Conceptual art

Arte conceitual, também conhecida como conceitualismo, denota uma prática artística onde os conceitos ou ideias subjacentes são priorizados igualmente ou acima das considerações estéticas, técnicas e materiais tradicionais. Algumas obras de arte conceituais podem ser realizadas por qualquer pessoa simplesmente seguindo um conjunto de instruções escritas. Esta metodologia foi fundamental para a definição de arte conceitual do artista americano Sol LeWitt, que foi uma das primeiras a ser publicada:

Na arte conceitual, a ideia ou conceito constitui o aspecto mais crucial do trabalho. Quando um artista emprega uma forma artística conceitual, todo o planejamento e decisões são feitos antecipadamente, tornando a execução um assunto superficial. A ideia funciona assim como um mecanismo gerador da arte.

Tony Godfrey, autor de Arte Conceitual (Arte e Idéias) (1998), afirma que a arte conceitual questiona fundamentalmente a natureza da arte. Esta noção foi elevada por Joseph Kosuth a uma definição da própria arte no seu seminal manifesto inicial de arte conceptual, Art after Philosophy (1969). A ideia de que a arte deveria examinar a sua própria essência já era um elemento potente da visão do influente crítico de arte Clement Greenberg para a arte moderna durante a década de 1950. No entanto, com o surgimento da arte exclusivamente baseada na linguagem na década de 1960, artistas conceituais como Art & Language, Joseph Kosuth (que se tornou o editor americano da Art-Language) e Lawrence Weiner iniciaram um questionamento da arte muito mais radical do que havia sido possível anteriormente. Um aspecto principal que eles desafiaram foi a suposição comum de que o papel do artista era criar tipos específicos de objetos materiais.

Através de sua associação com os Jovens Artistas Britânicos e o Prêmio Turner durante a década de 1990, a "arte conceitual" de uso popular, especialmente no Reino Unido, passou a significar toda a arte contemporânea que não emprega habilidades tradicionais de pintura e escultura. Uma razão para a associação do termo com diversas práticas contemporâneas, muito distantes dos seus objectivos e formas originais, reside na dificuldade inerente de definir o próprio termo. Como o artista Mel Bochner sugeriu já em 1970, ao explicar a sua antipatia pelo epíteto “conceitual”, nem sempre é totalmente claro a que se refere “conceito”, e corre o risco de ser confundido com “intenção”. Portanto, ao descrever ou definir uma obra de arte como conceitual, é crucial não confundir o que é denominado “conceitual” com a “intenção” do artista.

Precursores históricos

O artista francês Marcel Duchamp influenciou significativamente os conceitualistas, fornecendo-lhes exemplos de obras prototipicamente conceituais, como seus readymades. O mais famoso dos readymades de Duchamp foi Fountain (1917), um urinol padrão assinado pelo artista com o pseudônimo "R. Mutt" e submetido para inclusão na exposição anual sem júri da Sociedade de Artistas Independentes de Nova York (que o rejeitou). As convenções artísticas tradicionais normalmente não classificam um objeto comum (como um mictório) como arte porque não é criado por um artista com intenção artística nem é único ou feito à mão. A relevância e importância teórica de Duchamp para futuros "conceitualistas" foram posteriormente reconhecidas pelo artista americano Joseph Kosuth em seu ensaio de 1969, Art after Philosophy, onde ele afirmou: "Toda arte (depois de Duchamp) é conceitual (em natureza) porque a arte só existe conceitualmente." ser fisicamente criado, mas ainda assim poderia fornecer recompensas estéticas por meio da contemplação intelectual. Este conceito, também denominado Art esthapériste (ou "estética infinita"), derivou dos infinitesimais de Gottfried Wilhelm Leibniz - quantidades que não poderiam realmente existir, exceto conceitualmente. A partir de 2013, a atual encarnação do movimento isouiano, o Excoördismo, define-se como a arte do infinitamente grande e do infinitamente pequeno.

Origens

Em 1961, o filósofo e artista Henry Flynt introduziu o termo "arte conceitual" em um artigo de mesmo título, publicado na compilação proto-Fluxus An Anthology of Chance Operations. Flynt afirmou que sua "arte conceitual" originou-se de sua teoria do "niilismo cognitivo", que postula que os paradoxos lógicos diminuem a substância inerente dos conceitos. Utilizando as estruturas da lógica e da matemática, a arte conceitual pretendia transcender tanto a matemática quanto a música formalista predominante nas comunidades artísticas sérias. Consequentemente, Flynt argumentou que, para um trabalho ser qualificado como arte conceitual, ele teria que examinar criticamente a lógica ou a matemática, empregando um conceito linguístico como seu meio principal - uma característica notavelmente ausente da "arte conceitual" posterior.

O termo posteriormente adquiriu uma interpretação distinta quando adotado por Joseph Kosuth e pelo grupo English Art and Language. Estes profissionais rejeitaram os objectos de arte tradicionais, optando em vez disso por uma investigação crítica documentada, iniciada em 1969 com Art-Language: The Journal of Conceptual Art, sobre as dimensões sociais, filosóficas e psicológicas do papel do artista. Em meados da década de 1970, os seus esforços produziram uma gama diversificada de resultados, incluindo publicações, índices, performances, textos e pinturas. A exposição inaugural dedicada à arte conceitual, Arte Conceitual e Aspectos Conceituais, foi apresentada no Centro Cultural de Nova York em 1970.

Críticas ao formalismo e à mercantilização da arte

A arte conceitual materializou-se como um movimento significativo durante a década de 1960, em parte em oposição ao formalismo defendido pelo influente crítico de arte nova-iorquino Clement Greenberg. Greenberg postulou que a arte moderna progrediu através de um processo sistemático de redução e refinamento, com o objetivo de delinear a essência formal e fundamental de cada meio artístico. Consequentemente, quaisquer elementos considerados antitéticos a esta natureza intrínseca deveriam ser eliminados. Por exemplo, o objectivo da pintura, na opinião de Greenberg, era definir com precisão a sua objectividade inerente: o que constitui uma pintura e a distingue de outras formas. Dado que as pinturas são objetos inerentemente planos com superfícies de tela para aplicação de pigmentos, elementos como figuração, ilusão de perspectiva tridimensional e alusões a temas externos foram considerados estranhos à essência central da pintura e, portanto, necessitaram de remoção.

Alguns estudiosos afirmam que a arte conceitual estendeu a "desmaterialização" da arte, eliminando totalmente a necessidade de objetos físicos. Por outro lado, outros, incluindo muitos artistas, viam a arte conceitual como um afastamento fundamental do modernismo formalista de Greenberg. Embora os artistas posteriores mantivessem uma inclinação partilhada para que a arte fosse autocrítica e um desdém pela ilusão, tornou-se evidente no final da década de 1960 que as restrições de Greenberg – exigindo que a arte permanecesse dentro dos limites específicos do meio e excluísse assuntos externos – já não tinham influência. A arte conceitual também constituiu uma reação contra a mercantilização da arte. Procurou subverter o papel da galeria ou do museu como local principal e árbitro da arte, e do mercado de arte como seu proprietário e distribuidor. Lawrence Weiner articulou esse sentimento, afirmando: "Uma vez que você conhece um trabalho meu, você o possui. Não há como entrar na cabeça de alguém e removê-lo." Consequentemente, grande parte do trabalho dos artistas conceptuais é acessível principalmente através da sua documentação – como fotografias, textos escritos ou objectos expostos – que alguns argumentam não ser a arte em si. Em certos casos, exemplificados pelas práticas de Robert Barry, Yoko Ono e Weiner, o trabalho é destilado num conjunto de instruções escritas que descrevem uma obra de arte sem realmente a produzir, enfatizando assim a primazia da ideia sobre o artefacto. Esta metodologia fundamenta a Arte Protocolar, que investiga ainda a certificação administrativa e física do ato artístico. Esta abordagem sublinha uma clara preferência pela componente “arte” dentro da dicotomia arte-ofício percebida, onde a arte, ao contrário do artesanato, opera dentro e contribui para o discurso histórico; por exemplo, as instruções escritas de Ono ganham maior significado contextual quando consideradas juntamente com outras artes conceituais daquela época.

A linguagem como meio artístico

A linguagem constituiu um foco central para a onda inicial de artistas conceituais durante a década de 1960 e início da década de 1970. Embora a incorporação do texto na prática artística não tenha sido inédita, foi especificamente na década de 1960 que artistas como Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry e Art & A linguagem começou a criar arte apenas através de modalidades linguísticas. Em contraste com períodos anteriores, onde a linguagem funcionava como um componente visual suplementar subserviente a uma estrutura composicional mais ampla (como exemplificado pelo Cubismo Sintético), os artistas conceptuais empregavam a linguagem como meio primário, suplantando ferramentas tradicionais como o pincel e a tela, permitindo-lhe assim transmitir significado de forma autónoma. Em relação à obra de Lawrence Weiner, Anne Rorimer observa que "O conteúdo temático de obras individuais deriva unicamente da importação da linguagem empregada, enquanto os meios de apresentação e a colocação contextual desempenham papéis cruciais, embora separados." filosofia analítica e filosofia continental estruturalista e pós-estruturalista. Esta mudança linguística fundamental efetivamente “reforçou e legitimou” a trajetória artística adotada pelos artistas conceituais. Osborne destaca ainda que os conceitualistas pioneiros representaram a primeira geração de artistas a obter diplomas universitários formais em arte. Numa palestra pública proferida na Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota em Como, em 9 de julho de 2010, Osborne posteriormente afirmou que a arte contemporânea é pós-conceitual. Esta afirmação opera no nível ontológico da própria obra de arte, em vez de apenas descrever um estilo ou movimento. Edward A. Shanken, um historiador de arte americano, cita Roy Ascott como um exemplo que "demonstra poderosamente as interseções significativas entre arte conceitual e arte e tecnologia, explodindo a autonomia convencional dessas categorias históricas da arte". Ascott, reconhecido como o artista britânico mais intimamente ligado à arte cibernética na Inglaterra, esteve notavelmente ausente de Cybernetic Serendipity devido à sua aplicação predominantemente conceitual da cibernética, que não incorporava abertamente a tecnologia. Por outro lado, apesar de seu ensaio, "The Construction of Change" (1964), que explorou a aplicação da cibernética à arte e à pedagogia da arte, ser citado na página dedicatória (a Sol LeWitt) do seminal Six Years: The Dematerialization of the Art Object de 1966 a 1972 de Lucy R. Lippard, as contribuições pioneiras de Ascott para o desenvolvimento da arte conceitual na Grã-Bretanha acumularam limitadas contribuições. reconhecimento, potencialmente (e ironicamente) devido à sua forte afiliação com arte e tecnologia. Uma outra intersecção crucial foi investigada através do emprego do tesauro por Ascott no seu trabalho de 1963, *conexões telemáticas:: linha do tempo*, que explicitamente comparava as características taxonómicas das linguagens verbais e visuais. Este conceito foi posteriormente adotado em Second Investigation, Proposition 1 (1968) de Joseph Kosuth e em Elements of an Incomplete Map (1968) de Mel Ramsden.

Visão geral histórica contemporânea

O proto-conceitualismo tem suas origens no surgimento do Modernismo, exemplificado por figuras como Manet (1832-1883) e posteriormente Marcel Duchamp (1887-1968). A fase inicial do movimento de "arte conceitual" durou aproximadamente de 1967 a 1978. Artistas "conceituais" pioneiros, incluindo Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) e Ray Johnson (1927–1995), influenciaram significativamente o movimento de arte conceitual subsequente e amplamente reconhecido. Artistas conceituais proeminentes como Dan Graham, Hans Haacke e Lawrence Weiner exerceram influência considerável nas gerações seguintes de artistas. Consequentemente, profissionais contemporâneos renomados como Mike Kelley ou Tracey Emin são ocasionalmente categorizados como conceitualistas de "segunda ou terceira geração" ou artistas "pós-conceituais" (onde o prefixo "Pós-" na arte muitas vezes denota uma relação de derivação ou consequência). Desenvolvimentos recentes, exemplificados pela Arte Protocolar, perpetuam esta trajetória evolutiva ao reorientar o foco do conceito desmaterializado para a autenticação administrativa e física do ato artístico.

Os artistas contemporâneos frequentemente se envolvem com temas originados do movimento de arte conceitual, independentemente de se identificarem como "artistas conceituais". Conceitos centrais como antimercantilização, crítica sociopolítica e utilização de ideias ou informações como meios artísticos permanecem parte integrante das práticas artísticas contemporâneas, particularmente na arte de instalação, arte performática, intervenção artística, net.art e arte eletrônica/digital.

Revival

A arte neoconceitual abrange práticas artísticas da década de 1980, e particularmente da década de 1990 até o presente, que derivam do movimento de arte conceitual das décadas de 1960 e 1970. As iniciativas subsequentes incluem os Conceptualistas de Moscovo, os neo-conceitualistas dos Estados Unidos, como Sherrie Levine, e os Jovens Artistas Britânicos, nomeadamente Damien Hirst e Tracey Emin no Reino Unido.

Paródia

O movimento é parodiado no romance Pandora de 2002, de Jilly Cooper.

Exemplos notáveis

• 1913: Roda de bicicleta (Roue de bikette) de Marcel Duchamp, um readymade assistido que compreende uma roda de bicicleta montada por seu garfo em um banco de madeira pintada. Embora o conceito de readymades tenha sido formalizado dois anos depois, esta peça é considerada a primeira. A obra original está perdida e também é reconhecida como a primeira escultura cinética.
• 1914: Bottle Rack de Marcel Duchamp (também conhecido como Bottle Dryer ou Hedgehog), ou em francês, Egouttoir, Porte-bouteilles ou Hérisson. Este readymade, um escorredor de garrafas de ferro galvanizado, foi comprado por Duchamp como uma escultura "já feita", mas permaneceu em seu estúdio em Paris. Em 1916, dois anos depois, enquanto se correspondia de Nova York com sua irmã Suzanne Duchamp na França, ele expressou o desejo de designá-lo formalmente como readymade; no entanto, Suzanne, que supervisionava seu estúdio em Paris, já havia se desfeito do objeto.
• 1915: Avanço do braço quebrado (En prévision du bras cassé) de Marcel Duchamp, um readymade composto por uma pá de neve na qual Duchamp inscreveu meticulosamente seu título. Esta peça marca a primeira vez em que o artista designou oficialmente uma obra de arte como "readymade".
• 1916–17: Apolinère Esmaltado, 1916–1917. Este readymade retificado é um anúncio alterado da tinta Sapolin.
• 1917: Fountain de Marcel Duchamp, que um artigo no The Independent descreveu como a invenção da arte conceitual. Também representa um dos primeiros exemplos de Crítica Institucional.
• 1917: Hat Rack (Porte-chapeaux) de Marcel Duchamp, por volta de c. 1917. Este readymade consiste em um chapéu de madeira.
• 1919: L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp, um readymade retificado. Esta obra apresenta uma reprodução da Mona Lisa de Leonardo da Vinci, na qual Duchamp desenhou cavanhaque e bigode, titulando-a com um trocadilho grosseiro.
• 1921: Por que não espirrar, Rose Sélavy? de Marcel Duchamp, um readymade assistido. Esta peça é composta por cubos de mármore em forma de torrões de açúcar, acompanhados de um termômetro e ossos de choco, todos contidos dentro de uma pequena gaiola de passarinho.
• 1921: Belle Haleine, Eau de Voilette de Marcel Duchamp, um readymade assistido. Esta obra consiste em um frasco de perfume alterado apresentado dentro de sua caixa original.
• 1952: A estreia da composição de três movimentos do compositor experimental americano John Cage, 4′33″, ocorreu em 29 de agosto de 1952. O pianista David Tudor executou a obra no Maverick Concert Hall em Woodstock, Nova York, como parte de um recital de música de piano contemporâneo. É comumente interpretado como "quatro minutos e trinta e três segundos de silêncio".
• 1953: Robert Rauschenberg produziu Erased De Kooning Drawing, uma obra de arte criada apagando um desenho de Willem de Kooning. Esta peça instigou questões significativas sobre a natureza fundamental da arte, desafiando os espectadores a considerar se o ato de apagar o trabalho de outro artista poderia ser um ato criativo e se a sua validade artística derivava exclusivamente da celebridade de Rauschenberg.
• 1955: Rhea Sue Sanders criou seus primeiros textos para a série pièces de complices, integrando arte visual com poesia e filosofia. Este trabalho introduziu o conceito de cumplicidade, postulando que o espectador deve completar a obra de arte dentro de sua própria imaginação.
• 1958: George Brecht desenvolveu o Event Score, um conceito que posteriormente se tornou uma característica central do Fluxus. Brecht, Dick Higgins, Allan Kaprow, Al Hansen, Jackson MacLow e outros estudaram com John Cage na The New School entre 1958 e 1959, período que contribuiu diretamente para a criação de Happenings, Fluxus e a arte conceitual de Henry Flynt. Pontuações de eventos são instruções simples para concluir tarefas diárias, que podem ser realizadas publicamente, em particular ou simplesmente não serem executadas.
• Em 1958, Wolf Vostell apresentou Das Theatre ist auf der Straße/O teatro está na rua, reconhecido como o Happening inaugural na Europa.
• Em 1961, Piero Manzoni exibiu Merda de Artista, uma série de latas que supostamente continham suas próprias fezes, que ele colocou à venda pelo peso equivalente em ouro. O conteúdo dessas latas permanece sem verificação, pois abri-las comprometeria a obra de arte. Manzoni também comercializou seu ar exalado, encapsulado em balões, sob o título Bodies of Air. Além disso, ele assinou corpos de indivíduos, designando-os assim como obras de arte vivas por períodos perpétuos ou definidos, condicionados ao seu pagamento. Figuras notáveis declaradas como "obras de arte" através deste método incluem Marcel Broodthaers e Primo Levi.
• Em 1962, o artista Barrie Bates passou por uma reformulação de marca, adotando o apelido de Billy Apple e descartando sua antiga identidade para aprofundar sua investigação artística sobre a vida cotidiana e as práticas comerciais. Neste momento, uma parte significativa de suas criações foi produzida por fabricantes externos.
• Em 1962, Yves Klein conduziu diversas cerimônias ao longo do Sena, apresentando Sensibilidade Pictórica Imaterial. Durante esses eventos, ele propôs vender sua "sensibilidade pictórica" ​​- conceito que deixou indefinido - em troca de folhas de ouro. Os compradores presenteariam Klein com folhas de ouro e receberiam um certificado. Dada a natureza imaterial da sensibilidade de Klein, o comprador foi posteriormente instruído a queimar o certificado, enquanto Klein simultaneamente lançava no rio metade da folha de ouro recebida. Sete pessoas participaram dessas transações.
• O FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik aconteceu em Wiesbaden em 1962, com contribuições de George Maciunas, Wolf Vostell, Nam June Paik e outros artistas.
• Em 1963, a compilação de Pontuações de Eventos de George Brecht, intitulada Water Yam, foi lançada por George Maciunas como o Fluxkit inaugural.
• Em 1964, Yoko Ono publicou Grapefruit: Um Livro de Instruções e Desenhos, uma obra que exemplifica a arte heurística através do fornecimento de instruções destinadas a facilitar uma experiência estética.
• Em 1965, Michael Baldwin, cofundador da Art & Linguagem, criada Mirror Piece. Esta obra de arte, divergindo da pintura tradicional, incorporou uma disposição variável de espelhos, envolvendo assim o espectador e desafiando o quadro teórico de Clement Greenberg.
• Joseph Kosuth atribui a conceituação de Uma e Três Cadeiras a 1965. A apresentação da obra de arte compreende uma cadeira física, uma fotografia dessa cadeira e uma definição de dicionário ampliada da palavra "cadeira", selecionada por Kosuth. Quatro versões distintas deste trabalho, cada uma apresentando uma definição diferente, foram documentadas.
• Concebido em 1966, Art & O The Air Conditioning Show da Language foi posteriormente publicado como um artigo na edição de novembro de 1967 da Arts Magazine.
• Em 1967, Mel Ramsden produziu suas primeiras Pinturas 100% Abstratas. Esta obra de arte em particular apresenta uma lista detalhando os constituintes químicos que formam a substância material da pintura.
• Em 1968, Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge e Harold Hurrell cofundaram o coletivo Art & Idioma.
• Em 1968, Lawrence Weiner articulou sua "Declaração de Intenções", uma declaração fundamental na arte conceitual que se seguiu aos "Parágrafos sobre Arte Conceitual" de LeWitt, rejeitando assim a necessidade da fabricação física em sua prática artística. Esta declaração, que informou sua metodologia subsequente, afirma: "1. O artista pode construir a peça. 2. A peça pode ser fabricada. 3. A peça não precisa ser construída. Cada um sendo igual e consistente com a intenção do artista, a decisão quanto à condição cabe ao receptor no momento da concordata."
• O ano de 1969 marcou o estabelecimento da onda inicial de locais de exposição alternativos em Nova York, incluindo, notavelmente, APPLE de Billy Apple, Gain Ground de Robert Newman - um local onde Vito Acconci criou vários trabalhos iniciais significativos - e 112 Greene Street.
• Em 1973, Jacek Tylicki iniciou a prática de colocar telas em branco ou folhas de papel em ambientes naturais, permitindo que a natureza servisse como criadora artística.
• Entre 1973 e 1979, Mary Kelly desenvolveu seu Documento Pós-Parto, um trabalho em seis partes que narra os primeiros seis anos de cuidado de seu filho. Empregando uma perspectiva psicanalítica e feminista, esta peça investiga a dinâmica mãe-filho e examina tanto a identidade em desenvolvimento de seu filho quanto a sua própria.
• Em 1981, Joey Skaggs orquestrou a farsa Metamorfose: cura milagrosa para baratas,, personificando o Dr. Josef Gregor e afirmando a descoberta de um remédio universal derivado de hormônios de baratas. Esta performance, que fundiu afirmações científicas absurdas com comentários sociais, revelou a credulidade da mídia e mostrou a aplicação da arte conceitual por Skaggs para questionar a confiança do público na autoridade e no conhecimento especializado.
• Em 1982, a ópera Victorine de Art & Language foi agendada para apresentação em Kassel durante a documenta 7, destinada a acompanhar a exposição Art & Estúdio de Idiomas em 3 Wesley Place Pintado por Atores; no entanto, a apresentação acabou sendo cancelada.
• Em 1990, Ashley Bickerton e Ronald Jones foram apresentados na exposição "Mind Over Matter: Concept and Object" no Whitney Museum of American Art, que apresentou "artistas conceituais de terceira geração".
• Em 1991, Ronald Jones apresentou uma exposição na Metro Pictures Gallery, apresentando objetos e textos que exploravam a arte, a história e a ciência através das lentes de duras realidades políticas.
• Em 1991, Charles Saatchi forneceu financiamento para Damien Hirst e, no ano seguinte, a Galeria Saatchi exibiu A impossibilidade física da morte na mente de alguém que vive, uma obra de arte que consiste em um tubarão preservado em formaldeído dentro de uma vitrine.
• Em 1992, Maurizio Bolognini iniciou a "selagem" de suas Máquinas Programadas, um projeto envolvendo centenas de computadores programados para operar indefinidamente, gerando fluxos intermináveis de imagens aleatórias e invisíveis.
• Em 1999, Tracey Emin recebeu uma indicação para o Prêmio Turner, com sua exposição incluindo My Bed, uma cama desarrumada cercada por detritos pessoais, como preservativos, roupas íntimas manchadas de sangue, mamadeiras e chinelos.
• Em 2001, Martin Creed recebeu o Prêmio Turner por sua peça Trabalho nº 227: As luzes acendem e apagam, que compreendia uma sala vazia onde as luzes ligavam e apagavam intermitentemente.
• Em 2003, Damali Ayo apresentou Flesh Tone #1: Skinned no Center of Contemporary Art em Seattle, WA. Este autorretrato colaborativo envolveu a solicitação de misturadores de tinta em lojas de ferragens locais para formular tintas para casas que combinassem com diferentes áreas de seu corpo, com as interações sendo documentadas.
• Em 2005, Simon Starling recebeu o Prêmio Turner por Shedboatshed, uma obra de arte que envolvia transformar um galpão de madeira em um barco, navegar pelo rio Reno e, posteriormente, convertê-lo novamente em um galpão.
• Em 2005, David Lynch criou a série de vídeos Weather Report. Os críticos caracterizaram a série Weather Report de Lynch como uma forma de arte conceitual ou baseada em performance, observando que seu formato ritualizado, diário, repetitivo, minimalista e autopublicado se alinha com o foco do conceitualismo no processo e na elevação das ações cotidianas. Embora não seja universalmente categorizada como tal, a série alcançou ampla circulação online e é ocasionalmente referenciada em discussões sobre arte conceitual pós-mínima e orientada para o processo.
• Em 2014, Olaf Nicolai projetou o Memorial para as Vítimas da Justiça Militar Nazista, situado na Ballhausplatz de Viena, após sua vitória em uma competição internacional. A inscrição que adorna a escultura de três degraus apresenta um poema de duas palavras do poeta escocês Ian Hamilton Finlay (1924–2006): all alone.
• Em 2019, Maurizio Cattelan vendeu duas edições de Comediante, uma obra de arte que retrata uma banana colada na parede com fita adesiva, por US$ 120 mil cada, atraindo assim considerável atenção da mídia.

Artistas conceituais notáveis

Referências

Referências

Livros

Livros

• Harrison, Charles. Ensaios sobre Arte e Arte Idioma. Imprensa do MIT, 1991.
• Harrison, Charles. Arte conceitual e pintura: ensaios adicionais sobre arte e pintura. Idioma. Imprensa do MIT, 2001.
• Melhores, Ermanno. Arte Conceitual. Florença, 1971.
• Honnef, Klaus. Arte conceitual. Colônia: Phaidon, 1972.
• Meyer, Úrsula, ed. Arte Conceitual. Nova York: Dutton, 1972.
• Lippard, Lucy R. Seis anos: a desmaterialização do objeto de arte de 1966 a 1972. 1973. Berkeley: University of California Press, 1997.
• Battcock, Gregory, ed. Ideia Art: Uma Antologia Crítica. Nova York: EP Dutton, 1973.
• Schilling, Jürgen. Aktionskunst. Identität von Kunst und Leben? Verlag C.J. Bucher, 1978, ISBN 3-7658-0266-2.
• Aliaga, Juan Vicente e José Miguel G. Cortés, ed. Arte Conceptual Revisado/Arte Conceitual Revisitada. Valência: Universidade Politécnica de Valência, 1990.
• Dreher, Thomas. Konzeptuelle Kunst in Amerika und England entre 1963 e 1976 (Tese, Ludwig-Maximilians-Universität, München). Frankfurt am Main: Peter Lang, 1992.
• Morgan, Robert C. Arte conceitual: uma perspectiva americana. Jefferson, Carolina do Norte/Londres: McFarland, 1994.
• Morgan, Robert C. Arte em Idéias: Ensaios sobre Arte Conceitual. Cambridge et al.: Cambridge University Press, 1996.
• Harrison, Charles e Paul Wood. Arte em Teoria: 1900–1990. Publicação Blackwell, 1993.
• Godfrey, Tony. Arte Conceitual. Londres, 1998.
• Editores Alexander Alberro e Blake Stimson. Arte conceitual: uma antologia crítica. Cambridge, Massachusetts e Londres: MIT Press, 1999.
• Editado por Michael Newman e Jon Bird. Reescrevendo a arte conceitual. Londres: Reaktion, 1999.
• Rorimer, Anne. Nova Arte nos Anos 60 e 70: Redefinindo a Realidade. Londres: Tâmisa e Londres Hudson, 2001.
• Osborne, Peter. Arte Conceitual (Temas e Movimentos). Phaidon, 2002.
• Alberro, Alexandre. Arte Conceitual e Política de Publicidade. Imprensa do MIT, 2003.
• Editado por Michael Corris. Arte Conceitual: Teoria, Prática, Mito. Cambridge, Inglaterra: Cambridge University Press, 2004.
• MARZONA, Daniel. Arte Conceitual. Colônia: Taschen, 2005.
• Roberts, John. As intangibilidades da forma: habilidade e desqualificação na arte após o readymade. Londres e Nova York: Verso Books, 2007.
• Goldie, Peter e Elisabeth Schellekens. Quem tem medo da arte conceitual? Abingdon: Routledge, 2010. VIII, 152 páginas: ilustrações; 20 cm. ISBN 0-415-42281-7 (capa dura); ISBN 978-0-415-42281-9 (capa dura); ISBN 0-415-42282-5 (brochura); ISBN 978-0-415-42282-6 (brochura).

Ensaios

• Epstein, Mikhail, Alexander Genis e Slobodanka Vladiv-Glover. (2016) [1999]. "Teses sobre Metarrealismo e Conceitualismo (1983)." Em Pós-modernismo Russo: Novas Perspectivas sobre a Cultura Pós-Soviética, traduzido por Slobodanka Vladiv-Glover (edição revisada), 169–176. Nova Iorque; Oxford: Berghahn Books. ISBN 978-1-78238-864-7.Journal of Aesthetic Education (a ser publicado em 2016).

Catálogos de Exposições

• Caixas de diagramas e estruturas analógicas. Catálogo da exposição. Londres: Molton Gallery, 1963.
• 5 a 31 de janeiro de 1969. Catálogo da exposição. Nova York: Seth Siegelaub, 1969.
• Quando as atitudes se tornam forma. Catálogo da exposição. Berna: Kunsthalle Bern, 1969.
• 557.087. Catálogo da exposição. Seattle: Museu de Arte de Seattle, 1969.
• Concepção/Concepção. Catálogo da exposição. Leverkusen: Städtisches Museum Leverkusen et al., 1969.
• Arte Conceitual e Aspectos Conceituais. Catálogo da exposição. Nova York: Centro Cultural de Nova York, 1970.
• Arte na Mente. Catálogo da exposição. Oberlin, Ohio: Allen Memorial Art Museum, 1970.
• Informações. Catálogo da exposição. Nova York: Museu de Arte Moderna, 1970.
• Software. Catálogo da exposição. Nova York: Museu Judaico, 1970.
• Conceitos de situação. Catálogo da exposição. Innsbruck: Forum für aktuelle Kunst, 1971.
• Arte conceitual I. Catálogo da exposição. Bordeaux: capcMusée d’art contemporain de Bordeaux, 1988.
• A arte conceitual. Catálogo da exposição. Paris: ARC–Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1989.
• Editado por Christian Schlatter. Art Conceptuel Formes Conceptuelles/Arte Conceitual Formas Conceituais. Catálogo da exposição. Paris: Galerie 1900–2000 e Galerie de Poche, 1990.
• Reconsiderando o Objeto de Arte: 1965–1975. Catálogo da exposição. Los Angeles: Museu de Arte Contemporânea, 1995.
• Conceitualismo Global: Pontos de Origem, anos 1950-1980. Catálogo da exposição. Nova York: Queens Museum of Art, 1999.
• Sistemas Abertos: Repensando a Arte c. 1970. Catálogo da exposição. Londres: Tate Modern, 2005.
• Arte e arte Linguagem incompleta: a coleção Philippe Méaille. Imprensa MACBA, 2014.
• Anos-luz: arte conceitual e fotografia 1964–1977. Catálogo da exposição. Chicago: Instituto de Arte de Chicago, 2011.

• Mídia relacionada à arte conceitual no Wikimedia Commons
• Arte e arte Linguagem incompleta: coleção Philippe Méaille, MACBA arquivada em 29/07/2017 na Wayback Machine
• Anos-luz: arte conceitual e fotografia, 1964–1977 no Art Institute of Chicago
• Schellekens, Elisabeth. “Arte Conceitual”. Em Zalta, Edward N. (ed.), Enciclopédia de Filosofia de Stanford. ISSN 1095-5054. OCLC 429049174.Fonte: Arquivo da TORIma Academia