Gothic art

A arte gótica emergiu como um estilo artístico medieval no norte da França do século XII, evoluindo da arte românica juntamente com a ascensão paralela da arquitetura gótica. Este estilo se disseminou por toda a Europa Ocidental e por partes significativas da Europa do Norte, do Sul e Central, embora não tenha substituído inteiramente as tradições artísticas mais clássicas na Itália. No final do século XIV, a refinada estética cortês conhecida como Gótico Internacional materializou-se, persistindo no seu desenvolvimento até ao final do século XV. Notavelmente, em várias regiões, particularmente na Alemanha, a arte gótica tardia perdurou até o século XVI antes da sua eventual integração na arte renascentista. Os principais meios artísticos durante a era gótica incluíam escultura, pintura em painel, vitrais, afrescos e manuscritos iluminados. Embora as distintas transições arquitetônicas do românico para o gótico e do gótico para o renascentista sejam comumente empregadas para delinear períodos históricos da arte em todas as mídias, a arte figurativa muitas vezes progrediu em um ritmo divergente.

Arte gótica foi um estilo de arte medieval que se desenvolveu no norte da França a partir da arte românica no século XII, liderado pelo desenvolvimento simultâneo da arquitetura gótica. Ele se espalhou por toda a Europa Ocidental e por grande parte do Norte, Sul e Centro da Europa, nunca apagando os estilos mais clássicos na Itália. No final do século XIV, desenvolveu-se o sofisticado estilo de corte do Gótico Internacional, que continuou a evoluir até o final do século XV. Em muitas áreas, especialmente na Alemanha, a arte gótica tardia continuou até o século XVI, antes de ser incluída na arte renascentista. A mídia primária no período gótico incluía escultura, pintura em painel, vitrais, afrescos e manuscritos iluminados. As mudanças facilmente reconhecíveis na arquitetura do românico para o gótico, e do gótico para o renascentista, são normalmente usadas para definir os períodos da arte em todas as mídias, embora em muitos aspectos a arte figurativa tenha se desenvolvido em um ritmo diferente.

As primeiras expressões artísticas góticas manifestaram-se principalmente como esculturas monumentais adornando as fachadas de catedrais e abadias. A arte cristã frequentemente adotava uma abordagem tipológica, justapondo narrativas do Novo Testamento e do Antigo Testamento. Representações da vida dos santos também eram comuns. As representações da Virgem Maria evoluíram de seus protótipos icônicos bizantinos para retratos mais humanizados e ternos, retratando-a embalando seu filho, exibindo um contrapposto gracioso e incorporando o comportamento sofisticado de uma dama da corte aristocrática. Durante esta época, a arte secular ganhou destaque, impulsionada pela expansão urbana, o estabelecimento de universidades, o aumento da atividade comercial, o surgimento de uma economia monetária e a ascensão de uma classe burguesa capaz de patrocinar e encomendar obras de arte. Esta confluência de fatores levou a um aumento significativo na produção de pinturas e manuscritos iluminados. Ao mesmo tempo, o aumento das taxas de alfabetização e o corpus em expansão da literatura vernácula secular promoveram a inclusão de temas seculares nas obras artísticas. Os centros urbanos florescentes também facilitaram a formação de corporações comerciais, obrigando frequentemente a adesão dos artistas a corporações de pintores. Consequentemente, as práticas melhoradas de manutenção de registos deste período permitem a identificação de mais artistas pelo nome do que em épocas anteriores; alguns artistas até afixaram corajosamente suas assinaturas em suas criações.

Origens

A arte gótica originou-se na região de Île-de-France, na França, durante o início do século XII, principalmente na Igreja da Abadia de St. Denis, construída sob o patrocínio do Abade Suger. Thomas O'Hagan postula que as influências lombardas, francas e nórdicas contribuíram para o desenvolvimento do estilo gótico. O trabalho de Wilhelm Worringer, Forma no Gótico (alemão: Formprobleme der Gotik, 1911), explora os fundamentos psicológicos do estilo, traçando suas origens pelo menos até o Período de Migração.

Histórico

O estilo gótico rapidamente se expandiu além de suas expressões arquitetônicas iniciais para abranger escultura (tanto monumental quanto pessoal em escala), arte têxtil e pintura, manifestando-se em diversas formas, como afrescos, vitrais, manuscritos iluminados e pinturas em painel. Ordens monásticas proeminentes, particularmente os cistercienses e os cartuxos, desempenharam um papel crucial ao encomendar numerosas estruturas eclesiásticas significativas, propagando assim o estilo e promovendo as suas variações regionais distintas em toda a Europa. Apesar do surgimento de um estilo pan-europeu coerente no final do século XIV - denominado "Gótico Internacional" por Louis Courajod (1841-1896) - que persistiu até o final do século XV e além em certas regiões, as variações arquitetônicas regionais mantiveram seu significado.

Embora os artistas góticos tenham criado um volume maior de obras seculares do que é comumente reconhecido hoje, a arte religiosa desta época geralmente exibe uma taxa de sobrevivência superior em comparação com suas contrapartes seculares. Consequentemente, uma parte substancial da produção artística do período foi religiosa, encomendada por instituições eclesiásticas ou por patronos leigos. A arte gótica adoptou frequentemente um quadro tipológico, reflectindo a convicção de que os acontecimentos do Antigo Testamento prenunciavam os do Novo Testamento, constituindo assim o seu significado teológico primário. Isto é evidente na justaposição de cenas do Antigo e do Novo Testamento em obras como o Speculum Humanae Salvationis do início do século XIV e nas decorações eclesiásticas. A era gótica também testemunhou um renascimento significativo da devoção mariana, com as artes visuais desempenhando um papel fundamental. As representações da Virgem Maria evoluíram de formas hieráticas bizantinas rígidas, através do motivo da Coroação da Virgem, para representações mais humanizadas e íntimas. Os ciclos que ilustram a Vida da Virgem alcançaram grande popularidade. Artistas italianos notáveis, incluindo Giotto (c.  1267 – 1337), Fra Angelico (c.  1395 – 1455) e Pietro Lorenzetti (c.  1280 – 1348), ao lado de praticantes da pintura holandesa antiga, introduziram coletivamente o realismo elevado e a humanidade naturalista na arte. Os artistas da Europa Ocidental e os seus patronos abraçaram cada vez mais a iconografia inovadora, promovendo uma maior originalidade, embora muitos artistas continuassem a aderir às fórmulas composicionais estabelecidas.

A iconografia sofreu transformações influenciadas pela evolução das perspectivas teológicas, exemplificadas pela crescente proeminência das representações da Assunção de Maria sobre o motivo anterior da Morte da Virgem. Práticas devocionais, como a Devotio Moderna, também impactaram a iconografia, levando a novos retratos de Cristo em temas como o Homem das Dores, Cristo Pensativo e Pietà. Estes enfatizaram o seu sofrimento e vulnerabilidade humanos, espelhando um desenvolvimento semelhante nas representações da Virgem. Mesmo nos Julgamentos Finais, Cristo era tipicamente retratado expondo seu peito para revelar as feridas de sua Paixão. Os santos tornaram-se mais predominantes na arte, com retábulos apresentando santos pertinentes a uma igreja ou doador específico, seja assistindo a uma crucificação ou a uma Virgem com o Menino entronizada, ou posicionados centralmente (um arranjo comum para obras destinadas a capelas laterais). Ao longo do período gótico, numerosos elementos iconográficos antigos derivados de apócrifos do Novo Testamento - como as parteiras presentes na Natividade - foram progressivamente eliminados devido à influência clerical, embora outros elementos profundamente arraigados tenham sido mantidos, sendo considerados inócuos.

Etimologia

Inicialmente, o termo "Gótico" quando aplicado à arte servia como sinônimo pejorativo de "Bárbaro". Os críticos da época perceberam este estilo de arte medieval como pouco refinado e fundamentalmente divergente das proporções e formas estéticas características da arte clássica. Os estudiosos da Renascença postularam que o saque de Roma pelas tribos góticas em 410 dC precipitou o declínio do mundo clássico e de seus valores acalentados. Durante o século XV, arquitetos e escritores italianos expressaram preocupações de que os estilos "bárbaros" emergentes, originários de além dos Alpes, representassem uma ameaça comparável ao renascimento clássico defendido pelo início da Renascença.

O descritor "Gótico" para este movimento artístico apareceu pela primeira vez na carta de Rafael ao Papa Leão X por volta de c. 1518. Posteriormente, foi popularizada pelo artista e escritor italiano Giorgio Vasari, que, já em 1530, caracterizou a arte gótica como uma "desordem" "monstruosa e bárbara". Raphael teorizou que os arcos pontiagudos predominantes na arquitetura do norte eram uma reminiscência dos abrigos rudimentares construídos pelos habitantes da floresta germânica, formados por árvores curvadas - uma noção que mais tarde ressurgiria com conotações positivas dentro do movimento romântico alemão. Antes de seu eventual reconhecimento como uma forma de arte distinta e da estabilização de sua terminologia, a "arte gótica" enfrentou severas críticas de autores franceses proeminentes, incluindo Boileau, La Bruyère e Rousseau. Molière ofereceu notavelmente o seguinte comentário sobre a arte gótica:

Inicialmente, a arte gótica era referida como "obra francesa" (Opus Francigenum), uma designação que sublinha o papel fundamental da França no desenvolvimento deste estilo distinto.

No seu início, a arte gótica foi inicialmente chamada de “obra francesa” (Opus Francigenum), atestando assim a prioridade da França na criação deste estilo.

Pintura

A pintura gótica surgiu por volta de 1200, mais de cinco décadas após o desenvolvimento inicial da arquitetura e escultura gótica. A mudança da arte românica para a gótica é caracterizada pela imprecisão e não por uma ruptura distinta, com elementos ornamentais góticos aparecendo frequentemente antes de uma evolução estilística significativa em figuras ou composições. Posteriormente, as figuras adotaram poses mais dinâmicas e traços faciais expressivos, muitas vezes aparecendo proporcionalmente menores contra os fundos da cena, e foram dispostas com maior liberdade espacial dentro do plano pictórico. Esta evolução artística manifestou-se pela primeira vez na Inglaterra e na França por volta de 1200, seguida pela Alemanha por volta de 1220 e pela Itália por volta de 1300. Durante a era gótica, a pintura utilizava principalmente quatro meios: afrescos, pinturas em painel, iluminuras manuscritas e vitrais.

Frescos

Os afrescos persistiram como meio predominante para a narrativa pictórica nas paredes das igrejas em todo o sul da Europa, mantendo a continuidade com as primeiras convenções artísticas cristãs e românicas. A preservação fortuita fez com que a Dinamarca e a Suécia possuíssem as mais extensas coleções de pinturas murais de igrejas existentes executadas no estilo *Biblia pauperum*, frequentemente estendendo-se a abóbadas cruzadas recém-construídas. Em ambas as nações, a maioria destas obras foram posteriormente ocultadas por cal após a Reforma, uma prática que inadvertidamente contribuiu para a sua preservação; no entanto, um subconjunto permaneceu intacto desde a sua criação original. Exemplos notáveis ​​​​da Dinamarca incluem as obras do Mestre Elmelunde da ilha de Møn, que adornou as igrejas de Fanefjord, Keldby e Elmelunde. Albertus Pictor é amplamente considerado o artista de afrescos mais proeminente ativo na Suécia durante esta época. As igrejas suecas com afrescos notavelmente preservados incluem Tensta, Gökhem e Anga.

Vitral

Em todo o Norte da Europa, os vitrais constituíram um meio artístico significativo e estimado até o século XV, altura em que foram largamente substituídos pela pintura em painel. As inovações arquitetônicas góticas aumentaram substancialmente a incorporação do vidro em estruturas monumentais, facilitando áreas envidraçadas expansivas, como as encontradas nas rosáceas. Durante a fase inicial do período gótico, a prática artística envolvia principalmente tinta preta ao lado de vidro transparente ou de cores vibrantes. No entanto, no início do século XIV, a aplicação de compostos de prata, pintados sobre vidro e posteriormente queimados, permitiu que um espectro cromático mais amplo, com especial incidência nos tons amarelos, fosse integrado ao vidro transparente num único painel. No final do período, os designs apresentavam cada vez mais grandes seções de vidro pintadas, predominantemente em amarelo, com uma inclusão comparativamente reduzida de peças de vidro menores em cores alternativas.

Manuscritos e Gravura

Os manuscritos iluminados oferecem a documentação mais abrangente da pintura gótica, preservando evidências estilísticas de regiões onde as obras de arte monumentais não sobreviveram. Os primeiros manuscritos completos com ilustrações góticas francesas são atribuídos a meados do século XIII. Um número substancial desses textos iluminados compreendia Bíblias reais, embora os saltérios incorporassem ilustrações de forma semelhante; por exemplo, o Saltério parisiense de São Luís, criado entre 1253 e 1270, apresenta 78 iluminuras de página inteira executadas em têmpera e folha de ouro.

No final do século XIII, os escribas iniciaram a produção de livros de orações destinados a leigos, comumente chamados de "livros de horas" devido ao seu uso prescrito em intervalos diários específicos. Um exemplo antigo é uma obra de William de Brailes, que se acredita ter sido composta por volta de 1240 para uma leiga não identificada que residia em uma pequena vila perto de Oxford. Os mecenas aristocráticos adquiriam frequentemente estes volumes, investindo significativamente nas suas elaboradas ilustrações. Jean Pucelle destaca-se como um dos mais renomados criadores dessas obras; suas *Horas de Jeanne d'Evreux* foram encomendadas pelo rei Carlos IV como um presente para a rainha Jeanne d'Évreux. As características do estilo gótico francês evidentes nesses manuscritos incluem bordas de páginas ornamentadas, ecoando projetos arquitetônicos contemporâneos, ao lado de figuras alongadas e meticulosamente renderizadas. Além disso, a incorporação de sugestões espaciais, como componentes arquitetônicos e elementos naturais como árvores e nuvens, significa a abordagem gótica francesa à iluminação.

A partir de meados do século XIV, os blocos de blocos, com textos e imagens produzidos em xilogravura, tornaram-se economicamente acessíveis aos párocos, especialmente nos Países Baixos, onde a sua popularidade era mais pronunciada. No final do século, os livros impressos ilustrados, de tema predominantemente religioso, ganharam rapidamente acessibilidade entre a classe média abastada. Ao mesmo tempo, gravuras de alta qualidade de artistas como Israhel van Meckenem e Master E. S. também foram disponibilizadas. O século XV testemunhou a proliferação de gravuras baratas, principalmente xilogravuras, que permitiram que até mesmo os camponeses possuíssem imagens devocionais em suas casas. Estas imagens rudimentares, muitas vezes de cores grosseiras, ocupando o nível mais baixo do mercado, foram distribuídas em grandes quantidades, mas são agora extremamente escassas, em grande parte devido à sua prática comum de serem afixadas nas paredes.

Pintura de retábulo e painel

A adoção generalizada da pintura a óleo sobre tela surgiu durante os séculos XV e XVI, tornando-se uma característica definidora da arte renascentista. No Norte da Europa, a significativa e inovadora escola de pintura dos primeiros Países Baixos, embora de estilo fundamentalmente gótico, também é considerada parte integrante da Renascença do Norte. Esta classificação reconhece o atraso temporal substancial antes que o ressurgimento italiano do interesse clássico influenciasse significativamente as regiões do norte. Artistas como Robert Campin e Jan van Eyck empregaram com maestria técnicas de pintura a óleo para produzir composições meticulosamente detalhadas, exibindo uma perspectiva precisa. Suas obras fundiam realismo aparente com simbolismo intrincado, que emanava precisamente do elevado detalhe realista que agora podiam incorporar, mesmo em peças menores. A pintura holandesa primitiva, originária dos centros urbanos mais prósperos do Norte da Europa, integrava assim um realismo novo e minucioso a óleo com alusões teológicas nuances e complexas, transmitidas através dos ambientes altamente detalhados das suas narrativas religiosas. Exemplos ilustrativos incluem o Retábulo de Mérode de Robert Campin (1420) e a Anunciação de Washington Van Eyck de Jan van Eyck ou Madonna do Chanceler Rolin (ambos de 1430). Para os clientes abastados, pequenas pinturas em painel, incluindo polípticos a óleo, ganharam popularidade crescente, frequentemente apresentando retratos de doadores que, embora muitas vezes significativamente menores, acompanhavam representações da Virgem ou de santos. Essas obras de arte eram normalmente exibidas em residências particulares.

Escultura

Escultura Monumental

O período gótico é caracterizado principalmente pelas suas inovações arquitetónicas e os seus limites cronológicos não se alinham precisamente com a evolução estilística da escultura. As fachadas de estruturas eclesiásticas proeminentes, especialmente em torno de seus portais, continuaram a apresentar tímpanos expansivos, complementados por extensos conjuntos de figuras esculpidas adornando as áreas circundantes.

A estátua no Portal Ocidental (Real) da Catedral de Chartres (c. 1145) exibe um alongamento colunar elegante, mas pronunciado. Em contraste, as figuras do portal do transepto sul, datadas de 1215 a 1220, demonstram uma estética mais naturalista, uma separação crescente da parede de suporte e um reconhecimento emergente da tradição clássica. Essas trajetórias estilísticas persistiram alguns anos depois no portal oeste da Catedral de Reims, onde as figuras se aproximam de uma forma totalmente tridimensional, característica que se tornou predominante à medida que a arte gótica se difundia pela Europa. A Catedral de Bamberg abriga, sem dúvida, a mais extensa coleção de esculturas do século XIII, culminando em 1240 com o Cavaleiro de Bamberg, que representa a primeira estátua equestre em tamanho real na arte ocidental desde o século VI. arte". Nicola Pisano (ativo de 1258 a 1278) e seu filho Giovanni foram os pioneiros de um estilo frequentemente denominado Proto-Renascença. Este estilo exibia claras influências dos sarcófagos romanos e apresentava arranjos intrincados e densamente compostos, incluindo um retrato sensível da nudez. Essas características são evidentes nos painéis em relevo de mármore do púlpito de Nicola no Batistério de Pisa (assinado em 1260), no púlpito colaborativo da Catedral de Siena (1265-1268), na Fontana Maggiore em Perugia e no púlpito de Giovanni em Pistoia, concluído em 1301.

O período gótico internacional, por volta de 1400, testemunhou outro ressurgimento da estética clássica, particularmente evidente nas obras de Claus Sluter e seus discípulos na Borgonha e na Flandres. O Norte da Europa sustentou as tradições escultóricas do gótico tardio, caracterizadas por uma predileção por retábulos de madeira monumentais e intrincadamente esculpidos, apresentando numerosas figuras dinâmicas e expressivas. As criações subsequentes, especialmente aquelas feitas de madeira de tília nas regiões do Alto Reno e da Baviera, no sul da Alemanha, pelas extensas oficinas de Tilman Riemenschneider ou Veit Stoss, frequentemente careciam de decoração policromática. Este estilo artístico persistiu até o século XVI, integrando progressivamente elementos da Renascença italiana, com uma proporção significativa de peças existentes permanecendo em seus ambientes originais, apesar da destruição iconoclasta generalizada em outras áreas.

Efígies de tumbas em tamanho real, feitas de pedra ou alabastro, ganharam destaque entre os clientes ricos, levando ao desenvolvimento de elaborados sepulcros de vários níveis, como os Túmulos Scaliger em Verona, que eram de uma escala tão considerável que necessitavam deslocalização para fora da estrutura eclesiástica. No século XV, surgiu uma indústria especializada, exportando relevos de altar de alabastro de Nottingham, normalmente dispostos em grupos de painéis, para grande parte da Europa, para atender paróquias com dificuldades financeiras, incapazes de encomendar retábulos de pedra.

Formas esculturais portáteis

A produção de esculturas em pequena escala, atendendo principalmente a uma clientela leiga e frequentemente feminina, tornou-se uma indústria significativa em Paris e em outros centros urbanos proeminentes. Os artefatos de marfim abrangiam várias formas, incluindo diminutos polípticos devocionais, figuras individuais (particularmente da Virgem Maria), espelhos, pentes e caixões intrincadamente adornados representando cenas de romances, muitas vezes apresentados como presentes de noivado. Os extremamente ricos acumularam trabalhos em metal opulentos, cheios de joias e esmaltados, abrangendo itens seculares e religiosos, como o Relicário do Espinho Sagrado do Duque de Berry. No entanto, estes tesouros eram muitas vezes posteriormente derretidos para obter valor monetário durante períodos de exigência financeira.

As esculturas góticas, distintas da ornamentação arquitetônica, serviam principalmente como itens devocionais para residências particulares ou como oferendas a instituições eclesiásticas locais. No entanto, relevos menores feitos de marfim, osso e madeira englobavam temas religiosos e seculares, adequados tanto para ambientes religiosos quanto domésticos. Os artesãos urbanos produziram estas esculturas, sendo a Virgem Maria, solitária ou acompanhada pelo Menino Jesus, o tema predominante das pequenas estatuetas tridimensionais. Paris funcionou como o principal centro de oficinas de marfim, divulgando os seus produtos em grande parte do norte da Europa, embora a Itália também mantivesse uma produção substancial. Um exemplo notável dessas esculturas autônomas reside nas coleções da Igreja da Abadia de St Denis: a Virgem e o Menino em prata dourada, datada de 1339, retrata Maria envolta em um manto esvoaçante, embalando um menino Cristo. A natureza sem adornos do manto e a representação juvenil da criança antecipam tendências estilísticas observadas em outras esculturas do norte da Europa do século XIV e início do século XV. Esta tradição escultórica demonstra uma evolução de uma estética anterior rígida e alongada, mantendo parcialmente características românicas, para uma sensibilidade mais espacial e naturalista no final do século XII e início do século XIII. Temas esculturais góticos franceses adicionais incorporaram figuras e narrativas derivadas da literatura popular contemporânea. A iconografia extraída da poesia trovadoresca gozava de particular popularidade entre os artesãos que produziam espelhos e pequenas caixas, presumivelmente destinadas a clientes femininas. O caixão com cenas de romances (Walters 71264), datado de 1330 a 1350, representa um espécime excepcionalmente grande, acomodando múltiplas cenas de diversas origens literárias.

Lembranças de peregrinação, incluindo distintivos baratos de argila ou chumbo, medalhas e ampolas impressas com imagens, também alcançaram grande popularidade. A contraparte secular, o distintivo de libré, significava lealdade ou afiliação feudal e política, sendo eventualmente percebida como uma ameaça social na Inglaterra durante a era do feudalismo bastardo. Versões mais econômicas eram ocasionalmente distribuídas gratuitamente, exemplificadas pelos 13.000 emblemas de tecido fustão com o emblema do javali branco do rei Ricardo III da Inglaterra, encomendados em 1483 para a investidura de seu filho Eduardo como Príncipe de Gales - uma quantidade notavelmente grande em relação à população contemporânea. Em contraste, a joia Dunstable Swan, uma peça totalmente tridimensional feita de ouro esmaltado, representa uma variante significativamente mais exclusiva, provavelmente concedida a um indivíduo de considerável intimidade ou importância para o benfeitor.

• Blackletter (também conhecida como escrita gótica)
• Afrescos de igrejas na Suécia
• Arquitetura gótica
• História da pintura
• Pleurantes
• As Dez Virgens
• Pintura ocidental

Notas

Bibliografia

• Calkins, Robert G. Monumentos de Arte Medieval. Dutton, 1979. ISBN 0525475613.
• Cereja, John. O Relicário do Espinho Sagrado. British Museum Press (objetos do Museu Britânico em foco), 2010. ISBN 0-7141-2820-1.
• Cereja, John. Em Marks, Richard e Williamson, Paul, eds. Gótico: Arte para a Inglaterra 1400–1547. Publicações V&A, Londres, 2003. ISBN 1-85177-401-7.
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• Rudolph, Conrad. "Inventando o vitral exegético: Suger, Hugh e uma nova arte de elite." Boletim de Arte 93 (2011): 399–422.
• Snyder, James. Arte da Renascença do Norte. Harry N. Abrams, 1985. ISBN 0136235964.

• Arte gótica, de ArtCyclopedia.com
• Arte gótica (arquivada em 31/10/2009), da Microsoft Encarta.
• Arte gótica, Museumsportal Schleswig-Holstein
• "Gótico: Arte para a Inglaterra 1400–1547." Museu Victoria e Albert. Arquivado do original em 7 de março de 2012. Recuperado em 8 de junho de 2007.
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