Baroque

Il barocco, un importante movimento artistico occidentale, comprende architettura, musica, danza, pittura, scultura, poesia e varie altre forme d'arte, fiorendo dall'inizio del XVII secolo fino al 1750. La sua pronuncia è UK: bə-ROK, US: bə-ROHK e in francese: [baʁɔk]. Questo stile emerse dopo l'arte rinascimentale e il Manierismo, precedendo sia l'estetica rococò (storicamente definita "tardo barocco") che quella neoclassica. La Chiesa cattolica promosse attivamente l'arte barocca come strategia per contrastare la semplicità e l'austerità percepite delle espressioni artistiche protestanti; tuttavia, l'arte barocca luterana si è evoluta anche in alcune regioni europee.

Il Barocco (Regno Unito: bə-ROK, USA: bə-ROHK, francese: [baʁɔk]) è uno stile occidentale di architettura, musica, danza, pittura, scultura, poesia e altre arti che fiorì dall'inizio del XVII secolo fino al 1750. Seguì l'arte rinascimentale e il Manierismo e precedette lo stile rococò (in passato spesso definito "tardo barocco") e quello neoclassico. Fu incoraggiato dalla Chiesa cattolica come mezzo per contrastare la semplicità e l'austerità dell'architettura, dell'arte e della musica protestante, sebbene l'arte barocca luterana si sviluppò anche in alcune parti d'Europa.

Caratterizzato dall'uso del contrasto, del movimento dinamico, dei dettagli sontuosi, della ricca colorazione, della grandiosità monumentale e di elementi inaspettati, lo stile barocco mirava a suscitare profondo stupore. Originario di Roma all'alba del XVII secolo, lo stile si diffuse rapidamente in tutta Italia, Francia, Spagna e Portogallo, raggiungendo successivamente l'Austria, la Germania meridionale, la Polonia e la Russia. Entro il 1730, si era sviluppato in un'estetica ancora più elaborata, nota come rocaille o Rococò, che prevalse in Francia e nell'Europa centrale fino alla metà della fine del XVIII secolo. All'interno degli imperi spagnolo e portoghese, inclusa la penisola iberica, lo stile barocco persistette, insieme a nuovi stili emergenti, fino all'inizio del XIX secolo.

Nell'ambito delle arti decorative, lo stile barocco si distingue per i suoi ornamenti abbondanti ed elaborati. Sebbene la divergenza dal classicismo rinascimentale si manifestasse in modo univoco nelle diverse nazioni, una caratteristica coerente era l’uso fondamentale di elementi ornamentali stabiliti durante il Rinascimento. Il repertorio classico divenne altamente congestionato, denso, sovrapposto e pesantemente carico, progettato per creare un impatto visivo sorprendente. I nuovi motivi introdotti dall'era barocca includono cartiglio, trofei e armi, cesti di frutta o fiori e altri elementi eseguiti in intarsio, stucco o intagli.

Origini etimologiche

Il termine inglese barocco deriva direttamente dal francese. Alcuni studiosi suggeriscono che la parola francese abbia origine dal termine portoghese barroco, che significa "perla imperfetta", potenzialmente collegato al latino verruca ("verruca") o a una parola che incorpora il suffisso romanzo -ǒccu (prevalente nell'Iberia preromana). Al contrario, altre prospettive accademiche identificano un termine logico latino medievale, baroco, come la fonte etimologica più probabile.

Durante il XVI secolo, il termine latino medievale baroco trascese la sua applicazione originaria nella logica scolastica, venendo impiegato per descrivere qualsiasi cosa percepita come eccessivamente intricata. Il filosofo francese Michel de Montaigne (1533–1592) contribuì notevolmente al termine baroco (che rese come Barroco) acquisendo la connotazione di 'bizzarro' o 'inutilmente complicato'. Ulteriori riferimenti antichi collegano barocco a concetti come magia, complessità, disordine e stravaganza.

Prima del XVIII secolo, il termine barocco era anche collegato a perle di forma irregolare. Sia il barocco francese che il barroco portoghese erano spesso usati nel contesto della gioielleria. Ad esempio, un inventario del 1531 dei tesori di Carlo V di Francia utilizzava il termine per caratterizzare le perle. Successivamente, la parola apparve in un'edizione del 1694 di Le Dictionnaire de l'Académie Française, definendo il barocco come "impiegato esclusivamente per perle imperfettamente rotonde". Allo stesso modo, un dizionario portoghese del 1728 caratterizza barroco come pertinente a una "perla grossolana e irregolare".

Un'ipotesi etimologica alternativa per la parola barocco suggerisce la sua origine nel nome del pittore italiano Federico Barocci (1528–1612).

Durante il XVIII secolo, il termine cominciò ad essere applicato alla musica, inizialmente con connotazioni peggiorative. Una recensione satirica anonima della prima dell'ottobre 1733 di Jean-Philippe Rameau Hippolyte et Aricie, pubblicata nel Mercure de France a maggio 1734, presentava un critico che descrisse la novità dell'opera come "du barocque." La critica affermava che la musica mancava di coerenza melodica, era piena di dissonanze, mostrava frequenti cambiamenti di tonalità e metro e impiegava rapidamente ogni tecnica compositiva disponibile.

Nel 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française documentò che il termine poteva denotare figurativamente qualcosa di "irregolare, bizzarro, o disuguale."

Jean-Jacques Rousseau, filosofo, musicista e compositore, scrisse nell'Encyclopédie del 1768 che "la musica barocca è caratterizzata da un'armonia confusa, abbondanti modulazioni e dissonanze. La sua pronuncia vocale è aspra e artificiale, l'intonazione presenta difficoltà e il movimento è limitato. Questo termine sembra aver origine da 'baroco', una parola usata dai logici."

Nel 1788, Quatremère de Quincy fornì una definizione del termine all'interno dell'Encyclopédie Méthodique, descrivendolo come "uno stile architettonico caratterizzato da estesi ornamenti e da un'estetica tormentata".

I francesi le espressioni stile barocco e musica barocca furono documentate nel Le Dictionnaire de l'Académie Française nel 1835. Verso la metà del XIX secolo, critici e storici dell'arte si era appropriato del termine barocco per denigrare l'arte post-rinascimentale. Questa connotazione peggiorativa era evidente nel suo utilizzo da parte dell'eminente storico dell'arte Jacob Burckhardt nel 1855, il quale affermò che gli artisti barocchi "disprezzavano e abusavano dei dettagli" a causa della loro percepita assenza di "rispetto per la tradizione".

Nel 1888, lo storico dell'arte Heinrich Wölfflin pubblicò il primo importante trattato accademico sullo stile, intitolato Renaissance und Barock. Quest'opera ha chiarito le distinzioni tra pittura, scultura e architettura dei periodi rinascimentale e barocco.

Architettura: origini e caratteristiche

Lo stile architettonico noto come Barocco emerse dalle dottrine stabilite dalla Chiesa cattolica durante il Concilio di Trento (1545–1563), convocato come risposta alla Riforma protestante. Inizialmente, la prima fase della Controriforma imponeva un approccio rigoroso e accademico all'architettura religiosa, che ebbe risonanza tra gli intellettuali ma non riuscì a coinvolgere la congregazione più ampia. Di conseguenza, il Concilio di Trento scelse di rivolgersi a un pubblico più ampio, decretando che le espressioni artistiche dovessero trasmettere narrazioni religiose con risonanza immediata ed emotiva. Allo stesso tempo, l'arte barocca luterana si è evoluta come un distinto identificatore confessionale, in reazione alla grande iconoclastia perpetrata dai calvinisti.

Le strutture ecclesiastiche barocche presentavano ampie navate centrali, posizionando i fedeli in prossimità dell'altare, sotto un'alta cupola o cupola che ammetteva ampia luce nel santuario. La cupola costituiva un elemento simbolico fondamentale nell'architettura barocca, a significare la convergenza dei regni celesti e terreni. L'interno della cupola era sontuosamente adornato con raffigurazioni di angeli e santi, accanto a statuette di angeli in stucco, creando così l'illusione per gli osservatori sottostanti di guardare direttamente il cielo. Un'ulteriore caratteristica delle chiese barocche è l'inclusione della quadratura: dipinti a trompe-l'œil sul soffitto, spesso inseriti all'interno di cornici in stucco reali o dipinte, densamente popolate di immagini di santi e angeli e integrate con elementi architettonici come balaustre e mensole. Le composizioni in Quadratura con atlanti posizionati sotto le cornici davano l'impressione di sostenere il soffitto della chiesa. In contrasto con i soffitti della Cappella Sistina di Michelangelo, che presentavano scene distinte, ciascuna con la sua prospettiva individuale destinata alla visione sequenziale, i dipinti barocchi del soffitto erano meticolosamente realizzati per garantire che uno spettatore sul pavimento della chiesa percepisse l'intero soffitto in una prospettiva accurata, come se le figure raffigurate possedessero una realtà tangibile.

Durante il periodo alto barocco, gli interni delle chiese barocche aumentarono progressivamente negli ornamenti, incentrati prevalentemente sull'altare, tipicamente situato sotto la cupola. Tra le realizzazioni decorative dell'Alto Barocco più famose ci sono la Cattedra di San Pietro (1647–1653) e il Baldacchino di San Pietro (1623–1634), entrambe creazioni di Gian Lorenzo Bernini, situate all'interno della Basilica di San Pietro a Roma. Il baldacchino di San Pietro esemplifica l'equilibrio dei contrasti dell'estetica barocca: la sua scala colossale è giustapposta alla leggerezza percepita del baldacchino, e le robuste colonne tortili realizzate in bronzo, oro e marmo si oppongono ai fluidi drappeggi degli angeli che adornano il baldacchino. La Frauenkirche di Dresda è un notevole esempio di arte barocca luterana, completata nel 1743 sotto il patrocinio del consiglio comunale luterano di Dresda, e fu "paragonata dagli osservatori del XVIII secolo a San Pietro a Roma".

La colonna tortile, spesso incorporata negli interni delle chiese, rappresenta un segno distintivo caratteristico dello stile barocco. Questo elemento architettonico conferisce sia un senso dinamico di movimento che un metodo innovativo e drammatico per la riflessione della luce.

I cartigli costituivano un elemento distintivo dell'ornamentazione barocca. Queste placche sostanziali, tipicamente scolpite nel marmo o nella pietra, erano spesso ovali con una superficie convessa. Presentavano immagini o testi dorati ed erano posizionati strategicamente come decorazioni interne o sopra gli ingressi degli edifici, trasmettendo messaggi agli osservatori. Esibendo una notevole diversità artistica, i cartigli apparivano in un ampio spettro di strutture, che andavano dalle grandi cattedrali e palazzi alle modeste cappelle.

Gli architetti barocchi occasionalmente impiegavano la prospettiva forzata per generare illusioni ottiche. Un esempio notevole è il progetto di Francesco Borromini per Palazzo Spada a Roma, dove utilizzò colonne progressivamente più piccole, un pavimento convergente e una statua da giardino in miniatura per creare la percezione di un passaggio lungo trenta metri, nonostante la sua lunghezza effettiva fosse di soli sette metri. Di conseguenza, una statua posizionata all'estremità del passaggio, che misura appena sessanta centimetri di altezza, appare a grandezza naturale. Borromini ha sviluppato questa illusione in collaborazione con un matematico.

Barocco italiano

La Chiesa del Gesù, completata a Roma nel 1584, presentava la prima facciata barocca della città. Sebbene modesto rispetto ai successivi progetti barocchi, rappresentò un significativo allontanamento dai precedenti stili architettonici rinascimentali. L'interno della chiesa mantenne un'estetica severa fino al periodo alto barocco, quando subì decorazioni estese e opulente.

Nel 1605, Paolo V diede inizio a una tendenza papale a Roma, commissionando numerose basiliche e strutture ecclesiastiche destinate a evocare profonde emozioni e riverenza attraverso l'abbondanza di forme, colori vibranti ed effetti teatrali. I principali monumenti del primo barocco includevano la facciata della Basilica di San Pietro (1606–1619) e la navata e la loggia di nuova costruzione, che integravano la facciata con la cupola preesistente di Michelangelo. Questo design innovativo stabilì una sorprendente giustapposizione tra la cupola elevata e l'ampia facciata, ulteriormente accentuata dal contrasto tra le colonne doriche e il massiccio portico sulla facciata stessa.

Lo stile barocco raggiunse il suo apice tra la metà e la fine del XVII secolo, un periodo successivamente designato come Alto Barocco. I papi Urbano VIII e Alessandro VII commissionarono numerosi progetti monumentali in quest'epoca. Gian Lorenzo Bernini, eminente scultore e architetto, concepì un nuovo quadruplo colonnato che circondava Piazza San Pietro (1656–1667). Le tre gallerie con colonne, disposte in una vasta ellisse, fanno da contrappunto visivo all'immensa cupola, conferendo alla chiesa e alla piazza un senso di coesione e la grandiosità di un teatro colossale.

Francesco Borromini emerse come un altro innovatore fondamentale dell'alto barocco italiano, con la sua opera fondamentale che fu la Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane (San Carlo delle Quattro Fontane) (1634-1646). La qualità dinamica di questa struttura non deriva dai suoi ornamenti, ma dall'ondulazione intrinseca delle sue pareti e dall'interazione di forme concave e convesse, in particolare una torre ovale e un balcone integrati in una sezione concava. L'interno si rivelò altrettanto innovativo, caratterizzato da uno spazio principale ovale sormontato da una cupola ovale.

I soffitti dipinti in modo elaborato, densamente popolati di angeli, santi e illusioni architettoniche trompe-l'œil, costituivano una caratteristica significativa dell'alto barocco italiano. Esempi importanti includono L'ingresso di Sant'Ignazio in Paradiso (1685–1695) di Andrea Pozzo nella chiesa di Sant'Ignazio a Roma e Il trionfo del nome di Gesù (1669–1683) di Giovanni Battista Gaulli nella chiesa del Gesù a Roma, che in particolare raffigurava figure che sembravano estendersi oltre la cornice, insieme a drammatiche luci oblique e forti chiaroscuri. contrasti.

Lo stile barocco si diffuse rapidamente da Roma in altre regioni italiane. A Venezia si manifestò in Santa Maria della Salute (1631–1687) di Baldassare Longhena, una struttura ottagonale eccezionalmente innovativa sormontata da una cupola colossale. Anche Torino abbracciò lo stile, in particolare nella Cappella della Sacra Sindone di Guarino Guarini (1668–1694). Inoltre, l’estetica barocca cominciò a influenzare l’architettura palatina; Guarini progettò il Palazzo Carignano a Torino, mentre Longhena progettò Ca' Rezzonico sul Canal Grande (1657), che Giorgio Massari completò poi e ornò con dipinti di Giovanni Battista Tiepolo. A seguito di una serie di devastanti terremoti avvenuti in Sicilia, molte strutture hanno richiesto la ricostruzione, molte delle quali sono state ricostruite nello sfarzoso stile tardo barocco o rococò.

Barocco spagnolo

La Chiesa cattolica in Spagna, in particolare l'ordine dei Gesuiti, fu l'impulso principale per l'architettura barocca spagnola. La Cappella di San Isidro a Madrid, iniziata nel 1643 da Pedro de la Torre, costituisce l'opera inaugurale significativa in questo stile. Presentava un sorprendente contrasto tra una decorazione esterna eccezionalmente ricca e un interno caratterizzato da semplicità, spazi segmentati ed effetti di luce strategici progettati per evocare un senso di mistero. La Cattedrale di Santiago di Compostela subì un ammodernamento barocco a partire dalla fine del XVII secolo, a cominciare da un elaborato campanile (1680). Successivamente fu affiancato da due torri ancora più alte e decorate, conosciute come Obradorio, costruite tra il 1738 e il 1750 da Fernando de Casas Novoa. Un altro importante esempio di barocco spagnolo è la torre della cappella del Palazzo di San Telmo a Siviglia, progettata da Leonardo de Figueroa.

Granada, dopo essere stata riconquistata dai Mori nel XV secolo, sviluppò una propria variante distintiva dell'architettura barocca. L'artista Alonso Cano, abile pittore, scultore e architetto, fu responsabile della progettazione degli interni barocchi della Cattedrale di Granada tra il 1652 e la sua scomparsa nel 1657. Questo interno è degno di nota per la sua drammatica interazione di massicce colonne bianche e opulenti abbellimenti dorati.

La forma più elaborata e sontuosamente decorata dell'architettura barocca spagnola è chiamata stile churrigueresco, dal nome dei fratelli Churriguera, le cui opere principali furono eseguite a Salamanca. e Madrid. I loro contributi includono gli edifici che circondano la piazza principale di Salamanca, Plaza Mayor (1729). Questo stile barocco altamente ornamentale esercitò una notevole influenza su numerose chiese e cattedrali erette dagli spagnoli nelle Americhe.

Altri illustri architetti barocchi spagnoli del tardo periodo includono Pedro de Ribera, un discepolo di Churriguera, che progettò il Real Hospicio de San Fernando a Madrid. Narciso Tomé è noto anche per aver creato la celebre pala d'altare El Transparente nella Cattedrale di Toledo (1729-1732), che, in specifiche condizioni di illuminazione, genera l'illusione di un movimento verso l'alto.

L'impatto degli architetti barocchi spagnoli si estese significativamente oltre la Spagna, influenzando profondamente la progettazione delle chiese costruite nelle colonie spagnole dell'America Latina e delle Filippine. Un esempio lampante è la chiesa costruita dai gesuiti per il Collegio San Francisco Javier a Tepotzotlán, caratterizzata dalla facciata e dalla torre barocche riccamente ornate.

Barocco olandese

L'architettura barocca olandese rappresenta un'interpretazione unica e discreta dello stile barocco più ampio, profondamente plasmato dall'ambiente culturale, religioso e politico della Repubblica olandese durante il XVII secolo. In contrasto con l’esuberante e teatrale architettura barocca prevalente nelle regioni cattoliche come l’Italia e la Spagna, la manifestazione olandese privilegiava la sobrietà, l’equilibrio e la chiarezza. Questa moderazione rifletteva i valori protestanti della Repubblica e l'etica pragmatica di una prospera società mercantile che apprezzava allo stesso modo la funzionalità e la forma estetica.

Piuttosto che impiegare curve drammatiche e ornamenti sontuosi, l'architettura barocca olandese è caratterizzata dalla simmetria, dall'aderenza alle proporzioni classiche e da un'applicazione giudiziosa di elementi decorativi. Influenzate dal classicismo rinascimentale e dalle opere di architetti come Jacob van Campen e Pieter Post, le strutture mostrano spesso facciate ordinate, pilastri, frontoni e abbellimenti misurati con precisione. Il mattone fungeva da materiale da costruzione predominante, spesso integrato da accenti di pietra naturale, rafforzando così sia la durabilità strutturale che il contenimento visivo. Edifici civici, municipi e residenze private esemplificano questo stile, con il Palazzo Reale di Amsterdam che si erge come uno dei suoi monumenti più iconici.

In definitiva, l'architettura barocca olandese incarna una distinta espressione nazionale dello spirito barocco, che privilegia la dignità rispetto alla teatralità e l'armonia rispetto alla stravaganza. Illustra come un movimento artistico internazionale potrebbe adattarsi alle tradizioni e ai valori locali, dando vita a uno stile che è allo stesso tempo inequivocabilmente barocco e unicamente olandese.

Europa centrale

Tra il 1680 e il 1750, l'Europa centrale, che comprendeva l'Austria, la Boemia e la Polonia sudoccidentale, vide la costruzione di numerose cattedrali, abbazie e chiese di pellegrinaggio riccamente decorate. Alcune di queste strutture adottarono lo stile rococò, un'estetica distinta, più vistosa e asimmetrica che emerse dal barocco e successivamente lo sostituì nell'Europa centrale durante la prima metà del XVIII secolo, prima di essere sostituita dal classicismo.

Anche i governanti di numerosi stati all'interno di questa regione preferirono lo stile barocco o rococò per i loro palazzi e residenze, spesso ingaggiando architetti di formazione italiana per la loro costruzione.

La Chiesa di San Nicola (Malá Strana) a Praga, costruita tra il 1704 e il 1755 da Christoph Dientzenhofer e suo figlio Kilian Ignaz Dientzenhofer, esemplifica questo stile. Le sue pareti interne sono ampiamente adornate. L'altare, situato all'interno della navata sotto la cupola centrale, è circondato da cappelle, con illuminazione che discende sia dalla cupola che da queste cappelle circostanti. Questo altare è incorniciato da una complessa disposizione di archi, colonne, balaustre curve e pilastri realizzati in pietra colorata, il tutto riccamente impreziosito da statue. Questo intricato design offusca intenzionalmente la distinzione tra elementi strutturali ed elementi decorativi, trasformando lo spazio architettonico in uno spettacolo dinamico di luce, colore e movimento.

In Polonia, il periodo barocco polacco influenzato dall'Italia si estese dall'inizio del XVII alla metà del XVIII secolo, caratterizzato da un'enfasi su dettagli elaborati e colorazioni vibranti. La Chiesa dei Santi Pietro e Paolo a Cracovia, progettata da Giovanni Battista Trevano, è considerata il primo edificio barocco nella Polonia contemporanea e rimane altamente riconoscibile. Eretta nel 1644, la Colonna di Sigismondo a Varsavia si distingue come il primo monumento barocco secolare al mondo a forma di colonna. Lo stile residenziale sontuoso trovò la sua epitome nel Palazzo Wilanów, costruito tra il 1677 e il 1696. Il più importante architetto barocco attivo in Polonia fu l'olandese Tylman van Gameren, i cui contributi significativi includono la chiesa di San Kazimierz e il Palazzo Krasiński di Varsavia, la Chiesa di Sant'Anna a Cracovia e il Palazzo Branicki a Białystok. Tuttavia, la Chiesa Fara di Poznań, con dettagli di Pompeo Ferrari, è spesso considerata l'esempio più celebre del barocco polacco. Dopo la Guerra dei Trent'anni e in conformità con la Pace di Vestfalia, furono erette due caratteristiche strutture barocche in canniccio e fango: la Chiesa della Pace a Jawor e la Chiesa della Pace della Santissima Trinità a Świdnica, che collettivamente rappresentano i più grandi templi barocchi in legno d'Europa.

Architettura barocca in Germania

All'interno del Sacro Romano Impero, numerosi stati nel territorio dell'odierna Germania cercarono di affermare il proprio prestigio attraverso magnifiche costruzioni barocche. Architetti di spicco di quest'epoca includevano Johann Bernhard Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt e Dominikus Zimmermann in Baviera, Balthasar Neumann a Brühl e Matthäus Daniel Pöppelmann a Dresda. In Prussia, Federico II si ispirò al Grand Trianon del Palazzo di Versailles, adottandolo come precedente architettonico per la sua residenza estiva, Sanssouci, a Potsdam, progettata da Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Un altro esempio significativo di architettura sontuosa barocca è lo Zwinger a Dresda, che fungeva da ex orangerie per il palazzo degli Elettori di Sassonia nel XVIII secolo.

La Basilika Vierzehnheiligen, conosciuta anche come Basilica dei Quattordici Santi Ausiliatori, rappresenta un ottimo esempio di architettura ecclesiastica rococò. Questa chiesa di pellegrinaggio si trova vicino a Bad Staffelstein, vicino a Bamberga, in Baviera, nel sud della Germania. Progettata da Balthasar Neumann e costruita tra il 1743 e il 1772, la sua pianta presenta una sequenza di cerchi intrecciati che circondano un ovale centrale, con l'altare posizionato precisamente al centro della chiesa. L'ornamento interno di questa basilica rappresenta l'apice dell'arte decorativa rococò. Un altro esempio significativo dello stile è la Chiesa del pellegrinaggio di Wies (tedesco: Wieskirche), concepita dai fratelli J. B. e Dominikus Zimmermann. Situata nelle Prealpi, nel comune di Steingaden nel distretto bavarese di Weilheim-Schongau, la sua costruzione avvenne dal 1745 al 1754. L'interno fu adornato con affreschi e stucchi, secondo la tradizione della scuola di Wessobrunner. Questo sito è ora riconosciuto come patrimonio mondiale dell'UNESCO.

Architettura barocca francese

L'architettura barocca francese si è evoluta distintamente dalle manifestazioni barocche regionali più elaborate e drammatiche presenti in Italia, Spagna e in altre parti d'Europa. Caratterizzato da un'estetica relativamente severa, distaccata e sobria, prefigurava il neoclassicismo e i principi architettonici dell'Illuminismo. A differenza delle strutture italiane, gli edifici barocchi francesi mancano di frontoni spezzati o facciate curvilinee. Anche le costruzioni religiose evitavano l'intenso dinamismo spaziale caratteristico dell'opera di Borromini. Questo stile è intimamente legato ai progetti commissionati da Luigi XIV (regnò dal 1643 al 1715), portando alla sua designazione alternativa come stile Luigi XIV. Sebbene Luigi XIV avesse invitato il maestro barocco Bernini a proporre un progetto per la nuova ala est del Louvre, il monarca alla fine preferì uno schema più classico presentato da Claude Perrault e Louis Le Vau.

Architetti di spicco di questo stile includevano François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (responsabile della chiesa di Val-de-Grâce, 1645–1665) e Louis Le Vau (progettista di Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart fu il primo architetto a integrare elementi barocchi nel vocabolario architettonico francese, in particolare attraverso la frequente applicazione di un ordine applicato e un pesante bugnato. Sebbene non sia stato lui a inventare il tetto a mansarda, il suo uso diffuso da parte di Mansart portò all'associazione con il suo nome.

Un'impresa reale significativa di questo periodo fu l'espansione del Palazzo di Versailles, iniziata nel 1661 da Le Vau, con la decorazione interna supervisionata dal pittore Charles Le Brun. André Le Nôtre progettò meticolosamente i giardini per completare e valorizzare la grandiosità architettonica. L'elemento centrale, la Galerie des Glaces (Sala degli Specchi), adornata con i dipinti di Le Brun, fu costruito tra il 1678 e il 1686. Mansart completò il Grand Trianon nel 1687 e la cappella, progettata da Robert de Cotte, fu terminata nel 1710. Dopo la morte di Luigi XIV, Luigi XV commissionò il più intimo Petit Trianon e un elaborato teatro. Le fontane del giardino erano posizionate strategicamente per offrire viste spettacolari dall'interno del palazzo. Versailles servì da modello per altri monarchi europei, in particolare Pietro il Grande di Russia, che, dopo averla visitata durante il primo regno di Luigi XV, costruì una tenuta simile, il Palazzo Peterhof, vicino a San Pietroburgo dal 1705 al 1725.

Barocco portoghese

L'architettura barocca in Portogallo ha abbracciato circa due secoli, comprendendo la fine del XVII e l'intero XVIII secolo. Durante i regni di Giovanni V e Giuseppe I, un periodo caratterizzato dall'assolutismo reale, l'aumento delle importazioni di oro e diamanti fornì le risorse finanziarie per far fiorire il barocco portoghese.

L'architettura barocca portoghese si distingue per il suo contesto storico unico e uno sviluppo cronologico distinto rispetto ad altre manifestazioni europee.

Questa particolarità è modellata da una confluenza di fattori politici, artistici ed economici, che hanno generato fasi multiple e integrato diverse influenze esterne. La miscela unica che ne risulta viene spesso interpretata erroneamente dagli osservatori che cercano paralleli con il barocco italiano, poiché presenta forme e caratteristiche specifiche che definiscono la sua identità unicamente portoghese. Un elemento significativo è la tradizione architettonica gesuitica, nota anche come "stile semplice" (Estilo Chão o Estilo Plano), che, come suggerisce il nome, è caratterizzata da un'estetica più semplice e un po' austera.

Queste strutture presentano tipicamente basiliche a camera singola, una profonda cappella principale e cappelle laterali dotate di piccole porte di collegamento. Inizialmente prive di ornamenti interni ed esterni, presentano un semplice portale e finestre. Questo design pratico facilitò la diffusione della costruzione in tutto l'impero con modifiche minime, consentendo successive decorazioni man mano che le risorse economiche diventavano disponibili.

In effetti, la fase iniziale del barocco portoghese non soffriva di scarsità di strutture, poiché lo "stile semplice" si prestava facilmente alla trasformazione. Attraverso l'applicazione di elementi decorativi come la pittura e la piastrellatura, questi spazi disadorni potevano essere convertiti in ambienti barocchi elaborati e opulenti, un principio applicabile anche agli esterni. Questa adattabilità intrinseca ha consentito una facile personalizzazione ai gusti in evoluzione e alle preferenze regionali, facilitando l'aggiunta di nuove funzionalità e dettagli, dimostrandosi così sia pratici che economici.

Beneficiando dell'aumento della popolazione e della maggiore prosperità economica, le regioni settentrionali, in particolare Porto e Braga, hanno sperimentato una significativa rinascita architettonica. Questo rinnovamento è evidente nella vasta costruzione di chiese, conventi e palazzi aristocratici.

Porto è riconosciuta come un centro fondamentale per l'architettura barocca in Portogallo, con il suo nucleo storico designato come patrimonio mondiale dell'UNESCO.

Numerose strutture barocche nel quartiere storico di Porto e nelle aree circostanti sono attribuite a Nicolau Nasoni, un architetto italiano residente in Portogallo. Nasoni progettò edifici caratteristici con posizionamenti drammatici e scenografici, tra cui la Chiesa e la Torre dei Chierici, la loggia della Cattedrale di Porto, la Chiesa della Misericórdia, il Palazzo di São João Novo, il Palazzo di Freixo e il Palazzo Vescovile (portoghese: Paço Episcopal do Porto), tra molti altri.

Barocco russo

L'emergere del barocco russo, noto anche come barocco petrino, fu direttamente influenzato dall'ampia influenza di Pietro il Grande. Al suo ritorno in Russia, decise di erigere edifici comparabili a San Pietroburgo, che fu designata la nuova capitale russa nel 1712. I primi importanti esempi di architettura barocca petrina includono la Cattedrale di Pietro e Paolo e il Palazzo Menshikov.

Durante i regni di Anna ed Elisabetta, l'architettura russa fu prevalentemente modellata dall'opulento stile barocco dell'italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli, che successivamente si evolse nel barocco elisabettiano. Le notevoli realizzazioni architettoniche di Rastrelli comprendono il Palazzo d'Inverno, il Palazzo di Caterina e la Cattedrale Smolny. Altri illustri esempi di barocco elisabettiano includono il campanile della Troitse-Sergiyeva Lavra e la Porta Rossa.

A Mosca, lo stile barocco Naryshkin ottenne un'importanza diffusa, in particolare nella progettazione delle chiese ortodosse orientali durante la fine del XVII secolo. Questo stile distintivo rappresentava una sintesi dell'estetica barocca dell'Europa occidentale con elementi architettonici popolari russi tradizionali.

Architettura barocca nelle Americhe coloniali spagnola e portoghese

La colonizzazione delle Americhe da parte delle potenze europee facilitò la naturale trasmissione dello stile barocco nel Nuovo Mondo, dove trovò terreno particolarmente fertile nelle regioni sotto il dominio spagnolo e portoghese. Entrambe le nazioni erano monarchie centralizzate e fermamente cattoliche, intrinsecamente allineate con Roma e sostenitrici della Controriforma barocca. Gli artisti europei emigrarono nelle Americhe, fondando scuole artistiche e, accanto alla vasta presenza di abili missionari cattolici, promossero una diversa espressione barocca spesso influenzata dai gusti popolari. Il Criollo e gli artigiani indigeni hanno contribuito in modo significativo a conferire a questo barocco americano caratteristiche uniche. I principali centri duraturi dello sviluppo del barocco americano includono, nell'ordine, Messico, Perù, Brasile, Cuba, Ecuador, Colombia, Bolivia, Guatemala, Nicaragua, Porto Rico e Panama.

Di particolare importanza è il "barocco missionario", che emerse all'interno delle riduzioni spagnole - insediamenti indigeni organizzati dai missionari cattolici spagnoli - in una vasta area che va dal Messico e dagli Stati Uniti sudoccidentali fino all'Argentina e al Cile. Queste riduzioni miravano a convertire le popolazioni indigene al cristianesimo e a integrarle nella cultura occidentale, risultando in uno stile barocco ibrido influenzato dalle tradizioni native. Questo ambiente favorì il talento di numerosi artigiani e musicisti Criollo e indigeni, alcuni dei quali erano alfabetizzati e possedevano notevoli abilità. I resoconti dei missionari descrivono spesso l'impatto profondo, quasi ipnotico, dell'arte occidentale, in particolare della musica, sugli abitanti delle foreste, e le immagini dei santi erano spesso percepite come dotate di un grande potere. Molti nativi si convertirono, portando allo sviluppo di una nuova forma di devozione intensamente appassionata caratterizzata da misticismo, superstizione e teatralità, che si manifestava in elaborate messe festive, concerti sacri e misteri religiosi.

L'architettura barocca coloniale nell'America spagnola si distingue per i suoi abbondanti ornamenti, esemplificati dal portale della chiesa La Profesa a Città del Messico e dalle facciate adornate con azulejos in stile Puebla, come si vede nella chiesa di San Francisco Acatepec a San Andrés Cholula e la Chiesa Conventuale di San Francisco a Puebla. Questa esuberanza decorativa si intensificò nello stile churrigueresco, evidente nella facciata del tabernacolo della cattedrale metropolitana di Città del Messico di Lorenzo Rodríguez, nella chiesa di San Francisco Javier a Tepotzotlán e nella chiesa di Santa Prisca de Taxco. In Perù, le costruzioni si svilupparono principalmente a Lima, Cusco, Arequipa e Trujillo dal 1650 in poi, esibendo caratteristiche originali che precedettero addirittura il barocco europeo, come l’uso di pareti imbottite e colonne salomoniche, come osservato nella Iglesia de la Compañía de Jesús a Cusco e nella Basilica e Convento di San Francisco a Lima. Altri esempi notevoli in tutta la regione includono la Cattedrale Metropolitana di Sucre in Bolivia, la Basilica Cattedrale di Esquipulas in Guatemala, la Cattedrale di Tegucigalpa in Honduras, la Cattedrale di León in Nicaragua, la Chiesa della Compañía de Jesús a Quito, in Ecuador, la Chiesa di San Ignacio a Bogotá, in Colombia, la Cattedrale di Caracas in Venezuela, il Cabildo di Buenos Aires in Argentina, la Chiesa di Santo Domingo a Santiago, in Cile, e la Cattedrale dell'Avana in Cuba. Anche l'eccezionale qualità delle chiese all'interno delle missioni dei gesuiti spagnoli in Bolivia, delle missioni dei gesuiti spagnoli in Paraguay, delle missioni spagnole in Messico e delle missioni francescane spagnole in California merita un riconoscimento.

Lo stile architettonico del Brasile, rispecchiando quello della sua potenza metropolitana, il Portogallo, mostra una distinta influenza italiana, spesso caratterizzata da elementi borromineschi. Esempi degni di nota includono la Concattedrale di Recife (1784) e la Chiesa di Nossa Senhora da Glória do Outeiro a Rio de Janeiro (1739). Nella regione di Minas Gerais, i contributi architettonici di Aleijadinho sono particolarmente significativi, comprendendo una serie di chiese distinte per la loro pianta curva, facciate caratterizzate da effetti concavo-convessi dinamici e un approccio scultoreo a tutti i componenti architettonici (ad esempio, la Chiesa di São Francisco de Assis, Ouro Preto, 1765–1788).

Architettura barocca nell'Asia coloniale spagnola e portoghese

All'interno delle colonie portoghesi in India, in particolare Goa, Daman e Diu, emerse uno stile architettonico distintivo, che fondeva forme barocche con elementi indigeni indù. Esempi importanti includono la Cattedrale Se e la Basilica di Bom Jesus a Goa, quest'ultima è il luogo di riposo di San Francesco Saverio. L'insieme collettivo di chiese e conventi di Goa è stato dichiarato Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO nel 1986.

Le Filippine, essendo state una colonia spagnola per più di tre secoli, conservano numerose strutture barocche. Quattro di queste, insieme alla città barocca e neoclassica di Vigan, sono riconosciute patrimonio dell'umanità dall'UNESCO. Inoltre, pur mancando una classificazione formale, sia la città murata di Manila che la città di Tayabas presentano una notevole collezione di architettura di epoca barocca spagnola.

Influenze barocche in Valacchia e Moldavia

Il barocco, originario dell'Italia, è fondamentalmente uno stile artistico occidentale. Le sue influenze si estesero nell'Europa orientale, in particolare in Moldavia e Valacchia all'interno della penisola balcanica, principalmente attraverso scambi commerciali e culturali italiani. Queste influenze, tuttavia, erano generalmente moderate, manifestandosi prevalentemente nell'architettura e negli ornamenti scolpiti nella pietra, ed erano spesso integrate con elementi derivati ​​dall'arte bizantina e islamica.

Prima e dopo il crollo dell'Impero bizantino, la produzione artistica della Valacchia e della Moldavia fu prevalentemente modellata dalle influenze di Costantinopoli. Fino alla fine del XVI secolo, le piante delle chiese e dei monasteri, i murali e gli ornamenti in pietra scolpita mantennero in gran parte le loro forme tradizionali con modifiche minime. Tuttavia, con i regni di Matei Basarab (1632–1654) e Vasile Lupu (1634–1653) iniziò un periodo di trasformazione, in coincidenza con la crescente popolarità del barocco italiano. Durante quest'epoca furono incorporati nuovi elementi ornamentali e lo stile degli arredi religiosi si evolse in modo significativo. Questo cambiamento non è stato casuale; principi e motivi decorativi furono introdotti dall'Italia, attraverso Venezia o le regioni dalmate, e successivamente adottati da architetti e artigiani locali. Elementi come gli stipiti delle finestre e delle porte, le pisanie dedicatorie, le lapidi, le colonne, le ringhiere e alcuni arredi in bronzo, argento o legno acquisirono un ruolo estetico più prominente rispetto al passato. Sebbene questi elementi esistessero nella tradizione bizantina, ora adottarono un aspetto più realistico, spesso caratterizzato da delicati motivi floreali. Il lavoro in rilievo, anch'esso una caratteristica preesistente, divenne più pronunciato, esibendo maggiore volume e consistenza. In precedenza, i rilievi in ​​Valacchia e Moldavia, simili a quelli del più ampio Oriente, comprendevano tipicamente solo due livelli superficiali: uno in superficie e un altro leggermente incassato. Grandi disegni floreali, potenzialmente rose, peonie o cardi, insieme a spessi acanti o foglie simili, erano intrecciati in modo intricato attorno a colonne o porte e finestre incorniciate. Colonne e ringhiere, in particolare, dimostravano una forte influenza barocca. I capitelli divennero più elaboratamente decorati con foglie. Le colonne spesso presentavano alberi tortuosi, che rappresentavano un'interpretazione localizzata della colonna salomonica. Tra queste colonne venivano installate ringhiere massimaliste, spesso decorate con rinforzi. Alcuni esempi del Palazzo Mogoșoaia incorporano anche motivi di delfini. Occasionalmente venivano impiegati cartigli, principalmente su lapidi, come quella di Constantin Brâncoveanu. Questo movimento architettonico e di design è denominato stile Brâncovenesc, dal nome di Constantin Brâncoveanu, un sovrano valacco il cui regno (1654–1714) è strettamente associato al suo sviluppo. Lo stile persistette per tutto il XVIII secolo e in alcune parti del XIX, con molte chiese e residenze costruite da boiardi e voivodi durante questi periodi che mostravano caratteristiche di Brâncovenesc. Nonostante le chiare influenze barocche, lo stile Brâncovenesc trae sostanzialmente più ispirazione dalle tradizioni indigene.

Per tutto il XVIII secolo, durante i regni dei Fanarioti (esercitati da importanti famiglie greche del Fanar, Istanbul) in Valacchia e Moldavia, anche le influenze barocche provenivano da Istanbul. Mentre queste influenze erano già apparse nel corso del XVII secolo, il periodo fanariota facilitò la trasmissione di motivi barocchi più occidentali, che, dopo aver raggiunto l'Impero Ottomano, trovarono successivamente la loro strada nei territori dell'attuale Romania. Inoltre, la Moldavia ha ricevuto elementi barocchi dalla Russia, una regione fortemente influenzata dalle tradizioni artistiche italiane.

Pittura

I pittori barocchi si distinguevano consapevolmente dagli artisti del Rinascimento e del successivo periodo manierista. La loro tavolozza era caratterizzata da tonalità intense e calde, con un'enfasi particolare sui colori primari - rosso, blu e giallo - spesso giustapposti da vicino. Evitarono l'illuminazione uniforme caratteristica della pittura rinascimentale, impiegando invece netti contrasti di chiaroscuro per evidenziare azioni o figure centrali. Dal punto di vista compositivo, si allontanarono dalle rappresentazioni serene del Rinascimento, optando invece per momenti di maggiore movimento e intensità drammatica. In contrasto con i volti placidi prevalenti nell’arte rinascimentale, i ritratti barocchi trasmettevano vividamente stati emotivi. L'asimmetria veniva spesso impiegata, posizionando l'azione fuori centro e stabilendo assi diagonali anziché verticali o orizzontali, conferendo così un senso di instabilità e dinamismo. Questa percezione del movimento veniva ulteriormente amplificata raffigurando figure con indumenti spazzati dal vento o gesti dinamici. L’effetto cumulativo è stato di profondo movimento, emozione e drammaticità. L'allegoria costituì un altro aspetto fondamentale della pittura barocca; ogni opera trasmetteva una narrazione e un messaggio, spesso codificato attraverso simboli e figure allegoriche, che uno spettatore informato avrebbe dovuto decifrare.

Le prime manifestazioni dei concetti del Barocco italiano nella pittura emersero a Bologna, dove Annibale, Agostino e Ludovico Carracci tentarono di ristabilire le arti visive all'interno del Classicismo strutturato del Rinascimento. Tuttavia, la loro produzione artistica integrava anche i principi fondamentali della Controriforma, in particolare l'emozione intensa e l'iconografia religiosa progettata per risuonare con il sentimento piuttosto che con il puro intelletto.

Michelangelo Merisi da Caravaggio è un altro pittore molto influente dell'era barocca. La sua rappresentazione veristica della forma umana, resa direttamente da modelli dal vivo e drammaticamente illuminata su uno sfondo tenebroso, stupì i suoi contemporanei e inaugurò una nuova fase nell'evoluzione della pittura. Altri artisti di spicco strettamente affiliati allo stile barocco includono Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo e Paolo de Matteis in Italia; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo e Diego Velázquez in Spagna; Adam Elsheimer in Germania; e Nicolas Poussin, Simon Vouet, Georges de La Tour e Claude Lorrain in Francia (sebbene Poussin e Lorrain abbiano trascorso la maggior parte della loro carriera in Italia). Poussin e de La Tour, tuttavia, abbracciarono un'estetica barocca "classica", caratterizzata da una minore enfasi sulle emozioni e una maggiore attenzione alla linearità delle figure piuttosto che al colore.

Peter Paul Rubens emerse come il pittore preminente dello stile barocco fiammingo. Le composizioni intensamente dinamiche di Rubens alludevano spesso ad aspetti eruditi della storia classica e cristiana. Il suo stile barocco distintivo e ampiamente acclamato sottolineava il movimento, il colore e la sensualità, allineandosi con i principi artistici immediati e drammatici sostenuti dalla Controriforma. Rubens si specializzò nella creazione di pale d'altare, ritratti, paesaggi e dipinti storici con temi mitologici e allegorici.

Un genere significativo all'interno della pittura barocca era la Quadratura, o trompe-l'œil, una tecnica che letteralmente significa "inganna l'occhio". Queste opere d'arte venivano tipicamente eseguite sulle superfici in stucco di soffitti, pareti superiori e balaustre, creando l'illusione per gli spettatori sottostanti di ammirare regni celesti popolati da angeli, santi e altre figure divine, il tutto contrapposto a cieli simulati e fantasie architettoniche.

Nell'Italia del XVII secolo, gli artisti collaboravano spesso con gli architetti su progetti di interior design. Pietro da Cortona ha esemplificato questa tendenza, impiegando tecniche pittoriche illusionistiche. Le sue commissioni più importanti includevano gli affreschi per Palazzo Barberini (1633–39), progettati per esaltare il papato di Urbano VIII. Queste composizioni di Pietro da Cortona rappresentarono gli affreschi decorativi più estesi intrapresi a Roma dai tempi del lavoro di Michelangelo nella Cappella Sistina.

François Boucher emerse come figura di spicco nel più raffinato stile rococò francese, che si sviluppò durante il tardo barocco. Oltre ai suoi dipinti, i contributi artistici di Boucher comprendevano la progettazione di arazzi, tappeti e decorazioni teatrali. La sua opera ottenne notevoli consensi da parte di Madame de Pompadour, l'amante del re Luigi XV. I dipinti di Boucher esploravano spesso temi mitologici, romantici e sottilmente erotici.

America ispaniche

Nelle Americhe ispaniche, le prime influenze artistiche derivarono dal tenebrismo sivigliano, in particolare da Zurbarán, le cui opere rimangono conservate in Messico e Perù. Questa influenza è evidente nelle creazioni degli artisti messicani José Juárez e Sebastián López de Arteaga e del boliviano Melchor Pérez de Holguín. La scuola di pittura di Cusco ebbe origine in seguito all'arrivo nel 1583 del pittore italiano Bernardo Bitti, che introdusse il Manierismo nelle Americhe. Artisti degni di nota di questa scuola includono Luis de Riaño, allievo dell'italiano Angelino Medoro e creatore dei murali nella Chiesa di San Pedro, Andahuaylillas. Importanti furono anche i pittori indigeni (quechua) Diego Quispe Tito e Basilio Santa Cruz Pumacallao, insieme a Marcos Zapata, che produsse cinquanta grandi tele che adornavano gli alti archi della cattedrale di Cusco. In Ecuador si sviluppò la scuola di Quito, rappresentata principalmente dal meticcio Miguel de Santiago e dal criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Durante il XVIII secolo, le pale d'altare scultoree nelle Americhe cedettero progressivamente ai dipinti, facendo avanzare significativamente la pittura barocca nella regione. Allo stesso tempo, si espanse la richiesta di commissioni secolari, in particolare ritratti dell'aristocrazia e di figure ecclesiastiche. L'influenza artistica predominante era quella murillesca, anche se in alcuni casi, come nel caso del criollo Cristóbal de Villalpando, era evidente anche lo stile di Juan de Valdés Leal. I dipinti di questo periodo sono caratterizzati da una qualità più sentimentale, caratterizzati da forme più morbide e una tavolozza più dolce. Tra gli esponenti principali figurano Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos in Colombia e Juan Rodríguez Juárez e Miguel Cabrera in Messico.

Scultura

Gian Lorenzo Bernini è la figura preminente della scultura barocca. Sotto il patronato di Papa Urbano VIII, Bernini produsse una straordinaria serie di statue monumentali raffiguranti santi e altre figure, caratterizzate dalla loro vivida espressione emotiva attraverso i tratti del viso e i gesti. La sua opera comprende anche busti ritratti straordinariamente realistici ed elaborate opere decorative per il Vaticano, come l'imponente Cattedra di San Pietro situata sotto la cupola della Basilica di San Pietro. Inoltre, Bernini concepì e progettò fontane con gruppi scultorei monumentali, che adornano le principali piazze di Roma.

La scultura barocca trasse significativa ispirazione dalla statuaria romana antica, in particolare dalla famosa opera del I secolo d.C., Laocoonte e i suoi figli, scoperta nel 1506 e successivamente esposta nella Galleria Vaticana. Durante il suo 1665 raccontò notoriamente: "Quando ho avuto problemi con la mia prima statua, ho consultato Antinoo come un oracolo". Questa specifica statua Antinoo è ora identificata come Hermes del Museo Pio-Clementino.

Eminenti scultori del tardo barocco francese includevano Étienne Maurice Falconet e Jean Baptiste Pigalle. Pigalle ricevette l'incarico da Federico il Grande di creare statue per Sanssouci a Potsdam, in Germania, l'adattamento di Versailles di Federico. Falconet ha inoltre intrapreso un'importante commissione internazionale, producendo la celebre statua del Cavaliere di bronzo di Pietro il Grande, situata a San Pietroburgo.

In Spagna, lo scultore Francisco Salzillo ha dedicato la sua opera esclusivamente a temi religiosi, utilizzando legno policromo. Alcuni dei più squisiti capolavori scultorei barocchi emersero dagli altari in stucco dorato all'interno delle chiese delle colonie spagnole nel Nuovo Mondo, realizzati da artigiani indigeni. Un esempio notevole è la Cappella del Rosario a Puebla, in Messico, completata tra il 1724 e il 1731.

Mobili

Motivi decorativi di spicco includevano corna dell'abbondanza, festoni, putti, teste di leone che afferrano anelli di metallo, volti femminili incorniciati da ghirlande, cartigli ovali, foglie di acanto, colonne classiche, cariatidi, frontoni e altri elementi dell'architettura classica spesso scolpiti su mobili. Ulteriori abbellimenti comprendevano cesti traboccanti di frutta o fiori, conchiglie, armature e trofei, raffigurazioni di teste di Apollo o Bacco e volute a forma di C.

All'inizio del regno di Luigi XIV, i progetti di mobili perpetuarono in gran parte il precedente stile Luigi XIII, caratterizzato da forme sostanziali e ampi ornamenti attraverso la scultura e la doratura. Successivamente al 1680 emerse un'estetica decisamente originale e raffinata, in gran parte attribuibile al designer di mobili André-Charles Boulle, e occasionalmente denominata opera di Boulle. Questo stile si basava sull'intarsio di ebano e altri legni esotici, una tecnica originaria della Firenze del XV secolo, che Boulle e i suoi contemporanei al servizio di Luigi XIV perfezionarono e fecero avanzare meticolosamente. I mobili erano decorati con placche intarsiate realizzate in ebano, rame e vari legni esotici policromi.

Quest'epoca vide l'introduzione di diverse tipologie di mobili nuove e spesso durature. Il comò, dotato di due o quattro cassetti, sostituì il tradizionale coffre, o cassapanca. Il canapé, o divano, è emerso come una forma composita, tipicamente combinando due o tre poltrone. Si materializzarono anche nuovi design di poltrone, in particolare la fauteuil en confessionale, o "poltrona confessionale", caratterizzata da cuscini imbottiti posizionati su entrambi i lati dello schienale. Debutta anche la consolle, pensata appositamente per l'appoggio a parete. Inoltre, il table à gibier, un tavolo con il piano in marmo destinato a servire i piatti, rappresentava un'altra innovazione. Sono emerse anche le prime iterazioni della scrivania; la scrivania Mazzarino, ad esempio, era caratterizzata da una sezione centrale incassata situata tra due colonne di cassetti, ciascuna sorretta da quattro piedini.

Musica

L'appellativo Barocco denota similmente uno stile musicale prevalente in un periodo concorrente con quello dell'arte barocca. Inizialmente, il termine "barocco" veniva applicato alla musica in un contesto critico. Una critica anonima e satirica della prima dell'ottobre 1733 di Hippolyte et Aricie di Jean-Philippe Rameau, pubblicata sul Mercure de France nel maggio 1734, suggeriva che la novità dell'opera fosse "du barocque". Il critico ha lamentato l'assenza percepita della musica di una melodia coerente, la sua profusione di dissonanze incessanti, i suoi frequenti cambiamenti di tonalità e metro e il suo rapido dispiegamento di diverse tecniche compositive. Jean-Jacques Rousseau, un illustre musicista, compositore e filosofo, articolò una valutazione comparabile nel 1768 nella famosa Encyclopédie di Denis Diderot: "La musica barocca è caratterizzata da un'armonia confusa, carica di modulazioni e dissonanze. La pronuncia vocale è aspra e innaturale, l'intonazione è impegnativa e il movimento è limitato. Sembra che questo termine derivi dalla parola 'baroco' impiegata dai logici."

Il l'applicazione diffusa di questo termine alla musica dell'epoca iniziò solo nel 1919, attribuita a Curt Sachs, e il suo primo utilizzo in inglese in un articolo pubblicato avvenne nel 1940, da Manfred Bukofzer.

L'era barocca ha rappresentato un periodo di significativa sperimentazione e innovazione musicale, che spiega l'uso estensivo di ornamenti e improvvisazione da parte dei musicisti. Furono concepite forme nuove, come il concerto e la sinfonia. L'opera ebbe origine in Italia alla fine del XVI secolo, esemplificata da Dafne, in gran parte perduta, di Jacopo Peri, rappresentata per la prima volta a Firenze nel 1598 e successivamente diffusa in tutta Europa. Luigi XIV istituì in particolare la prima Accademia reale di musica. Nel 1669, il poeta Pierre Perrin inaugurò un'accademia d'opera a Parigi, che divenne il primo teatro d'opera pubblico francese, e presentò per la prima volta Pomone. Quest'opera, composta da Robert Cambert, segnò la prima grande opera in francese, con cinque atti, intricati macchinari scenici e un balletto. Compositori di spicco come Heinrich Schütz in Germania, Jean-Baptiste Lully in Francia e Henry Purcell in Inghilterra furono determinanti nel consolidare le rispettive tradizioni musicali nazionali durante il XVII secolo.

Durante quest'epoca emersero diversi nuovi strumenti musicali, in particolare il pianoforte. L'invenzione del pianoforte è attribuita a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) di Padova, Italia, che servì Ferdinando de' Medici, Gran Principe di Toscana, come custode degli strumenti. Cristofori designò originariamente lo strumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("una tastiera di cipresso con il dolce e il forte"), nome successivamente abbreviato in pianoforte, fortepiano, e infine, semplicemente, pianoforte.

Compositori ed esempi

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) compose Sonata pian' e forte (1597) e In Ecclesiis (da Symphoniae sacrae libro 2, 1615).
• Cristóbal de Medrano (c. 1561 – 1597) è noto per voce mea cum sex vocibus (1594).
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) pubblicò Libro primo di villanelle, 20 nel 1610.
• Claudio Monteverdi (1567–1643) creò L'Orfeo, favola in musica (1610).
• Heinrich Schütz (1585–1672) compose Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650).
• Francesco Cavalli (1602–1676) produsse opere tra cui L'Egisto (1643), Ercole amante (1662) e Scipione affricano (1664).
• Johann Jacob Froberger (1616–1667) è associato alla "Musica completa per clavicembalo e organo" eseguita da Simone Stella.
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687) compose l'opera Armide (1686).
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704) è noto per il suo Te Deum (1688–1698).
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704) creò le Sonate misteriose (1681).
• John Blow (1649–1708) compose Venere e Adone (1680–1687).
• Johann Pachelbel (1653–1706) è noto per il suo Canone in D (1680).
• Arcangelo Corelli (1653–1713) pubblicò i suoi 12 concerti grossi op. 6, nel 1714.
• Marin Marais (1656–1728) compose Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723).
• Henry Purcell (1659–1695) è noto per la sua opera Dido and Aeneas (1688).
• Alessandro Scarlatti (1660–1725) compose diverse opere, tra cui L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683) e Mitridate Eupatore (1707).
• François Couperin (1668–1733) è noto per Les barricades mystérieuses (1717).
• Tomaso Albinoni (1671–1751) compose Didone abbandonata (1724).
• Antonio Vivaldi (1678–1741) è celebrato per Le Quattro Stagioni (1725).
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745) compose opere come Il Serpente di Bronzo (1730) e Missa Sanctissimae Trinitatis (1736).
• Georg Philipp Telemann (1681–1767) creò Der Tag des Gerichts (1762).
• Johann David Heinichen (1683–1729).
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764) compose Dardano (1739).
• George Frideric Handel (1685–1759) è rinomato per composizioni tra cui Musica sull'acqua (1717), Musica per i fuochi d'artificio reali (1749) e Messiah (1741).
• Domenico Scarlatti (1685–1757) è noto per le sue numerose Sonate per clavicembalo.
• Johann Sebastian Bach (1685–1750) compose opere significative come la Toccata e Fuga in re minore (1703–1707), i Concerti Brandeburghesi (1721) e la Passione secondo Matteo (1727).
• Nicola Porpora (1686–1768) compose Semiramide riconosciuta (1729).
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736) è noto per il suo Stabat Mater (1736).

Danza.

Il balletto classico è emerso durante l'era barocca. Maria de' Medici introdusse lo stile della danza di corte in Francia, dove inizialmente gli stessi membri della corte prestavano servizio come ballerini. Luigi XIV si esibì in particolare in vari balletti pubblici. Nel marzo del 1662, il re istituì l'Académie Royale de Danse, che divenne la prima scuola e compagnia di danza professionale, stabilendo così gli standard e il vocabolario fondamentali per il balletto in tutta Europa in quel periodo.

Teoria letteraria.

Heinrich Wölfflin fu il pioniere dell'applicazione del termine "barocco" alla letteratura. I principi fondamentali della teoria letteraria barocca, tra cui "presunzione" (concetto), "arguzia" (acutezza, ingegno) e "meraviglia" (meraviglia), raggiunsero la loro piena articolazione teorica con la pubblicazione nel 1654 de Il Cannocchiale aristotelico di Emanuele Tesauro. Questo influente trattato, traendo ispirazione dall'Adone di Giambattista Marino e dai contributi filosofici del gesuita spagnolo Baltasar Gracián, ha avanzato una teoria della metafora come linguaggio universale di immagini e sforzo intellettuale fondamentale, funzionando allo stesso tempo come costrutto artistico e mezzo epistemologicamente superiore per apprendere la verità.

Dramaturgia dell'Europa centrale nel barocco.

L'analisi del barocco di Walter Benjamin, presentato in L'origine del dramma tragico tedesco, rappresenta un punto di riferimento storico notoriamente impegnativo ma molto apprezzato per il periodo. Sebbene apparentemente incentrato sul dramma barocco, il contenuto dello studio è notevolmente vario e intricato e comprende una vasta gamma di materiale storico. Nonostante questo ampio ambito, dirige la sua attenzione principalmente verso l'Europa centrale, con un'enfasi particolare sulla Germania, anche se occasionalmente fa riferimento agli austriaci del Sacro Romano Impero e persino agli spagnoli sotto l'imperatore Ferdinando asburgico.

Un argomento centrale dell'analisi di Benjamin postula che l'era barocca sia emersa come risposta diretta alla diffusa violenza traumatica della Guerra dei Trent'anni. Questo conflitto, che segnò il violento culmine della Riforma, coinvolse quasi tutte le nazioni europee, nonostante fosse conteso principalmente all'interno del Sacro Romano Impero. Tutte le potenze più importanti, con le notevoli eccezioni di Inghilterra e Russia (anche se entrambe furono indirettamente colpite o coinvolte), schierarono le loro forze su questo campo di battaglia.

Nello studio sull'Origine di Walter Benjamin, la produzione culturale distintiva dell'epoca - caratterizzata da un'elaborazione del dettaglio quasi patologica, o almeno storicamente anomala e intensa, da una propensione a involuzioni ricorsive e persino da un horror vacui - viene interpretata come un meccanismo di difesa psicologica o una soppressione digressiva di diffusi terrore e anomia. Ciò derivò dalla dissoluzione dell’autorità simbolicamente trascendente precedentemente incarnata dalla Chiesa occidentale a Roma, le cui istituzioni e forme rituali di assoluzione avevano a lungo esercitato la supremazia continentale nell’amministrazione e nel controllo sociale. Questo cambiamento storico è stato variamente definito lo "smembramento della cristianità" o, più ottimisticamente, la genesi della modernità e la successiva ascesa dell'egemonia capitalista, una prospettiva condivisa da Max Weber e altri studiosi, tra cui Hugh Trevor-Roper nel suo Crisis of the Seventeenth Century e il suo importante lavoro sulla European Witch Craze.

Teatro

Il periodo barocco rappresentò un'epoca fiorente per il teatro in Francia e Spagna; tra i drammaturghi più importanti figurano Corneille, Racine e Molière in Francia, insieme a Lope de Vega e Pedro Calderón de la Barca in Spagna.

Durante il periodo barocco, l'arte e lo stile teatrale subirono una rapida evoluzione, in concomitanza con l'emergere dell'opera e del balletto. La progettazione di teatri più nuovi e più grandi, l'implementazione di macchinari scenici più elaborati e l'adozione diffusa dell'arco di boccascena, che incorniciava il palco e ne nascondeva i meccanismi al pubblico, favorirono la creazione di effetti scenici più elaborati e spettacoli più grandiosi.

In Spagna, il periodo barocco fu caratterizzato da un'etica cattolica e conservatrice, che traeva ispirazione dai modelli letterari italiani del Rinascimento. Il teatro barocco ispanico cercava di presentare al suo pubblico una realtà idealizzata, incarnando tre sentimenti fondamentali: religiosità cattolica, orgoglio monarchico e nazionale e onore derivato dalla tradizione cavalleresca.

Il teatro barocco spagnolo è tipicamente diviso in due periodi, con il punto di demarcazione fissato al 1630. Il periodo iniziale è prevalentemente associato a Lope de Vega, sebbene includa anche contributi di Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro e Antonio Mira. de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente e Juan Pérez de Montalbán. Numerosi personaggi di quest'epoca parteciparono alle academiasliterarias (accademie letterarie), come la rinomata Accademia Medrano fondata da Sebastián Francisco de Medrano. Il periodo successivo è esemplificato da Pedro Calderón de la Barca e dai suoi contemporanei, inclusi drammaturghi come Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto e Francisco Bances Candamo. Queste categorizzazioni sono fluide, poiché i singoli autori spesso sviluppano stili unici allineandosi occasionalmente con le convenzioni drammatiche stabilite da Lope. In effetti, l'approccio di Lope potrebbe essere stato più liberale e strutturalmente definito rispetto a quello di Calderón.

Nel suo trattato del 1609, Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo, Lope de Vega inaugurò il concetto di nuova commedia. Questo nuovo paradigma drammatico metteva in discussione le tre unità aristoteliche della tradizione poetica italiana (azione, tempo e luogo), nonché una quarta unità aristotelica riguardante lo stile. Ha sostenuto l'integrazione di elementi tragici e comici e l'impiego di diverse forme di versi e strofe per adattarsi al contenuto rappresentato. Nonostante la vasta conoscenza di Lope delle arti plastiche, si astenne in gran parte dall'incorporarle nelle sue opere teatrali o nella scenografia per gran parte della sua carriera. Lo stile comico di Lope ha di conseguenza relegato le dimensioni visive della rappresentazione teatrale a un ruolo secondario.

Tirso de Molina, Lope de Vega e Calderón furono drammaturghi di spicco durante il Secolo d'oro della Spagna. I loro contributi letterari, distinti dalla loro sottile intelligenza e dalla profonda comprensione della condizione umana, sono considerati un ponte tra le prime forme comiche di Lope e lo stile drammatico più sofisticato di Calderón. Tirso de Molina è riconosciuto principalmente per due opere: The Convicted Suspicions e The Trickster of Seville, quest'ultima che include in particolare una delle prime interpretazioni del mito di Don Juan.

Al suo arrivo a Madrid, Cosimo Lotti introdusse la corte spagnola alle tecniche teatrali più avanzate d'Europa. La sua esperienza nella meccanica e nella progettazione teatrale fu applicata agli spettacoli di corte, conosciuti come "Fiestas", e ad elaborate esposizioni acquatiche con fiumi o fontane artificiali, chiamate "Naumaquias". A Lotti si deve anche la progettazione dei giardini del Buen Retiro, della Zarzuela e di Aranjuez, nonché la costruzione del teatro Coliseo del Buen Retiro. Le convenzioni drammatiche consolidate di Lope de Vega, caratterizzate da uno stile di versi meno adatto all'emergente teatro di palazzo, lasciarono gradualmente il posto a nuovi quadri concettuali, favorendo la carriera di drammaturghi come Calderón de la Barca. Pur basandosi sulle innovazioni della "Nuova Commedia" (spesso associata a Lope), lo stile di Calderón si distingueva per una meticolosa progettazione strutturale e un'attenta attenzione alla coerenza interna. L'opera di Calderón è caratterizzata dalla perfezione formale e da un linguaggio altamente lirico e simbolico. La libertà, vitalità e apertura inerenti alle opere di Lope si sono evolute nell'enfasi di Calderón sulla riflessione intellettuale e sulla precisione formale. Nelle sue commedie, le intenzioni ideologiche e dottrinali spesso sostituivano la semplice passione e azione; le sue *Autos sacramentales* raggiunsero un notevole rilievo artistico. Il genere *Commedia* stesso era intrinsecamente politico, multi-artistico e di natura ibrida. Il suo testo poetico era intrecciato con vari media e risorse tratti dall'architettura, dalla musica e dalla pittura, trascendendo così la più semplice illusione teatrale delle commedie di Lope, che spesso si basavano su scenari minimi e si impegnavano principalmente attraverso il dialogo e l'azione.

Il drammaturgo tedesco più importante fu Andreas Gryphius, che adottò il modello drammatico gesuita, influenzato dall'olandese Joost van den Vondel e Pierre Corneille. Un'altra figura notevole fu Johannes Velten, che sintetizzò le tradizioni delle compagnie comiche inglesi e della *commedia dell'arte* con il teatro classico francese di Corneille e Molière. La sua compagnia itinerante è probabilmente considerata la più significativa del XVII secolo.

Il principale tragico barocco italiano fu Federico Della Valle. La sua produzione letteraria è definita principalmente da quattro commedie composte per il teatro di corte: la tragicommedia Adelonda di Frigia (1595) e in particolare tre tragedie, Judith (1627), Esther (1627) e La reina di Scotia (1628). L'influenza di Della Valle si estese a numerosi imitatori e seguaci (ad esempio, Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani), che integrarono l'estetica barocca con gli obiettivi didattici dei gesuiti nelle loro opere.

Nello Tsardom di Russia, la manifestazione russa dello stile barocco emerse solo durante la seconda metà del XVII secolo, in gran parte stimolata dall'iniziativa dello zar Alessio di Russia di fondare un teatro di corte nel 1672. e drammaturgo era Johann Gottfried Gregorii, un pastore luterano tedesco-russo, autore in particolare di un'opera teatrale di 10 ore intitolata L'azione di Artaserse. Anche le opere drammaturgiche di Simeone di Polotsk e Demetrio di Rostov costituirono un contributo significativo al teatro barocco russo.

America coloniale spagnola

Seguendo la traiettoria stabilita in Spagna, verso la fine del XVI secolo, le compagnie teatrali itineranti nelle Americhe coloniali spagnole iniziarono un processo di professionalizzazione. Questa professionalizzazione è stata accompagnata da una maggiore regolamentazione e censura. Similmente all'Europa, il teatro nelle colonie conobbe periodi di tolleranza, persino di patrocinio governativo, insieme al rifiuto (con eccezioni) o alla vera e propria persecuzione da parte della Chiesa. Le autorità utilizzavano il teatro come strumento didattico per propagare i comportamenti desiderati, rafforzare il rispetto per l'ordine sociale e la monarchia e instillare dogmi religiosi.

I corrales venivano gestiti a beneficio degli ospedali, che poi partecipavano ai proventi degli spettacoli. Le compagnie teatrali itineranti, note anche come "della lega", si esibivano in palcoscenici improvvisati all'aperto in regioni prive di sedi permanenti e richiedevano una licenza vicereale per operare. La tariffa per questa licenza, o pinción, era destinata a donazioni di beneficenza e iniziative religiose. Per le aziende con sede nelle capitali e nelle principali città, un flusso di entrate primario era il loro coinvolgimento nelle festività del Corpus Domini, che offrivano sia guadagni finanziari che un significativo riconoscimento sociale. Anche gli spettacoli presso il palazzo vicereale e le tenute aristocratiche, con commedie di repertorio standard ed elaborate produzioni speciali con ampie luci, scenografie e allestimenti, costituivano un'opportunità di lavoro redditizia e stimata.

Juan Ruiz de Alarcón, originario del vicereame della Nuova Spagna che in seguito risiedette in Spagna, è la figura di spicco del teatro neobarocco spagnolo. Gli studiosi hanno identificato le sue caratteristiche distintive, distinguendolo dai suoi contemporanei spagnoli, come il suo adattamento al nuovo stile comico di Lope de Vega, un pronunciato secolarismo, notevole discrezione e moderazione e una profonda capacità di intuizione psicologica. Tra le sue opere significative c'è La verdad sospechosa, una commedia basata sui personaggi che esemplifica il suo coerente intento moralizzante. La produzione drammatica di Sor Juana Inés de la Cruz la consacra come la seconda figura più influente del teatro barocco ispano-americano. Le sue opere più importanti includono l'auto sacramental El divino Narciso e la commedia Los empeños de una casa.

Giardini

Il giardino barocco, chiamato anche jardin à la française o giardino formale francese, ebbe origine nella Roma del XVI secolo prima di raggiungere la sua espressione più famosa nella Francia del XVII secolo, in particolare nei giardini di Vaux le Vicomte e nel Palazzo di Versailles. Monarchi e aristocratici di Germania, Paesi Bassi, Austria, Spagna, Polonia, Italia e Russia commissionarono giardini barocchi fino alla metà del XVIII secolo, momento in cui molti furono riconfigurati nello stile paesaggistico inglese più naturalistico.

I giardini barocchi furono progettati per simboleggiare il dominio umano sulla natura e per glorificare i loro mecenati. Questi giardini presentavano schemi geometrici, spesso simili alle divisioni interne di una grande residenza. La visione ottimale veniva generalmente ottenuta da un punto di osservazione elevato, come un castello o una terrazza, guardando il paesaggio dall'alto. I componenti chiave di un giardino barocco includevano i parterre, che erano intricate disposizioni di aiuole o siepi basse meticolosamente rifinite in disegni ornati, e vicoli e vicoli diritti di ghiaia che segmentavano e attraversavano il giardino. Terrazze, rampe, scale e cascate sono state strategicamente incorporate per adattarsi alle variazioni di elevazione e per offrire diverse prospettive di visualizzazione. Stagni e bacini d'acqua circolari o rettangolari fungevano da cornice per fontane e statue. I boschetti, costituiti da boschetti accuratamente curati o da filari uniformi di alberi, creavano l'illusione di pareti verdi e fornivano fondali per le sculture. Ai loro perimetri, questi giardini presentavano comunemente padiglioni, aranceti e altre strutture che offrivano ai visitatori rifugio dal sole o dalla pioggia.

La manutenzione dei giardini barocchi richiedeva una notevole forza lavoro di giardinieri, potature continue e ampie risorse idriche. Durante l'ultima epoca barocca si verificò un cambiamento poiché gli elementi formali cedettero gradualmente il posto a caratteristiche più naturalistiche. Queste nuove aggiunte includevano sentieri tortuosi, diversi boschetti di alberi non potati, elementi architettonici rustici e strutture pittoresche come templi romani o pagode cinesi. Inoltre, alla periferia del giardino principale emersero "giardini segreti", rigogliosi di fogliame, che fornivano spazi appartati per la lettura o conversazioni private. Entro la metà del XVIII secolo, la maggior parte dei giardini barocchi aveva subito una trasformazione parziale o completa in adattamenti dello stile del giardino paesaggistico inglese.

Oltre Versailles e Vaux-le-Vicomte, altri rinomati giardini barocchi che conservano in gran parte il loro design originale includono la Reggia di Caserta vicino a Napoli, in Italia; Palazzo di Nymphenburg e Palazzi di Augustusburg e Falkenlust a Brühl, Germania; Palazzo Het Loo nei Paesi Bassi; il Palazzo del Belvedere a Vienna, Austria; il Palazzo Reale di La Granja de San Ildefonso in Spagna; e il Palazzo Peterhof a San Pietroburgo, Russia.

Pianificazione e progettazione urbana

Le città europee dal XVI al XIX secolo subirono trasformazioni significative nei principi di progettazione e pianificazione urbana, alterando radicalmente i loro paesaggi e gli ambienti costruiti. I principali centri urbani come Roma e Parigi furono riconfigurati per supportare le popolazioni in espansione attraverso progressi nell’edilizia abitativa, nelle infrastrutture di trasporto e nei servizi pubblici. Durante questo periodo, il pervasivo stile barocco influenzò profondamente lo sviluppo urbano, manifestandosi come pianificazione urbana barocca, che integrò elementi architettonici elaborati, drammatici e artistici nel tessuto della città. Il design di queste città ha cercato di evocare e integrare la grandiosità emotiva caratteristica dell'estetica barocca per i loro abitanti e pedoni. Questa metodologia di pianificazione enfatizzava spesso l'ostentata ostentazione di ricchezza e potere da parte delle autorità al potere, con strutture prominenti che fungevano da punti focali visivi e simbolici del paesaggio urbano.

Nel XVI secolo, Papa Sisto V avviò un ampio progetto di rinnovamento urbano per Roma, che rivitalizzò e ampliò la città. Numerose grandi piazze e piazze furono incorporate come spazi pubblici, aumentando l'impatto drammatico insito nello stile barocco. Queste piazze erano adornate con fontane e vari elementi decorativi, pensati per racchiudere i sentimenti prevalenti dell'epoca. Un principio chiave della pianificazione barocca prevedeva la creazione di un’intricata rete di assi per collegare chiese, edifici governativi e piazze. Questa disposizione strategica ha posizionato importanti punti di riferimento della Chiesa cattolica come punti focali primari all'interno dell'ambiente urbano.

Ulteriori caratteristiche della pianificazione urbana barocca sono evidenti a Barcellona. Il quartiere dell'Eixample, ideato da Ildefons Cerdà, è caratterizzato da ampi viali disposti secondo uno schema a griglia, integrati da diversi viali diagonali. Le sue distintive intersezioni di blocchi ottagonali migliorano la visibilità della strada e la luce naturale. Numerose opere architettoniche all'interno di questo quartiere sono state create da Antoni Gaudí, rinomato per il suo stile distintivo. La Sagrada Família, progettata da Gaudí, occupa una posizione centrale all'interno del tracciato del quartiere dell'Eixample e riveste un profondo significato per la città.

Posterità

La transizione al rococò

Il rococò rappresenta la fase ultima del periodo barocco, spesso estendendo i suoi principi fondamentali di illusione ed effetto drammatico alle loro manifestazioni più estreme. Nato in Francia come contrappunto stilistico all'opulenta grandiosità barocca prevalente alla corte di Luigi XIV presso il Palazzo di Versailles, il movimento rococò divenne particolarmente legato all'influente Madame de Pompadour (1721–1764), che fu l'amante del monarca successivo, Luigi XV (1710–1774). Di conseguenza, lo stile veniva chiamato anche Pompadour. Nonostante la sua forte associazione con il regno di Luigi XV, l'emergere dello stile è anteriore a questo periodo. Diverse creazioni artistiche degli anni conclusivi del regno di Luigi XIV esemplificano le prime caratteristiche del rococò. L'appellativo del movimento deriva dal termine francese rocaille, che significa "ciottolo", che storicamente denotava le pietre e le conchiglie utilizzate per adornare gli interni delle caverne; analoghi motivi a conchiglia divennero successivamente un segno distintivo del design rococò. Inizialmente manifestato come stile nel design e nelle arti decorative, si distingueva per le sue forme eleganti e curvilinee. Successivamente la sua influenza si estese all'architettura, seguita dalla pittura e dalla scultura. Jean-Antoine Watteau, pittore francese, viene spesso identificato con il termine rococò, in particolare per le sue scene pastorali, o fêtes galantes, che erano importanti all'inizio del XVIII secolo.

Gli stili rococò e barocco condividono diversi punti in comune. Entrambi i movimenti artistici enfatizzano forme monumentali, incorporando disposizioni spaziali continue, colonne o pilastri accoppiati e materiali opulenti, spesso caratterizzati da componenti dorati. Tuttavia, sono evidenti anche nette differenze. I progettisti rococò si discostarono dalla stretta aderenza alla simmetria che aveva caratterizzato l'architettura e il design sin dal Rinascimento. Di conseguenza, numerosi piccoli oggetti, come calamai e figure di porcellana, insieme a vari elementi ornamentali, presentano spesso asimmetria. Questa asimmetria è in linea con la prevalenza di ornamenti derivati ​​da interpretazioni di fogliame e conchiglie, in contrasto con i più numerosi motivi classici ereditati dal Rinascimento presenti nell’arte barocca. Un'ulteriore distinzione significativa risiede nella primaria associazione del Barocco con l'architettura ecclesiastica, dato il suo ruolo di principale espressione culturale della Controriforma. Al contrario, il rococò è prevalentemente legato a contesti architettonici palaziali e domestici. A Parigi, l’ascesa del rococò coincise con lo sviluppo del salone come nuovo ritrovo sociale, con molti luoghi simili spesso adornati con questa estetica. Gli interni rococò erano generalmente di dimensioni più modeste rispetto agli spazi barocchi, indicando uno spostamento verso una maggiore intimità domestica. Questa trasformazione si rifletteva in modo simile nelle tavolozze dei colori, passando dalle tonalità della terra caratteristiche delle opere di Caravaggio e del marmo rosso e degli interni dorati dell'epoca di Luigi XIV, ai pastelli più tenui e rilassati, tra cui il blu pallido, il rosa Pompadour e il bianco, prevalenti durante i regni di Luigi XV e Madame de Pompadour in Francia. Analogamente allo spostamento dei colori, si è verificata un'evoluzione tematica nella pittura e nella scultura, passando da soggetti gravi, drammatici e moralistici verso motivi più spensierati e gioiosi.

Un'ultima caratteristica distintiva tra barocco e rococò riguarda il crescente interesse dell'aristocrazia del XVIII secolo per l'Asia orientale. Sebbene le tendenze orientaliste esistessero nell’estetica occidentale prima dell’era barocca, in genere traevano ispirazione dalle origini islamiche piuttosto che dall’Asia orientale. Questo modello persistette per tutto il periodo barocco, manifestandosi in particolare nello stile con influenze turche chiamato Turquerie. Il fascino orientalista per il mondo islamico, che comprende Turquerie, si estese dentro e oltre il periodo rococò; tuttavia, durante questa fase successiva, anche la cultura cinese e altre culture dell’Asia orientale iniziarono a esercitare un’influenza sull’estetica occidentale. La cineserie, uno stile prevalente nelle belle arti, nell’architettura e nel design durante il XVIII secolo, trasse ispirazione significativa sia dall’arte cinese che dall’estetica rococò contemporanea. Data la natura ardua dei viaggi in Cina e in altre nazioni dell’Estremo Oriente durante quell’epoca, che li rendeva in gran parte enigmatici per la maggior parte degli occidentali, l’immaginazione europea era affascinata dalla percezione dell’Asia come un regno di immensa ricchezza e lusso. Di conseguenza, i mecenati, dagli imperatori ai mercanti, gareggiavano per abbellire le loro residenze con prodotti asiatici e decorarle in stili asiatici. Quando autentici oggetti asiatici si rivelarono difficili da acquisire, artigiani e pittori europei soddisfacevano la domanda realizzando oggetti che fondevano forme rococò con figure, motivi e tecniche asiatiche. Al di là delle interpretazioni europee degli stili dell’Asia orientale, gli oggetti laccati cinesi hanno trovato diverse applicazioni. Un numero selezionato di stanze sontuose furono interamente adornate da aristocratici europei, utilizzando pannelli laccati cinesi come rivestimenti murali. Per le sue qualità estetiche, la lacca nera era particolarmente apprezzata per gli studi dei gentiluomini occidentali. Questi pannelli erano tipicamente lucidi e neri, originari della provincia cinese di Henan. Comprendevano più strati di lacca, successivamente incisi con motivi che venivano poi intarsiati con colore e oro. I falegnami europei del XVIII secolo incorporarono anche pannelli laccati cinesi e giapponesi nella produzione di mobili. Per raggiungere questo obiettivo, i paraventi asiatici sono stati smontati e riutilizzati come rivestimento per mobili di produzione europea.

Condanna e successiva rivalutazione accademica

Il pioniere storico dell'arte e archeologo tedesco Johann Joachim Winckelmann denunciò in modo simile lo stile barocco, sostenendo invece i meriti superiori dell'arte e dell'architettura classica. Nel diciannovesimo secolo, lo stile barocco era diventato un frequente oggetto di scherno e di esame critico. Il critico neoclassico Francesco Milizia affermava: "Borrominini nell'architettura, Bernini nella scultura, Pietro da Cortona nella pittura... sono una piaga del buon gusto, che ha contagiato un gran numero di artisti". Nel corso del diciannovesimo secolo, le critiche si intensificarono ulteriormente, con il critico britannico John Ruskin che dichiarò la scultura barocca non solo esteticamente carente, ma anche moralmente depravata.

Lo storico dell'arte svizzero Heinrich Wölfflin (1864–1945) iniziò la rivalutazione del termine "barocco" nella sua pubblicazione del 1888, Renaissance und Barock. Wölfflin definì il Barocco un "movimento importato in massa", posizionandolo come contrappunto artistico all'arte rinascimentale. Tuttavia, la sua analisi non distingueva tra Manierismo e Barocco come fanno gli studiosi contemporanei, né affrontava la successiva fase barocca accademica che si estese fino al XVIII secolo. L'arte e l'architettura barocca hanno guadagnato popolarità durante il periodo tra le due guerre e hanno ampiamente mantenuto il consenso della critica. Tuttavia, il termine "barocco" può ancora essere utilizzato in senso peggiorativo per descrivere opere d'arte, artigianato o progetti percepiti come eccessivamente elaborati o strutturalmente complessi. Allo stesso tempo, il "barocco" è diventato un descrittore accettato per varie tendenze artistiche e architettoniche nell'arte romana del II e III secolo d.C., che presentano caratteristiche simili al successivo periodo barocco.

Revivals e influenze eclettiche

Nonostante le critiche iniziali, l'arte barocca fu successivamente un'importante fonte di ispirazione per artisti, architetti e designer per tutto il XIX secolo, principalmente attraverso la lente del Romanticismo. Questo movimento, emerso nel XVIII secolo e culminato nel XIX, enfatizzava l’emozione, l’individualismo e la glorificazione del passato e della natura, spesso favorendo l’estetica medievale rispetto a quella classica. In Gran Bretagna, una confluenza di fattori letterari, religiosi e politici spinse architetti e designer della fine del XVIII e XIX secolo a trarre ispirazione dal Medioevo, rendendo il XIX secolo famoso per i suoi numerosi revival. In Francia, tuttavia, il Romanticismo non fu il catalizzatore principale del revival dell’architettura e del design gotico. Invece, il diffuso vandalismo contro monumenti e strutture associati all'Ancien Régime durante la Rivoluzione francese ha spinto l'archeologo Alexandre Lenoir a nominare curatore del deposito dei Petits-Augustins. Lì organizzò il Museo dei monumenti francesi (1795-1816), che ospita sculture, statue e tombe recuperate da chiese, abbazie e conventi. Lenoir fu determinante nel reintrodurre l'apprezzamento per l'arte medievale, che gradualmente fiorì nel successivo quarto di secolo.

Questo rinnovato apprezzamento per l'arte medievale stimolò successivamente la rinascita di altri periodi storici, tra cui il barocco e il rococò. Il revivalismo inizialmente si concentrò su temi medievali, poi si spostò verso gli stili rinascimentali entro la fine del regno di Luigi Filippo I (1830-1848). Le ispirazioni barocche e rococò acquisirono maggiore importanza durante il regno di Napoleone III (1852–1870) e persistettero anche dopo il crollo del Secondo Impero francese.

A differenza dell'Inghilterra, dove il gotico era percepito come uno stile nazionale da architetti e designer, il rococò era considerato uno dei movimenti più rappresentativi della Francia. La popolazione francese sentiva una maggiore affinità con gli stili dell'Ancien Régime e dell'Impero di Napoleone che con la loro eredità medievale o rinascimentale, nonostante l'architettura gotica originaria della Francia piuttosto che dell'Inghilterra.

Il revivalismo del XIX secolo si è infine evoluto in eclettismo, caratterizzato dalla fusione di diversi elementi stilistici. Dato che gli architetti spesso reinterpretavano gli stili classici, la maggior parte degli edifici e dei progetti eclettici mostrano un’estetica distintiva. Al di là dei revival diretti, il barocco servì anche come principale fonte di ispirazione per l’eclettismo. Importanti elementi barocchi, come le colonne binate e l'ordine gigante, compaiono spesso nelle strutture eclettiche del XIX e dell'inizio del XX secolo. L'influenza dell'eclettismo si estendeva oltre l'architettura; molti disegni dello stile del Secondo Impero (1848–1870) incorporavano elementi di vari periodi. Pochi mobili di quest’epoca sfuggirono alle tre influenze storiciste dominanti – Rinascimento, Luigi XV (rococò) e Luigi XVI – che a volte venivano applicate distintamente e talvolta combinate. Anche gli elementi barocchi hanno fornito ispirazione, evidenti nei rifacimenti e negli arabeschi che imitano l'intarsio di Boulle, insieme a influenze di altri stili come il gotico, il rinascimentale o il Regency inglese.

La Belle Époque, che va dal 1871 al 1880 fino allo scoppio della prima guerra mondiale nel 1914, costituì un'epoca storica distinta. Questo periodo è stato definito da un senso prevalente di ottimismo, stabilità regionale, ricchezza economica, espansione coloniale e progressi significativi nei settori tecnologico, scientifico e culturale. L’eclettismo raggiunse il suo apice durante quest’epoca, esemplificato in particolare dall’architettura Beaux Arts. Lo stile architettonico deriva il suo appellativo dall'École des Beaux-Arts di Parigi, l'istituzione in cui ha avuto origine e dove numerosi principali sostenitori hanno ricevuto la loro formazione. Le strutture progettate in questo stile incorporano spesso colonne ioniche con volute angolari, che ricordano gli esempi del barocco francese, accanto a un livello seminterrato bugnato. Esibiscono una semplicità generale punteggiata da dettagli intricati, porte ad arco e un arco d'ingresso simile a quello del Petit Palais di Parigi. Lo stile cercava di emulare l'opulenza barocca attraverso strutture monumentali e riccamente decorate che evocavano la grandiosità della Versailles di Luigi XIV. Per quanto riguarda il design della Belle Époque, prevalse un ampio apprezzamento per gli stili di mobili storici, comprendendo, in modo un po’ inaspettato, lo stile del Secondo Impero (del periodo precedente), che mantenne la sua popolarità fino al 1900. Intorno al 1900, divenne evidente una ricapitolazione completa degli stili di diverse nazioni e di tutti i periodi storici precedenti. La produzione di mobili incorporava una vasta gamma di influenze, che andavano dai modelli cinesi a quelli spagnoli e da Boulle al gotico, sebbene alcuni stili raccogliessero maggiore apprezzamento di altri. Particolarmente apprezzati furono l'Alto Medioevo e il primo Rinascimento. Anche diverse forme di esotismo ed elaborati design rococò godevano di favore.

I revival e le influenze barocche diminuirono gradualmente e alla fine si ritirarono con l'avvento dell'Art Déco, uno stile concepito intorno al 1910 attraverso gli sforzi di collaborazione di numerosi designer francesi che miravano a forgiare una nuova estetica moderna. Sebbene relativamente oscuro prima della prima guerra mondiale, l’Art Déco guadagnò una notevole popolarità durante il periodo tra le due guerre, diventando fortemente associato ai decenni degli anni ’20 e ’30. Questo movimento sintetizzava varie caratteristiche derivate dalle correnti moderniste prevalenti nel 1900 e 1910, tra cui la Secessione viennese, il Cubismo, il Fauvismo, il Primitivismo, il Suprematismo, il Costruttivismo, il Futurismo, il De Stijl e l’Espressionismo. Oltre alle influenze moderniste, l’Art Déco incorpora anche elementi di stili popolari durante la Belle Époque, come il revival rococò, il neoclassicismo e lo stile neo-Luigi XVI. Le relazioni proporzionali, le qualità volumetriche e i principi strutturali dell’architettura Beaux Arts prima della prima guerra mondiale sono distinguibili nei primi edifici Art Déco degli anni ’10 e ’20. Gli elementi barocchi sono particolarmente rari, poiché architetti e designer generalmente prediligevano lo stile Luigi XVI.

Verso la conclusione del periodo tra le due guerre, la crescente popolarità dello stile internazionale, caratterizzato dalla sua assoluta assenza di ornamenti, fece precipitare il completo abbandono dell'influenza e dei revival barocchi. Numerosi architetti e designer di stile internazionale, insieme ad artisti modernisti, hanno criticato il barocco per la sua stravaganza percepita e il suo "eccesso". Paradossalmente, ciò coincise proprio con una forte ripresa dell'apprezzamento critico dell'originario periodo barocco.

Apprezzamento e reinterpretazioni postmoderne

L'apprezzamento per il Barocco riemerse con l'avvento del Postmodernismo, un movimento che sfidò il Modernismo (il paradigma prevalente nel secondo dopoguerra) e sostenne l'incorporazione di elementi stilistici storici nei design contemporanei, promuovendo un apprezzamento per il passato pre-modernista. I riferimenti espliciti al barocco sono rari, poiché il postmodernismo spesso integra elementi altamente semplificati che funzionano come "citazioni" del classicismo più ampio, come frontoni o colonne.

Riferimenti più diretti all'estetica barocca sono evidenti nelle ceramiche e nella moda di Versace, che presentano rinceaux d'acanto massimalisti. Questi motivi hanno una forte somiglianza con quelli trovati sui piatti ornamentali barocchi italiani e nell'opera di Boulle, nonché con i disegni su oggetti dell'epoca imperiale, in particolare tessuti, del regno di Napoleone I.

Note

• La cultura barocca e rococò
• barocke in Val di Noto – Sizilien (archiviato 2 settembre 2018)
• Lo stile barocco e l'influenza di Luigi XIV (archiviato 24 giugno 2007)
• Programma della BBC Radio 4 di Melvyn Bragg, intitolato In Our Time: The Byzantine.
• "Guida allo stile barocco." Gallerie britanniche, Victoria and Albert Museum. Archiviata dall'originale il 19 agosto 2007. Estratto il 16 luglio 2007.Fonte: Archivio TORIma Accademia