Arte románico designa la producción artística de Europa que abarca desde aproximadamente el año 1000 d.C. hasta la aparición del estilo gótico en el siglo XII, con variaciones regionales en su duración. La época inmediatamente anterior se identifica como Prerrománico. Esta nomenclatura fue acuñada por historiadores del arte del siglo XIX, principalmente para describir la arquitectura románica. Este estilo arquitectónico conservó elementos fundamentales del diseño romano, como arcos de medio punto, bóvedas de cañón, ábsides y ornamentación de hojas de acanto, al mismo tiempo que desarrolló nuevas características distintivas.
Si bien la continuidad arquitectónica con el período de la Antigüedad tardía persistió en el sur de Francia, España e Italia, el estilo románico marcó el movimiento artístico inaugural que se diseminó por toda la Europa católica, extendiéndose desde Sicilia hasta Escandinavia. El arte románico también se inspiró significativamente en el arte bizantino, particularmente en sus formas pictóricas, y en el vigor decorativo dinámico y anticlásico característico del arte insular de las Islas Británicas. La síntesis de estas diversas influencias dio como resultado la formación de un estilo artístico notablemente innovador y cohesivo.
Características estilísticas
Más allá de sus manifestaciones arquitectónicas, el arte del período románico exhibió un estilo robusto y enérgico tanto en la escultura como en la pintura. La pintura románica se adhirió en gran medida a las convenciones iconográficas bizantinas para los temas eclesiásticos predominantes, incluido Cristo en Majestad, el Juicio Final y narraciones de la vida de Cristo. Por el contrario, los manuscritos iluminados mostraron una mayor innovación, necesaria para la descripción de temas novedosos. Las Biblias y los salterios representan los manuscritos más suntuosamente adornados de esta época. Una originalidad similar caracterizó a los capiteles de las columnas, frecuentemente adornados con intrincadas escenas de múltiples figuras. La introducción del gran crucifijo de madera, junto con las estatuas independientes de la Virgen entronizada, se originó en Alemania en los inicios del período. El alto relieve surgió como la técnica escultórica predominante durante esta época.
La paleta empleada fue notablemente llamativa, predominantemente con colores primarios. Hoy en día, la vitalidad original de estos tonos suele ser discernible sólo en los ejemplos existentes de vidrieras y manuscritos meticulosamente conservados. Las vidrieras obtuvieron una adopción generalizada, aunque pocos ejemplos completos perduran. Una innovación significativa de la época fue la talla monumental de tímpanos en los portales prominentes de las iglesias. A menudo representaban temas como Cristo en Majestad o el Juicio Final, pero exhibían una mayor libertad artística en comparación con las representaciones pintadas, debido a la ausencia de precedentes bizantinos comparables.
Las composiciones generalmente carecían de una profundidad espacial significativa y requerían adaptabilidad para ajustarse a los contornos irregulares de las iniciales historiadas, los capiteles de las columnas y los tímpanos de las iglesias. Un motivo recurrente en el arte románico es la interacción dinámica entre un marco restrictivo y la composición, que en ocasiones trasciende sus límites. Con frecuencia las cifras se escalaban según su importancia jerárquica. Los elementos del paisaje, cuando estaban presentes, tendían a una ornamentación abstracta más que a una representación realista, ejemplificados por los árboles en la "Hoja de Morgan". El retrato estuvo en gran medida ausente de este período artístico.
Contexto histórico
Durante la era románica, Europa experimentó una prosperidad cada vez mayor, lo que llevó a una difusión más amplia de arte de alta calidad más allá de los límites de las cortes reales y comunidades monásticas selectas, a diferencia de los períodos carolingio y otoniano anteriores. Los monasterios conservaron una inmensa importancia, en particular las nuevas órdenes florecientes como la cisterciense, la cluniacense y la cartuja, que se expandieron por toda Europa. Al mismo tiempo, las iglesias urbanas, los lugares de peregrinación y numerosas iglesias en ciudades y pueblos más pequeños recibieron una decoración elaborada y sofisticada. Estas estructuras más pequeñas suelen representar los ejemplos supervivientes, ya que muchas catedrales e iglesias de ciudades más grandes han sido reconstruidas posteriormente. Cabe destacar que no se ha conservado ningún palacio real románico.
El papel del artista laico ganó cada vez más protagonismo; por ejemplo, Nicolás de Verdún parece haber logrado reconocimiento continental. En este período, la mayoría de los albañiles y orfebres eran practicantes laicos. Además, los pintores laicos, ejemplificados por el maestro Hugo, constituyeron el grupo predominante, particularmente entre los que ejecutaban los encargos más distinguidos, hacia el final de la época. Los programas iconográficos de sus obras eclesiásticas sin duda se desarrollaron en consulta con las autoridades clericales.
Escultura
Metalwork, Esmaltes y Marfiles
Durante esta época, los objetos preciosos elaborados con estos materiales tenían un estatus excepcionalmente alto, probablemente superando el de las pinturas. De hecho, están documentadas las identidades de más artesanos que crearon estos artículos que las de pintores, iluminadores o arquitectos albañiles contemporáneos. La orfebrería, especialmente las piezas adornadas con esmalte, alcanzó una notable sofisticación. Han perdurado numerosos santuarios magníficos diseñados para albergar reliquias, siendo el más famoso el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia, una creación atribuida a Nicolás de Verdún y sus colaboradores (c. 1180–1225). Otros ejemplos notables de esmalte Mosan incluyen el Tríptico Stavelot y el Relicario de San Mauro. Mientras que se construyeron importantes relicarios y frontales de altar alrededor de estructuras de madera, los ataúdes más pequeños estaban compuestos enteramente de metal y esmalte. Aunque ha persistido un número limitado de artefactos seculares, como cajas de espejos, joyas y cierres, estos sin duda ofrecen una representación incompleta de la extensa orfebrería fina que poseía la aristocracia.
El candelabro de bronce de Gloucester y la pila bautismal de latón, que datan de 1108-1117 y que actualmente se encuentran en Lieja, representan ejemplos destacados, aunque estilísticamente distintos, de fundición de metales. El candelabro exhibe cualidades intrincadas y dinámicas, influenciadas por la iluminación del manuscrito, mientras que la fuente ejemplifica el estilo Mosan en su manifestación más clásica e imponente. Otras piezas metálicas importantes que se conservan incluyen las puertas de bronce, una columna triunfal y varios accesorios de la catedral de Hildesheim, las puertas de Gniezno y las puertas de la basílica de San Zeno en Verona. El aguamanil, un recipiente utilizado para las abluciones, aparentemente hizo su debut en Europa durante el siglo XI. Los artesanos frecuentemente dotaban a estos objetos de fantásticas formas zoomorfas; Los ejemplares existentes están fabricados predominantemente de latón. En cartas y documentos persisten numerosas impresiones de cera de sellos elaborados, aunque las monedas románicas generalmente carecen de un atractivo estético significativo.
La Cruz del Claustro se erige como un crucifijo de marfil excepcionalmente grande, con intrincadas tallas que representan numerosos profetas y otras figuras, y se atribuye al Maestro Hugo, uno de los pocos artistas nombrados de la época que también iluminó manuscritos. Al igual que muchos artefactos de su época, esta pieza originalmente estaba parcialmente policromada. Las piezas de ajedrez de Lewis representan ejemplos notablemente conservados de pequeñas tallas de marfil, con muchos otros fragmentos y piezas completas que sobrevivieron de báculos, placas, cruces pectorales y elementos análogos.
Escultura arquitectónica
Tras el colapso del Imperio Romano Occidental, la práctica de tallar obras monumentales en piedra y esculpir figuras de bronce cesó en gran medida, una tendencia que se refleja (por razones teológicas) en el Imperio Bizantino (Romano Oriental). Si bien algunas esculturas de tamaño natural evidentemente fueron ejecutadas en estuco o yeso, los ejemplos existentes son, como era de esperar, escasos. La obra escultórica a gran escala más destacada de la Europa protorrománica que se conserva es el Crucifijo de madera de tamaño natural, encargado por el arzobispo Gero de Colonia alrededor de 960-965, que aparentemente sirvió como prototipo de una forma artística ampliamente adoptada. Posteriormente, estos crucifijos se colocaron sobre una viga debajo del arco del presbiterio, denominado en inglés rood, y desde el siglo XII en adelante, a menudo estaban flanqueados por figuras de la Virgen María y Juan Evangelista. A lo largo de los siglos XI y XII, la escultura figurativa experimentó un resurgimiento significativo, y los relieves arquitectónicos se convirtieron en una característica definitoria de la época románica posterior.
Fuentes y características estilísticas
La escultura figurativa se basó principalmente en dos fuentes distintas: la iluminación de manuscritos y obras a pequeña escala en marfil y metal. Además, los elaborados frisos que adornan las iglesias armenias y siríacas se han postulado como una probable influencia contribuyente. En conjunto, estas influencias fomentaron un estilo distintivo reconocible en toda Europa, aunque los esfuerzos escultóricos más impresionantes se ubicaron predominantemente en el suroeste de Francia, el norte de España e Italia.
Las imágenes frecuentemente empleadas en trabajos en metal estaban típicamente en relieve, lo que daba como resultado una superficie caracterizada por dos planos primarios y que generalmente presentaba detalles incisos. Esta técnica se adaptó posteriormente a la talla en piedra, como se observa en particular en el tímpano sobre los portales, donde la iconografía de Cristo en Majestad, acompañada de los símbolos de los cuatro evangelistas, deriva directamente de las cubiertas doradas de los evangelios medievales. Este estilo distintivo de entrada estuvo muy extendido y persistió hasta el período gótico. Un raro ejemplo que se conserva en Inglaterra es la "Puerta del Prior" de la catedral de Ely. En el suroeste de Francia quedan numerosos ejemplos impresionantes, incluidos los de Saint-Pierre, Moissac; Souillac; y La Madeleine, Vézelay, todas casas hijas de Cluny, con una extensa escultura adicional conservada en claustros y otras estructuras. Cerca de allí, la catedral de Autun presenta un Juicio Final de excepcional rareza, firmado exclusivamente por su creador, Giselbertus.
Un rasgo característico de las figuras en iluminación manuscrita es su frecuente representación dentro de espacios reducidos, lo que requiere contorsión para adaptarse al área disponible. Esta convención artística, donde las figuras fueron diseñadas para ajustarse a limitaciones espaciales, facilitó su adaptación para adornar elementos arquitectónicos como postes de puertas, dinteles y otras superficies. Las cortinas de las figuras pintadas se presentaban comúnmente en un estilo decorativo plano que se parecía poco al peso natural y la caída de la tela real. Este elemento estilístico también fue adoptado en la escultura. Entre los numerosos ejemplos existentes, uno de los más distinguidos es la figura del profeta Jeremías del pilar del portal de la Abadía de Saint-Pierre, Moissac, Francia, que data aproximadamente de 1130.
La espiral constituye uno de los motivos más significativos del diseño románico, manifestándose tanto en la escultura figurativa como no figurativa. Los posibles antecedentes incluyen capiteles jónicos. Las enredaderas, un motivo omnipresente tanto en el diseño bizantino como romano, son discernibles en los mosaicos que adornan las bóvedas de la Iglesia de Santa Costanza en Roma, del siglo IV. Manuscritos y tallas arquitectónicas del siglo XII exhiben motivos análogos de enredaderas.
Otra fuente clara del motivo en espiral son los manuscritos iluminados de los siglos VII al IX, en particular los manuscritos irlandeses como el Libro del Evangelio de San Galo, que fueron difundidos por toda Europa por la misión hiberno-escocesa. En estas iluminaciones, la aplicación de la espiral es totalmente independiente de las enredaderas u otras formas botánicas; el motivo es claramente abstracto y geométrico. Este estilo fue posteriormente asimilado al arte carolingio, donde se le impartió un carácter más botánico. Es a través de una adaptación de esta forma que la espiral aparece en las cortinas tanto de las esculturas como de las vidrieras. Entre los muchos ejemplos encontrados en portales románicos, uno de los más destacados es el de la figura central de Cristo en La Madeleine, Vézelay.
Una mayor influencia del arte insular es evidente en la representación de animales comprometidos y entrelazados, a menudo empleados con un efecto soberbio en los capiteles (como se ejemplificó en Silos) y ocasionalmente en la propia columna (como se ve en Moissac). Gran parte del tratamiento de los animales emparejados, enfrentados y entrelazados en la decoración románica, así como de los animales cuyos cuerpos se disuelven en formas puramente decorativas, es atribuible a orígenes insulares similares. A pesar de la asimilación de las tradiciones hibernosajonas a los estilos románicos en Inglaterra y el continente, la influencia fue predominantemente unidireccional. El arte irlandés durante este período permaneció en gran medida insular, desarrollando una síntesis distintiva de los estilos nativos irlandeses y vikingos, que serían gradualmente superados y reemplazados por el estilo románico dominante a principios del siglo XIII después de la invasión anglo-normanda de Irlanda.
Asunto
La escultura románica es predominantemente pictórica y escritural en su contenido temático. En los capiteles se encuentra una amplia gama de motivos, que abarcan escenas de la Creación y la Caída del Hombre, episodios de la vida de Cristo y narrativas del Antiguo Testamento que prefiguran su muerte y resurrección, como Jonás y la ballena y Daniel en el foso de los leones. Se presentan numerosos belenes, siendo especialmente popular el tema de los Reyes Magos. Los claustros de la Abadía de Santo Domingo de Silos en el norte de España y Moissac son ejemplos ejemplares que se conservan en su totalidad, al igual que los relieves tallados en las numerosas fuentes de Tournai descubiertas en iglesias del sur de Inglaterra, Francia y Bélgica.
Una característica definitoria de ciertas iglesias románicas es el extenso programa escultórico que adorna el área que rodea el portal y, ocasionalmente, una parte significativa de la fachada. Por ejemplo, la catedral de Angoulême en Francia muestra una intrincada disposición escultórica integrada en los amplios nichos formados por las arcadas de la fachada. De manera similar, en la región catalana de España, la entrada a la iglesia de Santa María en Ripoll presenta un elaborado esquema pictórico en bajo relieve.
Estos programas escultóricos fueron diseñados para impartir un mensaje teológico, instando a los seguidores cristianos a reconocer las transgresiones, buscar el arrepentimiento y alcanzar la redención. La representación del Juicio Final sirvió como un potente recordatorio para que los creyentes se arrepintieran. Además, el Crucifijo tallado o pintado que se exhibe de manera destacada dentro del espacio eclesiástico simboliza la redención para el penitente.
Con frecuencia, los elementos escultóricos exhiben formas inquietantes y contenido temático. Estas tallas suelen adornar capiteles, ménsulas y protuberancias, o se entrelazan con follaje en las molduras de las puertas. Estas representaciones a menudo representan formas cuyos significados originales ya no son fácilmente discernibles. Los motivos recurrentes abarcan figuras como Sheela na Gig, demonios formidables, ouroboros (dragones que se comen sus propias colas) y muchos otros seres míticos cuyo simbolismo sigue siendo enigmático. Las espirales y los motivos emparejados, que alguna vez estuvieron imbuidos de un significado particular dentro de las tradiciones orales, se han perdido en la historia o han sido descartados por los estudiosos contemporáneos.
Los siete pecados capitales, incluida la lujuria, la gula y la avaricia, también constituyen temas iconográficos frecuentes. La representación de figuras con genitales exagerados a menudo simboliza el pecado carnal, un tema transmitido de manera similar por numerosas figuras con lenguas salientes, especialmente observadas en la entrada de la Catedral de Lincoln. Históricamente, el acto de arrancarse la barba significaba masturbación, mientras que tener la boca muy abierta se interpretaba como una señal de lascivia. Un motivo predominante en las capitales de esta época retrata a individuos dedicados a "meterse la lengua" o "acariciarse la barba" siendo reprendidos por sus esposas o aprehendidos por entidades demoníacas. Otro tema común involucra demonios que compiten por el alma de un transgresor, como un avaro.
Escultura del Románico tardío
En general, se entiende que la arquitectura gótica se originó con el diseño del abad Suger para el coro de la Abadía de Saint-Denis, ubicada al norte de París, consagrada en 1144. El surgimiento de la escultura gótica generalmente se ubica un poco más tarde, marcado por la talla de figuras que rodean el Portal Real en la Catedral de Chartres, Francia, entre 1150 y 1155. Este estilo escultórico se difundió rápidamente desde Chartres, superando incluso el naciente estilo arquitectónico gótico. movimiento. De hecho, después de la Abadía de Saint-Denis se construyeron numerosas iglesias del románico tardío. Una estética escultórica que priorizaba la observación y el naturalismo sobre el diseño formalizado experimentó una rápida evolución. Una explicación propuesta para esta rápida progresión hacia formas naturalistas es una apreciación cada vez mayor de los vestigios clásicos en regiones donde abundaban, junto con una emulación consciente de sus convenciones artísticas. En consecuencia, ciertas puertas exhiben una forma estructural románica y al mismo tiempo muestran un naturalismo característico de la escultura del gótico temprano.
Un ejemplo ejemplar es el Pórtico da Gloria en Santiago de Compostela, que data de 1180. Este portal interno está notablemente bien conservado y conserva notablemente la policromía en sus figuras, lo que sugiere la apariencia original vibrante, a menudo percibida como "llamativa", de gran parte de la ornamentación arquitectónica que ahora se considera en gran medida monocromática. Las figuras que rodean la entrada están integradas con las columnatas que forman las molduras de la puerta. Estas figuras poseen una cualidad tridimensional, aunque sutilmente aplanadas. Exhiben una individualización significativa tanto en apariencia como en expresión, y guardan un notable parecido con las esculturas del pórtico norte de la Abadía de St. Denis, que datan de 1170. Debajo del tímpano, un friso tallado de manera realista representa figuras tocando una amplia gama de instrumentos musicales fácilmente identificables.
Pintura
Iluminación del manuscrito
El período románico temprano fue testigo de la convergencia de varias escuelas regionales en la iluminación de manuscritos. La "escuela del Canal" que abarcaba Inglaterra y el norte de Francia demostró una influencia significativa del arte anglosajón tardío, mientras que los estilos del sur de Francia dependían más de las tradiciones artísticas ibéricas. Al mismo tiempo, los estilos otonianos persistieron en Alemania y los Países Bajos, y también impactaron a Italia junto con las influencias bizantinas. En el siglo XII, estas diversas tradiciones habían tenido influencias recíprocas, aunque naturalmente persistían características regionales distintas.
Los principales focos de la iluminación románica fueron la Biblia, que a menudo comenzaba con una importante inicial historiada para cada libro, y el Salterio, que también estaba adornado con importantes iluminaciones. En ambos casos, ejemplos más elaborados presentaban ciclos narrativos a lo largo de iluminaciones de página completa, ocasionalmente compartimentados con múltiples escenas por página. Las Biblias, específicamente, frecuentemente eran extensas y podían abarcar varios volúmenes. Ejemplos notables incluyen el Salterio de St. Albans, el Salterio de Hunter, la Biblia de Winchester (con la "Hoja de Morgan"), la Biblia de Fécamp, la Biblia de Stavelot y la Biblia de Parc Abbey. Hacia el final de esta era, el surgimiento de talleres comerciales laicos para artistas y escribas ganó prominencia, lo que llevó a una accesibilidad más amplia de manuscritos y libros iluminados tanto para la población secular como para la eclesiástica.
Pintura mural
Las amplias superficies de los muros y las bóvedas curvas y sin adornos características del período románico eran muy propicias para la decoración mural. Lamentablemente, un número significativo de estos primeros murales han sucumbido a los daños causados por la humedad o han quedado oscurecidos por el enyesado y el repintado posteriores. Durante los períodos de iconoclasia de la Reforma, particularmente en Inglaterra, Francia y los Países Bajos, estas obras de arte fueron sistemáticamente borradas o blanqueadas. Por el contrario, numerosos murales en Dinamarca, Suecia y otras regiones han sido restaurados posteriormente. En Cataluña, España, una iniciativa de principios del siglo XX, que comenzó alrededor de 1907, tenía como objetivo preservar estos murales separándolos y reubicándolos para un almacenamiento seguro en Barcelona, estableciendo así la notable colección albergada en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. En otros lugares, estas obras de arte se han visto afectadas negativamente por conflictos, abandono y preferencias estéticas en evolución.
Un esquema convencional para la decoración mural integral de iglesias, influenciado por tradiciones de mosaicos anteriores, típicamente presentaba a Cristo en Majestad o Cristo Redentor entronizado dentro de una mandorla y rodeado por las cuatro bestias aladas que simbolizan a los Cuatro Evangelistas, colocadas como el elemento central dentro de la semicúpula del ábside. Esta disposición es directamente paralela a las representaciones que se encuentran en las cubiertas doradas de los Libros del Evangelio contemporáneos o dentro de sus iluminaciones. Si la iglesia estuviera dedicada a la Virgen María, ella podría ocupar esta posición central. Debajo de esto, las paredes del ábside normalmente mostrarían santos y apóstoles, incorporando potencialmente secuencias narrativas pertinentes al santo patrón de la iglesia. El arco del santuario a menudo representaba figuras de apóstoles, profetas o los veinticuatro "Ancianos del Apocalipsis", mirando hacia un busto de Cristo o su Cordero simbólico situado en el vértice del arco. La pared norte de la nave normalmente presentaba narrativas del Antiguo Testamento, mientras que la pared sur presentaba escenas del Nuevo Testamento. La pared trasera occidental se reservaba comúnmente para una representación del Juicio Final, coronado por un Cristo entronizado y juzgador.
Entre los esquemas decorativos mejor conservados se encuentra el que se encuentra en Saint-Savin-sur-Gartempe en Francia. La amplia bóveda de cañón de la nave ofrece una superficie ideal para los frescos, adornados con narraciones del Antiguo Testamento como la Creación, la Caída del Hombre y otros relatos. En particular, una representación vibrante del Arca de Noé presenta un mascarón de proa formidable y múltiples ventanas que revelan a Noé y su familia en el piso superior, pájaros en el piso medio y parejas de animales en el nivel inferior. Otro panel ilustra poderosamente la inmersión del ejército del faraón en el Mar Rojo. Este extenso esquema continúa en otras secciones de la iglesia, incluidas representaciones del martirio de los santos locales en la cripta, el Apocalipsis en el nártex y Cristo en Majestad. La paleta utilizada se limita a azul verdoso claro, amarillo ocre, marrón rojizo y negro. Arte mural comparable también está presente en Serbia, España, Alemania, Italia y otros lugares franceses.
Los murales actualmente dispersos originarios de Arlanza en la provincia de Burgos, España, a pesar de su procedencia monástica, exhiben temas seculares, presentando criaturas míticas colosales y dinámicas colocadas sobre un friso en blanco y negro poblado por varios otros seres. Estas obras de arte ofrecen una visión única de los elementos decorativos que habrían adornado los palacios románicos.
Artes visuales adicionales
Moda
Durante la época románica en Inglaterra y Francia, la aparición de los pigaches (los distintivos zapatos de "cola de escorpión" o "cuerno de carnero") provocó una considerable condena por parte del clero contemporáneo. Orderic Vitalis, en particular, atribuyó a estos zapatos un aumento percibido de la sodomía y la homosexualidad durante ese período. Hoy en día, estos zapatos se reconocen principalmente como antecedentes de los poulaines, significativamente más elaborados, que ganaron gran popularidad después de la Peste Negra.
Bordado
El bordado románico está ejemplificado de manera destacada en el Tapiz de Bayeux en Bayeux, Francia, y el Tapiz de la Creación en Girona, España. Además, han perdurado numerosas piezas intrincadamente elaboradas del Opus Anglicanum ("obra inglesa"), consideradas ampliamente como las mejores del mundo occidental, junto con otros ejemplos estilísticos, principalmente en forma de vestimentas eclesiásticas.
Vidrieras
Se cree que los fragmentos más antiguos conocidos de vidrieras pictóricas medievales datan del siglo X. Las figuras completas más antiguas se encuentran en cinco ventanas de profetas en Augsburgo, que datan de finales del siglo XI. A pesar de su apariencia rígida y estilizada, estas figuras exhiben una importante experiencia en diseño, tanto en su representación pictórica como en la aplicación práctica del vidrio, lo que sugiere la profunda familiaridad del artesano con el medio. Se han conservado varios paneles del siglo XII en las catedrales de Le Mans, Canterbury y Chartres, así como en Saint-Denis. Entre las de Canterbury hay una representación de Adán dedicado a cavar y otra de su hijo Set, ambas de una serie que ilustra a los Ancestros de Cristo. La representación de Adán es notablemente naturalista y dinámica, mientras que la figura de Set muestra túnicas empleadas para lograr un impacto decorativo considerable, reflejando las mejores tallas en piedra de esa época. Los artesanos del vidrio adoptaron cambios estilísticos más gradualmente que los arquitectos, lo que llevó a que gran parte de las vidrieras de al menos principios del siglo XIII se clasificaran como fundamentalmente románicas. Ejemplos particularmente notables incluyen grandes figuras de 1200 en la catedral de Estrasburgo (algunas ahora trasladadas a un museo) y aquellas de aproximadamente 1220 en la iglesia de San Kunibert en Colonia.
Si bien la mayoría de las espléndidas vidrieras de Francia, incluidas las famosas ventanas de Chartres, datan del siglo XIII, han sobrevivido intactas muchas menos ventanas grandes del siglo XII. Un ejemplo notable es la Crucifixión de Poitiers, una extraordinaria composición de tres niveles. Su sección más baja presenta un cuatrifolio que ilustra el Martirio de San Pedro, el amplio nivel central está dominado por la crucifixión y el escenario superior representa la Ascensión de Cristo dentro de una mandorla. La figura del Cristo crucificado presenta ya características de la curva gótica. George Seddon caracterizó esta ventana como poseedora de una "belleza inolvidable". Numerosos fragmentos individuales se conservan en museos, y una ventana de la iglesia de Twycross en Inglaterra incorpora importantes paneles franceses rescatados de la Revolución Francesa. Dado su costo y adaptabilidad (lo que permite adiciones o reordenamientos), el vidrio parece haber sido reutilizado con frecuencia durante la reconstrucción gótica de las iglesias. El vidrio inglés más antiguo del que se tiene data, un panel de la catedral de York que representa un árbol de Jesé, probablemente anterior a 1154, ejemplifica esta práctica de reciclaje.
- Lista de artistas románicos
- Notas
Notas
Referencias
- Ensayo sobre la cronología del Museo Metropolitano
- Corpus de escultura románica en Gran Bretaña e Irlanda
- Círculo Románico: Arte visigodo, mozárabe y románico en toda Europa
- Grupo de Escultura Románica en Flickr