Baroque

Le baroque, un mouvement artistique occidental important, englobe l'architecture, la musique, la danse, la peinture, la sculpture, la poésie et diverses autres formes d'art, florissant du début du XVIIe siècle jusqu'aux années 1750. Sa prononciation est UK : bə-ROK, US : bə-ROHK et en français : [baʁɔk]. Ce style a émergé après l'art de la Renaissance et le maniérisme, précédant à la fois l'esthétique rococo (historiquement appelée « baroque tardif ») et néoclassique. L'Église catholique a activement promu l'art baroque comme stratégie pour contrecarrer la simplicité et l'austérité perçues des expressions artistiques protestantes ; cependant, l'art baroque luthérien a également évolué dans certaines régions européennes.

Le Baroque (Royaume-Uni : bə-ROK, États-Unis : bə-ROHK, Français : [baʁɔk]) est un style occidental d'architecture, de musique, de danse, de peinture, de sculpture, de poésie et d'autres arts qui a prospéré du début du XVIIe siècle jusqu'aux années 1750. Il a suivi l'art de la Renaissance et le maniérisme et a précédé les styles rococo (dans le passé souvent appelé « baroque tardif ») et néoclassique. Il a été encouragé par l'Église catholique comme moyen de contrer la simplicité et l'austérité de l'architecture, de l'art et de la musique protestants, bien que l'art baroque luthérien se soit également développé dans certaines parties de l'Europe.

Caractérisé par son utilisation du contraste, du mouvement dynamique, des détails somptueux, des colorations riches, de la grandeur monumentale et des éléments inattendus, le style baroque visait à susciter une profonde admiration. Originaire de Rome à l'aube du XVIIe siècle, le style s'est rapidement répandu dans toute l'Italie, la France, l'Espagne et le Portugal, atteignant ensuite l'Autriche, le sud de l'Allemagne, la Pologne et la Russie. Dans les années 1730, il s'était développé vers une esthétique encore plus ornée, connue sous le nom de rocaille ou Rococo, qui prévalait en France et en Europe centrale jusqu'au milieu et à la fin du XVIIIe siècle. Au sein des empires espagnol et portugais, y compris dans la péninsule ibérique, le style baroque a persisté, parallèlement à l'émergence de nouveaux styles, jusqu'au début du XIXe siècle.

Au sein des arts décoratifs, le style baroque se distingue par son ornementation abondante et élaborée. Même si la divergence avec le classicisme de la Renaissance s’est manifestée de manière unique dans différentes nations, une caractéristique constante était l’utilisation fondamentale d’éléments ornementaux établis au cours de la Renaissance. Le répertoire classique est devenu très encombré, dense, superposé et lourdement chargé, conçu pour créer un impact visuel saisissant. Les nouveaux motifs introduits par l'époque baroque incluent le cartouche, les trophées et les armes, les paniers de fruits ou de fleurs, ainsi que d'autres éléments exécutés en marqueterie, en stuc ou en sculpture.

Origines étymologiques

Le terme anglais baroque est directement dérivé du français. Certains chercheurs proposent que le mot français provienne du terme portugais barroco, signifiant « une perle imparfaite », potentiellement lié au latin verruca (« verrue ») ou à un mot incorporant le suffixe roman -ǒccu (répandu dans la péninsule ibérique pré-romaine). À l'inverse, d'autres perspectives scientifiques identifient un terme logique latin médiéval, baroco, comme la source étymologique la plus probable.

Au XVIe siècle, le terme latin médiéval baroco a transcendé son application originale dans la logique scolastique, devenant employé pour décrire tout ce qui est perçu comme excessivement complexe. Le philosophe français Michel de Montaigne (1533-1592) a notamment contribué au terme baroco (qu'il a rendu par Barroco) acquérant la connotation de « bizarre » ou de « inutilement compliqué ». Des références anciennes supplémentaires associent le baroco à des concepts tels que la magie, la complexité, le désordre et l'extravagance.

Avant le XVIIIe siècle, le terme baroque était également lié aux perles de forme irrégulière. Le baroque et le barroco étaient fréquemment utilisés dans le contexte des bijoux. Par exemple, un inventaire de 1531 des trésors de Charles V de France utilisait le terme pour caractériser les perles. Par la suite, le mot est apparu dans une édition de 1694 du Le Dictionnaire de l'Académie Française, définissant le baroque comme "exclusivement employé pour les perles imparfaitement rondes". De même, un dictionnaire portugais de 1728 caractérisait le barroco comme appartenant à une "perle grossière et inégale".

Une hypothèse étymologique alternative pour le mot baroque suggère son origine dans le nom du peintre italien Federico Barocci (1528-1612).

Au cours de la Au XVIIIe siècle, le terme commence à être appliqué à la musique, dans un premier temps avec des connotations péjoratives. Revue satirique anonyme de la première d'octobre 1733 de Jean-Philippe Rameau Hippolyte et Aricie, publiée dans le Mercure de France en mai 1734, a présenté un critique qui a décrit la nouveauté de l'opéra comme "du baroque". La critique affirmait que la musique manquait de cohérence mélodique, était remplie de dissonances, présentait de fréquents changements de tonalité et de mesure et employait rapidement toutes les techniques de composition disponibles.

En 1762, le Le Dictionnaire de l'Académie française a documenté que le terme pouvait désigner au sens figuré quelque chose d'« irrégulier, bizarre ou inégal ».

Jean-Jacques Rousseau, philosophe, musicien et compositeur, a expliqué dans l'Encyclopédie en 1768 que "La musique baroque se caractérise par une harmonie confuse, des modulations abondantes et des dissonances. Son débit vocal est dur et artificiel, l'intonation présente des difficultés et le mouvement est contraint. Ce terme semble provenir de "baroco", un mot employé par logiciens."

En 1788, le Quatremère de Quincy a fourni une définition du terme dans l'Encyclopédie Méthodique, le décrivant comme "un style architectural caractérisé par une ornementation étendue et une esthétique tourmentée."

Les Français les expressions style baroque et musique baroque ont été documentées dans le Le Dictionnaire de l'Académie française en 1835. Au milieu du XIXe siècle, les critiques d'art et les historiens avaient s'est approprié le terme baroque pour dénigrer l'art post-Renaissance. Cette connotation péjorative était évidente dans son utilisation par l'éminent historien de l'art Jacob Burckhardt en 1855, qui affirmait que les artistes baroques « méprisaient et abusaient des détails » en raison de leur absence perçue de « respect de la tradition ».

En 1888, l'historien de l'art Heinrich Wölfflin a publié le premier traité académique important sur ce style, intitulé Renaissance und Barock. Cette œuvre a élucidé les distinctions entre la peinture, la sculpture et l'architecture des périodes de la Renaissance et du baroque.

Architecture : origines et caractéristiques

Le style architectural connu sous le nom de baroque est né des doctrines établies par l'Église catholique lors du Concile de Trente (1545-1563), convoqué en réponse à la Réforme protestante. Initialement, la première phase de la Contre-Réforme imposait une approche rigoureuse et académique de l'architecture religieuse, qui trouva un écho auprès des intellectuels mais ne parvint pas à impliquer la congrégation au sens large. Par conséquent, le Concile de Trente a choisi de cibler une population plus large, en décrétant que les expressions artistiques doivent véhiculer des récits religieux ayant une résonance immédiate et émotionnelle. Parallèlement, l'art baroque luthérien a évolué en tant qu'identifiant confessionnel distinct, en réaction au Grand Iconoclasme perpétré par les calvinistes.

Les structures ecclésiastiques baroques comportaient de vastes nefs centrales, plaçant les fidèles à proximité de l'autel, sous un haut dôme ou une coupole qui laissait entrer suffisamment de lumière dans le sanctuaire. Le dôme constituait un élément symbolique central de l’architecture baroque, signifiant la convergence des royaumes céleste et terrestre. L'intérieur de la coupole était somptueusement orné de représentations d'anges et de saints, ainsi que de statuettes d'anges en stuc, créant ainsi l'illusion pour les observateurs situés en dessous de regarder directement le ciel. Une autre caractéristique des églises baroques est l'inclusion de quadratura : des peintures de plafond en trompe-l'œil, souvent placées dans des cadres en stuc réel ou peint, densément peuplées d'images de saints et d'anges, et intégrées à des éléments architecturaux tels que des balustrades et des consoles. Les compositions de Quadratura représentant des Atlantes placées sous les corniches donnaient l'impression de soutenir le plafond de l'église. Contrairement aux plafonds de la chapelle Sixtine de Michel-Ange, qui présentaient des scènes discrètes, chacune avec sa perspective individuelle destinée à une visualisation séquentielle, les peintures des plafonds baroques ont été méticuleusement réalisées pour garantir que le spectateur sur le sol de l'église percevait l'ensemble du plafond avec une perspective précise, comme si les personnages représentés possédaient une réalité tangible.

Au cours de la période du haut baroque, les intérieurs des églises baroques ont progressivement augmenté en ornementation, se concentrant principalement sur l'autel, généralement situé sous le dôme. Parmi les réalisations décoratives les plus renommées du haut baroque figurent la Chaire de Saint-Pierre (1647-1653) et le Baldaquin de Saint-Pierre (1623-1634), deux créations de Gian Lorenzo Bernini, situées dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Le baldaquin de Saint-Pierre illustre l'équilibre des contrastes de l'esthétique baroque : son échelle colossale est juxtaposée à la légèreté perçue de la verrière, et les colonnes robustes et torsadées en bronze, or et marbre s'opposent aux draperies fluides des anges ornant la verrière. La Frauenkirche de Dresde est un exemple remarquable de l'art baroque luthérien, achevée en 1743 sous le patronage du conseil municipal luthérien de Dresde, et a été « comparée par les observateurs du XVIIIe siècle à Saint-Pierre de Rome ».

La colonne torsadée, fréquemment incorporée dans les intérieurs d'églises, représente une caractéristique distinctive du style baroque. Cet élément architectural confère à la fois une sensation dynamique de mouvement et une méthode innovante et dramatique de réflexion de la lumière.

Les cartouches constituaient un élément distinctif de l'ornementation baroque. Ces plaques substantielles, généralement sculptées dans du marbre ou de la pierre, étaient souvent ovales avec une surface convexe. Ils comportaient des images ou des textes dorés et étaient stratégiquement positionnés comme décoration intérieure ou au-dessus des entrées des bâtiments, transmettant des messages aux observateurs. Présentant une diversité artistique considérable, les cartouches sont apparus dans un large éventail de structures, allant des grandes cathédrales et palais aux modestes chapelles.

Les architectes baroques utilisaient parfois la perspective forcée pour générer des illusions d'optique. Un exemple notable est la conception de Francesco Borromini pour le Palazzo Spada à Rome, où il a utilisé des colonnes de plus en plus petites, un sol convergent et une statue de jardin miniature pour créer la perception d'un passage de trente mètres de long, bien que sa longueur réelle ne soit que de sept mètres. Ainsi, une statue placée au terminus du passage, mesurant à peine soixante centimètres de hauteur, apparaît grandeur nature. Borromini a développé cette illusion en collaboration avec un mathématicien.

Baroque italien

L'église du Gesù, achevée à Rome en 1584, présentait la première façade baroque de la ville. Bien que modeste par rapport aux conceptions baroques ultérieures, elle représentait un changement significatif par rapport aux styles architecturaux de la Renaissance précédents. L'intérieur de l'église a conservé une esthétique sévère jusqu'à la période du haut baroque, lorsqu'il a subi une ornementation vaste et opulente.

En 1605, Paul V a lancé une tendance papale à Rome, en commandant de nombreuses basiliques et structures ecclésiastiques destinées à évoquer une émotion et un respect profonds à travers une abondance de formes, de couleurs vibrantes et d'effets théâtraux. Les principaux monuments du début du baroque comprenaient la façade de la basilique Saint-Pierre (1606-1619) ainsi que la nef et la loggia nouvellement construites, qui intégraient la façade au dôme préexistant de Michel-Ange. Cette conception innovante a établi une juxtaposition saisissante entre le dôme surélevé et la vaste façade, encore accentuée par le contraste entre les colonnes doriques et le portique substantiel de la façade elle-même.

Le style baroque a atteint son apogée entre le milieu et la fin du XVIIe siècle, période désignée par la suite comme le haut baroque. Les papes Urbain VIII et Alexandre VII commandèrent de nombreux projets monumentaux à cette époque. Gian Lorenzo Bernini, un éminent sculpteur et architecte, a conçu une nouvelle quadruple colonnade encerclant la place Saint-Pierre (1656-1667). Les trois galeries à colonnes, disposées dans une vaste ellipse, contrepointent visuellement l'immense dôme, conférant à l'église et à la place un sentiment de cohésion et la grandeur d'un théâtre colossal.

Francesco Borromini est devenu un autre innovateur majeur du haut baroque italien, avec son œuvre phare étant l'église de San Carlo alle Quattro Fontane (Saint Charles des Quatre Fontaines) (1634-1646). La qualité dynamique de cette structure ne vient pas de son ornementation, mais de l'ondulation inhérente de ses murs et du jeu de formes concaves et convexes, notamment une tour ovale et un balcon intégrés dans une section concave. L'intérieur s'est avéré tout aussi révolutionnaire, avec un espace principal ovale surmonté d'un dôme ovale.

Les plafonds richement peints, densément peuplés d'anges, de saints et d'illusions architecturales en trompe-l'œil, constituaient une caractéristique importante du haut baroque italien. Des exemples marquants incluent L'Entrée de saint Ignace au paradis (1685-1695) dans l'église Sant'Ignazio de Rome, et Le Triomphe du nom de Jésus de Giovanni Battista Gaulli (1669-1683) dans l'église du Gesù, à Rome, qui représentait notamment des personnages semblant s'étendre au-delà du cadre, aux côtés d'un éclairage oblique spectaculaire et d'un clair-obscur austère. contrastes.

Le style baroque s'est rapidement diffusé depuis Rome dans d'autres régions italiennes. À Venise, cela s'est manifesté dans Santa Maria della Salute de Baldassare Longhena (1631-1687), une structure octogonale exceptionnellement innovante surmontée d'une coupole colossale. Turin a également adopté ce style, notamment dans la chapelle du Saint-Suaire de Guarino Guarini (1668-1694). De plus, l’esthétique baroque a commencé à influencer l’architecture des palais ; Guarini a conçu le Palazzo Carignano à Turin, tandis que Longhena a conçu la Ca' Rezzonico sur le Grand Canal (1657), que Giorgio Massari a achevé plus tard et ornée de peintures de Giovanni Battista Tiepolo. À la suite d'une série de tremblements de terre dévastateurs en Sicile, de nombreuses structures ont dû être reconstruites, plusieurs d'entre elles étant reconstruites dans les styles opulents du baroque tardif ou du rococo.

Baroque espagnol

L'Église catholique d'Espagne, en particulier l'ordre des Jésuites, a été le principal moteur de l'architecture baroque espagnole. La chapelle San Isidro de Madrid, initiée en 1643 par Pedro de la Torre, constitue la première œuvre significative de ce style. Il présentait un contraste saisissant entre une ornementation extérieure exceptionnellement riche et un intérieur caractérisé par la simplicité, des espaces segmentés et des effets d'éclairage stratégiques conçus pour évoquer un sentiment de mystère. La cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle a subi une modernisation baroque à partir de la fin du XVIIe siècle, en commençant par un clocher élaboré (1680). Elle fut ensuite flanquée de deux tours encore plus hautes et plus ornées, connues sous le nom de Obradorio, construites entre 1738 et 1750 par Fernando de Casas Novoa. Un autre exemple marquant du baroque espagnol est la tour de la chapelle du palais de San Telmo à Séville, conçue par Léonard de Figueroa.

Grenade, après avoir été reconquise aux Maures au XVe siècle, a développé sa propre variante distinctive de l'architecture baroque. L'artiste Alonso Cano, peintre, sculpteur et architecte compétent, fut responsable de la conception de l'intérieur baroque de la cathédrale de Grenade entre 1652 et sa disparition en 1657. Cet intérieur se distingue par son jeu dramatique de colonnes blanches massives et d'ornements opulents en or.

La forme la plus élaborée et la plus somptueusement décorée de l'architecture baroque espagnole est appelée le style Churrigueresque, du nom des frères Churriguera, dont les principales œuvres ont été exécutées en Salamanque et Madrid. Leurs contributions incluent les édifices entourant la place principale de Salamanque, la Plaza Mayor (1729). Ce style baroque très ornemental a exercé une influence considérable sur de nombreuses églises et cathédrales érigées par les Espagnols dans les Amériques.

D'autres architectes baroques espagnols distingués de la période tardive incluent Pedro de Ribera, un disciple de Churriguera, qui a conçu le Real Hospicio de San Fernando à Madrid. Narciso Tomé est également célèbre pour la création du célèbre retable El Transparente de la cathédrale de Tolède (1729-1732), qui, dans des conditions d'éclairage spécifiques, génère l'illusion d'un mouvement ascendant.

L'impact des architectes baroques espagnols s'est étendu bien au-delà de l'Espagne, influençant profondément la conception des églises construites dans les colonies espagnoles en Amérique latine et aux Philippines. L'église construite par les Jésuites pour le Collège de San Francisco Javier à Tepotzotlán en est une excellente illustration. Elle se distingue par sa façade et sa tour baroques ornées.

Baroque néerlandais

L'architecture baroque néerlandaise représente une interprétation unique et discrète du style baroque plus large, profondément façonné par l'environnement culturel, religieux et politique de la République néerlandaise au XVIIe siècle. Contrairement à l’architecture baroque exubérante et théâtrale qui prévaut dans les régions catholiques comme l’Italie et l’Espagne, la manifestation néerlandaise a donné la priorité à la sobriété, à l’équilibre et à la clarté. Cette modération reflétait les valeurs protestantes de la République et l'éthos pragmatique d'une société marchande prospère qui accordait autant d'importance à la fonctionnalité qu'à la forme esthétique.

Plutôt que d'employer des courbes dramatiques et une ornementation somptueuse, l'architecture baroque hollandaise se caractérise par la symétrie, le respect des proportions classiques et une application judicieuse des éléments décoratifs. Influencées par le classicisme de la Renaissance et les œuvres d'architectes comme Jacob van Campen et Pieter Post, les structures présentent fréquemment des façades ordonnées, des pilastres, des frontons et des embellissements mesurés avec précision. La brique était le matériau de construction prédominant, souvent complétée par des accents de pierre naturelle, renforçant ainsi à la fois la durabilité structurelle et la retenue visuelle. Les bâtiments municipaux, les hôtels de ville et les résidences privées illustrent ce style, le Palais royal d'Amsterdam étant l'un de ses monuments les plus emblématiques.

En fin de compte, l'architecture baroque néerlandaise incarne une expression nationale distincte de l'esprit baroque, qui donne la priorité à la dignité plutôt qu'à la théâtralité et à l'harmonie plutôt qu'à l'extravagance. Il illustre comment un mouvement artistique international pourrait être adapté aux traditions et valeurs locales, aboutissant à un style à la fois sans équivoque baroque et typiquement néerlandais.

Europe centrale

Entre 1680 et 1750, l'Europe centrale, englobant l'Autriche, la Bohême et le sud-ouest de la Pologne, a vu la construction de nombreuses cathédrales, abbayes et églises de pèlerinage très ornées. Certaines de ces structures ont adopté le style rococo, une esthétique distincte, plus flamboyante et asymétrique qui a émergé du baroque et l'a ensuite remplacé en Europe centrale au cours de la première moitié du XVIIIe siècle, avant d'être remplacée par le classicisme.

Les dirigeants des nombreux États de cette région ont également favorisé les styles baroque ou rococo pour leurs palais et résidences, engageant fréquemment des architectes formés en Italie pour leur construction.

L'église Saint-Nicolas (Malá Strana) de Prague, construite entre 1704 et 1755 par Christoph Dientzenhofer et son fils Kilian Ignaz Dientzenhofer, illustre ce style. Ses murs intérieurs sont largement ornés. L'autel, situé dans la nef sous le dôme central, est entouré de chapelles, avec une illumination descendant à la fois du dôme et des chapelles environnantes. Cet autel est encadré par un agencement complexe d'arcs, de colonnes, de balustrades incurvées et de pilastres fabriqués à partir de pierre colorée, le tout richement orné de statues. Cette conception complexe brouille intentionnellement la distinction entre les éléments structurels et les éléments décoratifs, transformant l'espace architectural en un spectacle dynamique de lumière, de couleur et de mouvement.

En Pologne, la période baroque polonaise d'influence italienne s'est étendue du début du XVIIe au milieu du XVIIIe siècle, caractérisée par l'accent mis sur les détails élaborés et les colorations vibrantes. L'église des Saints Pierre et Paul de Cracovie, conçue par Giovanni Battista Trevano, est considérée comme le premier édifice baroque de la Pologne contemporaine et reste très reconnaissable. Érigée en 1644, la colonne de Sigismond à Varsovie est le premier monument baroque laïque au monde en forme de colonne. Le style résidentiel somptueux a trouvé son incarnation dans le palais de Wilanów, construit entre 1677 et 1696. L'architecte baroque le plus important actif en Pologne était le Néerlandais Tylman van Gameren, dont les contributions importantes incluent l'église Saint-Kazimierz et le palais Krasiński de Varsovie, l'église Sainte-Anne de Cracovie et le palais Branicki à Białystok. Néanmoins, l'église Fara de Poznań, ornée de détails de Pompeo Ferrari, est souvent considérée comme l'exemple le plus célèbre du baroque polonais. Après la guerre de Trente Ans et conformément à la paix de Westphalie, deux structures baroques distinctes en torchis et en torchis ont été érigées : l'église de la Paix à Jawor et l'église de la Paix de la Sainte Trinité à Świdnica, qui représentent collectivement les plus grands temples baroques en bois d'Europe.

L'architecture baroque en Allemagne

Au sein du Saint-Empire romain germanique, de nombreux États sur le territoire de l'Allemagne actuelle ont cherché à affirmer leur prestige à travers de magnifiques constructions baroques. Parmi les architectes éminents de cette époque figuraient Johann Bernhard Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt et Dominikus Zimmermann en Bavière, Balthasar Neumann à Brühl et Matthäus Daniel Pöppelmann à Dresde. En Prusse, Frédéric II s'est inspiré du Grand Trianon du château de Versailles et l'a adopté comme précédent architectural pour sa résidence d'été, Sanssouci, à Potsdam, conçue par Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Un autre exemple significatif de l'architecture palatiale baroque est le Zwinger de Dresde, qui servait d'ancienne orangerie pour le palais des électeurs de Saxe au XVIIIe siècle.

La Basilique Vierzehnheiligen, également connue sous le nom de Basilique des Quatorze Saints Auxiliaires, est une illustration parfaite de l'architecture ecclésiastique rococo. Cette église de pèlerinage est située près de Bad Staffelstein, près de Bamberg, en Bavière, dans le sud de l'Allemagne. Conçu par Balthasar Neumann et construit entre 1743 et 1772, son plan présente une séquence de cercles imbriqués entourant un ovale central, l'autel étant positionné avec précision au cœur de l'église. L'ornementation intérieure de cette basilique représente l'apogée de l'art décoratif rococo. Un autre exemple significatif de ce style est l'église de pèlerinage de Wies (allemand : Wieskirche), conçue par les frères J. B. et Dominikus Zimmermann. Située au pied des Alpes, dans la commune de Steingaden, dans le district de Weilheim-Schongau en Bavière, sa construction a eu lieu entre 1745 et 1754. L'intérieur était orné de fresques et de stucs, adhérant à la tradition de l'école de Wessobrunner. Ce site est désormais reconnu comme site du patrimoine mondial de l'UNESCO.

Architecture baroque française

L'architecture baroque française a évolué distinctement des manifestations baroques régionales plus ornées et spectaculaires que l'on trouve en Italie, en Espagne et dans d'autres régions d'Europe. Caractérisé par une esthétique relativement sévère, détachée et sobre, il préfigurait le néoclassicisme et les principes architecturaux des Lumières. Contrairement aux structures italiennes, les édifices baroques français manquent notamment de frontons brisés ou de façades curvilignes. Même les constructions religieuses évitaient le dynamisme spatial intense caractéristique de l'œuvre de Borromini. Ce style est intimement lié aux projets commandés par Louis XIV (règne de 1643 à 1715), ce qui lui vaut la désignation alternative de style Louis XIV. Bien que Louis XIV ait invité le maître baroque Le Bernin à proposer un projet pour la nouvelle aile est du Louvre, le monarque a finalement privilégié un projet plus classique présenté par Claude Perrault et Louis Le Vau.

Parmi les architectes éminents de ce style figuraient François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (responsable de l'église du Val-de-Grâce, 1645-1665) et Louis Le Vau (concepteur de Vaux-le-Vicomte, 1657-1661). Mansart fut le premier architecte à intégrer des éléments baroques dans le vocabulaire architectural français, notamment par l'application fréquente d'un ordre appliqué et d'une forte rustication. Bien qu'il n'ait pas inventé le toit mansardé, son utilisation généralisée par Mansart a conduit à son association avec son nom.

Une entreprise royale importante de cette période fut l'agrandissement du château de Versailles, initié en 1661 par Le Vau, avec une décoration intérieure supervisée par le peintre Charles Le Brun. André Le Nôtre a méticuleusement conçu les jardins pour compléter et rehausser la grandeur architecturale. L'élément central, la Galerie des Glaces, ornée des peintures de Le Brun, a été construite entre 1678 et 1686. Mansart a achevé le Grand Trianon en 1687 et la chapelle, conçue par Robert de Cotte, a été achevée en 1710. Après la mort de Louis XIV, Louis XV a commandé le Petit Trianon, plus intime, et un théâtre élaboré. Les fontaines du jardin étaient stratégiquement placées pour offrir des vues spectaculaires depuis l’intérieur du palais. Versailles a servi de modèle à d'autres monarques européens, notamment Pierre le Grand de Russie, qui, après une visite au début du règne de Louis XV, a construit un domaine similaire, le palais de Peterhof, près de Saint-Pétersbourg de 1705 à 1725.

Baroque portugais

L'architecture baroque au Portugal s'est étendue sur environ deux siècles, couvrant la fin du XVIIe siècle et tout le XVIIIe siècle. Sous les règnes de Jean V et de Joseph Ier, période caractérisée par l'absolutisme royal, l'augmentation des importations d'or et de diamants a fourni les ressources financières nécessaires à l'épanouissement du baroque portugais.

L'architecture baroque portugaise se distingue par son contexte historique unique et un développement chronologique distinct par rapport aux autres manifestations européennes.

Cette particularité est façonnée par une confluence de facteurs politiques, artistiques et économiques, qui ont généré plusieurs phases et intégré diverses influences externes. Le mélange unique qui en résulte est souvent mal interprété par les observateurs à la recherche de parallèles avec le baroque italien, car il présente des formes et des caractéristiques spécifiques qui définissent son identité typiquement portugaise. Un élément important est la tradition architecturale jésuitique, également connue sous le nom de « style simple » (Estilo Chão ou Estilo Plano), qui, comme son nom l'indique, se caractérise par son esthétique plus simple et quelque peu austère.

Ces structures comportent généralement des basiliques à une seule pièce, une chapelle principale profonde et des chapelles latérales équipées de petites portes communicantes. Initialement dépourvues d'ornementation intérieure et extérieure, elles présentent un simple portail et des fenêtres. Cette conception pratique a facilité la construction à grande échelle dans tout l'empire avec des modifications minimes, permettant une décoration ultérieure à mesure que les ressources économiques devenaient disponibles.

En effet, la phase initiale du baroque portugais ne souffrait pas d'une rareté de structures, car le « style simple » se prêtait facilement à la transformation. Grâce à l'application d'éléments décoratifs tels que la peinture et le carrelage, ces espaces sans fioritures pourraient être transformés en environnements baroques élaborés et opulents, un principe également applicable aux extérieurs. Cette adaptabilité inhérente a permis une personnalisation facile à l'évolution des goûts et des préférences régionales, facilitant l'ajout de nouvelles caractéristiques et détails, se révélant ainsi à la fois pratique et économique.

Bénéficiant d'une population accrue et d'une prospérité économique accrue, les régions du nord, en particulier Porto et Braga, ont connu une résurgence architecturale significative. Ce renouveau est évident dans la construction massive d'églises, de couvents et de palais aristocratiques.

Porto est reconnu comme un centre charnière de l'architecture baroque au Portugal, avec son noyau historique désigné comme site du patrimoine mondial de l'UNESCO.

De nombreuses structures baroques dans le quartier historique de Porto et ses environs sont attribuées à Nicolau Nasoni, un architecte italien résidant au Portugal. Nasoni a conçu des bâtiments distinctifs avec des emplacements scénographiques spectaculaires, notamment l'église et la tour des Clérigos, la loggia de la cathédrale de Porto, l'église de la Misericórdia, le palais de São João Novo, le palais de Freixo et le palais épiscopal (portugais : Paço Episcopal do Porto), entre autres.

Baroque russe

L'émergence du baroque russe, également connu sous le nom de baroque pétrinien, a été directement influencée par les vastes travaux de Pierre le Grand. À son retour en Russie, il résolut d'ériger des édifices comparables à Saint-Pétersbourg, qui fut désignée nouvelle capitale russe en 1712. Les premiers exemples marquants de l'architecture baroque pétrinien comprennent la cathédrale Pierre-et-Paul et le palais Menchikov.

Sous les règnes d'Anne et d'Élisabeth, l'architecture russe était principalement façonnée par le style baroque opulent de Francesco Bartolomeo Rastrelli, d'origine italienne, qui a ensuite évolué vers le baroque élisabéthain. Les réalisations architecturales remarquables de Rastrelli comprennent le Palais d'Hiver, le Palais Catherine et la Cathédrale Smolny. D'autres exemples remarquables du baroque élisabéthain incluent le clocher de la Laure Troitse-Sergiyeva et la Porte Rouge.

À Moscou, le style baroque Narychkine a pris une grande importance, en particulier dans la conception des églises orthodoxes orientales à la fin du XVIIe siècle. Ce style distinctif représentait une synthèse de l'esthétique baroque d'Europe occidentale avec des éléments architecturaux populaires russes traditionnels.

L'architecture baroque dans les Amériques coloniales espagnole et portugaise

La colonisation des Amériques par les puissances européennes a facilité la transmission naturelle du style baroque au Nouveau Monde, où il a trouvé un terrain particulièrement fertile dans les régions sous domination espagnole et portugaise. Les deux nations étaient des monarchies centralisées, résolument catholiques, intrinsèquement alignées sur Rome et partisans de la Contre-Réforme baroque. Les artistes européens ont émigré vers les Amériques, créant des écoles artistiques et, parallèlement à la présence massive de missionnaires catholiques qualifiés, ils ont favorisé une expression baroque diversifiée, souvent influencée par les goûts populaires. Les Criollo et les artisans indigènes ont largement contribué à donner à ce baroque américain des caractéristiques uniques. Les principaux centres durables du développement du baroque américain comprennent, dans l'ordre, le Mexique, le Pérou, le Brésil, Cuba, l'Équateur, la Colombie, la Bolivie, le Guatemala, le Nicaragua, Porto Rico et Panama.

Le « baroque missionnaire », qui a émergé au sein des réductions espagnoles – des colonies indigènes organisées par des missionnaires catholiques espagnols – sur une vaste zone s'étendant du Mexique et du sud-ouest des États-Unis à l'Argentine et au Chili est particulièrement important. Ces réductions visaient à convertir les populations autochtones au christianisme et à les intégrer à la culture occidentale, aboutissant à un style baroque hybride influencé par les traditions autochtones. Cet environnement a favorisé les talents de nombreux artisans et musiciens criollos et indigènes, dont certains étaient alphabétisés et possédaient des compétences considérables. Les récits missionnaires décrivent fréquemment l’impact profond, presque hypnotique, de l’art occidental, en particulier de la musique, sur les habitants des forêts, et les images des saints étaient souvent perçues comme possédant un grand pouvoir. De nombreux indigènes se sont convertis, conduisant au développement d'une nouvelle forme de dévotion intensément passionnée caractérisée par le mysticisme, la superstition et la théâtralité, qui se manifeste par des messes festives élaborées, des concerts sacrés et des mystères religieux.

L'architecture baroque coloniale de l'Amérique espagnole se distingue par son ornementation abondante, illustrée par le portail de l'église de La Profesa à Mexico et ses façades ornées d'azulejos de style Puebla, comme on le voit dans l'église. de San Francisco Acatepec à San Andrés Cholula et l'église couvent de San Francisco à Puebla. Cette exubérance décorative s'est intensifiée dans le style Churrigueresque, évident dans la façade du Tabernacle de la cathédrale métropolitaine de Mexico par Lorenzo Rodríguez, l'église de San Francisco Javier à Tepotzotlán et l'église de Santa Prisca de Taxco. Au Pérou, les constructions se sont développées principalement à Lima, Cusco, Arequipa et Trujillo à partir de 1650, présentant des caractéristiques originales antérieures au baroque européen, comme l'utilisation de murs rembourrés et de colonnes salomoniennes, comme on l'observe dans l'église de la Compañía de Jesús à Cusco et dans la basilique et le couvent de San Francisco à Lima. D'autres exemples notables dans la région comprennent la cathédrale métropolitaine de Sucre en Bolivie, la cathédrale-basilique d'Esquipulas au Guatemala, la cathédrale de Tegucigalpa au Honduras, la cathédrale de León au Nicaragua, l'église de la Compañía de Jesús à Quito, en Équateur, l'église de San Ignacio à Bogota, en Colombie, la cathédrale de Caracas au Venezuela, le Cabildo de Buenos Aires en Argentine, l'église de Santo Domingo à Santiago, au Chili, et la cathédrale de La Havane à Cuba. La qualité exceptionnelle des églises au sein des missions jésuites espagnoles en Bolivie, des missions jésuites espagnoles au Paraguay, des missions espagnoles au Mexique et des missions franciscaines espagnoles en Californie mérite également d'être reconnue.

Le style architectural du Brésil, à l'image de celui de sa puissance métropolitaine, le Portugal, présente une influence italienne distincte, souvent caractérisée par des éléments borrominesques. Des exemples notables incluent la co-cathédrale de Recife (1784) et l'église de Nossa Senhora da Glória do Outeiro à Rio de Janeiro (1739). Dans la région du Minas Gerais, les contributions architecturales de l'Aleijadinho sont particulièrement significatives, englobant une série d'églises se distinguant par leurs dispositions courbes, leurs façades présentant des effets concaves-convexes dynamiques et une approche sculpturale de tous les composants architecturaux (par exemple, l'église de São Francisco de Assis, Ouro Preto, 1765-1788).

L'architecture baroque en Asie coloniale espagnole et portugaise

Dans les colonies portugaises en Inde, en particulier Goa, Daman et Diu, un style architectural distinctif a émergé, mêlant des formes baroques à des éléments hindous indigènes. Des exemples marquants incluent la cathédrale de Sé et la basilique de Bom Jesus à Goa, cette dernière étant le lieu de repos de saint François Xavier. L'ensemble collectif d'églises et de couvents de Goa a été classé au patrimoine mondial de l'UNESCO en 1986.

Les Philippines, colonie espagnole depuis plus de trois siècles, conservent de nombreuses structures baroques. Quatre d'entre elles, aux côtés de la ville baroque et néoclassique de Vigan, sont reconnues comme sites du patrimoine mondial de l'UNESCO. De plus, bien qu'elles manquent de classification formelle, la ville fortifiée de Manille et la ville de Tayabas présentent une collection substantielle d'architecture de l'époque baroque espagnole.

Influences baroques en Valachie et en Moldavie

Le baroque, originaire d'Italie, est fondamentalement un style artistique occidental. Ses influences se sont étendues à l'Europe de l'Est, en particulier à la Moldavie et à la Valachie dans la péninsule balkanique, principalement grâce aux échanges commerciaux et culturels italiens. Ces influences, cependant, étaient généralement modérées, se manifestant principalement dans l'architecture et l'ornementation en pierre sculptée, et étaient fréquemment intégrées à des éléments dérivés de l'art byzantin et islamique.

Avant et après l'effondrement de l'Empire byzantin, la production artistique de la Valachie et de la Moldavie était principalement façonnée par les influences de Constantinople. Jusqu'à la fin du XVIe siècle, les plans des églises et des monastères, les peintures murales et les ornements en pierre sculptée conservaient en grande partie leurs formes traditionnelles avec des modifications minimes. Cependant, une période de transformation commença avec les règnes de Matei Basarab (1632-1654) et de Vasile Lupu (1634-1653), coïncidant avec la popularité croissante du baroque italien. À cette époque, de nouveaux éléments ornementaux furent incorporés et le style du mobilier religieux évolua considérablement. Ce changement n’était pas une coïncidence ; les principes et motifs décoratifs ont été introduits d'Italie, via Venise ou les régions dalmates, puis adoptés par les architectes et artisans locaux. Des éléments tels que les encadrements de fenêtres et de portes, la pisanie dédicatoire, les pierres tombales, les colonnes, les balustrades et certains meubles en bronze, en argent ou en bois acquièrent un rôle esthétique plus important qu'auparavant. Si ces éléments existaient dans la tradition byzantine, ils adoptaient désormais une apparence plus réaliste, comportant souvent de délicats motifs floraux. Le travail en relief, également préexistant, est devenu plus prononcé, présentant plus de volume et de cohérence. Auparavant, les reliefs de Valachie et de Moldavie, semblables à ceux de l'Est plus large, ne comprenaient généralement que deux niveaux peu profonds : un en surface et un autre légèrement en retrait. De grands motifs floraux, potentiellement des roses, des pivoines ou des chardons, ainsi que d'épaisses feuilles d'acanthe ou similaires, étaient complexement tordus autour des colonnes ou des portes et fenêtres encadrées. Les colonnes et les balustrades, en particulier, témoignent d'une forte influence baroque. Les chapiteaux sont devenus plus élaborés ornés de feuillages. Les colonnes comportaient souvent des tiges torsadées, représentant une interprétation localisée de la colonne salomonienne. Entre ces colonnes, des garde-corps maximalistes, souvent ornés de rinceaux, ont été installés. Certains exemples du palais Mogoșoaia intègrent également des motifs de dauphins. Des cartouches étaient occasionnellement employées, principalement sur des pierres tombales, comme celle de Constantin Brâncoveanu. Ce mouvement architectural et design est désigné sous le nom de style Brâncovenesc, du nom de Constantin Brâncoveanu, un souverain valaque dont le règne (1654-1714) est étroitement associé à son développement. Le style a persisté tout au long du XVIIIe siècle et dans certaines parties du XIXe, avec de nombreuses églises et résidences construites par les boyards et les voïvodes au cours de ces périodes présentant des caractéristiques Brâncovenesc. Malgré de nettes influences baroques, le style Brâncovenesc s'inspire beaucoup plus des traditions indigènes.

Tout au long du XVIIIe siècle, sous le règne des Phanariotes (exercés par d'éminentes familles grecques du Phanar, Istanbul) en Valachie et en Moldavie, des influences baroques émanaient également d'Istanbul. Alors que ces influences étaient déjà apparues au XVIIe siècle, la période phanariote a facilité la transmission de motifs baroques plus occidentaux qui, après avoir atteint l'Empire ottoman, se sont ensuite retrouvés sur les territoires de la Roumanie actuelle. De plus, la Moldavie a reçu des éléments baroques de Russie, une région fortement influencée par les traditions artistiques italiennes.

Peinture

Les peintres baroques se distinguaient consciemment des artistes de la Renaissance et de la période maniériste qui a suivi. Leur palette présentait des teintes intenses et chaudes, avec un accent particulier sur les couleurs primaires – rouge, bleu et jaune – souvent juxtaposées étroitement. Ils ont évité l'éclairage uniforme caractéristique de la peinture de la Renaissance, employant plutôt des contrastes saisissants de clair-obscur pour mettre en valeur les actions ou les personnages centraux. Sur le plan de la composition, ils se sont éloignés des représentations sereines de la Renaissance, optant plutôt pour des moments de mouvement accru et d'intensité dramatique. Contrairement aux visages placides qui prévalaient dans l’art de la Renaissance, les portraits baroques traduisaient avec vivacité des états émotionnels. L'asymétrie était fréquemment utilisée, positionnant l'action décentrée et établissant des axes diagonaux plutôt que verticaux ou horizontaux, conférant ainsi un sentiment d'instabilité et de dynamisme. Cette perception du mouvement était encore amplifiée par la représentation de personnages portant des vêtements balayés par le vent ou des gestes dynamiques. L’effet cumulatif était celui d’un mouvement profond, d’une émotion et d’un drame. L'allégorie constitue un autre aspect fondamental de la peinture baroque ; chaque œuvre transmettait un récit et un message, souvent codés par des symboles et des figures allégoriques, qu'un spectateur averti était censé déchiffrer.

Les premières manifestations des concepts baroques italiens dans la peinture ont émergé à Bologne, où Annibale, Agostino et Ludovico Carracci se sont efforcés de rétablir les arts visuels dans le classicisme structuré de la Renaissance. Néanmoins, leur production artistique intègre également les principes fondamentaux de la Contre-Réforme, notamment une émotion intense et une iconographie religieuse conçue pour résonner avec le sentiment plutôt qu'avec l'intellect pur.

Michelangelo Merisi da Caravaggio est un autre peintre très influent de l'époque baroque. Sa représentation vériste de la forme humaine, rendue directement à partir de modèles vivants et dramatiquement éclairée sur un fond ténébreux, a à la fois étonné ses contemporains et inauguré une nouvelle phase dans l'évolution de la peinture. D'autres artistes éminents étroitement affiliés au style baroque comprennent Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo et Paolo de Matteis en Italie ; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo et Diego Velázquez en Espagne ; Adam Elsheimer en Allemagne ; et Nicolas Poussin, Simon Vouet, Georges de La Tour et Claude Lorrain en France (bien que Poussin et Lorrain aient passé la majorité de leur carrière en Italie). Poussin et de La Tour, cependant, ont adopté une esthétique baroque « classique », caractérisée par une moindre importance accordée à l'émotion et une concentration accrue sur la linéarité des figures plutôt que sur la couleur.

Peter Paul Rubens est devenu le peintre prééminent du style baroque flamand. Les compositions intensément dynamiques de Rubens faisaient fréquemment allusion aux aspects érudits de l'histoire classique et chrétienne. Son style baroque distinctif et largement acclamé mettait en valeur le mouvement, la couleur et la sensualité, s'alignant sur les principes artistiques immédiats et dramatiques prônés par la Contre-Réforme. Rubens s'est spécialisé dans la création de retables, de portraits, de paysages et de peintures historiques présentant des thèmes mythologiques et allégoriques.

Un genre important dans la peinture baroque était la Quadratura, ou trompe-l'œil, une technique qui se traduit littéralement par « tromper l'œil ». Ces œuvres d'art étaient généralement exécutées sur les surfaces en stuc des plafonds, des murs supérieurs et des balustrades, créant l'illusion pour les spectateurs d'en bas de contempler des royaumes célestes peuplés d'anges, de saints et d'autres figures divines, le tout opposé à des cieux simulés et à des fantaisies architecturales.

Dans l'Italie du XVIIe siècle, les artistes collaboraient fréquemment avec des architectes sur des projets de décoration intérieure. Pietro da Cortona illustre cette tendance en employant des techniques de peinture illusionnistes. Ses commandes les plus remarquables comprenaient les fresques du palais Barberini (1633-1639), conçues pour vanter la papauté d'Urbain VIII. Ces compositions de Pietro da Cortona représentaient les fresques décoratives les plus étendues réalisées à Rome depuis le travail de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine.

François Boucher est devenu une figure éminente du style rococo français plus raffiné, qui s'est développé à la fin de l'ère baroque. Au-delà de ses peintures, les contributions artistiques de Boucher englobent la conception de tapisseries, de tapis et de décorations théâtrales. Son œuvre a été saluée par Madame de Pompadour, la maîtresse du roi Louis XV. Les peintures de Boucher explorent fréquemment des thèmes mythologiques, romantiques et subtilement érotiques.

Amériques hispaniques

Dans les Amériques hispaniques, les premières influences artistiques proviennent du ténébrisme sévillan, en particulier de Zurbarán, dont les œuvres sont encore conservées au Mexique et au Pérou. Cette influence est évidente dans les créations des artistes mexicains José Juárez et Sebastián López de Arteaga, ainsi que du Bolivien Melchor Pérez de Holguín. L'école de peinture de Cusco est née suite à l'arrivée en 1583 du peintre italien Bernardo Bitti, qui a introduit le maniérisme dans les Amériques. Parmi les artistes notables de cette école figurent Luis de Riaño, élève de l'italien Angelino Medoro et créateur des peintures murales de l'église de San Pedro, à Andahuaylillas. Les peintres indigènes (Quechua) Diego Quispe Tito et Basilio Santa Cruz Pumacallao, aux côtés de Marcos Zapata, qui a réalisé cinquante grandes toiles ornant les hautes arches de la cathédrale de Cusco, étaient également importants. En Équateur, l'école de Quito s'est développée, principalement représentée par le métis Miguel de Santiago et le criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Au cours du XVIIIe siècle, les retables sculpturaux des Amériques ont progressivement cédé la place aux peintures, faisant progresser considérablement la peinture baroque dans la région. Parallèlement, la demande de commandes laïques, en particulier de portraits de l'aristocratie et de personnalités ecclésiastiques, s'est développée. L'influence artistique prédominante était le murillesque, même si dans certains cas, comme avec le criollo Cristóbal de Villalpando, le style de Juan de Valdés Leal était également évident. Les peintures de cette période se caractérisent par une qualité plus sentimentale, avec des formes plus douces et une palette plus douce. Parmi les principaux représentants figurent Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos en Colombie, ainsi que Juan Rodríguez Juárez et Miguel Cabrera au Mexique.

Sculpture

Gian Lorenzo Bernini est la figure prééminente de la sculpture baroque. Sous le patronage du pape Urbain VIII, le Bernin a produit une extraordinaire série de statues monumentales représentant des saints et d'autres personnages, caractérisés par leur vive expression émotionnelle à travers les traits du visage et les gestes. Son œuvre comprend également des bustes remarquablement réalistes et des œuvres décoratives élaborées pour le Vatican, comme l'imposante chaise de Saint-Pierre située sous le dôme de la basilique Saint-Pierre. De plus, le Bernin a conçu et conçu des fontaines comportant des groupes sculpturaux monumentaux, qui ornent les principales places de Rome.

La sculpture baroque s'est largement inspirée de la statuaire romaine antique, notamment de l'œuvre renommée du 1er siècle de notre ère, Laocoön et ses fils, découverte en 1506 et exposée par la suite dans la galerie du Vatican. Au cours de son 1665, il a raconté de manière célèbre : « Quand j'ai eu des problèmes avec ma première statue, j'ai consulté Antinoüs comme un oracle. Cette statue spécifique d'Antinous est maintenant identifiée comme étant l'Hermès du musée Pio-Clementino.

Parmi les principaux sculpteurs du baroque français tardif, citons Étienne Maurice Falconet et Jean Baptiste Pigalle. Pigalle a reçu une commande de Frédéric le Grand pour créer des statues pour Sanssouci à Potsdam, en Allemagne, l'adaptation de Versailles par Frédéric. Falconet a également entrepris une importante commande internationale, produisant la célèbre statue Cavalier de bronze de Pierre le Grand, située à Saint-Pétersbourg.

En Espagne, le sculpteur Francisco Salzillo a consacré son travail exclusivement aux thèmes religieux, utilisant du bois polychrome. Certaines des œuvres sculpturales baroques les plus exquises ont émergé des autels en stuc doré des églises des colonies espagnoles du Nouveau Monde, fabriqués par des artisans indigènes. Un exemple notable est la chapelle del Rosario à Puebla, au Mexique, achevée entre 1724 et 1731.

Meubles

Les principaux motifs décoratifs comprenaient des cornes d'abondance, des festons, des putti, des têtes de lion saisissant des anneaux métalliques, des visages féminins encadrés de guirlandes, des cartouches ovales, des feuilles d'acanthe, des colonnes classiques, des cariatides, des frontons et d'autres éléments de l'architecture classique souvent sculptés sur des meubles. Des embellissements supplémentaires comprenaient des paniers débordant de fruits ou de fleurs, des coquillages, des armures et des trophées, des représentations de têtes d'Apollon ou de Bacchus et des volutes en forme de C.

Au début du règne de Louis XIV, les conceptions de meubles perpétuaient largement le style Louis XIII précédent, caractérisé par des formes substantielles et une ornementation étendue à travers la sculpture et la dorure. Après 1680, une esthétique distinctement originale et raffinée émerge, largement attribuable au designer de meubles André-Charles Boulle, et parfois appelée travail Boulle. Ce style reposait sur l'incrustation d'ébène et d'autres bois exotiques, une technique originaire de Florence au XVe siècle, que Boulle et ses contemporains au service de Louis XIV ont méticuleusement raffinée et perfectionnée. Les meubles étaient ornés de plaques incrustées d'ébène, de cuivre et de divers bois exotiques polychromes.

Cette époque a vu l'introduction de plusieurs typologies de meubles nouvelles et souvent durables. La commode, dotée de deux à quatre tiroirs, a remplacé le coffre traditionnel. Le canapé, ou canapé, est apparu comme une forme composite, combinant généralement deux ou trois fauteuils. De nouveaux modèles de fauteuils se matérialisent également, notamment le fauteuil en confessionale, ou « fauteuil confessionnel », caractérisé par des coussins rembourrés positionnés de chaque côté de son dossier. La table console a également fait ses débuts, spécialement conçue pour être placée contre un mur. De plus, la table à gibier, une table en marbre destinée à servir les plats, représentait une autre innovation. Des itérations initiales du bureau ont également vu le jour ; le bureau Mazarin, par exemple, présentait une partie centrale en retrait située entre deux colonnes de tiroirs, chacun soutenu par quatre pieds.

Musique

L'appellation Baroque désigne de la même manière un style musical répandu à une époque concurrente à celle de l'art baroque. Initialement, le terme « baroque » était appliqué à la musique dans un contexte critique. Une critique anonyme et satirique de la première de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau en octobre 1733, publiée dans le Mercure de France en mai 1734, suggérait que la nouveauté de l'opéra était « du baroque ». Le critique a déploré l'absence perçue de mélodie cohérente dans la musique, sa profusion de dissonances incessantes, ses fréquents changements de tonalité et de mesure et son déploiement rapide de diverses techniques de composition. Jean-Jacques Rousseau, un éminent musicien, compositeur et philosophe, a formulé une évaluation comparable en 1768 dans la célèbre Encyclopédie de Denis Diderot : « La musique baroque se caractérise par une harmonie confuse, chargée de modulations et de dissonances. ce terme pour la musique de l'époque n'a commencé qu'en 1919, attribué à Curt Sachs, et sa première utilisation en anglais dans un article publié a eu lieu en 1940, par Manfred Bukofzer.

L'ère baroque a représenté une période d'expérimentation et d'innovation musicale importante, expliquant l'utilisation intensive de l'ornementation et de l'improvisation par les musiciens. Des formes nouvelles, comme le concerto et la sinfonia, sont conçues. L'opéra est né en Italie à la fin du XVIe siècle, comme en témoigne le Dafne de Jacopo Peri, largement perdu, joué pour la première fois à Florence en 1598, puis diffusé dans toute l'Europe. Louis XIV a notamment créé la première Académie royale de musique. En 1669, le poète Pierre Perrin inaugure une académie d'opéra à Paris, qui devient le premier opéra public de France, et crée Pomone. Cette œuvre, composée par Robert Cambert, a marqué le premier grand opéra en français, comprenant cinq actes, une machinerie scénique complexe et un ballet. D'éminents compositeurs tels que Heinrich Schütz en Allemagne, Jean-Baptiste Lully en France et Henry Purcell en Angleterre ont joué un rôle déterminant dans la solidification de leurs traditions musicales nationales respectives au cours du XVIIe siècle.

Au cours de cette époque, plusieurs nouveaux instruments de musique ont émergé, notamment le piano. L'invention du piano est attribuée à Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padoue, en Italie, qui servit Ferdinand de Médicis, grand prince de Toscane, en tant que gardien des instruments. Cristofori désignait à l'origine l'instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un clavier de cyprès avec un son doux et fort"), un nom abrégé par la suite en pianoforte, fortepiano, et finalement, simplement, piano.

Compositeurs et exemples

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557-1612) a composé la Sonate pian' e forte (1597) et In Ecclesiis (extrait de Symphoniae sacrae livre 2, 1615).
• Cristóbal de Medrano (vers 1561 - 1597) est connu pour voce mea cum sex vocibus (1594).
• Giovanni Girolamo Kapsperger (vers 1580-1651) a publié le Libro primo di villanelle, 20 en 1610.
• Claudio Monteverdi (1567-1643) a créé L'Orfeo, favola in musica (1610).
• Heinrich Schütz (1585-1672) a composé Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650).
• Francesco Cavalli (1602-1676) a produit des opéras dont L'Egisto (1643), Ercole amante (1662) et Scipione affricano (1664).
• Johann Jacob Froberger (1616-1667) est associé à la « Musique complète pour clavecin et orgue » interprétée par Simone Stella.
• Jean-Baptiste Lully (1632-1687) a composé l'opéra Armide (1686).
• Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) est reconnu pour son Te Deum (1688-1698).
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) a créé les Sonates mystères (1681).
• John Blow (1649-1708) a composé Vénus et Adonis (1680-1687).
• Johann Pachelbel (1653-1706) est connu pour son Canon en ré (1680).
• Arcangelo Corelli (1653-1713) a publié ses 12 concerti grossi, op. 6, en 1714.
• Marin Marais (1656-1728) composa la Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723).
• Henry Purcell (1659-1695) est reconnu pour son opéra Dido and Aeneas (1688).
• Alessandro Scarlatti (1660-1725) a composé plusieurs opéras, dont L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683) et Mitridate Eupatore (1707).
• François Couperin (1668-1733) est connu pour Les barricades mystérieuses (1717).
• Tomaso Albinoni (1671-1751) a composé Didone abbandonata (1724).
• Antonio Vivaldi (1678-1741) est célébré pour Les Quatre Saisons (1725).
• Jan Dismas Zelenka (1679-1745) a composé des œuvres telles que Il Serpente di Bronzo (1730) et Missa Sanctissimae Trinitatis (1736).
• Georg Philipp Telemann (1681-1767) a créé Der Tag des Gerichts (1762).
• Johann David Heinichen (1683-1729).
• Jean-Philippe Rameau (1683-1764) composa Dardanus (1739).
• George Frideric Handel (1685-1759) est célèbre pour ses compositions telles que Musique de l'eau (1717), Musique pour les feux d'artifice royaux (1749) et Messie (1741).
• Domenico Scarlatti (1685-1757) est reconnu pour ses nombreuses Sonates pour clavecin.
• Johann Sebastian Bach (1685-1750) a composé des œuvres importantes telles que la Toccata et la Fugue en ré mineur (1703-1707), les Concertos brandebourgeois (1721) et la Passion selon saint Matthieu (1727).
• Nicola Porpora (1686-1768) a composé Semiramide riconosciuta (1729).
• Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) est connu pour son Stabat Mater (1736).

Danse.

Le ballet classique est apparu à l'époque baroque. Marie de Médicis a introduit le style de danse de cour en France, où initialement, les membres de la cour eux-mêmes servaient de danseurs. Louis XIV se produit notamment dans divers ballets publics. En mars 1662, le roi créa l'Académie Royale de Danse, qui devint la première école et compagnie de danse professionnelle, établissant ainsi les normes et le vocabulaire fondamentaux du ballet à travers l'Europe au cours de cette période.

Théorie littéraire.

Heinrich Wölfflin a été le pionnier de l'application du terme « baroque » à la littérature. Les principes fondamentaux de la théorie littéraire baroque, notamment la « vanité » (concetto), l'« esprit » (acutezza, ingegno) et l'« émerveillement » (meraviglia), ont atteint leur pleine articulation théorique avec la publication en 1654 de Il Cannocchiale aristotelico (L'Aristotélicien) d'Emanuele Tesauro. télescope). Ce traité influent, s'inspirant de l'épopée Adone de Giambattista Marino et des contributions philosophiques du jésuite espagnol Baltasar Gracián, a avancé une théorie de la métaphore en tant que langage universel d'images et effort intellectuel primordial, fonctionnant simultanément comme une construction artistique et un moyen épistémologiquement supérieur d'appréhender la vérité.

Dramaturgie de l'Europe centrale dans le baroque.

L'ouvrage de Walter Benjamin L'analyse du baroque, présentée dans L'origine du drame tragique allemand, constitue une référence historique notoirement difficile mais très appréciée pour cette période. Bien qu'apparemment axée sur le drame baroque, le contenu de l'étude est remarquablement diversifié et complexe, englobant un large éventail de documents historiques. Malgré cette vaste portée, il s'intéresse principalement à l'Europe centrale, avec un accent particulier sur l'Allemagne, bien qu'il fasse parfois référence aux Autrichiens du Saint Empire romain germanique et même aux Espagnols sous l'empereur Ferdinand des Habsbourg.

Un argument central de l'analyse de Benjamin postule que l'ère baroque est apparue comme une réponse directe à la violence traumatisante généralisée de la guerre de Trente Ans. Ce conflit, marquant le point culminant violent de la Réforme, impliquait presque toutes les nations européennes, bien qu'il soit principalement contesté au sein du Saint Empire romain germanique. Toutes les puissances importantes, à l'exception notable de l'Angleterre et de la Russie (bien que toutes deux aient été indirectement affectées ou impliquées), ont déployé leurs forces sur ce champ de bataille.

Dans l'étude de Walter Benjamin sur l'Origine, la production culturelle distinctive de l'époque - caractérisée par une élaboration de détails presque pathologique, ou du moins historiquement anormale et intense, une propension aux involutions récursives et même un vide d'horreur - est interprétée comme un mécanisme de défense psychologique ou une suppression dégressive d'une terreur généralisée et d'une horreur généralisée. anomie. Cela résulte de la dissolution de l’autorité symboliquement transcendante qu’incarnait auparavant l’Église occidentale de Rome, dont les institutions et les formes rituelles d’absolution exerçaient depuis longtemps une suprématie continentale en matière d’administration et de contrôle social. Ce changement historique a été diversement appelé le « démembrement de la chrétienté » ou, de manière plus optimiste, la genèse de la modernité et la montée ultérieure de l'hégémonie capitaliste, une perspective partagée par Max Weber et d'autres chercheurs, dont Hugh Trevor-Roper dans sa Crise du dix-septième siècle et son ouvrage important sur La folie des sorcières en Europe.

Théâtre

La période baroque représente une époque florissante pour le théâtre en France et en Espagne ; Parmi les dramaturges notables figurent Corneille, Racine et Molière en France, aux côtés de Lope de Vega et Pedro Calderón de la Barca en Espagne.

Au cours de la période baroque, l'art et le style théâtraux ont connu une évolution rapide, parallèlement à l'émergence de l'opéra et du ballet. La conception de théâtres plus récents et plus grands, la mise en œuvre d'une machinerie scénique plus élaborée et l'adoption généralisée de l'arc de scène, qui encadrait la scène et dissimulait ses mécanismes au public, ont favorisé la création d'effets scéniques plus élaborés et de spectacles plus grandioses.

En Espagne, la période baroque se caractérise par son éthos catholique et conservateur, s'inspirant des modèles littéraires italiens de la Renaissance. Le théâtre baroque hispanique cherchait à présenter une réalité idéalisée à son public, incarnant trois sentiments fondamentaux : la religiosité catholique, la fierté monarchique et nationale et l'honneur dérivé de la tradition chevaleresque.

Le théâtre baroque espagnol est généralement divisé en deux périodes, le point de démarcation étant fixé à 1630. La période initiale est principalement associée à Lope de Vega, bien qu'elle comprenne également des contributions de Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio. Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente et Juan Pérez de Montalbán. De nombreuses personnalités de cette époque ont participé aux academias literarias (académies littéraires), comme la célèbre Académie Medrano créée par Sebastián Francisco de Medrano. La période suivante est illustrée par Pedro Calderón de la Barca et ses contemporains, notamment des dramaturges tels que Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto et Francisco Bances Candamo. Ces catégorisations sont fluides, car les auteurs individuels développent souvent des styles uniques tout en s'alignant parfois sur les conventions dramatiques établies par Lope. En effet, l'approche de Lope était peut-être plus libérale et structurellement définie que celle de Calderón.

Dans son traité de 1609, Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo, Lope de Vega a inauguré le concept de la nouvelle comédie. Ce nouveau paradigme dramatique remettait en question les trois unités aristotéliciennes de la tradition poétique italienne (action, temps et lieu), ainsi qu'une quatrième unité aristotélicienne concernant le style. Il préconisait l'intégration d'éléments tragiques et comiques et le déploiement de diverses formes de vers et de strophes en fonction du contenu représenté. Malgré ses connaissances approfondies des arts plastiques, Lope s'est largement abstenu de les incorporer dans ses œuvres théâtrales ou scénographiques pendant la majeure partie de sa carrière. Le style comique de Lope relègue par conséquent les dimensions visuelles de la représentation théâtrale au second plan.

Tirso de Molina, Lope de Vega et Calderón étaient des dramaturges éminents au cours de l'âge d'or espagnol. Leurs contributions littéraires, distinguées par leur intelligence subtile et leur profonde compréhension de la condition humaine, sont considérées comme un pont entre les formes comiques antérieures de Lope et le style dramatique plus sophistiqué de Calderón. Tirso de Molina est principalement reconnu pour deux œuvres : Les soupçons condamnés et Le filou de Séville, cette dernière comprenant notamment l'une des premières interprétations du mythe de Don Juan.

Dès son arrivée à Madrid, Cosimo Lotti fait découvrir à la cour espagnole les techniques théâtrales les plus avancées d'Europe. Son expertise en mécanique et en conception théâtrale a été appliquée aux spectacles courtois, connus sous le nom de « Fiestas », et aux expositions aquatiques élaborées mettant en vedette des rivières ou des fontaines artificielles, appelées « Naumaquias ». Lotti était également responsable de la conception des jardins du Buen Retiro, de Zarzuela et d'Aranjuez, ainsi que de la construction du théâtre Coliseo del Buen Retiro. Les conventions dramatiques établies de Lope de Vega, caractérisées par un style de vers moins adapté au théâtre de palais émergent, ont progressivement cédé la place à de nouveaux cadres conceptuels, favorisant la carrière d'auteurs dramatiques tels que Calderón de la Barca. Tout en s'appuyant sur les innovations de la « Nouvelle Comédia » (souvent associée à Lope), le style de Calderón se distingue par une conception structurelle méticuleuse et une attention particulière portée à la cohérence interne. L'œuvre de Calderón se caractérise par une perfection formelle et un langage symbolique hautement lyrique. La liberté, la vitalité et l'ouverture inhérentes aux œuvres de Lope ont évolué vers l'accent mis par Calderón sur la réflexion intellectuelle et la précision formelle. Dans ses comédies, les intentions idéologiques et doctrinales supplantaient souvent la simple passion et l'action ; ses *Autos sacramentales* (pièces sacramentelles) ont notamment acquis une notoriété artistique significative. Le genre *Comedia* lui-même était intrinsèquement politique, multi-artistique et hybride par nature. Son texte poétique était entrelacé de divers médias et ressources tirés de l'architecture, de la musique et de la peinture, transcendant ainsi l'illusion théâtrale plus simple des comédies de Lope, qui reposaient souvent sur un décor minimal et étaient principalement engagées dans le dialogue et l'action.

Le dramaturge allemand le plus éminent était Andreas Gryphius, qui a adopté le modèle dramatique jésuite, influencé par les Néerlandais Joost van den Vondel et Pierre Corneille. Une autre figure notable était Johannes Velten, qui synthétisait les traditions des troupes comiques anglaises et de la *commedia dell'arte* avec le théâtre classique français de Corneille et Molière. Sa compagnie de tournée est sans doute considérée comme la plus importante du XVIIe siècle.

Le plus éminent tragédien baroque italien était Federico Della Valle. Sa production littéraire se définit principalement par quatre pièces composées pour le théâtre courtois : la tragi-comédie Adelonda di Frigia (1595) et comprenant notamment trois tragédies, Judith (1627), Esther (1627) et La reina di Scotia (1628). L'influence de Della Valle s'est étendue à de nombreux imitateurs et disciples (par exemple Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani), qui ont intégré l'esthétique baroque aux objectifs didactiques des jésuites dans leurs propres œuvres.

Dans le tsarisme de Russie, la manifestation russe du style baroque n'a émergé que pendant la seconde moitié du XVIIe siècle, en grande partie stimulée par l'initiative du tsar Alexis de Russie d'établir un théâtre de cour à 1672. Le directeur et dramaturge du théâtre était Johann Gottfried Gregorii, un pasteur luthérien germano-russe, auteur notamment d'une pièce de théâtre de 10 heures intitulée L'action d'Artaxerxès. Les œuvres dramaturgiques de Syméon de Polotsk et de Démétrius de Rostov ont également constitué des contributions significatives au théâtre baroque russe.

Amériques coloniales espagnoles

Suivant la trajectoire établie en Espagne, à la fin du XVIe siècle, les compagnies théâtrales itinérantes des Amériques coloniales espagnoles ont entamé un processus de professionnalisation. Cette professionnalisation s'est accompagnée d'une réglementation et d'une censure accrues. À l’instar de l’Europe, le théâtre des colonies a connu des périodes de tolérance, voire de patronage gouvernemental, parallèlement au rejet (sauf exceptions) ou à la persécution pure et simple de la part de l’Église. Les autorités ont utilisé le théâtre comme instrument didactique pour propager les comportements souhaités, renforcer le respect de l'ordre social et de la monarchie et inculquer le dogme religieux.

Les corrales étaient gérées au profit des hôpitaux, qui partageaient ensuite les bénéfices des représentations. Des compagnies théâtrales itinérantes, également connues sous le nom de « de la ligue », se produisaient sur des scènes improvisées en plein air dans des régions dépourvues de salles permanentes et nécessitaient une licence vice-royale pour fonctionner. Les frais de cette licence, ou pinción, étaient alloués aux dons caritatifs et aux efforts religieux. Pour les entreprises établies dans les capitales et les grandes villes, la principale source de revenus était leur participation aux festivités de la Fête-Dieu, qui offrait à la fois des gains financiers et une reconnaissance sociale importante. Les représentations au palais vice-royal et dans les domaines aristocratiques, mettant en vedette à la fois des comédies du répertoire standard et des productions spéciales élaborées avec un éclairage, des décors et une mise en scène étendus, constituaient également une opportunité d'emploi lucrative et estimée.

Juan Ruiz de Alarcón, originaire de la vice-royauté de la Nouvelle-Espagne qui résida plus tard en Espagne, est la figure la plus importante du théâtre du nouveau baroque espagnol. Les chercheurs ont identifié ses caractéristiques distinctives, le distinguant de ses contemporains espagnols, comme son adaptation au nouveau style comique de Lope de Vega, une laïcité prononcée, une discrétion et une retenue remarquables et une profonde capacité de perspicacité psychologique. Parmi ses œuvres significatives figure La verdad sospechosa, une comédie axée sur les personnages qui illustre son intention moralisatrice constante. La production dramatique de Sor Juana Inés de la Cruz fait d'elle la deuxième figure la plus influente du théâtre baroque hispano-américain. Ses œuvres notables incluent l'auto sacramental El divino Narciso et la comédie Los empeños de una casa.

Jardins

Le jardin baroque, également appelé jardin à la française ou jardin à la française, est né à Rome au XVIe siècle avant d'atteindre son expression la plus célèbre dans la France du XVIIe siècle, notamment dans les jardins de Vaux le Vicomte et du château de Versailles. Les monarques et les aristocrates d'Allemagne, des Pays-Bas, d'Autriche, d'Espagne, de Pologne, d'Italie et de Russie ont commandé des jardins baroques jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, date à laquelle nombre d'entre eux ont été reconfigurés dans le style plus naturaliste des jardins paysagers anglais.

Les jardins baroques ont été conçus pour symboliser la domination humaine sur la nature et pour glorifier leurs clients. Ces jardins présentaient des dispositions géométriques, ressemblant souvent aux divisions internes d'une grande résidence. L'observation optimale était généralement obtenue depuis un point de vue surélevé, tel qu'un château ou une terrasse, surplombant le paysage. Les éléments clés d'un jardin baroque comprenaient des parterres, qui étaient des arrangements complexes de parterres de fleurs ou de haies basses méticuleusement taillées en motifs ornés, ainsi que des allées et allées droites en gravier qui segmentaient et traversaient le jardin. Des terrasses, des rampes, des escaliers et des cascades ont été stratégiquement incorporés pour s'adapter aux variations d'élévation et offrir diverses perspectives visuelles. Des étangs et des bassins d'eau circulaires ou rectangulaires servaient de décor à des fontaines et à des statues. Les bosquets, composés de bosquets soigneusement entretenus ou de rangées uniformes d'arbres, créaient l'illusion de murs verts et fournissaient des toiles de fond aux sculptures. À leur périmètre, ces jardins comportaient généralement des pavillons, des orangeries et d'autres structures offrant aux visiteurs un refuge contre le soleil ou la pluie.

L'entretien des jardins baroques nécessitait une main-d'œuvre importante de jardiniers, une taille continue et de vastes ressources en eau. Au cours de la dernière époque baroque, un changement s'est produit à mesure que les éléments formels ont progressivement cédé la place à des éléments plus naturalistes. Ces nouveaux ajouts comprenaient des sentiers sinueux, divers bosquets d'arbres non taillés, des éléments architecturaux rustiques et des structures pittoresques telles que des temples romains ou des pagodes chinoises. De plus, des « jardins secrets » ont émergé à la périphérie du jardin principal, luxuriants de feuillage, offrant des espaces isolés pour la lecture ou les conversations privées. Au milieu du XVIIIe siècle, la majorité des jardins baroques avaient subi une transformation partielle ou totale en adaptations du style des jardins paysagers anglais.

Au-delà de Versailles et de Vaux-le-Vicomte, d'autres jardins baroques renommés préservant en grande partie leur conception originale incluent le palais royal de Caserte près de Naples, en Italie ; le château de Nymphenburg et les palais d'Augustusburg et de Falkenlust à Brühl, en Allemagne ; le palais Het Loo aux Pays-Bas ; le palais du Belvédère à Vienne, en Autriche ; le Palais Royal de La Granja de San Ildefonso en Espagne ; et le palais de Peterhof à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Aménagement et conception urbaine

Les villes européennes du XVIe au XIXe siècle ont subi d'importantes transformations dans leurs principes de conception et de planification urbaines, modifiant fondamentalement leurs paysages et leur environnement bâti. Les grands centres urbains tels que Rome et Paris ont été reconfigurés pour soutenir des populations en expansion grâce aux progrès en matière de logement, d'infrastructures de transport et d'équipements publics. Au cours de cette période, le style baroque omniprésent a profondément influencé le développement urbain, se manifestant par une planification urbaine baroque, qui intégrait des éléments architecturaux élaborés, spectaculaires et artistiques dans le tissu de la ville. La conception de ces villes cherchait à évoquer et à compléter la grandeur émotionnelle caractéristique de l’esthétique baroque pour leurs habitants et piétons. Cette méthodologie de planification mettait fréquemment l'accent sur l'affichage ostentatoire de la richesse et du pouvoir de la part des autorités au pouvoir, avec des structures proéminentes fonctionnant comme les points focaux visuels et symboliques du paysage urbain.

Au XVIe siècle, le pape Sixte V a lancé un vaste projet de rénovation urbaine pour Rome, qui a revitalisé et agrandi la ville. De nombreuses grandes places et places ont été transformées en espaces publics, renforçant ainsi l'impact dramatique inhérent au style baroque. Ces places étaient ornées de fontaines et de divers éléments décoratifs, conçus pour résumer les sentiments dominants de l'époque. Un principe clé de la planification baroque impliquait l'établissement d'un réseau complexe d'axes pour relier les églises, les édifices gouvernementaux et les places. Cet arrangement stratégique a positionné les monuments importants de l'Église catholique comme les principaux points focaux de l'environnement urbain.

Des caractéristiques supplémentaires de l'urbanisme baroque sont évidentes à Barcelone. Le quartier de l'Eixample, conçu par Ildefons Cerdà, présente de larges avenues disposées en quadrillage, complétées par plusieurs boulevards en diagonale. Ses intersections de blocs octogonales distinctives améliorent la visibilité de la rue et la lumière naturelle. De nombreuses œuvres architecturales de ce quartier ont été réalisées par Antoni Gaudí, réputé pour son style distinctif. La Sagrada Família, conçue par Gaudí, occupe une position centrale dans le quartier de l'Eixample et revêt une profonde signification pour la ville.

Postérité

La transition vers le rococo

Le rococo représente la phase ultime de la période baroque, étendant souvent ses principes fondamentaux d'illusion et d'effet dramatique à leurs manifestations les plus extrêmes. Originaire de France comme contrepoint stylistique à l'opulente grandeur baroque qui prévalait à la cour de Louis XIV au château de Versailles, le mouvement rococo est devenu notamment lié à l'influente Madame de Pompadour (1721-1764), qui était la maîtresse du monarque successeur, Louis XV (1710-1774). Par conséquent, le style était également appelé Pompadour. Malgré sa forte association avec le règne de Louis XV, l'émergence du style est antérieure à cette période. Plusieurs créations artistiques des dernières années du règne de Louis XIV illustrent les premières caractéristiques du rococo. L'appellation du mouvement provient du terme français rocaille, signifiant « galet », qui désignait historiquement les pierres et les coquillages utilisés pour orner les intérieurs des grottes ; des motifs de coquilles analogues sont ensuite devenus une caractéristique du design rococo. Se manifestant initialement comme un style dans le design et les arts décoratifs, il se distinguait par ses formes élégantes et curvilignes. Son influence s'étend ensuite à l'architecture, puis à la peinture et à la sculpture. Jean-Antoine Watteau, peintre français, est fréquemment identifié au terme rococo, notamment pour ses scènes pastorales, ou fêtes galantes, qui étaient importantes au début du XVIIIe siècle.

Les styles rococo et baroque partagent plusieurs points communs. Les deux mouvements artistiques mettent l'accent sur les formes monumentales, incorporant des arrangements spatiaux continus, des colonnes ou des pilastres appariés et des matériaux opulents, comportant fréquemment des éléments dorés. Néanmoins, des différences distinctes sont également évidentes. Les designers rococo se sont écartés du strict respect de la symétrie qui caractérisait l’architecture et le design depuis la Renaissance. Ainsi, de nombreux petits objets, tels que des encriers et des figurines en porcelaine, ainsi que divers éléments ornementaux, présentent fréquemment une asymétrie. Cette asymétrie s'aligne avec la prédominance de l'ornementation dérivée d'interprétations de feuillages et de coquillages, contrastant avec les motifs classiques plus nombreux hérités de la Renaissance que l'on retrouve dans l'art baroque. Une autre distinction significative réside dans l'association principale du baroque avec l'architecture ecclésiastique, compte tenu de son rôle en tant que principale expression culturelle de la Contre-Réforme. À l’inverse, le rococo est principalement lié aux contextes architecturaux palatiaux et domestiques. À Paris, l'essor du rococo a coïncidé avec le développement du salon en tant que nouveau lieu de rassemblement social, de nombreux lieux de ce type étant fréquemment décorés dans cette esthétique. Les intérieurs rococo étaient généralement de taille plus modeste que les espaces baroques, indiquant une évolution vers une plus grande intimité domestique. Cette transformation s'est également reflétée dans les palettes de couleurs, passant des teintes terreuses caractéristiques des œuvres du Caravage et du marbre rouge et des intérieurs dorés de l'époque de Louis XIV, aux pastels plus doux et plus détendus, notamment le bleu pâle, le rose Pompadour et le blanc, répandus sous les règnes de Louis XV et de Madame de Pompadour en France. De manière analogue au changement de couleurs, une évolution thématique s'est produite dans la peinture et la sculpture, passant de sujets graves, dramatiques et moralistes à des motifs plus légers et joyeux.

Une dernière caractéristique distinctive entre le baroque et le rococo concerne l'intérêt naissant de l'aristocratie du XVIIIe siècle pour l'Asie de l'Est. Bien que les tendances orientalistes existaient dans l’esthétique occidentale avant l’ère baroque, elles s’inspiraient généralement d’origines islamiques plutôt que d’Asie de l’Est. Ce modèle a persisté tout au long de la période baroque, se manifestant notamment dans le style d'influence turque appelé Turquerie. La fascination orientaliste pour le monde islamique, englobant la Turquerie, s'est étendue jusqu'à la période rococo et au-delà ; cependant, au cours de cette phase ultérieure, les cultures chinoises et d’autres cultures d’Asie de l’Est ont également commencé à exercer une influence sur l’esthétique occidentale. La chinoiserie, un style répandu dans les beaux-arts, l'architecture et le design au XVIIIe siècle, s'est fortement inspirée à la fois de l'art chinois et de l'esthétique rococo contemporaine. Compte tenu de la nature ardue des voyages en Chine et dans d’autres pays d’Extrême-Orient à cette époque, qui les rendaient largement énigmatiques pour la plupart des Occidentaux, l’imagination européenne était captivée par la perception de l’Asie comme un royaume d’immense richesse et de luxe. Par conséquent, des clients allant des empereurs aux marchands rivalisaient pour embellir leurs résidences avec des produits asiatiques et les décorer dans des styles asiatiques. Lorsque les objets asiatiques authentiques se sont avérés difficiles à acquérir, les artisans et peintres européens ont répondu à la demande en fabriquant des objets fusionnant les formes rococo avec des figures, des motifs et des techniques asiatiques. Au-delà des interprétations européennes des styles d’Asie de l’Est, les laques chinoises ont trouvé diverses applications. Un certain nombre de pièces somptueuses ont été entièrement décorées par des aristocrates européens, utilisant des panneaux de laque chinoise comme revêtements muraux. En raison de ses qualités esthétiques, la laque noire était particulièrement appréciée pour les études pour hommes occidentaux. Ces panneaux étaient généralement brillants et noirs et provenaient de la province chinoise du Henan. Ils étaient constitués de plusieurs couches de laque, ensuite incisées de motifs qui étaient ensuite incrustés de couleur et d'or. Les menuisiers européens du XVIIIe siècle ont également incorporé des panneaux de laque chinoise et japonaise dans la production de meubles. Pour y parvenir, les paravents asiatiques ont été démontés et réutilisés comme placage pour des meubles fabriqués en Europe.

Condamnation et réévaluation académique ultérieure

Le pionnier historien de l'art et archéologue allemand Johann Joachim Winckelmann a également dénoncé le style baroque, plaidant plutôt pour les mérites supérieurs de l'art et de l'architecture classiques. Au XIXe siècle, le style baroque était devenu un sujet fréquent de ridicule et de critique. Le critique néoclassique Francesco Milizia affirmait : « Borrominini en architecture, Bernini en sculpture, Pietro da Cortona en peinture... sont un fléau du bon goût, qui a infecté un grand nombre d'artistes ». Au cours du XIXe siècle, les critiques s'intensifièrent encore, le critique britannique John Ruskin proclamant la sculpture baroque non seulement déficiente sur le plan esthétique, mais aussi moralement dépravée.

L'historien de l'art suisse Heinrich Wölfflin (1864-1945) a initié la réévaluation du terme « baroque » dans sa publication de 1888, Renaissance und Barock. Wölfflin a caractérisé le baroque comme « un mouvement importé dans la masse », le positionnant comme un contrepoint artistique à l'art de la Renaissance. Cependant, son analyse ne fait pas de différence entre le maniérisme et le baroque comme le font les chercheurs contemporains, et elle n'aborde pas non plus la phase académique baroque ultérieure qui s'étend jusqu'au XVIIIe siècle. L’art et l’architecture baroques ont gagné en popularité au cours de l’entre-deux-guerres et ont largement conservé un accueil critique. Néanmoins, le terme « baroque » peut encore être utilisé de manière péjorative pour décrire des œuvres d'art, de l'artisanat ou des designs perçus comme excessivement ornés ou structurellement complexes. Parallèlement, le terme « baroque » est devenu un descripteur accepté pour diverses tendances artistiques et architecturales de l'art romain des IIe et IIIe siècles après J.-C., qui présentent des caractéristiques similaires à celles de la période baroque ultérieure.

Revivals et influences éclectiques

Malgré les premières critiques, l'art baroque a ensuite été une source d'inspiration importante pour les artistes, les architectes et les designers tout au long du XIXe siècle, principalement à travers le prisme du romantisme. Ce mouvement, apparu au XVIIIe siècle et culminant au XIXe siècle, mettait l'accent sur l'émotion, l'individualisme et la glorification du passé et de la nature, privilégiant souvent l'esthétique médiévale par rapport à l'esthétique classique. En Grande-Bretagne, une confluence de facteurs littéraires, religieux et politiques a motivé les architectes et les designers de la fin du XVIIIe et du XIXe siècle à s'inspirer du Moyen Âge, rendant le XIXe siècle réputé pour ses nombreux renouveaux. En France, cependant, le romantisme n’a pas été le principal catalyseur du renouveau de l’architecture et du design gothiques. Au lieu de cela, le vandalisme généralisé des monuments et des structures associés à l'Ancien Régime pendant la Révolution française a incité l'archéologue Alexandre Lenoir à nommer conservateur du dépôt des Petits-Augustins. Il y organise le Musée des monuments français (1795-1816), abritant des sculptures, des statues et des tombeaux récupérés dans des églises, des abbayes et des couvents. Lenoir a joué un rôle déterminant dans la réintroduction d'une appréciation de l'art médiéval, qui a progressivement prospéré au cours du quart de siècle suivant.

Cette appréciation renouvelée de l'art médiéval a ensuite stimulé la renaissance d'autres périodes historiques, notamment le baroque et le rococo. Le revivalisme s'est d'abord concentré sur des thèmes médiévaux, puis s'est orienté vers les styles de la Renaissance à la fin du règne de Louis Philippe Ier (1830-1848). Les inspirations baroques et rococo ont gagné en importance sous le règne de Napoléon III (1852-1870) et ont persisté même après l'effondrement du Second Empire français.

Contrairement à l'Angleterre, où le gothique était perçu comme un style national par les architectes et les designers, le rococo était considéré comme l'un des mouvements les plus représentatifs de France. La population française ressentait une plus forte affinité pour les styles de l'Ancien Régime et de l'Empire de Napoléon que pour leur héritage médiéval ou Renaissance, malgré l'architecture gothique originaire de France plutôt que d'Angleterre.

Le revivalisme du XIXe siècle a finalement évolué vers un éclectisme, caractérisé par la fusion de divers éléments stylistiques. Étant donné que les architectes ont fréquemment réinterprété les styles classiques, la plupart des bâtiments et des conceptions éclectiques présentent une esthétique distinctive. Au-delà des reprises directes, le baroque a également été la principale source d'inspiration de l'éclectisme. Des éléments baroques importants, tels que des colonnes couplées et l'ordre géant, apparaissent fréquemment dans les structures éclectiques du XIXe et du début du XXe siècle. L'influence de l'éclectisme s'est étendue au-delà de l'architecture ; de nombreuses créations du style Second Empire (1848-1870) incorporaient des éléments de diverses périodes. Peu de meubles de cette époque échappaient aux trois influences historicistes dominantes – les styles Renaissance, Louis XV (rococo) et Louis XVI – qui étaient tantôt appliquées distinctement, tantôt combinées. Les éléments baroques ont également fourni une source d'inspiration, évidente dans les remakes et les arabesques imitant la marqueterie Boulle, aux côtés d'influences d'autres styles tels que le gothique, la Renaissance ou la Régence anglaise.

La Belle Époque, qui s'étend approximativement de 1871 à 1880 jusqu'au début de la Première Guerre mondiale en 1914, constitue une époque historique distincte. Cette période a été définie par un sentiment dominant d’optimisme, de stabilité régionale, de richesse économique, d’expansion coloniale et de progrès significatifs dans les domaines technologiques, scientifiques et culturels. L'éclectisme atteint son apogée à cette époque, notamment illustré par l'architecture des Beaux Arts. Le style architectural tire son appellation de l'École des Beaux-Arts de Paris, l'institution dont il est originaire et où de nombreux promoteurs principaux ont reçu leur formation. Les structures conçues dans ce style incorporent fréquemment des colonnes ioniques comportant des volutes d'angle, rappelant les exemples du baroque français, à côté d'un sous-sol rustique. Ils présentent une simplicité globale ponctuée de détails complexes, de portes cintrées et d'un arc d'entrée similaire à celui du Petit Palais à Paris. Le style cherchait à imiter l'opulence baroque à travers des structures monumentales et richement ornées qui évoquaient la grandeur du Versailles de Louis XIV. En ce qui concerne le design Belle Époque, une large appréciation des styles de mobilier historiques a prévalu, englobant, de manière quelque peu inattendue, le style Second Empire (de la période précédente), qui a maintenu sa popularité jusqu'en 1900. Vers 1900, une récapitulation complète des styles de diverses nations et de toutes les périodes historiques précédentes est devenue évidente. La production de meubles intègre un large éventail d'influences, allant des modèles chinois aux modèles espagnols et du modèle Boulle au gothique, bien que certains styles soient plus appréciés que d'autres. Le Haut Moyen Âge et le début de la Renaissance étaient particulièrement appréciés. Diverses formes d'exotisme et de designs rococo élaborés ont également bénéficié de la faveur.

Les renaissances et les influences baroques ont progressivement diminué et ont finalement reculé avec l'avènement de l'Art déco, un style conçu vers 1910 grâce aux efforts collaboratifs de nombreux designers français visant à forger une nouvelle esthétique moderne. Bien que relativement obscur avant la Première Guerre mondiale, l’Art Déco a gagné en popularité pendant l’entre-deux-guerres, devenant fortement associé aux décennies des années 1920 et 1930. Ce mouvement synthétise diverses caractéristiques dérivées des courants modernistes prédominants dans les années 1900 et 1910, notamment la Sécession viennoise, le cubisme, le fauvisme, le primitivisme, le suprématisme, le constructivisme, le futurisme, De Stijl et l'expressionnisme. En plus des influences modernistes, l'Art Déco intègre également des éléments de styles populaires à la Belle Époque, tels que le style néo-rococo, le néoclassicisme et le style néo-Louis XVI. Les relations proportionnelles, les qualités volumétriques et les principes structurels de l'architecture Beaux-Arts d'avant la Première Guerre mondiale sont perceptibles dans les premiers bâtiments Art déco des années 1910 et 1920. Les éléments baroques sont particulièrement rares, car les architectes et les designers privilégient généralement le style Louis XVI.

Vers la fin de l'entre-deux-guerres, la popularité croissante du style international, caractérisé par son absence absolue d'ornementation, a précipité l'abandon complet de l'influence baroque et de ses renaissances. De nombreux architectes et designers de style international, aux côtés d'artistes modernistes, ont critiqué le baroque pour son extravagance et son « excès ». Paradoxalement, cela a coïncidé précisément avec une forte résurgence de l'appréciation critique de la période baroque originale.

Appréciation et réinterprétations postmodernes

L'appréciation du baroque a réapparu avec l'avènement du postmodernisme, un mouvement qui a défié le modernisme (le paradigme dominant après la Seconde Guerre mondiale) et a plaidé pour l'incorporation d'éléments stylistiques historiques dans les créations contemporaines, favorisant une appréciation du passé pré-moderniste. Les références explicites au baroque sont rares, car le postmodernisme intégrait fréquemment des éléments très simplifiés fonctionnant comme des « citations » du classicisme plus largement, tels que des frontons ou des colonnes.

Des références plus directes à l'esthétique baroque sont évidentes dans la céramique et la mode Versace, qui présentent des rinceaux d'acanthe maximalistes. Ces motifs ressemblent beaucoup à ceux que l'on retrouve sur les assiettes ornementales du baroque italien et dans l'œuvre Boulle, ainsi qu'à ceux des objets de l'Empire, notamment textiles, du règne de Napoléon Ier.

Remarques

• La culture baroque et rococo
• barocke in Val di Noto – Sizilien (archivé le 2 septembre 2018)
• Le style baroque et l'influence de Luis XIV (archivé le 24 juin 2007)
• Programme de Melvyn Bragg sur BBC Radio 4, intitulé In Our Time : The Baroque.
• "Guide de style baroque." Galeries britanniques, Victoria and Albert Museum. Archivé de l'original le 19 août 2007. Consulté le 16 juillet 2007.Source : Archives de l'Académie TORIma