Pop art

La pop art è un movimento artistico influente emerso nel Regno Unito e negli Stati Uniti tra la metà e la fine degli anni '50. Questo movimento ha sfidato le tradizioni artistiche consolidate integrando immagini della cultura popolare e di massa, tra cui pubblicità, fumetti, confezioni di prodotti, personaggi di celebrità e articoli di consumo quotidiano, nella pittura, nella scultura e nell'incisione. Elevando il luogo comune, il kitsch e la produzione di massa allo status di arte alta, la pop art ha effettivamente offuscato le distinzioni tra cultura alta e bassa. È anche caratterizzato dall'adozione da parte degli artisti di metodi di riproduzione meccanica o tecniche di rendering. Nella pop art, i soggetti sono occasionalmente visivamente dislocati dal loro contesto familiare, isolati o giustapposti ad elementi non correlati.

Pop art è un movimento artistico emerso nel Regno Unito e negli Stati Uniti tra la metà e la fine degli anni '50. Il movimento ha lanciato una sfida alle tradizioni delle belle arti includendo immagini della cultura popolare e di massa - tra cui pubblicità, fumetti, confezioni di prodotti, celebrità e beni di consumo quotidiano - nella pittura, nella scultura e nell'incisione. Elevando il banale, il kitsch e la produzione di massa allo status di arte alta, la pop art ha offuscato i confini tra cultura alta e bassa. È anche associato all'uso da parte degli artisti di mezzi meccanici di riproduzione o tecniche di rendering. Nella pop art, il materiale viene talvolta rimosso visivamente dal suo contesto noto, isolato o combinato con materiale non correlato.

Il movimento si sviluppò inizialmente in Gran Bretagna attraverso artisti come Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, che indagarono l'immaginario consumistico americano e la cultura mediatica del dopoguerra attraverso il collage e la pittura. Negli Stati Uniti, artisti tra cui Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg e Jasper Johns hanno stabilito un lavoro fondamentale incorporando oggetti quotidiani e simboli commerciali nella loro pratica artistica. All'inizio degli anni '60, figure di spicco come Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Tom Wesselmann spinsero il movimento verso il riconoscimento internazionale.

La pop art è intrinsecamente legata all'ironia, all'ambiguità e a un impegno critico con la cultura del consumo. Mentre alcune opere sembrano celebrare l’estetica raffinata e l’abbondanza materiale del capitalismo del dopoguerra, altre esaminano criticamente gli effetti omogeneizzanti della produzione di massa e della saturazione dei media. Ampiamente considerata sia come una reazione contro sia come un’evoluzione dell’espressionismo astratto, la pop art ha reindirizzato l’attenzione artistica verso l’immaginario quotidiano e il design commerciale. Attraverso la sua appropriazione di immagini trovate e di estetica commerciale, la pop art si è ispirata ai precedenti del dadaismo e allo stesso tempo prefigurava gli sviluppi successivi dell’arte postmoderna. Dissolvendo i confini tra cultura d'élite e popolare, originalità e riproduzione, arte e merce, ha rimodellato radicalmente il lessico visivo dell'arte contemporanea.

Origini

La genesi della pop art in Nord America si è discostata dal suo sviluppo in Gran Bretagna. Negli Stati Uniti, la pop art è nata come reazione artistica, segnalando un ritorno alla composizione precisa e all’arte rappresentativa. Gli artisti utilizzavano deliberatamente la realtà impersonale e mondana, l'ironia e la parodia per neutralizzare il simbolismo personale e la "scioltezza pittorica" ​​caratteristici dell'espressionismo astratto. Negli Stati Uniti, alcune opere di Larry Rivers, Alex Katz e Man Ray sono considerate precursori della pop art.

Al contrario, le origini della pop art nella Gran Bretagna del dopoguerra, pur utilizzando ironia e parodia, mostravano un orientamento più accademico. Gli artisti britannici si concentrarono sull’immaginario dinamico e paradossale della cultura popolare americana, percependola come apparati simbolici potenti e manipolativi che influenzavano i modelli sociali e allo stesso tempo aumentavano la prosperità. La prima arte pop in Gran Bretagna era principalmente concettuale, alimentata dalla cultura popolare americana se vista da lontano. Allo stesso modo, la pop art ha funzionato sia come estensione che come ripudio del dadaismo. Sebbene entrambi i movimenti esplorassero temi comparabili, la pop art sostituì gli impulsi distruttivi, satirici e anarchici del Dada con un’affermazione distaccata degli artefatti della cultura di massa. Tra gli artisti europei il cui lavoro si ritiene abbia portato alla pop art figurano Pablo Picasso, Marcel Duchamp e Kurt Schwitters.

Proto-pop

Sebbene sia la pop art britannica che quella americana siano emerse negli anni '50, figure come Marcel Duchamp e altri artisti europei come Francis Picabia e Man Ray hanno preceduto il movimento. Inoltre, le prime origini proto-pop americane implicavano l'utilizzo di oggetti culturali "come trovati". Durante gli anni '20, gli artisti americani Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth e Stuart Davis realizzarono dipinti che incorporavano immagini della cultura pop, in particolare oggetti banali derivati da prodotti commerciali e design pubblicitario americani, quasi prefigurando il movimento della pop art.

Regno Unito: The Independent Group

The Independent Group (IG), fondato a Londra nel 1952, è ampiamente riconosciuto come il progenitore del movimento pop art. Questo collettivo comprendeva giovani pittori, scultori, architetti, scrittori e critici che mettevano attivamente in discussione i paradigmi culturali modernisti dominanti e le prospettive convenzionali sulle belle arti. Le loro discussioni hanno esplorato principalmente le implicazioni della cultura popolare, attingendo da elementi come la pubblicità di massa, il cinema, il design del prodotto, i fumetti, la fantascienza e la tecnologia. Durante l'incontro inaugurale dell'Independent Group nel 1952, il co-fondatore, artista e scultore Eduardo Paolozzi tenne una conferenza con una serie di collage intitolati Bunk!, che aveva compilato a Parigi tra il 1947 e il 1949. Questi "oggetti trovati", tra cui pubblicità, personaggi di fumetti, copertine di riviste e vari elementi grafici prodotti in serie, rappresentavano prevalentemente la cultura popolare americana. In particolare, il collage di Paolozzi del 1947, I was a Rich Man's Plaything, presentato durante questa conferenza, contiene il primo esempio conosciuto della parola "pop", raffigurata all'interno di una nuvola di fumo emanata da un revolver. Successivamente all'influente presentazione di Paolozzi del 1952, l'attenzione dell'IG si spostò prevalentemente sulle immagini della cultura popolare americana, con un'enfasi particolare sulla pubblicità di massa.

Il figlio di John McHale afferma che suo padre coniò il termine "pop art" nel 1954 durante una discussione con Frank Cordell; tuttavia, resoconti alternativi attribuiscono la sua coniazione al critico britannico Lawrence Alloway. (Entrambe le narrazioni concordano sul fatto che il termine fu attivamente impiegato nelle discussioni del Gruppo Indipendente verso la metà del 1955.)

La designazione "Pop art" successivamente guadagnò valuta tra i membri dell'IG durante la Seconda Sessione dell'IG nel 1955. La frase precisa "pop art" apparve per la prima volta in stampa nel 1956, all'interno dell'articolo "But Today We Collect Ads" dei membri dell'IG Alison e Peter Smithson, pubblicato sulla rivista Ark. Tuttavia, il termine viene spesso attribuito al critico d'arte e curatore britannico Lawrence Alloway, in particolare per il suo saggio del 1958, The Arts and the Mass Media, nonostante la sua frase effettiva sia "cultura di massa popolare". Lo stesso Alloway ha chiarito: "Inoltre, ciò che intendevo con questo allora non è quello che significa adesso. Ho usato il termine, e anche 'Cultura pop' per riferirmi ai prodotti dei mass media, non alle opere d'arte che attingono alla cultura popolare. In ogni caso, tra l'inverno 1954-55 e il 1957 la frase acquisì valuta nella conversazione ..." Nonostante ciò, Alloway emerse come un eminente critico che sosteneva l'integrazione delle immagini della cultura di massa nell'alta società. arti. Alloway fornì ulteriori chiarimenti su questi termini nel 1966, momento in cui la pop art si era già evoluta dalle sue origini nelle scuole d'arte e nelle gallerie più piccole per diventare una forza significativa nel mondo dell'arte. Tuttavia, il suo successo principale non si concretizzò in Inghilterra. Contemporaneamente e indipendentemente, New York City si era affermata come un centro centrale per la pop art.

A Londra, la mostra annuale dei giovani talenti organizzata dalla Royal Society of British Artists (RBA) nel 1960 mise in mostra per la prima volta le influenze pop americane. L'influente mostra RBA-Young Contemporaries del gennaio 1961 portò un riconoscimento significativo ad artisti tra cui David Hockney, l'americano R. B. Kitaj, il neozelandese Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty e Peter Blake. Apple è stata responsabile della progettazione dei poster e degli inviti per le mostre Young Contemporaries del 1961 e del 1962. Hockney, Kitaj e Blake hanno successivamente ricevuto premi alla John Moores Exhibition di Liverpool nello stesso anno. Durante la pausa estiva del Royal College del 1961, Apple e Hockney si recarono a New York, dove Apple incontrò per la prima volta Andy Warhol; entrambi gli artisti si trasferirono successivamente negli Stati Uniti, con Apple profondamente coinvolta nella scena pop art di New York.

Stati Uniti

Sebbene la pop art abbia avuto origine nei primi anni '50, ha acquisito il suo slancio più significativo in America negli anni '60. Una recensione dell'agosto 1962 sul The New York Times, riguardante una mostra al Wadsworth Atheneum di Hartford, osservava l'ascesa di quella che allora veniva definita arte "Pop" o "ambientale" all'interno di un'indagine di opere americane contemporanee provenienti da importanti collezioni del Connecticut. La recensione presentava in particolare le immagini dei fumetti di Roy Lichtenstein, i dipinti ispirati ai cartelloni pubblicitari di James Rosenquist e le iconiche lattine di zuppa Campbell ripetute di Andy Warhol. Questi sviluppi non furono caratterizzati come provocazioni fugaci ma come "grandi passi verso un'arte socialmente pertinente", indicando il precoce riconoscimento critico della sfida della pop art all'espressionismo astratto e al suo abbraccio alla cultura di massa.

La denominazione "pop art" è stata formalmente stabilita nel dicembre 1962 durante un "Simposio sulla Pop Art" ospitato dal Museum of Modern Art. Allo stesso tempo, la pubblicità americana aveva integrato numerose componenti dell’arte moderna, operando a un livello molto avanzato. Ciò ha reso necessario che gli artisti americani esplorassero approcci stilistici più profondi e drammatici per distinguere le belle arti dai sofisticati design commerciali. La prospettiva britannica sull'immaginario della cultura popolare americana, essendo alquanto distaccata, spesso permeava le loro interpretazioni con sfumature romantiche, sentimentali e umoristiche. Al contrario, gli artisti americani, costantemente esposti a una vasta gamma di immagini prodotte in serie, in genere generavano opere più audaci ed energiche.

Lo storico, curatore e critico Henry Geldzahler ha affermato che i collage di Ray Johnson, in particolare Elvis Presley No. 1 e James Dean, rappresentano il momento fondativo del movimento pop. L'autrice Lucy Lippard ha inoltre notato che i collage di Johnson con Elvis e Marilyn Monroe prefiguravano la pop art warholiana. Johnson, inizialmente un grafico, in seguito ottenne il riconoscimento come il progenitore della mail art attraverso la sua "New York Correspondence School", favorendo lavori su piccola scala che coinvolgevano ritagli e disegni all'interno di buste rispetto ai formati più grandi adottati dai suoi colleghi. Un articolo del gennaio 1958 su Art News, commentando l'immagine di copertina, posizionava la mostra personale inaugurale di Jasper Johns accanto alle opere di figure affermate come Rauschenberg, Twombly, Kaprow e Ray Johnson.

Jasper Johns e Robert Rauschenberg furono anche determinanti nel plasmare il lessico della pop art americana. Rauschenberg trasse ispirazione da Kurt Schwitters e da altri artisti Dada, e la sua convinzione che "la pittura si riferisce sia all'arte che alla vita" sfidò direttamente i paradigmi modernisti prevalenti della sua epoca. La sua incorporazione di oggetti ready-made scartati nelle sue "Combines" e di immagini della cultura popolare nei suoi dipinti collegava le sue creazioni alla vita americana contemporanea. Nello specifico, i suoi dipinti del 1962-64 fondevano pennellate espressive con estratti serigrafati di riviste come Life, Newsweek, e National Geographic. La produzione artistica di Johns, comprese le sue raffigurazioni di bandiere, obiettivi, numeri, mappe degli Stati Uniti e rappresentazioni tridimensionali di lattine di birra, ha stimolato un'indagine critica sulla natura della rappresentazione nell'arte. Le opere prodotte da Johns e Rauschenberg durante gli anni '50 sono spesso classificate come Neo-Dada, esibendo un carattere visivo distinto dalla quintessenza della Pop Art americana emersa in modo prominente nei primi anni '60.

Roy Lichtenstein riveste un significato comparabile all'interno della Pop Art americana, poiché il suo lavoro, in particolare i suoi elementi parodici, incapsula senza dubbio i principi fondamentali del movimento nel modo più efficace. Adottando i fumetti vintage come soggetto principale, Lichtenstein ha realizzato composizioni caratterizzate da spigoli vivi e meticolosa precisione, documentando e satirizzando allo stesso tempo sottilmente la cultura popolare. Ha utilizzato olio e pittura Magna nei suoi pezzi più celebri, come Drowning Girl (1963), derivato dalla trama principale di Secret Hearts n. 83 della DC Comics. Il suo stile distintivo incorpora contorni prominenti, colori vivaci e punti Ben-Day per simulare tonalità specifiche, imitando l'estetica della riproduzione meccanica. Lichtenstein ha articolato il suo processo, affermando: "[gli espressionisti astratti] hanno messo le cose sulla tela e hanno risposto a ciò che avevano fatto, alle posizioni e alle dimensioni dei colori. Il mio stile sembra completamente diverso, ma la natura di mettere giù le linee è più o meno la stessa; le mie semplicemente non sembrano calligrafiche, come quelle di Pollock o Kline."

Nel 1964, The Observer ha riconosciuto Andy Warhol come "innovatore della pop art", una definizione che riflette il suo ruolo fondamentale nel movimento, ed è ampiamente riconosciuto come la sua figura fondamentale. Il critico d'arte Arthur Danto lo definì "la cosa più vicina a un genio filosofico che la storia dell'arte abbia prodotto". Warhol ha trasceso la pop art da mera estetica visiva a profondo fenomeno culturale, integrando abilmente arte, celebrità e commercio attraverso il suo studio Factory e l'identità pubblica. Prima della sua incursione nei dipinti pop art e nei film underground negli anni '60, Warhol si affermò come illustratore commerciale di successo, creando pubblicità, copertine di libri e copertine di dischi. I suoi iconici ritratti serigrafati, raffiguranti figure come Marilyn Monroe ed Elvis Presley, trasformarono le immagini dei mass media in opere d'arte sorprendenti e serializzate che esploravano criticamente i temi della fama e del consumismo. Anche gli elementi banali, come l'etichetta su una scatola di spedizione al dettaglio, sono diventati soggetti artistici, esemplificati dalla sua Campbell's Tomato Juice Box, che ha evidenziato l'assimilazione da parte della pop art delle immagini commerciali quotidiane. Negli anni '80, Warhol estese ulteriormente la sua influenza facendo da mentore a un nuovo gruppo di artisti pop, tra cui Keith Haring e Kenny Scharf.

Mostre pionieristiche negli Stati Uniti

La genesi della pop art tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 fu significativamente plasmata da una sequenza di mostre cruciali e vetrine in gallerie, che segnalarono un definitivo allontanamento dall'espressionismo astratto. Tra il 1959 e il 1960, gli artisti Claes Oldenburg, Jim Dine e Tom Wesselmann tennero le loro prime mostre alla Judson Gallery di New York. Allo stesso tempo, la Martha Jackson Gallery presentava assemblaggi sperimentali e installazioni artistiche nella sua mostra del 1960, New Media – New Forms, che comprendeva opere di Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg e Dine. Nel 1961, Jackson promosse ulteriormente pratiche artistiche immersive e basate sugli oggetti organizzando Environments, Situations, Spaces, una mostra determinante nel preparare il terreno per l'adozione da parte della pop art dei materiali quotidiani e dell'iconografia consumistica.

Nel dicembre 1961, Oldenburg inaugurò The Store nel Lower East Side di Manhattan, presentando un'installazione della durata di un mese comprendente sculture fatte a mano che imitavano i prodotti di consumo. I suoi eventi associati al "Ray Gun Theatre", che hanno visto la partecipazione di artisti tra cui Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström e Richard Artschwager, hanno messo attivamente in discussione i confini tradizionali che separano l'arte dall'esistenza quotidiana. Questi progressi artistici hanno indicato un allontanamento dalla natura introspettiva dell'action painting, spostandosi verso un impegno più focalizzato sull'esterno con la cultura di massa.

Nel luglio 1962, Andy Warhol presentò la sua mostra personale inaugurale alla Ferus Gallery di Irving Blum a Los Angeles, esponendo 32 Campbell's Soup Cans. Nello stesso mese, il Wadsworth Atheneum di Hartford ha ospitato la mostra American Painting and Sculpture from Connecticut Collections, che comprendeva pezzi di artisti pop tra cui Warhol e Oldenburg. Successivamente, Walter Hopps ha curato New Painting of Common Objects al Pasadena Art Museum; questa mostra è ampiamente riconosciuta come la prima presentazione museale dedicata alla pop art americana, mettendo in risalto artisti come Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud e Ed Ruscha. Sempre nel 1962, la Sidney Janis Gallery di New York orchestrò la fondamentale Esposizione internazionale dei nuovi realisti, che unì gli artisti pop americani con i Nouveaux Réalistes europei. Questa mostra consolidò la crescente importanza della pop art, portando anche diversi espressionisti astratti, in particolare Mark Rothko e Robert Motherwell, a ritirarsi dalla galleria.

Nel 1963, le principali istituzioni di New York avevano adottato pienamente il movimento della pop art. Il Guggenheim Museum, ad esempio, ha presentato Six Painters and the Object, una mostra curata da Lawrence Alloway che comprendeva opere di Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist e Warhol. Le gallerie commerciali ampliarono progressivamente la loro rappresentazione di artisti pop: la Green Gallery espose Rosenquist, George Segal, Oldenburg e Wesselmann; Leo Castelli ha sostenuto Rauschenberg, Johns e Lichtenstein; e la Galleria Ferus ha continuato a promuovere Warhol e Ruscha sulla costa occidentale.

La Galleria Bianchini ha ospitato The American Supermarket nel 1964, convertendo la sua area espositiva in un negozio di alimentari operativo pieno di prodotti di consumo realizzati da artisti come Warhol, Lichtenstein, Oldenburg e Wesselmann. Questa installazione illustra vividamente l'integrazione tra espressione artistica e commercializzazione della pop art. Verso la metà degli anni '60, gli artisti pop avevano ottenuto un consistente sostegno commerciale e istituzionale e la mostra di San Paolo del 1968, Environment U.S.A.: 1957–1967, offrì un'ampia panoramica delle figure di spicco del movimento, confermando così il suo status di grande influenza nell'arte contemporanea.

Francia

Nouveau réalisme designa un movimento artistico fondato nel 1960 dal critico d'arte Pierre Restany e dall'artista Yves Klein durante la loro mostra collettiva inaugurale presso la galleria Apollinaire di Milano. Pierre Restany scrisse il manifesto iniziale del gruppo, "Dichiarazione costitutiva del nuovo realismo", nell'aprile 1960, affermando: "Nouveau Réalisme: nuovi modi di percepire il reale". Questa dichiarazione di collaborazione fu formalmente firmata il 27 ottobre 1960, nello studio di Yves Klein, da nove persone: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely e gli ultra-lettristi: François Dufrêne, Raymond Hains e Jacques de la Villeglé. Nel 1961, César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle e Gérard Deschamps si unirono successivamente al gruppo. Anche l'artista Christo espose insieme al collettivo, che alla fine si sciolse nel 1970.

Spesso considerato la controparte francese della pop art americana, Nouveau Réalisme, insieme a Fluxus e altri collettivi, costituì uno dei tanti movimenti d'avanguardia degli anni '60. Il gruppo inizialmente stabilì la sua base a Nizza, sulla Costa Azzurra, dato che sia Klein che Arman provenivano dalla regione; di conseguenza, gli storici spesso vedono retrospettivamente il Nouveau Réalisme come una delle prime manifestazioni del movimento dell’École de Nice. Nonostante la natura variegata delle loro espressioni artistiche, i membri hanno identificato un fondamento comune per la loro pratica: un'appropriazione diretta della realtà, che Restany ha caratterizzato come un "riciclaggio poetico della realtà urbana, industriale e pubblicitaria".

Spagna

In Spagna, l'esplorazione della Pop Art è legata al movimento del "nuovo figurativo", emerso dalla crisi dell'informalismo. Eduardo Arroyo può essere classificato all'interno della tendenza Pop Art a causa del suo impegno con temi ambientali, della sua critica alla cultura dei media - integrando icone sia della comunicazione di massa che della storia dell'arte - e del suo disprezzo per la maggior parte degli stili artistici convenzionali. Tuttavia, Alfredo Alcaín è probabilmente l'artista spagnolo più sinceramente allineato alla Pop Art, distinguendosi per l'incorporazione di immagini popolari e spazio negativo nelle sue composizioni.

Anche il "Chronicle Team" (El Equipo Crónica), composto dagli artisti Manolo Valdés e Rafael Solbes, rientra nell'ambito della Pop Art spagnola; questo collettivo operò a Valencia dal 1964 al 1981. Il loro approccio artistico è identificabile come "pop" per via dell'incorporazione dell'estetica dei fumetti, delle immagini pubblicitarie e della semplificazione degli elementi visivi e fotografici. Il regista Pedro Almodóvar, originario della sottocultura madrilena "La Movida" degli anni '70, ha prodotto film Super 8 Pop Art a basso budget ed è stato successivamente soprannominato "l'Andy Warhol della Spagna" dai media contemporanei. In Almodovar su Almodovar, afferma che il film degli anni '50 "Funny Face" è servito come ispirazione primaria per i suoi sforzi cinematografici. Una caratteristica distintiva della Pop Art nei film di Almodóvar è la sua creazione coerente di uno spot pubblicitario inventato da inserire in una scena.

Nuova Zelanda

In Nuova Zelanda, la Pop Art ha prosperato principalmente a partire dagli anni '90, spesso allineandosi con Kiwiana. Kiwiana rappresenta una rappresentazione idealizzata e pop-centrica delle icone per eccellenza della Nuova Zelanda, tra cui torte di carne, kiwi, trattori, jandal e supermercati Four Square; il kitsch intrinseco di questi elementi viene spesso ricontestualizzato per trasmettere significati culturali più ampi. Dick Frizzell, un rinomato artista pop neozelandese, è noto per aver utilizzato i tradizionali simboli Kiwiana per fare satira sulla cultura contemporanea. Ad esempio, Frizzell reinterpreta spesso le opere di artisti internazionali, impregnandoli di una prospettiva o influenza distinta della Nuova Zelanda. Questa pratica serve a evidenziare l'impatto globale storicamente sottovalutato della Nuova Zelanda, collegando così l'arte naif alla pop art di Aotearoan.

Questa estetica può anche manifestarsi con un approccio abrasivo e impassibile, esemplificato dal famoso pezzo di Michel Tuffery Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000). Tuffery, di origine samoana, ha modellato questa scultura di toro da lattine di cibo lavorato, in particolare quelle contenenti pisupo. Quest'opera d'arte si distingue nella pop art occidentale incorporando temi di neocolonialismo e razzismo diretti alle culture non occidentali. Le lattine di cibo, parte integrante della scultura, simboleggiano la dipendenza economica imposta ai samoani dalle influenze occidentali. La sua distinta prospettiva indigena lo differenzia dalle prevalenti creazioni di pop art non indigene. Gli artisti Māori Michael Parekōwhai e Reuben Paterson sono altri importanti artisti pop neozelandesi che esplorano contenuti tematici comparabili.

Billy Apple, uno dei primi artisti pop neozelandesi di primo piano, è stato in particolare tra i pochi membri non britannici della Royal Society of British Artists. La sua inclusione accanto ad artisti come David Hockney, l'americano R.B. Kitaj e Peter Blake nella mostra della RBA Young Contemporaries del gennaio 1961 consacrò rapidamente Apple come un artista internazionale iconico degli anni '60. Prima di adottare il soprannome di "Billy Apple", le sue creazioni venivano esposte sotto il suo nome di nascita, Barrie Bates. Per differenziarsi ulteriormente, non solo nel nome ma anche nell'aspetto, si è schiarito i capelli e le sopracciglia utilizzando Lady Clairol Instant Creme Whip. Successivamente, Apple si affiliò al movimento dell'Arte Concettuale degli anni '70.

Giappone

La pop art giapponese è emersa dall'illustre movimento d'avanguardia del paese. I dipinti in stile fotomontaggio di Harue Koga della fine degli anni '20 e dell'inizio degli anni '30, che incorporavano immagini del mondo moderno provenienti da riviste, anticipavano elementi chiave della pop art. Il movimento giapponese Gutai culminò in una mostra del 1958 alla galleria di Martha Jackson a New York, precedendo di due anni la sua influente mostra "New Forms New Media", un evento ampiamente accreditato per aver stabilito l'importanza della pop art. I contributi artistici di Yayoi Kusama furono determinanti nell'evoluzione della pop art e ebbero un impatto significativo su numerosi artisti, tra cui Andy Warhol. Verso la metà degli anni '60, il graphic designer Tadanori Yokoo era diventato uno degli artisti pop di maggior successo, fungendo da emblema internazionale per la pop art giapponese. Yokoo è rinomato per il suo lavoro pubblicitario e per la produzione di opere d'arte per le icone della cultura pop, comprese le commissioni per i Beatles, Marilyn Monroe ed Elizabeth Taylor. Keiichi Tanaami fu un altro importante artista pop durante questo periodo. Inoltre, anche personaggi iconici di manga e anime giapponesi, come Speed ​​Racer e Astro Boy, sono stati adottati come simboli nella pop art. I manga e gli anime giapponesi successivamente influenzarono gli artisti pop successivi, in particolare Takashi Murakami e il suo movimento Superflat.

Italia

Nel 1964, la pop art aveva ottenuto riconoscimenti in Italia, manifestandosi in diverse forme, tra cui la "Scuola di Piazza del Popolo" a Roma. Questo movimento comprendeva artisti pop come Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa e Claudio Cintoli, insieme al contributo di Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella e Valerio Adami.

La pop art italiana trae le sue origini dalla cultura degli anni '50, in particolare attraverso le opere di Enrico Baj e Mimmo Rotella, che sono giustamente considerati pionieri di questo movimento artistico. Infatti, tra il 1958 e il 1959, sia Baj che Rotella abbandonarono i loro precedenti sforzi artistici – che potrebbero essere ampiamente classificati come un genere non rappresentativo, nonostante le loro forti inclinazioni post-dadaiste – per immergersi nella fiorente cultura visiva e nel discorso critico ad essa associato. I décollages di Rotella, o manifesti strappati, mostravano sempre più una sensibilità figurativa, facendo spesso riferimenti espliciti e intenzionali alle icone di spicco dell'epoca. Le composizioni artistiche di Baj erano profondamente intrise di kitsch contemporaneo, che si è rivelato una ricca fonte di immagini e un significativo catalizzatore per un'intera generazione di artisti.

L'emergere di un nuovo panorama visivo, che comprende sia gli interni domestici che gli ambienti esterni, ha caratterizzato questo cambiamento artistico. Elementi del "nuovo mondo", come automobili, segnaletica stradale e televisione, divennero soggetti legittimi all'interno di questo dominio artistico in evoluzione. La Pop Art italiana si allineava così ideologicamente alle sue controparti internazionali. Le distinzioni sono emerse principalmente nell'iconografia e, occasionalmente, attraverso un impegno più critico con l'argomento. I precursori di questo approccio sono evidenti nei lavori di Rotella e Baj, entrambi noti per il loro commento sociale non neutrale. Tuttavia, questa prospettiva non era esclusiva; numerosi artisti, tra cui Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi e Claudio Cintoli, si sono avvicinati alla realtà come un giocoso serbatoio di immagini. Hanno estratto materiale con un senso di distacco e leggerezza, sfidando i paradigmi linguistici convenzionali con uno spirito che ricorda il "lasciami divertire" di Aldo Palazzeschi. La Pop Art ha mantenuto una presenza continua nel panorama artistico italiano, evolvendosi nel tempo attraverso varie iterazioni nella forma e nel contenuto. Ad esempio, all'inizio degli anni 2000, l'artista siciliano Arrigo Musti ha sviluppato l'"arte impopolare". Più recentemente, un sottogenere chiamato simbolismo pop, prevalentemente arte digitale, ha guadagnato terreno, in particolare nel nord Italia.

Belgio

La pop art belga ha trovato rappresentazione attraverso artisti come Paul Van Hoeydonck, la cui scultura Fallen Astronaut fu depositata sulla Luna durante una missione Apollo, insieme ad altri importanti artisti pop. Personaggi di fama internazionale come Marcel Broodthaers ( 'vous êtes bambola? "), Evelyne Axell e Panamarenko furono significativamente influenzati dal movimento Pop Art; Broodthaers, in particolare, fu fortemente influenzato da George Segal. Roger Raveel, un altro artista di spicco, incorporò una gabbia per uccelli contenente un piccione vivo in uno dei suoi dipinti. Verso la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, allusioni alla Pop Art si è allontanato dalle opere di alcuni artisti quando hanno adottato una posizione più critica nei confronti dell'America, influenzata dalla crescente brutalità della guerra del Vietnam, al contrario, ha costantemente mantenuto l'ironia intrinseca del movimento Pop Art, Evelyne Axell, una prolifica artista pop di Namur attiva tra il 1964 e il 1972, è stata tra le pioniere del genere Gelato.

Paesi Bassi

Sebbene un movimento pop art formale non si sia formato nei Paesi Bassi, un gruppo di artisti che trascorse del tempo a New York durante il periodo nascente della pop art trasse significativa ispirazione dal movimento internazionale. Figure notevoli associate alla pop art olandese includono Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers e Woody van Amen. Questi artisti sfidarono la mentalità piccolo-borghese olandese attraverso la creazione di opere umoristiche intrise di sfumature serie. Esempi illustrativi includono Sex O'Clock di Woody van Amen e Crucifix / Target di Jacques Frenken.

Russia

L'impegno della Russia con il movimento Pop Art è avvenuto più tardi, con opere pop apparse negli anni '70. Questo ritardo era probabilmente attribuibile al contesto politico russo del dopoguerra, che regolamentava rigorosamente l’espressione artistica. L'iterazione russa della Pop Art, conosciuta come Sots Art, adottò temi sovietici. In contrasto con la Pop Art occidentale, la Sots Art fungeva da risposta controculturale ai movimenti artistici approvati dallo stato. Dopo la caduta del muro di Berlino, la pop art russa si è evoluta in una forma distinta, esemplificata dal dipinto My God, Help Me to Survive This Deadly Love di Dmitri Vrubel.

Artisti notevoli

Riferimenti

Riferimenti

Bloch, Mark. La ferrovia di Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", giugno 2018.

• Bloch, Marco. La ferrovia di Brooklyn. "Gutai: 1953 –1959", giugno 2018.
• Diggory, Terence (2013) Enciclopedia dei poeti della scuola di New York (Facts on File Library of American Literature). ISBN 978-1-4381-4066-7
• Francis, Mark e Foster, Hal (2010) Pop. Londra e New York: Phaidon.
• Haskell, Barbara (1984) BLAM! L'esplosione del pop, del minimalismo e della performance 1958-1964. New York: W.W. Norton & Company, Inc. in associazione con il Whitney Museum of American Art.
• Lifshitz, Mikhail. La crisi della bruttezza: dal cubismo alla pop-art. Tradotto e con un'introduzione di David Riff. Leida: BRILL, 2018 (pubblicato originariamente in russo da Iskusstvo, 1968).
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• Selz, Peter (moderatore), Ashton, Dore, Geldzahler, Henry, Kramer, Hilton, Kunitz, Stanley e Steinberg, Leo (aprile 1963) "A Symposium on Pop Art", Arts Magazine, pp. 36–45. Questo articolo presenta la trascrizione di un simposio tenutosi al Museo d'Arte Moderna il 13 dicembre 1962.

• Pop Art: una breve storia, MoMA Learning
• Mostre del Museo di Brooklyn: Seducente Subversion: Women Pop Artists, 1958–1968, ottobre 2010-gennaio. 2011
• Termine del glossario Tate per la pop art