Arte românica designa a produção artística da Europa que se estende desde aproximadamente 1000 d.C. até ao surgimento do estilo gótico no século XII, com variações regionais na sua duração. A época imediatamente anterior é identificada como o período pré-românico. Esta nomenclatura foi cunhada por historiadores de arte do século XIX, principalmente para descrever a arquitetura românica. Este estilo arquitetônico preservou elementos fundamentais do design romano, como arcos de cabeça redonda, abóbadas de berço, absides e ornamentação de folhas de acanto, ao mesmo tempo que desenvolveu novas características distintas. Embora a continuidade arquitetônica com o período da Antiguidade Tardia persistisse no sul da França, Espanha e Itália, o estilo românico marcou o movimento artístico inaugural a se disseminar por toda a Europa católica, estendendo-se da Sicília à Escandinávia. A arte românica também se inspirou significativamente na arte bizantina, particularmente nas suas formas pictóricas, e no vigor decorativo dinâmico e anticlássico característico da arte insular das Ilhas Britânicas. A síntese destas diversas influências resultou na formação de um estilo artístico notavelmente inovador e coeso.
Características estilísticas
Para além das manifestações arquitetónicas, a arte do período românico exibiu um estilo robusto e enérgico tanto na escultura como na pintura. A pintura românica aderiu em grande parte às convenções iconográficas bizantinas para temas eclesiásticos predominantes, incluindo Cristo em Majestade, o Juízo Final e narrativas da vida de Cristo. Por outro lado, os manuscritos iluminados apresentavam maior inovação, necessária pela representação de temas novos. Bíblias e saltérios representam os manuscritos mais suntuosamente adornados desta época. Originalidade semelhante caracterizou capitéis de colunas, frequentemente embelezados com intrincadas cenas de múltiplas figuras. A introdução do grande crucifixo de madeira, ao lado de estátuas independentes da Madonna entronizada, teve origem na Alemanha no início do período. O alto relevo surgiu como a técnica escultórica predominante nessa época.
A paleta empregada foi notavelmente marcante, apresentando predominantemente cores primárias. Hoje, a vibração original desses matizes é normalmente discernível apenas em exemplos existentes de vitrais e manuscritos meticulosamente preservados. Os vitrais ganharam ampla adoção, embora poucos exemplos completos perdurem. Uma inovação significativa do período envolveu a escultura monumental de tímpanos em portais de igrejas proeminentes. Muitas vezes retratavam temas como Cristo em Majestade ou o Juízo Final, mas exibiam maior liberdade artística em comparação com representações pintadas, devido à ausência de precedentes bizantinos comparáveis.
As composições geralmente careciam de profundidade espacial significativa e exigiam adaptabilidade para se conformarem aos contornos irregulares das iniciais historiadas, capitéis de colunas e tímpanos de igrejas. Um motivo recorrente na arte românica é a interação dinâmica entre uma moldura restritiva e a composição, que ocasionalmente transcende os seus limites. As figuras foram frequentemente dimensionadas de acordo com sua significância hierárquica. Os elementos da paisagem, quando presentes, tendiam à ornamentação abstrata em vez da representação realista, exemplificada pelas árvores da "Folha de Morgan". O retrato esteve praticamente ausente deste período artístico.
Contexto Histórico
Durante a era românica, a Europa experimentou uma prosperidade crescente, levando a uma disseminação mais ampla de arte de alta qualidade para além dos limites das cortes reais e das comunidades monásticas selecionadas, ao contrário dos períodos carolíngios e otonianos anteriores. Os mosteiros mantiveram um significado imenso, particularmente as novas ordens emergentes, como a Cisterciense, a Cluniac e a Cartuxa, que se expandiram por toda a Europa. Ao mesmo tempo, igrejas urbanas, locais de peregrinação e numerosas igrejas em cidades e vilarejos menores receberam decoração elaborada e sofisticada. Estas estruturas menores muitas vezes representam os exemplos sobreviventes, já que muitas catedrais e igrejas maiores da cidade foram submetidas a reconstruções subsequentes. Notavelmente, nenhum palácio real românico foi preservado.
O papel do artista leigo ganhou cada vez mais destaque; por exemplo, Nicolau de Verdun parece ter alcançado reconhecimento continental. Nesse período, a maioria dos pedreiros e ourives eram praticantes leigos. Além disso, os pintores leigos, exemplificados por Mestre Hugo, constituíam o grupo predominante, sobretudo entre os que executavam as encomendas mais ilustres, no final da época. Os programas iconográficos das suas obras eclesiásticas foram, sem dúvida, desenvolvidos em consulta com as autoridades clericais.
Escultura
Metalwork, esmaltes e marfins
Durante esta época, os objetos preciosos criados a partir destes materiais mantinham um status excepcionalmente elevado, provavelmente ultrapassando o das pinturas. Na verdade, estão documentadas as identidades de mais artesãos que criaram estes itens do que as dos pintores, iluminadores ou arquitectos-pedreiros contemporâneos. A metalurgia, principalmente as peças adornadas com esmalte, alcançou notável sofisticação. Vários santuários magníficos projetados para abrigar relíquias sobreviveram, sendo o mais famoso o Santuário dos Três Reis na Catedral de Colônia, uma criação atribuída a Nicolau de Verdun e colaboradores (c. 1180–1225). Outros exemplos notáveis de esmalte Mosan incluem o Tríptico Stavelot e o Relicário de São Mauro. Enquanto relicários substanciais e frontais de altar foram construídos em torno de estruturas de madeira, os caixões menores eram inteiramente compostos de metal e esmalte. Embora um número limitado de artefatos seculares, como caixas de espelhos, joias e fechos, tenha persistido, estes sem dúvida oferecem uma representação incompleta do extenso trabalho em metal fino possuído pela aristocracia.
O castiçal de bronze de Gloucester e a fonte de latão, datados de 1108 a 1117 e atualmente localizados em Liège, representam exemplos notáveis, embora estilisticamente distintos, de fundição de metal. O castiçal exibe qualidades complexas e dinâmicas, influenciadas pela iluminação do manuscrito, enquanto a fonte exemplifica o estilo Mosan na sua manifestação mais clássica e imponente. Outras obras de metal sobreviventes significativas incluem as portas de bronze, uma coluna triunfal e vários acessórios na Catedral de Hildesheim, as Portas de Gniezno e as portas da Basílica di San Zeno em Verona. O aquamanile, um recipiente utilizado para abluções, aparentemente fez a sua estreia na Europa durante o século XI. Os artesãos frequentemente dotavam esses objetos de fantásticas formas zoomórficas; os espécimes existentes são predominantemente feitos de latão. Numerosas impressões de cera de selos elaborados persistem em cartas e documentos, embora a cunhagem românica normalmente careça de apelo estético significativo.
A Cruz do Claustro é um crucifixo de marfim excepcionalmente grande, com esculturas intrincadas que retratam numerosos profetas e outras figuras, e é atribuída ao Mestre Hugo, um dos raros artistas nomeados do período que também iluminou manuscritos. Consistente com muitos artefatos de sua época, esta peça foi originalmente parcialmente policromada. As peças de xadrez de Lewis representam exemplos notavelmente preservados de pequenas esculturas em marfim, com numerosos outros fragmentos e peças completas sobrevivendo de báculos, placas, cruzes peitorais e itens análogos.
Escultura Arquitetônica
Após o colapso do Império Romano Ocidental, a prática de esculpir obras monumentais em pedra e esculpir figuras de bronze cessou em grande parte, uma tendência espelhada (por razões teológicas) no Império Bizantino (Romano Oriental). Embora algumas esculturas em tamanho natural tenham sido evidentemente executadas em estuque ou gesso, os exemplos existentes são, previsivelmente, escassos. A obra escultórica em grande escala mais proeminente da Europa proto-românica é o crucifixo de madeira em tamanho natural, encomendado pelo arcebispo Gero de Colônia por volta de 960-965, que aparentemente serviu de protótipo para uma forma artística amplamente adotada. Estes crucifixos foram posteriormente posicionados numa viga por baixo do arco da capela-mor, denominado em inglês como rood, e a partir do século XII foram frequentemente flanqueados por figuras da Virgem Maria e de João Evangelista. Ao longo dos séculos XI e XII, a escultura figurativa experimentou um ressurgimento significativo, com os relevos arquitetônicos tornando-se uma característica definidora da era românica posterior.
Fontes e características estilísticas
A escultura figurativa baseou-se principalmente em duas fontes distintas: iluminação manuscrita e obras de pequena escala em marfim e metal. Além disso, os elaborados frisos que adornam as igrejas armênias e siríacas foram considerados uma provável influência contribuinte. Coletivamente, essas influências promoveram um estilo distinto reconhecível em toda a Europa, embora os empreendimentos escultóricos mais impressionantes estivessem predominantemente situados no sudoeste da França, no norte da Espanha e na Itália.
As imagens frequentemente empregadas em metalurgia eram normalmente gravadas em relevo, resultando em uma superfície caracterizada por dois planos primários e geralmente apresentando detalhes incisos. Esta técnica foi posteriormente adaptada para a talha em pedra, notadamente observada no tímpano acima dos portais, onde a iconografia de Cristo em Majestade, acompanhada dos símbolos dos Quatro Evangelistas, deriva diretamente das capas douradas dos Evangelhos medievais. Este estilo distinto de porta foi difundido e persistiu no período gótico. Um raro exemplo sobrevivente na Inglaterra é a "Porta do Prior" na Catedral de Ely. No sudoeste da França, permanecem numerosos exemplos impressionantes, incluindo aqueles em Saint-Pierre, Moissac; Souillac; e La Madeleine, Vézelay - todas casas filhas de Cluny, com extensas esculturas adicionais preservadas em claustros e outras estruturas. Perto dali, a Catedral de Autun apresenta um Juízo Final de excepcional raridade, assinado exclusivamente por seu criador, Giselbertus.
Uma característica das figuras na iluminação manuscrita é sua representação frequente em espaços confinados, necessitando de contorção para caber na área disponível. Esta convenção artística, onde as figuras eram desenhadas de acordo com as restrições espaciais, facilitou a sua adaptação para ornamentar elementos arquitetônicos como ombreiras, vergas e outras superfícies. A cortina das figuras pintadas era comumente representada em um estilo decorativo e plano que tinha pouca semelhança com o peso e a queda naturais do tecido real. Este elemento estilístico também foi adotado na escultura. Entre os numerosos exemplos existentes, um dos mais destacados é a figura do Profeta Jeremias do pilar do portal da Abadia de Saint-Pierre, Moissac, França, datada de aproximadamente 1130.
A espiral constitui um dos motivos mais significativos do design românico, manifestando-se tanto na escultura figurativa como não figurativa. Os antecedentes potenciais incluem capitais jônicas. As vinhas onduladas, um motivo difundido tanto no design bizantino quanto no romano, são discerníveis nos mosaicos que adornam as abóbadas da Igreja de Santa Costanza, do século IV, em Roma. Manuscritos e esculturas arquitetônicas do século XII exibem motivos análogos de videiras em espiral.
Outra fonte clara para o motivo espiral são os manuscritos iluminados dos séculos VII a IX, particularmente manuscritos irlandeses, como o Livro do Evangelho de St. Gall, que foram disseminados por toda a Europa pela missão Hiberno-Escocesa. Nestas iluminações, a aplicação da espiral é totalmente independente das vinhas ou de outras formas botânicas; o motivo é distintamente abstrato e geométrico. Este estilo foi posteriormente assimilado pela arte carolíngia, onde lhe foi conferido um caráter mais botânico. É através de uma adaptação dessa forma que a espiral aparece nas cortinas tanto das esculturas quanto dos vitrais. Entre os muitos exemplos encontrados em portais românicos, um dos mais destacados é o da figura central de Cristo em La Madeleine, Vézelay.
Outra influência da arte insular é evidente na representação de animais engajados e entrelaçados, muitas vezes empregados com efeito soberbo em capitais (como exemplificado em Silos) e ocasionalmente na própria coluna (como visto em Moissac). Grande parte do tratamento dado aos animais emparelhados, confrontados e entrelaçados na decoração românica, bem como aos animais cujos corpos se dissolvem em formas puramente decorativas, é atribuível a origens insulares semelhantes. Apesar da assimilação das tradições hiberno-saxônicas aos estilos românicos na Inglaterra e no continente, a influência foi predominantemente unidirecional. A arte irlandesa durante este período permaneceu em grande parte insular, desenvolvendo uma síntese distinta dos estilos nativos irlandeses e vikings, que seriam gradualmente substituídos e substituídos pelo estilo românico dominante no início do século XIII, após a invasão anglo-normanda da Irlanda.
Assunto
A escultura românica é predominantemente pictórica e bíblica no seu conteúdo temático. Uma gama diversificada de motivos é encontrada nas capitais, abrangendo cenas da Criação e da Queda do Homem, episódios da vida de Cristo e narrativas do Antigo Testamento que prefiguram sua Morte e Ressurreição, como Jonas e a Baleia e Daniel na cova dos leões. Ocorrem numerosos presépios, sendo o tema dos Três Reis Magos notavelmente popular. Os claustros da Abadia de Santo Domingo de Silos, no norte da Espanha, e Moissac servem como exemplares existentes em sua totalidade, assim como as esculturas em relevo nas muitas fontes Tournai descobertas em igrejas no sul da Inglaterra, França e Bélgica.
Uma característica definidora de certas igrejas românicas é o extenso programa escultórico que adorna a área envolvente do portal e, ocasionalmente, uma parte significativa da fachada. Por exemplo, a Catedral de Angoulême, na França, apresenta um intrincado arranjo escultural integrado nos amplos nichos formados pelas arcadas da fachada. Da mesma forma, na região catalã da Espanha, a entrada da igreja de Santa Maria em Ripoll apresenta um elaborado esquema pictórico em baixo relevo.
Esses programas esculturais foram projetados para transmitir uma mensagem teológica, exortando os adeptos cristãos a reconhecerem as transgressões, buscarem o arrependimento e alcançarem a redenção. A representação do Juízo Final serviu como um poderoso lembrete para os crentes se arrependerem. Além disso, o crucifixo esculpido ou pintado, exposto de forma proeminente no espaço eclesiástico, simbolizava a redenção para o penitente.
Frequentemente, os elementos escultóricos exibem formas e conteúdos temáticos perturbadores. Essas esculturas normalmente adornam capitéis, cachorros e saliências, ou são entrelaçadas com folhagens nas molduras das portas. Estas representações muitas vezes retratam formas cujos significados originais não são mais facilmente discerníveis. Motivos recorrentes abrangem figuras como Sheela na Gig, demônios formidáveis, ouroboros (dragões que consomem suas próprias caudas) e vários outros seres míticos cujo simbolismo permanece enigmático. Espirais e motivos emparelhados, outrora imbuídos de significado particular nas tradições orais, foram perdidos na história ou rejeitados pelos estudos contemporâneos.
Os Sete Pecados Capitais, incluindo luxúria, gula e avareza, também constituem assuntos iconográficos frequentes. A representação de figuras com genitália exagerada muitas vezes simboliza o pecado carnal, um tema transmitido de forma semelhante por numerosas figuras com línguas salientes, notadamente observadas na porta da Catedral de Lincoln. Historicamente, o ato de puxar a barba significava masturbação, enquanto a boca aberta era interpretada como uma marca de lascívia. Um motivo predominante nas capitais desta época retrata indivíduos engajados em "cutucar a língua" ou "acariciar a barba" sendo castigados por suas esposas ou apreendidos por entidades demoníacas. Outro assunto comum envolve demônios disputando a alma de um transgressor, como um avarento.
Escultura Românica Tardia
A arquitetura gótica é geralmente considerada como tendo se originado com o projeto do abade Suger para o coro da Abadia de Saint-Denis, localizada ao norte de Paris, consagrada em 1144. O surgimento da escultura gótica é tipicamente colocado um pouco mais tarde, marcado pela escultura de figuras que cercam o Portal Real da Catedral de Chartres, França, entre 1150 e 1155. Este estilo escultórico se disseminou rapidamente a partir de Chartres, superando até mesmo o nascente movimento arquitetônico gótico. Na verdade, numerosas igrejas do período românico tardio foram construídas após a Abadia de Saint-Denis. Uma estética escultural que priorizava a observação e o naturalismo em detrimento do design formalizado experimentou rápida evolução. Uma explicação proposta para esta rápida progressão em direcção a formas naturalistas é uma apreciação crescente pelos vestígios clássicos em regiões onde eram abundantes, juntamente com uma emulação consciente das suas convenções artísticas. Consequentemente, certos portais exibem uma forma estrutural românica, ao mesmo tempo que exibem um naturalismo característico da escultura gótica primitiva. Um exemplo exemplar é o Pórtico da Glória em Santiago de Compostela, datado de 1180. Este portal interno está notavelmente bem preservado, mantendo notavelmente a policromia em suas figuras, o que sugere a aparência original vibrante, muitas vezes percebida como 'berrante', de grande parte da ornamentação arquitetônica agora amplamente vista como monocromática. As figuras que circundam a porta são integradas às colunas formando as molduras da porta. Estas figuras possuem uma qualidade tridimensional, embora sutilmente achatadas. Eles exibem uma individualização significativa tanto na aparência quanto na expressão, tendo uma notável semelhança com as esculturas do pórtico norte da Abadia de St. Denis, que datam de 1170. Abaixo do tímpano, um friso esculpido de forma realista retrata figuras tocando uma gama diversificada de instrumentos musicais facilmente identificáveis.
Pintura
Iluminação do manuscrito
O início do período românico testemunhou a convergência de várias escolas regionais na iluminação de manuscritos. A "escola do Canal", abrangendo a Inglaterra e o norte da França, demonstrou influência significativa da arte anglo-saxônica tardia, enquanto os estilos do sul da França dependiam mais das tradições artísticas ibéricas. Ao mesmo tempo, os estilos otonianos persistiram na Alemanha e nos Países Baixos, impactando também a Itália juntamente com as influências bizantinas. No século XII, estas diversas tradições exerceram influências recíprocas, embora persistissem naturalmente características regionais distintas.
Os principais focos da iluminura românica eram a Bíblia, muitas vezes começando com uma inicial substancial historiada para cada livro, e o Saltério, que também era adornado com grandes iluminuras. Em ambos os casos, exemplos mais elaborados apresentavam ciclos narrativos em iluminuras de página inteira, ocasionalmente compartimentados com múltiplas cenas por página. As Bíblias, especificamente, eram frequentemente extensas e podiam abranger vários volumes. Exemplos notáveis incluem o Saltério de Santo Albano, o Saltério Hunteriano, a Bíblia de Winchester (apresentando a "Folha de Morgan"), a Bíblia de Fécamp, a Bíblia de Stavelot e a Bíblia da Abadia de Parc. No final desta era, o surgimento de oficinas comerciais leigas para artistas e escribas ganhou destaque, levando a uma acessibilidade mais ampla de manuscritos e livros iluminados para populações seculares e eclesiásticas.
Pintura de parede
As amplas superfícies das paredes e as abóbadas curvas e sem adornos, características do período românico, eram altamente propícias à decoração mural. Lamentavelmente, um número significativo destes primeiros murais sucumbiram aos danos causados pela humidade ou foram obscurecidos por rebocos e repinturas subsequentes. Durante os períodos de iconoclastia da Reforma, particularmente na Inglaterra, França e Holanda, essas obras de arte foram sistematicamente obliteradas ou caiadas de branco. Por outro lado, numerosos murais na Dinamarca, Suécia e outras regiões foram posteriormente submetidos a restauração. Na Catalunha, Espanha, uma iniciativa do início do século XX, iniciada por volta de 1907, teve como objectivo preservar estes murais, destacando-os e realocando-os para armazenamento seguro em Barcelona, estabelecendo assim a notável colecção alojada no Museu Nacional de Arte da Catalunha. Em outros lugares, essas obras de arte foram afetadas negativamente por conflitos, negligência e preferências estéticas em evolução.
Um esquema convencional para decoração mural de igreja abrangente, influenciado pelas tradições de mosaico anteriores, normalmente apresentava Cristo em Majestade ou Cristo Redentor entronizado dentro de uma mandorla e rodeado pelas quatro bestas aladas que simbolizam os Quatro Evangelistas, posicionados como o elemento central dentro da semicúpula da abside. Este arranjo é diretamente paralelo às representações encontradas nas capas douradas dos livros dos Evangelhos contemporâneos ou em suas iluminuras. Caso a igreja fosse dedicada à Virgem Maria, ela poderia ocupar esta posição central. Abaixo disso, as paredes da abside normalmente exibiriam santos e apóstolos, potencialmente incorporando sequências narrativas pertinentes ao santo padroeiro da igreja. O arco do santuário frequentemente representava figuras de apóstolos, profetas ou dos vinte e quatro "Anciãos do Apocalipse", olhando para um busto de Cristo ou seu Cordeiro simbólico situado no ápice do arco. A parede norte da nave normalmente apresentaria narrativas do Antigo Testamento, enquanto a parede sul apresentaria cenas do Novo Testamento. A parede traseira oeste era comumente reservada para uma representação do Juízo Final, coroado por um Cristo entronizado e julgador.
Entre os esquemas decorativos mais bem preservados está o encontrado em Saint-Savin-sur-Gartempe, na França. A extensa abóbada de berço da nave oferece uma superfície ideal para afrescos, adornados com narrativas do Antigo Testamento, como a Criação, a Queda do Homem e outros relatos. Notavelmente, uma representação vibrante da Arca de Noé apresenta uma figura de proa formidável e múltiplas janelas revelando Noé e sua família no convés superior, pássaros no convés intermediário e pares de animais no nível inferior. Outro painel ilustra poderosamente o engolfamento do exército do Faraó pelo Mar Vermelho. Este extenso esquema continua em outras seções da igreja, incluindo representações do martírio dos santos locais na cripta, do Apocalipse no nártex e de Cristo em Majestade. A paleta utilizada restringe-se ao azul esverdeado claro, ocre amarelo, marrom avermelhado e preto. Arte mural comparável também está presente na Sérvia, Espanha, Alemanha, Itália e outros locais franceses.
Os murais atualmente dispersos originários de Arlanza, na província de Burgos, Espanha, apesar da sua proveniência monástica, exibem temas seculares, apresentando criaturas míticas colossais e dinâmicas posicionadas acima de um friso preto e branco povoado por vários outros seres. Estas obras de arte proporcionam uma visão única dos elementos decorativos que adornavam os palácios românicos.
Artes Visuais Adicionais
Moda
Durante a era românica na Inglaterra e na França, o surgimento dos pigaches - característicos sapatos com "rabo de escorpião" ou "chifre de carneiro" - provocou considerável condenação por parte do clero contemporâneo. Orderic Vitalis, nomeadamente, atribuiu a estes sapatos um aumento percebido na sodomia e na homossexualidade durante esse período. Hoje, esses sapatos são reconhecidos principalmente como antecedentes dos poulaines significativamente mais elaborados, que ganharam grande popularidade após a Peste Negra.
Bordado
O bordado românico é exemplificado de forma proeminente pela Tapeçaria de Bayeux em Bayeux, França, e pela Tapeçaria da Criação em Girona, Espanha. Além disso, numerosas peças primorosamente elaboradas do Opus Anglicanum ("obra inglesa"), amplamente consideradas as melhores do mundo ocidental, juntamente com outros exemplos estilísticos, perduraram, principalmente na forma de vestimentas eclesiásticas.
Vitral
Acredita-se que os primeiros fragmentos conhecidos de vitrais pictóricos medievais sejam originários do século X. As figuras completas mais antigas são encontradas em cinco janelas proféticas em Augsburgo, que datam do final do século XI. Apesar da sua aparência rígida e estilizada, estas figuras apresentam uma significativa experiência de design, tanto na sua representação pictórica como na aplicação prática do vidro, sugerindo a profunda familiaridade do artesão com o meio. Vários painéis do século XII foram preservados nas catedrais de Le Mans, Canterbury e Chartres, bem como em Saint-Denis. Entre os que estão em Canterbury estão uma representação de Adão engajado em escavações e outra de seu filho Seth, ambos de uma série que ilustra os Ancestrais de Cristo. A representação de Adão é notavelmente naturalista e dinâmica, enquanto a figura de Seth apresenta vestes utilizadas para um impacto decorativo considerável, espelhando a melhor escultura em pedra daquela época. Os artesãos de vidro adotaram mudanças estilísticas mais gradualmente do que os arquitetos, fazendo com que muitos dos vitrais, pelo menos do início do século XIII, fossem classificados como fundamentalmente românicos. Exemplos particularmente notáveis incluem grandes figuras de 1200 na Catedral de Estrasburgo (algumas agora transferidas para um museu) e aquelas de aproximadamente 1220 na Igreja de São Kunibert em Colônia.
Embora a maioria dos esplêndidos vitrais da França, incluindo as famosas janelas de Chartres, datem do século XIII, um número significativamente menor de grandes janelas do século XII sobreviveram intactas. Um exemplo notável é a Crucificação de Poitiers, uma extraordinária composição de três níveis. Sua seção mais baixa apresenta um quadrifólio que ilustra o Martírio de São Pedro, a ampla camada central é dominada pela crucificação e o estágio superior representa a Ascensão de Cristo dentro de uma mandorla. A figura do Cristo crucificado já apresenta características da curva gótica. George Seddon caracterizou esta janela como possuidora de "beleza inesquecível". Numerosos fragmentos individuais estão guardados em museus, e uma janela na Igreja Twycross, na Inglaterra, incorpora painéis franceses significativos resgatados da Revolução Francesa. Dado o seu custo e adaptabilidade (permitindo acréscimos ou reorganizações), o vidro parece ter sido frequentemente reaproveitado durante a reconstrução gótica de igrejas. O primeiro vidro inglês datável, um painel na Catedral de York representando uma Árvore de Jessé, provavelmente anterior a 1154, exemplifica essa prática de reciclagem.
- Lista de artistas românicos
- Notas
Notas
Referências
- Ensaio sobre a linha do tempo do Museu Metropolitano
- Corpus de escultura românica na Grã-Bretanha e na Irlanda
- Círculo Románico: arte visigótica, moçárabe e românica em toda a Europa
- Grupo de Escultura Românica no Flickr