Le street art fait référence aux œuvres d'art visuelles produites dans des espaces publics, destinées à être exposées au grand public. Ce genre artistique a été associé à diverses appellations, notamment « art indépendant », « post-graffiti », « néo-graffiti » et art de guérilla.
LeStreet art est un art visuel créé dans des lieux publics pour une visibilité publique. Il a été associé aux termes « art indépendant », « post-graffiti », « néo-graffiti » et art de guérilla.
Émergeant initialement du graffiti provocant, le street art est devenu une expression artistique plus commercialisée, qui se distingue principalement par son intention communicative. Son objectif est souvent de stimuler la contemplation plutôt que de susciter la désapprobation du grand public, en articulant son objectif plus clairement que le graffiti traditionnel. En outre, la notion d'autorisation est centrale dans le street art, étant donné que les graffitis sont généralement non autorisés, tandis que le street art contemporain peut résulter d'accords formels, voire de commandes directes. Néanmoins, il s'écarte de l'art public conventionnel par son intégration délibérée de l'espace physique lors de sa conceptualisation.
Contexte
Le street art englobe les créations artistiques exposées publiquement sur des structures, des voies de communication, des trains et d'autres surfaces visibles par le public. De nombreux exemples se manifestent sous forme d'art de guérilla, conçu pour transmettre un commentaire personnel sur le contexte sociétal de l'artiste. Cette forme d'art a évolué depuis ses origines dans le graffiti et le vandalisme vers des pratiques contemporaines dans lesquelles les artistes visent à communiquer des messages ou simplement à introduire une valeur esthétique à un public.
Certains praticiens ont recours au « vandalisme intelligent » pour sensibiliser aux préoccupations sociales et politiques, tandis que d'autres utilisent les environnements urbains comme lieux d'exposition d'expressions artistiques personnelles. Les artistes peuvent également apprécier les défis et les risques inhérents associés à l’installation non autorisée d’œuvres d’art dans le domaine public. Une motivation répandue est que produire de l'art dans des espaces publics permet aux artistes, qui pourraient autrement se sentir marginalisés, d'attirer un public beaucoup plus large que ne le permettraient les formes d'art ou les galeries traditionnelles.
Alors que les graffeurs traditionnels utilisent principalement de la peinture en aérosol, le « street art » englobe un large éventail de médias, notamment l'art LED, les carreaux de mosaïque, les graffitis au pochoir, l'art des autocollants, les graffitis inversés, les sculptures « Lock On », l'épissage de blé, le bloc de bois, le bombardement de fils et l'équilibrage de roches.
Émergent. Les médias, tels que les projections vidéo sur de vastes structures urbaines, représentent un support de plus en plus privilégié par les artistes de rue. L’accessibilité d’un matériel informatique et de logiciels abordables permet à ces efforts artistiques de rivaliser avec les publicités des entreprises. Par conséquent, les artistes peuvent créer gratuitement des œuvres d'art à partir d'ordinateurs personnels, présentant ainsi une alternative compétitive aux entreprises commerciales.
Origines
Les slogans de protestation et les commentaires politiques ou sociaux exprimés à travers les graffitis muraux servent de précurseurs au graffiti moderne et au street art, persistant en tant que composante du genre. Le street art, qu'il soit textuel ou comportant de simples graphiques iconiques, peut évoluer vers des symboles largement reconnus mais énigmatiques, représentatifs d'un lieu ou d'une période historique spécifique. Le graffiti « Kilroy Was Here » datant de la Seconde Guerre mondiale est souvent cité comme un exemple précoce, caractérisé par un dessin au trait rudimentaire d'une silhouette au long nez observant derrière un rebord. L'auteur Charles Panati a fait allusion au vaste attrait du street art en qualifiant le graffiti "Kilroy" de "scandaleux non pas pour ce qu'il dit, mais pour l'endroit où il apparaît". Une partie importante du street art contemporain trouve ses origines bien documentées dans le boom du graffiti à New York. Ce mouvement a débuté dans les années 1960, s'est développé tout au long des années 1970 et a atteint son apogée dans les années 1980 avec la création de peintures murales de rames de métro entièrement peintes à la bombe, particulièrement importantes dans le Bronx.
Tout au long des années 1980, le street art a subi une transformation significative, passant des créations centrées sur le texte qui prévalaient au début de la décennie à des formes plus visuellement conceptuelles, illustrées par les figures d'ombre distinctives de Hambleton. Cette époque voit également l'émergence des publicités subversives dans le métro de Keith Haring et des tags emblématiques SAMO de Jean-Michel Basquiat. Au cours de cette période naissante, le concept du « street art » en tant que cheminement de carrière viable était encore en développement et des techniques comme le graffiti au pochoir en étaient à leurs balbutiements. Les affiches de rue en pâte de blé, initialement utilisées pour la promotion de groupes et de clubs, ont évolué vers des œuvres d'art légitimes ou des « copies d'art », devenant un élément urbain omniprésent dans le monde tout au long des années 1980. Parallèlement, le collectif AVANT est actif à New York. Les idéologies subversives inhérentes à la musique punk rock ont également joué un rôle crucial dans le développement du street art en tant que genre artistique distinct au cours de cette décennie. Le sentiment contestataire et anti-musée qui prévaut parmi de nombreux artistes de rue peut être attribué au « Manifeste du futurisme » de Marinetti de 1909, qui déclarait : « nous détruirons tous les musées ». Cette perspective sous-tend la conviction de nombreux artistes de rue selon laquelle l'art doit être accessible au public, libre de barrières institutionnelles et de frais d'entrée.
Premières œuvres emblématiques
Depuis les années 1970, le mur nord-ouest à l'intersection de Houston Street et de Bowery à New York a servi de toile de fond aux artistes. Cet endroit, désormais fréquemment connu sous le nom de Bowery Mural, fonctionnait initialement comme une surface négligée librement utilisée par les graffeurs. En 1982, Keith Haring s'approprie notamment le mur pour ses démarches artistiques. Suite à l'intervention de Haring, une succession d'artistes de rue renommés ont contribué à l'aménagement du site, élevant progressivement son statut au rang de prestige. En 2008, le mur est passé sous gestion privée, avec un accès accordé aux artistes exclusivement sur commande ou invitation.
À la fin des années 1970, René Moncada a lancé une série de peintures murales dans SoHo, New York, mettant en évidence la déclaration JE SUIS LE MEILLEUR ARTISTE. Moncada a qualifié ces peintures murales de geste de défi envers une communauté artistique qu'il croyait avoir contribué à établir, mais par laquelle il s'est ensuite senti négligé. Ces œuvres ont été reconnues comme l'un des premiers exemples de « provocation artistique », suscitant de nombreuses discussions et débats à leur époque. Les conflits juridiques associés ont stimulé davantage le discours sur la propriété intellectuelle, les droits des artistes et le premier amendement. Au-delà de leur nature controversée, ces peintures murales omniprésentes sont devenues un cadre privilégié pour les photographies des touristes et des étudiants en art, et ont été fréquemment utilisées dans les campagnes publicitaires et les productions hollywoodiennes. Malgré de fréquentes dégradations, les peintures murales IATBA ont été systématiquement repeintes par René.
Franco le Grand, largement reconnu comme le « Picasso de Harlem », est un artiste de rue de renommée internationale, réputé pour sa forme d'art innovante. Après l'assassinat de Martin Luther King Jr. en 1968, des troubles civils généralisés ont conduit les propriétaires d'entreprises de Harlem à installer des barrières de sécurité métalliques sans fioritures sur leurs devantures de magasins. En 1978, Franco a transformé cette conséquence négative en une expression artistique positive en développant une nouvelle forme d'art sur ces portails en acier. Depuis lors, il a peint plus de 200 portes le long de la 125e rue, de ses extrémités ouest à est, généralement le dimanche lorsque les commerces sont fermés. Par conséquent, la 125e rue à Harlem est familièrement appelée « Franco's Blvd », un témoignage de ses magnifiques peintures ornant les portes métalliques du commerce.
Crossover commercial
Un certain nombre d'artistes de rue ont acquis une reconnaissance internationale pour leurs créations, passant avec succès du domaine du street art au monde de l'art grand public, certains maintenant parallèlement leur pratique dans les espaces publics. Keith Haring était une figure pionnière parmi les artistes de rue des années 1980 qui ont réalisé ce croisement. En outre, l’esthétique traditionnelle du graffiti et du street art a été progressivement intégrée dans la publicité grand public, ce qui a donné lieu à de nombreux cas où des artistes sont mandatés comme graphistes pour des entreprises. Par exemple, le graffeur Haze a contribué à la conception de polices et de graphismes pour des groupes de musique de premier plan tels que les Beastie Boys et Public Enemy. Les affiches de rue de Shepard Fairey représentant Barack Obama, alors candidat à la présidence, ont été spécialement adaptées pour la campagne présidentielle grâce à une commande, et une variante de cette œuvre a été présentée sur la couverture du magazine Time. De plus, il est courant que les artistes de rue créent leur propre entreprise de marchandisage.
La notoriété élevée d'artistes comme Banksy a conféré une reconnaissance artistique significative au street art. Par conséquent, le street art est devenu une attraction culturelle importante dans de nombreux centres urbains européens. Certains artistes organisent désormais des visites guidées du street art local, offrant un aperçu des fondements conceptuels de diverses œuvres, des motivations du marquage et du contenu thématique véhiculé par les graffitis. Des villes comme Berlin, Londres, Paris et Hambourg proposent régulièrement des visites d'art de rue populaires tout au long de l'année. Londres, par exemple, proposerait dix options distinctes de visites de graffitis aux visiteurs. De nombreux voyagistes, dont Alternative London, ParisStreetArt et AlternativeBerlin, mettent l'accent sur les collaborations avec des artistes locaux pour garantir aux visiteurs une expérience authentique plutôt qu'un récit standardisé.
Un nombre important de ces guides touristiques sont des peintres, des diplômés en beaux-arts et d'autres professionnels de la création qui utilisent le street art comme moyen d'exposer leurs créations. Cette dimension commerciale leur permet de faire découvrir au public le monde du street art et de favoriser une compréhension plus profonde de ses origines. Il a été avancé que la popularité croissante du street art contribue aux processus de gentrification.
Considérations juridiques et éthiques
Le street art se heurte fréquemment à des complexités juridiques. Les parties impliquées peuvent comprendre l'artiste, le gouvernement municipal, le bénéficiaire prévu et le propriétaire de la structure ou de la surface où l'œuvre d'art est exposée. Une illustration notable des dilemmes juridiques, moraux et éthiques potentiels est apparue à Bristol, en Angleterre, en 2014. Les Mobile Lovers de Banksy, peints à l'origine sur du contreplaqué apposé sur une porte publique, ont ensuite été retirés par un citoyen dans l'intention de le vendre afin de collecter des fonds pour un club de garçons. Le gouvernement de la ville a ensuite confisqué l'œuvre d'art et l'a transférée dans un musée. Ayant pris connaissance de la situation, Banksy a légué la pièce au citoyen d'origine, présumant que ses intentions étaient légitimes. Dans ce cas, comme dans des cas similaires, les litiges concernant la propriété, la propriété publique, l'intrusion et le vandalisme nécessitent une résolution juridique.
Protection des droits d'auteur
En 2005, la publication de Banksy, Wall and Piece, comportait une note de l'éditeur déclarant : "Le droit d'auteur est pour les perdants ©™".
En vertu des lois américaines, les œuvres d'art de rue sont éligibles à la protection du droit d'auteur à condition qu'elles soient légalement installées et satisfassent à deux critères supplémentaires : l'originalité inhérente et la fixation sur un support tangible. Cette protection du droit d'auteur s'étend pendant toute la vie de l'artiste, plus 70 ans supplémentaires. Dans les cas de création collaborative entre deux artistes, les deux parties détiendraient la propriété conjointe des droits d'auteur. Les artistes de rue conservent également des droits moraux sur leurs créations, distincts des droits économiques conférés par le droit d'auteur, englobant le droit à l'intégrité et le droit à l'attribution. Récemment, le street art a gagné une reconnaissance croissante de la part des critiques d'art, ce qui a conduit à des cas où de grandes entreprises ont été confrontées à des poursuites judiciaires pour utilisation non autorisée de cet art dans des campagnes publicitaires. Par exemple, le détaillant de mode rapide H&M a utilisé le street art de Jason « Revok » Williams dans une série publicitaire. En réponse à la notification « Cease and Desist » de Williams, H&M a engagé une action en justice, affirmant que l'œuvre d'art, étant un « produit d'une conduite criminelle », n'était pas éligible à la protection du droit d'auteur. Cette perspective juridique a des précédents, notamment dans les affaires Villa c. Pearson Education et celles impliquant Moschino et Jeremy Tierney. Dans les trois cas susmentionnés, des règlements ont été conclus avant qu'une décision judiciaire ne soit rendue sur la légalité de l'œuvre d'art. Les entreprises optent généralement pour des règlements à l'amiable pour éviter des litiges coûteux et prolongés.
En ce qui concerne la destruction du street art, les États-Unis ont invoqué le Visual Artists Rights Act (VARA) pour intégrer les droits moraux dans la législation sur le droit d'auteur. Dans les affaires English c. BFC & R East 11th Street LLC et Pollara c. Seymour, il a été déterminé que VARA ne s'appliquait pas aux œuvres d'art installées illégalement. En outre, une distinction a été établie entre les œuvres amovibles et non amovibles, stipulant que les œuvres d'art facilement démontables ne peuvent être détruites, quel que soit leur statut juridique. Un élément crucial examiné par le tribunal dans cette dernière affaire était de savoir si l'œuvre d'art possédait une « stature reconnue ».
Dans une affaire judiciaire accordant 6,7 millions de dollars à un groupe d'artistes, le tribunal a déterminé que l'œuvre d'art avait été créée sans l'autorisation du propriétaire du bâtiment et qu'un facteur important était la démolition prématurée, suggérant une intention délibérée.
Art de rue, art de guérilla et graffiti
Les graffitis comprennent généralement des éléments textuels stylisés, représentant souvent un groupe ou une communauté spécifique, conçus pour transmettre des messages publics qui restent obscurs pour les observateurs externes. En revanche, le street art se caractérise par l’incorporation d’images, d’illustrations ou de symboles destinés à communiquer un message spécifique. Malgré ces distinctions, le graffiti et le street art présentent plus de points communs qu’une simple genèse commune. Une caractéristique distinctive du street art, qui contribue à sa perception positive du public, est sa tendance à présenter des messages universellement compréhensibles.
Bien que ces formes d'art possèdent de nombreuses distinctions, leurs similitudes s'étendent au-delà de leurs origines communes. Le graffiti et le street art représentent des expressions artistiques fréquemment motivées par des aspirations à la reconnaissance, à l’exposition du public et à la critique culturelle. Que les artistes opèrent de manière anonyme, élaborent des communications énigmatiques ou défendent des causes spécifiques, un désir répandu de visibilité, de reconnaissance et d'expression émotionnelle les unit.
Le concept d'art de rue englobe diverses définitions, y compris la désignation « art de guérilla ». Les deux termes caractérisent les œuvres d’art publiques stratégiquement positionnées avec une signification et un objectif délibérés. Ces œuvres peuvent être exécutées de manière anonyme pour aborder des sujets controversés susceptibles de provoquer des réactions indésirables, ou elles peuvent être attribuées à des artistes confirmés. Quelle que soit la terminologie utilisée, ces créations artistiques servent principalement de véhicule aux artistes pour exprimer leurs points de vue sur divers sujets et préoccupations sociétales.
Semblable au graffiti, une caractéristique fondamentale du street art est sa création fréquente dans les espaces publics sans ou au mépris de l'autorisation du propriétaire. Une différenciation principale entre ces formes apparaît dans le deuxième attribut de l’art de rue ou de guérilla : sa représentation et son affichage délibérés d’actes non conformes destinés à défier l’environnement environnant. Ce défi peut se manifester par des critiques granulaires abordant des préoccupations spécifiques à une communauté ou par des déclarations générales abordant des problèmes mondiaux sur une plateforme publique.
Cette conceptualisation élucide l'association de « l'art de guérilla » avec cette pratique et cette conduite artistiques particulières. Le terme tire son origine de la guérilla historique, caractérisée par des attaques incontrôlées et imprévisibles dépourvues de règles d'engagement formelles. Une telle guerre s’écartait considérablement du combat conventionnel et formalisé qui prévalait historiquement dans les conflits militaires. Dans le discours du street art, « l'art de guérilla » fait métaphoriquement référence à la critique libre, imprévue et souvent anonyme de l'artiste des structures ou des normes sociétales.
La question de savoir si le simple placement de l'art dans la voie publique constitue le street art a été soulevée ; Nicholas Riggle, dans un examen plus critique de la distinction entre graffiti et street art, postule qu '«une œuvre d'art est du street art si - et seulement si - son utilisation matérielle de la rue est interne à sa signification». Pour le street artiste, la rue n’est pas une table rase. Au lieu de cela, il possède un caractère, une utilité, une histoire, une texture et une forme inhérents. Le street art, aux côtés de formes d’art urbain plus larges, transforme l’environnement urbain ou initie le discours public. Justin Armstrong distingue le graffiti comme une occupation esthétique des espaces, tandis que le street art urbain se caractérise par la réutilisation de ces environnements.
Sculpture de guérilla
La sculpture de guérilla implique le placement non autorisé d'œuvres sculpturales dans des environnements publics, une pratique issue du street art en Angleterre à la fin du XXe siècle. Au-delà du placement non conventionnel de ces œuvres, leur création fait souvent appel à un large éventail de techniques. Les artistes opèrent généralement clandestinement et illégalement, fabriquant et installant ces pièces sous le couvert de la nuit, enveloppant ainsi leurs origines et leurs créateurs dans l'anonymat. Ces sculptures servent de support aux artistes pour exprimer leurs perspectives et impliquer des publics inaccessibles par les méthodes d'exposition publique conventionnelles. De tels actes d’expression artistique ne sont pas entrepris pour solliciter l’acceptation ou l’admiration du public ; en effet, ils provoquent parfois l'indignation des téléspectateurs.
Un exemple notable concerne l'installation non autorisée d'une sculpture d'Edward Snowden sur une colonne du Fort Greene Park, à New York, qui est apparue du jour au lendemain. D'autres œuvres sculpturales intègrent des arrière-plans bidimensionnels avec un élément tridimensionnel, comme en témoigne la pièce de Banksy de 2014, Spy Booth. Cette œuvre particulière présentait une fresque murale peinte sur un mur de Cheltenham, en Angleterre, représentant des personnages d'espionnage de l'époque de la guerre froide vêtus de trench-coats et de fedoras, équipés d'outils d'espionnage tels que des microphones et des magnétophones à bobine, interceptant apparemment les communications d'une cabine téléphonique endommagée.
Après le retrait de la statue d'Edward Colston lors des manifestations de Black Lives Matter à Bristol, l'artiste Marc Quinn a installé sa sculpture, A Surge of Power (Jen Reid), sur le mur. socle vacant le 15 juillet 2020. Cette œuvre d'art grandeur nature, fabriquée à partir de résine noire et d'acier, s'est inspirée d'une image largement diffusée de la manifestante Jen Reid levant le poing lors de la manifestation de Bristol, qui a ensuite attiré l'attention de Quinn. Le conseil municipal de Bristol a retiré la statue le 16 juillet 2020.
Le concept de « sculpture de guérilla institutionnalisée » se distingue de la sculpture de rue non autorisée, qui reçoit l'autorisation officielle des organismes civiques et peut être commercialisée. Un exemple est l'artiste néerlandais Florentijn Hofman, qui a produit en 2007 Rubber Duck, une interprétation monumentale d'un jouet de bain classique.
En Amérique latine, en particulier au Mexique, le terme antimonumento est apparu, désignant une forme de sculpture de guérilla politique ou, plus largement, une installation non autorisée d'une œuvre d'art politiquement chargée. Ces installations servent à dénoncer l’inaction de l’État et à reconquérir l’espace public. Généralement, un antimonumento est érigé lors d'une manifestation et, comme l'observe Márcio Seligmann-Silva, "correspond à un désir de se remémorer activement le passé (douloureux)." De telles œuvres commémorent fréquemment des problèmes tels que les disparitions, les massacres, la migration et le féminicide.
Le phénomène d'acceptation du public à l'égard du street art mérite d'être examiné.
Bien que le street art soit omniprésent à l'échelle mondiale, sa popularité artistique généralisée est un développement relativement récent. La perception du public à l'égard du street art a subi un changement substantiel, conduisant à son acceptation sociale et à son respect dans certains lieux publics. Néanmoins, la dégradation non autorisée de biens privés ou publics, quelle que soit leur valeur artistique ou leur message, reste largement illégale.
Au départ, les graffitis constituaient la seule forme d'art de rue et étaient largement perçus comme un acte délinquant de démarcation territoriale et de communication rudimentaire. Historiquement, une démarcation nette existait entre les créations d'un artiste de rue et l'acte de taguer une propriété publique ou privée ; cependant, cette frontière s’est progressivement estompée à mesure que les artistes contemporains naviguent de plus en plus dans l’espace entre ces deux pratiques. Les connaisseurs du street art renommé reconnaissent que l'essence du genre est intrinsèquement liée à son médium urbain. Ces œuvres d'art sont intrinsèquement susceptibles d'être altérées ou détruites, étant donné leur création sur des surfaces publiques ou privées n'appartenant pas à l'artiste ni officiellement sanctionnées par les propriétaires. Cette prise en compte de l'impermanence potentielle de l'art et du placement public, souvent non autorisé, de ces œuvres leur confère collectivement un sens et contribue à la popularité croissante du street art. En outre, au cours du XXIe siècle, plusieurs villes américaines ont lancé des programmes visant à intégrer la poésie dans le ciment des trottoirs, parfois par le biais de concours publics pour de nouvelles compositions.
En rupture potentielle avec les positions historiques anti-musée et anti-commercialisation de certains artistes de rue, une exposition dédiée au street art « urbain » a débuté au musée de Peterborough, au Royaume-Uni, le 11 décembre 2021. Les billets pour la soirée d'avant-première étaient au prix de 5 £ du PIB, l'entrée générale ultérieure coûtant 8 £ par pièce. individu. Cette exposition a été annoncée comme possédant « une importance nationale majeure [au Royaume-Uni] », mettant en vedette des artistes tels que Banksy, Damien Hirst, My Dog Sighs, les Connor Brothers, Pure Evil et Blek le Rat. Le musée de Bristol présente notamment du street art et des sculptures depuis l'événement de « rachat » de Banksy en 2009.
Le rôle du street art dans les mouvements d'embellissement urbain est également un sujet de discussion important.
Compte tenu de ses divers avantages et de son retour sur investissement souvent substantiel, le street art constitue un instrument de transformation pour les entreprises, les établissements d'enseignement, les quartiers et les municipalités, favorisant des communautés plus sûres, plus dynamiques et inspirantes. Cette tendance est de plus en plus reconnue ces derniers temps. Des organisations telles que Beautify Earth ont lancé des initiatives encourageant les villes à exploiter ces avantages, cultivant ainsi un attrait esthétique généralisé dans les espaces muraux publics qui autrement resteraient vacants ou détériorés.
Selon un article du The Washington Post de Sydney Page, une étude de sécurité intitulée "Asphalt Art Safety Study", menée par Bloomberg Philanthropies en collaboration avec le cabinet de conseil Sam Schwartz, a révélé que les passages pour piétons ornés de peintures murales réduisent considérablement l'incidence de accidents à ces endroits.
Variations régionales
Les manifestations d'art de rue présentent une diversité régionale considérable, influencée par les pratiques culturelles autochtones, les structures juridiques en vigueur et les trajectoires de développement urbain. Les sections suivantes détaillent les concentrations importantes et les attributs distinctifs du street art à l'échelle mondiale.
Amérique du Nord
Canada
Montréal est devenue une plaque tournante importante des arts urbains, en grande partie grâce au Festival MURAL, créé en 2013, qui a facilité la création de plus de 80 peintures murales au Plateau-Mont-Royal. D'autres quartiers, dont Villeray, le centre-ville de Montréal, Le Sud-Ouest et Hochelaga-Maisonneuve, ainsi que divers quartiers artistiques, élargissent progressivement la présence du street art dans la ville. De plus, le festival annuel de graffiti Under Pressure, reconnu comme le plus grand d'Amérique du Nord, a commémoré son 25e anniversaire en 2021.
Toronto possède une scène artistique du graffiti remarquable.
Historiquement, la scène du graffiti et du street art de Calgary était relativement modeste ; cependant, le récent lancement du Beltline Urban Mural Project (BUMP) a attiré des artistes internationaux pour produire de vastes peintures murales dans le centre-ville.
États-Unis
La ville de New York constitue un pôle d'attraction mondial pour les artistes. Au cours des années 1980, le street art « post-graffiti » a proliféré dans les quartiers alors sous-utilisés de Manhattan, notamment SoHo, le Lower East Side et certaines parties de l'East Village. Le quartier des arts de Chelsea est ensuite apparu comme un autre quartier important, où les galeries locales accueillent fréquemment des expositions formelles de créations d'artistes de rue. À Brooklyn, les quartiers de Williamsburg et Dumbo, notamment ceux adjacents au waterfront, sont reconnus pour leur street art. Bushwick, à Brooklyn, abrite le quartier non officiel des peintures murales de la ville de New York, dont la conservation est assurée par The Bushwick Collective, une organisation à but non lucratif.
Chicago expose un large éventail de formes émergentes de street art, avec des artistes de premier plan tels que Matthew Hoffman, connu pour son projet You Are Beautiful, Sentrock, Jc Rivera (The Bear Champ) et Hebru Brantley, dont les œuvres sont largement visibles dans toute la ville.
En Pennsylvanie, Philadelphie et Pittsburgh mettent en œuvre des programmes qui allouent des fonds aux agences qui font appel à des artistes de rue pour embellir les murs urbains. Le programme d'art mural de Philadelphie, fondé en 1984, a contribué à la réputation de la ville en tant que « ville des peintures murales ». Cette initiative a été conçue pour réorienter les talents des graffeurs vers des efforts plus constructifs. Parallèlement, les peintures murales soutenues par le Sprout Fund à Pittsburgh ont été reconnues comme le « Meilleur art public » par le Pittsburgh City Paper en 2006.
Le street art d'Atlanta est principalement concentré dans les quartiers d'Old Fourth Ward et de Reynoldstown, dans le tunnel de Krog Street et le long du corridor ferroviaire BeltLine de 22 miles encerclant le centre-ville. En 2011, Atlanta a créé un groupe de travail sur les graffitis. Alors que la ville a désigné certaines peintures murales comme exemptées de l'intervention du groupe de travail, le processus de sélection a notamment omis le site populaire du tunnel de la rue Krog. Les œuvres d’art produites dans le cadre de la conférence annuelle d’art de rue Living Walls, organisée par Atlanta, ont également été protégées. Cependant, les mesures coercitives prises par le groupe de travail, y compris l'arrestation d'artistes classés comme vandales, ont provoqué l'opposition de la communauté, certains critiques jugeant les initiatives de la ville « mal orientées » ou « futiles ». À la suite d'un procès intenté par un groupe d'artistes en 2017, la ville d'Atlanta a accepté de suspendre l'application d'une ordonnance exigeant l'approbation municipale des peintures murales situées sur une propriété privée. Une ressource complète, l'Atlanta Street Art Map, documente plus de 200 œuvres d'art de rue dans la ville, détaillant leurs images et leurs emplacements.
Sarasota, en Floride, accueille chaque année le Sarasota Chalk Festival, un événement d'art de rue, depuis sa création en 2007. Une initiative dérivée autonome, Going Vertical, soutient la création d'art de rue ; cependant, certaines de ces œuvres ont été supprimées par la suite en raison d'une controverse.
Le quartier des arts de Los Angeles est reconnu pour sa vaste collection de peintures murales de rue. D'autres endroits importants incluent le quartier d'Hollywood et des artères telles que Sunset Boulevard, La Brea, Beverly Boulevard, La Cienega et Melrose Avenue. LAB ART Los Angeles, créé en 2011, consacre ses 6 500 pieds carrés d'espace de galerie à la présentation du street art. La collection présente des œuvres d'artistes locaux, notamment Alec Monopoly, Annie Preece, Smear et Morley.
Le Mission District de San Francisco, plaque tournante du mouvement Mission School, expose une forte densité d'art de rue, en particulier le long de Mission Street, ainsi que de Clarion et Balmy Alleys. De plus, des zones telles que Hayes Valley, SoMa, Bayview-Hunters Point et Tenderloin sont reconnues pour leurs contributions à la scène du street art.
Les quartiers d'East Village, Little Italy, North Park et South Park de San Diego présentent des œuvres d'art de rue réalisées par des artistes tels que VHILS, Shepard Fairey, Tavar Zawacki (également connu sous le nom CI-DESSUS), Space Invader et Os Gêmeos. Des peintures murales de divers artistes mexicains sont exposées bien en vue au Chicano Park, dans le quartier de Barrio Logan. Chicano Park, créé à la suite d'une prise de possession de terres communautaires en 1970, a commémoré son 52e anniversaire en 2022. Sa collection de plus de 80 peintures murales illustre diverses facettes de la culture latino-américaine, allant de l'esthétique des lowriders à l'imagerie des guerriers aztèques. Les expressions artistiques visaient à favoriser le respect et la reconnaissance, transformant les perceptions de ces espaces. Par conséquent, ces lieux sont devenus des symboles d’activisme et de fierté culturelle, plutôt que d’être perçus comme des sites de vandalisme. Après la pandémie de COVID-19, Ground Floor Murals a produit des œuvres reconnaissant les communautés multiculturelles de San Diego, mettant en vedette des personnalités comme le chanteur mexicain Vicente Fernández, des joueurs des San Diego Padres et des membres notables de la communauté locale. Leur fresque inaugurale représentait la légende des Padres, Tony Gwynn, à City Heights.
Richmond, en Virginie, présente plus de 100 peintures murales, dont beaucoup ont été créées par des artistes, dont de nombreux anciens élèves et étudiants actuels de l'école des arts de la Virginia Commonwealth University. Ces peintures murales proviennent de diverses sources, notamment de commandes privées de particuliers et d'entreprises, d'artistes de rue indépendants et d'initiatives collaboratives de collecte de fonds.
Pendant des décennies, les artistes de rue de Denver ont amélioré le paysage urbain en utilisant les ruelles de la ville, les extérieurs des bâtiments, les entrepôts, les portes de garage et les devantures de magasins comme toiles. La ville de Denver dispose d'une zone désignée, le River North Art District (RiNo), dédiée à la présentation du travail des artistes locaux. La majorité des artistes du quartier de RiNo reçoivent des commandes de propriétaires d'entreprises locales cherchant à orner leurs bâtiments avec des images vibrantes.
Mexique
Le street art est apparu au Mexique à la fin des années 1980, apparaissant initialement à Mexico sur des immeubles multifamiliaux des quartiers nord et dans le métro. Par la suite, l'art urbain et les graffitis sont devenus partie intégrante de l'identité culturelle des communes de la métropole. Actuellement, de nombreuses associations et groupes participent activement à la création et à l'identification de lieux d'art urbain à Mexico et dans l'ensemble du pays. Un large éventail d'artistes, comprenant à la fois des talents émergents et établis, issus d'horizons nationaux et internationaux, ont apporté leur travail au pays. À Oaxaca, des collectifs de gravure politiques tels que ASARO, Colectivo Subterráneos et Lapiztola créent des gravures collées au blé qui abordent les droits des autochtones et les préoccupations de justice sociale.
De plus, des plateformes médiatiques comme All City Canvas se spécialisent dans la promotion de l'art urbain au Mexique, en Amérique latine et dans le monde. En 2012, All City Canvas a été le pionnier de la création d'un festival d'art de rue au Mexique, visant à intégrer des initiatives internationales et à exposer l'art urbain pendant une semaine à Mexico. Plus récemment, ils ont collaboré avec des artistes notables, notamment Vhils, It's a Living et Bier in Brood, pour produire plusieurs peintures murales dans le cadre de la All City Canvas Global Series dans diverses villes du Mexique et des États-Unis. L'objectif premier de l'initiative est de générer un impact sociétal à travers des créations artistiques à grande échelle. Cette approche a facilité le développement d'un langage universel autour de cette expression artistique.
Amérique du Sud
Buenos Aires est réputée pour ses vastes peintures murales et œuvres d'art publiques, en particulier dans ses stations de métro et divers espaces publics. L'émergence du street art dans la capitale argentine remonte au milieu des années 1990, initiée par des artistes qui s'étaient auparavant engagés dans des mouvements similaires en Europe et dans d'autres pays d'Amérique du Sud. Alfredo Segatori, connu sous le nom de « Pelado », est reconnu comme l'un des artistes de rue pionniers d'Argentine. Il a commencé son travail en 1994 et a remporté la distinction pour la plus grande fresque murale du pays, qui s'étend sur plus de 2 000 mètres carrés.
La prédominance de bâtiments destinés à la démolition offre de nombreuses toiles vierges à un large éventail d'artistes, écrasant souvent la capacité des autorités à retirer leurs créations. Les éléments thématiques communs explorés par les "Grafiteiros" dans leur art de rue et leur pichação - un graffiti noir distinctif ressemblant à une rune - incluent la "densité de population" et "l'anxiété urbaine", fréquemment interprétées comme des expressions de conflit de classe.
Les artistes de rue brésiliens de premier plan comprennent Claudio Ethos, Os Gêmeos, Vitche, Onesto et Herbert Baglione.
Bogota possède de nombreux murs dédiés au street art, révélateurs d'une solide culture artistique. mouvement. Les visiteurs peuvent observer diverses installations murales dans des endroits tels que l'Avenida El Dorado (TransMilenio), l'Avenida Suba et le quartier historique de La Candelaria. De plus, le Distrito Graffiti (quartier des graffitis) sert d'espace organisé, supervisé par des organismes gouvernementaux, présentant plus de 600 œuvres d'artistes colombiens et internationaux.
Au départ, le street art à Caracas véhiculait principalement des thèmes politiques, les premières œuvres au Venezuela exprimant souvent soit une dissidence, soit un soutien aux dirigeants contemporains. Au fil du temps, le street art vénézuélien a connu une évolution. Tandis que les œuvres politiquement chargées continuent à occuper une place importante, les récits culturels s'intègrent de plus en plus dans le paysage artistique.
Europe
Au cours des années 2010, Londres est devenue l'un des principaux centres mondiaux de l'art du graffiti. Malgré la condamnation officielle et une application stricte, le street art recueille un soutien public substantiel et est largement adopté, comme en témoignent les personnages en bâton distinctifs de Stik. La Dulwich Outdoor Gallery, une initiative collaborative avec Street Art London, fonctionne comme un espace d'exposition en plein air à Dulwich, dans le sud-est de Londres, présentant des interprétations du street art inspirées des peintures traditionnelles hébergées dans la Dulwich Picture Gallery.
Bristol possède une scène de street art remarquable, en partie attribuable à la reconnaissance mondiale de Banksy, ce qui donne lieu à de nombreuses peintures murales expansibles et vibrantes qui caractérisent diverses zones urbaines.
Ostende, en Belgique, est le lieu d'un festival international de street art. En 2018, la publication d'art américaine Juxtapoz qualifiait The Crystal Ship de « festival d'art qui devient rapidement l'un des événements annuels majeurs du street art dans le monde », une description qui reflète fidèlement sa position actuelle. Créé en 2016, The Crystal Ship revitalise chaque année Ostende en invitant des artistes de rue de renom à s'inspirer des habitants, de l'environnement et de l'héritage culturel de la ville. Le conservateur Bjorn Van Poucke est le fer de lance de cette importante initiative de street art, qui présente des œuvres d'artistes tels que Axel Void (USA), Paola Delfín (Mexique), Escif (ES), Miss Van (FR), Sebas Velasco (ES), Elian (AR) et Wasted Rita (PT), transformant collectivement le paysage urbain.
Paris accueille une scène street art dynamique, mettant en vedette des artistes comme Space Invader, Jef Aérosol, SP 38 et Zevs. La genèse du street art en France est parfois attribuée au mouvement lettriste des années 1940 et aux slogans situationnistes qui ont commencé à apparaître sur les murs parisiens à la fin des années 1950. Dans les années 1960, des artistes du Nouveau Réaliste tels que Jacques de la Villeglé, Yves Klein et Arman se sont engagés dans les espaces publics ; cependant, à l’instar du pop art, ils ont maintenu la dynamique conventionnelle studio-galerie. L'installation de rue de Christo et Jeanne-Claude de 1962, Rideau de Fer (Rideau de fer), est fréquemment citée comme l'un des premiers exemples d'art de rue non autorisé. Au cours des années 1970, les œuvres in situ de Daniel Buren ont émergé dans le métro parisien. Blek le Rat et le mouvement Figuration Libre ont pris de l'importance dans les années 1980. Le 13ème arrondissement défend activement le street art à travers son projet « Street Art 13 ». Cette initiative présente deux fresques remarquables de l'artiste londonien D*Face : "L'amour ne nous déchirera pas" et "Turncoat". D'octobre 2014 à mars 2015, la Fondation EDF a présenté l'exposition de Jérôme Catz, "#STREET ART, L'INNOVATION AU CŒUR D'UN MOUVEMENT", qui présentait les nouvelles technologies intégrées aux œuvres d'artistes tels que Shepard Fairey, JR, Zevz et Mark Jenkins. Cette exposition a obtenu la distinction d'être la deuxième exposition la plus visitée à EDF depuis sa création en 1990. La pratique de l'artiste de rue John Hamon consiste principalement à projeter ou à apposer des affiches de ses photographies au-dessus de son nom sur divers bâtiments et monuments de la ville.
Le street art ornait continuellement le mur de Berlin tout au long de la division de l'Allemagne ; par la suite, la scène du street art berlinois a continué à prospérer après la réunification, accueillant des artistes comme Thierry Noir, Tavar Zawacki (également connu sous le nom d'ABOVE) et SP 38. Après l'ère post-communiste, les loyers abordables et les structures délabrées ont favorisé l'émergence du street art dans des quartiers comme Mitte, Prenzlauer Berg, Kreuzberg et Friedrichshain. En 2016, StreetArtNews a lancé un projet d'art urbain sous l'égide d'Urban Nation Berlin, impliquant la participation de plusieurs artistes de renom.
Tartu, la deuxième plus grande ville d'Estonie, a été désignée capitale nationale du street art. Contrairement à la position de Tallinn contre les graffitis, Tartu est reconnue pour accueillir le festival d'art de rue Stencibility et pour sa collection diversifiée d'œuvres de nombreux artistes.
La scène du street art grec est active depuis la fin des années 1980, connaissant un essor à Athènes jusqu'à la crise financière nationale de 2011. Durant cette période, de nombreux artistes ont exprimé leur résistance, créant des pièces allégoriques et des commentaires sociaux dans le centre-ville historique et le quartier d'Exarhia. Le New York Times a publié un article examinant la crise dans le contexte du street art et des expressions artistiques plus larges. Les œuvres du street artiste Bleepsgr, dont les créations sont souvent qualifiées d'« artivisme », sont visibles dans des quartiers comme Psiri.
En Espagne, Madrid et Barcelone sont reconnues comme les villes où la prévalence des graffitis est la plus élevée, tandis que Valence, Saragosse et Málaga possèdent également des communautés d'art de rue actives.
L'Italie maintient une présence très active dans le street art depuis la fin des années 1990, avec des artistes de premier plan tels que BLU, 108 et Sten Lex.
Amsterdam possède une riche histoire du street art. Au milieu des années 1960, le mouvement de contre-culture Provo avait déjà commencé à utiliser la rue publique comme support artistique. Robert Jasper Grootveld, membre du mouvement, a inscrit des phrases telles que « Klaas komt » (anglais : « Klaas arrive ! ») à travers la ville. À la fin des années 1970, de jeunes artistes associés à la culture punk ont commencé à créer des œuvres sur les surfaces dégradées de la ville. Les artistes notables de cette génération « No Future » incluent le Dr Rat et Hugo Kaagman, un pionnier de l'art du pochoir qui a produit son premier pochoir en 1978. Au début des années 1980, Yaki Kornblit a facilité l'exposition d'artistes graffeurs new-yorkais tels que Blade, Dondi, Futura 2000 et Rammellzee dans sa galerie d'Amsterdam. Cette initiative a inspiré la jeunesse locale, conduisant à l'émergence d'une nouvelle génération d'écrivains de style, dont le travail a ensuite été documenté dans le film « Kroonjuwelen » de 2006. Des artistes tels que Delta, Shoe, Jaz, Cat22, High, Again et Rhyme ont apporté une contribution significative au paysage du street art de la ville. Au début des années 1990, Amsterdam était devenue une plaque tournante du mouvement graffiti, en particulier grâce à son système de métro, qui attirait des écrivains comme Mickey, Zedz et Yalt dans la capitale néerlandaise. Le street art figuratif est devenu de plus en plus répandu dans les rues de la ville au tournant du siècle. Des artistes tels que Morcky, Wayne Horse, The London Police et Laser 3.14 ont transmis des messages à travers leurs œuvres d'art de rue.
Bergen est reconnue comme la capitale norvégienne du street art. L'artiste de rue britannique Banksy a visité la ville en 2000, incitant de nombreuses personnes à s'engager dans le street art. Dolk, un artiste de rue local de premier plan à Bergen, expose ses œuvres dans toute la ville. En 2009, le conseil municipal de Bergen a opté pour la préservation de l'une des œuvres de Dolk, en l'enfermant dans un verre de protection.
En 2011, le conseil municipal a mis en œuvre un plan stratégique pour le street art s'étendant de 2011 à 2015, visant à garantir que « Bergen sera à la pointe de la mode du street art en tant qu'expression à la fois en Norvège et en Scandinavie. »
La ville de Stavanger accueille le NuArt annuel. Festival, un événement engagé dans la promotion du street art et reconnu comme l'un des plus anciens festivals d'art de rue au monde. Nuart Plus est un symposium industriel et universitaire dédié au street art, qui a lieu chaque année en septembre. En revanche, Oslo maintient traditionnellement une interdiction stricte des graffitis et du street art, bien que le projet NuArt RAD, sanctionné, modifie actuellement cette approche.
Le street art est apparu en Suède dans les années 1990 et est depuis devenu la méthode prédominante d'installation d'art public. Le livre de Benke Carlsson de 2007, "Street Art Stockholm", fait la chronique du street art dans la capitale nationale.
La scène du street art finlandais a connu une croissance significative à partir des années 1980 jusqu'en 1998, lorsque la ville d'Helsinki a lancé une politique de tolérance zéro pendant dix ans. Cette politique criminalisait toutes les formes d'art de rue, imposant des amendes substantielles et faisant appel à des sociétés de sécurité privées pour faire respecter la loi. La politique s'est terminée en 2008, conduisant ensuite à la création d'espaces d'art légaux et de collectifs artistiques désignés.
L'art du graffiti à la pâte de blé et au pochoir au Danemark a connu une prolifération rapide à la suite des visites de Faile, Banksy, Ben Eine et Shepard Fairey entre 2002 et 2004, en particulier dans les quartiers urbains de Copenhague, notamment Nørrebro et Vesterbro. Copenhague est la base de TEJN, l'artiste reconnu pour être le pionnier du genre street art Lock On.
La scène street art en Suisse mettait en vedette l'artiste Harald Nägeli à la fin des années 1970. Les activités ultérieures, commençant dans les années 1990, ont impliqué des artistes tels que Toast et NEVERCREW.
Depuis l'effondrement du communisme en 1989, le street art a pris de l'importance en Pologne tout au long des années 1990. Des artistes comme Sainer et Bezt ont été reconnus pour leurs créations murales à grande échelle sur des bâtiments et des murs dans les années 2010. En 2011, la ville de Łódź a financé une exposition municipale permanente, « Galerie des formes urbaines », sous le patronage de la maire Hanna Zdanowska. Cette exposition présentait des œuvres d'éminents artistes de rue polonais et de personnalités de renommée internationale. Bien qu’elles soient largement adoptées par le public, les autorités accordant occasionnellement des autorisations aux artistes pour décorer les espaces publics, d’autres propriétés continuent d’être illégalement ciblées par les artistes. Varsovie et Gdańsk sont d'autres villes polonaises dotées d'une culture du street art florissante.
En juin 2011, en Bulgarie, un monument commémorant les soldats de l'armée soviétique a été modifié par des artistes de rue anonymes. Les soldats du monument, situé à Sofia, ont été modifiés pour représenter Ronald McDonald, le Père Noël, Superman et d'autres personnages. Le monument est resté dans cet état altéré plusieurs jours avant sa restauration. Certains citoyens ont plaidé pour la préservation des modifications.
Mariupol, en Ukraine, a présenté des peintures murales de bâtiments qui ont pris une signification symbolique lors des invasions russes de l'Ukraine en 2014 et 2022. En 2018, l'artiste ukrainienne Sasha Korban a peint la fresque murale Milana sur la façade d'un immeuble de Marioupol, représentant Milana Abdurashytova, 3 ans, survivante d'une attaque de missile pro-russe en 2015, comme emblème de résilience. Cette fresque a ensuite été détruite fin 2022 lors de l’occupation russe de Marioupol. Toujours en 2022, l'artiste italien Jorit a peint une fresque représentant une jeune fille australienne, identifiée grâce à une recherche d'images en ligne de « nattes », sur la façade d'un autre bâtiment à Marioupol, affirmant initialement que le sujet était une fille du Donbass qui avait résidé à Marioupol. La représentation d'une bombe étiquetée « OTAN » dans la fresque, située dans une ville largement ciblée par les bombardements russes, ainsi que son lien perçu avec l'œuvre d'art détruite de Korban, ont suscité les critiques de médias tels que Il Giornale et le site de journalisme d'investigation Valigia Blu.
Moscou est devenue un centre important pour les graffeurs russes et les visiteurs internationaux au cours des années 2000. La Street Kit Gallery, créée en 2008, est spécialisée dans le street art et propose des expositions et des activités dans des galeries, des lieux éphémères et des espaces publics urbains. La Biennale internationale du jeune art de Moscou 2009 comportait une section dédiée au street art. Parmi les artistes de premier plan figurent Make, RUS et Interesni Kazki, basé à Kiev, qui opèrent également à Miami et à Los Angeles. En 2012, la chaîne britannique BBC a mis en avant le travail de l'artiste de rue moscovite Pavel 183.
La dissolution de l'Union soviétique a doté la Géorgie de vastes environnements urbains propices au développement du street art. Bien qu’il s’agisse d’un phénomène naissant en Géorgie, la popularité du street art connaît une croissance rapide. La majorité des artistes de rue géorgiens se trouvent principalement à Tbilissi. Le street art constitue un moyen puissant permettant aux jeunes artistes d'exprimer leur désaccord sur de nombreuses questions sociales et politiques controversées en Géorgie, gagnant ainsi une reconnaissance sociétale significative. Les artistes clés de ce mouvement incluent Gagosh, TamOonz et Dr.Love.
Sarajevo est devenue un centre important du street art en Europe du Sud-Est au cours des années 2010. La ville accueille à la fois le festival d'art de rue de Sarajevo et le célèbre festival d'art de rue en 3D, Beton Fest. Le Festival d'art de rue de Sarajevo a lieu chaque année en juillet sur trois jours, proposant un programme diversifié comprenant de nombreux spectacles de rue, la création d'un nouveau quartier bohème d'art de rue, des concerts, la peinture de grandes peintures murales et la présentation de diverses autres expressions artistiques créatives. Beton Fest, unique en son genre, est le seul festival d'art de rue 3D en Europe du Sud-Est et a présenté de nombreux artistes de rue éminents, dont Vera Bugatti, Giovanna la Pietra, Tony Cuboliquido et Manuel Bastante, entre autres.
Asie
Inde
En Inde, le street art était historiquement répandu, les artistes de rue produisant fréquemment du matériel promotionnel pour des films et des séries télévisées. Cependant, l’art numérique supplante progressivement les affiches peintes à la main. De 1960 aux années 1990, les affiches de rue se sont révélées efficaces et ont trouvé un écho auprès du public. Dans les années 1990, les affiches peintes à la main ont commencé à être remplacées par des bannières flexibles à l'extérieur des théâtres. Après les années 2000, l’importance des affiches de rue a diminué, laissant la place à des alternatives imprimées numériquement. Par conséquent, les formes traditionnelles d'art de rue, notamment la peinture et le dessin, ont connu un déclin en Inde, largement imputable à l'adoption des affiches numériques.
Malaisie
À George Town, Penang, l'artiste lituanien Ernest Zacharevic a réalisé une série de peintures murales illustrant la culture, les habitants et la vie quotidienne des autochtones. Ces peintures murales sont désormais reconnues comme des monuments culturels importants de George Town, les Enfants à vélo devenant l'un des lieux les plus fréquemment photographiés de la ville. Depuis leur création, la scène street art locale est florissante.
Corée du Sud
À Busan, la deuxième plus grande ville de Corée du Sud, le peintre allemand Hendrik Beikirch a réalisé une fresque murale de plus de 70 mètres (230 pieds) de hauteur, qui était, une fois achevée en août 2012, considérée comme la plus haute d'Asie. La peinture murale monochrome représente un pêcheur. Le projet a été facilité par Public Delivery.
Thaïlande
Une importante collection d'art de rue réalisée par des artistes de premier plan se trouve dans le quartier de Bang Rak à Bangkok, plus précisément le long de Soi Charoen Krung 28-32, entre Charoen Krung Road et la rivière Chao Phraya.
Moyen-Orient
Israël
Les quartiers du sud de Tel-Aviv, dont Florentin dans les années 1990, sont passés de zones industrielles à des quartiers animés d'art de rue. Les artistes ont utilisé ses garages désaffectés et ses façades détériorées pour réaliser des peintures murales politiques, de la poésie hébraïque, des inscriptions religieuses et des dialogues artistiques complexes. Les artistes éminents de la communauté du street art de Tel Aviv comprennent Dede, Klone, Broken Fingaz Crew, Know Hope, Kis-Lev et Sigalit Landau. Selon Lord K2, rapporté dans un article du *Times of Israel*, cette résurgence culturelle a contribué à la gentrification, conduisant à la délocalisation d'une partie importante de la scène du graffiti. Simon Durban, l'ancien conservateur de Banksy, devrait organiser une exposition à Tel Aviv en 2025.
Émirats Arabes Unis
À Dubaï, la plus grande ville des Émirats arabes unis, de nombreux artistes de renom ont réalisé des œuvres murales urbaines sur divers bâtiments dans le cadre d'une initiative lancée par StreetArtNews, qui a ensuite été désigné Dubai Street Museum.
Océanie
Australie
Le street art est répandu dans les grandes villes et les villes régionales d'Australie.
Melbourne est reconnue pour posséder l'une des cultures de street art les plus dynamiques et les plus variées au monde, ayant donné naissance à des pionniers dans le domaine du pochoir. D'éminents artistes de rue, dont Blek le Rat et Banksy, ont fréquemment présenté leurs œuvres dans les rues de Melbourne au cours des années 2000. Les conseils locaux soutiennent et préservent activement ces expressions artistiques. Les endroits importants de la ville comprennent Brunswick, Carlton, Fitzroy, Northcote et le quartier central des affaires, en particulier le célèbre Hosier Lane.
La scène du street art de Sydney est remarquable pour les graffitis et le street art que l'on trouve dans le quartier de Newtown. Le conseil municipal de Brisbane approuve les graffitis sur les panneaux de signalisation et autres espaces publics ; cependant, il a poursuivi Anthony Lister en 2016, bien que le maire adjoint David Hinchliffe ait encouragé sa peinture de boîtes de signalisation en 1999. Le Brisbane Street Art Festival est un événement annuel depuis 2016. De nombreuses administrations locales d'Australie mettent en œuvre des programmes pour peindre des boîtes de signalisation.
Nouvelle-Zélande
Dunedin a lancé le street art « officiel » en Nouvelle-Zélande, avec le peintre John Noakes créant des peintures murales uniques sur plus de soixante abribus dans les années 1980, dont beaucoup représentent des scènes locales ou des thèmes inspirés par leurs lieux. Par la suite, le conseil municipal de Dunedin a commandé une série de modèles comparables pour orner les boîtiers électriques de toute la ville. Les peintures murales de rue sont également devenues un élément important à Dunedin, avec plus de 30 œuvres d'artistes locaux et internationaux ajoutées au centre-ville, en particulier dans les zones Warehouse Precinct et Exchange, depuis qu'un festival international d'art de rue s'y est tenu au début des années 2000. Ces installations comprennent l'une des œuvres les plus hautes de Nouvelle-Zélande, une fresque murale de sept étages réalisée par Fintan Magee sur le mur de l'hôtel Southern Cross.
Christchurch a connu d'importantes dévastations suite à deux tremblements de terre en 2010 et 2011, entraînant la condamnation de 8 000 maisons et de 80 % du centre-ville. Environ deux ans et demi plus tard, la ville a accueilli son premier événement culturel majeur, le Rise Street Art Festival, qui s'est tenu au musée de Canterbury et produit par l'organisateur d'art de rue australasien Oi YOU!.
Cet événement a attiré plus de 248 000 visiteurs, ce qui en fait l'exposition la plus visitée de l'histoire du musée, et a donné lieu à la peinture de 15 peintures murales dans le centre-ville largement endommagé. Ces peintures murales sont ensuite devenues des symboles communautaires pour les efforts de revitalisation et de reconstruction de Christchurch.
Deux Oi YOU! Les festivals, tous deux opérant sous la désignation Spectrum, ont intégré de vastes expositions internes et ont encore augmenté la collection de peintures murales de la ville. Depuis le festival Rise, plus de 40 peintures murales ont été réalisées dans le centre-ville, ce qui a amené le guide Lonely Planet sur le street art mondial à présenter Christchurch comme l'une des premières villes au monde pour expérimenter cette forme d'art.
À Auckland en 2009, le conseil municipal a autorisé l'utilisation de boîtiers électriques comme toiles pour le street art. Le collectif local d'art de rue TMD (The Most Dedicated) a acquis une reconnaissance internationale en remportant le concours « Write For Gold » en Allemagne pendant deux années consécutives. Surplus Bargains représente un autre collectif local. En 2019, un bâtiment patrimonial à Auckland a été peint par Ares Artifex sans le consentement des propriétaires.
Afrique
Bien que le street art en Afrique du Sud ne soit pas aussi répandu que dans les centres urbains européens, le quartier central de Newtown à Johannesburg constitue une plaque tournante importante pour cette forme d'art au sein de la ville. Le "City Of Gold International Urban Art Festival" a eu lieu dans le quartier civique et étudiant de Braamfontein en avril 2012.
Le New York Times a rapporté l'émergence du Caire en tant que centre régional du street art en 2011. Les slogans prônant initialement le renversement du régime Moubarak ont ensuite évolué vers des motifs esthétiquement et politiquement provocateurs.
Le street art originaire d'Égypte, de Tunisie, Le Yémen et la Libye ont retenu l'attention depuis le Printemps arabe, notamment lors d'une exposition en 2012 à la Casa Árabe de Madrid.
Expositions, festivals et conférences
En 1981, le Washington Project for the Arts a organisé une exposition intitulée Street Works, qui présentait des pionniers de l'art urbain tels que Fab Five Freddy et Lee Quiñones crée de l'art directement sur la voie publique.
Le Sarasota Chalk Festival, créé en 2007, parraine le street art réalisé par des artistes initialement invités des États-Unis, puis de pays internationaux. En 2011, le festival a présenté un programme de peintures murales Going Vertical et son projet Cellograph pour compléter les dessins de rue. Des films internationaux ont été produits par et sur les artistes qui ont participé à ces programmes, leurs peintures murales, leurs dessins de rue et les événements organisés au festival.
Le Streetart Festival Istanbul, créé en 2007 par l'artiste et graphiste Pertev Emre Tastaban, représente le premier événement annuel en Turquie dédié au street art et au post-graffiti.
Living Walls, une conférence annuelle sur l'art de rue lancée en 2009, a organisé son événement de 2010 à Atlanta et son événement de 2011 en collaboration à Atlanta et à Albany, New York. L'organisation a également activement promu le street art lors de l'Art Basel Miami Beach en 2011.
Le RVA Street Art Festival, un événement organisé à Richmond, en Virginie, a débuté en 2012 le long du Canal Walk. Son édition 2013 a eu lieu sur le terrain désaffecté du GRTC sur Cary Street.
Reconnu par Guinness World Records comme le plus grand festival d'art de rue au monde, le Pasadena Chalk Festival est un événement annuel organisé à Pasadena, en Californie. Le festival 2010 a réuni environ six cents artistes et a attiré plus de 100 000 participants.
En avril 2018, l'UMA – Universal Museum of Art a inauguré « A Walk Into Street Art », une exposition complète en réalité virtuelle présentant les œuvres d'artistes tels que Banksy, JR, Jef Aérosol, Vhils, Shepard Fairey et Keith Haring.
Le London International Pasteup Festival, créé en 2021 est un événement artistique annuel à Shoreditch, à Londres, dédié à l'exposition d'œuvres d'artistes spécialisés dans les sous-genres d'autocollants et de collages.
L'Eureka Street Art Festival est un événement d'art public annuel organisé dans le comté de Humboldt, en Californie, où des artistes de Californie et du monde entier produisent des peintures murales et du street art sur une période d'une semaine. En 2018, vingt-quatre artistes ont créé vingt-deux installations d'art public dans le quartier de la vieille ville de la ville, avec un accent particulier sur Opera Alley. Le festival 2019 a concentré ses activités dans la région Centre-Ville.
Films documentaires
- Rash (2005), un long métrage documentaire produit par Mutiny Media, enquête sur l'importance culturelle du street art et des graffitis australiens.
- Bomb It (2008), un film documentaire, examine les pratiques du graffiti et du street art dans le monde.
- Sortie par la boutique de cadeaux (2010), un film documentaire de l'artiste Banksy, raconte l'histoire de Thierry Guetta.
- Style Wars (1983), un documentaire de PBS, dresse le portrait de graffeurs de New York, notamment Seen, Kase2, Dez et Dondi.
- Obey Giant (2017), un documentaire, explore la vie et la carrière de Shepard Fairey, un éminent artiste de rue, illustrateur, graphiste, activiste et fondateur d'OBEY Clothing.
Références
Références
- Street Art du Costa Rica, CR – danscape (Archivé le 9 novembre 2021)
- Street Art du Costa Rica, CR – danscape Archivé le 9 novembre 2021 à la Wayback Machine