Op art, uma abreviatura de optical art, denota um estilo de arte visual caracterizado pela utilização de padrões geométricos distorcidos ou manipulados, frequentemente empregados para gerar ilusões de ótica. Originado no início do século XX, este movimento ganhou popularidade significativa a partir da década de 1960, com o próprio termo "Op art" sendo cunhado em 1964.
As obras de arte Op são predominantemente abstratas, com vários exemplos proeminentes executados em paletas monocromáticas. Essas peças evocam caracteristicamente no observador percepções de movimento, imagens ocultas, padrões pulsantes e oscilantes ou expansão e distorção volumétrica. Por outro lado, a técnica trompe-l'oeil, significativamente mais antiga, retrata consistentemente assuntos figurativos, representados com uma ilusão de profundidade tridimensional.
Contexto Histórico
O ilusionismo, que se centra na percepção do espaço expansivo dentro de um plano bidimensional, está presente desde os estágios iniciais da história da arte. No entanto, os precursores da Op art, particularmente no que diz respeito aos efeitos gráficos e ao interesse por fenómenos ópticos invulgares, são discerníveis em movimentos como o Neo-Impressionismo, o Cubismo, o Futurismo, o Construtivismo e o Dadaísmo. Os Divisionistas, um colectivo de artistas neo-impressionistas, esforçaram-se por aumentar a luminosidade percebida das suas telas, empregando princípios ópticos e ilusões. László Moholy-Nagy foi o pioneiro da Op art fotográfica e deu aulas sobre o tema na Bauhaus; um exercício pedagógico notável envolveu estudantes criando perfurações em cartões e posteriormente fotografando-os.
A publicação Time introduziu formalmente o termo op art em 1964, especificamente em reação à exposição de Julian Stanczak, Optical Paintings na Martha Jackson Gallery. Esta designação referia-se a um gênero de arte abstrata (especificamente arte não objetiva) que incorpora ilusões de ótica. No entanto, as criações artísticas agora categorizadas como "Op art" foram desenvolvidas durante vários anos antes da publicação da Time em 1964. Por exemplo, a pintura de Victor Vasarely de 1938, Zebras, consiste exclusivamente em listras curvilíneas em preto e branco sem linhas de contorno definidas. Como resultado, essas listras geram o efeito visual de se fundirem e se projetarem simultaneamente a partir do fundo circundante. Além disso, os primeiros painéis "deslumbrantes" em preto e branco de John McHale, exibidos na exposição This Is Tomorrow em 1956, e sua série Pandora, apresentada no Institute of Contemporary Arts em 1962, exemplificam as primeiras características da proto-Op art. Martin Gardner explorou a Op art e seus fundamentos matemáticos em sua coluna "Mathematical Games", publicada na Scientific American em julho de 1965. Na Itália, Franco Grignani, inicialmente formado como arquiteto, emergiu como uma figura proeminente no design gráfico, com a Op art e a arte cinética formando o núcleo de sua prática. Seu logotipo Woolmark, introduzido na Grã-Bretanha em 1964, é sem dúvida seu design mais renomado.
A op art provavelmente exibe uma derivação mais próxima das metodologias construtivistas predominantes na Bauhaus. Esta instituição alemã, fundada por Walter Gropius, enfatizou a ligação intrínseca entre forma e função, operando num quadro analítico e racional. Os alunos foram instruídos a priorizar o design holístico ou a estrutura composicional completa para alcançar resultados artísticos coesos. Além disso, a Op art se origina do trompe-l'œil e da anamorfose. Conexões com a investigação psicológica também foram estabelecidas, principalmente com a teoria da Gestalt e a psicofisiologia. Após o fechamento forçado da Bauhaus em 1933, vários instrutores emigraram para os Estados Unidos. Posteriormente, o movimento se estabeleceu em Chicago e mais tarde no Black Mountain College em Asheville, Carolina do Norte, onde Anni e Josef Albers eventualmente ocuparam cargos de ensino.
Frank Popper afirma que "Os artistas op conseguiram assim explorar vários fenômenos", detalhando ainda mais "a pós-imagem e o movimento consecutivo; a interferência de linha; o efeito de deslumbramento; figuras ambíguas e perspectiva reversível; sucessivos contrastes de cores e vibração cromática; e em obras tridimensionais diferentes pontos de vista e a sobreposição de elementos no espaço."
Em 1955, Victor Vasarely e Pontus Hulten introduziram novas expressões cinéticas, baseadas em fenómenos ópticos e luminosos juntamente com o ilusionismo pictórico, através do seu "Manifesto Amarelo" para a exposição Mouvements na galeria Denise René em Paris. A manifestação contemporânea da arte cinética surgiu inicialmente no Museum für Gestaltung de Zurique em 1960, passando posteriormente por uma evolução significativa ao longo da década de 1960. Na maioria das nações europeias, esta categoria artística normalmente abrange a arte óptica, que emprega principalmente ilusões visuais, como a op art e a arte baseada em movimentos, exemplificada por artistas como Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega e Nicolas Schöffer. Entre 1961 e 1968, o Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), fundado por François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein e Vera Molnár, funcionou como uma assembleia colaborativa de artistas optocinéticos. Tal como articulado no seu manifesto de 1963, o GRAV defendeu o envolvimento direto do público, com o objetivo de influenciar o comportamento do espectador, particularmente através de instalações labirínticas interativas.
Vários artistas europeus associados ao grupo Nouvelle Tendance (1961-1965), incluindo Almir Mavignier e Gerhard von Graevenitz, também exploraram a op art, principalmente através dos seus trabalhos serigráficos. Suas investigações artísticas focaram nas ilusões de ótica. A designação "op" revelou-se controversa para muitos artistas categorizados sob ela, nomeadamente Albers e Stanczak, que já haviam proposto "arte perceptual" como um descritor mais adequado durante o início do termo. Começando em 1964, Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) apresentou várias exposições individuais na Terrain Gallery em Nova York, apresentando suas extensas pinturas ópticas em preto e branco.
O olho responsivo
De 23 de fevereiro a 25 de abril de 1965, o Museu de Arte Moderna de Nova York sediou The Responsive Eye, uma exposição com curadoria de William C. Seitz, que posteriormente viajou para St. A diversificada coleção de obras de arte apresentava peças minimalistas de Frank Stella e Ellsworth Kelly, as formas esculturais fluidas de Alexander Liberman, projetos colaborativos do grupo Anonima e contribuições de artistas proeminentes como Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stanczak, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley e Getulio Alviani. Esta exposição destacou especificamente as dimensões perceptivas da arte, decorrentes tanto da ilusão de movimento quanto da interação de relações cromáticas.
Embora a exposição tenha recebido aclamação pública significativa, atraindo mais de 180.000 visitantes, teve uma recepção menos favorável por parte dos críticos de arte. Os críticos em grande parte rejeitaram a op art como um mero trompe-l'oeil, caracterizando-a como um truque visual. No entanto, a aceitação pública do estilo cresceu, levando à aplicação generalizada de imagens de op art em diversas aplicações comerciais. Notavelmente, um dos primeiros documentários de Brian de Palma narrou esta exposição.
Metodologia Operacional
Dicotomia entre preto e branco: dinâmica figura-fundo
A op art constitui um fenômeno perceptivo intrinsecamente ligado aos mecanismos da visão humana. Esta forma de arte visual dinâmica origina-se de uma relação dissonante entre figura e fundo, estabelecendo uma justaposição tensa e paradoxal entre os planos de primeiro plano e de fundo. Os artistas empregam principalmente dois métodos para produzir op art. A abordagem mais reconhecida envolve a geração de efeitos através da manipulação de padrões e linhas. Essas obras frequentemente utilizam preto e branco ou tons de cinza (grisaille), como exemplificado pelos primeiros trabalhos de Bridget Riley, como Current (1964), que apareceu na capa do catálogo The Responsive Eye. Nessas peças, linhas onduladas em preto e branco bem espaçadas na superfície da tela geram uma interação volátil entre figura e fundo. Getulio Alviani, por outro lado, utilizou superfícies de alumínio tratado para gerar padrões de luz que se transformam com o movimento do observador, criando superfícies texturizadas vibrantes. Outro efeito visual observado é a geração de pós-imagens de cores específicas, consequência da forma como a retina processa e interpreta a luz. Conforme elucidado por Goethe em sua obra seminal Teoria das Cores, a cor surge na interface entre claro e escuro, visto que claro e escuro são propriedades fundamentais na geração cromática.
Elementos cromáticos
Bridget Riley iniciou a produção de Op Art baseada em cores em 1965; no entanto, outros artistas, incluindo Julian Stanczak e Richard Anuszkiewicz, priorizaram consistentemente a cor como o elemento central dos seus esforços artísticos. Josef Albers instruiu esses dois expoentes proeminentes da escola "Função da Cor" em Yale durante a década de 1950. Os trabalhos coloristas abordam frequentemente os mesmos princípios da dinâmica figura-fundo, mas incorporam a dimensão adicional de matizes contrastantes, que geram efeitos visuais distintos. Por exemplo, as pinturas do “templo” de Anuszkiewicz utilizam a justaposição de duas cores altamente contrastantes para evocar uma ilusão de profundidade dentro de um espaço tridimensional, criando a percepção de que a forma arquitetônica se projeta no ambiente imediato do observador.
Exposições
- L'Œil moteur: Art optique et cinétique 1960–1975, Musée d'art moderne et contemporain, Estrasburgo, França, 13 de maio a 25 de setembro de 2005.
- Op Art, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemanha, 17 de fevereiro a 20 de maio de 2007.
- The Optical Edge, The Pratt Institute of Art, Nova York, 8 de março a 14 de abril de 2007.
- Nervo Óptico: Arte Perceptual da década de 1960, Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 16 de fevereiro a 17 de junho de 2007.
- CLE OP: Cleveland Op Art Pioneers, Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, 9 de abril de 2011 – 26 de fevereiro de 2012.
- Bridget Riley participou de inúmeras exposições internacionais, incluindo as do Dia Center, Nova York (2000); Tate Britain, Londres (2003); e o Museu de Arte Contemporânea de Sydney (2004).
Referências
Referências
Bibliografia
- Popper, Frank. Origens e Desenvolvimento da Arte Cinética. Sociedade Gráfica de Nova York/Studio Vista, 1968.
- Popper, Frank. Da arte tecnológica à arte virtual. Leonardo Books, MIT Press, 2007.
- Seitz, William C. (1965). O olho responsivo (PDF). Nova York: Museu de Arte Moderna. Catálogo da exposição.{{citar livro}}: CS1 maint: postscript (link)
- Opartica - ferramenta on-line de criação de arte operacional