilo incorporó ocasionalmente motivos del este de Asia, como la chinoiserie y el japonismo.
- Era característica una paleta de colores pastel cálidos, que incluían amarillo blanquecino, crema, grises perla y azules muy claros.
Francia
El estilo Rocaille, también conocido como rococó francés, originario de París durante el reinado de Luis XV, experimentó su apogeo aproximadamente entre 1723 y 1759. El rococó francés se distingue por su excepcional arte y sus intrincados diseños que presentan formas vegetales entrelazadas como enredaderas, hojas y flores. Esta estética se aplicó notablemente en los salones, que eran espacios innovadores concebidos para el entretenimiento y la impresión de los huéspedes. Un excelente ejemplo es el salón de la princesa dentro del Hôtel de Soubise en París, una creación de Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire entre 1735 y 1740.
Los muebles de este período exhibieron de manera similar las curvas sinuosas y los motivos vegetales característicos del estilo, particularmente evidentes en los elaborados marcos para espejos y pinturas, que fueron esculpidos en yeso y frecuentemente dorados. Entre los diseñadores de muebles y artesanos destacados de este estilo se encuentran Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent y Nicolas Pineau.
El rococó francés no alcanzó el mismo nivel de extravagancia que sus homólogos de Baviera, Austria o Italia. Su prevalencia disminuyó a mediados del siglo XVIII, cuando el descubrimiento de antigüedades romanas en Herculano en 1738 y Pompeya en 1748 redirigió las tendencias arquitectónicas francesas hacia un neoclasicismo más simétrico y moderado.
Italia
Los artistas italianos, especialmente los de Venecia, desarrollaron una interpretación distinta del estilo rococó. Las cómodas venecianas, por ejemplo, emulaban las formas curvilíneas y los adornos tallados de la Rocaille francesa, pero incorporaban una característica veneciana única: frecuentemente estaban pintadas con paisajes, motivos florales, escenas de Guardi u otros artistas, o chinoiserie, sobre fondos azules o verdes. Estos esquemas de color armonizaban con la paleta de la escuela de pintores veneciana, cuyas obras adornaban los salones locales.
Entre los pintores decorativos destacados se encontraban Giovanni Battista Crosato, conocido por su techo en cuadrado en el salón de baile Ca' Rezzonico, y Giovanni Battista Tiepolo, que ejecutó techos y murales tanto en entornos eclesiásticos como palaciegos. Tiepolo, acompañado de su hijo, viajó a Alemania de 1750 a 1753, donde adornó los techos de la Residencia de Würzburg, un ejemplo significativo del rococó bávaro. Giovanni Battista Piazzetta, otro estimado pintor veneciano, creó varios techos de iglesias notables.
El rococó veneciano también exhibió cristalería excepcional, en particular vidrio de Murano, que con frecuencia se grababa, coloreaba y exportaba ampliamente a toda Europa. Esto incluía candelabros multicolores y espejos encerrados en marcos muy ornamentados.
Sur de Alemania
El estilo decorativo rococó alcanzó su cenit en el sur de Alemania y Austria entre las décadas de 1730 y 1770, donde continúa influyendo profundamente en el paisaje arquitectónico eclesiástico y permanece profundamente arraigado en la cultura popular. Su introducción inicial desde Francia se produjo a través de las publicaciones y creaciones de arquitectos y decoradores franceses, como el escultor Claude III Audran, el diseñador de interiores Gilles-Marie Oppenordt, el arquitecto Germain Boffrand, el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre. Si bien sus contribuciones dieron forma significativa al rococó alemán, no alcanzaron el mismo nivel de extravagancia que las estructuras que se encuentran en el sur de Alemania.
Los arquitectos alemanes reinterpretaron el estilo rococó, haciéndolo considerablemente más asimétrico y elaborado que su precursor francés. La versión alemana se distinguió por una profusión de formas que parecían caer en cascada por las paredes, incorporando molduras con formas curvas y contracurvas, intrincados patrones retorcidos y follaje de estuco que aparentemente ascendía por las paredes y atravesaba los techos. Las decoraciones eran frecuentemente doradas o plateadas, lo que proporcionaba un sorprendente contraste con las paredes blancas o de colores pastel pálidos.
Entre las primeras estructuras rococó de Alemania se encuentra el pabellón Amalienburg en Munich (1734-1739), concebido por el arquitecto y diseñador belga François de Cuvilliés, quien se inspiró en los pabellones Grand Trianon y Château de Marly en Francia. Construido como un pabellón de caza, contaba con una plataforma en la azotea para la caza de faisanes. Su interior Salón de los Espejos, diseñado por el pintor y escultor de estuco Johann Baptist Zimmermann, exhibe un nivel de elaboración que supera significativamente cualquier ejemplo rococó francés.
La residencia de Würzburg (1720-1744), encargada por el príncipe obispo Johann Philipp Franz von Schönborn, es un ejemplo del rococó alemán temprano. Durante su construcción inicial, el arquitecto de la corte Balthasar Neumann consultó con los artistas decorativos de rocalla franceses Germain Boffrand y Robert de Cotte en París. Si bien el exterior del palacio mantiene una estética barroca más sobria, su interior, particularmente las escaleras y los techos, exhibe una extravagancia significativamente mayor. Neumann caracterizó el interior de la residencia como "un teatro de luz". De 1750 a 1753, el pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo fue contratado para crear un mural sobre la escalera ceremonial de tres niveles. Neumann también concibió la famosa escalera rococó del castillo de Augustusburg en Brühl (1725-1768), que guía a los visitantes a través de una elaborada composición de pintura, escultura y herrajes, ofreciendo vistas inesperadas en cada paso.
Durante las décadas de 1740 y 1750, se erigieron numerosas iglesias de peregrinación en Baviera, con interiores adornados en un distintivo estilo rococó. Un ejemplo destacado es la Wieskirche (1745-1754), diseñada por Dominikus Zimmermann. En consonancia con la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, su exterior es notablemente sobrio y se caracteriza por paredes en colores pastel y una ornamentación mínima. Al entrar, los visitantes encuentran una extraordinaria síntesis de elementos artísticos y formas arquitectónicas. La cabecera de forma ovalada, precedida al oeste por una antecámara semicircular, baña la iglesia de luz desde todas las direcciones. Las paredes blancas se yuxtaponen con columnas de estuco azul y rosa en el coro, y el techo abovedado está pintado para evocar un cielo abierto atravesado por ángeles. Otras iglesias de peregrinación bávaras notables incluyen la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores de Balthasar Neumann (1743-1772) y la Abadía de Ottobeuren (1748-1766) de Johann Michael Fischer, que, como gran parte de la arquitectura rococó alemana, demuestra un sorprendente contraste entre la regularidad de su fachada y la profusa decoración de su interior.
Inglaterra
En Gran Bretaña, el rococó ejerció menos influencia en el diseño y las artes decorativas en comparación con la Europa continental, aunque su impacto fue perceptible en ámbitos como la platería, la porcelana y los muebles.
A lo largo de principios del siglo XVIII, el diseño de muebles inglés se adhirió al paradigma neoclásico palladiano, defendido por el diseñador William Kent, quien creó piezas para Lord Burlington y otros importantes mecenas del arte. En consecuencia, la adopción del rococó en Inglaterra fue gradual y apareció por primera vez en la década de 1730 gracias a las contribuciones de artistas inmigrantes y refugiados hugonotes de Francia, incluido el platero Paul de Lamerie. La Academia St Martin's Lane, establecida por William Hogarth en 1735, también jugó un papel crucial en la introducción del estilo rococó a los diseñadores y artistas ingleses.
El estilo rococó floreció en Inglaterra entre 1740 y 1770. Para competir con los productos franceses importados, los diseñadores de muebles desarrollaron un estilo rococó británico distintivo, expresado predominantemente a través del tallado en madera. Thomas Chippendale surgió como el más influyente de estos diseñadores; su publicación de 1754, El caballero y el director del ebanista, un compendio de diseños para muebles rococó, chinoiserie y gótico, logró una gran aclamación. A diferencia de sus homólogos franceses, Chippendale evitó la marquetería o las incrustaciones en sus muebles. Los principales exponentes de los muebles con incrustaciones fueron Vile y Cob, quienes sirvieron como ebanistas del rey Jorge III. Otra figura significativa del mueble británico fue Thomas Johnson, quien publicó un catálogo de diseños de muebles rococó en 1761. Esta colección presentaba muebles basados en imaginativos motivos chinos e indios, incluida una cama con dosel coronada por una pagoda china, que ahora se encuentra en el Museo de Victoria y Alberto.
El platero Charles Friedrich Kandler representa otra figura notable del período rococó británico.
Rusia
El estilo rococó ruso fue introducido en gran medida durante el siglo XVIII por las emperatrices Isabel y Catalina la Grande, facilitado por arquitectos de la corte como Francesco Bartolomeo Rastrelli.
Los esfuerzos arquitectónicos de Rastrelli, ejemplificados por estructuras como el Palacio de Invierno en San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsarskoye Selo, integraron numerosas características del diseño rococó de Europa occidental. Los interiores frecuentemente presentaban habitaciones opulentas adornadas con pan de oro, espejos y amplias ventanas diseñadas para maximizar la iluminación natural. Los exteriores se distinguían por suaves tonos pastel, enmarcados por importantes ventanas con capota y cornisas, que a menudo incorporaban motivos rocaille, como conchas asimétricas y formaciones rocosas. Los techos (plafones) comúnmente mostraban volutas rococó que rodeaban representaciones alegóricas de deidades clásicas griegas y romanas. Los pisos con frecuencia comprendían parquet intrincado, elaborado a partir de diversos tipos de madera para formar patrones elaborados.
Durante el siglo XVIII, la arquitectura de la iglesia ortodoxa rusa también sufrió una influencia significativa de la estética rococó. Esto a menudo se manifiesta en una planta de cruz griega cuadrada, caracterizada por cuatro alas de proporciones iguales. Los exteriores generalmente se representaban en tonos pastel claros, incluidos azules y rosas, y los campanarios frecuentemente culminaban en cúpulas de cebolla doradas.
Frederician Rococó
Rococó Federico representa una manifestación distinta del estilo rococó que surgió en Prusia durante el reinado de Federico el Grande. Sintetizó influencias artísticas de Francia, varias regiones alemanas (particularmente Sajonia) y los Países Bajos. El arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff es reconocido como su defensor más destacado. Además, el pintor Antoine Pesne y el propio rey Federico contribuyeron a dar forma a los conceptos arquitectónicos de Knobelsdorff. Las estructuras notables que ejemplifican el estilo frederiano abarcan el Palacio Sanssouci, el Palacio de la ciudad de Potsdam y secciones específicas del Palacio de Charlottenburg.
Rechazo y conclusión
La producción artística de François Boucher y sus contemporáneos, caracterizada por su enfoque en la mitología decorativa y la galantería cortesana, pronto provocó un contramovimiento que abogaba por un contenido temático más "noble". Aunque el rococó persistió en Alemania y Austria, la Academia Francesa de Roma inició la instrucción en el estilo clásico. Este cambio fue subrayado por el nombramiento de Jean François de Troy como director de la academia en 1738, seguido por Charles-Joseph Natoire en 1751.
Madame de Pompadour, la influyente amante de Luis XV, jugó un papel en el declive del estilo rococó. En 1750, envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières, en una expedición de dos años a Italia para investigar los avances artísticos y arqueológicos. Lo acompañaron varios artistas notables, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot. A su regreso a París, mostraron un profundo entusiasmo por el arte clásico. Posteriormente, Vandières se convirtió en marqués de Marigny y fue nombrado director general de los Edificios del Rey. Redirigió las tendencias arquitectónicas oficiales francesas hacia el neoclasicismo. Cochin surgió como un importante crítico de arte, condenando el pequeño estilo de Boucher y abogando por una estética más grandiosa, enfatizando la antigüedad y la nobleza dentro de las academias de pintura y arquitectura.
El declive del rococó comenzó a principios de la década de 1760, cuando figuras prominentes como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a articular críticas sobre la superficialidad y decadencia percibidas del estilo. Blondel denunció específicamente la "ridícula mezcla de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" que se encuentra en los diseños de interiores contemporáneos.
En 1785, el rococó había caído en desgracia en Francia, reemplazado por la gravedad estructurada defendida por artistas neoclásicos como Jacques-Louis David. En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("coleta y peluca"), una fase denominada ocasionalmente Zopfstil. Sin embargo, el rococó conservó popularidad en estados provinciales alemanes específicos y en Italia hasta el advenimiento de la segunda fase del neoclasicismo, conocida como el "estilo Imperio", que surgió con los gobiernos napoleónicos y finalmente suplantó al rococó.
Mobiliario y Artes Decorativas
La estética ornamental conocida como rocaille se desarrolló en Francia entre 1710 y 1750, coincidiendo principalmente con la Regencia y el reinado de Luis XV. Este estilo también fue conocido como Louis Quinze. Sus atributos definitorios incluían detalles pintorescos, una profusión de curvas y contracurvas, una asimetría inherente y una opulencia teatral. Dentro de los salones parisinos recién construidos, intrincados diseños retorcidos y sinuosos, típicamente ejecutados en estuco dorado o pintado, envolvían puertas y espejos, asemejándose a formas orgánicas parecidas a enredaderas. Un ejemplo temprano de este estilo es el Hôtel Soubise de París (1704-1705), que presenta en particular su famoso salón ovalado adornado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire.
Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750) es la diseñadora de muebles francesa más reconocida de la época, y también se distinguió como escultora, pintora y orfebre de la corte real. Ocupó el estimado cargo de diseñador oficial de la Cámara y el Gabinete de Luis XV. Su perdurable legado se debe en gran medida a los extensos grabados de sus creaciones, que difundieron significativamente el estilo rococó por toda Europa. Meissonnier también realizó encargos de diseño para las familias reales de Sajonia y Portugal.
Italia surgió como otro centro importante para el estilo rococó, experimentando su florecimiento tanto durante sus etapas incipientes como posteriores. Los artesanos de ciudades destacadas como Roma, Milán y Venecia fueron prolíficos en la producción de muebles y objetos decorativos suntuosamente adornados.
La ornamentación esculpida incorporaba frecuentemente motivos como florecillas, palmetas, conchas marinas y follaje, meticulosamente tallados en madera. Las formas rocaille más elaboradas se aplicaban normalmente a las consolas, que son mesas diseñadas para colocarse contra las paredes. Las cómodas o cofres, introducidas inicialmente durante el reinado de Luis XIV, estaban profusamente adornadas con motivos rocaille elaborados en bronce dorado. Maestros artesanos, incluido Jean-Pierre Latz, produjeron estas piezas, que a menudo presentaban marquetería compuesta de maderas de varios colores, a veces dispuestas en patrones cúbicos de tablero de ajedrez usando tonos claros y oscuros contrastantes. Este período también marcó el advenimiento de la Chinoiserie, frecuentemente manifestada en cómodas lacadas y doradas, conocidas como falcon de Chine o Vernis Martin, que llevan el nombre del ebenista que fue pionero en esta técnica en Francia. El ormolu, o bronce dorado, era un material muy utilizado por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz. En particular, Latz creó un reloj excepcionalmente ornamentado, montado sobre un cartonero, para el palacio de Federico el Grande en Potsdam. Las piezas de porcelana china importadas a menudo se colocaban en monturas rococó de ormolu (bronce dorado) para exhibirlas en mesas o consolas dentro de los salones. Además, otros artesanos emularon los muebles lacados japoneses y crearon cómodas adornadas con motivos japoneses.
El rococó británico generalmente exhibía un carácter más moderado. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale conservaron las curvas y la estética características, pero evitaron la extrema fantasía que se encuentra en los ejemplos franceses. Thomas Johnson, un tallador y diseñador de muebles altamente cualificado que trabajó en Londres a mediados del siglo XVIII, es ampliamente considerado como el defensor más exitoso del rococó británico.
Pintura
Elementos del estilo Rocaille impregnaron las obras de ciertos pintores franceses, caracterizados por una inclinación por los detalles pintorescos, la interacción de curvas y contracurvas, y una distintiva asimetría que imbuyó de exuberancia al movimiento barroco. Sin embargo, la rocaille francesa nunca alcanzó la extravagancia que se ve en el rococó germánico. Antoine Watteau fue el principal exponente, especialmente evidente en su obra maestra El embarque para Citera (1717), conservada en el Louvre. Esta obra ejemplifica el género Fête galante, que representaba escenas de jóvenes aristócratas celebrando en entornos pastorales idílicos. Aunque Watteau falleció en 1721 a la edad de treinta y siete años, sus contribuciones artísticas continuaron influyendo en la pintura durante el resto del siglo. Federico el Grande de Prusia adquirió una variante de la pintura de Watteau, titulada Peregrinación a Citera, en 1752 o 1765 para adornar su Palacio de Charlottenburg en Berlín.
François Boucher (1703-1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour, sucedió a Watteau como figura destacada de la pintura decorativa y del estilo Féte Galante. Su obra incluye el sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en una representación icónica del estilo. La versatilidad de Boucher se extendió a diversas disciplinas artísticas de la época; diseñó tapices, creó modelos para esculturas de porcelana, concibió escenografías para la Ópera de París y la Opéra-Comique, y realizó decoraciones para la Feria de Saint-Laurent. Otros pintores notables que contribuyeron al estilo Fête Galante fueron Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater. El estilo influyó significativamente en François Lemoyne, quien completó la opulenta decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles en 1735. Pinturas con fêtes galantes y temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles-Joseph Natoire adornaron el célebre salón del Hôtel Soubise en París (1735-1740). Otros pintores rococó destacados incluyen a Jean François de Troy (1679-1752), Jean-Baptiste van Loo (1685-1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707-1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719-1795), su hermano menor Charles-André van Loo (1705-1765), Nicolas Lancret (1690–1743) y Jean Honoré Fragonard (1732–1806).
La pintura italiana ejerció una profunda influencia en el estilo rococó prevaleciente en Austria y el sur de Alemania. El artista veneciano Giovanni Battista Tiepolo, con la ayuda de su hijo Giovanni Domenico Tiepolo, recibió el encargo de ejecutar frescos para la residencia de Würzburg entre 1720 y 1744. Al mismo tiempo, Johann Baptist Zimmermann se distinguió como el pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras, completando en particular el techo de la Wieskirche de 1745 a 1754.
Escultura
La escultura rococó se caracterizó por sus cualidades teatrales, sensuales y dinámicas, impartiendo una sensación generalizada de movimiento. Estaba predominantemente integrado en los interiores de las iglesias, a menudo estrechamente entrelazado con la pintura y la arquitectura. Las obras escultóricas religiosas adoptaban típicamente el estilo barroco italiano, como lo demuestra el espectacular retablo de la Karlskirche de Viena.
La escultura temprana del Rococó, o Rocaille, en Francia exhibía una calidad más ligera y un movimiento mejorado en comparación con el estilo clásico de Luis XIV. Esta dirección artística fue especialmente impulsada por Madame de Pompadour, amante de Luis XV, que encargó numerosas obras para sus castillos y jardines. El escultor Edmé Bouchardon, por ejemplo, representó a Cupido tallando sus dardos de amor en la maza de Hércules. Figuras rococó también poblaron fuentes posteriores en Versalles, como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). Su éxito en Versalles llevó a que Federico el Grande los invitara a Prusia, donde crearon una escultura de fuente para el parque Sanssouci en la década de 1740.
Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) surgió como otro destacado escultor francés durante este período. Aunque principalmente famoso por su estatua del "Jinete de Bronce" de Pedro el Grande en San Petersburgo, Falconet también produjo una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que eran reproducibles en terracota o fundidas en bronce. Otros escultores franceses, incluidos Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle, crearon de manera similar esculturas en serie para el mercado de coleccionistas.
En Italia, Antonio Corradini se distinguió como un destacado escultor del estilo rococó. Veneciano de nacimiento, viajó extensamente por toda Europa, realizando encargos para Pedro el Grande en San Petersburgo y para las cortes de Austria y Nápoles. Corradini favoreció los temas sentimentales y produjo varias obras de gran habilidad que representan a mujeres con rostros velados, un ejemplo notable de los cuales se encuentra ahora en el Louvre.
Las manifestaciones más elaboradas de la escultura rococó se concentraron en España, Austria y el sur de Alemania, principalmente en la ornamentación de palacios e iglesias. Esta obra escultórica estaba tan íntimamente integrada con la arquitectura que sus límites individuales se volvieron indistinguibles. Por ejemplo, en el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), el techo abovedado de la Sala de los Atlantes está sostenido por figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt. Paralelamente, la portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) fue íntegramente adornada con esculturas de mármol, basadas en diseños de Hipólito Rovira Brocandel.
El altar de El Transparente, ubicado en la capilla mayor de la Catedral de Toledo, representa una obra escultórica monumental compuesta de mármol policromado y estuco dorado, integrada con pinturas, estatuas y símbolos. Creado por Narciso Tomé entre 1721 y 1732, su diseño facilita el paso de la luz, impartiendo una ilusión de movimiento bajo una iluminación cambiante.
Porcelana
El período rococó vio la llegada de una nueva forma de escultura a pequeña escala: la figura de porcelana o pequeño grupo de figuras. Inicialmente sirviendo como sustitutos de las esculturas de azúcar en las grandes mesas de comedor, estos artículos rápidamente se hicieron populares para exhibirlos en repisas de chimeneas y muebles. El número de fábricas europeas aumentó constantemente a lo largo del siglo, y algunas producían porcelana asequible para las clases medias en expansión. Al mismo tiempo, también creció el volumen de colorida decoración vidriada aplicada a estas piezas. Por lo general, eran modelados por artistas formados en escultura, con temas comunes que incluían figuras de la commedia dell'arte, vendedores ambulantes de la ciudad, amantes, individuos vestidos a la moda y parejas de pájaros.
Johann Joachim Kändler, una figura fundamental, fue el principal modelador de la porcelana de Meissen, la fábrica inaugural de Europa, que mantuvo su preeminencia hasta aproximadamente 1760. Al mismo tiempo, el escultor alemán nacido en Suiza Franz Anton Bustelli creó diversas figuras de colores vibrantes para la Manufactura de Porcelana de Nymphenburg de Baviera, distribuyéndolas por toda Europa. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791), escultor francés, adoptó un enfoque artístico similar. Más allá de sus creaciones monumentales, Falconet dirigió la Manufactura de Porcelana de Sèvres, donde supervisó la producción en serie de piezas más pequeñas, que frecuentemente representaban temas de amor y alegría.
Música
Aunque menos reconocido que su predecesor barroco o su sucesor clásico, surgió un período rococó distinto dentro de la historia de la música. Este estilo musical evolucionó a partir de las tradiciones barrocas tanto en Francia, donde se lo denominó style galant (que significa una estética "galante" o "elegante") como en Alemania, donde se lo conocía como empfindsamer Stil (que denota un "estilo sensible"). Sus características definitorias incluyen una cualidad ligera e íntima, que a menudo presenta una ornamentación muy elaborada y sofisticada.
Durante la segunda mitad del siglo XVIII, surgió un importante contramovimiento contra el estilo rococó, en gran parte en respuesta a su percepción de ornamentación y elementos decorativos excesivos. Esta reacción, encabezada por Christoph Willibald Gluck, marcó el advenimiento de la era clásica. A principios del siglo XIX, la Iglesia católica había considerado el estilo rococó inapropiado para entornos eclesiásticos, afirmando que "de ninguna manera propiciaba sentimientos de devoción".
Pyotr Ilyich Tchaikovsky, un destacado compositor ruso de la era romántica, compuso Las Variaciones sobre un tema rococó, op. 33, para violonchelo y orquesta en 1877. A pesar de su origen temático no rococó, la composición en sí se adhiere a los principios estilísticos rococó.
Moda
La moda rococó se caracterizó por su extravagancia, elegancia, refinamiento y elaborada decoración. Existía un contraste notable entre la vestimenta femenina del siglo XVII y los estilos más ornamentados y sofisticados del siglo XVIII, que personificaban la estética rococó. Estas tendencias sartoriales se extendieron más allá de la corte real, impregnando los salones y cafés frecuentados por la floreciente burguesía. El estilo decorativo y de diseño exuberante, divertido y elegante ahora identificado como "rococó" fue referido contemporáneamente como le style rocaille, le style moderne, le gout.
Una innovación de la moda de principios del siglo XVIII fue la robe volante, un vestido fluido que ganó prominencia cerca del final del reinado del rey Luis XIV. Esta prenda presentaba un corpiño con importantes pliegues que caían en cascada desde la espalda hasta el suelo, usado sobre una enagua redondeada. Su paleta de colores inicial comprendía telas ricas y oscuras complementadas con elementos de diseño intrincados y pesados. Tras la desaparición de Luis XIV, los estilos de ropa sufrieron una transformación, virando hacia una estética más ligera y caprichosa, pasando así del barroco al distintivo período rococó. La última era rococó se hizo famosa por sus tonos pastel, vestidos más reveladores y una gran cantidad de volantes, lazos y adornos de encaje. Poco después de la aparición del característico vestido rococó, se introdujo la robe à la Française, que se distingue por un corpiño ajustado, un escote escotado a menudo adornado con grandes lazos en el centro del frente, alforjas anchas y lujosos adornos de encaje, cintas y flores.
Al mismo tiempo, ganaron popularidad los plisados Watteau, llamados así en homenaje al pintor Jean-Antoine Watteau, cuyas meticulosas representaciones capturaron los intrincados detalles de los vestidos, incluidas las costuras de encaje y otros adornos. Posteriormente, hacia 1718, se pusieron de moda la 'pannier' y la 'mantua'. Estos aros anchos, usados debajo de los vestidos para extender lateralmente las caderas, rápidamente se convirtieron en un elemento fundamental del atuendo formal. Esta innovación contribuyó a la silueta icónica del período rococó, caracterizada por caderas anchas y una amplia ornamentación de las prendas. Mientras que las alforjas anchas, que a veces alcanzaban hasta 4,9 metros (16 pies) de diámetro, se reservaban para ocasiones especiales, se adoptaron aros más pequeños para el uso diario. Estos elementos estilísticos se originaron en la moda española del siglo XVII, concretamente en el guardainfante, que inicialmente fue concebido para ocultar el embarazo pero luego reinterpretado como la alforja. El año 1745 marcó la "Edad de Oro" del rococó con la asimilación de una influencia cultural oriental más exótica en Francia, denominada a la turque. Esta tendencia fue popularizada notablemente por la amante de Luis XV, Madame de Pompadour, quien encargó al artista Charles-André van Loo que la retratara como una sultana turca.
En la década de 1760, ganaron protagonismo estilos de vestimenta más relajados, entre los que se encontraba la polonesa, una prenda influenciada por la moda polaca. Caracterizada por su longitud más corta que el vestido tradicional francés, la polonesa dejaba al descubierto la enagua y los tobillos, facilitando así una mayor movilidad. Al mismo tiempo, la robe a l'anglais ganó popularidad, incorporando elementos derivados del atuendo masculino, como una chaqueta corta, solapas anchas y mangas largas. Esta prenda presentaba un corpiño ajustado, una falda amplia sin alforjas, pero que conservaba un ligero alargamiento en la espalda para formar una cola modesta, y con frecuencia se complementaba con un pañuelo de encaje alrededor del cuello. Además, surgió el 'redingote', que funcionaba como prenda intermedia entre una capa y un abrigo.
Los accesorios tenían una importancia significativa para las mujeres durante este período, contribuyendo a la opulencia general y al adorno corporal que complementaba sus elaborados vestidos. Durante las ceremonias formales, las mujeres debían usar guantes que cubrieran sus manos y brazos, especialmente cuando su vestimenta presentaba diseños sin mangas.
Literatura
Dentro del discurso literario, el término "rococó" a menudo se considera "inútilmente vago", pero normalmente connota una alegre ligereza, un tono íntimo y una elegante alegría. Los géneros literarios rococó predominantes abarcaban formas más breves, incluida la poesía ligera erótica (francés: poésie légère o poésie fugitive), sonetos, madrigales y otras composiciones líricas, pastorales, cuentos de hadas y novelas cortas. Sin embargo, el período también produjo extensos poemas narrativos, ejemplificados por la obra maestra alemana de Christoph Martin Wieland, Oberon.
Principalmente un estilo literario francés del siglo XVIII, moldeado significativamente por la escuela Précieuses del siglo XVII, la literatura rococó está ejemplificada por autores como Anne Claude de Caylus, conocida por El arte de amar; PJ Bernard; Alexandre Masson de Pezay, autor del poema narrativo El baño de Zélis; el Abbé de Favre, que escribió el poema Les quatre heures de la toilette des dames; Évariste de Parny; y Jean-Baptiste Louvet de Couvray, entre otros. El estilo rococó también encontró adeptos en Italia, incluidos Paolo Rolli y Pietro Metastasio, y en Alemania, con figuras como Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz y Johann Nikolaus Götz. Su influencia se extendió, aunque en menor grado, a la literatura inglesa y rusa, especialmente a través de Ippolit Bogdanovich.
Galería
Arquitectura
Grabados
Pintura
Pintura de la época rococó
- Arte rococó italiano
- Rococó en Portugal
- Movimiento cultural
- Historia de la pintura
- Pintura de techo ilusionista
- Muebles Luis XV
- Notas y citas
Notas y citas
Bibliografía
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