O maneirismo denota um estilo artístico predominante na arte europeia, originado na Itália durante a última fase da Alta Renascença, aproximadamente em 1520. Sua influência se expandiu em 1530 e persistiu até o final do século 16 na Itália, ponto em que o estilo barroco o substituiu em grande parte. No entanto, o Maneirismo do Norte estendeu a sua presença até o início do século XVII.
Maneirismo é um estilo de arte europeia que surgiu nos últimos anos da Alta Renascença italiana por volta de 1520, espalhando-se por volta de 1530 e durando até o final do século XVI na Itália, quando o estilo barroco o substituiu em grande parte. O Maneirismo do Norte continuou no início do século XVII.
Este movimento artístico abrange diversas metodologias, influenciadas e uma reação contra os princípios harmoniosos característicos dos mestres da Alta Renascença como Leonardo da Vinci, Rafael, Vasari e o início de Michelangelo. Enquanto a arte da Alta Renascença prioriza a proporção, o equilíbrio e a beleza idealizada, o Maneirismo frequentemente amplifica esses atributos, levando a composições que são muitas vezes assimétricas ou possuem uma elegância não natural. Distinguido pelas suas características artificiais e não naturalistas, este estilo favorece a tensão e a instabilidade composicionais em detrimento do equilíbrio e da clareza evidentes na pintura renascentista anterior. Nos domínios da literatura e da música, o Maneirismo é reconhecido pelas suas características estilísticas elaboradas e complexidade intelectual.
A definição precisa do Maneirismo e dos seus estágios internos de desenvolvimento permanecem controversas entre os historiadores da arte. Por exemplo, certos académicos alargaram esta designação a formas literárias específicas do início da modernidade, particularmente poesia e composições musicais dos séculos XVI e XVII. Além disso, o termo descreve alguns pintores góticos tardios activos no norte da Europa entre aproximadamente 1500 e 1530, nomeadamente os Maneiristas de Antuérpia, um colectivo distinto do movimento italiano. Analogamente, o Maneirismo também foi associado à Idade de Prata da literatura latina.
Nomenclatura
O termo "Maneirismo" origina-se da palavra italiana maniera, que significa "estilo" ou "modo". Semelhante à sua contraparte em inglês, maniera pode denotar uma categoria estilística específica (por exemplo, um estilo elegante ou áspero) ou uma qualidade inerente que não requer especificações adicionais (por exemplo, possuir "estilo"). Na segunda edição de 1568 de sua obra seminal, Vidas dos Mais Excelentes Pintores, Escultores e Arquitetos, Giorgio Vasari empregou maniera de três maneiras distintas: para se referir ao método ou abordagem de trabalho de um artista; caracterizar um estilo individual ou coletivo, como a frase maniera greca para o estilo medieval ítalo-bizantino, ou simplesmente a maniera de Michelangelo; e transmitir uma avaliação positiva do mérito artístico. Vasari, ele próprio um artista maneirista, caracterizou seu período contemporâneo como “la maniera moderna” ou “estilo moderno”. James V. Mirollo elucida como os poetas da "Bella maniera" se esforçaram para superar o virtuosismo encontrado nos sonetos de Petrarca. Este conceito de "Bella maniera" implica que os artistas, inspirando-se neste princípio, procuraram emular e refinar as obras dos seus antecessores, em vez de se envolverem diretamente com a natureza. Fundamentalmente, "Bella maniera" envolvia a síntese de elementos superiores de várias fontes para criar novas expressões artísticas.
Definir "Maneirismo" como uma classificação estilística apresenta desafios consideráveis. O historiador suíço Jacob Burckhardt empregou inicialmente o termo, que ganhou destaque através dos historiadores de arte alemães no início do século XX. O seu objectivo era categorizar a arte italiana ostensivamente inclassificável do século XVI – arte que divergia das metodologias harmoniosas e racionais características da Alta Renascença. A própria "Alta Renascença" denotou uma era marcada pela harmonia, magnificência e um ressurgimento da antiguidade clássica. John Shearman posteriormente redefiniu o termo "Maneirista" em 1967, um desenvolvimento que se seguiu à exposição de 1965 de pinturas maneiristas com curadoria de Fritz Grossmann na Manchester City Art Gallery.
No entanto, o consenso acadêmico permanece ilusório sobre se o Maneirismo constitui um estilo distinto, um movimento específico ou um período histórico inteiro. Alguns estudiosos designaram-no alternativamente como a "Renascença Tardia". Apesar da controvérsia em curso, o termo continua a ser amplamente aplicado para caracterizar a arte e a cultura europeias durante o século XVI.
Origem e Desenvolvimento
Perto da conclusão da Alta Renascença, os artistas emergentes encontraram um dilema artístico significativo, percebendo que todas as conquistas concebíveis já haviam sido realizadas. Nenhum outro desafio técnico ou conceitual pareceu permanecer sem solução. A profunda compreensão da anatomia, iluminação, fisionomia e o retrato matizado da emoção humana através da expressão e do gesto, juntamente com a aplicação inovadora da forma humana em composições figurativas e o domínio de gradações tonais sutis, aproximaram-se coletivamente da perfeição. Consequentemente, estes jovens artistas foram obrigados a identificar novos objectivos artísticos e a explorar novas metodologias. Foi nesta conjuntura que o Maneirismo começou a manifestar-se, com este estilo distinto a desenvolver-se entre 1510 e 1520, originando-se em Florença, Roma, ou simultaneamente em ambos os centros urbanos.
Origens e Modelos
Esta época artística foi caracterizada como uma "extensão natural" das obras de Andrea del Sarto, Michelangelo e Rafael. Michelangelo, em particular, cultivou um estilo profundamente original no início de sua carreira, que inicialmente conquistou imensa admiração, tornando-se posteriormente objeto frequente de cópia e imitação por artistas contemporâneos. Entre as qualidades mais reverenciadas pelos seus pares estava a sua terribilità, um profundo sentimento de grandeza inspiradora, que artistas posteriores se esforçaram por imitar. Muitos artistas assimilaram o estilo apaixonado e altamente individualizado de Michelangelo através da prática de copiar suas obras-primas, um método pedagógico convencional para estudantes de pintura e escultura. O teto da Capela Sistina oferecia numerosos exemplares para emulação, notadamente suas representações das figuras coletadas muitas vezes chamadas de ignudi e da Sibila da Líbia, bem como seu vestíbulo para a Biblioteca Laurentiana, as figuras escultóricas em seus túmulos dos Médici e, preeminentemente, seu Julgamento Final. As últimas obras de Michelangelo serviram assim como um modelo fundamental para o Maneirismo. Sabia-se que jovens artistas entravam ilicitamente em sua residência e roubavam seus desenhos. Em sua obra seminal, Vidas dos mais eminentes pintores, escultores e arquitetos, Giorgio Vasari documentou a afirmação de Michelangelo: "Aqueles que são seguidores nunca poderão passar por quem seguem."
O espírito competitivo
Um espírito competitivo foi fomentado por patrocinadores que incentivaram os artistas patrocinados a destacar habilidades técnicas virtuosas e a competir por encomendas. Essa dinâmica impulsionou os artistas a buscar abordagens inovadoras, resultando em cenas dramaticamente iluminadas, vestimentas e composições elaboradas, proporções alongadas, poses altamente estilizadas e uma ambiguidade deliberada de perspectiva. Por exemplo, o Gonfaloniere Piero Soderini encomendou a Leonardo da Vinci e Michelangelo para adornar uma parede no Salão dos Quinhentos, em Florença. Estes dois artistas foram posicionados para pintar lado a lado, competindo diretamente, intensificando assim o ímpeto para a inovação máxima.
Maneirismo Primitivo
Os primeiros maneiristas de Florença, particularmente os alunos de Andrea del Sarto, como Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, distinguem-se pelo uso de formas alongadas, poses precariamente equilibradas, uma perspectiva comprimida, cenários ilógicos e iluminação teatral. Ao mesmo tempo, Parmigianino, aluno de Correggio, e Giulio Romano, principal assistente de Rafael, seguiram trajetórias estéticas estilizadas de forma semelhante em Roma. Estes artistas amadureceram sob a influência generalizada da Alta Renascença, e a sua produção estilística foi caracterizada quer como uma reacção contra ela, quer como uma extensão exagerada dos seus princípios. Em vez de observar diretamente a natureza, os artistas mais jovens começaram a estudar a escultura helenística e as pinturas de mestres anteriores. Consequentemente, este estilo é frequentemente identificado como "anticlássico", embora na época fosse percebido como uma evolução natural da Alta Renascença. Esta primeira fase experimental do Maneirismo, reconhecida pelas suas formas "anti-clássicas", persistiu até aproximadamente 1540 ou 1550. Marcia B. Hall, professora de história da arte na Temple University, observa no seu livro After Raphael que a morte prematura de Rafael sinalizou o advento do Maneirismo em Roma.
Análises históricas indicam que o Maneirismo surgiu no início do século XVI, coincidindo com significativas transformações sociais, científicas, religiosas e políticas, incluindo o heliocentrismo copernicano, o saque de Roma em 1527 e o crescente desafio colocado pela Reforma Protestante à autoridade da Igreja Católica. Consequentemente, as formas alongadas e distorcidas características do estilo foram anteriormente entendidas como uma resposta direta às composições idealizadas dominantes na arte da Alta Renascença. No entanto, esta interpretação da mudança estilística radical por volta de c. 1520 não é mais amplamente aceita pelos estudiosos, embora as primeiras obras maneiristas permaneçam distintamente divergentes das convenções da Alta Renascença. A acessibilidade e o equilíbrio harmoniosos exemplificados pela Escola de Atenas de Rafael, por exemplo, deixaram de cativar os artistas emergentes.
Alta Maneira
A segunda fase do Maneirismo é tipicamente distinta de seu período inicial, muitas vezes denominado 'anticlássico'. Artistas maneiristas posteriores enfatizaram a sofisticação intelectual e o virtuosismo técnico, características que levaram os críticos subsequentes a descrever o seu trabalho como exibindo uma 'maneira' artificial e afetada (maniera). Esses praticantes da Maniera consideravam Michelangelo, seu contemporâneo mais velho, como seu principal exemplar artístico, criando assim uma arte que emulava outras artes em vez de imitar diretamente a natureza. O historiador de arte Sydney Joseph Freedberg postula que a dimensão intelectual da arte maniera depende do reconhecimento e da apreciação do público por essas alusões visuais - um motivo familiar situado em um contexto desconhecido, emoldurado por 'aspas invisíveis, mas sentidas'. Uma marca registrada do artifício Maniera é a inclinação do pintor para recontextualizar intencionalmente citações artísticas. Agnolo Bronzino e Giorgio Vasari resumem essa tendência Maniera, que prevaleceu aproximadamente de 1530 a 1580. Cultivada predominantemente nas cortes europeias e nos meios intelectuais, a arte Maniera combina elegância elevada com atenção meticulosa à superfície e detalhes intrincados: figuras com pele semelhante a porcelana são frequentemente retratadas reclinadas em uma luz suave e uniforme, reconhecendo o espectador com um olhar imparcial, se houver contato visual direto. é feito. Os temas Maniera raramente transmitem emoções fortes, fazendo com que trabalhos nesse sentido sejam frequentemente caracterizados como 'frios' ou 'indiferentes'. Isso exemplifica o 'estilo elegante' maduro ou Maniera.
Disseminação
Na Itália, Roma, Florença e Mântua serviram como centros centrais para a arte maneirista, enquanto a pintura veneziana, exemplificada pela extensa carreira de Ticiano, seguiu uma trajetória distinta. O saque de Roma em 1527 levou muitos dos primeiros artistas maneiristas, que atuaram na cidade durante a década de 1520, a partirem. A sua subsequente dispersão pelo continente em busca de encomendas facilitou a divulgação do seu estilo por toda a Itália e Norte da Europa, estabelecendo o Maneirismo como o primeiro movimento artístico internacional desde o período gótico. Embora algumas regiões do Norte da Europa não tivessem envolvimento direto com artistas italianos, a estética maneirista permeou-se através de gravuras e livros ilustrados. Os monarcas europeus e outros mecenas adquiriram obras de arte italianas, enquanto os artistas do norte da Europa continuaram a realizar viagens para Itália, contribuindo assim para uma difusão mais ampla do estilo. A presença de artistas italianos trabalhando no Norte também fomentou o surgimento do Maneirismo do Norte; por exemplo, Francisco I da França recebeu Vênus, Cupido, Loucura e Tempo de Bronzino como presente. Na Itália, o estilo começou a declinar depois de 1580, quando uma nova geração de artistas, incluindo os irmãos Carracci, Caravaggio e Cigoli, iniciou um renascimento do naturalismo. Walter Friedlaender caracterizou esta era subsequente como “anti-maneirismo”, traçando um paralelo com a postura “anticlássica” dos primeiros maneiristas que reagiram contra os princípios estéticos da Alta Renascença. Hoje, os irmãos Carracci e Caravaggio são amplamente reconhecidos por inaugurarem a transição para a pintura barroca, que se tornou o estilo dominante em 1600.
Além da Itália, porém, o Maneirismo persistiu até o século XVII. Na França, onde Rosso trabalhou para a corte de Fontainebleau, o estilo é reconhecido como o "estilo Henrique II" e exerceu notável influência na arquitetura. Centros continentais proeminentes para o Maneirismo do Norte abrangiam a corte de Rodolfo II em Praga, ao lado de Haarlem, Antuérpia e Danzig (Gdańsk). A classificação do Maneirismo é atribuída com menos frequência às artes visuais e decorativas inglesas, que normalmente empregam designações indígenas como "elisabetano" e "jacobino". Uma exceção notável é o Maneirismo Artesanal do século XVII, um termo aplicado a práticas arquitetônicas que se basearam em livros de padrões em vez de precedentes estabelecidos na Europa Continental.
Notavelmente, a influência flamenga em Fontainebleau integrou o erotismo característico do estilo francês com uma forma nascente da tradição vanitas, que posteriormente se tornou um tema dominante na pintura holandesa e flamenga do século XVII. Durante este período, o conceito de pittore vago foi difundido, referindo-se aos pintores do norte que foram assimilados em oficinas em França e Itália, contribuindo assim para o desenvolvimento de um estilo artístico genuinamente internacional.
Escultura
Espelhando os desenvolvimentos na pintura, a escultura maneirista italiana inicial representou em grande parte um esforço para forjar um estilo distinto que superasse as realizações da Alta Renascença, particularmente as de Michelangelo na escultura. Esta luta artística manifestou-se frequentemente em encomendas para a Piazza della Signoria, em Florença, adjacente ao David de Michelangelo. Baccio Bandinelli assumiu a encomenda de Hércules e Caco diretamente de Michelangelo; no entanto, sua recepção não foi mais favorável do que é hoje, com Benvenuto Cellini notoriamente depreciando-o como "um saco de melões". Apesar dessas críticas, a obra exerceu uma influência duradoura ao aparentemente introduzir painéis em relevo nos pedestais das estátuas. Consistente com outras criações maneiristas, incluindo a do próprio Bandinelli, esta escultura envolveu uma remoção de material significativamente maior do bloco original do que Michelangelo normalmente empregava. Por outro lado, o Perseu com a Cabeça de Medusa em bronze de Cellini permanece como uma obra-prima indiscutível, concebido para ser apreciado a partir de oito pontos de vista distintos - uma marca registrada do design maneirista - e exibe uma estilização artificial quando contrastada com as esculturas de David de Michelangelo e Donatello. Inicialmente treinado como ourives, o renomado Saleiro de ouro e esmalte de Cellini (1543) marcou sua obra escultórica inaugural, mostrando sua excepcional habilidade artística.
Pequenas figuras de bronze, frequentemente representando temas mitológicos com nus para armários de colecionadores, constituíam uma forma de arte predominante da Renascença. Giambologna, um artista flamengo que estabeleceu a sua carreira em Florença, destacou-se particularmente neste género durante a segunda metade do século. Além disso, produziu esculturas em tamanho real, duas das quais foram incorporadas ao acervo exposto na Piazza della Signoria. Giambologna e seus adeptos desenvolveram representações elegantes e alongadas da figura serpentinata, frequentemente apresentando duas figuras entrelaçadas, projetadas para oferecer um interesse visual atraente de múltiplas perspectivas.
Primeiros Teóricos
Giorgio Vasari
As perspectivas de Giorgio Vasari sobre a arte da pintura são evidentes nos elogios que ele oferece a colegas artistas em sua obra de vários volumes, Vidas dos Artistas. Ele postulou que a excelência artística necessitava de refinamento, uma abundância de invenção (invenzione) transmitida através de técnica virtuosa (maniera) e a manifestação de intelecto e estudo diligente na obra de arte concluída. Esses critérios sublinhavam coletivamente a capacidade intelectual do artista e o gosto exigente do mecenas. Os artistas não eram mais apenas membros qualificados de uma Guilda de São Lucas local; em vez disso, ascenderam a posições nos círculos da corte, associando-se a estudiosos, poetas e humanistas, num ambiente que cultivava uma apreciação pela sofisticação e complexidade. O brasão dos patronos Medici de Vasari é exibido com destaque no ápice de seu retrato, quase como se fosse seu emblema pessoal. O enquadramento da ilustração em xilogravura das Vidas de Vasari seria classificado como "jacobino" dentro de um contexto de língua inglesa. Esta moldura incorpora elementos arquitetônicos "anti-arquitetônicos" na parte superior, uma moldura perfurada semelhante a papel e nus de sátiros na base, todos inspirados nas tumbas Medici de Michelangelo. Como mera moldura, a sua extravagância é pronunciada, encarnando a essência do Maneirismo.
Gian Paolo Lomazzo
Gian Paolo Lomazzo, outra figura literária significativa da época, é autor de duas obras distintas – uma prática e outra metafísica – que foram fundamentais para articular a relação introspectiva do artista maneirista com seu ofício. Seu Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milão, 1584) funciona em parte como um manual sobre o decoro contemporâneo, um conceito parcialmente herdado da antiguidade pela Renascença, mas significativamente ampliado pelo Maneirismo. A codificação estética sistemática de Lomazzo, característica das metodologias cada vez mais formalizadas e acadêmicas predominantes no final do século XVI, ressaltou a importância da harmonia entre as funções interiores e as decorações pintadas ou esculpidas adequadas. A iconografia intrincada e muitas vezes recôndita tornou-se uma característica mais pronunciada nos estilos maneiristas. Seu trabalho subsequente, mais metafísico, Idea del tempio della pittura (O templo ideal da pintura, Milão, 1590), explora a natureza e a personalidade humanas através das lentes da teoria dos "quatro temperamentos", delineando assim o significado da individualidade no julgamento artístico e na inovação.
Características das Obras Maneiristas
O Maneirismo surgiu como um movimento anticlássico, divergindo significativamente dos princípios estéticos do Renascimento. Embora inicialmente recebido favoravelmente, especialmente através dos escritos de Vasari, o Maneirismo posteriormente acumulou percepções negativas, sendo visto apenas como "uma alteração da verdade natural e uma repetição banal de fórmulas naturais". Como fenômeno artístico, o Maneirismo abrange inúmeras características distintivas que refletem uma abordagem experimental da percepção artística. A seguir enumeramos diversas características específicas frequentemente empregadas por artistas maneiristas em suas criações.
- Alongamento de Figuras: Uma característica proeminente na arte maneirista era o alongamento da figura humana, que ocasionalmente resultava em imagens peculiares ou não convencionais.
- Distorção de Perspectiva: Na pintura, a manipulação da perspectiva serviu para investigar ideais relativos à criação de arranjos espaciais perfeitos. No entanto, esta busca pela perfeição manifestou-se ocasionalmente na geração de composições visuais distintas. O escorço foi uma técnica frequentemente empregada para obter tal distorção. Em casos de distorção extrema, as imagens resultantes podem tornar-se quase indecifráveis.
- Fundos pretos: Os artistas maneiristas frequentemente empregavam fundos pretos planos para obter contrastes nítidos nos contornos, melhorando assim as cenas dramáticas. Esses fundos escuros também contribuíram para uma atmosfera etérea ou fantástica dentro do tema retratado.
- Uso da escuridão e da luz: Muitos artistas maneiristas procuraram evocar a essência noturna através de iluminação deliberada, frequentemente imbuindo cenas com uma qualidade fantástica. Ênfase especial foi colocada na renderização da luz da tocha e do luar para aumentar o efeito dramático.
- Formas Esculturais: O Maneirismo exibiu uma influência significativa da escultura, um meio que experimentou um aumento de popularidade durante o século XVI. Consequentemente, os artistas maneiristas frequentemente modelavam as suas representações do físico humano em esculturas e gravuras existentes. Esta prática permitiu-lhes concentrar-se em alcançar uma maior sensação de tridimensionalidade.
- Clareza das Linhas: Uma característica notável do Maneirismo foi a atenção meticulosa dada aos contornos precisos das figuras, distinguindo-o significativamente dos estilos Barroco e da Alta Renascença. Esses contornos distintos frequentemente facilitavam uma maior ênfase em detalhes intrincados.
- Composição e Espaço: Os artistas maneiristas afastaram-se deliberadamente dos ideais da Renascença, particularmente da convenção da perspectiva de um ponto. Em vez disso, o seu foco mudou para os efeitos atmosféricos e a distorção deliberada da perspectiva. Os arranjos espaciais nas obras de arte maneiristas favoreciam, portanto, composições densamente povoadas com numerosas formas e figuras ou composições esparsas que destacavam fundos pretos.
- Movimento Maneirista: O profundo interesse pela locomoção humana frequentemente levou os artistas maneiristas a retratar poses serpentinas distintas. Estas figuras muitas vezes instáveis, através dos seus movimentos dinâmicos, implicam frequentemente movimentos subsequentes. Além disso, esta técnica exemplifica a abordagem experimental da forma pelos artistas.
- Molduras Pintadas: Em certas criações maneiristas, as molduras pintadas foram integradas para harmonizar com o fundo da obra de arte, tornando-se ocasionalmente uma parte intrínseca da composição geral. Essa integração ficou particularmente evidente quando o detalhamento intrincado era o foco principal.
- Artistas maneiristas frequentemente empregavam o sfumato, uma técnica caracterizada pela "representação de contornos ou superfícies suaves e nebulosas", para representar o fluxo de luz em suas composições.
- Além da experimentação com forma, composição e luz, o Maneirismo estendeu de forma única sua abordagem inovadora à cor. Numerosas obras de arte apresentam tons puros e intensos de azuis, verdes, rosas e amarelos, que ocasionalmente perturbam o design geral, mas outras vezes o melhoram. Ao representar figuras, os artistas frequentemente acentuavam a luminosidade da pele e incorporavam tons azuis.
Artistas proeminentes e obras exemplares
Jacopo da Pontormo
A obra de Jacopo da Pontormo representa uma contribuição fundamental para o Maneirismo. Seu tema frequentemente derivava de narrativas religiosas e, significativamente influenciado por Michelangelo, ele frequentemente fazia referência ou empregava diretamente formas escultóricas como modelos de composição. Uma característica distintiva de sua arte é a representação de figuras cujos olhares muitas vezes envolvem diretamente o espectador de vários ângulos. Pontormo, conhecido pelo seu processo de trabalho meticuloso e deliberado, manifestava frequentemente apreensão quanto à qualidade das suas criações. Seu legado duradouro é altamente estimado, tendo influenciado profundamente artistas como Agnolo Bronzino e moldado os princípios estéticos do maneirismo tardio.
José no Egito de Pontormo, concluído em 1517, apresenta uma narrativa contínua que abrange quatro episódios bíblicos distintos que retratam o reencontro de José com sua família. O lado esquerdo da composição ilustra José apresentando sua família ao Faraó do Egito. À direita, José é retratado em cima de um banco rolante, cercado por querubins, outras figuras e pedras distantes ao longo de um caminho. Acima dessas cenas sobe uma escada em espiral, pela qual José guia um de seus filhos em direção à mãe no cume. A cena final, situada à direita, retrata os momentos finais da vida de Jacó, observados por seus filhos.
José no Egito exemplifica várias características maneiristas importantes. Notavelmente, emprega esquemas de cores incongruentes, com diversos tons de rosa e azul dominando a tela. Outra característica maneirista é a representação temporal e espacial desarticulada da narrativa de José em múltiplas cenas. Ao integrar estas quatro narrativas distintas, Pontormo constrói uma composição densamente compactada, transmitindo uma impressão abrangente de complexidade e atividade visual.
Rosso Fiorentino e a Escola de Fontainebleau
Rosso Fiorentino, contemporâneo de Pontormo no estúdio de Andrea del Sarto, introduziu o maneirismo florentino em Fontainebleau em 1530. Lá, ele emergiu como uma figura central no estabelecimento do maneirismo francês do século XVI, posteriormente conhecido como Escola de Fontainebleau.
A estética decorativa opulenta e dinâmica desenvolvida em Fontainebleau propagou significativamente o estilo italiano. Esta difusão ocorreu sobretudo através das gravuras, chegando a Antuérpia e estendendo-se posteriormente pelo Norte da Europa, de Londres à Polónia. Os princípios de design maneirista também foram aplicados a itens de luxo, incluindo prataria e móveis esculpidos. As características deste estilo abrangem uma elevada sensação de tensão controlada transmitida através de intricados simbolismos e alegorias, juntamente com uma representação idealizada da beleza feminina marcada por proporções alongadas.
Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino, aluno de Pontormo, desenvolveu um estilo altamente influente que frequentemente complicava a atribuição de inúmeras obras de arte. Ao longo de sua carreira, Bronzino também colaborou com Vasari, atuando como cenógrafo na produção "Comédia dos Mágicos", durante a qual executou diversos retratos. Sua arte era altamente cobiçada e ele alcançou considerável aclamação ao ser nomeado pintor da corte da família Medici em 1539. Um traço maneirista distintivo na obra de Bronzino era sua representação característica de tez luminosa, quase leitosa.
A pintura de Bronzino, Vênus, Cupido, Loucura e Tempo, retrata uma cena erótica enigmática que provoca inúmeras interpretações. O primeiro plano mostra Cupido e Vênus à beira de um beijo, aparentemente interrompido no meio do ato. Acima deles, figuras mitológicas incluem o Pai Tempo à direita, abrindo uma cortina para revelar o par, e a deusa da noite à esquerda. A composição incorpora ainda uma coleção de máscaras, uma criatura híbrida que combina características de uma menina e uma serpente, e uma figura em intensa agonia. Várias teorias foram propostas para o significado da pintura, como o seu potencial comentário sobre os perigos da sífilis ou a sua função como uma diversão cortês.
Os retratos maneiristas de Bronzino são caracterizados por uma elegância tranquila e um foco exigente em detalhes intrincados. Conseqüentemente, seus temas muitas vezes transmitem uma impressão de distanciamento e distância emocional do observador. Um aspecto notável é a representação magistral dos padrões precisos e do brilho lustroso dos têxteis opulentos. Em Vênus, Cupido, Loucura e Tempo, Bronzino emprega especificamente técnicas maneiristas, incluindo movimentos distintos, detalhes meticulosos, cores vibrantes e formas esculturais. As posturas estranhas e contorcidas de Cupido e Vênus, ao se abraçarem parcialmente, exemplificam esse movimento maneirista. Bronzino torna notavelmente a tez das figuras com um branco impecável, semelhante ao da porcelana, apagando suavemente sua musculatura para evocar a superfície polida da escultura.
Alessandro Allori
Susanna e os Anciãos, de Alessandro Allori (1535–1607), é notável por seu erotismo sutil e elementos de natureza morta deliberadamente impressionantes, todos integrados em uma composição densa e contorcida.
Jacopo Tintoretto
Jacopo Tintoretto é reconhecido por suas distintas contribuições à pintura veneziana, divergindo significativamente do legado de Ticiano. Sua produção artística, que diferia marcadamente da de seus antecessores, atraiu críticas de Vasari por seu "estilo fantástico, extravagante e bizarro". Tintoretto incorporou elementos maneiristas em sua obra, afastando-se assim das convenções tradicionais da pintura veneziana. Ele frequentemente produzia arte que misturava componentes fantásticos com naturalismo. Outras características distintivas da obra de Tintoretto incluem sua ênfase na cor, alcançada através da aplicação consistente de pinceladas ásperas e do uso experimental de pigmentos para gerar ilusões de ótica. A Última Ceia de Tintoretto, encomendada por Michele Alabardi para San Giorgio Maggiore em 1591, exemplifica características maneiristas. Nesta representação, a cena é representada a partir da perspectiva de um grupo posicionado no lado direito da composição. À esquerda, Cristo e os Apóstolos estão sentados num dos lados da mesa, com Judas visivelmente isolado. O cenário predominantemente escuro apresenta fontes de luz limitadas, principalmente emanando do halo de Cristo e de uma tocha suspensa acima da mesa.
A composição distinta da Última Ceia de Tintoretto exibe com destaque traços maneiristas. Uma característica fundamental empregada por Tintoretto é o fundo escuro. Embora a pintura sugira um cenário interior através da perspectiva, as bordas da composição são em grande parte envoltas em sombras, aumentando o impacto dramático da cena central da Última Ceia. Além disso, Tintoretto emprega holofotes dramáticos, particularmente evidentes na auréola de Cristo e na tocha suspensa que ilumina a mesa. Uma terceira característica maneirista utilizada por Tintoretto envolve a representação atmosférica de figuras, aparecendo como se fossem formadas de fumaça e pairando dentro da composição.
El Greco
El Greco, o pintor espanhol nascido em Creta, procurou transmitir emoções religiosas através de características exageradas. Após as conquistas da Alta Renascença na representação humana realista e no domínio da perspectiva, certos artistas distorceram intencionalmente as proporções em espaços fragmentados e ilógicos para obter impacto expressivo e estético. El Greco continua a ser um artista profundamente original, que os estudiosos contemporâneos descrevem como tão distinto que desafia qualquer categorização dentro de qualquer escola convencional. Elementos maneiristas proeminentes na obra de El Greco abrangem uma paleta de cores "ácidas" discordante, formas anatômicas alongadas e contorcidas, perspectiva e iluminação ilógicas e iconografia enigmática e inquietante. O estilo distinto de El Greco representou uma síntese de desenvolvimentos artísticos únicos enraizados na sua herança grega e nas suas viagens pela Espanha e Itália.
A produção artística de El Greco integrou diversos elementos estilísticos, abrangendo influências bizantinas, as técnicas de Caravaggio e Parmigianino e paletas de cores venezianas. A sua profunda ênfase na cor foi um aspecto fundamental da sua pintura, que considerou primordial. Ao longo de sua carreira, as criações de El Greco conquistaram consistentemente uma demanda significativa, levando a grandes encomendas, incluindo aquelas para instituições como o Colegio de la Encarnación de Madrid.
O estilo de pintura distinto de El Greco e seu alinhamento com atributos maneiristas são evidentes em sua obra de 1610, Laocoön. Esta pintura ilustra a narrativa mitológica de Laocoonte, que alertou os troianos sobre o perigo do cavalo de madeira, apresentado pelos gregos como uma oferenda de paz à deusa Atena. Conseqüentemente, Atena (ou sua contraparte romana, Minerva) exigiu vingança despachando serpentes para matar Laocoonte e seus dois filhos. Em vez de retratar Tróia como cenário, El Greco posicionou a cena perto de Toledo, na Espanha, com a intenção de "universalizar a história, destacando sua relevância para o mundo contemporâneo".
O estilo distinto do Laocoön de El Greco serve como uma excelente ilustração de numerosas características maneiristas. Notavelmente, a composição apresenta formas humanas alongadas e movimentos serpentinos, que coletivamente transmitem uma impressão de elegância. Além disso, a pintura exibe efeitos atmosféricos maneiristas através da representação de El Greco de um céu nebuloso e uma paisagem de fundo desfocada.
Benvenuto Cellini
Em 1540, Benvenuto Cellini criou o Saleiro Cellini, uma peça requintada feita de ouro e esmalte. Apresenta figuras de Poseidon e Anfitrite, simbolizando a água e a terra, representadas em poses pouco convencionais e com proporções alongadas. Esta obra é amplamente reconhecida como uma obra-prima seminal da escultura maneirista.
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552–1614) foi uma proeminente retratista maneirista, frequentemente reconhecida como a primeira artista feminina profissional na Europa Ocidental. Ela ocupou o estimado cargo de Retratista Ordinária no Vaticano. A sua abordagem artística distingue-se pelas influências da família de pintores Carracci e pelas paletas de cores vibrantes características da Escola Veneziana. Fontana é particularmente celebrada por seus retratos de mulheres nobres e por suas representações de figuras nuas, um tema considerado pouco convencional para uma artista feminina de sua época.
Taddeo Zuccaro (ou Zuccari)
Taddeo Zuccaro nasceu em Sant'Angelo in Vado, cidade perto de Urbino, filho de Ottaviano Zuccari, pintor de renome limitado. Seu irmão, Federico, nascido por volta de 1540, também seguiu carreira como pintor e arquiteto.
Federico Zuccaro (ou Zuccari)
A carreira artística profissional de Federico Zuccaro começou em 1550, quando ele se mudou para Roma para ser aprendiz de seu irmão mais velho, Taddeo. Posteriormente, executou obras decorativas para o Papa Pio IV e contribuiu para os enfeites de afrescos da Villa Farnese em Caprarola. De 1563 a 1565, Zuccaro esteve envolvido em Veneza, colaborando com a família Grimani de Santa Maria Formosa. Durante este mandato veneziano, ele viajou por Friuli na companhia de Palladio.
Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566–1638) manteve um estilo de pintura maneirista do Norte ao longo de sua vida, desconsiderando notavelmente o surgimento da arte barroca. Esta adesão o posiciona como potencialmente o último artista maneirista proeminente a permanecer ativo. Sua obra abrangeu extensas composições de naturezas mortas, que lembram Pieter Aertsen, ao lado de cenas mitológicas. Muitas de suas obras eram pequenas pinturas em gabinete, meticulosamente reproduzidas em cobre, frequentemente apresentando figuras nuas.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo é reconhecido principalmente por suas obras de arte distintas que integram elementos de natureza morta e retratos. Sua abordagem artística é categorizada como maneirista, caracterizada por um estilo de montagem onde frutas e vegetais formam composições que podem ser interpretadas em múltiplas orientações, inclusive invertidas. As criações de Arcimboldo também se alinham com o Maneirismo através do humor que transmitem aos espectadores, divergindo da profunda seriedade frequentemente associada à arte renascentista. Estilisticamente, suas pinturas são notáveis pela observação meticulosa da natureza e pela conceituação de uma "aparência monstruosa".
Entre as obras de Arcimboldo que apresentam características maneiristas distintas está a pintura Vertumnus. Retratado sobre fundo preto, apresenta um retrato de Rodolfo II, cuja forma é composta inteiramente por diversos vegetais, flores e frutas. O aspecto humorístico da pintura transmite um comentário sobre o poder, sugerindo que o imperador Rodolfo II escondia um eu interior mais sombrio por trás de sua personalidade pública. Por outro lado, o seu tom sério pressagia a prosperidade prevista durante o seu mandato imperial.
A obra Vertumnus incorpora vários elementos maneiristas, evidentes tanto na sua composição como no conteúdo temático. Uma característica notável é o fundo plano e preto, utilizado por Arcimboldo para sublinhar o estatuto e a identidade do Imperador, ao mesmo tempo que acentua a natureza fantástica do seu governo. Neste retrato de Rodolfo II, Arcimboldo desvia-se da representação naturalista típica do Renascimento, explorando em vez disso a construção composicional retratando o Imperador a partir de um conjunto de frutas, vegetais, plantas e flores. Além disso, a pintura exemplifica o Maneirismo através da sua narrativa dupla, justapondo o humor a uma mensagem séria – um afastamento da típica ausência de humor na arte renascentista.
Arquitetura
A arquitetura maneirista se destacou por meio de engano visual e elementos não convencionais que subverteram as convenções renascentistas estabelecidas. Os artistas flamengos, muitos dos quais assimilaram as inovações maneiristas durante as suas viagens pela Itália, desempenharam um papel fundamental na divulgação destas tendências por toda a Europa a norte dos Alpes, particularmente no âmbito do design arquitectónico. Durante este período, os arquitetos experimentaram utilizar formas arquitetônicas para enfatizar relações sólidas e espaciais. A ênfase da Renascença na harmonia rendeu ritmos composicionais mais fluidos e imaginativos. Michelangelo (1475–1564), um pioneiro da Biblioteca Laurentiana, é reconhecido como o arquiteto mais proeminente associado ao estilo maneirista. Ele é creditado por conceber a ordem gigante, uma pilastra ou coluna monumental que se estende verticalmente por vários andares de uma fachada, que ele empregou em seu projeto para a Piazza del Campidoglio, em Roma. Ao mesmo tempo, o estilo herreriano (espanhol: estilo herreriano ou arquitectura herreriana) de arquitetura surgiu na Espanha durante o terço final do século XVI sob o reinado de Filipe II (1556-1598), persistindo até o século XVII, embora transformado pelo estilo barroco predominante. Este estilo representa a terceira e última fase da arquitetura renascentista espanhola, caracterizada por uma simplificação ornamental progressiva, fazendo a transição do plateresco inicial e do purismo clássico de meados do século XVI para a austeridade decorativa completa introduzida pelo estilo herreriano.
Antes do século XX, o termo Maneirismo carregava conotações pejorativas; no entanto, é agora utilizado para caracterizar o período histórico em termos mais amplos e não avaliativos. A arquitetura maneirista também foi invocada para descrever uma tendência de meados do século XX (décadas de 1960 e 1970) que simultaneamente desafiou e reconheceu as convenções da arquitetura modernista. Neste contexto, o arquiteto e autor Robert Venturi definiu o Maneirismo como: "O Maneirismo para a arquitetura do nosso tempo que reconhece a ordem convencional em vez da expressão original, mas quebra a ordem convencional para acomodar a complexidade e a contradição e, assim, envolve a ambiguidade de forma inequívoca."
Exemplos do Renascimento
A Villa Farnese em Caprarola, situada na acidentada zona rural romana, é um exemplo proeminente da arquitetura maneirista. A ampla atividade dos gravadores durante o século XVI facilitou a disseminação dos estilos maneiristas em um ritmo sem precedentes em comparação com os movimentos artísticos anteriores.
A porta de exibição ornamentada no Castelo de Colditz, rica em detalhes "romanos", exemplifica o estilo maneirista do norte, normalmente aplicado como um elemento arquitetônico distinto e isolado contra a alvenaria vernácula sem adornos.
A partir do final da década de 1560, numerosas estruturas em Valletta, a recém-criada região de Malta capital, foram concebidos pelo arquiteto Girolamo Cassar no idioma maneirista. Esses edifícios abrangem a Co-Catedral de São João, o Palácio do Grão-Mestre e os sete albergues originais. Embora muitas das construções de Cassar tenham sofrido alterações subsequentes, especialmente durante a era barroca, um número seleto, incluindo o Auberge d'Aragon e o exterior da Co-Catedral de São João, preserva em grande parte a estética maneirista inicial de Cassar.
Enquanto muitos estilos arquitetônicos exploram ideais harmoniosos, o Maneirismo avança além das normas estilísticas convencionais, explorando a estética da hipérbole e do exagero. Distingue-se pela sua sofisticação intelectual e pelas suas características artificiais, em vez de naturalistas. O maneirismo prioriza a tensão e a instabilidade composicionais em detrimento do equilíbrio e da clareza tradicionais. A definição precisa do Maneirismo e suas fases internas continua sendo um assunto de debate acadêmico contínuo entre os historiadores da arte.
Norte, ou Antuérpia, o Maneirismo precedeu e divergiu do Maneirismo Italiano. Durante a prosperidade económica do século XVI, Antuérpia desenvolveu um estilo distinto, representando a fase final da pintura holandesa inicial, ao mesmo tempo que incorporava elementos do início da Renascença. Antuérpia serviu como um canal crucial para a ampla disseminação dos estilos renascentista e maneirista em toda a Inglaterra, Alemanha e no norte e no leste da Europa.
Literatura e Música
O Maneirismo Literário abrangeu figuras proeminentes, incluindo Michelangelo, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Veronica Franco e Miguel de Cervantes, entre outros.
Na literatura inglesa, o Maneirismo é frequentemente associado às características dos "poetas metafísicos", sendo John Donne o mais renomado. Uma distinção concisa entre objetivos artísticos barrocos e maneiristas é fornecida pela crítica astuta de John Dryden, um escritor barroco, dirigida à poesia de John Donne da geração anterior:
Ele afeta a metafísica, não apenas em suas sátiras, mas em seus versos amorosos, onde somente a natureza deveria reinar; e confunde as mentes do belo sexo com agradáveis especulações de filosofia quando ele deveria engajar seus corações e entretê-los com a suavidade do amor.
O abundante potencial musical inerente à poesia do final do século XVI e início do século XVII ofereceu uma base convincente para o madrigal. Esta forma rapidamente alcançou destaque como o gênero musical mais importante na cultura italiana, conforme observado por Tim Carter:
O madrigal, particularmente em seu aspecto aristocrático, era obviamente um veículo para o 'estilo elegante' do Maneirismo, com poetas e músicos deleitando-se com conceitos espirituosos e outros truques visuais, verbais e musicais para deleitar o conhecedor.
O termo 'Maneirismo' também foi aplicado para caracterizar a música polifônica altamente ornamentada e contrapontísticamente intrincada composta na França do final do século XIV. Esta era é agora mais comumente designada como ars subtilior.
Maneirismo e Teatro
A Primeira Commedia dell'Arte (1550–1621): O Contexto Maneirista, de Paul Castagno, examina a influência do Maneirismo no teatro profissional contemporâneo. A pesquisa de Castagno marcou a tentativa inicial de categorizar uma forma teatral como maneirista, utilizando a terminologia do maneirismo e *maniera* para analisar a tipificação, o exagero e o effetto meraviglioso inerentes aos comici dell'arte. O estudo é predominantemente iconográfico, oferecendo evidências pictóricas de que numerosos artistas responsáveis pela pintura ou impressão de imagens *commedia* originaram-se de oficinas contemporâneas profundamente enraizadas na tradição *maniera*.
Os detalhes intrincados nas minuciosas gravuras de Jacques Callot parecem sugerir uma escala de ação muito maior. Balli di Sfessania de Callot (lit.'dança das nádegas') retrata o erotismo evidente da *commedia* através de elementos como falos salientes, lanças posicionadas com a implicação de penetração cômica e grotescamente máscaras exageradas que fundem características bestiais e humanas. O erotismo associado aos inamorados ("amantes"), manifestado através de elementos como seios à mostra ou véus elaborados, estava em alta nas pinturas e gravuras da segunda Escola de Fontainebleau, especialmente naquelas de influência franco-flamenga. Castagno estabelece conexões iconográficas entre a pintura de gênero e as figuras da *commedia dell'arte*, ilustrando como esta forma teatral foi profundamente integrada nas tradições culturais do final do *cinquecento*.
Commedia dell'arte, disegno interno e a discordia concordâncias
Existem correlações significativas entre o disegno interno, que substituiu o disegno esterno (desenho externo) na pintura maneirista. Este conceito envolve projetar uma perspectiva profundamente subjetiva que se sobrepõe às formas naturais ou aos princípios estabelecidos (como a perspectiva linear), mudando assim a ênfase do objeto para o seu sujeito e destacando a execução, o virtuosismo ou técnicas distintas. Essa visão interna é fundamental para a atuação da comédia. Por exemplo, durante a improvisação, um ator demonstra virtuosismo sem aderir a restrições formais, decoro, unidade ou um texto prescrito. Arlecchino sintetizou a discordia concors maneirista (a união dos opostos); ele poderia ser gentil e benevolente por um momento e depois transformar-se abruptamente em um ladrão violento envolvido em conflito. Arlecchino pode exibir movimentos graciosos, apenas para tropeçar desajeitadamente no instante seguinte. Livre de regulamentações externas, o ator celebrou a natureza efêmera do momento, assim como Benvenuto Cellini cativou os clientes ao drapejar suas esculturas e revelá-las com iluminação dramática e um sentimento de admiração. A apresentação de um objeto tornou-se assim tão crucial quanto o próprio objeto.
Neo-Maneirismo
No século XX, o surgimento do Neomaneirismo teve origem com o artista Ernie Barnes. O estilo foi profundamente influenciado pelas comunidades judaica e afro-americana, culminando na exposição "A Beleza do Gueto", que percorreu entre 1972 e 1979. Esta exposição viajou pelas principais cidades americanas e recebeu o patrocínio de dignitários, atletas profissionais e celebridades. Quando a exposição foi exibida em 1974 no Museu de Arte Africana em Washington, D.C., o deputado John Conyers sublinhou a sua significativa mensagem positiva no Registo do Congresso.
O estilo neo-maneirista, tal como desenvolvido por Barnes, apresenta temas caracterizados por membros e corpos alongados, juntamente com movimentos exagerados. Outro motivo recorrente são os olhos fechados dos sujeitos, simbolizando “o quão cegos somos para a humanidade uns dos outros”. Barnes articulou isso da seguinte forma: "Olhamos uns para os outros e decidimos imediatamente: esta pessoa é negra, então ela deve ser ... Esta pessoa vive na pobreza, então ela deve ser ...".
Teatro e cinema
Em uma entrevista, o diretor de cinema Peter Greenaway citou Federico Fellini e Bill Viola como principais inspirações para sua exploração extensa e autorreferencial da tensão inerente entre a estrutura do banco de dados de imagens e as diversas interfaces analógicas e digitais que as organizam cinematograficamente. Este compromisso pode ser classificado como neo-maneirista precisamente porque se distingue do (neo-)barroco: "Assim como o catolicismo romano lhe ofereceria o paraíso e o céu, há um paraíso comercial equivalente sendo oferecido em grande parte por todo o efeito capitalista, que está associado ao cinema ocidental. Esta é a minha analogia política em termos do uso da multimídia como arma política. Eu equipararia, em certo sentido, a grande Contra-Reforma barroca, sua atividade cultural, com o que o cinema, predominantemente o cinema americano, tem sido fazendo nos últimos setenta anos."
Como termo de crítica
De acordo com o crítico de arte Jerry Saltz, o "Neo-Maneirismo" (novo Maneirismo) está entre vários clichês que estão "espremindo a vida do mundo da arte". Saltz define o Neo-Maneirismo como a arte do século 21 produzida por estudantes cujos instrutores acadêmicos "os assustaram e os tornaram agradavelmente mansos, imitativos e comuns".
Contra-Maniera
- Contra-Maniera
- Arquitetura e escultura maneirista na Polônia
- Linha do tempo dos artistas italianos até 1800
- Maneirismo no Brasil
- Philippe Millereau
- Arte do final do século 16 em Milão
Notas de rodapé
Referências
- Um artigo intitulado "Maneirismo: Bronzino (1503–1572) e seus contemporâneos" do Metropolitan Museum of Art.