O modernismo, um movimento influente do início do século 20, abrangia literatura, artes visuais, artes cênicas e música, priorizando a experimentação, a abstração e a experiência subjetiva. Seu escopo se estendeu à filosofia, política, arquitetura e diversas questões sociais. Um princípio central do Modernismo era a percepção de uma "alienação crescente" da "moralidade, otimismo e convenções" estabelecidas, juntamente com uma aspiração de transformar as interações sociais e a vida comunitária.
Modernismo foi um movimento do início do século 20 na literatura, artes visuais, artes cênicas e música que enfatizava a experimentação, a abstração e a experiência subjetiva. Filosofia, política, arquitetura e questões sociais foram aspectos desse movimento. O modernismo centrou-se em crenças numa "alienação crescente" da "moralidade, optimismo e convenção" predominantes e num desejo de mudar a forma como "os seres humanos numa sociedade interagem e vivem juntos". Originário do final do século XIX, o movimento modernista surgiu como uma reacção às profundas transformações na cultura ocidental, nomeadamente a secularização e o impacto crescente dos avanços científicos. É definido por um repúdio deliberado às normas tradicionais e pela busca de novas formas de articulação cultural. O desenvolvimento do modernismo foi moldado por extensa inovação tecnológica, industrialização, urbanização e pelas significativas convulsões culturais e geopolíticas que se seguiram à Primeira Guerra Mundial. Os principais movimentos e técnicas artísticas ligadas ao modernismo incluem arte abstrata, fluxo de consciência na literatura, montagem cinematográfica, atonalidade musical e técnicas dodecafônicas, dança moderna, arquitetura modernista e planejamento urbano.
O modernismo adotou uma perspectiva crítica sobre a ênfase do Iluminismo no racionalismo. Além disso, o movimento rejeitou a noção de originalidade absoluta - especificamente, o conceito "Creatio ex nihilo" (criação do nada) do século XIX, defendido tanto pelo realismo quanto pelo romantismo. Em vez disso, o Modernismo abraçou técnicas como colagem, reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia. Uma característica distintiva do Modernismo foi a sua reflexividade em relação às convenções artísticas e sociais, fomentando a experimentação que sublinhou tanto a construção das obras de arte como os seus materiais constituintes. A cronologia precisa do Modernismo continua a ser um tema de debate académico, com alguns académicos postulando a sua evolução para o modernismo tardio ou para o alto modernismo. Em contraste, o pós-modernismo desafia fundamentalmente vários princípios modernistas.
Visão geral e definição
O modernismo constituiu um movimento cultural que influenciou tanto as artes como o Zeitgeist mais amplo. É frequentemente caracterizado como uma estrutura de pensamento e conduta caracterizada pela autoconsciência ou auto-referência, particularmente proeminente na vanguarda em diversos campos artísticos e acadêmicos. Especialmente nos contextos ocidentais, é frequentemente visto como um movimento socialmente progressista que afirma a capacidade da humanidade de criar, melhorar e reconfigurar o seu ambiente através da experimentação prática, da compreensão científica ou da aplicação tecnológica. Deste ponto de vista, o Modernismo defende uma reavaliação abrangente de todas as facetas da existência. Os modernistas examinam criticamente os assuntos para identificar os obstáculos percebidos ao progresso, propondo posteriormente metodologias alternativas para alcançar os resultados desejados.
O historiador Roger Griffin define o Modernismo como um extenso empreendimento cultural, social ou político sustentado pelo ethos da “temporalidade do novo”. Griffin postulou que o modernismo procurou restabelecer um "senso de ordem e propósito sublimes no mundo contemporâneo", mitigando assim a "erosão percebida de um 'nomos' abrangente, ou 'dossel sagrado'", causada pelas forças fragmentadoras e secularizantes da modernidade. Consequentemente, fenômenos aparentemente díspares - incluindo "expressionismo, futurismo, vitalismo, teosofia, psicanálise, nudismo, eugenia, planejamento urbano e arquitetura utópica, dança moderna, bolchevismo, nacionalismo orgânico - e até mesmo o culto ao auto-sacrifício que sustentou a Hecatombe da Primeira Guerra Mundial" - revelam uma origem compartilhada e uma estrutura psicológica em sua oposição à "decadência percebida". Essas diversas manifestações representam coletivamente tentativas de alcançar uma "experiência suprapessoal da realidade", por meio da qual os indivíduos acreditavam que poderiam transcender sua mortalidade e, em última análise, passar de sujeitos da história a seus criadores ativos.
A religião também experimentou o impacto dos avanços científicos, filosóficos e políticos emergentes durante o final do século XIX e início do século XX, culminando no surgimento do Modernismo Católico. T. S. Eliot, por exemplo, foi notavelmente influenciado pelo modernismo católico.
Em 1911, escrevendo para a Enciclopédia Católica, o jesuíta Arthur Vermeersch forneceu uma definição de modernismo do ponto de vista da heresiologia católica contemporânea:
O modernismo geralmente busca uma transformação fundamental do pensamento humano em relação à divindade, à humanidade, ao mundo e à existência, tanto temporal quanto eterna. Esta mudança intelectual foi iniciada pelo Humanismo e pela filosofia do século XVIII, e formalmente declarada durante a Revolução Francesa.
Esta seção explora as interconexões entre Modernismo, Romantismo, Filosofia e Simbolismo.
O modernismo literário é frequentemente encapsulado pela frase de W. B. Yeats em "The Second Coming": "As coisas desmoronam; o centro não consegue se sustentar." Embora os modernistas procurassem frequentemente um “centro” metafísico, invariavelmente encontravam a sua desintegração. Em contraste, o pós-modernismo abraça este colapso, revelando as limitações inerentes às construções metafísicas, exemplificadas pelos esforços de Jacques Derrida para desconstruir tais afirmações.
De uma perspectiva filosófica, o declínio da metafísica pode ser atribuído ao filósofo escocês David Hume (1711-1776). Hume argumentou que a percepção direta de um evento causando outro é impossível. Ele afirmou ainda que o eu só é apreendido como sujeito, nunca como objeto, obscurecendo assim nossa essência fundamental. Consequentemente, se o conhecimento deriva exclusivamente de experiências sensoriais – como a visão, o tato e a emoção – então tanto o conhecimento em si como as afirmações metafísicas tornam-se inatingíveis.
Consequentemente, o modernismo pode ser emocionalmente impulsionado por um anseio por verdades metafísicas, mesmo reconhecendo a sua inerente inatingibilidade. Por exemplo, certos romances modernistas apresentam personagens, como Marlow em Heart of Darkness ou Nick Carraway em O Grande Gatsby, que percebem verdades profundas sobre a natureza ou o caráter humano. No entanto, estas narrativas muitas vezes tratam tais percepções com ironia, fornecendo explicações mais prosaicas. Analogamente, numerosos poemas de Wallace Stevens exploram a luta para determinar o significado da natureza, manifestando-se tipicamente de duas formas: aquelas em que o orador inicialmente nega o significado da natureza, apenas para que a sua presença se afirme na conclusão do poema; e aqueles em que o locutor postula significado na natureza, apenas para que esse significado se dissipe no final do poema.
O modernismo frequentemente repudia o realismo do século XIX, particularmente se o realismo é definido pela sua ênfase na incorporação de significado nas representações naturalistas. Ao mesmo tempo, alguns modernistas buscaram uma forma de realismo mais autêntica e "descentrada". Por exemplo, a obra protocubista de Picasso, *Les Demoiselles d'Avignon* (1907), desvia-se da apresentação dos temas a partir de um ponto de vista singular, oferecendo em vez disso um plano pictórico plano e bidimensional. Da mesma forma, “O Poeta” (1911) apresenta uma perspectiva descentralizada, retratando o corpo de vários ângulos. A Coleção Peggy Guggenheim descreve esta abordagem, afirmando que 'Picasso apresenta múltiplas visões de cada objeto, como se ele tivesse se movido em torno dele, e as sintetiza em uma única imagem composta'.
O modernismo, caracterizado por sua percepção de que "as coisas desmoronam", pode ser interpretado como o ápice do romantismo, especialmente se o romantismo for entendido como a busca frequentemente insatisfeita de verdades metafísicas relativas ao caráter, à natureza, a um poder transcendente e ao significado global. O modernismo anseia frequentemente por um núcleo romântico ou metafísico, apenas para posteriormente testemunhar a sua desintegração.
A divergência entre o modernismo e o romantismo é também evidente nas suas abordagens ao “símbolo”. Os românticos ocasionalmente postulavam uma conexão intrínseca (o “fundamento”) entre o símbolo (ou “veículo”, na terminologia de IA Richards) e seu “teor” (seu significado). Uma ilustração disso é o retrato que Coleridge faz da natureza como “aquela linguagem eterna que teu Deus / Pronuncia”. No entanto, enquanto alguns românticos viam a natureza e os seus símbolos como linguagem divina, outros teóricos românticos consideravam-nos inescrutáveis. Goethe, embora não seja um romântico, articulou isso afirmando que “a ideia [ou significado] permanece eterna e infinitamente ativa e inacessível na imagem”. Esta perspectiva foi desenvolvida na teoria modernista, que, influenciada pelos seus antecedentes simbolistas, frequentemente destaca a inescrutabilidade inerente e a inadequação dos símbolos e metáforas. Por exemplo, Wallace Stevens esforça-se, mas acaba por falhar, em discernir o significado da natureza, mesmo quando parece apreender momentaneamente tal significado. Consequentemente, tanto os simbolistas como os modernistas empregam ocasionalmente uma metodologia mística para transmitir uma compreensão não racional do significado.
Consequentemente, as metáforas modernistas muitas vezes se manifestam como não naturais, exemplificadas por T.S. A representação de Eliot de uma noite "espalhada contra o céu / Como um paciente eterizado sobre uma mesa". Da mesma forma, os poetas modernistas posteriores frequentemente retratam a natureza como desnaturalizada e ocasionalmente mecanizada, como na imagem de Stephen Oliver da lua ocupada em "elevar-se" para a consciência.
Origens e história antiga
Romantismo e Realismo
O Modernismo emergiu da rebelião do Romantismo contra os efeitos da Revolução Industrial e dos valores sociais burgueses. Como afirma o estudioso literário Gerald Graff: “O motivo básico do modernismo foi a crítica à ordem social burguesa do século XIX e à sua visão de mundo; os modernistas, carregando a tocha do Romantismo”.
Embora J. M. W. Turner (1775-1851), um proeminente pintor de paisagens do século XIX, tenha sido membro do movimento romântico, suas explorações inovadoras de luz, cor e atmosfera "anteciparam os impressionistas franceses" e, consequentemente, o modernismo "ao quebrar as fórmulas convencionais de representação". Ele divergiu deles, no entanto, em sua convicção de que sua arte deve articular consistentemente temas históricos, mitológicos, literários ou outros temas narrativos profundos. Por outro lado, os modernistas criticaram a convicção romântica de que a arte funcionava como um canal direto para a essência da realidade. Eles argumentaram que, dada a interpretação subjetiva inerente ao envolvimento de cada espectador com a arte, esta não poderia transmitir as verdades metafísicas últimas perseguidas pelos românticos. No entanto, os modernistas não descartaram totalmente a arte como mecanismo de compreensão do mundo. Em vez disso, eles perceberam-no como um instrumento para desafiar e perturbar a perspectiva do espectador, em vez de um caminho direto para uma realidade transcendente.
O modernismo frequentemente repudia o realismo do século XIX, particularmente quando este último é caracterizado pela sua ênfase na incorporação de significado nas representações naturalistas. Por outro lado, certos modernistas procuraram um realismo mais “autêntico”, que carecesse de um ponto focal singular. Por exemplo, a obra proto-cubista de Picasso de 1907, Les Demoiselles d'Avignon, desvia-se de uma perspectiva singular, representando os seus temas num plano de imagem plano e bidimensional. Da mesma forma, O Poeta (1911) apresenta uma abordagem descentralizada, retratando o corpo a partir de vários pontos de vista. Conforme observado pela Coleção Peggy Guggenheim, "Picasso apresenta múltiplas visões de cada objeto, como se ele tivesse se movido em torno dele, e as sintetiza em uma única imagem composta."
O modernismo, caracterizado por sua percepção de que "as coisas desmoronam", é frequentemente considerado o ápice do Romantismo. Conforme articulado por August Wilhelm Schlegel, um dos primeiros românticos alemães, enquanto o Romantismo se esforça para descobrir verdades metafísicas relativas ao caráter, à natureza, ao poder superior e ao significado mundano, o modernismo, apesar do seu anseio por tal núcleo metafísico, em última análise, confronta apenas a sua desintegração.
Início do século 19
No período da Revolução Industrial (aproximadamente 1760-1840), inovações significativas abrangeram a industrialização movida a vapor, particularmente o surgimento das ferrovias na Grã-Bretanha a partir da década de 1830, e o consequente progresso na física, na engenharia e na arquitetura. Uma notável realização de engenharia do século XIX foi o Crystal Palace, um imenso salão de exposições construído em ferro fundido e vidro laminado para a Grande Exposição de 1851 em Londres. Esses materiais, vidro e ferro, foram igualmente empregados de forma monumental na construção de terminais ferroviários proeminentes em toda a cidade, como a estação King's Cross (1852) e a estação Paddington (1854). Tais avanços tecnológicos se disseminaram internacionalmente, culminando em estruturas posteriores como a Ponte do Brooklyn (1883) e a Torre Eiffel (1889), com esta última superando todas as restrições de altura anteriores para construções feitas pelo homem. Embora estas maravilhas da engenharia tenham transformado fundamentalmente a paisagem urbana e a existência quotidiana do século XIX, a própria percepção humana do tempo sofreu modificações com a invenção do telégrafo eléctrico em 1837, juntamente com a implementação do "horário padrão" pelas empresas ferroviárias britânicas a partir de 1845 - um conceito posteriormente adoptado globalmente ao longo das cinco décadas seguintes.
Ao mesmo tempo, Søren Kierkegaard (1813-1855) e Nietzsche repudiaram independentemente o conceito de que a realidade poderia ser apreendida apenas através de uma estrutura objetiva, uma postura que moldou profundamente a evolução do existencialismo e do niilismo.
O crítico de arte Clement Greenberg caracterizou a Irmandade Pré-Rafaelita como protomodernista, afirmando: "Lá, os protomodernistas eram, de todas as pessoas, os pré-rafaelitas (e mesmo antes deles, como proto-proto-modernistas, os nazarenos alemães). Os pré-rafaelitas prenunciaram Manet (1832-1883), com quem a pintura modernista definitivamente começa. Eles agiram com base na insatisfação com a pintura praticada em seus ao mesmo tempo, sustentando que seu realismo não era suficientemente verdadeiro."
Ao mesmo tempo, as afirmações de Marx sobre as contradições inerentes à estrutura capitalista e a agência restrita dos trabalhadores culminaram no desenvolvimento da teoria marxista.
A arte africana influenciou significativamente a arte modernista, inspirando seus praticantes através de sua ênfase na representação abstrata.
Final do século 19
O influente ensaio de Baudelaire, "O Pintor da Vida Moderna" (1863), encorajou artistas emergentes a se afastarem das práticas convencionais e a criarem novos métodos para a representação artística de seu mundo contemporâneo.
A partir da década de 1860, dois movimentos artísticos e literários distintos surgiram de forma independente na França. O Impressionismo, a primeira delas, foi uma escola de pintura conhecida principalmente por sua ênfase inicial no trabalho ao ar livre, ou en plein air, em vez da criação em estúdio. A arte impressionista procurou representar a própria luz, em vez de apenas representar objetos. Apesar das divergências internas entre os seus artistas proeminentes, o movimento ganhou seguidores substanciais e cresceu em influência. Embora inicialmente excluídos do prestigiado Salão de Paris, patrocinado pelo governo, os impressionistas organizaram exposições coletivas anuais em espaços comerciais ao longo das décadas de 1870 e 1880, programando-as estrategicamente para coincidir com o Salão oficial. Em 1863, o Imperador Napoleão III criou o Salon des Refusés para exibir todas as pinturas rejeitadas pelo Salão de Paris. Embora a maioria das obras expostas seguisse estilos convencionais de artistas menos talentosos, as contribuições de Édouard Manet atraíram atenção significativa, criando assim oportunidades comerciais para o movimento nascente. A segunda escola francesa foi o Simbolismo, que os historiadores literários remontam a Charles Baudelaire e posteriormente incluem poetas como Arthur Rimbaud (1854-1891), conhecido por Uma Temporada no Inferno (1873), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) e Paul Valéry (1871-1945). Os simbolistas priorizaram "a prioridade da sugestão e evocação sobre a descrição direta e a analogia explícita" e demonstraram um interesse particular nas "propriedades musicais da linguagem".
O cabaré, um progenitor significativo de numerosas formas de arte modernistas, incluindo os antecedentes diretos do cinema, é geralmente considerado como tendo se originado na França em 1881 com o estabelecimento da Sociedade de Artes Incoerentes e do Gato Preto em Montmartre.
As estruturas teóricas desenvolvidas por Sigmund Freud (1856–1939), Krafft-Ebing e outros sexólogos exerceram influência considerável durante o período nascente do modernismo. A publicação seminal de Freud, em coautoria com Josef Breuer, foi Estudos sobre a Histeria (1895). Uma pedra angular do pensamento freudiano postula “a primazia da mente inconsciente na vida mental”, sugerindo que toda realidade subjetiva é construída através da interação de impulsos e instintos fundamentais, que medeiam a percepção do mundo externo. A conceituação de estados subjetivos de Freud abrangia um domínio inconsciente repleto de impulsos primordiais, equilibrados por restrições auto-impostas decorrentes de valores sociais.
As contribuições filosóficas de Friedrich Nietzsche (1844–1900) também serviram como um precursor significativo do modernismo, particularmente sua ênfase nos impulsos psicológicos, notadamente a "vontade de poder" (Wille zur macht). Nietzsche frequentemente equiparou a própria vida a esta “vontade de poder”, definindo-a como um instinto inerente de crescimento e resiliência. Em contraste, Henri Bergson (1859-1941) distinguiu entre o tempo objetivo e cronológico e a experiência humana imediata e subjetiva da temporalidade. Suas investigações sobre o tempo e a consciência "influenciaram profundamente os romancistas do século 20", especialmente autores modernistas como Dorothy Richardson, James Joyce e Virginia Woolf (1882-1941), que empregaram a técnica narrativa do "fluxo de consciência". Outro conceito central na filosofia de Bergson era o élan vital, ou a força vital, que ele postulava que "provoca a evolução criativa de tudo". Sua estrutura filosófica também atribuiu alto valor à intuição, sem descartar a importância dos processos intelectuais.
Várias figuras literárias ilustres são reconhecidas como precursores cruciais do modernismo. Estes incluem Fyodor Dostoevsky (1821-1881), cujos romances notáveis incluem Crime e Castigo (1866) e Os Irmãos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), autor da coleção de poesia Leaves of Grass (1855–1891); e August Strindberg (1849–1912), especialmente por suas obras dramáticas posteriores, como a trilogia To Damascus (1898–1901), A Dream Play (1902) e The Ghost Sonata (1907). Henry James também foi identificado como um importante precursor do modernismo, com obras iniciais como O Retrato de uma Senhora (1881) demonstrando tendências modernistas.
O Surgimento do Modernismo
1901–1930
A onda inicial de obras modernistas surgiu na primeira década do século XX, decorrente de uma confluência de ideais derivados do Romantismo e de uma busca por conhecimento para elucidar fenômenos até então inexplicáveis. Embora os seus criadores muitas vezes considerassem estas obras como continuação de tendências artísticas estabelecidas, elas perturbaram fundamentalmente a compreensão implícita da arte pelo público, que tradicionalmente posicionava os artistas como intérpretes e representantes da cultura e do pensamento burgueses. As realizações "modernistas" seminais deste período incluem o atonal Second String Quartet de Arnold Schoenberg (1908), as pinturas expressionistas de Wassily Kandinsky (início de 1903) culminando em seu trabalho abstrato inaugural e o estabelecimento do grupo Blue Rider em Munique (1911), e a ascensão do Fauvismo e as inovações do Cubismo a partir dos estúdios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque e outros artistas entre 1900 e 1910.
Uma característica significativa do modernismo envolve seu envolvimento com a tradição, manifestado através da adaptação e recontextualização de técnicas como reprise, incorporação, reescrita, recapitulação, revisão e paródia em novas formas artísticas.
T. S. Eliot ofereceu observações notáveis sobre a relação entre um artista e a tradição, afirmando:
[Nós] frequentemente descobriremos que não apenas as melhores, mas as partes mais individuais da obra [de um poeta], podem ser aquelas em que os poetas mortos, seus ancestrais, afirmam sua imortalidade com mais vigor.
No entanto, a interação do modernismo com a tradição provou ser complexa, conforme articulado pelo estudioso literário Peter Child: "Havia tendências paradoxais, se não opostas, em direção a posições revolucionárias e reacionárias, medo do novo e prazer com o desaparecimento do velho, niilismo e entusiasmo fanático, criatividade e desespero."
As composições musicais de Arnold Schoenberg servem como um exemplo ilustrativo de como a arte modernista integra tradições estabelecidas com técnicas inovadoras. Schoenberg divergiu notavelmente da harmonia tonal tradicional, um sistema hierárquico que estruturou a composição musical por mais de 150 anos. Ele postulou a descoberta de um método inteiramente novo para organizar o som, baseado na utilização de linhas de doze notas. Apesar de sua natureza inovadora, a gênese desta técnica pode ser atribuída às contribuições de compositores anteriores, incluindo Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss e Max Reger. Durante a década inicial do século 20, jovens pintores proeminentes como Pablo Picasso e Henri Matisse geraram considerável controvérsia e crítica ao abandonar a perspectiva tradicional como um elemento estrutural fundamental na pintura, apesar das inovações impressionistas anteriores de Claude Monet em perspectiva. Ao mesmo tempo, em 1907, enquanto Picasso criava Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka era o autor de Mörder, Hoffnung der Frauen (Assassino, Esperança das Mulheres), reconhecida como a primeira peça expressionista (que estreou de forma controversa em 1909), e Arnold Schoenberg estava compondo seu Quarteto de Cordas No.2 em Fá sustenido menor (1908), marcando sua composição inaugural desprovida de um centro tonal.
As últimas obras de Paul Cézanne, particularmente a sua representação da forma tridimensional, influenciaram significativamente o desenvolvimento do cubismo. Essas obras foram apresentadas em retrospectiva no Salon d'Automne de 1907. A arte cubista envolve a análise, desconstrução e remontagem abstrata de objetos. Em vez de apresentar um único ponto de vista, os artistas retratam assuntos de múltiplas perspectivas para transmitir um contexto mais abrangente. O cubismo ganhou reconhecimento público pela primeira vez em 1911 no Salon des Indépendants de Paris, que aconteceu de 21 de abril a 13 de junho. A exposição coletiva de obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye na Sala 41 acendeu um "escândalo" que impulsionou o cubismo à proeminência, levando à sua disseminação por Paris e internacionalmente. Também em 1911, Kandinsky criou Bild mit Kreis (Imagem com um Círculo), uma obra que posteriormente identificou como a pintura abstrata inaugural. Em 1912, Metzinger e Gleizes foram coautores do manifesto cubista seminal, Du "Cubisme", que foi publicado para coincidir com o Salon de la Section d'Or, então a mais extensa exposição cubista. Nesse mesmo ano, Metzinger pintou e expôs suas obras notáveis, La Femme au Cheval (Mulher com Cavalo) e Danseuse au Café (Dançarina em um Café). Albert Gleizes também pintou e exibiu Les Baigneuses (Os Banhistas) e sua peça monumental, Le Dépiquage des Moissons (Debulha da Colheita). Esta obra em particular, ao lado de La Ville de Paris (Cidade de Paris), de Robert Delaunay, representou as maiores e mais ambiciosas pinturas cubistas criadas durante a era cubista pré-guerra.
Em 1905, um quarteto de artistas alemães, liderado por Ernst Ludwig Kirchner, fundou Die Brücke (A Ponte) em Dresden. Este coletivo é amplamente considerado a organização fundadora do movimento expressionista alemão, apesar de não adotarem explicitamente o termo "Expressionismo". Vários anos depois, em 1911, um grupo semelhante de jovens artistas formou Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) em Munique. O nome do grupo originou-se da pintura de Wassily Kandinsky de 1903, Der Blaue Reiter. Os principais membros incluíram Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee e August Macke. No entanto, o termo "Expressionismo" não se tornou firmemente estabelecido até 1913. Embora seja principalmente um movimento artístico alemão, mais proeminente na pintura, poesia e teatro entre 1910 e 1930, muitos dos seus precursores não eram alemães. Além disso, surgiram escritores de ficção em prosa expressionista e autores expressionistas de língua não alemã. Embora o movimento tenha experimentado um declínio na Alemanha após a ascensão de Adolf Hitler ao poder na década de 1930, as obras expressionistas subsequentes continuaram a ser produzidas.
O Expressionismo apresenta desafios de definição significativos, em parte devido à sua extensa sobreposição com outros movimentos modernistas proeminentes, como o Futurismo, o Vorticismo, o Cubismo, o Surrealismo e o Dadaísmo. Richard Murphy observa ainda a dificuldade de uma definição abrangente, observando que alguns dos expressionistas mais influentes, incluindo os romancistas Franz Kafka e Alfred Döblin, e o poeta Gottfried Benn, eram simultaneamente oponentes vocais do movimento. No entanto, o Expressionismo surgiu principalmente na Alemanha do início do século XX como resposta aos impactos desumanizantes da industrialização e da expansão urbana. Um aspecto fundamental que distinguiu o Expressionismo como um movimento de vanguarda, e marcou a sua divergência em relação às instituições culturais tradicionais, foi a sua postura crítica em relação ao realismo e às convenções representacionais estabelecidas. Fundamentalmente, os expressionistas repudiaram os princípios do realismo. O início do século XX testemunhou um movimento expressionista concentrado no teatro alemão, com Georg Kaiser e Ernst Toller reconhecidos como os seus dramaturgos mais célebres. Outros dramaturgos expressionistas notáveis incluíram Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Esses artistas se inspiraram no dramaturgo sueco August Strindberg e no ator e dramaturgo alemão Frank Wedekind, considerando-os precursores de suas abordagens dramatúrgicas experimentais. Assassino, a esperança das mulheres, de Oskar Kokoschka, que estreou em Viena em 4 de julho de 1909, é considerada a primeira obra teatral totalmente expressionista. Seus traços característicos, como a simplificação radical dos personagens em arquétipos míticos, a incorporação de elementos corais, o diálogo declamatório e o aumento da intensidade emocional, tornaram-se posteriormente marcas registradas de peças expressionistas posteriores. O Filho, de Walter Hasenclever, publicada em 1914 e encenada pela primeira vez em 1916, tem a distinção de ser a primeira peça expressionista completa.
O futurismo representa outro movimento modernista significativo. Sua gênese ocorreu em 1909, quando o jornal parisiense Le Figaro publicou o manifesto inicial de F. T. Marinetti. Pouco depois, um coletivo de pintores, incluindo Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini, endossaram conjuntamente o Manifesto Futurista. Estes manifestos, inspirados no renomado "Manifesto Comunista" (1848) de Marx e Engels, visavam incitar o debate e atrair adeptos. No entanto, durante este período, as discussões que defendiam a pintura geométrica ou puramente abstrata eram predominantemente restritas a "pequenas revistas" especializadas com leitores extremamente limitados. Tendências modernistas como o primitivismo e o pessimismo geraram considerável controvérsia, já que o sentimento predominante na primeira década do início do século XX favorecia em grande parte a crença no progresso e no otimismo liberal.
Artistas abstratos, inspirando-se nos impressionistas, ao lado de figuras como Paul Cézanne (1839–1906) e Edvard Munch (1863–1944), postularam fundamentalmente que a cor e a forma, em vez da representação literal do mundo natural, constituíam as qualidades intrínsecas da arte. Historicamente, a arte ocidental, desde a Renascença até meados do século XIX, baseou-se nos princípios da perspectiva e no esforço para replicar uma ilusão da realidade visível. Ao mesmo tempo, a exposição a tradições artísticas não europeias proporcionou aos artistas estruturas alternativas para retratar a experiência visual. No final do século XIX, vários artistas perceberam a necessidade de forjar novas expressões artísticas que refletissem as profundas transformações ocorridas na tecnologia, na ciência e na filosofia. Os fundamentos teóricos adotados por artistas individuais foram variados, refletindo as preocupações sociais e intelectuais predominantes na cultura ocidental daquela época. Figuras proeminentes como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich defenderam uniformemente a redefinição da arte como o arranjo sistemático da cor pura. Esta ênfase modernista foi significativamente influenciada pelo advento da fotografia, que tornou obsoleta a função representacional tradicionalmente desempenhada pelas artes visuais.
Proeminentes arquitetos e designers modernistas, incluindo Frank Lloyd Wright e Le Corbusier, argumentaram que as tecnologias emergentes tornaram os estilos arquitetônicos tradicionais antiquados. Le Corbusier postulou a famosa tese de que as estruturas deveriam funcionar como “máquinas para viver”, traçando um paralelo com os automóveis, que ele considerava máquinas para locomoção. Ele argumentou que, assim como os veículos substituíram os cavalos, o design modernista deveria igualmente descartar os estilos e formas históricas derivadas da Grécia Antiga ou da Idade Média. Aderindo a esta estética da máquina, os praticantes modernistas geralmente evitaram os motivos ornamentais, priorizando em vez disso as qualidades inerentes dos materiais e as configurações geométricas sem adornos. O arranha-céu exemplifica o edifício modernista por excelência, com o Edifício Wainwright, uma estrutura de escritórios de dez andares concluída em St. Louis, Missouri, Estados Unidos, em 1891, reconhecida como um dos primeiros arranha-céus do mundo. O edifício Seagram de Ludwig Mies van der Rohe, construído em Nova York entre 1956 e 1958, é frequentemente considerado o apogeu desse movimento arquitetônico modernista de arranha-céus. Embora muitos elementos do design modernista perdurem na prática arquitetônica contemporânea, seu dogmatismo rígido anterior evoluiu para uma abordagem mais adaptável, incorporando elementos decorativos, alusões históricas e arranjos espaciais dramáticos.
O ano de 1913 marcou um período de desenvolvimentos culturais e científicos significativos, incluindo a publicação de Ideas do filósofo Edmund Husserl, a articulação do átomo quantizado pelo físico Niels Bohr, o estabelecimento do imagismo por Ezra Pound, o Armory Show em Nova York, e a estreia da "primeira ópera futurista" de Mikhail Matyushin, Vitória sobre o Sol, em São Petersburgo. Ao mesmo tempo, o compositor russo Igor Stravinsky estreou seu balé A Sagração da Primavera, uma obra que retrata o sacrifício humano caracterizada por uma partitura musical dissonante e ritmicamente primitiva, que provocou considerável polêmica em sua apresentação inicial em Paris. Durante esta época, embora o modernismo ainda adotasse uma postura "progressista", cada vez mais percebia as formas tradicionais e as estruturas sociais como impedimentos ao avanço, redefinindo assim o papel do artista como uma figura revolucionária com intenção de transformação social em vez de mero esclarecimento. Também em 1913, a França testemunhou a publicação menos conflituosa do volume inaugural da sequência do romance seminal de Marcel Proust, À la recherche du temps perdu (1913–1927), traduzido como Em Busca do Tempo Perdido. Embora frequentemente citado como um dos primeiros exemplos de um escritor que empregou a técnica do fluxo de consciência, Robert Humphrey observa que Proust "está preocupado apenas com o aspecto reminiscente da consciência" e "estava recapturando deliberadamente o passado com o propósito de comunicar; portanto, ele não escreveu um romance de fluxo de consciência". Arthur Schnitzler (1862–1931) é frequentemente creditado por sua aplicação abrangente e pioneira em seu conto de 1900, "Leutnant Gustl" ("None but the brave"). Dorothy Richardson se tornou a primeira autora inglesa a utilizar esse método, principalmente nos volumes iniciais de sua nova sequência Pilgrimage (1915–1967). Outros romancistas modernistas proeminentes reconhecidos pela adoção desta abordagem narrativa incluem James Joyce em Ulysses (1922) e Italo Svevo em La coscienza di Zeno (1923).
O início da Grande Guerra (1914–1918) e a Revolução Russa de 1917 transformaram profundamente a paisagem global, instigando um cepticismo generalizado em relação às crenças e instituições históricas estabelecidas. A inadequação do status quo pré-guerra tornou-se inegável para uma geração que testemunhou a morte de milhões de pessoas em conflitos territoriais, especialmente dadas as afirmações anteriores de que uma guerra tão dispendiosa era inconcebível antes de 1914. O advento da era da máquina, que remodelou significativamente a vida quotidiana no século XIX, alterou agora fundamentalmente o carácter da guerra. O trauma profundo destas experiências recentes desafiou pressupostos fundamentais, tornando insuficientes os retratos artísticos realistas da vida quando confrontados com os horrores surreais da guerra de trincheiras. A noção predominante do contínuo avanço moral da humanidade parecia absurda à luz do massacre indiscriminado, vividamente retratado em obras como o romance de Erich Maria Remarque, All Quiet on the Western Front (1929). Consequentemente, a estrutura interpretativa da realidade do modernismo, anteriormente uma perspectiva de nicho, ganhou aceitação mais ampla ao longo da década de 1920.
Na literatura e nas artes visuais, certos modernistas desafiaram deliberadamente as expectativas convencionais, principalmente para aumentar a vivacidade das suas criações ou para obrigar o público a examinar criticamente as suas próprias noções preconcebidas. Esta característica do modernismo surgiu frequentemente como uma resposta à crescente cultura de consumo que se desenvolveu na Europa e na América do Norte durante o final do século XIX. Embora a maioria dos fabricantes se esforce para produzir bens comercializáveis atendendo às preferências e preconceitos existentes, os altos modernistas evitaram deliberadamente tais abordagens consumistas para subverter o pensamento convencional. O crítico de arte Clement Greenberg articulou esta teoria modernista no seu ensaio, Avant-Garde and Kitsch. Greenberg caracterizou os produtos da cultura de consumo como “kitsch”, argumentando que seu design priorizava o apelo máximo, eliminando quaisquer elementos desafiadores. Consequentemente, Greenberg via o modernismo como um contra-movimento contra a proliferação de manifestações contemporâneas da cultura de consumo, incluindo a música popular comercial, Hollywood e a publicidade. Ele ainda vinculou esta postura a uma rejeição revolucionária do capitalismo.
Um segmento de modernistas percebeu-se como parte integrante de uma cultura revolucionária que englobava convulsões políticas. Após a Revolução de 1917 na Rússia, materializou-se de facto uma onda inicial de actividade cultural de vanguarda, incluindo o Futurismo Russo. Por outro lado, outros modernistas repudiaram tanto a política convencional como as normas artísticas, argumentando que uma transformação da consciência política tinha maior significado do que meras alterações nas estruturas políticas. No entanto, um número considerável de modernistas considerava-se apolítico. Figuras proeminentes como T. S. Eliot, por exemplo, rejeitaram a cultura popular de massa de um ponto de vista conservador. Alguns estudiosos chegam a afirmar que o modernismo na literatura e na arte serviu para perpetuar uma cultura de elite, excluindo assim a população em geral.
O surrealismo, emergindo no início da década de 1920, ganhou reconhecimento público como a manifestação mais radical do modernismo, muitas vezes denominada "a vanguarda do modernismo". O termo "surrealista" foi cunhado por Guillaume Apollinaire, aparecendo pela primeira vez no prefácio de sua peça Les Mamelles de Tirésias, de autoria de 1903 e estreada em 1917. Artistas surrealistas notáveis incluem Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró e Marcel Duchamp.
Por Em 1930, o modernismo tinha assegurado a sua posição tanto no meio político como artístico, apesar das suas próprias transformações internas nesse período.
A Evolução do Modernismo: 1930–1945
O modernismo passou por um desenvolvimento contínuo ao longo da década de 1930. Entre 1930 e 1932, o compositor Arnold Schoenberg desenvolveu Moses und Aron, uma das primeiras óperas que empregava a técnica dodecafônica. Em 1937, Pablo Picasso criou Guernica, uma obra cubista que condenava o fascismo. Ao mesmo tempo, James Joyce expandiu ainda mais os parâmetros do romance moderno com sua publicação de 1939, Finnegans Wake. Em 1930, o modernismo também começou a permear a cultura dominante; por exemplo, a revista The New Yorker começou a publicar obras de influência modernista de escritores e humoristas emergentes como Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman e James Thurber. Perelman é particularmente apreciado por seus contos humorísticos, frequentemente publicados em revistas como The New Yorker durante as décadas de 1930 e 1940, que são reconhecidos como exemplos pioneiros de humor surrealista na América. Além disso, os conceitos artísticos modernos apareceram cada vez mais em anúncios comerciais e logótipos, exemplificados pelo famoso logótipo do Metro de Londres de Edward Johnston, de 1916.
Uma transformação proeminente durante esta era envolveu a integração de novas tecnologias nas rotinas diárias dos cidadãos comuns em toda a Europa Ocidental e América do Norte. A adopção generalizada da electricidade, dos telefones, dos rádios e dos automóveis – juntamente com a necessidade de operar, manter e coexistir com estas inovações – precipitou mudanças sociais significativas. O tipo de experiência disruptiva anteriormente limitada a um grupo seleto na década de 1880 tornou-se uma ocorrência comum. Por exemplo, as capacidades de comunicação rápida, outrora exclusivas dos corretores da bolsa da década de 1890, tornaram-se um aspecto integrante da vida familiar, particularmente na classe média norte-americana. Concomitantemente à urbanização e à evolução das normas sociais, houve tendências para unidades familiares menores e alterações na dinâmica das relações entre pais e filhos.
O marxismo emergiu como outra influência significativa durante este período. O modernismo anterior à Primeira Guerra Mundial, caracterizado pelo primitivismo e pelo irracionalismo, muitas vezes evitou soluções puramente políticas, uma postura ecoada pelo neoclassicismo da década de 1920, exemplificado por T. S. Eliot e Igor Stravinsky, que igualmente rejeitaram abordagens populares às questões contemporâneas. No entanto, a subsequente ascensão do fascismo, a Grande Depressão e o conflito global iminente radicalizaram profundamente uma geração. Figuras proeminentes que incorporam esta forma modernista de marxismo incluem Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon e os filósofos Antonio Gramsci e Walter Benjamin. Por outro lado, também existia um grupo distinto de modernistas alinhados com a direita política, apresentando artistas como Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound e o autor holandês Menno ter Braak, entre outros.
As décadas de 1920 e 1930 testemunharam a criação contínua de obras literárias modernistas substanciais, incluindo romances adicionais de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil e Dorothy Richardson. Eugene O'Neill, um dramaturgo modernista americano, começou sua carreira em 1914, com suas peças mais significativas aparecendo ao longo das décadas de 1920, 1930 e início de 1940. Bertolt Brecht e Federico García Lorca foram outros dois notáveis dramaturgos modernistas ativos durante essas décadas. O Amante de Lady Chatterley, de D. H. Lawrence, foi publicado privadamente em 1928, enquanto O Som e a Fúria, de William Faulkner, publicado em 1929, marcou outro momento crucial na evolução do romance moderno. A década de 1930 viu outras contribuições importantes de Faulkner, e Samuel Beckett lançou seu trabalho inaugural significativo, o romance Murphy, em 1938. Posteriormente, Finnegans Wake de James Joyce apareceu em 1939, distinguido por sua linguagem amplamente idiossincrática, que combina o léxico inglês padrão com trocadilhos neológicos multilíngues e palavras-chave para evocar a experiência de sono e sonhos. Na poesia, TS Eliot, EE Cummings e Wallace Stevens atuaram entre as décadas de 1920 e 1950. Embora a poesia modernista inglesa seja frequentemente associada a expoentes americanos como Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD e Louis Zukofsky, importantes poetas modernistas britânicos incluíam David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting e W. H. Auden. Poetas modernistas europeus notáveis incluem Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy e Paul Valéry.
O movimento modernista também persistiu na Rússia Soviética durante esta época. Em 1930, Dimitri Shostakovich (1906–1975) estreou sua ópera The Nose, que empregou de forma inovadora uma montagem de diversos estilos, incorporando música folclórica, canção popular e atonalidade. A ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985–1935) influenciou significativamente Shostakovich, tendo causado uma profunda impressão quando encenada em Leningrado. No entanto, a União Soviética começou a suprimir o modernismo em favor do realismo socialista a partir de 1932, levando à censura de Shostakovich em 1936 e à retirada forçada da sua 4ª Sinfonia. Alban Berg compôs outra ópera modernista notável, embora incompleta, Lulu, que estreou em 1937, e o seu Concerto para Violino foi apresentado pela primeira vez em 1935. Tal como Shostakovich, outros compositores encontraram desafios consideráveis durante este período.
Em 1933, Arnold Schoenberg (1874–1951) foi obrigado a deixar a Alemanha e ir para os Estados Unidos, uma consequência tanto do seu estilo de composição atonal modernista como da sua herança judaica, após a ascensão de Hitler ao poder. Composições significativas desta época incluem seu Concerto para Violino, Op. 36 (1934/36), e um Concerto para Piano, Op. 42 (1942). Ao mesmo tempo, Schoenberg também produziu obras tonais, como a Suíte para Cordas em Sol maior (1935) e a Sinfonia de Câmara nº 2 em Mi menor, Op. 38 (iniciado em 1906 e concluído em 1939). Durante este mesmo período, o modernista húngaro Béla Bartók (1881–1945) criou várias peças notáveis, incluindo Música para Cordas, Percussão e Celesta (1936), o Divertimento para Orquestra de Cordas (1939), Quarteto de Cordas No. No entanto, Bartók também emigrou para os Estados Unidos em 1940 devido à escalada do fascismo na Hungria. Igor Stravinsky (1882–1971) manteve sua abordagem composicional neoclássica ao longo das décadas de 1930 e 1940, produzindo obras como a Sinfonia dos Salmos (1930), Sinfonia em Dó (1940) e Sinfonia em Três Movimentos (1945). Ele também se mudou para os Estados Unidos por causa da Segunda Guerra Mundial. Em contraste, Olivier Messiaen (1908–1992) serviu no exército francês durante o conflito e foi internado pelos alemães no Stalag VIII-A, onde compôs o seu renomado Quatuor pour la fin du temps ("Quarteto para o Fim dos Tempos"). Este quarteto estreou em janeiro de 1941 diante de um público composto por prisioneiros e guardas prisionais.
No âmbito da pintura durante as décadas de 1920, 1930 e a Grande Depressão, o modernismo na Europa foi caracterizado por movimentos como o surrealismo, o cubismo tardio, a Bauhaus, o De Stijl, o dadaísmo e o expressionismo alemão, juntamente com as contribuições de coloristas magistrais como Henri Matisse e Pierre Bonnard, e as obras abstratas de artistas. incluindo Piet Mondrian e Wassily Kandinsky. Na Alemanha, artistas como Max Beckmann, Otto Dix e George Grosz infundiram comentários políticos nas suas pinturas, antecipando o início da Segunda Guerra Mundial. Entretanto, na América, o modernismo manifestou-se através da pintura de cena americana e dos movimentos de realismo social e regionalismo, que incorporaram críticas políticas e sociais significativas, dominando assim a paisagem artística. Artistas proeminentes desta época incluíam Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry e Reginald Marsh. Na América Latina, o modernismo foi exemplificado pelos pintores Joaquín Torres-García do Uruguai e Rufino Tamayo do México. Ao mesmo tempo, o movimento muralista, com figuras como Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martínez Delgado, juntamente com as pinturas simbolistas de Frida Kahlo, iniciou um renascimento artístico na região, caracterizado por uma aplicação mais liberal de cores e uma ênfase em mensagens políticas.
Diego Rivera é amplamente conhecido por seu mural de 1933, Man at the Crossroads, situado no saguão do edifício RCA no Rockefeller Center. A inclusão no mural de um retrato de Vladimir Lenin e outras iconografias comunistas levou à demissão de Rivera por seu patrono, Nelson Rockefeller, e à subsequente destruição da obra inacabada pela equipe de Rockefeller. A produção artística de Frida Kahlo é frequentemente distinguida pelas suas representações nítidas do sofrimento. O profundo envolvimento de Kahlo com a cultura indígena mexicana é evidente nas cores vibrantes e no simbolismo dramático difundido em suas pinturas. Sua obra também incorpora frequentemente motivos cristãos e judaicos, misturando elementos da arte religiosa tradicional mexicana, que muitas vezes apresentava imagens gráficas e violentas. As obras simbolistas de Frida Kahlo apresentam fortes afinidades com o surrealismo e o movimento literário do realismo mágico.
O activismo político constituiu um aspecto significativo da vida de David Siqueiros, levando-o frequentemente a suspender temporariamente as suas actividades artísticas. Sua arte foi profundamente informada pela Revolução Mexicana. O período que vai das décadas de 1920 a 1950 é designado como Renascimento Mexicano, durante o qual Siqueiros se esforçou ativamente para forjar uma forma de arte que fosse ao mesmo tempo distintamente mexicana e universalmente ressonante. Notavelmente, um jovem Jackson Pollock participou da oficina de Siqueiros, auxiliando na construção de carros alegóricos.
Na década de 1930, muitos artistas associados ao surrealismo, incluindo Pablo Picasso, eram caracterizados por ideologias políticas de esquerda radical. Em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola, a cidade basca de Gernika foi submetida a bombardeio aéreo pela Luftwaffe da Alemanha nazista. Este ataque teve como objetivo apoiar a campanha de Francisco Franco para desestabilizar os governos basco e republicano espanhol. Em resposta, Pablo Picasso criou seu mural monumental, Guernica, como uma poderosa comemoração das atrocidades do bombardeio. Ao longo da Grande Depressão da década de 1930 e estendendo-se até a Segunda Guerra Mundial, a arte americana foi predominantemente definida pelo realismo social e pela pintura de cena americana, exemplificada por artistas como Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn e Thomas Hart Benton. A pintura de Edward Hopper de 1942, Nighthawks, retrata indivíduos sentados em um restaurante noturno no centro da cidade. Este trabalho não é apenas o mais renomado de Hopper, mas também se destaca como uma das peças mais icônicas da arte americana. A inspiração para a cena veio de uma lanchonete localizada no Greenwich Village. Hopper começou a pintá-lo imediatamente após o ataque a Pearl Harbor, um evento que incutiu um sentimento generalizado de desânimo nacional, que é transmitido de forma palpável na obra de arte. A rua urbana do lado de fora da lanchonete permanece deserta, enquanto no interior os três clientes parecem desligados uns dos outros, cada um absorto em suas próprias reflexões. Esta representação da existência urbana moderna caracterizada pelo vazio e pela solidão é um tema recorrente na obra de Hopper.
A pintura de Grant Wood de 1930, American Gothic, retrata um fazendeiro segurando um forcado ao lado de uma mulher mais jovem, posicionada diante de uma casa no estilo arquitetônico Carpenter Gothic. Esta obra de arte continua sendo uma das imagens mais reconhecidas na arte americana do século XX. Inicialmente, os críticos de arte, incluindo Gertrude Stein e Christopher Morley, consideraram a pintura favoravelmente, interpretando-a como um comentário satírico sobre a existência rural em uma pequena cidade. Consequentemente, foi percebido como uma contribuição para uma tendência artística mais ampla de retratos cada vez mais críticos da América rural, semelhante a obras literárias como Winesburg, Ohio, de 1919, de Sherwood Anderson, Main Street, de Sinclair Lewis, 1920, e The Tattooed Countess, de Carl Van Vechten. No entanto, com o advento da Grande Depressão, a interpretação da pintura mudou, tornando-se emblemática do inabalável espírito pioneiro americano.
Durante a década de 1930, as circunstâncias para os artistas na Europa pioraram rapidamente com a escalada do poder do regime nazista na Alemanha e em toda a Europa Oriental. O regime nazista na Alemanha cunhou o termo arte degenerada para categorizar quase toda a arte moderna, que eles consideravam não-alemã ou bolchevique judaica. Consequentemente, tal arte foi proibida e os artistas identificados como “degenerados” enfrentaram sanções severas. Estas medidas punitivas incluíram a demissão de cargos académicos, a proibição de expor ou vender o seu trabalho e, em alguns casos, a proibição total da produção artística. Em 1937, os nazistas propagaram ainda mais essa ideologia ao organizar uma exposição intitulada “Arte Degenerada” em Munique. O ambiente cada vez mais hostil para os artistas e a arte associada ao modernismo e à abstração provocou um êxodo significativo para as Américas. O proeminente artista alemão Max Beckmann, entre vários outros, procurou refúgio em Nova York. Ao mesmo tempo, na cidade de Nova Iorque, uma crescente geração de pintores modernistas inovadores, incluindo Arshile Gorky e Willem de Kooning, começava a surgir.
O retrato de Arshile Gorky, potencialmente representando Willem de Kooning, exemplifica o desenvolvimento do Expressionismo Abstrato desde as suas bases na pintura de figuras, no cubismo e no surrealismo. Colaborando com os colegas artistas Willem de Kooning e John D. Graham, Gorky inicialmente produziu composições figurativas abstratas e com formas biomorficamente. Na década de 1940, essas obras fizeram a transição para pinturas inteiramente abstratas. A obra de Gorky parece constituir uma exploração meticulosa da memória, da emoção e da forma, empregando linhas e cores para articular sentimentos e elementos naturais.
Ataques ao início do modernismo
O movimento modernista, caracterizado pela sua ênfase na liberdade de expressão, experimentação, radicalismo e primitivismo, desafiou as normas artísticas convencionais. Em várias disciplinas artísticas, isto muitas vezes se manifesta como o uso deliberado de elementos perturbadores e não convencionais, concebidos para provocar e desorientar o público. Os exemplos incluem a inquietante justaposição de motivos no surrealismo e a adoção de extrema dissonância e atonalidade nas composições musicais modernistas. O modernismo literário frequentemente implicou o abandono de narrativas coerentes ou do desenvolvimento convencional de personagens em romances, juntamente com a produção de poesia resistente à interpretação direta. Dentro da Igreja Católica, as ansiedades em torno do modernismo e do conceito de doutrina em evolução foram exacerbadas por preocupações históricas relacionadas com o protestantismo e o legado de Martinho Lutero.
A partir de 1932, o realismo socialista substituiu o modernismo na União Soviética. Anteriormente, a União Soviética apoiou o Futurismo e o Construtivismo Russos, em grande parte influenciados pelo movimento filosófico indígena do Suprematismo.
O regime nazista na Alemanha condenou o modernismo como narcisista, absurdo, "judeu" e "negro". Pinturas modernistas foram exibidas pelos nazistas ao lado de obras de indivíduos com doenças mentais em uma exposição intitulada “Arte Degenerada”. As alegações de “formalismo” podem resultar em graves repercussões profissionais, incluindo o encerramento da carreira. Consequentemente, muitos modernistas do pós-guerra viam-se como uma defesa crucial contra o totalitarismo, agindo como um “canário na mina de carvão” cuja supressão por entidades governamentais ou outras entidades autorizadas sinalizava uma ameaça mais ampla às liberdades individuais. Louis A. Sass, oferecendo uma perspectiva não fascista, traçou paralelos entre a loucura, particularmente a esquizofrenia, e o modernismo, destacando seus pontos em comum em narrativas disjuntivas, imagens surreais e incoerência inerente.
Depois de 1945
Embora a Enciclopédia Oxford de Literatura Britânica postule que o modernismo foi concluído por volta de 1939 na literatura britânica e americana, a demarcação precisa entre o declínio do modernismo e a emergência do pós-modernismo continua a ser um tema de intenso debate acadêmico, comparável às discussões em torno da mudança do vitorianismo para o modernismo. Clement Greenberg sugere que o modernismo foi em grande parte concluído na década de 1930, excluindo as artes visuais e performáticas. Por outro lado, Paul Griffiths observa que embora o modernismo na música parecesse diminuir no final da década de 1920, ele ressurgiu após a Segunda Guerra Mundial através de uma nova geração de compositores, incluindo Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen e Xenakis. Na verdade, numerosos modernistas literários permaneceram activos nas décadas de 1950 e 1960, embora a sua produção de obras significativas tenha diminuído em geral. A designação "modernismo tardio" é ocasionalmente aplicada a obras modernistas publicadas após 1930. Modernistas notáveis, ou modernistas tardios, que continuaram publicando depois de 1945 incluem Wallace Stevens, Gottfried Benn, TS Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys e Ezra Pound. Basil Bunting, nascido em 1901, publicou seu poema modernista seminal, Briggflatts, em 1965. Além disso, A Morte de Virgílio de Hermann Broch apareceu em 1945, seguido por Doutor Fausto de Thomas Mann em 1947. Samuel Beckett, cuja morte ocorreu em 1989, é frequentemente caracterizado como um "modernista posterior". Beckett, um escritor profundamente enraizado na tradição expressionista do modernismo, produziu obras das décadas de 1930 a 1980, abrangendo títulos como Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) e Rockaby (1981). Seus trabalhos posteriores também foram categorizados usando os termos “minimalista” e “pós-modernista”. Entre os escritores da segunda metade do século 20 identificados como modernistas tardios estão os poetas Charles Olson (1910–1970) e J. H. Prynne (nascido em 1936). Esta redefinição é frequentemente acompanhada pela afirmação de que os fundamentos ideológicos do modernismo foram profundamente transformados pelos acontecimentos cataclísmicos da Segunda Guerra Mundial, particularmente o Holocausto e a implantação da bomba atómica.
A era pós-guerra deixou as capitais europeias numa profunda desordem, necessitando de uma reconstrução económica e física urgente, juntamente com um realinhamento político. Em Paris, antigo epicentro da cultura europeia e capital global da arte, o ambiente artístico deteriorou-se significativamente. Colecionadores, negociantes e artistas, escritores e poetas modernistas influentes emigraram da Europa para Nova York e os Estados Unidos. Surrealistas e artistas modernos de vários centros culturais europeus procuraram refúgio nos Estados Unidos para escapar da agressão nazista. Numerosos indivíduos que não procuraram refúgio sucumbiram às condições prevalecentes. Por outro lado, um número limitado de artistas, incluindo Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard, optaram por permanecer na França e suportaram o período.
A década de 1940 na cidade de Nova York marcou a ascensão do Expressionismo Abstrato Americano, um movimento modernista que sintetizou influências de Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismo, Joan Miró, Cubismo, Fauvismo e início do modernismo, facilitado por influentes educadores americanos como Hans Hofmann e John D. Graham. Os artistas americanos ganharam significativamente com a deslocalização de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, bem como de instituições como a galeria de Pierre Matisse e a galeria de Peggy Guggenheim The Art of This Century, entre outros elementos contribuintes.
Paris, além disso, reafirmou a sua proeminência nas décadas de 1950 e 1960 como epicentro do florescimento da arte mecânica atraindo proeminentes escultores de arte mecânica Jean Tinguely e Nicolas Schöffer, que estabeleceram suas carreiras na cidade. Este ressurgimento artístico, dada a natureza tecnocêntrica da sociedade contemporânea, deverá exercer um impacto sustentado e significativo.
Teatro do Absurdo
O termo "Teatro do Absurdo" designa um género de peças, de autoria principalmente de europeus, que articulam a convicção filosófica de que a existência humana carece de significado ou propósito inerente, levando a uma ruptura na comunicação. Consequentemente, o discurso e a argumentação racionais são suplantados pela expressão irracional e ilógica, culminando no silêncio. Embora existam antecedentes notáveis, como Alfred Jarry (1873–1907), o Teatro do Absurdo é comumente considerado como tendo se originado na década de 1950 com as obras dramáticas de Samuel Beckett.
O crítico Martin Esslin introduziu esta nomenclatura em seu ensaio de 1960 "Teatro do Absurdo". Ele conectou essas obras dramáticas através de um tema difundido do absurdo, traçando paralelos com o uso do conceito por Albert Camus em seu ensaio de 1942, O Mito de Sísifo. Dentro destas produções teatrais, o Absurdo manifesta-se como a resposta da humanidade a um mundo aparentemente sem sentido, ou como indivíduos manipulados ou ameaçados por forças externas invisíveis. Embora esta designação abranja uma gama diversificada de obras dramáticas, várias características recorrentes são frequentemente observadas: extensos elementos cômicos, muitas vezes reminiscentes do vaudeville, justapostos com imagens horríveis ou trágicas; protagonistas presos em circunstâncias fúteis, obrigados a envolver-se em ações repetitivas ou sem propósito; diálogo repleto de clichês, jogos linguísticos e discurso ilógico; estruturas narrativas que são cíclicas ou excessivamente extensas; e uma imitação satírica ou uma rejeição total do realismo e da estrutura convencional de "peça bem feita". Dramaturgos proeminentes frequentemente ligados ao Teatro do Absurdo incluem Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (1937-2025), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nascido em 1929), Fernando Arrabal (nascido em 1932), Václav Havel (1936–2011) e Edward Albee (1928–2016).
Pollock e influências abstratas
Durante o final da década de 1940, a abordagem radical de Jackson Pollock à pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea subsequente. Pollock reconheceu que o processo criativo era tão crucial quanto a própria obra de arte finalizada. Semelhante às inovações de Pablo Picasso na pintura e escultura do início do século XX através do cubismo e das formas construídas, Pollock redefiniu as metodologias de produção artística. Seu afastamento da pintura de cavalete e das práticas convencionais serviu como um sinal libertador para os artistas de sua época e para os que se seguiram. Os artistas observaram que o processo de Pollock - que envolvia colocar tela crua não esticada no chão para um envolvimento multidirecional com materiais artísticos e industriais, empregando técnicas como gotejamento e arremesso de meadas de tinta lineares, desenho, coloração e pincel, e incorporando imagens e não imagens - expandiu fundamentalmente os limites da produção artística. O Expressionismo Abstrato, como movimento, geralmente ampliou e desenvolveu as definições e possibilidades disponíveis aos artistas para a criação de novas obras.
Outros Expressionistas Abstratos posteriormente se basearam nas descobertas fundamentais de Pollock com seus próprios avanços significativos. As inovações coletivas de artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell e Peter Voulkos, entre outros, iniciaram efetivamente uma era de diversidade e alcance sem precedentes nos movimentos artísticos subsequentes. No entanto, reavaliações críticas da arte abstrata por historiadoras da arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher demonstraram que mulheres artistas pioneiras, que fizeram contribuições substanciais para a arte moderna, foram frequentemente omitidas das narrativas históricas convencionais.
Figuras internacionais da arte britânica
Henry Moore (1898–1986) ganhou destaque como o principal escultor britânico na era pós-Segunda Guerra Mundial. Ele ganhou amplo reconhecimento por suas esculturas de bronze semi-abstratas monumentais, muitas das quais são exibidas globalmente como obras de arte públicas. As formas características de Moore são tipicamente abstrações da figura humana, frequentemente retratando mãe e filho ou sujeitos reclinados, muitas vezes evocando a forma feminina, com exceção de um período na década de 1950 em que ele se concentrou em grupos familiares. Essas esculturas geralmente apresentam perfurações ou incorporam seções ocas.
Durante a década de 1950, Moore começou a garantir encomendas cada vez mais prestigiadas, como uma figura reclinada para o edifício da UNESCO em Paris em 1958. À medida que empreendeu numerosos projetos adicionais de arte pública, a escala monumental das esculturas de Moore expandiu-se consideravelmente. As últimas três décadas da carreira de Moore mantiveram esta trajetória, marcada por diversas retrospectivas internacionais significativas, incluindo uma notável exposição no verão de 1972 no Forte di Belvedere, com vista para Florença. No final da década de 1970, aproximadamente 40 exposições exibiam anualmente sua obra. No campus da Universidade de Chicago, em dezembro de 1967, precisamente 25 anos depois de a equipe de físicos de Enrico Fermi ter conseguido a primeira reação em cadeia nuclear controlada e autossustentável, a Energia Nuclear de Moore foi revelada. Também em Chicago, Moore comemorou conquistas científicas com um substancial relógio de sol de bronze, conhecido localmente como O Homem Entra no Cosmos (1980), que foi encomendado para reconhecer o programa de exploração espacial.
A "Escola de Londres" de pintores figurativos, composta por artistas como Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (1931–2024), Leon Kossoff (1926–2019) e Michael Andrews (1928–1995) receberam grande aclamação internacional.
Francis Bacon, um pintor figurativo britânico nascido na Irlanda, era conhecido por suas imagens ousadas, gráficas e emocionalmente cruas. Seu estilo distinto apresentava figuras pictóricas, porém abstratas, normalmente isoladas em invólucros geométricos de vidro ou aço, contra fundos planos e indefinidos. Bacon começou a pintar aos vinte e poucos anos, mas trabalhou esporadicamente até meados dos trinta. Sua descoberta ocorreu com o tríptico Três estudos para figuras na base de uma crucificação, de 1944, que solidificou sua reputação como um cronista excepcionalmente sombrio da condição humana. Sua obra pode ser amplamente descrita como compreendendo sequências ou variações de motivos consistentes: cabeças masculinas isoladas em salas da década de 1940, papas gritando no início da década de 1950 e animais ou figuras solitárias suspensas em estruturas geométricas durante meados e finais da década de 1950. Estas foram sucedidas por suas interpretações modernas da crucificação em forma de tríptico, no início dos anos 1960. De meados da década de 1960 ao início da década de 1970, Bacon produziu principalmente retratos de amigos surpreendentemente compassivos. Após o suicídio de seu amante, George Dyer, em 1971, sua arte tornou-se mais pessoal, introspectiva e preocupada com temas de morte. Ao longo de sua vida, o trabalho de Bacon gerou repulsa significativa e aclamação generalizada. Lucian Freud, um pintor britânico nascido na Alemanha, foi reconhecido principalmente por seus retratos e pinturas de figuras densamente empastadas, e foi amplamente considerado o artista britânico preeminente de seu tempo. Suas obras são conhecidas por sua profunda penetração psicológica e pelo exame muitas vezes inquietante da relação entre artista e modelo. De acordo com William Grimes do The New York Times, "Lucien Freud e seus contemporâneos transformaram a pintura de figuras no século 20. Em pinturas como Girl with a White Dog (1951-1952), Freud empregou a linguagem pictórica da pintura tradicional europeia para servir a um estilo de retrato anti-romântico e de confronto que desnudava a fachada social do modelo. Pessoas comuns - muitas delas seus amigos - olhavam olhos arregalados da tela, vulneráveis à inspeção implacável do artista."
Seguindo o Expressionismo Abstrato
Durante as décadas de 1950 e 1960, a pintura abstrata viu o surgimento de diversas novas direções, como a pintura de ponta e outras formas de abstração geométrica. Estes desenvolvimentos apareceram em estúdios de artistas e em círculos radicais de vanguarda, muitas vezes como uma reação contra o subjetivismo do Expressionismo Abstrato. Clement Greenberg tornou-se um defensor proeminente da abstração pós-pintura, curando uma exposição influente de novas pinturas que percorreu os principais museus de arte dos Estados Unidos em 1964. Esta era marcou a ascensão da pintura de campo colorido, da pintura de ponta e da abstração lírica como novos movimentos artísticos significativos.
No final da década de 1960, o pós-minimalismo, a arte processual e a Arte Povera também surgiram como conceitos e movimentos revolucionários. Estes abrangiam a pintura e a escultura, manifestando-se através da abstração lírica, do movimento pós-minimalista e da arte conceitual inicial. A arte processual, inspirada em Pollock, permitiu aos artistas experimentar e utilizar uma ampla gama de estilos, conteúdos, materiais, posicionamentos, percepções temporais, elementos aplásticos e espaço real. Um grupo de artistas mais jovens, incluindo Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz e Peter Reginato, ganharam destaque durante este período modernista tardio, que promoveu o florescimento da arte no final dos anos 1960.
Pop Art
Em 1962, a Galeria Sidney Janis apresentou Os Novos Realistas, marcando a significativa exposição inaugural de um grupo de arte pop realizada em uma galeria de arte na parte alta da cidade de Nova York. Esta exposição foi apresentada por Janis em uma loja na 57th Street, adjacente ao espaço principal de sua galeria. A exposição influenciou significativamente a Escola de Nova York e o cenário artístico internacional mais amplo. Antes disso, na Inglaterra, em 1958, Lawrence Alloway cunhou o termo "Pop Art" para caracterizar pinturas que refletiam a cultura de consumo predominante no período pós-Segunda Guerra Mundial. Este movimento artístico divergiu do Expressionismo Abstrato, que enfatizava a introspecção hermenêutica e psicológica, abraçando em vez disso representações da cultura material de consumo, da publicidade e da iconografia da era da produção em massa. Exemplos seminais desse movimento incluem os primeiros trabalhos de David Hockney, ao lado de criações de Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi, notadamente o inovador I was a Rich Man's Plaything de 1947. Ao mesmo tempo, na cena do centro de East Village de Nova York, especificamente entre as galerias da 10th Street, os artistas estavam desenvolvendo uma iteração americana da arte pop. Claes Oldenburg operava seu próprio espaço de exposição, enquanto a Green Gallery na 57th Street começou a exibir as obras de Tom Wesselmann e James Rosenquist. Posteriormente, Leo Castelli exibiu obras de outros artistas americanos proeminentes, incluindo Andy Warhol e Roy Lichtenstein, ao longo da maior parte de suas respectivas carreiras. Existe uma conexão discernível entre as obras radicais e humorísticamente rebeldes dos dadaístas Marcel Duchamp e Man Ray, e as criações de artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, cujas pinturas muitas vezes reproduzem a estética dos pontos de Ben-Day, uma técnica empregada na reprodução comercial.
Minimalismo
O minimalismo abrange movimentos artísticos e de design, particularmente nas artes visuais e na música, onde os profissionais visam revelar a essência ou identidade fundamental de um assunto, removendo sistematicamente todas as formas, características ou elementos conceituais não essenciais. Fundamentalmente, o minimalismo representa qualquer abordagem de design ou estilística que emprega o menor número de elementos simples para alcançar o impacto mais profundo.
Como um movimento artístico distinto, o minimalismo está principalmente associado ao desenvolvimento da arte ocidental pós-Segunda Guerra Mundial, particularmente às artes visuais americanas durante os anos 1960 e início dos anos 1970. Os principais artistas ligados a este movimento incluem Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt e Frank Stella. As suas origens residem nos princípios reducionistas do modernismo e é frequentemente interpretada como uma contra-reação ao Expressionismo Abstrato e uma fase de transição que conduz às práticas artísticas pós-mínimas. No início da década de 1960, o minimalismo materializou-se como um movimento de arte abstrata, enraizado na abstração geométrica de Kazimir Malevich, da Bauhaus e de Piet Mondrian. Rejeitou explicitamente a pintura relacional e subjetiva, as superfícies intrincadas características do Expressionismo Abstrato e o zeitgeist emocional e o discurso polêmico predominantes na pintura de ação. Os defensores do minimalismo argumentavam que a extrema simplicidade era suficiente para transmitir toda a representação sublime necessária na arte. O minimalismo é conceituado de várias maneiras, seja como um precursor do pós-modernismo ou como um movimento pós-moderno por direito próprio. Nesta última perspectiva, o Minimalismo inicial produziu obras modernistas avançadas; no entanto, o movimento divergiu parcialmente desta trajetória quando certos artistas, como Robert Morris, mudaram para o movimento antiforma.
No seu ensaio The Crux of Minimalism, Hal Foster analisa como Donald Judd e Robert Morris, através das suas definições publicadas de minimalismo, reconhecem e transcendem o modernismo greenbergiano. Foster postula que o minimalismo não representa um “beco sem saída” para o modernismo, mas antes constitui uma “mudança de paradigma em direção às práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje”.
Música minimalista
O escopo desses termos se ampliou para abranger um movimento musical caracterizado pela repetição e iteração, exemplificado nas composições de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass e John Adams. Composições minimalistas são ocasionalmente chamadas de música de sistemas. A designação "música minimalista" normalmente descreve um estilo musical que surgiu na América durante o final dos anos 1960 e 1970, inicialmente associado a esses compositores específicos. O movimento minimalista envolveu principalmente essas figuras, ao lado de outros pioneiros menos proeminentes, como Pauline Oliveros, Phill Niblock e Richard Maxfield. Na Europa, compositores notáveis nesta esfera incluem Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt e John Tavener.
Pós-minimalismo
No final da década de 1960, Robert Pincus-Witten introduziu o termo "pós-minimalismo" para caracterizar a arte derivada do minimalismo, mas incorporando conteúdo e nuances contextuais que o próprio minimalismo evitou. Pincus-Witten aplicou este termo às obras de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novas criações de antigos minimalistas, incluindo Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va. Por outro lado, outros minimalistas, como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin e John McCracken, continuaram a produzir pinturas e esculturas modernistas tardias ao longo de suas carreiras.
Posteriormente, vários artistas adotaram o mínimo ou pós-mínimo. estética, muitas vezes levando à sua classificação sob o rótulo "pós-moderno".
Colagem, montagem e instalações
Um desenvolvimento ligado ao Expressionismo Abstrato foi a integração de itens manufaturados com materiais artísticos tradicionais, divergindo das convenções estabelecidas de pintura e escultura. A obra de Robert Rauschenberg exemplifica esta tendência; suas "combinações" da década de 1950, que incorporavam montagens de objetos físicos substanciais, como bichos de pelúcia, pássaros e fotografias comerciais, serviram como precursores da arte pop e da arte de instalação. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine e Edward Kienholz foram pioneiros fundamentais tanto na abstração quanto na pop art. Ao estabelecer novas convenções artísticas, legitimaram a inclusão radical de materiais não convencionais nos círculos sérios da arte contemporânea. Joseph Cornell, outro inovador em colagem, criou obras em escala mais íntima, consideradas radicais devido à sua iconografia pessoal distinta e à utilização de objetos encontrados.
Neo-Dada
Em 1917, Marcel Duchamp apresentou um mictório, intitulado Fonte, como escultura para a exposição inaugural da Sociedade de Artistas Independentes, realizada no Grand Central Palace, em Nova York. Afirmou a sua intenção de que o urinol fosse percebido como uma obra de arte, declarando-o como tal. Esta peça, assinada com o pseudônimo "R. Mutt", também exemplifica o que Duchamp mais tarde denominou "readymades". Esta obra e outras criações de Duchamp são geralmente categorizadas como dadaístas. Duchamp é considerado um precursor da arte conceitual, com outros exemplos proeminentes, incluindo 4′33″ de John Cage, uma composição de quatro minutos e trinta e três segundos de silêncio, e Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg. Muitas obras conceituais postulam que a arte surge da percepção que o espectador tem de um objeto ou ato como arte, e não das qualidades intrínsecas da própria obra. Ao selecionar "um artigo comum da vida" e gerar "um novo pensamento para esse objeto", Duchamp convidou os observadores a interpretar a Fonte como uma escultura.
Marcel Duchamp abandonou a "arte" para se dedicar ao xadrez. O compositor vanguardista David Tudor, em colaboração com Lowell Cross, criou a peça Reunion (1968), que apresenta um jogo de xadrez onde cada movimento desencadeia um efeito de iluminação ou projeção específico. Duchamp e Cage participaram do jogo durante a estreia da obra.
Steven Best e Douglas Kellner identificam Rauschenberg e Jasper Johns como figuras-chave em uma fase de transição, influenciada por Duchamp, unindo modernismo e pós-modernismo. Ambos os artistas incorporaram imagens de objetos comuns, ou dos próprios objetos, em seus trabalhos, mantendo simultaneamente a abstração e os gestos pictóricos característicos do alto modernismo.
Desempenho e acontecimentos
No final dos anos 1950 e 1960, artistas de diversas origens expandiram o escopo da arte contemporânea. Figuras-chave na arte performática incluíram Yves Klein na França; Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono na cidade de Nova York; e Joseph Beuys, Wolf Vostell e Nam June Paik na Alemanha. Esforços colaborativos, como os do The Living Theatre, liderado por Julian Beck e Judith Malina, envolveram escultores e pintores na criação de ambientes imersivos, alterando fundamentalmente a dinâmica entre o público e o artista, particularmente evidente no seu trabalho Paradise Now. Da mesma forma, o Judson Dance Theatre, situado na Judson Memorial Church de Nova York, viu dançarinos como Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs e Steve Paxton colaborarem com artistas como Robert Morris, Robert Whitman, John Cage e Robert Rauschenberg, ao lado de engenheiros como Billy Klüver. A Park Place Gallery também serviu como um local significativo para apresentações musicais dos compositores eletrônicos Steve Reich e Philip Glass, bem como de outros artistas performáticos proeminentes, incluindo Joan Jonas.
Essas performances constituíram uma nova forma de arte, integrando escultura, dança e som, incorporando frequentemente o envolvimento do público. Eles foram definidos pelos princípios reducionistas da filosofia minimalista e pela improvisação espontânea e pelas qualidades expressivas do Expressionismo Abstrato. Embora fotografias de performances de Schneemann, como Interior Scroll, que visavam provocar choque no público, sejam às vezes usadas para exemplificar esse gênero, a filosofia da arte performática modernista geralmente se opõe a tal documentação. Os artistas performáticos afirmam que o próprio ato ao vivo constitui o meio, tornando a mídia externa incapaz de ilustrá-lo verdadeiramente. Performance is inherently transient, ephemeral, and intimate, not intended for capture. As representações da arte performática através de imagens, vídeos ou narrativas impõem inevitavelmente perspectivas espaciais ou temporais específicas e são limitadas pelas limitações inerentes aos seus respectivos meios. Consequentemente, os artistas afirmam que as gravações não representam adequadamente a performance como forma de arte. Ao mesmo tempo, os artistas de vanguarda desenvolveram 'Happenings', que eram muitas vezes reuniões enigmáticas, espontâneas e improvisadas envolvendo artistas, seus conhecidos e familiares em locais designados. Esses eventos frequentemente incorporavam elementos de absurdo, envolvimento físico, fantasias, nudez improvisada e ações aparentemente desconexas ou aleatórias. Figuras proeminentes na criação de Happenings incluíram Allan Kaprow, que cunhou o termo em 1958, ao lado de Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.
Intermídia e Multimídia
Uma trajetória artística distinta ligada ao pós-modernismo envolve a integração de múltiplas mídias. O termo 'Intermedia', cunhado por Dick Higgins, descreve formas de arte emergentes como Fluxus, poesia concreta, objetos encontrados, arte performática e arte computacional. Higgins, poeta concreto, editor da Something Else Press, marido da artista Alison Knowles e admirador de Marcel Duchamp, influenciou significativamente esse conceito. Ihab Hassan identifica “Intermídia, a fusão de formas, a confusão de reinos” como uma característica definidora da arte pós-moderna. A videoarte, utilizando fitas de vídeo e monitores CRT, representa uma forma predominante de expressão multimídia. Embora o conceito teórico de sintetizar várias artes seja antigo e tenha visto ressurgimento periódico, a sua iteração pós-moderna frequentemente funde-se com a arte performática. Neste contexto, a narrativa dramática é muitas vezes menos enfatizada, colocando em primeiro plano as declarações específicas do artista ou a base conceptual das suas ações.
Fluxus
Fluxus, um movimento nomeado e vagamente estruturado em 1962 pelo artista americano nascido na Lituânia George Maciunas (1931–1978), originou-se das aulas de Composição Experimental de John Cage ministradas na The New School for Social Research em Nova York entre 1957 e 1959. Muitos participantes das aulas de Cage eram artistas de diversas origens midiáticas com treinamento musical formal limitado ou nenhum. Estudantes notáveis que se tornaram membros fundadores do Fluxus incluíam Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.
A Fluxus defendeu uma estética de autoprodução e priorizou a simplicidade em detrimento de designs complexos. Ecoando o seu antecessor, Dada, o Fluxus manteve uma postura pronunciada anti-comercial e anti-arte, criticando o establishment artístico convencional, orientado para o mercado, em favor de uma metodologia criativa centrada no artista. Os artistas do Fluxus preferiam a utilização de materiais prontamente disponíveis, engajando-se na criação independente ou em empreendimentos artísticos colaborativos com seus pares.
Andreas Huyssen critica os esforços para categorizar o Fluxus dentro do pós-modernismo, caracterizando-o como "o código mestre do pós-modernismo ou o movimento artístico irrepresentável - por assim dizer, o sublime do pós-modernismo". Por outro lado, Huyssen postula o Fluxus como uma manifestação neodadaísta significativa inserida na linhagem de vanguarda mais ampla. Embora não signifique uma progressão substancial nas metodologias artísticas, ainda assim articulou um desafio contra "a cultura administrada da década de 1950, na qual um modernismo moderado e domesticado serviu como suporte ideológico para a Guerra Fria".
Música Popular de Vanguarda
O modernismo manteve uma relação controversa com as formas musicais populares, tanto estrutural como esteticamente, muitas vezes rejeitando completamente a cultura popular. No entanto, compositores como Stravinsky incorporaram expressões idiomáticas do jazz em composições, incluindo "Ragtime" de sua obra teatral Histoire du Soldat de 1918 e Concerto de Ébano de 1945.
Durante a década de 1960, à medida que a música popular ascendia em significado cultural e desafiava sua classificação como mero entretenimento comercial, os artistas buscavam cada vez mais inspiração na vanguarda do pós-guerra. Em 1959, o produtor Joe Meek gravou I Hear a New World (lançado em 1960), um trabalho descrito por Jonathan Patrick de Tiny Mix Tapes' como um "momento seminal tanto na música eletrônica quanto na história do pop de vanguarda [...] uma coleção de vinhetas pop sonhadoras, adornadas com ecos dubby e gavinhas sônicas distorcidas em fita", apesar de sua falta inicial de reconhecimento generalizado. Outros exemplos iniciais de composições de vanguarda incluem a faixa "Tomorrow Never Knows" dos Beatles, de 1966, que integrou elementos de música concreta, métodos de composição de vanguarda, música indiana e manipulação de som eletroacústica em uma estrutura pop de três minutos, e a síntese do The Velvet Underground dos conceitos de música minimalista e drone de La Monte Young, poesia beat e arte pop dos anos 1960.
Período Atrasado
As trajetórias do expressionismo abstrato, da pintura de campo colorido, da abstração lírica, da abstração geométrica, do minimalismo, do ilusionismo abstrato, da arte processual, da arte pop, do pós-minimalismo e de outros movimentos modernistas do final do século XX, tanto na pintura quanto na escultura, estenderam-se até a década inicial do século XXI, estabelecendo assim direções inovadoras dentro dessas disciplinas artísticas.
Entrando no século XXI, artistas consagrados proeminentes, incluindo Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz e Philip Pearlstein, ao lado de um grupo de profissionais mais jovens, como Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand e Susan Crile mantiveram sua produção de pinturas e esculturas significativas e impactantes.
Arquitetura Moderna
Inúmeros arranha-céus em Hong Kong e Frankfurt inspiram-se em Le Corbusier e em princípios arquitetônicos modernistas mais amplos. Seu estilo distinto continua a informar o design arquitetônico em todo o mundo.
Modernismo na Ásia
O estudioso William J. Tyler observa que os termos "modernismo" e "modernista" só recentemente foram integrados ao discurso inglês padrão relativo à literatura japonesa moderna, e persistem questões sobre sua aplicabilidade genuína em comparação com o modernismo da Europa Ocidental. Tyler considera isso peculiar, dada a prosa distintamente moderna evidente nas obras de autores japoneses proeminentes, como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu e Jun'ichirō Tanizaki. Por outro lado, acadêmicos especializados em artes visuais e plásticas, arquitetura e poesia adotaram prontamente "modanizumu" como um conceito central para analisar e caracterizar a cultura japonesa durante as décadas de 1920 e 1930. Dentro da fotografia japonesa, um movimento modernista denominado Shinkō shashin ("Nova Fotografia") se materializou por volta de 1930, inspirando-se na Neue Sachlichkeit (Nova Objetividade) e no Surrealismo da Alemanha. Neste contexto, o poeta e fotógrafo Kansuke Yamamoto cultivou uma abordagem artística de influência surrealista que se envolveu com o modernismo internacional. Em 1924, vários escritores japoneses emergentes, incluindo Kawabata e Riichi Yokomitsu, lançaram o jornal literário Bungei Jidai ("A Era Artística"). Esta publicação foi parte integrante de um movimento de 'arte pela arte', que absorveu influências do cubismo europeu, do expressionismo, do dadaísmo e de outras estéticas modernistas.
Kenzō Tange (1913–2005), um arquiteto modernista japonês, é uma das figuras mais influentes do século XX, conhecido por integrar a estética tradicional japonesa com princípios modernistas e por projetar estruturas significativas nos cinco continentes. Tange também serviu como um defensor proeminente do movimento Metabolista. Ele articulou seu desenvolvimento conceitual, afirmando: “Foi, creio, por volta de 1959 ou no início dos anos 60 que comecei a pensar sobre o que mais tarde chamaria de estruturalismo”. No início de sua carreira, Tange foi significativamente influenciado pelo modernista suíço Le Corbusier. Sua fama internacional começou em 1949, quando garantiu a vitória no concurso para o projeto do Parque Memorial da Paz de Hiroshima. Na China, os "Novos Sensacionistas" (新感覺派, Xīn Gǎnjué Pài) constituíram um coletivo de escritores baseados em Xangai, ativos durante as décadas de 1930 e 1940. Este grupo exibiu diversos níveis de influência do modernismo ocidental e japonês. Sua produção literária priorizou temas relacionados ao inconsciente e considerações estéticas em detrimento de preocupações socioeconômicas. Membros notáveis deste grupo incluíam Mu Shiying e Shi Zhecun.
Na Índia, o Grupo de Artistas Progressistas, situado principalmente em Mumbai, surgiu em 1947 como um coletivo de artistas modernos. Apesar de não aderir a uma abordagem estilística singular, o grupo integrou tradições artísticas indianas com influências europeias e norte-americanas do início a meados do século XX, abrangendo movimentos como o Pós-Impressionismo, o Cubismo e o Expressionismo.
Modernismo em África
Peter Kalliney postula que os conceitos modernistas, particularmente a autonomia estética, desempenharam um papel fundamental na literatura de descolonização na África anglófona. Ele afirma que escritores como Rajat Neogy, Christopher Okigbo e Wole Soyinka adaptaram interpretações modernistas da autonomia estética para afirmar a sua libertação da subjugação colonial, dos sistemas de discriminação racial e até mesmo do nascente estado pós-colonial.
Relação com o pós-modernismo
No início da década de 1980, o movimento pós-moderno na arte e na arquitetura solidificou a sua presença através de diversas abordagens conceituais e intermediais. O surgimento do pós-modernismo na música e na literatura, entretanto, é anterior a esse período. Na música, uma obra de referência caracteriza o pós-modernismo como um “termo introduzido na década de 1970”. Por outro lado, na literatura britânica, A Enciclopédia Oxford de Literatura Britânica sugere que o modernismo começou a "ceder a sua predominância ao pós-modernismo" já em 1939. No entanto, a cronologia precisa permanece altamente controversa, especialmente dada a observação de Andreas Huyssen de que "o pós-modernismo de um crítico é o modernismo de outro crítico". Esta perspectiva abrange estudiosos que criticam a demarcação estrita entre os dois movimentos, vendo-os, em vez disso, como facetas interligadas de uma trajetória contínua, e que sustentam que o modernismo tardio persiste.
O modernismo serve como uma designação abrangente que abrange um amplo espectro de movimentos culturais. Em contraste, o pós-modernismo representa fundamentalmente um movimento centralizado e autoidentificado, enraizado na teoria sócio-política. No entanto, o termo "pós-modernismo" é agora aplicado de forma mais ampla para descrever atividades culturais a partir do século XX que demonstram uma consciência e uma reinterpretação do moderno.
A teoria pós-moderna postula que qualquer tentativa retrospectiva de canonizar o modernismo leva inerentemente a contradições irreconciliáveis. Uma divergência fundamental entre o pós-modernismo e o modernismo reside nas suas respectivas visões sobre a existência da verdade, uma vez que o pós-modernismo critica qualquer afirmação de uma verdade singular e discernível. Enquanto os modernistas exploram a verdade através de vários quadros teóricos (por exemplo, correspondência, coerência, pragmatismo, semântica), os pós-modernistas adoptam uma abordagem negativa, desafiando a própria possibilidade de uma verdade acessível.
Mais especificamente, nem todos os elementos modernistas eram inerentemente pós-modernistas. Aspectos do modernismo que enfatizavam as vantagens da racionalidade e do avanço sociotecnológico permaneceram exclusivamente modernistas.
As respostas modernistas ao pós-modernismo abrangem movimentos como o remodernismo, que repudia o cinismo e as tendências desconstrutivas da arte pós-moderna, defendendo, em vez disso, um ressurgimento dos primeiros princípios estéticos modernistas.
Críticas da Modernidade Tardia
Enquanto o modernismo artístico geralmente se opunha aos princípios capitalistas como o consumismo, a sociedade civil do século XX adoptou cada vez mais a produção global em massa e a disponibilidade generalizada de bens acessíveis. Esta fase da evolução social, denominada “tardia” ou “alta modernidade”, surgiu principalmente nas nações ocidentais avançadas. Jürgen Habermas, um sociólogo alemão, apresentou a crítica inicial significativa à cultura da modernidade tardia no seu trabalho de 1981, A Teoria da Acção Comunicativa. Outra crítica fundamental desta época é a publicação de George Ritzer de 1993, A McDonaldização da Sociedade, na qual o sociólogo americano detalha a influência generalizada da cultura de consumo de fast-food durante a modernidade tardia. Além disso, vários estudiosos ilustraram a integração de elementos modernistas no cinema popular e, posteriormente, em vídeos musicais. O design modernista também permeou a cultura popular dominante, com formas simplificadas e estilizadas ganhando destaque, frequentemente ligadas a aspirações de um futuro de alta tecnologia e da era espacial.
Em 2008, Janet Bennett contribuiu com Modernity and Its Critics para o The Oxford Handbook of Political Theory. A convergência de manifestações da cultura modernista orientadas para o consumidor e de alto nível alterou fundamentalmente o conceito de "modernismo". Esta transformação sugeriu inicialmente que um movimento fundado no repúdio da tradição tinha evoluído para uma tradição. Em segundo lugar, revelou uma menor clareza na distinção entre culturas modernistas de elite e culturas consumistas de massa. A institucionalização do modernismo atingiu um ponto em que foi considerado "pós-vanguarda", significando uma perda do seu ímpeto revolucionário. Numerosos estudiosos interpretaram esta mudança como a gênese da era pós-moderna. Por outro lado, figuras como o crítico de arte Robert Hughes viam o pós-modernismo como uma continuação do modernismo.
Os movimentos "anti-modernos" ou "contra-modernos" defendem o holismo, a interconexão e a espiritualidade como corretivos ao modernismo. Estes movimentos consideram o modernismo como reducionista, limitando assim a sua capacidade de discernir fenómenos sistémicos e emergentes.
Artistas tradicionalistas, como Alexander Stoddart, rejeitam amplamente o modernismo como o resultado de "uma época de dinheiro falso aliado a uma cultura falsa".
O impacto do modernismo tem sido mais pronunciado e duradouro em certos domínios do que noutros. A arte visual, por exemplo, demonstrou a ruptura mais abrangente com os seus precedentes históricos. A maioria dos grandes centros urbanos possui museus dedicados à arte moderna, distinguindo-a da arte pós-renascentista, que se estende por aproximadamente c. 1400 a c. 1900. Exemplos notáveis incluem o Museu de Arte Moderna de Nova York, a Pinakothek der Moderne em Munique, a Tate Modern em Londres e o Centro Pompidou em Paris. Estas instituições normalmente não diferenciam entre as fases modernista e pós-moderna, vendo ambas como desenvolvimentos integrais dentro do âmbito mais amplo da arte moderna.
Notas de rodapé
Notas de rodapé
Referências
Fontes
- Barth, John (1979) The Literature of Replenishment, posteriormente reeditado em The Friday Book (1984).
- Eco, Umberto (1990) Interpreting Serials, em The Limits of Interpretation, páginas 83–100, trecho arquivado em 21 de julho de 2011, na Wayback Machine.
- Everdell, William R. (1997) Os Primeiros Modernos: Perfis nas Origens do Pensamento do Século XX (Chicago: University of Chicago Press).
- Orton, Fred e Pollock, Griselda (1996) Avant-Gardes and Partisans Reviewed, Universidade de Manchester.
- Steiner, George (1998) Depois de Babel, capítulo 6, Topologias da Cultura, 3ª edição revisada.
- Berman, Art (1994) Prefácio ao Modernismo. Imprensa da Universidade de Illinois.
- Ballard, J. G., sobre o Modernismo.
- Denzer, Anthony S., PhD, Mestres do Modernismo.
- Hoppé, E. O., fotógrafo, modernistas eduardianos.
- Malady of Writing: Modernism You Can Dance To, um programa de rádio online que apresenta uma perspectiva humorística sobre o Modernismo.
- Laboratório de Modernismo na Universidade de Yale.
- Modernismo/Modernidade, a publicação oficial da Associação de Estudos Modernistas.
- Modernismo versus Pós-modernismo.
- Tobolczyk, Marta (2021). Arquitetura Contemporânea: A Gênese e as Características das Principais Tendências (PDF). Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing. ISBN 978-1-5275-7039-9. Arquivado do original (PDF) em 14 de janeiro de 2025. Obtido em 27 de outubro de 2024.Fonte: Arquivo da TORIma Academia