L'arte postmoderna comprende vari movimenti artistici emersi in opposizione ad alcuni principi del modernismo o ai successivi sviluppi. In genere, categorie come intermedia, installazione artistica, arte concettuale e multimediale, in particolare quelle che incorporano video, sono caratterizzate come postmoderne.
Diverse caratteristiche distintive distinguono l'arte postmoderna. Questi comprendono la ricontestualizzazione di stili e temi storici all’interno di strutture contemporanee, il bricolage, l’integrazione prominente del testo come componente artistica primaria, il collage, la semplificazione, l’appropriazione e la performance art. Inoltre, una caratteristica significativa è la dissoluzione delle tradizionali distinzioni tra belle arti, arte alta, arte bassa e cultura popolare.
Utilizzo del termine
Dagli anni '50 la denominazione prevalente della produzione artistica è stata "arte contemporanea". Tuttavia, non tutta l’arte classificata come contemporanea è postmoderna; questa classificazione più ampia include artisti che mantengono pratiche moderniste e tardomoderniste, insieme a coloro che rinnegano il postmodernismo per ragioni alternative. Arthur Danto presuppone che "contemporaneo" serva come descrittore più espansivo, con le opere postmoderne che costituiscono un "sottosettore" all'interno del più ampio movimento contemporaneo. Sebbene alcuni artisti postmoderni si siano notevolmente discostati dai principi modernisti, un consenso definitivo che distingua il "tardomoderno" dal "postmoderno" rimane sfuggente. Concetti precedentemente respinti dall'estetica moderna sono stati ripristinati. Specificamente nella pittura, il postmodernismo ha segnato la reintroduzione di forme rappresentative. Alcuni critici sostengono che una parte sostanziale dell'arte contemporanea "postmoderna", in particolare le recenti espressioni d'avanguardia, dovrebbero essere classificate come arte moderna.
Oltre a caratterizzare tendenze specifiche nell'arte contemporanea, il termine "postmoderno" è stato applicato anche per designare una fase particolare all'interno dell'arte moderna. Questa prospettiva è stata abbracciata sia dai sostenitori del modernismo, tra cui Clement Greenberg, sia dai suoi critici radicali, come Félix Guattari, che notoriamente lo definì "l'ultimo sussulto" del modernismo. Il critico neoconservatore Hilton Kramer ha definito il postmodernismo "una creazione del modernismo alla fine delle sue forze". Secondo l'interpretazione di Fredric Jameson, Jean-François Lyotard non affermava una fase postmoderna fondamentalmente distinta dall'alto modernismo; piuttosto, Lyotard considerava l'insoddisfazione postmoderna per specifici stili dell'alto modernismo come una componente integrale della natura sperimentale dell'alto modernismo, promuovendo così nuovi modernismi. Nell'ambito dell'estetica e dell'arte, Jean-François Lyotard è un filosofo fondamentale del postmodernismo.
Una visione critica prevalente presuppone che l'arte postmoderna si sia evoluta dall'arte moderna. Le tempistiche proposte per questa transizione vanno dal 1914 in Europa al 1962 o 1968 in America. James Elkins, riflettendo sui dibattiti che circondano l’inizio preciso del passaggio dal modernismo al postmodernismo, traccia un parallelo con il discorso degli anni ’60 riguardante l’esatta durata del Manierismo e il suo punto di inizio, sia immediatamente dopo l’Alto Rinascimento o più tardi nel secolo. Sottolinea che tali dibattiti sono perenni riguardo ai movimenti e ai periodi artistici, senza sminuirne il significato. La conclusione dell'era dell'arte postmoderna è spesso situata alla fine degli anni '80, un periodo in cui il termine "postmodernismo" ha subito un calo di rilevanza critica e le pratiche artistiche sono sempre più interessate alle implicazioni della globalizzazione e dei media emergenti.
Jean Baudrillard ha esercitato una notevole influenza sull'arte di ispirazione postmoderna, evidenziando il potenziale per nuove espressioni creative. L'artista Peter Halley, ad esempio, definì il suo uso dei colori fosforescenti come una "iperrealizzazione del colore reale", attribuendo a Baudrillard un'influenza chiave. Al contrario, Baudrillard sostenne costantemente, dal 1984 in poi, che l’arte contemporanea – in particolare l’arte postmoderna – era inferiore all’arte modernista prodotta nel secondo dopoguerra, mentre Jean-François Lyotard lodava la pittura contemporanea e notava il suo sviluppo dall’arte moderna. Numerose artiste di spicco del XX secolo sono legate all'arte postmoderna, dato che gran parte del quadro teorico del loro lavoro ha avuto origine dalla psicoanalisi francese e dalla teoria femminista, entrambe profondamente legate alla filosofia postmoderna.
L'applicazione del termine "postmoderno" è oggetto di critiche, un evento comune con tali designazioni. Ad esempio, Kirk Varnedoe ha affermato che il postmodernismo non esiste e che il potenziale del modernismo rimane insoddisfatto. Sebbene il termine sia diventato un'abbreviazione convenzionale dall'inizio alla metà degli anni '80 per identificare opere di specifici movimenti artistici del dopoguerra che utilizzano materiali distinti e tecniche generiche, i fondamenti teorici del postmodernismo come demarcazione epocale o epistemica continuano ad essere altamente controversi.
Caratteristiche
Il postmodernismo comprende movimenti artistici che hanno origine e che si oppongono attivamente o rifiutano le tendenze moderniste consolidate. Le caratteristiche chiave spesso attribuite al modernismo includono la purezza formale, la specificità del mezzo, il concetto di arte fine a se stessa, l'autenticità, l'universalità, l'originalità e le tendenze rivoluzionarie o reazionarie, esemplificate dall'avanguardia. Tuttavia, il paradosso emerge come probabilmente il concetto modernista più significativo che il postmodernismo sfida. Il paradosso era fondamentale per il progetto modernista, introdotto in particolare da Manet. Le diverse sovversioni dell'arte rappresentativa da parte di Manet hanno sottolineato la percepita mutua esclusività tra realtà e rappresentazione, design e rappresentazione, e astrazione e realtà, tra le altre dicotomie. Questa integrazione del paradosso si è rivelata profondamente influente per artisti che vanno da Manet ai concettualisti.
La posizione dell'avanguardia nell'arte contemporanea rimane controversa. Numerose istituzioni sostengono che qualità visionarie, lungimiranti, all'avanguardia e progressiste siano indispensabili per la missione contemporanea dell'arte, suggerendo che l'arte postmoderna è intrinsecamente in conflitto con l'etica dell'"arte dei nostri tempi". Il postmodernismo ripudia fondamentalmente il concetto di avanzamento o progresso intrinseco nell'arte, cercando così di smantellare il "mito dell'avanguardia". Rosalind Krauss fu una sostenitrice di spicco della prospettiva che l’avanguardia aveva concluso, inaugurando una nuova epoca artistica caratterizzata come post-liberale e post-progresso. Griselda Pollock ha effettuato ricerche approfondite e si è impegnata criticamente con l'avanguardia e l'arte moderna attraverso una serie di pubblicazioni fondamentali, rivalutando contemporaneamente l'arte moderna e riconcettualizzando l'arte postmoderna.
Una caratteristica distintiva dell'arte postmoderna è la sua fusione di cultura alta e bassa, ottenuta attraverso l'incorporazione di materiali industriali e immagini della cultura popolare. Sebbene la sperimentazione modernista includesse anche l'utilizzo di forme d'arte "basse", come evidenziato dalla mostra High and Low: Popular Culture and Modern Art di Kirk Varnedoe e Adam Gopnik del 1990-91 al Museum of Modern Art di New York - una mostra ampiamente criticata all'epoca per aver unito figure come Douglas Crimp e Hilton Kramer nel disprezzo collettivo - l'arte postmoderna è particolarmente riconosciuta per la sua deliberata offuscamento dei confini tra ciò che è considerato arte bella o alta e ciò che è tipicamente classificato come arte bassa o kitsch. Sebbene il concetto di “sfocatura” o “fusione” dell’arte alta e bassa sia stato esplorato durante il modernismo, ha ottenuto il pieno appoggio solo con l’emergere dell’era postmoderna. Il postmodernismo ha integrato elementi di commercialismo, kitsch e un’estetica camp più ampia nella sua struttura artistica. Inoltre, si appropria e combina stili di diversi periodi storici, come il gotico, il rinascimento e il barocco, spesso ignorando le loro funzioni contestuali originali all’interno dei rispettivi movimenti artistici. Questi elementi costituiscono collettivamente caratteristiche comuni che definiscono l’arte postmoderna. Art Spiegelman, nel discutere le sue scelte stilistiche per Maus, ha articolato la capacità dell'artista postmoderno di coltivare un'ampia "tavolozza" di stili diversi, da cui possono attingere liberamente, in contrasto con i loro predecessori che tipicamente si concentravano sul perfezionamento e sul mantenimento di un singolare stile "marchio di fabbrica".
Fredric Jameson postula che le opere postmoderne rinunciano a qualsiasi affermazione di spontaneità e immediatezza nell'espressione, impiegando invece il pastiche e discontinuità. In opposizione a questa definizione, Charles Harrison e Paul Wood di Art and Language sostenevano che il pastiche e la discontinuità sono intrinseci all'arte modernista, essendo stati efficacemente utilizzati da artisti moderni come Manet e Picasso.
Una definizione concisa di postmodernismo presuppone il rifiuto delle narrazioni artistiche generali del modernismo, smantellando contemporaneamente le distinzioni tra forme d'arte alte e basse e sovvertendo i generi convenzionali attraverso tecniche come la collisione, il collage e la frammentazione. Nell'arte postmoderna, tutte le prospettive sono considerate intrinsecamente instabili e false; di conseguenza, l’ironia, la parodia e l’umorismo emergono come le uniche posizioni critiche o revisionali immuni alla sovversione. Ulteriori tratti distintivi includono il pluralismo e la diversità.
Precursori d'avanguardia
Movimenti e tendenze radicali influenti, considerati potenziali precursori del postmodernismo, sorsero durante e immediatamente dopo la Prima Guerra Mondiale. L'incorporazione di manufatti industriali nell'arte e l'adozione di tecniche come il collage da parte di movimenti d'avanguardia come Cubismo, Dada e Surrealismo misero radicalmente in discussione le nozioni consolidate sulla natura e sul valore dell'arte. Anche le forme d’arte emergenti, tra cui il cinema e la crescente prevalenza della riproduzione, hanno plasmato questi movimenti come nuove strade per la creazione artistica. Il saggio fondamentale di Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, pubblicato inizialmente su Partisan Review nel 1939, è servito come testo fondamentale per la definizione del modernismo, sostenendo l'avanguardia sullo sfondo della cultura popolare. Successivamente, Peter Bürger distinse tra avanguardia storica e modernismo, una distinzione che portò critici come Krauss, Huyssen e Douglas Crimp a identificare l’avanguardia storica come precursore del postmodernismo. Ad esempio, Krauss interpreta l'applicazione del collage di Pablo Picasso come una tecnica d'avanguardia che prefigurava la priorità dell'arte postmoderna degli elementi linguistici rispetto all'espressione autobiografica. Al contrario, una prospettiva alternativa suggerisce che gli artisti d'avanguardia e modernisti abbiano utilizzato strategie comparabili, mentre il postmodernismo alla fine le ha ripudiate entrambe.
Papà
All'inizio del XX secolo, Marcel Duchamp presentò l'orinatoio come un pezzo scultoreo. La sua intenzione era quella di costringere gli spettatori a percepire l'orinatoio come un'opera d'arte esclusivamente in virtù della sua dichiarazione. Ha chiamato tali creazioni "Readymades". L'iconica Fontana, un orinatoio firmato con lo pseudonimo R. Mutt, suscitò notevoli controversie nel mondo dell'arte nel 1917. Questo pezzo, insieme ad altre opere simili di Duchamp, è ampiamente classificato come Dada. Duchamp è spesso considerato il progenitore dell'arte concettuale. Tuttavia, alcuni critici contestano la classificazione di Duchamp, noto per la sua preoccupazione per il paradosso, come un postmodernista, sostenendo che il suo rifiuto della specificità del mezzo (dato che il paradosso trascende qualsiasi mezzo particolare, nonostante la sua comparsa iniziale nei dipinti di Manet) complica tale categorizzazione.
Il dadaismo, insieme al surrealismo, al futurismo e all'espressionismo astratto, può essere inteso come un'espressione dell'inclinazione intrinseca del modernismo a sovvertire gli stili artistici consolidati e forme. Cronologicamente, Dada è saldamente situato all'interno del modernismo; tuttavia, diversi critici sostengono che prefigura il postmodernismo, mentre altri, tra cui Ihab Hassan e Steven Connor, propongono che rappresenti una potenziale fase di transizione tra modernismo e postmodernismo. Ad esempio, McEvilly presuppone che il postmodernismo inizi con il riconoscimento che il mito del progresso non è più credibile, una realizzazione che Duchamp avrebbe colto nel 1914 quando passò da una pratica modernista a una pratica postmodernista, "abiurando così il piacere estetico, l'ambizione trascendente e le dimostrazioni tour de force di agilità formale a favore dell'indifferenza estetica, del riconoscimento del mondo ordinario e dell'oggetto trovato o readymade".
Movimenti radicali nell'arte moderna
Inizialmente, la Pop Art e il Minimalismo emersero come movimenti modernisti; tuttavia, un significativo cambio di paradigma e una divergenza filosofica tra formalismo e antiformalismo all’inizio degli anni ’70 portarono alcuni a rivalutare questi movimenti come precursori o forme transitorie dell’arte postmoderna. Altri movimenti moderni considerati influenti sull'arte postmoderna includono l'arte concettuale e l'applicazione di tecniche come l'assemblaggio, il montaggio, il bricolage e l'appropriazione.
Jackson Pollock e l'espressionismo astratto
Durante la fine degli anni Quaranta e l'inizio degli anni Cinquanta, l'approccio radicale di Pollock alla pittura rivoluzionò la traiettoria della successiva arte contemporanea. Pollock ipotizzò che il processo artistico avesse un significato equivalente all'opera d'arte finale stessa. Similmente alle rivoluzionarie reinvenzioni della pittura e della scultura di Pablo Picasso all'inizio del secolo attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ha ridefinito radicalmente la creazione artistica durante la metà del XX secolo. Il suo allontanamento dalla tradizionale pittura da cavalletto e dai metodi convenzionali emancipò sia i suoi contemporanei che le successive generazioni di artisti. Gli artisti riconobbero che la metodologia di Pollock, che prevedeva il lavoro sul pavimento, l'utilizzo di tele grezze non tese su tutti e quattro i lati, l'incorporazione di materiali sia artistici che industriali, l'impiego di immagini e non immagini e l'applicazione della vernice attraverso matasse lineari, sgocciolando, disegnando, colorando e spazzolando, ampliava i parametri della creazione artistica oltre i limiti precedenti. Di conseguenza, l'espressionismo astratto ha ampliato e avanzato le definizioni e le possibilità creative a disposizione degli artisti per produrre nuove opere. Le innovazioni introdotte da figure come Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman e Ad Reinhardt, tra gli altri, hanno effettivamente aperto la strada alla vasta gamma e alla portata dei successivi sforzi artistici.
Espressionismo post-astratto
Durante gli anni '50 e '60, la pittura astratta ha assistito all'emergere di numerosi nuovi movimenti, tra cui la pittura Hard-edge e altre forme di astrazione geometrica, esemplificate dal lavoro di Frank Stella. Questi sviluppi sorsero negli studi di artisti e nei circoli d’avanguardia come reazione contro il soggettivismo percepito dell’Espressionismo astratto. Clement Greenberg sostenne l'astrazione post-pittorica; articolandone i principi attraverso un'influente mostra di nuova pittura che visitò i principali musei d'arte degli Stati Uniti nel 1964. La pittura Color Field, la pittura Hard-edge e l'astrazione lirica si materializzarono successivamente come nuove traiettorie artistiche significative.
Verso la fine degli anni '60, anche il postminimalismo, l'arte processuale e l'arte povera si materializzarono come concetti e movimenti rivoluzionari, influenzando entrambi i dipinti. e scultura. Questi sviluppi si intrecciarono con l’astrazione lirica, il movimento postminimalista e la prima arte concettuale. Ispirata da Pollock, Process Art ha consentito agli artisti di esplorare e utilizzare una vasta gamma di stili, contenuti, materiali, posizionamenti, percezioni temporali e spazi sia plastici che reali. Importanti artisti più giovani emersi durante questa era tardo modernista, contribuendo alla fioritura artistica della fine degli anni '60, includevano Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato e Lee Lozano.
Movimenti artistici
Performance ed Happenings
Tra la fine degli anni '50 e gli anni '60, artisti provenienti da contesti diversi hanno ampliato attivamente i parametri dell'arte contemporanea. I pionieri dell'arte basata sulla performance includevano Yves Klein in Francia e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono a New York City. Gruppi come The Living Theatre, guidati da Julian Beck e Judith Malina, hanno collaborato con scultori e pittori per costruire ambienti coinvolgenti, alterando radicalmente la dinamica tra pubblico e artista, in particolare nel loro lavoro Paradise Now. Il Judson Dance Theatre, situato presso la Judson Memorial Church di New York, comprendeva ballerini come Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs e Steve Paxton, che collaborarono con artisti Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingegneri come Billy Klüver. Queste performance spesso miravano a creare una nuova forma d'arte, integrando scultura, danza e musica o suono, spesso coinvolgendo la partecipazione del pubblico. Le opere erano caratterizzate dalle filosofie riduttive del minimalismo, dall'improvvisazione spontanea e dall'espressività intrinseca dell'espressionismo astratto.
Contemporaneamente, dalla fine degli anni '50 fino alla metà degli anni '60, vari artisti d'avanguardia crearono Happenings. Questi eventi erano spesso assemblaggi spontanei, spontanei ed enigmatici di artisti, loro amici e parenti, tenuti in diversi luoghi designati. Gli avvenimenti spesso integravano elementi come esercizi assurdi, attività fisiche, costumi, nudità improvvisata e una serie di azioni apparentemente non correlate e casuali. Figure di spicco nella creazione di Happenings includevano Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.
Arte dell'assemblaggio
Emersa in concomitanza con l'Espressionismo astratto, l'arte dell'assemblaggio prevedeva l'integrazione di manufatti con materiali artistici tradizionali, allontanandosi così dalle convenzioni consolidate di pittura e scultura. Le "combinazioni" di Robert Rauschenberg degli anni '50, che incorporavano grandi oggetti fisici come animali imbalsamati, uccelli e fotografie commerciali, servirono come un ottimo esempio di questa traiettoria artistica e prefigurarono sia la Pop Art che le installazioni artistiche.
Nel 1969, Leo Steinberg utilizzò il termine "postmodernismo" per caratterizzare il piano pittorico "piano" di Rauschenberg, che integrava una vasta gamma di immagini e manufatti culturali precedentemente considerati incompatibili con il domini pittorici della pittura premodernista e modernista. Craig Owens ha ampliato questa interpretazione, affermando che il significato dell'opera di Rauschenberg non sta nel rappresentare, come suggerito da Steinberg, "il passaggio dalla natura alla cultura", ma piuttosto nell'illustrare l'impossibilità intrinseca di mantenere tale opposizione binaria.
Steven Best e Douglas Kellner posizionano Rauschenberg e Jasper Johns all'interno di una fase di transizione, influenzata da Marcel Duchamp, che collega modernismo e postmodernismo. La loro pratica artistica incorporava immagini di oggetti quotidiani, o gli oggetti stessi, preservando allo stesso tempo l'astrazione e la pennellata gestuale caratteristiche dell'alto modernismo.
Anselm Kiefer incorpora in modo simile elementi di assemblaggio nelle sue creazioni, in particolare raffigurando la prua di una barca da pesca in uno dei suoi dipinti.
Pop Art
Lawrence Alloway ha coniato il termine "Pop Art" per caratterizzare le opere d'arte che celebravano il consumismo prevalente nel secondo dopoguerra. Questo movimento artistico si discostò dall'enfasi dell'Espressionismo astratto sull'introspezione ermeneutica e psicologica, favorendo invece l'arte che raffigurava, e spesso lodava, la cultura materiale del consumo, la pubblicità e l'iconografia dell'era della produzione di massa. Esempi fondamentali all'interno del movimento includono i primi lavori di David Hockney, insieme alle creazioni di Richard Hamilton, John McHale ed Eduardo Paolozzi. Le successive manifestazioni americane comprendono le vaste carriere di artisti come Andy Warhol e Roy Lichtenstein, quest'ultimo che impiega in particolare i punti Benday, una tecnica derivata dalla riproduzione commerciale. Un lignaggio distinto collega le opere radicali e intrise di umorismo del ribelle dadaista Marcel Duchamp con artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein.
Thomas McEvilly, in accordo con Dave Hickey, postula che il postmodernismo americano nelle arti visive abbia avuto origine con le mostre inaugurali della Pop Art nel 1962, nonostante ci siano voluti circa due decenni perché il postmodernismo si affermasse come predominante. sensibilità nelle arti visive. Allo stesso modo Fredric Jameson classifica la Pop Art come postmoderna.
Il carattere postmoderno della Pop Art è in parte attribuibile al suo smantellamento di ciò che Andreas Huyssen ha definito il "Grande Divario" tra arte alta e cultura popolare. Si ritiene che il postmodernismo stesso derivi da un "rifiuto generazionale delle certezze categoriche dell'alto modernismo".
Fluxus
Il movimento Fluxus è stato nominato e strutturato in modo approssimativo nel 1962 da George Maciunas (1931–78), un artista americano di origine lituana. Le sue origini possono essere ricondotte ai corsi di composizione sperimentale di John Cage, tenuti dal 1957 al 1959 presso la New School for Social Research di New York City. Un numero significativo di studenti di Cage erano artisti impegnati in diversi media, spesso in possesso di una formazione musicale formale minima o assente. Tra gli studenti di Cage c'erano diversi membri fondatori di Fluxus, tra cui Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins. In Germania, Fluxus iniziò nel 1962 con il FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik a Wiesbaden, con George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik e altri. Questo fu seguito nel 1963 dal Festum Fluxorum Fluxus a Düsseldorf, che comprendeva George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson ed Emmett Williams, tra gli altri.
Fluxus ha sostenuto l'etica dell'autoproduzione e ha dato priorità alla semplicità rispetto al design complesso. Similmente al suo predecessore, Dada, Fluxus ha mostrato una pronunciata posizione anti-commerciale e anti-arte, criticando l’establishment artistico convenzionale e guidato dal mercato a favore di una metodologia creativa incentrata sull’artista. Gli artisti Fluxus preferivano utilizzare materiali facilmente disponibili, producendo in modo indipendente le loro opere o impegnandosi in creazioni collaborative con colleghi.
Fluxus è spesso classificato nella fase iniziale del postmodernismo, insieme a figure come Rauschenberg, Johns, Warhol e l'Internazionale Situazionista. Andreas Huyssen, tuttavia, critica gli sforzi per allineare Fluxus con il postmodernismo, caratterizzando tali tentativi come presentandolo come "o il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva irrappresentabile - per così dire, il sublime del postmodernismo". Al contrario, Huyssen postula Fluxus come una significativa manifestazione neo-dadaista all’interno del lignaggio dell’avanguardia. Anche se non ha significato un progresso sostanziale nelle metodologie artistiche, ha comunque articolato una sfida contro "la cultura amministrata degli anni '50, in cui un modernismo moderato e addomesticato fungeva da sostegno ideologico alla Guerra Fredda".
Minimalismo
Durante i primi anni '60, il minimalismo si materializzò come movimento artistico astratto, facendo risalire le sue origini all'astrazione geometrica attraverso Malevich, il Bauhaus e Mondrian. Questo movimento ripudiava la pittura relazionale e soggettiva, le superfici intricate dell’Espressionismo astratto e il tenore emotivo e le polemiche caratteristiche dell’Action Painting. I sostenitori del minimalismo sostenevano che la profonda semplicità potesse raggiungere la sublime rappresentazione inerente all’arte. In pittura, il minimalismo, esemplificato da artisti come Frank Stella, costituisce un movimento modernista che, a seconda della sua interpretazione contestuale, può essere considerato un precursore del postmodernismo.
Nel suo saggio The Crux of Minimalism, Hal Foster analizza come Donald Judd e Robert Morris, attraverso le loro definizioni pubblicate di minimalismo, riconoscono e trascendono contemporaneamente il modernismo greenbergiano. Foster sostiene che il minimalismo non rappresenta un "vicolo cieco" del modernismo, ma piuttosto un "cambiamento di paradigma verso pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi".
Land art
Conosciuto con vari appellativi come Land art, Earth art, environmental art e Earthworks, questo movimento artistico ha avuto origine negli anni '60 e '70. Sebbene sia principalmente legato alla Gran Bretagna e agli Stati Uniti, comprende esempi provenienti da numerose altre nazioni. In quanto fenomeno artistico, la "land art" ha ampliato la portata della produzione artistica convenzionale attraverso la scelta dei materiali e il posizionamento delle sue installazioni. I materiali costituenti comprendono spesso elementi naturali come suolo, rocce, vegetazione e acqua provenienti direttamente dal sito, che spesso sono situati lontano dalle aree urbane. Nonostante l'occasionale inaccessibilità di questi siti, la documentazione fotografica viene regolarmente presentata all'interno delle gallerie d'arte urbana.
I principi fondamentali di questo movimento artistico ruotano attorno al ripudio della commercializzazione dell'arte e all'abbraccio del fiorente movimento ecologico. Il suo inizio coincise con un diffuso disconoscimento degli stili di vita urbani e un corrispondente apprezzamento per gli ambienti rurali. Queste tendenze comprendevano anche aspirazioni spirituali riguardanti il ruolo della Terra come dimora dell'umanità.
Postminimalismo
Nel 1977, Robert Pincus-Witten ha introdotto il termine post-minimalismo per caratterizzare l'arte derivata dal minimalismo ma che incorpora contenuti e sfumature contestuali che il minimalismo stesso evitava. La sua applicazione del termine abbraccia il periodo dal 1966 al 1976, comprendendo opere di artisti come Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e nuove creazioni di ex minimalisti tra cui Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va, tra gli altri. Questo corpus di lavori è descritto anche con termini come Process art e anti-form art, le cui caratteristiche sono definite dallo spazio occupato e dalla sua metodologia di produzione.
Rosalind Krauss presuppone che nel 1968, artisti tra cui Morris, LeWitt, Smithson e Serra fossero "entrati in una situazione le cui condizioni logiche non possono più essere descritte come moderniste". Afferma inoltre che l'ampliamento della categoria della scultura per incorporare la land art e l'architettura "ha determinato il passaggio al postmodernismo".
Lo scultore americano Christopher Wilmarth è spesso classificato come post-minimalista, allineandosi con figure come Eva Hesse e Bruce Nauman. L'opera di Wilmarth si discostò deliberatamente dall'estetica originale, fabbricata a macchina, preferita dai minimalisti, evitando allo stesso tempo l'esuberanza guidata dal processo prevalente in gran parte della scultura post-minimalista degli anni '70.
Artisti minimalisti di spicco, tra cui Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin e John McCracken, mantennero la loro produzione di dipinti e sculture tardo modernisti per tutta la loro vita professionale.
Arte concettuale
L'arte concettuale viene spesso classificata come postmoderna a causa del suo impegno esplicito nella decostruzione delle definizioni artistiche. Questo genere suscita spesso controversie significative, poiché le sue creazioni sono spesso intese a sfidare, provocare o criticare le percezioni prevalenti tra il pubblico.
Le prime influenze sull'arte concettuale comprendono i contributi di Duchamp, "4' 33" di John Cage, un pezzo in cui il contenuto musicale è definito dai suoni ambientali percepiti dal pubblico durante la sua performance, e Erased De Kooning Drawing di Rauschenberg. Un principio fondamentale di molte opere d'arte concettuali è che l'arte è costituita dalla percezione da parte dello spettatore di un oggetto o di un'azione come artistica, piuttosto che dalle qualità intrinseche dell'opera stessa. Di conseguenza, la mostra di Fontana l'ha resa una scultura.
Pittura figurativa
Alcune tendenze nella pittura figurativa del dopoguerra sono state interpretate attraverso una lente postmoderna. I critici americani, ad esempio, identificarono l’artista italiano Carlo Maria Mariani come un postmodernista. Charles Jencks ha notato che il ritratto di gruppo di Mariani, La costellazione del Leone (1980–1981), che ritrae figure della scena artistica italiana insieme ad allusioni mitologiche e storico-artistiche, esemplifica una caratteristica chiave dell'arte postmoderna: "un commento ironico su un commento su un commento che segnala la distanza; un nuovo mito tre volte rimosso dal suo rituale originario."
Installazione artistica
Una traiettoria significativa nell'arte costantemente classificata come postmoderna comprende l'arte dell'installazione e la produzione di artefatti guidati concettualmente. I segni di Jenny Holzer, ad esempio, utilizzano meccanismi artistici per comunicare messaggi precisi, come "Proteggimi da ciò che voglio". L’arte dell’installazione ha svolto un ruolo cruciale nel plasmare i requisiti architettonici dei musei d’arte contemporanea, necessitando di spazi in grado di ospitare opere espansive comprendenti estesi collage di materiali fabbricati e scoperti. Queste installazioni e collage spesso incorporano componenti elettrici, elementi cinetici e illuminazione.
Tali opere sono spesso concepite per generare impatti ambientali, come esemplificato da Iron Curtain, Wall of 240 Oil Barrels, Blocking Rue Visconti, Parigi, giugno 1962 di Christo e Jeanne-Claude, che fungeva da commento simbolico al muro di Berlino eretto nel 1961.
Arte bassa
L'arte lowbrow rappresenta un movimento populista pervasivo che ha origine dal comix underground, dalla musica punk, dalla cultura di strada hot-rod e da varie sottoculture californiane. Chiamata spesso anche surrealismo pop, l'arte Lowbrow sottolinea un principio fondamentale del postmodernismo: la dissoluzione delle distinzioni tradizionali tra forme d'arte "alte" e "basse".
Performance artistica
Arte digitale
L'arte digitale funge da descrittore generale per diverse creazioni artistiche e metodologie che integrano la tecnologia digitale come componente fondamentale dei loro processi generativi o espositivi. L'influenza della tecnologia digitale ha rivoluzionato pratiche consolidate come la pittura, il disegno, la scultura e la musica/sound art, favorendo allo stesso tempo l'emergere e il riconoscimento di nuove forme artistiche come la net art, le installazioni artistiche digitali e la realtà virtuale.
Eminenti teorici e storici dell'arte specializzati in questo ambito includono Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest e Edward A. Shanken.
Intermedia e multimedialità
Una tendenza notevole nell'arte associata al postmodernismo è l'integrazione di diversi media, spesso definiti "intermediali". Coniato da Dick Higgins, intermedia si riferisce a nuove forme d'arte che comprendono movimenti come Fluxus, Concrete Poetry, Found Objects, Performance Art e Computer Art. Higgins, un poeta concreto, editore della Something Else Press e ammiratore di Marcel Duchamp, era sposato con l'artista Alison Knowles. Ihab Hassan include "Intermedia, la fusione delle forme, la confusione dei regni" tra le sue caratteristiche distintive dell'arte postmoderna. La videoarte, che utilizza videocassette e monitor CRT, rappresenta una delle forme più diffuse di "arte multimediale". Mentre il concetto teorico di combinare più discipline artistiche è antico e ha visto periodici revival, la sua manifestazione postmoderna si fonde spesso con la performance art, spesso priva di sottotesto drammatico, concentrandosi invece sulle dichiarazioni specifiche dell'artista o sull'essenza concettuale delle sue azioni. La visione di Higgins di Intermedia è intrinsecamente legata all'evoluzione delle pratiche digitali multimediali, tra cui la realtà virtuale immersiva, l'arte digitale e la computer art.
Arte telematica
L'arte telematica descrive gli sforzi artistici che utilizzano le reti di telecomunicazioni mediate dal computer come mezzo principale. Questa forma d'arte sfida la dinamica convenzionale tra soggetti di visione attiva e oggetti d'arte passivi stabilendo contesti interattivi e comportamentali per incontri estetici remoti. Roy Ascott vede l'arte telematica come la trasformazione dello spettatore in un partecipante attivo nella creazione dell'opera d'arte, che rimane in un processo perpetuo per tutta la sua durata. Ascott è stato un pioniere nella teoria e nella pratica dell'arte telematica sin dal 1978, quando si impegnò per la prima volta online nell'organizzazione di vari progetti digitali collaborativi.
Appropriazione dell'arte e dell'arte neo-concettuale
Nel suo saggio del 1980 The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism, Craig Owens identifica la rinascita di un impulso allegorico come un segno distintivo dell'arte postmoderna. Questo impulso è evidente nell'arte di appropriazione di figure come Sherrie Levine e Robert Longo, dato che "le immagini allegoriche sono immagini appropriate". L'arte di appropriazione critica gli ideali modernisti di genio artistico e originalità, mostrando maggiore ambivalenza e contraddizione rispetto all'arte moderna stabilendo e sovvertendo contemporaneamente le ideologie, essendo quindi "sia critico che complice".
Neo-espressionismo e pittura
La rinascita di forme d'arte tradizionali come la scultura e la pittura tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, esemplificata da artisti neoespressionisti come Georg Baselitz e Julian Schnabel, è stata caratterizzata come una tendenza postmoderna e uno dei primi movimenti coesi emersi nell'era postmoderna. Tuttavia, i suoi forti legami con il mercato dell’arte commerciale hanno sollevato interrogativi sul suo status di movimento postmoderno e sulla definizione stessa di postmodernismo. Hal Foster sostiene che il neo-espressionismo fosse complice della politica culturale conservatrice prevalente durante l'era Reagan-Bush negli Stati Uniti. Félix Guattari respinge le "grandi operazioni promozionali chiamate 'neo-espressionismo' in Germania" (citandole come esempio di una "moda che si mantiene attraverso la pubblicità") come un mezzo eccessivamente semplicistico per lui "per dimostrare che il postmodernismo non è altro che l'ultimo sussulto del modernismo". Queste critiche al neoespressionismo evidenziano come il sostegno finanziario e le pubbliche relazioni abbiano rafforzato in modo significativo la credibilità del mondo dell’arte contemporanea in America durante un periodo in cui gli artisti concettuali e le pratiche delle artiste, tra cui pittori e teoriche femministe come Griselda Pollock, stavano rivalutando sistematicamente l’arte moderna. Brian Massumi afferma che Deleuze e Guattari espandono la portata di nuove definizioni di Bellezza all'interno dell'arte postmoderna. Per Jean-François Lyotard, i dipinti di artisti come Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger e Barnett Newman, dopo l'era delle avanguardie e le opere di Paul Cézanne e Wassily Kandinsky, sono serviti da canale per nuovi concetti di sublime nell'arte contemporanea.
Critica istituzionale
Le critiche alle istituzioni artistiche, principalmente musei e gallerie, sono centrali nel lavoro di Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.
Fonti
Fonti
- Il trionfo del modernismo: il mondo dell'arte, 1985–2005. Di Hilton Kramer. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Immagini del nulla: arte astratta dai tempi di Pollock (A.W. Mellon Lectures in the Fine Arts). Di Kirk Varnedoe. 2003.
- Arte dell'era postmoderna: dalla fine degli anni '60 all'inizio degli anni '90. Di Irving Sandler.
- Postmodernismo (Movimenti nell'arte moderna). Di Eleanor Heartney.
- La scultura nell'età del dubbio. Di Thomas McEvilley. 1999.
Riferimenti
- Media relativi all'arte postmoderna su Wikimedia Commons