Neoclassicism

Neoclassicismo, reso in alternativa come Neoclassicismo, si è manifestato come un importante fenomeno culturale occidentale attraverso le arti decorative e visive, la letteratura, il teatro, la musica e l'architettura, facendo derivare i suoi principi fondamentali dal patrimonio artistico e culturale dell'antichità classica. Questo movimento ebbe origine a Roma, significativamente influenzato dai contributi accademici di Johann Joachim Winckelmann nel contesto delle riscoperte archeologiche di Pompei ed Ercolano. La sua influenza si diffuse successivamente in tutta Europa quando gli studenti d'arte, completando il loro Grand Tour, rimpatriarono dall'Italia imbevuti di ideali estetici greco-romani recentemente apprezzati. La corrente neoclassica primaria si sviluppò a partire dall’Illuminismo del XVIII secolo, raggiungendo il suo apice nella prima metà del XIX secolo, impegnandosi infine in una rivalità stilistica con il Romanticismo. In ambito architettonico, questo stile ha dimostrato una notevole longevità, persistendo nel XIX e XX secolo e estendendosi fino al XXI.

Il neoclassicismo europeo, in particolare nelle arti visive, iniziò intorno al c. 1760, emergendo come diretto contrappunto all'estetica rococò prevalente. Mentre l’architettura rococò dava priorità alla grazia, agli ornamenti elaborati e all’asimmetria, l’architettura neoclassica era fondamentalmente strutturata su principi di semplicità e simmetria. Queste ultime qualità erano stimate come virtù inerenti alle tradizioni artistiche dell'Antica Roma e dell'Antica Grecia, direttamente influenzate dal Classicismo rinascimentale del XVI secolo. Ogni movimento "neo"classico adotta selettivamente alcuni modelli dal repertorio classico disponibile ignorandone altri. Dal 1765 al 1830, i seguaci del Neoclassicismo, inclusi scrittori, oratori, mecenati, collezionisti, artisti e scultori, venerarono un'idea dell'era artistica associata a Fidia; tuttavia, gli esempi scultorei che prediligevano prevalentemente erano spesso riproduzioni romane di opere ellenistiche. Allo stesso tempo, trascuravano in gran parte sia l’arte greca arcaica che le creazioni della tarda antichità. Una rivelazione significativa si è verificata con la scoperta dell'arte in stile "rococò" dell'antica Palmira, diffusa attraverso le incisioni nell'opera fondamentale di Robert Wood, Le rovine di Palmira. Dato che la Grecia rimaneva in gran parte inesplorata ed era percepita come una regione pericolosa all'interno dell'Impero Ottomano, la comprensione dell'architettura greca da parte dei neoclassicisti derivava principalmente da disegni e incisioni. Queste rappresentazioni spesso raffinati, regolarizzati, "corretti" e "restaurati" monumenti greci, a volte senza intenti consapevoli.

Lo stile impero, che rappresenta una fase successiva del neoclassicismo nell'architettura e nelle arti decorative, era culturalmente centrato a Parigi durante l'era napoleonica. Il neoclassicismo mantenne la sua influenza ben oltre l'inizio del XIX secolo, in particolare nell'architettura ma anche in altre discipline, sperimentando periodi ricorrenti di revival nel corso del XX e persino del XXI secolo, in particolare negli Stati Uniti e in Russia.

Storia

Il neoclassicismo costituisce una rinascita dei diversi stili e dell'etica dell'antichità classica, traendo ispirazione diretta dal periodo classico. Questo risveglio coincise e rispecchiò i progressi filosofici e intellettuali dell'Età dell'Illuminismo, emergendo inizialmente come risposta agli eccessi percepiti del precedente stile rococò. Sebbene il movimento sia spesso caratterizzato come la controparte antitetica del Romanticismo, questa prospettiva rappresenta una significativa semplificazione eccessiva che spesso si rivela insostenibile dopo un esame più attento di artisti specifici o delle loro opere. La carriera di Ingres, spesso considerato uno dei principali esponenti del tardo neoclassicismo, esemplifica particolarmente questa complessità. Le origini di questa rinascita possono essere collegate all'istituzione formale dell'archeologia.

Giovanni Pietro Bellori, archeologo e teorico dell'arte italiano, è riconosciuto come un precursore del neoclassicismo. Nel 1664 tenne una conferenza sull'"Ideale" nell'arte all'Accademia di San Luca a Roma, che in seguito divenne un'esposizione fondamentale della teoria artistica idealista. Il discorso di Bellori esercitò una profonda influenza sul pensiero accademico europeo e in seguito servì come base teorica per i principi neoclassici sostenuti da Winckelmann.

I contributi accademici di Johann Joachim Winckelmann sono stati determinanti nel dare forma a questo movimento sia nel campo dell'architettura che in quello dell'arte visiva. Le sue opere fondamentali, Pensieri sull'imitazione delle opere greche in pittura e scultura (1755) e Geschichte der Kunst des Alterthums ("Storia dell'arte antica", 1764), furono le prime a distinguere nettamente tra l'arte greca antica e quella romana. Questi testi stabiliscono anche periodi cronologici all’interno dell’arte greca, tracciando una traiettoria di sviluppo dalla crescita iniziale alla maturità, seguita da fasi di imitazione o decadenza, un quadro concettuale che continua a influenzare la comprensione contemporanea. Winckelmann sosteneva la ricerca artistica di "nobile semplicità e calma grandezza", esaltando l'idealismo insito nell'arte greca. Egli postulava che l'arte greca rivelasse "non solo la natura nella sua forma più bella, ma anche qualcosa che va oltre la natura, vale a dire certe forme ideali della sua bellezza, che, come ci insegna un antico interprete di Platone, provengono da immagini create solo dalla mente". Sebbene i fondamenti teorici non fossero una novità nell'arte occidentale, l'insistenza di Winckelmann sulla rigorosa emulazione dei prototipi greci fu rivoluzionaria, racchiusa nella sua affermazione: "L'unico modo per noi di diventare grandi o, se possibile, inimitabili, è imitare gli antichi."

La rivoluzione industriale ha stimolato una trasformazione economica globale, spostando le società umane verso processi produttivi più efficienti e stabili. Questa era ha favorito un progresso materiale significativo e una maggiore prosperità. Allo stesso tempo, l'emergere del Grand Tour rese popolare la collezione di antichità, creando così numerose importanti collezioni e diffondendo una rinascita neoclassica in tutta Europa. Fondamentalmente, "Neoclassicismo" all'interno di qualsiasi disciplina artistica denota l'adesione a un canone specifico derivato da un modello "classico".

Nel contesto inglese, la designazione "Neoclassicismo" si riferisce principalmente alle arti visive. Un movimento parallelo nella letteratura inglese, che ha preceduto la tendenza delle arti visive, è noto come letteratura augustea; questo stile, dominante per diversi decenni, stava già tramontando man mano che il neoclassicismo guadagnava importanza nelle arti visive. La letteratura francese ha mostrato una traiettoria comparabile, nonostante la terminologia diversa. Musicalmente, questo periodo vide l'ascesa della musica classica, con il termine "Neoclassicismo" tipicamente riservato agli sviluppi del XX secolo. Tuttavia, le opere di Christoph Willibald Gluck incarnavano una distinta metodologia neoclassica, articolata nella sua prefazione alla partitura pubblicata di Alceste (1769). Le riforme di Gluck cercarono di snellire l'opera eliminando ornamenti eccessivi, elevando il ruolo del coro per allinearlo alla tragedia greca e impiegando strutture melodiche più dirette e prive di abbellimenti.

L'appellativo "neoclassico" non emerse fino alla metà del XIX secolo; contemporaneamente, lo stile era caratterizzato da descrittori come "il vero stile", "riformato" e "revival". Il periodo storico specifico o l'estetica ripresa, tuttavia, variavano in modo significativo. Sebbene i modelli antichi fossero innegabilmente centrali, lo stile fu anche percepito come una rinascita del Rinascimento, e in particolare in Francia, come un ritorno al barocco più austero e dignitoso dell'epoca di Luigi XIV. Questa interpretazione francese derivava da una crescente nostalgia per un'età dell'oro passata, che coincideva con un netto declino della preminenza militare e politica della Francia. In particolare, il ritratto dell'incoronazione di Napoleone di Ingres incorporava elementi dei dittici consolari tardoantichi e delle loro rinascite carolingie, una scelta che suscitò censura critica.

Il neoclassicismo raggiunse la sua espressione più robusta nell'architettura, nella scultura e nelle arti decorative, principalmente perché i prototipi classici in questi mezzi erano relativamente abbondanti e facilmente disponibili. Al contrario, gli esempi di pittura antica che incarnavano le qualità estetiche che Winckelmann identificava nella scultura erano e rimangono scarsi. Lo stesso Winckelmann partecipò alla pubblicizzazione delle prime scoperte di importanti dipinti romani a Pompei ed Ercolano. Tuttavia, proprio come la maggior parte dei suoi contemporanei, con la notevole eccezione di Gavin Hamilton, trovò queste opere deludenti, facendo riferimento alle osservazioni di Plinio il Giovane riguardo al declino della pittura durante la sua epoca.

Per quanto riguarda la pittura, tutta la pittura dell'antica Grecia era andata perduta. I pittori neoclassici, quindi, intrapresero una ricostruzione fantasiosa, traendo ispirazione da diverse fonti: fregi in bassorilievo, mosaici e pittura su ceramica; la pittura e le arti decorative dell'Alto Rinascimento del periodo di Raffaello; affreschi trovati nella Domus Aurea di Nerone, a Pompei ed Ercolano; e un rinnovato apprezzamento per le opere di Nicolas Poussin. Di conseguenza, una parte significativa della pittura "neoclassica" è caratterizzata più dal soggetto classicizzante che dai suoi elementi formali o stilistici. Per decenni persistette una disputa fervente, anche se spesso disinformata, sui meriti comparativi dell'arte greca e romana, con Winckelmann e i suoi colleghi ellenisti che prevalsero ampiamente in questo concorso intellettuale.

Pittura, disegno e incisione

Il pubblico contemporaneo spesso trova difficile cogliere appieno le qualità rivoluzionarie e stimolanti della prima pittura neoclassica. Anche i sostenitori dello stile ora lo percepiscono come "insipido" e "quasi del tutto privo di interesse per noi", un sentimento che riecheggia nelle osservazioni di Kenneth Clark sul monumentale Parnaso di Anton Raphael Mengs a Villa Albani. Mengs era un artista che il suo socio Winckelmann lodò come "il più grande artista dei suoi tempi, e forse dei tempi successivi". I disegni di John Flaxman, successivamente riprodotti come stampe, utilizzavano un disegno al tratto minimalista, considerato il mezzo classico per eccellenza, e prevalentemente figure di profilo per illustrare L'Odissea e altri temi. Queste opere, che un tempo ispiravano “la gioventù artistica europea”, sono ora in gran parte “trascurate”. Allo stesso modo, le composizioni storiche di Angelica Kauffman, principalmente una ritrattista, sono state caratterizzate da Fritz Novotny come dotate di "untuosa morbidezza e noiosità". Mentre l’esuberanza del rococò e il dinamismo dell’arte barocca furono deliberatamente abbandonati, molti artisti lottarono per stabilire nuove convenzioni artistiche. In mancanza di precedenti antichi diretti per la pittura storica, a parte i vasi greci utilizzati da Flaxman, gli artisti spesso adottarono Raffaello come paradigma alternativo, una pratica approvata da Winckelmann.

Al contrario, alcuni artisti, le cui creazioni sfidavano la categorizzazione come "insipide", integravano elementi del Romanticismo all'interno di un quadro prevalentemente neoclassico, contribuendo così alle traiettorie di entrambi i movimenti artistici. L'artista tedesco-danese Asmus Jacob Carstens ha completato solo una frazione delle sue ambiziose composizioni mitologiche, lasciando dietro di sé principalmente disegni e studi sui colori. Questi spesso incarnavano con successo l'ideale di Winckelmann di "nobile semplicità e calma grandezza". In netto contrasto con i progetti irrealizzati di Carstens, le acqueforti di Giovanni Battista Piranesi furono prolifiche e di successo commerciale, ampiamente diffuse in tutta Europa dai viaggiatori del Grand Tour. L'obiettivo principale di Piranesi era il patrimonio architettonico e le rovine di Roma, dimostrando un legame più profondo con l'antichità che con i soggetti contemporanei. L'atmosfera sottilmente inquietante caratteristica di molte delle sue Vedute (vedute) si intensifica nella serie di 16 stampe intitolate Carceri d'invenzione ("Prigioni immaginarie"), dove l'"oppressiva architettura ciclopica" evoca con forza "sogni di paura e frustrazione". Henry Fuseli, nato in Svizzera, che trascorse la maggior parte della sua vita professionale in Inghilterra, fondò il suo stile artistico sui principi neoclassici; tuttavia, le sue scelte tematiche e la loro esecuzione spesso si allineavano con la dimensione "gotica" del Romanticismo, con l'obiettivo di suscitare risposte drammatiche ed elettrizzanti.

La traiettoria del neoclassicismo nella pittura fu significativamente riorientata dallo straordinario trionfo del Giuramento degli Orazi di Jacques-Louis David al Salon di Parigi del 1785. Sebbene l'opera sostenesse gli ideali repubblicani, fu paradossalmente commissionata dal governo reale, con David che ne stipulò la realizzazione a Roma. David ha magistralmente fuso un'estetica idealista con un dramma profondo e un vigore avvincente. La composizione presenta una prospettiva centrale ortogonale al piano pittorico, accentuata dal sommesso porticato sullo sfondo. Su questo sfondo, le figure eroiche sono disposte come un fregio, suggerendo l'illuminazione teatrale e la messa in scena dell'opera, insieme alla tavolozza classica che ricorda Nicolas Poussin. David salì rapidamente alla ribalta come figura preminente nell'arte francese. Dopo la Rivoluzione francese, passò a un ruolo politico, esercitando una notevole influenza sul mecenatismo statale nelle arti. Mantenne la sua influenza durante l'epoca napoleonica, producendo pezzi apertamente propagandistici, ma fu costretto a cercare l'esilio a Bruxelles dopo la Restaurazione borbonica.

Tra i numerosi allievi di David c'era Jean-Auguste-Dominique Ingres, che si identificò costantemente come un classicista durante tutta la sua lunga carriera. Tuttavia, il suo approccio artistico maturo mantenne una connessione ambigua con i principi fondamentali del neoclassicismo, e le sue successive esplorazioni sull'orientalismo e sullo stile trovatore spesso si rivelarono difficili da differenziare dalla produzione dei suoi contemporanei apertamente romantici, fatta eccezione per la costante preminenza del disegno nelle sue composizioni. Ingres espose al Salon per più di sessant'anni, a partire dal 1802 e proseguendo fino al periodo nascente dell'impressionismo, ma il suo stile consolidato subì minime alterazioni.

Scultura

Mentre la pittura neoclassica si trovava a fronteggiare una scarsità di prototipi antichi, la scultura neoclassica spesso faceva i conti con l'abbondanza di tali modelli. Durante quell'epoca, le autentiche sculture greche del periodo classico, iniziato intorno al 500 aC, erano rare; di conseguenza le opere più pregiate erano prevalentemente riproduzioni romane. Importanti scultori neoclassici raggiunsero una notevole fama ai loro tempi, sebbene il loro apprezzamento contemporaneo sia diminuito, con la notevole eccezione di Jean-Antoine Houdon. L'opera di Houdon consisteva principalmente in ritratti, spesso resi come busti, che preservavano in modo univoco la personalità distinta del soggetto senza soccombere a un idealismo eccessivo. Nel corso della sua vasta carriera, il suo approccio artistico si è evoluto verso un'estetica più classica, dimostrando una transizione senza soluzione di continuità dall'eleganza rococò alla solennità classica. Distinguendosi da alcuni contemporanei neoclassici, Houdon non imponeva abiti romani o nudità per i suoi sudditi. Dipinse molte figure significative dell'Illuminismo e si recò in America per creare una statua di George Washington, accanto ai busti di Thomas Jefferson, Benjamin Franklin e altri fondatori della nascente repubblica.

Antonio Canova e lo scultore danese Bertel Thorvaldsen, entrambi con sede a Roma, crearono numerose ambiziose figure a grandezza naturale e gruppi scultorei oltre ai ritratti. Entrambi gli artisti incarnavano la pronunciata corrente idealizzante all'interno della scultura neoclassica. L'opera di Canova si caratterizza per la sua leggerezza e grazia, in contrasto con l'approccio più austero di Thorvaldsen; questa distinzione è evidente nelle rispettive interpretazioni delle Tre Grazie. Questi scultori, incluso Flaxman, rimasero attivi fino al 1820, poiché l'influenza del Romanticismo sulla scultura fu graduale, consentendo al Neoclassicismo di persistere come stile predominante per gran parte del XIX secolo.

Johan Tobias Sergel, artista svedese, è stato uno dei primi sostenitori del neoclassicismo nella scultura. John Flaxman, principalmente uno scultore, creò austeri rilievi classici stilisticamente simili alle sue stampe; ha anche trascorso diversi anni progettando e modellando ceramiche neoclassiche per Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow e suo figlio Rudolph, noto come uno dei pochi scultori neoclassici a morire prematuramente, furono eminenti artisti tedeschi, insieme a Franz Anton von Zauner in Austria. Lo scultore austriaco tardo barocco Franz Xaver Messerschmidt passò al neoclassicismo a metà carriera, poco prima che un'apparente crisi mentale lo spingesse al ritiro in campagna. Lì si dedicò alla realizzazione di "teste di personaggi" altamente distintive, raffiguranti figure calve con espressioni facciali esagerate. Queste opere, proprio come le Carceri di Piranesi, sperimentarono una significativa rinascita di interesse accademico durante l'era psicoanalitica dell'inizio del XX secolo. Mathieu Kessels, uno scultore neoclassico olandese, si formò sotto Thorvaldsen e lavorò prevalentemente a Roma.

Prima del 1830, gli Stati Uniti mancavano di una tradizione scultorea indigena, a parte le incisioni sulle pietre tombali, le banderuole e le polene delle navi. Di conseguenza, lo stile neoclassico europeo fu adottato e rimase dominante per diversi decenni, come dimostrano le opere di Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers e William Henry Rinehart.

Architettura e arti decorative

L'arte neoclassica incarnava allo stesso tempo qualità apparentemente contraddittorie: era tradizionale ma innovativa, storica ma moderna e conservatrice ma progressista.

Il neoclassicismo inizialmente guadagnò importanza in Gran Bretagna e Francia, propagato da studenti d'arte francesi educati a Roma e ispirati dai trattati di Winckelmann. Successivamente, fu rapidamente abbracciato dalle comunità d’avanguardia di altre nazioni, tra cui Svezia, Polonia e Russia. Inizialmente, gli ornamenti classici furono integrati negli stili architettonici europei esistenti, esemplificati dagli interni creati per l'amante di Caterina la Grande, il conte Grigory Orlov. Questi interni, concepiti da un architetto italiano ed eseguiti da un team di stuccadori italiani, mostravano solo sottili elementi neoclassici, come medaglioni ovali isolati che ricordavano cammei e sovrapporte in bassorilievo, mentre gli arredi rimanevano interamente rococò italiani.

Una fase successiva, più austera, meticolosamente ricercata (spesso tramite incisioni) e deliberatamente archeologica del neoclassicismo emerse in concomitanza con lo zenit dell'Impero napoleonico. In Francia, la manifestazione iniziale del neoclassicismo fu chiamata “stile Luigi XVI”, mentre la sua seconda fase comprendeva gli stili “Direttorio” e “Impero”. In Italia, lo stile rococò mantenne la sua popolarità fino a quando l'avvento del dominio napoleonico introdusse un nuovo classicismo archeologico, che fu adottato come dichiarazione politica dai giovani italiani urbani, progressisti e inclini al repubblicanesimo.

Nelle arti decorative, il neoclassicismo si manifesta in modo prominente nei mobili impero prodotti nelle principali città come Parigi, Londra, New York e Berlino, nonché nei mobili Biedermeier austriaci. Esempi architettonici includono i musei di Karl Friedrich Schinkel a Berlino, la Banca d'Inghilterra di Sir John Soane a Londra e il Campidoglio degli Stati Uniti di recente costruzione a Washington, DC. Inoltre, i bassorilievi di Josiah Wedgwood e i vasi "basalti neri" esemplificano lo stile. La sua portata internazionale è sottolineata dal lavoro dell'architetto scozzese Charles Cameron, che progettò opulenti interni all'italiana per Caterina la Grande a San Pietroburgo, in Russia.

All'interno del design degli interni, il Neoclassicismo ha segnato un cambiamento significativo verso un'autentica estetica classica, profondamente influenzata dalle scoperte archeologiche di Pompei ed Ercolano. Mentre gli scavi iniziali iniziarono alla fine degli anni Quaranta del Settecento, una diffusa consapevolezza pubblica emerse negli anni Sessanta del Settecento, in coincidenza con la pubblicazione dei primi volumi sontuosi e meticolosamente distribuiti di Le Antichità di Ercolano (Le Antichità di Ercolano). Queste antichità portate alla luce hanno rivelato che anche gli interni barocchi più classicizzanti, o le stanze "romane" di William Kent, elementi architettonici esterni fondamentalmente invertiti come basiliche e templi, portando a quello che gli osservatori contemporanei spesso percepivano come uno stile ampolloso, caratterizzato da elementi come cornici di finestre a frontone trasformate in specchi dorati e caminetti coronati da facciate di templi. Al contrario, i nuovi interni neoclassici miravano a ricostruire meticolosamente un vocabolario autenticamente romano e intrinsecamente di interior design.

Le tecniche neoclassiche comprendevano l'uso di motivi più piatti e delicati, spesso resi in basso rilievo, simile a un fregio o dipinti in monocromia en camaïeu ("come cammei"). Elementi decorativi comuni includevano medaglioni isolati, vasi, busti o bucrani, spesso sospesi da festoni di alloro o nastri, insieme a sottili arabeschi su sfondi di "rosso pompeiano", tinte pallide o colori di pietra. In Francia, lo stile inizialmente emerse come un fenomeno parigino, noto come Goût grec ("stile greco"), piuttosto che come un'estetica approvata dalla corte. Dopo l'ascensione di Luigi XVI nel 1774, la sua regina, Maria Antonietta, eminente arbitro della moda, introdusse lo stile Luigi XVI alla corte reale. Tuttavia, una vera e propria adozione delle forme fondamentali dei mobili romani non si verificò fino alla fine del XIX secolo. I produttori di mobili traevano spesso ispirazione dall'architettura antica, rispecchiando il modo in cui gli argentieri facevano più spesso riferimento alla ceramica antica e all'intaglio della pietra piuttosto che alla lavorazione dei metalli. Come osserva un'osservazione, "I designer e gli artigiani... sembrano aver provato un piacere quasi perverso nel trasferire motivi da un mezzo all'altro."

Intorno al 1800, un rinnovato afflusso di precedenti architettonici greci, diffusi attraverso acqueforti e incisioni, rinvigorì il neoclassicismo, dando origine al revival greco. Allo stesso tempo, lo stile Impero emerse come una manifestazione più grandiosa del Neoclassicismo nell’architettura e nelle arti decorative. Traendo principalmente ispirazione dall'estetica romana imperiale, questo stile ebbe origine durante il regno di Napoleone nel Primo Impero francese, da cui prese il nome, servendo a idealizzare la leadership di Napoleone e lo stato francese. A livello regionale, lo stile Impero trova paralleli nello stile Biedermeier più borghese dei territori di lingua tedesca, nello stile federale negli Stati Uniti, nello stile Regency in Gran Bretagna e nello stile napoleonico in Svezia. Lo storico dell'arte Hugh Honor ha affermato che, contrariamente alla credenza popolare, lo stile Impero "così lontano dall'essere, come talvolta si suppone, il culmine del movimento neoclassico, l'Impero segna il suo rapido declino e la sua trasformazione ancora una volta in un semplice revival antico, prosciugato di tutte le idee nobili e della forza di convinzione che avevano ispirato i suoi capolavori". Una precedente iterazione di questa tendenza stilistica in Gran Bretagna era conosciuta come stile Adam.

Il neoclassicismo mantenne la sua importanza come forza significativa nell'arte accademica per tutto il XIX secolo e oltre, servendo costantemente come antitesi al romanticismo e al revival gotico. Tuttavia, dalla fine del XIX secolo in poi, circoli critici influenti lo definirono spesso antimoderno o addirittura reazionario. Di conseguenza, i quartieri centrali di diverse città europee, in particolare San Pietroburgo e Monaco, svilupparono un aspetto simile a grandi musei di architettura neoclassica.

L'architettura neogotica, uno stile emerso nel XVIII secolo e guadagnato notevole popolarità durante tutto il XIX secolo, spesso associato al movimento culturale romantico, presentava un netto contrasto con il neoclassicismo. Mentre il neoclassicismo era definito dalla sua adesione all'estetica greca e romana, alla precisione geometrica e all'ordine formale, l'architettura neogotica dava priorità alle strutture di ispirazione medievale, spesso progettate per evocare una sensibilità rustica e "romantica".

Francia

Stile Luigi XVI (1774–1789)

Questo stile indica il passaggio dal rococò al classicismo. In contrasto con il classicismo di Luigi XIV, che stilizzava gli ornamenti in rappresentazioni simboliche, lo stile Luigi XVI li rendeva con il massimo realismo e naturalismo; per esempio, i rami di alloro apparivano come veri rami di alloro e le rose mantenevano la loro forma naturale. Un principio decorativo fondamentale era la simmetria. Le tavolozze degli interni presentavano tonalità eccezionalmente luminose, che comprendevano bianco, grigio chiaro, blu vivido, rosa, giallo, lilla pallido e oro. Gli ornamenti eccessivi sono stati deliberatamente evitati. La rinascita dell'antichità comportò principalmente una nuova enfasi sulle forme rettilinee, con la predominanza di rigide linee verticali e orizzontali. Gli elementi curvilinei, come le linee serpentine, erano in gran parte vietati, con l'eccezione di semicerchi o ovali occasionali. Allo stesso modo, il design degli interni ha abbracciato questa estetica rigorosa, portando alla rinascita delle superfici piane e degli angoli retti. L'ornamentazione serviva a temperare questa austerità, ma rispettava costantemente le linee fondamentali ed era invariabilmente disposta simmetricamente attorno a un asse centrale. Tuttavia, gli ébénistes spesso smussavano gli angoli principali per mitigare l'eccessiva rigidità.

I motivi decorativi caratteristici dello stile Luigi XVI traevano ispirazione dall'antichità, dallo stile Luigi XIV e dagli elementi naturali. Elementi stilistici distintivi includevano una torcia incrociata con una faretra di frecce, dischi embricati, motivi guilloché, doppi fiocchi, bracieri fumanti, ripetizioni lineari di piccoli motivi (come rosette, perline e ovetti), trofei o medaglioni floreali sospesi da nastri annodati, foglie d'acanto, gadrooning, intrecci, meandri, cornucopie, mascheroni, urne antiche, treppiedi, bruciatori di profumi, delfini, teste di ariete e di leone, chimere e grifoni. Furono ampiamente impiegati anche motivi architettonici greco-romani, comprendenti scanalature, pilastri (sia scanalati che non scanalati), colonnine scanalate (torti e diritte), colonne (impegnate e non agganciate, occasionalmente sostituite da cariatidi), mensole a voluta e triglifi con gutte (resi in rilievo e trompe-l'œil).

Lo stile Direttorio (1789–1804).

Lo stile impero (1804–1815).

Il neoclassicismo è emerso come un'estetica determinante per la società francese post-rivoluzionaria, influenzando tutti gli aspetti della vita, compresa l'espressione artistica. In quest'epoca fu inventata la macchina Jacquard, che rivoluzionò il sistema di cucitura precedentemente manuale. Il rosso, spesso ornato con bronzo dorato, era un colore prominente. Inoltre, sono stati utilizzati colori vivaci come il bianco, il crema, il viola, il marrone, il blu e il rosso scuro, tipicamente caratterizzati da ornamenti minimi in bronzo dorato. Gli elementi architettonici interni erano costituiti da pannelli di legno impreziositi da rilievi dorati, su sfondi bianchi o colorati. I motivi erano disposti con precisione geometrica. Le pareti erano rifinite con stucchi o tessuti da parati. Le mensole dei camini, realizzate in marmo bianco, spesso presentavano cariatidi agli angoli o altri elementi decorativi come obelischi, sfingi e leoni alati. Oggetti in bronzo, compresi gli orologi da camino, erano spesso posizionati sopra queste mensole. Le porte erano composte da semplici pannelli rettangolari, ciascuno ornato da una figura centrale ispirata all'arte pompeiana. I tessuti dell'era dell'Impero includevano damaschi con fondi blu o marroni, rasi con fondi verdi, rosa o viola, velluti in tonalità simili, broccati intrecciati con oro o argento e vari tessuti di cotone. Questi materiali erano ampiamente utilizzati negli interni per tende, rivestimenti di mobili, cuscini e tappezzerie; la pelle veniva utilizzata anche per la tappezzeria.

L'ornamento caratteristico dello stile Impero è rigorosamente simmetrico, riecheggiando i principi estetici dell'epoca di Luigi XIV. Tipicamente, i motivi sui lati opposti di un oggetto mostrano una corrispondenza precisa; in alternativa, se tale rispecchiamento diretto è assente, i singoli motivi stessi sono intrinsecamente simmetrici. Gli esempi includono teste classiche con trecce identiche su entrambe le spalle, raffigurazioni frontali della Vittoria con tuniche drappeggiate simmetricamente o coppie di rosette o cigni identici posizionati accanto a una piastra di chiusura. Similmente a Luigi XIV, Napoleone stabilì una serie distinta di emblemi inequivocabilmente legati al suo regno. Questi includevano in primo piano l'aquila, l'ape, le stelle e le iniziali I (che rappresenta Imperator) e N (per Napoleone), spesso racchiuse all'interno di una corona di alloro imperiale. I motivi comuni comprendevano figure della Vittoria che reggevano rami di palma, ballerini greci, figure femminili sia nude che drappeggiate, rappresentazioni di antichi carri, putti alati, mascheroni raffiguranti Apollo, Hermes e la Gorgone, nonché cigni, leoni, teste di buoi, cavalli e bestie selvagge. Ulteriori elementi includevano farfalle, artigli, chimere alate, sfingi, bucrani, cavallucci marini, ghirlande di quercia fissate da sottili nastri finali, viti rampicanti, rinceaux di papavero, rosette, rami di palma e alloro. Furono inoltre impiegati un numero significativo di motivi derivati ​​​​dall'antichità greco-romana, come foglie d'acanto rigide e appiattite, palmette, cornucopie, perline, anfore, treppiedi, dischi embricati, caducei di Mercurio, vasi, elmi, torce accese, trombettisti alati e vari strumenti musicali antichi, in particolare tube, sonagli e soprattutto lire. Nonostante le loro origini classiche, le scanalature e i triglifi che erano prominenti durante il periodo di Luigi XVI erano notevolmente assenti. I motivi del revival egiziano erano particolarmente diffusi nella prima fase di questo periodo, con elementi come scarabei, capitelli di loto, dischi alati, obelischi, piramidi, figure adornate con nemesi e cariatidi en gaine, caratterizzate da piedi nudi e copricapi femminili egiziani.

Germania

L'architettura neoclassica ottenne un'adozione diffusa in Germania, in particolare nella regione allora conosciuta come Prussia, fungendo da emblema di ricchezza e autorità. A Karl Friedrich Schinkel si deve la costruzione di numerosi edifici illustri in questo stile, tra cui l'Altes Museum di Berlino. Sebbene la pianificazione urbana di Berlino abbia mantenuto in gran parte il suo carattere barocco, i contributi architettonici e l'estetica funzionale di Schinkel hanno dotato la città di un caratteristico nucleo neoclassico.

La Bauakademie, progettata da Schinkel, è considerata un precursore dell'architettura moderna, principalmente grazie alla sua facciata aerodinamica senza precedenti.

Italia

Per tutta la seconda metà del XVIII secolo e per tutto il XIX secolo, l'Italia conobbe sostanziali trasformazioni socioeconomiche, molteplici incursioni straniere e il tumultuoso movimento risorgimentale, culminato nell'unificazione della nazione nel 1861. Di conseguenza, l'arte italiana subì una successione di cambiamenti stilistici, sia sottili che profondi.

Il Neoclassicismo italiano rappresentò l'emergere iniziale del più ampio periodo neoclassico e persistette per un periodo durata più lunga rispetto ad altre iterazioni nazionali dello stile. Questo movimento si è evoluto in contrasto con lo stile barocco, iniziando intorno al c. 1750 e continuando fino a circa c. 1850. Il neoclassicismo ebbe origine in concomitanza con la riscoperta di Pompei e si diffuse in tutta Europa quando una generazione di studenti d'arte, dopo aver completato il Grand Tour in Italia, tornarono in patria imbevuti di rinnovati ideali greco-romani. Inizialmente, il suo epicentro fu Roma, dove artisti come Antonio Canova e Jacques-Louis David furono importanti durante la seconda metà del XVIII secolo, prima dello spostamento del movimento a Parigi. Anche i pittori di vedute, tra cui Canaletto e Giovanni Paolo Panini, ottennero notevoli consensi durante l'era del Grand Tour. L'architettura neoclassica trasse ispirazione dalle opere rinascimentali di Andrea Palladio, con Luigi Vanvitelli riconosciuto come uno dei principali esponenti dello stile.

La letteratura classicista influenzò in modo significativo il movimento risorgimentale. Figure chiave di quest'epoca includevano Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti, Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi e Alessandro Manzoni (nipote di Cesare Beccaria), tutti influenzati anche dall'Illuminismo francese e dal Romanticismo tedesco. Il virtuoso violinista Paganini, insieme alle opere di Rossini, Donizetti, Bellini e successivamente Verdi, furono forze dominanti nella musica classica e romantica italiana.

I contributi artistici di Francesco Hayez, e in particolare quelli dei Macchiaioli, segnarono un allontanamento dalla scuola classica, che si concluse con l'Unità d'Italia. Il neoclassicismo rappresenta l'ultimo stile artistico di origine italiana, dopo il Rinascimento e il Barocco, a raggiungere un'ampia diffusione nell'arte occidentale.

Romania

Il XIX secolo in Valacchia e Moldavia, che in seguito formarono il Regno di Romania, fu in gran parte dominato dal Classicismo. Questo stile architettonico persistette fino al XX secolo, coesistendo occasionalmente con altri stili per brevi periodi. Dall'inizio del XIX secolo furono incaricati architetti e ingegneri stranieri, poiché i professionisti rumeni locali non avevano la formazione specializzata necessaria per progettare strutture significativamente divergenti dall'architettura tradizionale rumena. Questi esperti stranieri, impiegando principalmente il Classicismo, collaborarono con artigiani rumeni, molti dei quali avevano ricevuto la loro formazione in scuole o accademie internazionali. Allo stesso tempo, gli architetti rumeni hanno anche proseguito la loro formazione nelle istituzioni dell'Europa occidentale. Una figura notevole che rappresentava il neoclassicismo in Romania fu Alexandru Orăscu.

Il classicismo trovò espressione sia nelle forme architettoniche religiose che secolari. Il Palazzo Știrbei, situato in Calea Victoriei a Bucarest, esemplifica il classicismo secolare. Costruito intorno al 1835 su progetto dell'architetto francese Michel Sanjouand, il palazzo fu successivamente dotato di un livello aggiuntivo progettato dall'architetto austriaco Joseph Hartmann nel 1882.

Ucraina

Molte città ucraine conservano una notevole eredità architettonica dei periodi degli imperi russo e austro-ungarico, a testimonianza del controllo storico dei territori ucraini da parte di vari stati stranieri. Un esempio lampante è la via Teatralna a Kropyvnytskyi, dove tutte le strutture furono erette nel XIX secolo in stile neoclassico da architetti europei.

Russia e Unione Sovietica

Dal 1905 al 1914, l'architettura russa conobbe un revival neoclassico conciso ma di grande impatto. Questo movimento ebbe origine dalla reinterpretazione dello stile dell’Impero Alessandrino e si diversificò rapidamente in vari approcci neorinascimentali, palladiani e classici modernizzati. A guidare questa tendenza furono gli architetti nati nel 1870, tra cui Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky, che raggiunsero il loro apice creativo prima della prima guerra mondiale. Dopo la ripresa economica negli anni ’20, questi architetti e i loro discepoli persistettero in un paesaggio architettonico prevalentemente modernista. Mentre alcuni, come Zholtovsky, aderirono rigorosamente ai principi classici, altri, come Fomin, Shchuko e Ilya Golosov, svilupparono i loro distinti stili modernizzati.

La soppressione dell'autonomia architettonica e il rifiuto ufficiale del modernismo nel 1932, evidenziato in particolare dal concorso internazionale per il Palazzo dei Soviet, portò alla promozione immediata del neoclassicismo come opzione chiave, sebbene non esclusiva, all'interno dell'architettura stalinista. Questo stile coesisteva con i design moderatamente modernisti di Boris Iofan, che a volte rasentavano l’Art Déco contemporaneo, come si vede nelle opere di Shchuko. Gli esempi più genuini di neoclassicismo, tuttavia, emersero dalla scuola Zholtovsky, che rimase un fenomeno distinto e alquanto isolato. Sebbene questo intervento politico si sia rivelato dannoso per i sostenitori del costruttivismo, è stato accolto con entusiasmo dagli architetti in linea con le tradizioni classiche.

Il neoclassicismo si è rivelato una scelta pragmatica per l'Unione Sovietica perché non necessitava di tecnologie di costruzione avanzate come telai in acciaio o cemento armato, consentendone la riproduzione utilizzando la muratura tradizionale. Di conseguenza, i progetti di Zholtovsky, Fomin e altri maestri affermati furono prontamente replicati in città lontane, anche in mezzo a un rigoroso razionamento dei materiali. I progressi nella tecnologia di costruzione del secondo dopoguerra hanno consentito agli architetti stalinisti di intraprendere progetti di grattacieli. Tuttavia, queste imponenti strutture, inclusi esempi “esportati” come il Palazzo della Cultura e della Scienza a Varsavia e il Centro Congressi Internazionale di Shanghai, presentavano una minima somiglianza stilistica con i precedenti classici. Il neoclassicismo e il neorinascimento continuarono ad essere impiegati in complessi residenziali e uffici meno complessi fino al 1955, quando Nikita Khrushchev pose fine all'era della costosa architettura stalinista.

Regno Unito

Lo stile Adam ebbe origine dai fratelli Adam e James, che nel 1777 pubblicarono un volume di incisioni che descrivevano in dettaglio gli ornamenti interni. Nei progetti di interni eseguiti secondo le specifiche di Robert Adam, pareti, soffitti, porte e altre superfici sono segmentati in grandi pannelli - rettangolari, circolari o quadrati - decorati con stucchi e motivi greco-romani lungo i bordi. Elementi decorativi comuni includono festoni, fili di perle, fasce di uova e dardi, medaglioni e altri motivi derivati ​​​​dall'antichità classica, in particolare disegni etruschi. Accessori decorativi complementari, come vasi in pietra a forma di urna, argenteria dorata, lampade e statuette, traggono costantemente ispirazione dall'antichità classica. Lo stile di Adamo è caratterizzato da raffinati specchi rettangolari, spesso incorniciati come quadri con motivi di foglie stilizzate, oppure sormontati da un frontone che sorregge un'urna o un medaglione. Un altro caratteristico design dello specchio Adam ricorda una finestra veneziana, caratterizzata da un grande specchio centrale affiancato da due più stretti e allungati. Gli specchi ovali, spesso impreziositi da festoni, costituiscono un'altra tipologia distinta. I mobili realizzati in questo stile presentano somiglianze strutturali con i mobili Luigi XVI.

Oltre allo stile Adam, le arti decorative inglesi sono rinomate anche per il produttore di ceramiche Josiah Wedgwood (1730–1795), che fondò la ceramica Etruria. Gli articoli Wedgwood sono composti principalmente da jasperware, un gres resistente e a grana fine. I vasi Wedgwood presentano tipicamente decorazioni in rilievo bicolore, più comunemente con figure bianche su uno sfondo blu.

Stati Uniti

Nel continente americano, le pratiche di architettura e interior design sono state profondamente plasmate dagli sviluppi stilistici europei. Le preferenze estetiche francesi influenzarono notevolmente gli stati del sud, in parte a causa dell'afflusso di emigranti in seguito alla Rivoluzione francese e della significativa eredità francese della popolazione canadese. L’etica pragmatica e le condizioni materiali prevalenti degli americani durante quest’epoca conferirono un carattere distintivo agli spazi interni. Tutti i mobili, i tappeti, le stoviglie, le ceramiche e l'argenteria americani, pur incorporando varie influenze europee e occasionalmente islamiche, turche o asiatiche, furono prodotti in conformità con gli standard, i gusti e i requisiti funzionali americani. Gli Stati Uniti hanno vissuto periodi caratterizzati dagli stili Queen Anne e Chippendale. Un'estetica tipicamente americana, lo stile federale, emerse pienamente nel XVIII e all'inizio del XIX secolo, fiorindo sotto l'influenza del gusto britannico. Spinto dal neoclassicismo, questo periodo vide la creazione di architetture, interni e mobili distintivi. Nonostante le variazioni regionali, lo stile mantenne un’unità fondamentale. Le strutture architettoniche, interne e di arredamento erano prevalentemente classiciste, integrando elementi del barocco e del rococò. Le forme geometriche comuni includevano rettangoli, ovali e mezzelune. Pareti e soffitti erano spesso caratterizzati da stucchi o pannelli di legno che riproducevano motivi classicisti. I mobili spesso incorporavano intarsi floreali e intarsi in bronzo o ottone, a volte dorati.

Giardini

In Inghilterra, la letteratura augustea trovò un parallelo diretto nello stile augusteo di progettazione del paesaggio, con chiari collegamenti evidenti nelle opere di Alexander Pope. Notevoli esempi sopravvissuti di giardini inglesi neoclassici includono Chiswick House, Stowe House e Stourhead.

Moda

Il neoclassicismo influenzò in modo significativo la moda femminile, promuovendo un'estetica più semplice e una preferenza sostenuta per gli indumenti bianchi, tendenze emerse ben prima della Rivoluzione francese. Tuttavia, fu solo dopo la Rivoluzione che l’emulazione completa degli stili antichi ottenne un’ampia accettazione in Francia, in particolare tra le donne. Prima di questo, l'abbigliamento classico era tipicamente limitato ai ritratti, dove donne alla moda posavano come figure della mitologia greca o romana - una pratica esemplificata da numerosi ritratti di Emma, ​​​​Lady Hamilton nel 1780 - e per balli in maschera, o come abbigliamento informale all'interno della casa, simile ad altri stili esotici. Tuttavia, gli ensemble resi popolari da esponenti del gusto parigini come Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais e Thérésa Tallien passarono dalla ritrattistica all'abbigliamento pubblico. Osservando Madame Tallien all'opera, Talleyrand osservò notoriamente: "Il n'est pas possibile de s'exposer plus somptueusement!" ("Non si potrebbe essere spogliati più sontuosamente"). Prima della Rivoluzione del 1788, la ritrattista di corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun ospitò una "cena greca" in cui i partecipanti indossavano semplici tuniche greche bianche. Le acconciature classiche più corte, spesso arricciate, si rivelarono meno controverse e furono ampiamente adottate, portando i capelli scoperti anche all'aperto, un allontanamento dalla precedente consuetudine di indossare cuffie o altri rivestimenti in ambienti chiusi, ad eccezione degli abiti da sera formali. Invece, sottili nastri o filetti di ispirazione greca venivano impiegati per adornare e legare i capelli.

Questi indumenti erano caratterizzati dalla loro estrema leggerezza e vestibilità ampia, prevalentemente bianchi, e spesso presentavano braccia sorprendentemente nude. Si estendevano dalla caviglia fino appena sotto il corpetto, dove un orlo o una cravatta sottile distinto, spesso contrastante, circondava il corpo. Questa forma distintiva è ora comunemente chiamata silhouette dell'Impero, nonostante le sue origini siano precedenti al Primo Impero francese di Napoleone. Tuttavia, l'imperatrice Joséphine de Beauharnais, la prima moglie di Napoleone, svolse un ruolo fondamentale nella diffusione di questo stile in tutta Europa. Uno scialle o un involucro lungo e rettangolare, spesso rosso semplice ma raffigurato con un bordo impreziosito nei ritratti, offriva calore pratico nei climi più freddi. Quando era seduto, questo accessorio veniva drappeggiato attorno all'ombelico, spesso a complemento delle posture semi-sdraiate e distese preferite. All'inizio del XIX secolo, queste tendenze della moda avevano raggiunto un'adozione diffusa in tutto il continente europeo.

La moda neoclassica presentava sfide considerevolmente maggiori per gli uomini e in gran parte non riuscì a guadagnare terreno, con la notevole eccezione delle acconciature. Contribuì in modo significativo all'adozione di capelli più corti, sostituendo infine l'uso delle parrucche e successivamente della polvere bianca per capelli tra gli uomini più giovani. Storicamente, per i Greci e i Romani, i pantaloni simboleggiavano il barbaro; di conseguenza pochi uomini al di fuori degli studi artistici, soprattutto quelli degli scultori, erano propensi a scartarli. Quest'epoca, tuttavia, segnò l'ascesa dei pantaloni lunghi, o pantaloni, rispetto alle culotte (calzoni al ginocchio) caratteristici dell'Ancien Régime. Persino il progetto di Jacques-Louis David per un nuovo "costume nazionale" francese nel 1792, commissionato dal governo in mezzo a un intenso fervore rivoluzionario per la trasformazione sociale, incorporava leggings relativamente attillati sotto un cappotto che terminava sopra il ginocchio. Un segmento consistente di giovani benestanti prestò servizio militare durante il periodo critico delle guerre rivoluzionarie francesi. Le uniformi militari, che iniziarono a presentare giacche accorciate sul davanti per mostrare completamente pantaloni attillati, venivano spesso indossate fuori servizio e di conseguenza influenzarono l'abbigliamento civile maschile.

Il "problema dei pantaloni" è stato riconosciuto dagli artisti come un ostacolo significativo alla creazione di dipinti di storia contemporanea, poiché i pantaloni, insieme ad altri elementi dell'abbigliamento moderno, erano ampiamente percepiti da molti artisti e critici come intrinsecamente antieroici ed esteticamente poco attraenti. Di conseguenza, furono impiegate varie strategie artistiche per eludere la loro rappresentazione nelle scene contemporanee. Ad esempio, in James Dawkins e Robert Wood alla scoperta delle rovine di Palmira (1758) di Gavin Hamilton, i due gentiluomini antiquari sono ritratti con abiti arabi simili a toghe. Allo stesso modo, in Watson and the Shark (1778) di John Singleton Copley, la figura centrale potrebbe essere credibilmente resa nuda, e la disposizione compositiva garantisce che tra le altre otto figure maschili, solo una mostri in modo prominente una singola gamba con la culatta. Tuttavia, gli artisti americani Copley e Benjamin West furono pionieri nell'integrazione riuscita dei pantaloni nelle narrazioni eroiche, come dimostrato in opere come La morte del generale Wolfe (1770) di West e La morte del maggiore Peirson, 6 gennaio 1781 di Copley (1783). Nonostante questi progressi, i pantaloni continuarono a essere meticolosamente omessi ne La zattera della Medusa di Théodore Géricault, completata nel 1819.

Le acconciature maschili di ispirazione classica includevano il Bedford Crop, considerato un precursore di molti stili maschili semplici contemporanei. Questo stile fu ideato dal politico radicale Francis Russell, quinto duca di Bedford, come protesta contro la tassa sulla polvere per capelli; secondo quanto riferito, ha incoraggiato i suoi conoscenti ad adottarlo attraverso le scommesse. Un altro stile influente, o gruppo di stili, fu chiamato dai francesi "coiffure à la Titus", in riferimento a Titus Junius Brutus (distinto dall'imperatore romano Titus, un malinteso comune). Questo stile prevedeva capelli corti e scalati, spesso rialzati sulla corona, e spesso includeva sottili ciuffi o ciocche pendenti. Variazioni di questa acconciatura sono riconoscibili nei ritratti di Napoleone e Giorgio IV del Regno Unito. L'introduzione di questo stile è attribuita all'attore François-Joseph Talma, che secondo quanto riferito metteva in ombra i suoi colleghi con la parrucca durante le rappresentazioni di opere teatrali come Bruto di Voltaire, che raffigura Lucio Giunio Bruto che ordina l'esecuzione di suo figlio Tito. Un periodico di moda parigino riferì nel 1799 che anche le persone calve adottavano le parrucche di Titus. Lo stile guadagnò popolarità anche tra le donne, tanto che il Journal de Paris notava nel 1802 che "più della metà delle donne eleganti portava i capelli o la parrucca à la Titus."

Musica

Il neoclassicismo musicale, un movimento del XX secolo, ha comportato la rinascita degli stili musicali classici e barocchi del XVII e XVIII secolo, che spesso incorporavano temi greci e romani, piuttosto che una rinascita diretta della musica antica stessa. (Durante l’inizio del XX secolo, il periodo barocco nella musica, un’influenza primaria per i compositori neoclassici, non era ancora stato chiaramente differenziato da quello che oggi è riconosciuto come periodo classico.) Questo movimento, emerso all’inizio del XX secolo, rappresentava una risposta al cromatismo dissolvente caratteristico del tardo romanticismo e dell’impressionismo. Si è sviluppato in concomitanza con il Modernismo musicale, che mirava a scartare completamente la tonalità chiave. Il neoclassicismo esprimeva una preferenza per la chiarezza e la semplicità stilistica. Pur consentendo reinterpretazioni dissonanti delle tecniche classiche, mirava ad andare oltre gli eccessi percepiti del Romanticismo e le sottili sfumature dell'Impressionismo, favorendo invece ritmi robusti, armonie assertive e forme sezionali distinte. Ciò ha coinciso con una tendenza alla ricostruzione della danza e dell'abbigliamento "classico" nel balletto e nell'educazione fisica.

Sebbene la suite da ballo del XVII-XVIII secolo conobbe una piccola rinascita prima della prima guerra mondiale, i compositori neoclassici erano generalmente insoddisfatti del diatonicismo puro. Spesso mettevano in risalto la vibrante dissonanza di sospensioni e ornamenti, le caratteristiche spigolose dell'armonia modale del XVII secolo e i contorni dinamici della scrittura contrappuntistica. Arie e danze antiche (1917) di Ottorino Respighi stabilì un precedente per l'estetica sonora che i neoclassicisti cercavano di raggiungere. Mentre l'appropriazione degli stili musicali del passato è un fenomeno ricorrente nella storia della musica, la musica artistica ha periodicamente caratterizzato compositori che hanno integrato tecniche contemporanee con forme o armonie storiche per generare nuove composizioni. Gli attributi compositivi chiave includono: allusioni alla tonalità diatonica, adesione a forme convenzionali (come suite di danza, concerti grossi e forme di sonata), il concetto di musica assoluta priva di connotazioni descrittive o emotive, l'impiego di trame musicali leggere e un approccio conciso all'espressione musicale. All’interno della musica classica, questa tendenza fu particolarmente evidente dagli anni ’20 agli anni ’50. Igor Stravinsky è riconosciuto come il compositore più importante associato a questo stile, avendo effettivamente avviato la rivoluzione musicale con il suo Ottetto per strumenti a fiato ispirato a Bach (1923). La Sinfonia classica n. 1 in re di Prokofiev, che evoca lo stile sinfonico di Haydn o Mozart, costituisce un notevole esempio individuale di questa estetica. Il balletto neoclassico, inaugurato da George Balanchine, razionalizzò lo stile imperiale russo semplificando costumi, passi e narrativa, introducendo contemporaneamente progressi tecnici.

Neoclassicismo successivo e suoi sviluppi

Dopo la metà del XIX secolo, il neoclassicismo cominciò a recedere come stile architettonico dominante, sostituito da un eclettismo di stili classici. L'Opéra Garnier di Parigi esemplifica questa tendenza poiché, nonostante il suo carattere prevalentemente neoclassico, incorpora elementi e ornamenti derivati ​​dall'architettura barocca e rinascimentale. Tale design sincretico era prevalente nell'architettura della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, prima della prima guerra mondiale. Oltre al neoclassicismo, il Beaux-Arts de Paris era rinomato anche per il suo abbraccio all'eclettismo stilistico classico.

Pablo Picasso esplorò i motivi classicizzanti durante il periodo immediatamente successivo alla prima guerra mondiale.

Nell'architettura americana, il neoclassicismo rappresentava un aspetto del movimento rinascimentale americano, ca. 1890-1917, culminato nell'architettura Beaux-Arts. Le sue ultime importanti commissioni pubbliche includevano il Lincoln Memorial, che dovette affrontare significative critiche contemporanee; la National Gallery of Art di Washington, DC, anch'essa ampiamente criticata dalla comunità architettonica per il suo design percepito anacronistico e convenzionale; e il Roosevelt Memorial dell'American Museum of Natural History. Una volta completate, queste strutture furono in gran parte considerate anacronismi stilistici. Nel Raj britannico, la monumentale pianificazione urbanistica di Sir Edwin Lutyens per Nuova Delhi significò il declino del neoclassicismo. La seconda guerra mondiale successivamente diminuì il desiderio diffuso e l'emulazione di periodi storici idealizzati.

Un movimento distinto del XX secolo, chiamato anche neoclassicismo, emerse all'interno delle arti non visive. Questo movimento comprendeva, come minimo, musica, filosofia e letteratura. Il suo periodo di influenza principale andò dalla conclusione della prima guerra mondiale alla fine della seconda guerra mondiale.

Questo movimento letterario neoclassico evitava il romanticismo estremo esemplificato da movimenti come Dada, sostenendo invece la moderazione, l'adesione religiosa (in particolare il cristianesimo) e un'agenda politica reazionaria. Mentre T. E. Hulme stabilì i principi fondamentali di questo movimento nella letteratura inglese, i suoi sostenitori più importanti includevano T. S. Eliot e Wyndham Lewis. In Russia, il movimento si consolidò già nel 1910 sotto la denominazione di Acmeismo, con Anna Akhmatova e Osip Mandelshtam come principali rappresentanti.

Art Déco

Nonostante il neoclassicismo fosse sempre più percepito come anacronistico dopo la prima guerra mondiale, i suoi principi fondamentali, le proporzioni e altri elementi stilistici persistettero. L'Art Déco, lo stile predominante del periodo tra le due guerre, risuonava con la preferenza dell'élite borghese per i sofisticati stili storici francesi, come Luigi XVI, Direttorio e Impero, che rappresentano periodi del neoclassicismo francese. Allo stesso tempo, questa stessa élite francese dimostrò di apprezzare l'arte moderna, comprese le opere di Pablo Picasso e Amedeo Modigliani. Questa confluenza di influenze ha portato a un primo stile Art Déco che integrava elementi sia nuovi che tradizionali. Il Palais de Tokyo, costruito a Parigi nel 1937 da André Aubert e Marcel Dastugue, ne è un ottimo esempio. Mentre gli ornamenti sono assenti, con la facciata ornata esclusivamente da rilievi, la presenza di colonne evoca fortemente l'estetica neoclassica. Il design Art Deco spesso incorporava motivi neoclassici, anche se sottilmente: gli esempi includono i comò austeri e rettilinei di Émile-Jacques Ruhlmann o Louis Süe & André Mare; fregi precisi e in bassissimo rilievo raffiguranti damigelle e gazzelle su vari media; capi alla moda drappeggiati o tagliati in sbieco per emulare le silhouette greche; e la danza interpretativa di Isadora Duncan. Persino gli architetti modernisti conservatori francesi, come Auguste Perret, mantennero i principi ritmici e spaziali dell'architettura colonnare nelle strutture industriali.

L'interazione dinamica all'interno dell'Art Déco, caratterizzata dall'integrazione di elementi, forme e proporzioni storici insieme a un abbraccio di modernità, deriva da diversi fattori che contribuiscono. Un'influenza primaria è l'eclettismo. La complessità intrinseca e la diversa natura dell’Art Déco sono in gran parte attribuibili a questo spirito eclettico. Componenti stilizzati derivati ​​​​dalle Belle Arti e dal Neoclassicismo, o da culture temporalmente e geograficamente distanti come l'Antico Egitto, le Americhe precolombiane e l'arte dell'Africa sub-sahariana, furono sintetizzati con allusioni agli artisti d'avanguardia modernisti dell'inizio del XX secolo, tra cui Henri Matisse, Amedeo Modigliani e Constantin Brâncuși. La distinta identità architettonica del movimento Art Déco è significativamente debitrice all'eclettismo accademico e al neoclassicismo. Senza il contributo di architetti formati nella tradizione Beaux-Arts, l’architettura Art Deco, a parte le strutture residenziali, avrebbe potuto essere semplicemente un’aggregazione di oggetti decorativi adattati a una dimensione urbana, simile agli allora controversi padiglioni dell’Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Moderne del 1925. Un altro fattore che ha guidato l'oscillazione tra elementi storici e moderni è stata la cultura del consumo. Edifici e oggetti progettati nell'austero stile internazionale, che evitava ornamenti e riferimenti storici, si rivelarono troppo radicali per la popolazione generale. Durante il periodo tra le due guerre in Francia e Inghilterra, il sentimento pubblico e una parte significativa della critica architettonica trovarono difficile accettare uno stile completamente privo di abbellimenti, come l'International Style.

L'incorporazione di stili storici come ispirazione fondamentale per l'Art Déco iniziò prima della prima guerra mondiale, in gran parte grazie agli sforzi di decoratori come Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot ed Émile-Jacques Ruhlmann. Questi designer si sono ispirati alle stimate tradizioni artistiche e artigianali francesi della fine del XVIII e dell'inizio del XIX secolo, in particolare agli stili Luigi XVI, Direttorio e Luigi Filippo, con l'obiettivo di introdurre una nuova interpretazione. Lo stile neo-Luigi XVI guadagnò notevole popolarità in Francia e Romania intorno al 1910, influenzando in modo significativo numerosi primi progetti Art Déco e progetti architettonici. Un notevole esempio di questa influenza è il castello di Sept-Saulx a Grand Est, in Francia, progettato da Louis Süe tra il 1928 e il 1929.

Neoclassicismo e regimi totalitari

Durante gli anni '20 e '30, i regimi totalitari dell'Italia fascista, della Germania nazista, della Romania sotto Carlo II e dell'Unione Sovietica adottarono il neoclassicismo per l'architettura e l'arte statale. L’architettura è servita come mezzo cruciale per questi regimi per proiettare un’immagine di permanenza, nonostante la loro intrinseca novità. L'appropriazione del Classicismo da parte degli stati totalitari si è manifestata in diverse forme. Nel contesto degli edifici statali in Italia e Romania, gli architetti hanno cercato di integrare una sensibilità moderna con forme classiche astratte. Esempi esemplari sono il Palazzo della Civiltà Italiana a Roma e il Palazzo del Rettorato Universitario e della Facoltà di Giurisprudenza a Bucarest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu n. 36–46). Al contrario, il classicismo prevalente nell’Unione Sovietica, noto come realismo socialista, era caratterizzato dalla sua natura ampollosa, piena di ampi ornamenti e sculture architettoniche. Questo approccio mirava a contrastare nettamente con la semplicità percepita degli stili “capitalisti” o “borghesi” come l’Art Déco o il Modernismo. L'Università Lomonosov di Mosca è un ottimo esempio di questa estetica. Nikita Krusciov, succeduto a Stalin come leader sovietico, espresse disprezzo per l'ostentata architettura realista socialista dell'epoca del suo predecessore. Citando il lento ritmo di costruzione e gli alti costi associati a questi edifici neoclassici, ha notoriamente osservato che "hanno speso i soldi delle persone per la bellezza di cui nessuno ha bisogno, invece di costruire cose più semplici, ma di più".

Nell'Unione Sovietica, il neoclassicismo fu adottato come deliberato contrappunto all'Art Déco e al Modernismo, stili considerati eccessivamente "borghesi" e "capitalisti" dal regime comunista. Questa distintiva estetica neoclassica comunista, nota come realismo socialista, fiorì durante la leadership di Joseph Stalin (1924-1953). Nel regno delle belle arti, si manifesta tipicamente attraverso rappresentazioni altamente idealizzate di robusti lavoratori, raffigurati come figure eroiche nelle fattorie collettive o in contesti urbani industriali, nonché in assemblee politiche, celebrazioni dei progressi tecnologici sovietici e scene di bambini gioiosi al fianco di Lenin o Stalin. Sia il contenuto tematico che la sua rappresentazione visiva sono stati sottoposti a un controllo rigoroso, con il merito artistico determinato dal contributo di un'opera al progetto socialista. Tutti gli artisti avevano il mandato di aderire all'Unione degli artisti sovietici controllata dallo stato e di aderire allo stile ufficialmente sancito. I principi fondamentali del realismo socialista comprendevano l’incrollabile lealtà al partito, la propagazione dell’ideologia corretta e un’ampia accessibilità. Il realismo è stato favorito come uno stile più facilmente comprensibile alla popolazione generale. Inizialmente, l’Unione Sovietica ospitò diversi movimenti d’avanguardia concorrenti, in particolare il Costruttivismo. Tuttavia, quando Stalin consolidò il potere alla fine degli anni ’20, l’arte e l’architettura d’avanguardia dovettero affrontare la soppressione, fino a diventare fuorilegge, portando alla creazione di stili statali ufficiali. Dopo la vittoria di Boris Iofan nel concorso per il progetto del Palazzo dei Soviet, caratterizzato da una torre classica a gradoni sormontata da una colossale statua di Lenin, l'architettura tornò rapidamente alle forme pre-rivoluzionarie, evitando deliberatamente le percepite influenze occidentali del costruttivismo. Mentre il realismo socialista in architettura si ritirò in gran parte dopo la morte di Stalin e l'ascesa di Nikita Khrushchev, i dipinti in questo stile persistettero, in particolare nelle nazioni caratterizzate da un forte culto della personalità attorno ai loro leader, come la Cina di Mao Zedong, la Corea del Nord di Kim Il Sung e la Romania di Nicolae Ceaușescu.

Dopo aver assunto il controllo governativo nel 1933, il regime nazista soppresse sistematicamente la vivace cultura d'avanguardia tedesca. Albert Speer, nominato consigliere architettonico di Adolf Hitler nel 1934, cercò di forgiare uno stile architettonico che incarnasse contemporaneamente l'unità percepita del popolo tedesco e servisse da sfondo imponente per le manifestazioni di potere naziste. L’approccio nazista all’architettura era segnato da contraddizioni intrinseche: mentre gli ambiziosi piani di Hitler e Speer per riconfigurare Berlino cercavano di emulare la Roma imperiale, le strutture naziste nei contesti rurali traevano ispirazione dai vernacoli locali, con l’obiettivo di incanalare uno spirito tedesco “autentico”. Per quanto riguarda le belle arti, i nazisti coniarono il termine "arte degenerata" per classificare l'arte moderna, che denunciarono come "non tedesca", "ebraica" o "comunista". Questa condanna dell'arte moderna era intrinsecamente legata al "bolscevismo culturale", una teoria cospirativa che postulava che l'arte e la cultura in generale fossero controllate da una cabala ebraica di sinistra intenzionata a distruggere la razza ariana. La campagna di Hitler contro l'arte moderna prevedeva principalmente una mostra progettata per screditare gli artisti moderni, intitolata "Mostra d'arte degenerata" (tedesco: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). Questa mostra era strategicamente allestita accanto alla Grande Esposizione d'Arte Tedesca, che esponeva opere d'arte approvate dai nazisti, consentendo così ai visitatori di confrontare direttamente l'arte ritenuta "buona" e "cattiva" dal regime. Riflettendo una posizione simile, il regime chiuse nel 1931 il Bauhaus, una scuola d'arte d'avanguardia di Dessau che aveva avuto una profonda influenza nel dopoguerra, nel 1931. Anche se riaprì brevemente a Berlino nel 1932, fu definitivamente chiusa di nuovo nel 1933.

A differenza della Germania e dell'Unione Sovietica, l'Italia fu testimone del contributo dell'avanguardia all'architettura statale. Anche l'architettura classica esercitò un'influenza significativa, riflettendo i tentativi più diretti di Benito Mussolini di stabilire collegamenti tra il suo regime fascista e l'antica Roma. Alcuni architetti italiani, come Marcello Piacentini con l'Università La Sapienza di Roma e Giuseppe Terragni con la Casa del Fascio a Como, hanno cercato di integrare Modernismo e Classicismo.

In Romania, alla fine degli anni '30, sotto l'influenza delle politiche autocratiche del re Carol II, furono costruiti numerosi edifici statali. Queste strutture adottarono uno stile neoclassico, spesso mostrando forti somiglianze con le tendenze architettoniche contemporanee dell'Italia fascista. Esempi degni di nota a Bucarest comprendono il rettorato universitario e l'edificio della facoltà di giurisprudenza (Bulevardul Mihail Kogălniceanu n. 36–46), il palazzo degli appartamenti Kretzulescu (Calea Victoriei n. 45), l'edificio CFR (Bulevardul Dinicu Golescu n. 38) e il Palazzo Victoria (Piața Victoriei n. 1). Il Palazzo Reale, caratterizzato prevalentemente da interni in stile neo-Adamo, si distingue per i suoi ornamenti più elaborati, più in linea con l'estetica architettonica precedente alla Prima Guerra Mondiale.

Postmodernismo

L'architetto Robert Venturi è autore di un'influente critica del Modernismo, Complessità e contraddizione in architettura (1966), sostenendo la reintroduzione di elementi storici, o la "presenza del passato", nella progettazione architettonica. I suoi sforzi architettonici cercavano di incarnare le qualità che articolava come "inclusione, incoerenza, compromesso, accomodamento, adattamento, superadiacenza, equivalenza, focalizzazione multipla, giustapposizione o spazio buono e cattivo". L'opera di Venturi risuonava con l'etica controculturale prevalente degli anni '60, un periodo segnato dall'esame critico da parte delle generazioni più giovani e dalla sfida dei paradigmi politici, sociali e razziali esistenti. Questo fondamentale allontanamento dai principi modernisti divenne noto come postmodernismo. Venturi ha parodiato l'iconica massima di Ludwig Mies van der Rohe "meno è più" con la sua replica "meno è noioso". Durante gli anni ’80 e ’90, alcuni architetti postmoderni abbracciarono una forma di neo-neoclassicismo. Il loro impegno con il Classicismo si estendeva oltre la semplice ornamentazione, incorporando sistemi proporzionali e altri principi fondamentali. Il classicismo postmoderno ha ricevuto descrizioni come “camp” o “kitsch” da vari commentatori. Ricardo Bofill è un notevole architetto riconosciuto per i suoi contributi al classicismo postmoderno. Il suo portfolio comprende due monumentali complessi residenziali vicino a Parigi: Les Arcades du Lac (1975–1981) e Les Espaces d'Abraxas (1978–1983). Il J. Paul Getty Museum di Malibu, California (1970–1975), si distingue per il suo approccio revivalista, traendo ispirazione dall'antica Villa romana dei Papiri di Ercolano. Il J. Paul Getty Museum mostra un'affinità più forte con il neoclassicismo del XIX secolo, esemplificato da strutture come il Pompejanum ad Aschaffenburg, in Germania, che con il classicismo postmoderno prevalente negli anni '80.

Architettura nel 21° secolo

Dopo un periodo di minore importanza durante l'ascesa dell'architettura moderna (all'incirca dal secondo dopoguerra alla metà degli anni '80), il neoclassicismo ha vissuto una notevole rinascita.

Nel decennio iniziale del 21° secolo, l'architettura neoclassica contemporanea è generalmente classificata sotto la denominazione più ampia di Nuova Architettura Classica. Occasionalmente viene anche chiamato neo-storicismo o tradizionalismo. Inoltre, diverse opere architettoniche postmoderne incorporano riferimenti espliciti al Neoclassicismo, traendo ispirazione dalle sue forme; esempi includono il quartiere Antigone e il Teatro Nazionale della Catalogna a Barcellona. L'architettura postmoderna integra spesso componenti storici come colonne, capitelli o timpano.

Per gli stili architettonici che aderiscono genuinamente alle tradizioni, ai materiali e all'artigianato regionali, viene utilizzata prevalentemente la designazione "Architettura tradizionale" (o architettura vernacolare). Il Driehaus Architecture Prize riconosce i contributori significativi all'architettura tradizionale o classica del 21° secolo, offrendo un premio in denaro doppio rispetto a quello del modernista Pritzker Prize.

Negli Stati Uniti, numerosi edifici pubblici contemporanei sono costruiti in stile neoclassico, con lo Schermerhorn Symphony Center di Nashville del 2006 che funge da esempio di spicco.

In Gran Bretagna, diversi architetti praticano attivamente l'idioma neoclassico. I loro progetti degni di nota comprendono due biblioteche universitarie: la Maitland Robinson Library di Quinlan Terry al Downing College e la Sackler Library di Robert Adam Architects.

Note

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