Performance art

A arte performática é uma disciplina artística ou exposição caracterizada por ações realizadas pelo artista ou outros participantes. Pode ser vivenciado ao vivo ou por meio de documentação, e pode ser concebido espontaneamente ou meticulosamente roteirizado, normalmente apresentado a um público dentro de uma estrutura de arte, muitas vezes adotando uma abordagem interdisciplinar. Também conhecida como ação artística, evoluiu ao longo do tempo para um gênero distinto onde a expressão artística é entregue em tempo real. Esta forma desempenhou um papel crucial e fundamental nos movimentos artísticos de vanguarda do século XX.

Arte performática é uma obra de arte ou exposição de arte criada por meio de ações executadas pelo artista ou por outros participantes. Pode ser testemunhado ao vivo ou através de documentação, desenvolvida espontaneamente ou escrita, e é tradicionalmente apresentado ao público em contexto de artes plásticas de forma interdisciplinar. Também conhecida como ação artística, foi desenvolvida ao longo dos anos como um gênero próprio em que a arte é apresentada ao vivo. Teve um papel importante e fundamental na arte de vanguarda do século XX.

Esta forma de arte engloba cinco componentes fundamentais: o tempo, o espaço, o corpo, a presença do artista e a dinâmica entre o artista e o público. Embora frequentemente encenadas em galerias de arte e museus, essas performances podem ocorrer em diversos ambientes, espaços e contextos temporais. O objetivo principal é provocar uma resposta, muitas vezes facilitada pela improvisação e por uma sensibilidade estética deliberada. Os elementos temáticos comuns incluem as experiências pessoais do artista, o imperativo da crítica ou denúncia social e um impulso subjacente para a mudança transformadora.

Embora a prática da performance nas artes visuais tenha as suas origens nas produções futuristas e cabarés da década de 1910, os termos "arte performática" e "performance" ganharam ampla aceitação durante a década de 1970. Em 1969, o crítico de arte e artista performático John Perreault atribuiu a cunhagem do termo a Marjorie Strider. Os principais pioneiros da arte performática incluem Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein e Vito Acconci. Expoentes mais proeminentes contemporâneos incluem Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Marta Minujín, Melati Suryodarmo e Petr Pavlensky. Esta disciplina está conceitualmente conectada aos happenings e "eventos" associados ao movimento Fluxus, ao Actionismo Vienense, à arte corporal e à arte conceitual.

Definição

A definição precisa e a contextualização histórica e pedagógica da arte performática continuam a ser temas de debate considerável. Um desafio significativo surge da natureza polissémica do termo, particularmente porque uma das suas interpretações diz respeito às artes performativas. No entanto, esta interpretação de “performance” no contexto das artes performativas diverge fundamentalmente do conceito de “arte performativa”, que se originou de uma postura crítica e muitas vezes antagónica contra as artes cénicas tradicionais. A arte performática compartilha pontos em comum com as artes performáticas apenas em aspectos específicos, como a presença do público e do corpo físico; além disso, nem todas as peças de arte performática incorporam esses elementos específicos.

No seu sentido mais restrito, o termo "arte performática" está intrinsecamente ligado às tradições pós-modernistas predominantes na cultura ocidental. Emergindo aproximadamente de meados da década de 1960 até a década de 1970, e frequentemente recorrendo a conceitos de artes visuais, a arte performática - influenciada por figuras e movimentos como Antonin Artaud, Dada, os Situacionistas, Fluxus, arte de instalação e arte conceitual - foi frequentemente conceituada como uma antítese ao teatro tradicional, desafiando assim as formas de arte estabelecidas e as normas culturais prevalecentes. O princípio subjacente era criar uma experiência efémera e autêntica tanto para o intérprete como para o público, manifestando-se como um evento incapaz de repetição, captura ou aquisição comercial. A diferenciação amplamente debatida na aplicação de conceitos de arte visual e arte performática impacta significativamente a interpretação de uma apresentação de arte performática.

A designação "arte performática" é normalmente reservada para uma forma de arte conceitual que comunica significado orientado ao conteúdo, muitas vezes com tons dramáticos, em vez de servir apenas como entretenimento ou performance por seu bem intrínseco. Este gênero abrange principalmente performances apresentadas a um público, mas evita deliberadamente apresentar uma peça teatral convencional, uma narrativa linear formal ou a representação de personagens fictícios em interações estruturadas e roteirizadas. Consequentemente, pode incorporar ação ou palavra falada como uma comunicação direta entre o artista e o público, ou mesmo ignorar intencionalmente as expectativas do público, em vez de aderir a um guião pré-escrito.

No entanto, certas manifestações da arte performativa podem exibir proximidade com as artes performativas. Tais performances podem empregar um roteiro ou estabelecer um contexto dramático fictício; no entanto, eles permanecem dentro do domínio da arte performática, desviando-se intencionalmente da norma dramática convencional de construção de um cenário fictício com um roteiro linear que segue a dinâmica típica do mundo real. Em vez disso, visam propositalmente satirizar ou transcender a dinâmica comum do mundo real comumente empregada em produções teatrais tradicionais.

Artistas performáticos frequentemente desafiam o público a se envolver em processos de pensamento novos e não convencionais, subvertendo convenções artísticas tradicionais e desmantelando noções estabelecidas sobre "o que é arte". Desde que o artista evite representações repetitivas, a arte performática pode incorporar elementos satíricos; utilizar robôs e máquinas como artistas, como exemplificado por peças dos Laboratórios de Pesquisa de Sobrevivência; envolvem componentes ritualizados (por exemplo, Shaun Caton); ou integrar aspectos de diversas artes cênicas, como dança, música e circo. A arte performática também pode cruzar-se com a arquitetura e entrelaçar-se com a prática religiosa e a teologia.

Alguns artistas, como os acionistas vienenses e os neodadaístas, preferem termos alternativos como "arte viva", "arte de ação", "ações", "intervenção" ou "manobra" para caracterizar as suas atividades performativas. Gêneros específicos da arte performática incluem arte corporal, performance Fluxus, acontecimentos, poesia de ação e intermedia.

Origens

A arte performática originou-se como uma expressão artística alternativa, com a disciplina surgindo em 1916, concomitante ao dadaísmo, e situada no quadro mais amplo da arte conceitual. Tristan Tzara, um pioneiro do dadaísmo, liderou este movimento. Os teóricos culturais ocidentais geralmente situam a gênese da arte performática no início do século 20, ao lado de movimentos como o Construtivismo, o Futurismo e o Dadaísmo. Dada serviu de inspiração significativa devido às suas ações poéticas não convencionais. Além disso, certos artistas futuristas, particularmente aqueles associados ao futurismo russo, também são reconhecidos como fundamentais para o surgimento da arte performática.

Cabaret Voltaire

O Cabaret Voltaire foi fundado em Zurique, Suíça, por Hugo Ball e Emmy Hennings com objetivos artísticos e políticos, servindo como cadinho para novas tendências artísticas. Situado no andar superior de um teatro, cujas exposições convencionais eram muitas vezes satirizadas nas apresentações do cabaré, o cabaré apresentava obras vanguardistas e experimentais. Acredita-se que o movimento dadaísta tenha sido estabelecido neste local de dez metros quadrados. Além disso, os surrealistas, cujo movimento evoluiu diretamente do dadaísmo, frequentemente se reuniam no Cabaré. Durante o seu breve período operacional - abrangendo apenas seis meses até ao seu encerramento no verão de 1916 - o Cabaré acolheu as ações, performances e apresentações dadaístas inaugurais que integravam poesia, artes visuais, música e ações repetitivas, juntamente com a leitura do Manifesto Dadaísta. Figuras-chave, incluindo Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp e Jean Arp, envolveram-se em eventos provocativos e escandalosos que formaram os princípios fundamentais do movimento anarquista conhecido como Dada.

O dadaísmo surgiu com o objetivo explícito de desmantelar sistemas e normas estabelecidas no mundo da arte. Caracterizado como um movimento antiarte, antiliterário e antipoesia, desafiou fundamentalmente a própria existência da arte, da literatura e da poesia. O dadaísmo transcendeu um mero método criativo, evoluindo para uma ideologia abrangente que influenciou um modo de vida. Opôs-se a conceitos como beleza eterna, princípios imutáveis, leis lógicas, estagnação intelectual e verdades universais. Em vez disso, defendeu a mudança, a espontaneidade, o imediatismo, a contradição, a aleatoriedade e a aceitação do caos sobre a ordem e da imperfeição sobre a perfeição – princípios que ressoam na arte performática. Os dadaístas defenderam a provocação, o protesto anti-arte e o escândalo, muitas vezes empregando modos de expressão satíricos e irônicos. Suas ações disruptivas contra as formas artísticas tradicionais foram frequentemente caracterizadas pelo absurdo, pela rejeição do valor inerente e pela aceitação do caos.

O Cabaret Voltaire fechou em 1916, mas foi revivido no século 21.

Futurismo

O futurismo surgiu em 1909 como um movimento artístico de vanguarda. Inicialmente, manifestou-se como um movimento literário, apesar de a maioria dos seus adeptos serem pintores. Seu escopo inicial também abrangia escultura, fotografia, música e cinema. Embora a Primeira Guerra Mundial tenha restringido em grande parte o movimento, ele persistiu na Itália até a década de 1930. A Rússia estava entre as nações onde o Futurismo exerceu influência significativa. Manifestos notáveis ​​publicados incluem o Manifesto da Escultura Futurista e a Arquitetura Futurista em 1912, seguidos em 1913 pelo Manifesto da Luxúria Futurista do dançarino, escritor e artista francês Valentine de Saint-Point. Os futuristas divulgaram as suas teorias através de encontros públicos, reuniões e conferências, que se assemelhavam a comícios políticos e incorporavam poesia e elementos de music-hall, prenunciando assim a arte performática.

Bauhaus

A Bauhaus, uma escola de arte fundada em Weimar em 1919, incorporou oficinas experimentais de artes cênicas destinadas a explorar a inter-relação entre corpo, espaço, som e luz. O Black Mountain College, fundado nos Estados Unidos por instrutores da Bauhaus exilados pelo Partido Nazista, continuou a integrar artes cênicas experimentais na educação em artes cênicas, antecedendo em duas décadas os desenvolvimentos significativos na história da performance durante a década de 1960. O nome Bauhaus deriva das palavras alemãs Bau, construção, e Haus, casa; ironicamente, apesar do nome e do fato de seu fundador ser arquiteto, a Bauhaus não tinha um departamento de arquitetura durante seus primeiros anos.

Pintura de ação

Durante as décadas de 1940 e 1950, a técnica ou movimento da pintura de ação permitiu aos artistas conceituar a tela como uma arena de ação, transformando assim as obras de arte resultantes em vestígios da performance de estúdio do artista. Segundo o crítico de arte Harold Rosenberg, constituiu um processo fundamental para a arte performática, ao lado do Expressionismo Abstrato. Jackson Pollock, muitas vezes considerado o pintor de ação por excelência, frequentemente executava suas obras como performances ao vivo. Na Europa, Yves Klein criou a sua *Antropométrias* empregando corpos femininos para aplicar tinta em telas em manifestações públicas. Figuras notáveis como Willem de Kooning e Franz Kline também incorporaram elementos de pintura abstrata e de ação em suas obras.

Nouveau réalisme

O Nouveau réalisme é reconhecido como um movimento artístico fundamental na gênese da arte performática. Este movimento de pintura foi fundado em 1960 pelo crítico de arte Pierre Restany e pelo pintor Yves Klein, coincidindo com a sua exposição colectiva inaugural na Galeria Apollinaire em Milão. O Nouveau réalisme estava, ao lado do Fluxus e outros grupos, entre as numerosas correntes de vanguarda da década de 1960. Pierre Restany orquestrou várias instalações de arte performática na Tate Modern e outros locais. Yves Klein emergiu como um pioneiro da arte performática, com suas peças conceituais como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) e a fotomontagem Saut dans le vide. Toda a sua obra demonstra uma forte ligação à arte performática, sendo muitas vezes concebida como ações ao vivo, exemplificadas pelas suas renomadas pinturas criadas com modelos femininas. Os membros do grupo percebiam o mundo como uma vasta imagem, da qual extraíam elementos para integrar na sua arte, procurando assim colmatar a lacuna entre a vida e a expressão artística.

Gutai

O movimento japonês Gutai, conhecido por sua arte de ação e acontecimentos, também antecipou significativamente a arte performática. Originou-se em 1955 na região japonesa de Kansai (abrangendo Kyōto, Ōsaka e Kōbe). Os principais participantes incluíram Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama e Atsuko Tanaka. Formado no rescaldo da Segunda Guerra Mundial, o grupo Gutai rejeitou o consumismo capitalista, manifestando-o através de ações irónicas imbuídas de agressividade latente, como a destruição de objetos e performances baseadas no fumo. Sua influência se estendeu a grupos como Fluxus e artistas como Joseph Beuys e Wolf Vostell.

Land arte e performance

No final da década de 1960, vários artistas de Land Art, incluindo Robert Smithson e Dennis Oppenheim, produziram instalações ambientais que anteciparam a arte performática da década de 1970. Posteriormente, artistas conceituais do início da década de 1980, como Sol LeWitt, que transformou o desenho mural em um ato performativo, inspiraram-se em Yves Klein e outros praticantes da Land Art. Land Art é um movimento de arte contemporânea caracterizado por uma ligação intrínseca entre a paisagem e a criação artística. Utiliza elementos naturais (por exemplo, madeira, solo, rochas, areia, vento, fogo, água) como materiais para intervenções específicas do local. A gênese da obra de arte está inerentemente ligada à sua localização específica. Os resultados muitas vezes se manifestam como uma fusão de escultura e arquitetura, ou escultura e paisagismo, uma forma híbrida que ganha cada vez mais destaque nos espaços públicos contemporâneos. Quando o corpo do artista é integrado ao processo criativo, a Land Art exibe paralelos com os estágios nascentes da performance art.

década de 1960

Durante a década de 1960, uma gama diversificada de novos trabalhos artísticos, conceitos e um número crescente de artistas contribuíram para o surgimento de novas formas de arte performática. Este desenvolvimento teve como objetivo ampliar a compreensão convencional da arte, inspirando-se em princípios semelhantes aos do Cabaret Voltaire ou do Futurismo. Esses novos movimentos eram distintos do Actionismo vienense, da arte performática de vanguarda na cidade de Nova York, da arte processual, da evolução do The Living Theatre ou dos acontecimentos, mas solidificaram coletivamente as contribuições fundamentais dos pioneiros da arte performática.

Acionismo Vienense

Actionismo vienense (Wiener Aktionismus) denota um movimento artístico conciso, mas controverso, do século XX, reconhecido pela natureza violenta, grotesca e visceral de suas obras. Com origem na vanguarda austríaca da década de 1960, o seu objetivo era integrar a arte com a performance, estabelecendo ligações com o Fluxus e a Body Art. Expoentes proeminentes incluíram Günter Brus, Otto Muehl e Hermann Nitsch, que conduziram principalmente suas atividades acionistas de 1960 a 1971. Nitsch, um pioneiro na arte performática, estreou seu Teatro de Orgias e Mistérios (Teatro Orgien und Mysterien) em 1962. Marina Abramović mais tarde participou como performer em uma de suas obras em 1975.

Nova York e performance de vanguarda

Durante o início da década de 1960, a cidade de Nova York tornou-se um centro significativo para numerosos movimentos, eventos e interesses relacionados à arte performática. Notavelmente, Andy Warhol iniciou seu trabalho na produção de filmes e vídeos. Em meados da década, ele patrocinou o The Velvet Underground e orquestrou vários eventos performativos em Nova York, como o Exploding Plastic Inevitable (1966), que apresentava rock ao vivo, iluminação dinâmica e filmes. Entre os artistas performáticos de vanguarda da cidade, Joey Skaggs ganhou destaque na década de 1960 através de intervenções públicas provocativas que criticavam o poder institucional e o espetáculo da mídia. Suas primeiras obras incluem A Crucificação (1966–1969), uma escultura em tamanho real de um Cristo decadente exibida em parques públicos para protestar contra a hipocrisia religiosa, e o Hippie Bus Tour to Queens (1968), onde artistas do East Village parodiaram ônibus turísticos voyeuristas visitando bairros suburbanos.

O Teatro Vivo

Novas formas teatrais, exemplificadas pela San Francisco Mime Troupe e pelo The Living Theatre, influenciaram significativamente a performance no mundo da arte, particularmente nos Estados Unidos. Essas produções eram frequentemente apresentadas em teatros Off-Off Broadway no SoHo e no La MaMa na cidade de Nova York. O Living Theatre, fundado em Nova York em 1947, tem a distinção de ser o teatro experimental mais antigo dos Estados Unidos. Sua liderança tem sido consistentemente assegurada por seus fundadores: a atriz Judith Malina, que estudou teatro com Erwin Piscator, com foco nas teorias de Bertolt Brecht e Meyerhold; e o pintor e poeta Julian Beck. Após a morte de Beck em 1985, Hanon Reznikov, membro da companhia, assumiu o papel de codiretor ao lado de Malina.

Como um dos grupos de teatro experimental mais antigos, o The Living Theatre serviu como um modelo significativo para outros. Seus membros viam o teatro como um modo de vida, com atores vivendo em comunidade sob princípios libertários. Os esforços teatrais da companhia visavam transformar as estruturas de poder das sociedades autoritárias e hierárquicas. O Living Theatre viajou principalmente pela Europa de 1963 a 1968, e pelos EUA em 1968. Uma produção notável dessa época, Paradise Now, ganhou notoriedade por sua ampla participação do público e por uma cena em que os atores recitavam uma lista de tabus sociais, incluindo nudez, enquanto se despiam.

Fluxus

Fluxus, um termo latino que significa fluxo, constitui um movimento de artes visuais que abrange música, literatura e dança. Seu período de pico de atividade ocorreu durante as décadas de 1960 e 1970. Os adeptos do Fluxus defenderam contra a mercantilização dos objetos artísticos tradicionais, posicionando o movimento como uma forma de arte sociológica. George Maciunas (1931–1978) fundou informalmente o Fluxus em 1962. O movimento ganhou adeptos em toda a Europa, Estados Unidos e Japão. Evoluindo principalmente na América do Norte e na Europa, influenciado por John Cage, o movimento Fluxus divergiu da visão da vanguarda apenas como uma inovação linguística. Em vez disso, pretendia redirecionar canais de arte estabelecidos, separando-os de restrições linguísticas específicas, e abraçou uma abordagem interdisciplinar, incorporando diversos meios e materiais. Neste quadro, a linguagem serviu não como um objectivo último, mas como um mecanismo para a renovação mais ampla da arte, concebida como um fenómeno global. Semelhante ao dadaísmo, o Fluxus resistiu a uma definição ou categorização precisa. Dick Higgins, cofundador do movimento, articulou:

O Fluxus começou com o trabalho e depois se juntou, aplicando o nome Fluxus a trabalhos que já existiam. Foi como se tudo tivesse começado no meio da situação, e não no início.

Robert Filliou contrastou o Fluxus com a arte conceitual, enfatizando seu envolvimento direto, imediato e urgente com a existência cotidiana. Ele postulou que enquanto Marcel Duchamp, através dos seus Ready-mades, integrava objetos do quotidiano na arte, o Fluxus inverteu esta abordagem ao dissolver a arte na vida quotidiana, frequentemente através de pequenas ações ou performances.

John Cage foi um proeminente compositor, teórico musical, artista e filósofo americano. Como pioneiro na indeterminação musical, na música eletroacústica e na instrumentação não convencional, Cage emergiu como uma figura central na vanguarda do pós-guerra. Ele foi amplamente aclamado pela crítica como um dos compositores mais influentes do século XX. Além disso, Cage desempenhou um papel crucial na evolução da dança moderna, em grande parte atribuível à sua extensa colaboração com o coreógrafo Merce Cunningham, que também foi seu parceiro romântico ao longo da vida.

Sari Dienes, um associado próximo de Cage, é reconhecido como um intermediário significativo conectando expressionistas abstratos, artistas neodadá como Robert Rauschenberg e Ray Johnson, e o movimento Fluxus. Dienes influenciou notavelmente esses artistas a integrar elementos da vida, filosofia Zen, metodologias de produção artística performativa e "eventos", executados através de abordagens premeditadas e espontâneas.

Processar arte

A arte processual designa um movimento artístico onde o resultado final da arte e do artesanato, especificamente o objet d’art (abrangendo tanto obras de arte como objetos encontrados), não é a ênfase principal. Em vez disso, o próprio processo criativo – envolvendo atividades como reunir, classificar, agrupar, associar, padronizar e iniciar ações e procedimentos – é considerado fundamental. Os praticantes da arte processual consideravam a criação artística uma forma não adulterada de expressão humana. O movimento postula que o próprio ato de criar uma obra de arte pode constituir uma obra de arte por si só. O artista Robert Morris priorizou notavelmente a "antiforma", o processo e o tempo em vez de um produto final definitivo baseado em objeto.

Acontecendo

De acordo com Wardrip-Fruin e Montfort em The New Media Reader, "O termo 'Happening' tem sido usado para descrever muitas performances e eventos, organizados por Allan Kaprow e outros durante as décadas de 1950 e 1960, incluindo uma série de produções teatrais que eram tradicionalmente roteirizadas e convidavam apenas a interação limitada do público." Um happening fornece aos artistas uma plataforma para explorar movimentos corporais, áudio gravado, textos falados e escritos e elementos olfativos. As primeiras contribuições de Allan Kaprow incluem Happenings in the New York Scene, publicado em 1961. Os acontecimentos de Kaprow transformaram o público em participantes ativos ou intérpretes. Freqüentemente, os espectadores inadvertidamente tornaram-se parte integrante da performance. Criadores notáveis de happenings incluem Jim Dine, Al Hansen, Claes Oldenburg, Robert Whitman e Wolf Vostell, cujo trabalho inclui Theatre is in the Street (Paris, 1958).

Artistas Principais

A arte performática criada depois de 1968 frequentemente refletia o cenário político e cultural daquele ano. Barbara T. Smith, com seu trabalho Ritual Meal de 1969, foi uma figura de vanguarda na arte feminista corporal e cênica durante a década de 1970, um movimento que também incluiu Carolee Schneemann e Joan Jonas. Esses artistas, juntamente com Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden, Dennis Oppenheim e membros do coletivo espanhol Zaj, como Esther Ferrer e Juan Hidalgo, foram pioneiros na exploração da relação entre arte corporal e arte performática.

Barbara Smith é uma artista e ativista americana, reconhecida como uma das principais defensoras afro-americanas do feminismo e do ativismo LGBT nos Estados Unidos. No início da década de 1970, ela atuou como educadora, escritora e defensora do movimento feminista negro. Ela lecionou em várias faculdades e universidades nos últimos cinco anos. Os ensaios, resenhas, artigos, contos e crítica literária de Smith apareceram em diversas publicações, incluindo The New York Times, The Guardian, The Village Voice e The Nation.

Carolee Schneemann foi uma artista visual experimental americana, conhecida por seus trabalhos multimídia que exploram o corpo, a narrativa, a sexualidade e o gênero. Suas peças notáveis ​​incluem Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). Schneemann considerava seu corpo uma superfície fundamental para seus empreendimentos artísticos, descrevendo-se como "uma pintora que deixou a tela para ativar o espaço real e o tempo vivido".

Joan Jonas (nascida em 13 de julho de 1936) é uma artista visual americana e pioneira em vídeo e arte performática, reconhecida como uma das artistas femininas mais importantes que surgiram no final dos anos 1960 e início dos anos 1970. Seus projetos e experimentos fundamentais forneceram a base para grande parte da arte performática de vídeo subsequente, com sua influência também se estendendo à arte conceitual, teatro e outras mídias visuais. Jonas atualmente mora e trabalha em Nova York e Nova Escócia, Canadá. Imersa na cena artística do centro de Nova York durante a década de 1960, ela estudou com a coreógrafa Trisha Brown por dois anos e também colaborou com os coreógrafos Yvonne Rainer e Steve Paxton.

Yoko Ono foi uma figura proeminente nos movimentos de vanguarda e Fluxus dos anos 1960. Ela é particularmente reconhecida por suas peças de arte performática do final dos anos 1960, como Cut Piece, onde os visitantes eram convidados a interagir com seu corpo cortando suas roupas. Outra de suas obras notáveis ​​é Peça de parede para orquestra (1962).

Joseph Beuys foi um artista alemão reconhecido por suas contribuições ao Fluxus, acontecimentos, arte performática, pintura, escultura, design de medalhas e arte de instalação. Seu envolvimento com o movimento neodadaísta Fluxus começou em 1962, onde posteriormente se tornou um membro fundamental. Um aspecto significativo do seu legado foi a socialização da arte, com o objetivo de melhorar a sua acessibilidade a um público mais amplo. Em sua performance de 1965, Como explicar imagens para uma lebre morta, Beuys cobriu o rosto com mel e folhas de ouro enquanto explicava sua obra de arte para uma lebre falecida embalada em seus braços. Esta peça integrou elementos espaciais, escultóricos, linguísticos e sonoros com a presença física e os gestos do artista, incorporando a consciência de um comunicador dirigindo-se a um receptor animal. Beuys frequentemente adotava a personalidade de um xamã, acreditando que possuía poderes curativos e salvíficos para uma sociedade que considerava moribunda. Em 1974, executou a performance I Like America and America Likes Me, que envolveu Beuys, um coiote, e materiais como papel, feltro e palha. Coabitou com o coiote durante três dias, durante os quais acumulou jornais dos Estados Unidos, simbolizando o capitalismo. Com o tempo, desenvolveu-se um grau de tolerância mútua entre Beuys e o coiote, culminando com o artista abraçando o animal. Beuys frequentemente incorporava elementos recorrentes em suas obras. Seus objetos diferiam dos readymades de Duchamp não por sua natureza humilde ou efêmera, mas por serem parte integrante da vida pessoal de Beuys, tendo sido imbuídos de suas experiências e marcas. Muitos destes elementos, como o mel ou a gordura associada aos tártaros que sobreviveram à Segunda Guerra Mundial, tinham um significado autobiográfico. Em 1970, ele criou seu Terno de Feltro. Nesse mesmo ano, Beuys lecionou escultura na Kunstakademie Düsseldorf. Uma retrospectiva de seu trabalho das décadas de 1940 a 1970 foi exibida no Museu Solomon R. Guggenheim na cidade de Nova York em 1979.

Nam June Paik, um artista sul-coreano de performance, composição e vídeo, teve destaque durante a segunda metade do século XX. Ele prosseguiu estudos em música e história da arte na Universidade de Tóquio. Em 1956, mudou-se para a Alemanha, onde inicialmente estudou Teoria Musical em Munique antes de continuar seus estudos no Conservatório de Freiburg, em Colônia. Durante seus estudos alemães, Paik encontrou figuras notáveis ​​como os compositores Karlheinz Stockhausen e John Cage, ao lado dos artistas conceituais Sharon Grace, George Maciunas, Joseph Beuys e Wolf Vostell. A partir de 1962, tornou-se participante ativo do Fluxus, um movimento artístico experimental. Paik posteriormente se envolveu com este movimento Neo-Dada, Fluxus, que se inspirou na incorporação de sons e ruídos cotidianos de John Cage em suas composições musicais. Como membro do Fluxus, manteve uma estreita associação com Yoko Ono.

Wolf Vostell, um artista alemão, emergiu como uma figura altamente representativa durante a segunda metade do século XX. Sua prática artística diversificada abrangeu uma ampla gama de mídias e técnicas, incluindo pintura, escultura, instalação, decolagem, videoarte, acontecimentos e Fluxus.

Vito Acconci foi um influente artista americano conhecido por seu trabalho em performance, vídeo e instalação artística, cuja prática expansiva mais tarde se estendeu à escultura, projeto arquitetônico e paisagismo. A sua performance e videoarte seminal foi distinguida por temas de "mal-estar existencial", exibicionismo, desconforto, transgressão e provocação, muitas vezes associados à inteligência e à audácia. Este trabalho desafiou frequentemente as fronteiras convencionais, como aquelas entre o público e o privado, o consensual e o não consensual, e o mundo real e o mundo da arte. A obra de Acconci é reconhecida por sua influência em artistas como Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman e Tracey Emin. Inicialmente atraído pela poesia radical, Acconci mudou seu foco no final dos anos 1960 para criar performances de influência situacionista. Estas obras, muitas vezes encenadas em espaços públicos ou para públicos íntimos, investigavam o corpo e a sua interação com ambientes públicos. Entre suas peças mais célebres estão Following Piece (1969), onde ele selecionou aleatoriamente e seguiu pedestres nas ruas de Nova York por longos períodos, e Seedbed (1972), uma instalação na Sonnabend Gallery onde ele supostamente se masturbou sob um piso temporário enquanto os visitantes caminhavam e ouviam suas vocalizações.

Chris Burden era um artista americano cuja prática abrangia performance, escultura e arte de instalação. Ele ganhou destaque na década de 1970 por suas peças de arte performática, notadamente Shoot (1971), um ato em que ele conseguiu que um associado atirasse em seu braço com um rifle de pequeno calibre. Burden, um artista prolífico, produziu inúmeras instalações, obras de arte públicas e esculturas de renome antes de seu falecimento em 2015. Seu envolvimento com a arte performática começou no início dos anos 1970, marcado por uma série de trabalhos controversos centrados no conceito de perigo pessoal como forma de expressão artística. Sua performance inaugural significativa, Five Day Locker Piece (1971), concebida para sua tese de mestrado na Universidade da Califórnia, Irvine, envolveu seu confinamento dentro de um armário por cinco dias.

Dennis Oppenheim foi um artista americano reconhecido por suas contribuições à arte conceitual, arte performática, arte da terra, escultura e fotografia. Os primeiros esforços artísticos de Oppenheim constituíram uma investigação epistemológica sobre a essência, criação e definição da arte, manifestando-se como uma meta-arte. Esta abordagem emergiu de uma expansão das estratégias minimalistas para incorporar considerações de local e contexto. Para além dos seus objectivos estéticos, o seu trabalho evoluiu do exame dos atributos físicos do espaço da galeria para abordar contextos sociais e políticos mais amplos. Durante as duas últimas décadas de sua carreira altamente prolífica, a produção diversificada de Oppenheim, que ocasionalmente desafiava os críticos, assumiu predominantemente a forma de escultura pública permanente.

Yayoi Kusama é um artista japonês cuja extensa carreira abrangeu uma ampla gama de mídias, incluindo escultura, instalação, pintura, performance, filme, moda, poesia, ficção e outras formas artísticas. Uma parte significativa de seu trabalho demonstra um profundo interesse em psicodelia, repetição e padrões. Kusama é reconhecida como pioneira nos movimentos Pop Art, Minimalismo e Arte Feminista e influenciou contemporâneos como Andy Warhol e Claes Oldenburg. Ela é amplamente reconhecida como uma das artistas vivas mais importantes do Japão e uma voz altamente relevante na arte de vanguarda.

década de 1970

Durante a década de 1970, artistas cujas práticas anteriormente incorporavam elementos da arte performática estabeleceram-na cada vez mais como sua disciplina principal. Esta evolução levou à criação de instalações através de performance, vídeo performance ou ações coletivas, frequentemente contextualizadas em quadros sócio-históricos e políticos específicos.

Desempenho de vídeo

No início da década de 1970, a integração do vídeo na arte performática tornou-se firmemente estabelecida. Exposições de artistas como Joan Jonas e Vito Acconci, por exemplo, apresentavam obras compostas inteiramente por vídeo, muitas vezes ativadas por processos performativos anteriores. Durante esta década, várias publicações, incluindo Expanded Cinema de Gene Youngblood, exploraram a utilização de meios de comunicação, vídeo e cinema por artistas performáticos. Um artista fundamental neste domínio é o sul-coreano Nam June Paik, célebre pelas suas instalações audiovisuais inovadoras. A jornada artística de Paik começou no início dos anos 1960 dentro do movimento Fluxus, levando posteriormente ao seu desenvolvimento como artista de mídia e à criação de suas icônicas instalações audiovisuais.

O trabalho de vídeo-performance de Carolee Schneemann e Robert Whitman da década de 1960 também merece consideração. Ambos os artistas foram pioneiros na arte performática, fundamental para seu estabelecimento como forma de arte independente no início dos anos 1970. Joan Jonas começou a incorporar o vídeo em suas performances experimentais em 1972, simultaneamente com Bruce Nauman, que encenou especificamente seus atos para gravação direta de vídeo. Nauman, um artista multimídia americano, diversificou e avançou significativamente o discurso cultural desde a década de 1960 por meio de suas esculturas, vídeos, trabalhos gráficos e performances. As suas obras de arte, muitas vezes perturbadoras, sublinham a essência conceptual da arte e do processo criativo, priorizando o conceito subjacente e o processo de criação acima do produto final. A sua prática artística utiliza uma gama diversificada de materiais, incorporando frequentemente o seu próprio corpo.

Gilbert & George, formado pelo artista italiano Gilbert Proesch e pelo artista inglês George Passmore, são conhecidos por suas contribuições à arte conceitual, arte performática e arte corporal. Eles ganharam um reconhecimento significativo por suas performances de “esculturas vivas”. Um dos primeiros trabalhos notáveis ​​foi The Singing Sculpture, no qual os artistas cantaram e dançaram "Underneath the Arches", uma canção dos anos 1930. Posteriormente, estabeleceram uma forte reputação como “esculturas vivas”, apresentando-se como obras de arte expostas ao público por durações variadas. Normalmente aparecem de terno e gravata, adotando posturas estáticas por longos períodos, embora ocasionalmente incorporem movimento, recitação de textos ou se integrem em montagens e instalações maiores. Além de seu trabalho escultórico, Gilbert & George produziu obras pictóricas, colagens e fotomontagens. Muitas vezes apresentam os artistas ao lado de vários objetos do seu ambiente imediato, incorporando referências à cultura urbana e abordando temas potentes como sexo, raça, morte e VIH, religião e política, criticando frequentemente o governo britânico e as estruturas de poder estabelecidas. Entre seus empreendimentos mais prolíficos e ambiciosos está a Jack Freak Pictures, caracterizada pela presença generalizada das cores vermelha, branca e azul da Union Jack. Gilberto & O trabalho de George foi exibido globalmente em instituições como o Stedelijk van Abbemuseum em Eindhoven (1980), a Hayward Gallery em Londres (1987) e a Tate Modern (2007). Eles também participaram da Bienal de Veneza e receberam o Prêmio Turner em 1986.

Arte de Resistência

A arte performática de resistência investiga temas como estados de transe, dor física, solidão, restrição da liberdade, isolamento social e exaustão extrema. Performances que se estendem por durações prolongadas são frequentemente categorizadas como obras de longa duração. Chris Burden, uma figura proeminente neste género artístico, foi pioneiro nesta abordagem ao longo da década de 1970. Entre seus trabalhos notáveis, Five Day Locker Piece (1971) envolveu seu confinamento dentro de um armário de escola por cinco dias; em Shoot (1971), ele sofreu um ferimento à bala; e em Bed Piece (1972), ele permaneceu na cama de uma galeria de arte por vinte e dois dias consecutivos. Tehching Hsieh representa outro importante artista de resistência. Em sua performance de 1980-1981, Time Clock Piece, Hsieh documentou-se de hora em hora durante um ano inteiro, fotografando-se ao lado de um relógio de ponto em seu estúdio. Hsieh também é reconhecido por trabalhos que exploram a privação de liberdade, nomeadamente por passar um ano inteiro em confinamento. Bryan Lewis Saunders é outro praticante de performance de longa duração; seu projeto em andamento, Under the Influence (1995-presente), envolve a produção de autorretratos diários enquanto experimenta estados alterados de percepção. Além disso, em 30 dias totalmente cego (2018), ele suportou um mês de cegueira total autoimposta, durante o qual manteve sua prática diária de autorretrato. Marina Abramović, em A Casa com Vista para o Mar (2003), sustentou doze dias de vida silenciosa, sem sustento. "Os Nove Confinamentos" ou "A Privação da Liberdade" constitui uma série de performances conceituais de resistência do artista Abel Azcona, executadas entre 2013 e 2016, com cada peça examinando a restrição ilegítima da liberdade.

Dimensões políticas da arte performática

Em meados da década de 1970, as artes cênicas experimentais proliferaram em importantes cidades do Leste Europeu atrás da Cortina de Ferro, incluindo Budapeste, Cracóvia, Belgrado, Zagreb e Novi Sad. Em oposição aos controles políticos e sociais prevalecentes, numerosos artistas desenvolveram trabalhos performáticos com temas políticos explícitos. As séries de performances de Orshi Drozdik, Individual Mythology (1975–77) e NudeModel (1976–77), exemplificam essa tendência. As suas intervenções artísticas criticaram consistentemente o discurso patriarcal predominante na arte e desafiaram os programas de emancipação impostos pelo Estado, que estavam eles próprios enraizados em estruturas patriarcais. O trabalho de Drozdik demonstrou uma perspectiva feminista pioneira sobre estas questões, estabelecendo-a como uma precursora significativa da arte crítica na Europa Oriental. A natureza efémera da arte performativa contribuiu para a sua forte presença na vanguarda da Europa de Leste durante a década de 1970, particularmente na Polónia e na Jugoslávia, onde dezenas de artistas se envolveram em explorações conceptuais e críticas do corpo humano.

O Outro

Em meados da década de 1970, Ulay e Marina Abramović fundaram o coletivo The Other em Amsterdã. A sua colaboração investigou principalmente conceitos de ego e identidade artística, iniciando uma década de esforços artísticos conjuntos. Ambos os artistas partilhavam o interesse pela sua herança cultural e o desejo humano por práticas ritualísticas. Dentro do O Outro, eles adotaram uma aparência e um comportamento unificados, promovendo uma relação de profunda confiança. Seus trabalhos frequentemente envolviam seus corpos criando espaços interativos para o público. Por exemplo, em Relação no Espaço, eles corriam por uma sala, incorporando duas figuras planetárias, fundindo energias masculinas e femininas em uma terceira entidade que denominaram "aquele eu". Em Relação em Movimento (1976), a dupla dirigiu seu carro dentro de um museu, completando 365 giros. Um líquido preto escorria do veículo, formando uma escultura, com cada rotação simbolizando um ano. Posteriormente, eles criaram Breathing In/Breathing Out, uma performance onde eles uniram seus lábios, inalando o ar exalado um do outro até o esgotamento do oxigênio. Precisamente aos 17 minutos de apresentação, os dois artistas perderam a consciência devido ao acúmulo de dióxido de carbono nos pulmões. Esta peça explorou a noção da capacidade de um indivíduo de absorver, transformar e potencialmente diminuir a vitalidade de outro. Em 1988, após vários anos de um relacionamento tenso, Abramović e Ulay resolveram concluir o seu trabalho coletivo com uma jornada espiritual. Eles atravessaram a Grande Muralha da China, começando em extremos opostos e encontrando-se no meio do caminho. Abramović imaginou esta caminhada num sonho, percebendo-a como um culminar adequado e romântico para o seu relacionamento, caracterizado por misticismo, energia e atração mútua. Ulay começou sua jornada no deserto de Gobi, enquanto Abramović começou no Mar Amarelo. Cada artista caminhou 2.500 quilômetros, convergiu para o meio e se despediu.

Artistas performáticos proeminentes

Em 1973, Laurie Anderson apresentou Duets on Ice nas ruas de Nova York. Ao mesmo tempo, a performance de Marina Abramović, Rhythm 10, abordou conceitualmente a violação corporal. Três décadas depois, temas de estupro, vergonha e exploração sexual foram reexaminados nas obras de artistas contemporâneos, incluindo Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko e Rebecca Patek. Artistas pioneiros, através de suas ações radicais, estabeleceram-se como figuras-chave na arte performática. Os exemplos incluem o trabalho Shoot, de Chris Burden, de 1971, onde um assistente atirou em seu braço a cinco metros de distância, e Seedbed, de Vito Acconci, do mesmo ano. Eye Body (1963), de Carolee Schneemann, já havia sido reconhecido como um dos primeiros protótipos da arte performática. Em 1975, Schneemann explorou ainda mais performances solo inovadoras, como Interior Scroll, que utilizava o corpo feminino como meio artístico.

Gina Pane, uma artista francesa de ascendência italiana, foi uma figura proeminente na arte performática. Ela estudou na École nationale supérieure des Beaux-Arts em Paris de 1960 a 1965 e foi uma participante ativa no movimento francês de arte performática da década de 1970 conhecido como "Art Corporel". Paralelamente à sua prática artística, Pane lecionou na École des Beaux-Arts de Mans de 1975 a 1990 e dirigiu um atelier dedicado à arte performática no Centro Pompidou de 1978 a 1979. Entre as suas obras mais reconhecidas está The Conditioning (1973), em que se deitava sobre uma mola de metal posicionada sobre velas acesas. Esta peça foi posteriormente reapresentada como uma homenagem a Marina Abramović, fazendo parte de seu Seven Easy Pieces (2005) no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova York. Uma parte significativa da obra de Pane apresentava dor autoinfligida, distinguindo-a de muitas outras artistas femininas da década de 1970. Através de atos como cortar a pele com navalhas ou extinguir chamas com as mãos e os pés nus, Pane pretendia provocar uma experiência real no espectador, provocando uma resposta visceral ao desconforto. A natureza impactante destas primeiras peças performáticas, ou “ações”, como ela preferia chamá-las, muitas vezes ofuscou seu prolífico trabalho fotográfico e escultórico. No entanto, o corpo continuou a ser a preocupação temática central na arte de Pane, seja explorado literal ou conceitualmente.

década de 1980

Técnicas de arte performática

A característica inicial da arte performática, antes da década de 1980, era a desmistificação do virtuosismo. Porém, a partir da década de 1980, a disciplina passou a incorporar elementos de brilhantismo técnico. Sally Banes, crítica de dança, observa esta mudança nos seus comentários sobre o trabalho de Philip Auslander, Presence and Resistance. Banes observa que, no final da década de 1980, a arte performática alcançou um reconhecimento tão amplo que uma definição explícita tornou-se desnecessária. A cultura de massa, especialmente a televisão, forneceu cada vez mais estruturas estruturais e conteúdos temáticos para grande parte da arte performática. Além disso, vários artistas performáticos, incluindo Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe e Ann Magnuson, fizeram a transição com sucesso para o entretenimento convencional. Durante esta década, foram estabelecidos parâmetros específicos e metodologias técnicas destinadas a refinar e aperfeiçoar a arte performática.

Análise crítica e investigação acadêmica sobre arte performática

Embora inúmeras performances ocorram dentro dos limites de uma comunidade especializada do mundo da arte, Roselee Goldberg destaca em Arte performática: do futurismo ao presente que "a performance tem sido uma forma de atrair diretamente um grande público, bem como de chocar o público, fazendo-o reavaliar suas próprias noções de arte e sua relação com a cultura". Por outro lado, o envolvimento do público com o meio, particularmente durante a década de 1980, parecia originar-se de um desejo de aceder ao mundo da arte, observar os seus rituais e comunidade única, e encontrar as apresentações consistentemente não convencionais e surpreendentes dos artistas. Esta década também viu a proliferação de publicações e antologias dedicadas à arte performática e aos seus praticantes mais proeminentes.

Arte performática dentro de uma estrutura política

O clima político da década de 1980 influenciou significativamente o desenvolvimento artístico, particularmente na arte performática, uma vez que quase todas as obras que incorporavam o discurso crítico e político se situavam nesta disciplina. Antes da dissolução do Bloco Europeu de Leste no final da década de 1980, a maioria dos governos comunistas suprimiu ativamente a arte performática. Com as notáveis ​​excepções da Polónia e da Jugoslávia, a arte performática foi amplamente proibida em países onde as reuniões públicas independentes eram vistas com suspeita. Na República Democrática Alemã (RDA), na Checoslováquia, na Hungria e na Letónia, tais performances eram confinadas a apartamentos privados, reuniões ostensivamente espontâneas em estúdios de artistas, ambientes supervisionados por igrejas ou disfarçadas como outras atividades, como sessões fotográficas. Separadas dos quadros conceptuais ocidentais, estas performances em diversos cenários variaram desde protestos lúdicos a críticas comoventes, empregando metáforas subversivas para articular a oposição às condições políticas prevalecentes. Entre as mais notáveis peças de arte performática com carga política desta época estava Art/Life: One Year Performance (Rope Piece) de Tehching Hsieh, executada entre julho de 1983 e julho de 1984.

Poesia performática

Os termos "poesia" e "performance" foram unidos pela primeira vez em 1982. A poesia performática surgiu como uma categoria distinta para diferenciar apresentações vocais centradas no texto da arte performática mais ampla, particularmente do trabalho de artistas performáticos cênicos e musicais como Laurie Anderson, que incorporou a música em sua prática durante aquele período. Os poetas performáticos normalmente enfatizavam mais a expressão retórica e filosófica em sua poética do que os artistas performáticos, que muitas vezes se originavam de disciplinas de artes visuais como pintura e escultura. Desde o trabalho pioneiro de John Cage, vários artistas integraram a performance com uma sensibilidade poética fundamental.

Arte performática feminista

O Feminist Studio Workshop, localizado no Woman's Building em Los Angeles, influenciou significativamente a crescente onda de ações artísticas feministas a partir de 1973; no entanto, uma integração completa do feminismo e da arte performática não se materializou totalmente até 1980. A convergência destes dois domínios avançou consideravelmente ao longo da década subsequente. Notavelmente, muitas obras criadas durante as duas décadas iniciais de desenvolvimento da arte performática, embora não originalmente conceituadas como feministas, são agora interpretadas retrospectivamente através de lentes feministas.

Os artistas não se autoidentificavam explicitamente como feministas até 1980. Grupos de artistas proeminentes apresentavam mulheres significativamente influenciadas tanto pelo movimento estudantil de 1968 como pelo movimento feminista mais amplo. A pesquisa histórica da arte contemporânea explorou extensivamente essa inter-relação. Figuras-chave que forneceram contribuições inovadoras para representações artísticas e exposições incluíram Pina Bausch e as Guerrilla Girls, um coletivo anônimo de arte feminista e anti-racista formado na cidade de Nova York em 1985. O apelido escolhido refletia o uso de táticas de guerrilha no ativismo, empregando arte política e performática para expor a discriminação contra as mulheres no mundo da arte. As apresentações iniciais envolveram a colocação de cartazes e a realização de aparições públicas em museus e galerias de Nova York, abordando criticamente a discriminação racial e de gênero. Estas ações foram executadas anonimamente, com os membros escondendo as suas identidades atrás de máscaras de gorila, uma escolha que faz referência à semelhança fonética entre “gorila” e “guerrilha”. Como pseudônimos, adotaram nomes de artistas falecidas. Entre as décadas de 1970 e 1980, trabalhos significativos desafiaram as estratégias representacionais convencionais frequentemente centradas no corpo feminino. Exemplos incluem as peças de Ana Mendieta baseadas em Nova Iorque, que retratam o corpo como violado e abusado, e as representações artísticas de Louise Bourgeois, caracterizadas por um discurso minimalista emergente no final dos anos 1970 e 1980. Notavelmente, trabalhos que exploram a corporeidade feminina e feminista, como as ações performativas fálicas de Lynda Benglis, visavam reconstruir a imagem feminina para além da mera fetichização. A arte performática feminista transformou assim o corpo num local crucial para o desenvolvimento de novos discursos e interpretações. Eleanor Antin, artista ativa durante as décadas de 1970 e 1980, explorou temas de gênero, raça e classe. Cindy Sherman, desde os seus primeiros trabalhos na década de 1970 até à sua maturidade artística na década de 1980, manteve uma abordagem crítica para subverter o eu imposto, utilizando o corpo como objecto de investigação privilegiada.

Cindy Sherman é uma fotógrafa e artista americana. Reconhecida como uma das artistas mais influentes do pós-guerra, seu trabalho de mais de três décadas foi exibido no Museu de Arte Moderna (MoMA). Embora apareça na maioria de suas fotografias performáticas, ela não as categoriza como autorretratos. Sherman emprega sua própria imagem como um canal para explorar uma ampla gama de temas contemporâneos, incluindo os papéis sociais das mulheres, sua representação na mídia e a natureza fundamental da criação artística. Em 2020, ela recebeu o Wolf Prize in Arts.

Judy Chicago é uma artista americana e uma figura pioneira na arte feminista e performática. Chicago é conhecida por suas instalações artísticas colaborativas em grande escala, que exploram temas de nascimento e criação para examinar o papel das mulheres na história e na cultura. Durante a década de 1970, Chicago estabeleceu o programa inaugural de arte feminista nos Estados Unidos. A sua prática artística integra diversas competências, como a costura, muitas vezes justapostas a técnicas de trabalho intensivo como a soldadura e a pirotecnia. A obra mais célebre de Chicago é The Dinner Party, que está permanentemente instalada no Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista, dentro do Museu do Brooklyn. The Dinner Party comemora as conquistas históricas das mulheres e é amplamente considerada a primeira obra de arte feminista épica. Outros projetos notáveis ​​incluem International Honor Quilt, The Birth Project, Powerplay e The Holocaust Project.

O coletivo canadense de arte lésbica Kiss & Tell, composta por Persimmon Blackbridge (n.1951), Lizard Jones (n.1961) e Susan Stewart (n.1952), integra o feminismo queer em sua prática criativa, que abrange uma gama diversificada de arte performática. Suas apresentações contaram com monólogos, confessionários e anedotas humorísticas, contadas por meio de uma mistura de narrativa, fotografia, vídeo e música para envolver e conectar o público. Beijo e Tell se inspirou em vários artistas performáticos, incluindo Emmy Hennings, Carolee Schneemann, Martha Rosler e Guerrilla Girls.

Expansão para a América Latina.

Durante esta década, a arte performática se expandiu para a América Latina, principalmente facilitada por workshops e programas oferecidos por universidades e instituições acadêmicas. Seu desenvolvimento foi particularmente notável no México, na Colômbia – com artistas como Maria Teresa Hincapié – no Brasil e na Argentina.

Ana Mendieta, artista conceitual e performática nascida em Cuba e criada nos Estados Unidos, ganhou reconhecimento significativo por suas instalações de land art e peças performáticas. Inicialmente, a obra de Mendieta foi reconhecida principalmente na crítica de arte feminista. No entanto, nos anos que se seguiram à sua morte, especialmente após a retrospectiva do Whitney Museum of American Art em 2004 e a retrospectiva da Haywart Gallery em Londres em 2013, ela foi amplamente reconhecida como uma figura pioneira na arte performática, arte corporal, land art, escultura e fotografia. Mendieta caracterizou sua prática artística distinta como arte corpo-terra.

Tania Bruguera é uma artista cubana cuja prática é especializada em arte performática e arte política, interpretando principalmente temas políticos e sociais. Ela conceituou a "arte de conduta" para delinear práticas artísticas que exploram as fronteiras da linguagem e do corpo em relação à reação e ao comportamento do público. Além disso, Bruguera introduziu o conceito de “arte útil”, que visa instigar transformações em dimensões políticas e jurídicas específicas da sociedade. O seu trabalho aborda frequentemente temas de poder e controlo, com uma parte substancial examinando criticamente as condições contemporâneas na sua Cuba natal. Em 2002, fundou a Cátedra Arte de Conducta em Havana.

Regina José Galindo é uma artista performática guatemalteca cujo trabalho se distingue pelo seu conteúdo político e crítico explícito, utilizando o seu próprio corpo como instrumento de confronto e transformação social. A sua trajetória artística foi profundamente influenciada pela Guerra Civil da Guatemala (1960-1996), um conflito que resultou no genocídio de mais de 200.000 indivíduos, incluindo um número significativo de povos indígenas, agricultores, mulheres e crianças. Através da sua arte, Galindo critica a violência, o sexismo (sendo o feminicídio um tema proeminente), os padrões de beleza ocidentais, a repressão estatal e o abuso de poder, particularmente no seu contexto nacional, embora o seu discurso artístico transcenda as fronteiras geográficas. Inicialmente, utilizou exclusivamente o seu corpo como meio, por vezes levando-o a situações extremas, como em Himenoplastia (2004), uma performance envolvendo a reconstrução do hímen que lhe valeu o Leão de Ouro na Bienal de Veneza. Posteriormente, ela começou a incorporar voluntários ou participantes contratados, abrindo mão do controle sobre o resultado da apresentação.

década de 1990

A década de 1990 marcou um período de visibilidade reduzida para a arte performática tradicional europeia, levando muitos artistas a manterem-se discretos. Por outro lado, a Europa Oriental testemunhou um aumento significativo na arte performática. Ao mesmo tempo, a arte performática latino-americana e a arte performática feminista continuaram sua expansão. A disciplina também teve um pico nos países asiáticos, onde suas origens remontam à dança Butō da década de 1950; durante esta década, porém, passou por uma profissionalização e novos artistas chineses ganharam reconhecimento substancial. Esta era também viu uma profissionalização mais ampla da arte performática, evidenciada por um aumento nas exposições dedicadas e pela inclusão da arte performática na Bienal de Arte de Veneza, onde vários profissionais, incluindo Anne Imhof, Regina José Galindo e Santiago Sierra, foram premiados com o Leone d'Oro.

Arte performática em contextos políticos

Com a dissolução do Bloco Soviético, peças de arte performática anteriormente proibidas começaram a circular mais amplamente. Jovens artistas de todo o antigo Bloco de Leste, incluindo a Rússia, estão cada vez mais envolvidos com a arte performática. Ao mesmo tempo, as artes cênicas, incluindo a performance, surgiram em Cuba, no Caribe e na China. Conforme observado por estudiosos, "nestes contextos, a arte performática tornou-se uma nova voz crítica com uma força social semelhante à da Europa Ocidental, dos Estados Unidos e da América do Sul nos anos sessenta e início dos anos setenta. Deve-se enfatizar que a ascensão da arte performática na década de 1990 na Europa Oriental, China, África do Sul, Cuba e outros lugares não deve ser considerada secundária ou uma imitação do Ocidente."

A profissionalização da arte performática

Durante a década de 1990, a arte performática alcançou integração dominante no mundo ocidental. Diversas obras de arte performática, abrangendo apresentações ao vivo, documentação fotográfica e outros registros, começaram a ser incorporadas em galerias e museus, que reconheciam cada vez mais a arte performática como uma disciplina artística distinta. No entanto, uma institucionalização significativa ocorreu principalmente na década seguinte, quando grandes museus como o Tate Modern em Londres, o MoMA em Nova Iorque e o Centro Pompidou em Paris começaram a adquirir arte performática para as suas coleções e a organizar extensas exposições e retrospectivas. Ao mesmo tempo, a partir da década de 1990, um número crescente de artistas performáticos recebeu convites para bienais de prestígio, incluindo a Bienal de Veneza, a Bienal de São Paulo e a Bienal de Lyon.

Arte performática na China

A arte contemporânea e performática chinesa ganhou um reconhecimento internacional substancial no final da década de 1990, nomeadamente com o convite de 19 artistas chineses para a Bienal de Veneza. Embora a arte performática na China tenha vindo a desenvolver-se desde a década de 1970, impulsionada por interesses culturais na arte, no processo e na tradição, o seu reconhecimento mais amplo emergiu a partir da década de 1990. No início da década de 1990, a arte performática chinesa já havia sido aclamada pela comunidade artística internacional. Internamente, está agora integrado em programas de educação artística e continua a crescer em popularidade.

Desenvolvimentos desde a década de 2000

Desempenho de novas mídias

Do final da década de 1990 até a década de 2000, vários artistas integraram tecnologias emergentes, incluindo a World Wide Web, vídeo digital, webcams e streaming media, em sua arte performática. Praticantes como Coco Fusco, Shu Lea Cheang e Prema Murthy criaram trabalhos que examinaram a interação de gênero, raça, colonialismo e corpo no contexto da Internet. Ao mesmo tempo, grupos como Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theatre e Yes Men alavancaram tecnologias digitais associadas ao hacktivismo e ao intervencionismo para abordar preocupações políticas relacionadas ao capitalismo contemporâneo e ao consumismo.

Durante a segunda metade da década de 2000, surgiram formas de arte performática auxiliadas por computador, promovendo o desenvolvimento da arte algorítmica, da arte generativa e da arte robótica. Nessas formas inovadoras, o próprio computador ou um robô controlado por computador assume o papel do performer.

Coco Fusco, artista, escritora e curadora interdisciplinar cubano-americana radicada nos Estados Unidos, iniciou sua carreira artística em 1988. Sua prática envolve principalmente performance, por meio da qual investiga temas de identidade, raça, poder e gênero. Além disso, sua obra inclui vídeos, instalações interativas e textos críticos.

Arte performática radical

Ao longo das décadas de 2000 e 2010, vários artistas performáticos, incluindo Pussy Riot, Tania Bruguera e Petr Pavlensky, enfrentaram processos judiciais por suas diversas intervenções artísticas.

Pussy Riot

No dia 21 de fevereiro de 2012, membros do coletivo artístico Pussy Riot protestaram contra a reeleição de Vladimir Putin entrando na Catedral de Cristo Salvador de Moscou, uma Igreja Ortodoxa Russa. Lá dentro, eles cantaram e dançaram, fazendo o sinal da cruz e curvando-se diante do santuário, sob o lema “Virgem Maria, afaste Putin”. A sua detenção ocorreu em 3 de março. No mesmo dia, Maria Alyokhina e Nadezhda Tolokonnikova, identificadas como membros do Pussy Riot, foram presas pelas autoridades russas e acusadas de vandalismo. Inicialmente, ambos negaram afiliação ao grupo e iniciaram uma greve de fome, protestando contra o encarceramento e a separação dos seus filhos até ao início dos julgamentos em Abril. Em 16 de março, Yekaterina Samutsévitch, que já havia sido interrogada como testemunha, também foi presa e acusada.

Acusações formais, acompanhadas de uma acusação de 2.800 páginas, foram apresentadas contra o grupo em 5 de julho. Em resposta, declararam greve de fome, argumentando que um período de dois dias era insuficiente para a preparação da defesa. Em 21 de julho, o tribunal prorrogou a prisão preventiva por mais seis meses. A União de Solidariedade com os Presos Políticos reconheceu posteriormente os três membros detidos como presos políticos. A Amnistia Internacional também os designou como prisioneiros de consciência, citando “a severidade da resposta das autoridades russas”.

Outras instâncias

Desde 2012, o artista Abel Azcona enfrenta processos judiciais relativos a diversas de suas criações artísticas. A ação judicial mais divulgada teve origem no Arcebispado de Pamplona e Tudela, agindo em nome da Igreja Católica. A Igreja acusou Azcona de profanação, blasfêmia, crimes de ódio e de violação da liberdade e dos sentimentos religiosos, especificamente em relação ao seu trabalho intitulado Amém ou A Pederastia. Posteriormente, em 2016, Azcona enfrentou acusações de glorificar o terrorismo devido à sua exposição Natura Morta. Esta exposição apresentou performances, esculturas hiper-realistas e instalações que retratavam cenários de violência, memória histórica, terrorismo e conflitos armados.

Em dezembro de 2014, Tania Bruguera foi detida em Havana, aparentemente para impedir a execução de novas obras de arte orientadas para o protesto. Sua arte performática tem recebido críticas severas de forma consistente, levando a acusações de incitação à resistência e à desordem pública. Entre dezembro de 2015 e janeiro de 2016, Bruguera foi novamente detido por orquestrar uma apresentação pública na Plaza de la Revolución, em Havana. Sua prisão ocorreu ao lado de outros artistas, ativistas e jornalistas cubanos envolvidos na campanha Yo También Exijo, que surgiu após os anúncios de Raúl Castro e Barack Obama sobre o restabelecimento das relações diplomáticas. Para a apresentação intitulada El Susurro de Tatlin #6, Bruguera instalou microfones e alto-falantes na Plaza de la Revolución, permitindo que os cidadãos cubanos articulassem suas perspectivas sobre o cenário político em evolução. Este evento atraiu significativa atenção da mídia internacional, incluindo a apresentação de El Susurro de Tatlin #6 na Times Square. Além disso, numerosos artistas e intelectuais defenderam a libertação de Bruguera, apresentando uma carta aberta a Raúl Castro, assinada por milhares de pessoas em todo o mundo, exigindo a devolução do seu passaporte e afirmando que a sua detenção constituía uma injustiça criminosa, uma vez que a sua única ação era fornecer uma plataforma para expressão pública.

Petr Pavlensky foi preso em novembro de 2015 e novamente em outubro de 2017 por executar peças de arte performática radicais. Estas envolveram atear fogo à entrada do Edifício Lubyanka, sede do Serviço Federal de Segurança da Rússia e, posteriormente, a uma sucursal do Banco de França. Em ambos os casos, ele encharcou a entrada principal com gasolina; durante a segunda apresentação, ele também pulverizou o interior antes de acendê-lo com um isqueiro. Consequentemente, as portas do edifício sofreram danos parciais por queimadura. Em ambas as ocasiões, Pavlensky foi detido sem resistência e acusado de libertinagem. Poucas horas depois dessas ações, vários vídeos de protesto com carga política e artística surgiram online.

Lia Garcia, uma artista performática transfeminista mexicana conhecida por seu nome artístico la Novia Sirena, explora temas de toque e vulnerabilidade para destacar questões de violência de gênero e identidade transgênero. Frequentemente envolvido com ambientes específicos do local, o trabalho de Garcia Proyecto 10bis (2016-2017) envolveu uma performance em El Reclusorio Norte, uma prisão da Cidade do México. Vestida como uma quinceanera, ela dançou com os presos, empregando o toque físico como forma de desafiar as barreiras institucionais destinadas a isolar os indivíduos encarcerados da população em geral.

A institucionalização da arte performática e seus processos de coleção

Desde o início dos anos 2000, os principais museus, instituições culturais e coleções privadas têm abraçado e apoiado cada vez mais a arte performática. Notavelmente, a Tate Modern em Londres iniciou um programa com curadoria de arte e performance ao vivo em janeiro de 2003. Este programa contou com exposições de artistas proeminentes, incluindo Tania Bruguera e Anne Imhof. Em 2012, a Tate Modern solidificou ainda mais este compromisso com a inauguração do The Tanks, estabelecendo os primeiros espaços dedicados à performance, ao cinema e à arte de instalação num importante museu de arte moderna e contemporânea.

O Museu de Arte Moderna sediou uma significativa recriação retrospectiva e performática da obra de Marina Abramović, marcando a maior exposição de arte performática da história do MoMA, de 14 a 31 de março de 2010. Esta exposição contou com mais de vinte obras da artista, predominantemente do período entre 1960 e 1980. Um aspecto notável foi a reativação de muitas peças por um grupo diversificado de jovens artistas internacionais escolhidos especificamente para o evento. Simultaneamente à exposição, Abramović apresentou The Artist is Present, uma performance estática e silenciosa de 726 horas e 30 minutos, onde permaneceu imóvel no átrio do museu, convidando os espectadores a sentarem-se à sua frente. Esta obra serviu como uma versão atualizada de uma peça de 1970 incluída na exposição, na qual Abramović passou dias inteiros ao lado de Ulay, seu parceiro artístico e romântico. A performance atraiu considerável atenção da mídia e atraiu participantes famosos, incluindo Björk, Orlando Bloom e James Franco.

Em meio à crescente institucionalização da arte performática, a iniciativa A Performance Affair, com sede em Bruxelas, co-fundada por Liv Vaisberg e Will Kerr, e o formato Performance Exchange, com sede em Londres, investigam a colecionabilidade de obras performáticas. Além disso, o museu e centro cultural austríaco OÖLKG/OK, através do seu formato de festival discursivo intitulado The Non-fungible Body?, explorou os desenvolvimentos recentes na institucionalização da performance, apresentado pela primeira vez em junho de 2022.

Advocacia Coletiva na Arte Performance

Em 2014, a peça de arte performática Carry That Weight, também conhecida como "a performance do colchão", foi criada pela artista Emma Sulkowicz como parte de seu projeto de tese de artes visuais na Universidade de Columbia, em Nova York. A apresentação começou em setembro de 2014, com Sulkowicz carregando seu colchão pelo campus da Universidade de Columbia. A artista concebeu este trabalho para protestar contra um estupro não abordado que ela sofreu anos antes em seu dormitório, que ela havia denunciado, mas não recebeu nenhuma resolução da universidade ou das autoridades legais. Consequentemente, ela se comprometeu a carregar o colchão continuamente durante todo o semestre até sua cerimônia de formatura em maio de 2015. Embora a peça tenha gerado polêmica significativa, também recebeu apoio de numerosos colegas e ativistas que periodicamente se juntaram a Sulkowicz para carregar o colchão, transformando o trabalho em um ato de protesto reconhecido internacionalmente. O crítico de arte Jerry Saltz identificou esta obra como uma das mais significativas de 2014.

Em 2019, a peça de arte performática coletiva A Rapist in Your Path foi desenvolvida por Lastesis, um grupo feminista de Valparaíso, Chile. Este trabalho funcionou como uma manifestação contra as violações dos direitos das mulheres no contexto dos protestos chilenos de 2019–2020. Sua apresentação inaugural aconteceu no dia 18 de novembro de 2019, em frente à Segunda Delegacia dos Carabineros do Chile em Valparaíso. Uma apresentação subsequente, envolvendo 2.000 mulheres chilenas em 25 de novembro de 2019, coincidindo com o Dia Internacional para a Eliminação da Violência contra as Mulheres, foi filmada e alcançou status viral nas redes sociais. A influência da performance expandiu-se globalmente à medida que movimentos feministas em dezenas de países a adotaram e traduziram para os seus próprios protestos e exigências pela cessação e punição do feminicídio e da violência sexual, entre outras questões.

Referências

Referências

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Arquivos de arte ao vivo, coleção de teatro da Universidade de Bristol.

• Arquivos de arte ao vivo da coleção de teatro da Universidade de Bristol
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