Rococo

Rococó, ocasionalmente escrito Roccoco ( rə-KOH-koh, EUA também ROH-kə-KOH; francês: [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ), também identificado como barroco tardio, representa um estilo altamente ornamentado e teatral de arquitetura, arte e design de interiores. Esta estética distinta integra assimetria, curvas sinuosas, douramento, uma paleta de tons brancos e pastéis, molduras esculpidas intrincadas e afrescos trompe-l'oeil, todos projetados para evocar espanto e a percepção de movimento e teatralidade. É frequentemente caracterizado como a manifestação máxima da era barroca.

Rococó, menos comumente Roccocó ( rə-KOH-koh, EUA também ROH-kə-KOH; Francês: [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ), também conhecido como Barroco tardio, é um estilo excepcionalmente ornamental e dramático de arquitetura, arte e decoração que combina assimetria, curvas onduladas, dourado, cores brancas e pastéis, molduras esculpidas e afrescos trompe-l'œil para criar surpresa e a ilusão de movimento e drama. É frequentemente descrito como a expressão final do movimento barroco. Inicialmente denominado "estilo Rocaille", o Rococó surgiu na França durante a década de 1730 como um contraponto estilístico à estética mais rígida e geométrica de Luís XIV. A sua influência expandiu-se rapidamente por toda a Europa, atingindo nomeadamente o norte da Itália, a Áustria, o sul da Alemanha, a Europa Central e a Rússia. Além disso, o Rococó permeou diversas disciplinas artísticas, incluindo escultura, design de móveis, prataria, vidro, pintura, música, teatro e literatura. Embora concebido principalmente como um estilo secular para interiores residenciais privados, o Rococó também possuía uma dimensão espiritual, levando à sua ampla adoção na arquitetura eclesiástica, particularmente na Europa Central, Portugal e América do Sul.

Etimologia

O termo rococó surgiu inicialmente como uma adaptação lúdica da palavra rocaille, cunhada por Pierre-Maurice Quays (1777-1803). Historicamente, rocaille referia-se a uma técnica decorativa que empregava seixos, conchas e cimento, frequentemente utilizada desde o Renascimento para adornar grutas e fontes. Durante o final do século XVII e início do século XVIII, o rocaille evoluiu para um motivo decorativo específico no final do estilo Luís XIV, caracterizado por uma concha entrelaçada com folhas de acanto. Em 1736, o designer e joalheiro Jean Mondon lançou o Premier Livre de forme rocquaille et cartel, um compêndio de designs de móveis e ornamentação de interiores. Esta publicação marcou o uso impresso inaugural do termo rocaille para denotar o estilo florescente. O distinto motivo de concha esculpida ou moldada era frequentemente integrado a folhas de palmeira ou vinhas sinuosas para embelezar portas, móveis, painéis de parede e vários outros componentes arquitetônicos.

A palavra rococó apareceu impressa pela primeira vez em 1825, empregada para caracterizar a ornamentação considerada "fora de moda e antiquada". Em 1828, era aplicado em decorações “que pertenciam ao estilo do século XVIII, sobrecarregadas de ornamentos retorcidos”. Posteriormente, em 1829, o autor Stendhal definiu o rococó como "o estilo rocaille do século XVIII".

Ao longo do século XIX, o termo foi frequentemente aplicado à arquitetura ou à música considerada excessivamente ornamental. No entanto, desde meados do século XIX, os historiadores da arte adotaram amplamente a designação. Embora o discurso acadêmico continue sobre o significado histórico preciso do estilo, o Rococó é atualmente reconhecido como um período distinto e influente na trajetória da arte europeia.

Características

O Rococó distingue-se pela sua ornamentação luxuosa, caracterizada por uma profusão de curvas, contracurvas, ondulações e motivos inspirados em formas naturais. Embora os exteriores das estruturas rococó frequentemente exibam simplicidade, seus interiores são esmagadoramente adornados. O estilo possuía uma qualidade profundamente teatral, meticulosamente elaborado para evocar espanto, reverência e admiração na observação inicial. As plantas baixas eclesiásticas frequentemente apresentavam designs intrincados, incorporando configurações ovais interligadas. Em ambientes palacianos, grandes escadarias serviam como pontos focais, proporcionando diversas perspectivas sobre a decoração elaborada. Elementos ornamentais rococó proeminentes incluem conchas assimétricas, acantos e outras folhagens, pássaros, arranjos florais, frutas, instrumentos musicais, putti e chinoiserie, que inclui pagodes, dragões, macacos, flora exótica e representações de figuras chinesas.

Essa estética frequentemente incorporava estuque moldado, esculturas em madeira intrincadas e quadratura - pinturas ilusionistas no teto - meticulosamente elaboradas para criar a percepção dos observadores. dentro da sala olhando para o céu, com querubins e outras figuras celestes parecendo descer. Os materiais comuns empregados incluíam estuque, pintado ou deixado em seu estado branco natural; várias combinações de madeiras, normalmente carvalho, faia ou nogueira; Madeira lacada estilo japonês; bronze dourado; e mármore.

Diferenças entre o Barroco e o Rococó

O Rococó exibe as características subsequentes, geralmente ausentes no Barroco:

• Um afastamento parcial da simetria estrita, com composições predominantemente apresentando linhas e curvas graciosas, que lembram o Art Nouveau.
• Curvas assimétricas e volutas distintas em forma de C.
• Abundantes motivos florais ornamentais, como elaborados festões florais.
• O estilo ocasionalmente incorporava motivos do Leste Asiático, como Chinoiserie e Japonisme.
• Uma paleta de cores pastéis quentes, incluindo amarelo esbranquiçado, creme, cinza pérola e azuis muito claros, era característica.

França

Originado em Paris durante o reinado de Luís XV, o estilo Rocaille, também conhecido como Rococó Francês, teve seu auge entre aproximadamente 1723 e 1759. O Rococó Francês se distingue por sua arte excepcional e desenhos intrincados com formas vegetais entrelaçadas como vinhas, folhas e flores. Esta estética foi aplicada principalmente em salões, espaços inovadores concebidos para entretenimento e impressão dos hóspedes. Uma excelente ilustração é o salão da Princesa no Hôtel de Soubise em Paris, uma criação de Germain Boffrand e Charles-Joseph Natoire entre 1735 e 1740.

Os móveis deste período exibiam de forma semelhante as curvas sinuosas e os motivos vegetalistas característicos do estilo, particularmente evidentes nas elaboradas molduras de espelhos e pinturas, que eram esculpidas em gesso e frequentemente douradas. Proeminentes designers de móveis e artesãos deste estilo incluíam Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent e Nicolas Pineau.

O Rococó francês não atingiu o mesmo nível de extravagância que os seus homólogos da Baviera, Áustria ou Itália. A sua prevalência diminuiu em meados do século XVIII, à medida que a descoberta de antiguidades romanas em Herculano em 1738 e em Pompeia em 1748 redirecionou as tendências arquitetónicas francesas para um neoclassicismo mais simétrico e moderado.

Itália

Artistas italianos, especialmente os de Veneza, desenvolveram uma interpretação distinta do estilo rococó. As cômodas venezianas, por exemplo, emulavam as formas curvilíneas e os enfeites esculpidos da Rocaille francesa, mas incorporavam uma característica veneziana única: eram frequentemente pintadas com paisagens, motivos florais, cenas de Guardi ou de outros artistas, ou Chinoiserie, contra fundos azuis ou verdes. Esses esquemas de cores harmonizavam-se com a paleta da escola veneziana de pintores, cujas obras adornavam os salões locais.

Entre os pintores decorativos proeminentes estavam Giovanni Battista Crosato, conhecido por seu teto quadraturo no salão de baile Ca' Rezzonico, e Giovanni Battista Tiepolo, que executou tetos e murais em ambientes eclesiásticos e palacianos. Tiepolo, acompanhado de seu filho, viajou para a Alemanha de 1750 a 1753, onde adornou os tetos da Residência de Würzburg, um exemplo significativo do Rococó Bávaro. Giovanni Battista Piazzetta, outro conceituado pintor veneziano, criou vários tetos de igrejas notáveis.

O rococó veneziano também exibia artigos de vidro excepcionais, principalmente o vidro de Murano, que era frequentemente gravado, colorido e amplamente exportado para toda a Europa. Isso incluía lustres multicoloridos e espelhos envoltos em molduras altamente ornamentadas.

Sul da Alemanha

O estilo decorativo rococó atingiu o seu apogeu no sul da Alemanha e na Áustria entre as décadas de 1730 e 1770, onde continua a influenciar profundamente a paisagem arquitetónica eclesiástica e permanece profundamente enraizado na cultura popular. Sua introdução inicial na França ocorreu por meio de publicações e criações de arquitetos e decoradores franceses, como o escultor Claude III Audran, o designer de interiores Gilles-Marie Oppenordt, o arquiteto Germain Boffrand, o escultor Jean Mondon e o desenhista e gravador Pierre Lepautre. Embora as suas contribuições tenham moldado significativamente o Rococó alemão, não atingiram o mesmo nível de extravagância que as estruturas encontradas no sul da Alemanha.

Os arquitectos alemães reinterpretaram o estilo Rococó, tornando-o consideravelmente mais assimétrico e elaborado do que o seu precursor francês. A iteração alemã foi distinguida por uma profusão de formas que pareciam cascatear pelas paredes, incorporando molduras em forma de curvas e contra-curvas, intrincados padrões retorcidos e folhagens de estuque que aparentemente subiam pelas paredes e atravessavam os tetos. As decorações eram frequentemente douradas ou prateadas, proporcionando um contraste marcante com as paredes brancas ou em tons pastéis.

Entre as primeiras estruturas rococó da Alemanha está o pavilhão Amalienburg em Munique (1734-1739), concebido pelo arquiteto e designer belga François de Cuvilliés, que se inspirou nos pavilhões Grand Trianon e Château de Marly na França. Construído como pavilhão de caça, apresentava uma plataforma na cobertura para caça de faisões. Seu interior Salão dos Espelhos, projetado pelo pintor e escultor de estuque Johann Baptist Zimmermann, exibe um nível de elaboração que supera significativamente qualquer exemplo do Rococó francês.

A Residência de Würzburg (1720–1744), encomendada pelo príncipe-bispo Johann Philipp Franz von Schönborn, exemplifica o antigo rococó alemão. Durante a sua construção inicial, o arquiteto da corte Balthasar Neumann consultou os artistas decorativos rocaille franceses Germain Boffrand e Robert de Cotte em Paris. Enquanto o exterior do palácio mantém uma estética barroca mais contida, o seu interior, nomeadamente as escadas e os tectos, apresenta uma extravagância significativamente maior. Neumann caracterizou o interior da residência como “um teatro de luz”. De 1750 a 1753, o pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo foi contratado para criar um mural acima da escada cerimonial de três níveis. Neumann também concebeu a famosa escadaria rococó do Castelo de Augustusburg em Brühl (1725-1768), que guia os visitantes através de uma elaborada composição de pintura, escultura e ferragens, oferecendo vistas inesperadas a cada passo.

Durante as décadas de 1740 e 1750, inúmeras igrejas de peregrinação foram erguidas na Baviera, com interiores adornados em estilo rococó distinto. Um exemplo proeminente é a Wieskirche (1745-1754), projetada por Dominikus Zimmermann. Consistente com a maioria das igrejas de peregrinação da Baviera, o seu exterior é notavelmente discreto, caracterizado por paredes em tons pastéis e ornamentação mínima. Ao entrar, o visitante encontra uma extraordinária síntese de elementos artísticos e formas arquitetônicas. O santuário de forma oval, precedido a poente por uma antecâmara semicircular, banha a igreja de luz vinda de todas as direcções. As paredes brancas são justapostas a colunas de estuque azul e rosa no coro, e o teto abobadado é pintado para evocar um céu aberto atravessado por anjos. Outras notáveis igrejas de peregrinação da Baviera incluem a Basílica dos Quatorze Santos Auxiliares, de Balthasar Neumann (1743-1772), e a Abadia de Ottobeuren (1748-1766), de Johann Michael Fischer, que, como grande parte da arquitetura rococó alemã, demonstra um contraste marcante entre a regularidade de sua fachada e a profusa decoração de seu interior.

Inglaterra

Na Grã-Bretanha, o Rococó exerceu menos influência no design e nas artes decorativas em comparação com a Europa continental, embora o seu impacto tenha sido discernível em domínios como a ourivesaria, a porcelana e o mobiliário.

Ao longo do início do século XVIII, o design de mobiliário inglês aderiu ao paradigma neoclássico palladiano, defendido pelo designer William Kent, que criou peças para Lord Burlington e outros importantes patronos da arte. Consequentemente, a adoção do Rococó na Inglaterra foi gradual, aparecendo pela primeira vez na década de 1730 através das contribuições de artistas imigrantes e refugiados huguenotes da França, incluindo o ourives Paul de Lamerie. A St Martin's Lane Academy, fundada por William Hogarth em 1735, também desempenhou um papel crucial na introdução do estilo rococó aos designers e artistas ingleses.

O estilo rococó floresceu na Inglaterra entre 1740 e 1770. Para competir com os produtos franceses importados, os designers de móveis desenvolveram um estilo rococó britânico distinto, predominantemente expresso através da escultura em madeira. Thomas Chippendale emergiu como o mais influente desses designers; sua publicação de 1754, The Gentleman and Cabinet Maker's Director, um compêndio de projetos de móveis rococó, chinoiserie e gótico, alcançou ampla aclamação. Ao contrário dos seus homólogos franceses, Chippendale evitou marchetaria ou incrustações nos seus móveis. Os principais expoentes dos móveis embutidos foram Vile e Cob, que serviram como marceneiros do rei George III. Outra figura significativa no mobiliário britânico foi Thomas Johnson, que publicou um catálogo de designs de móveis rococó em 1761. Esta coleção apresentava móveis baseados em motivos criativos chineses e indianos, incluindo uma cama de dossel encimada por um pagode chinês, agora instalado no Victoria and Albert Museum.

O ourives Charles Friedrich Kandler representa outra figura notável do período rococó britânico.

Rússia

O estilo rococó russo foi amplamente introduzido durante o século XVIII pelas imperatrizes Isabel e Catarina, a Grande, facilitado por arquitetos da corte como Francesco Bartolomeo Rastrelli.

Os empreendimentos arquitetônicos de Rastrelli, exemplificados por estruturas como o Palácio de Inverno em São Petersburgo e o Palácio de Catarina em Tsarskoye Selo, integraram inúmeras características do design rococó da Europa Ocidental. Os interiores frequentemente exibiam quartos opulentos adornados com folhas de ouro, espelhos e janelas amplas projetadas para maximizar a iluminação natural. Os exteriores eram distinguidos por tons pastéis suaves, emoldurados por substanciais janelas e cornijas, muitas vezes incorporando motivos rocaille, como conchas assimétricas e formações rochosas. Os tetos (plafonds) comumente exibiam arabescos rococó circundando representações alegóricas de divindades clássicas gregas e romanas. Os pisos frequentemente eram compostos de parquet complexo, trabalhado a partir de diversos tipos de madeira para formar padrões elaborados. Durante o século XVIII, a arquitetura da igreja ortodoxa russa também sofreu influência significativa da estética rococó. Isso geralmente se manifestava em uma planta quadrada em cruz grega, caracterizada por quatro asas de proporções iguais. Os exteriores eram normalmente representados em tons pastéis claros, incluindo azuis e rosa, e as torres sineiras frequentemente culminavam em cúpulas douradas em forma de cebola.

Frederician Rococó

Rococó Frederico representa uma manifestação distinta do estilo Rococó que surgiu na Prússia durante o reinado de Frederico, o Grande. Sintetizou influências artísticas da França, de várias regiões alemãs (particularmente da Saxônia) e da Holanda. O arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff é reconhecido como o seu proponente mais proeminente. Além disso, o pintor Antoine Pesne e o próprio rei Frederico contribuíram para moldar os conceitos arquitetônicos de Knobelsdorff. Estruturas notáveis que exemplificam o estilo Fredericiano abrangem o Palácio Sanssouci, o Palácio da Cidade de Potsdam e seções específicas do Palácio de Charlottenburg.

Recusa e Conclusão

A produção artística de François Boucher e dos seus contemporâneos, caracterizada pelo seu enfoque na mitologia decorativa e na galanteria cortês, rapidamente provocou um contra-movimento que defendia conteúdos temáticos mais “nobres”. Embora o Rococó tenha persistido na Alemanha e na Áustria, a Academia Francesa em Roma iniciou o ensino no estilo clássico. Esta mudança foi sublinhada pela nomeação de Jean François de Troy como diretor da academia em 1738, seguido por Charles-Joseph Natoire em 1751.

Madame de Pompadour, a amante influente de Luís XV, desempenhou um papel no declínio do estilo rococó. Em 1750, ela despachou seu irmão, Abel-François Poisson de Vandières, em uma expedição de dois anos à Itália para investigar avanços artísticos e arqueológicos. Ele estava acompanhado por vários artistas notáveis, incluindo o gravador Charles-Nicolas Cochin e o arquiteto Soufflot. Ao retornar a Paris, demonstraram um profundo entusiasmo pela arte clássica. Posteriormente, Vandières tornou-se Marquês de Marigny e foi nomeado diretor-geral dos Edifícios do Rei. Ele redirecionou as tendências arquitetônicas oficiais francesas para o Neoclassicismo. Cochin emergiu como um crítico de arte significativo, condenando o petit style de Boucher e defendendo uma estética mais grandiosa, enfatizando a antiguidade e a nobreza nas academias de pintura e arquitetura.

O declínio do Rococó começou no início da década de 1760, quando figuras proeminentes como Voltaire e Jacques-François Blondel começaram a articular críticas sobre a superficialidade e decadência percebidas do estilo. Blondel denunciou especificamente a "mistura ridícula de conchas, dragões, juncos, palmeiras e plantas" encontrada em designs de interiores contemporâneos. Em 1785, o rococó caiu em desuso na França, substituído pela gravidade estruturada defendida por artistas neoclássicos como Jacques-Louis David. Na Alemanha, o Rococó do final do século 18 era ridicularizado como Zopf und Perücke ("rabo de cavalo e peruca"), uma fase ocasionalmente chamada de Zopfstil. No entanto, o Rococó manteve popularidade em estados provinciais alemães específicos e na Itália até o advento da segunda fase do Neoclassicismo, conhecida como "estilo Império", que surgiu com os governos napoleônicos e finalmente suplantou o Rococó.

Móveis e Artes Decorativas

A estética ornamental conhecida como rocaille desenvolveu-se na França entre 1710 e 1750, coincidindo principalmente com a Regência e o reinado de Luís XV. Este estilo também foi conhecido como Louis Quinze. Seus atributos definidores incluíam detalhes pitorescos, uma profusão de curvas e contracurvas, assimetria inerente e uma opulência teatral. Nos salões parisienses recém-construídos, designs intrincados e sinuosos, normalmente executados em estuque dourado ou pintado, envolviam portas e espelhos, lembrando formas orgânicas semelhantes a videiras. Uma das primeiras ilustrações deste estilo é o Hôtel Soubise em Paris (1704-1705), apresentando nomeadamente o seu renomado salão oval adornado com pinturas de Boucher e Charles-Joseph Natoire.

Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750) é o mais renomado designer de móveis francês da época, também distinguido como escultor, pintor e ourives da corte real. Ele ocupou o estimado cargo de designer oficial da Câmara e do Gabinete de Luís XV. O seu legado duradouro deve-se em grande parte às extensas gravuras das suas criações, que disseminaram significativamente o estilo Rococó por toda a Europa. Meissonnier também realizou encomendas de design para as famílias reais da Saxônia e de Portugal.

A Itália emergiu como outro centro significativo para o estilo Rococó, experimentando seu florescimento tanto em seus estágios iniciais quanto posteriores. Artesãos de cidades importantes como Roma, Milão e Veneza foram prolíficos na produção de móveis e objetos decorativos suntuosamente adornados.

A ornamentação esculpida frequentemente incorporava motivos como flores, palmetas, conchas e folhagens, meticulosamente esculpidos em madeira. As formas rocaille mais elaboradas eram normalmente aplicadas em consoles, que são mesas projetadas para serem colocadas contra as paredes. As cômodas, ou baús, inicialmente introduzidas durante o reinado de Luís XIV, eram ricamente embelezadas com motivos rocaille trabalhados em bronze dourado. Mestres artesãos, incluindo Jean-Pierre Latz, produziram essas peças, que muitas vezes apresentavam marchetaria composta por madeiras de várias cores, às vezes dispostas em padrões cúbicos xadrez usando tons claros e escuros contrastantes. Este período marcou também o advento da Chinoiserie, frequentemente manifestada em cómodas lacadas e douradas, conhecidas como falcon de Chine ou Vernis Martin, em homenagem ao ebenista pioneiro desta técnica em França. Ormolu, ou bronze dourado, foi um material amplamente utilizado por mestres artesãos como Jean-Pierre Latz. Notavelmente, Latz criou um relógio excepcionalmente ornamentado, montado no topo de uma caixa, para o palácio de Frederico, o Grande, em Potsdam. As peças de porcelana chinesa importada eram frequentemente colocadas em montagens rococó de ormolu (bronze dourado) para exibição em mesas ou consoles em salões. Além disso, outros artesãos imitaram os móveis laqueados japoneses, confeccionando cômodas adornadas com motivos japoneses.

O rococó britânico geralmente exibia um caráter mais moderado. Os designs de móveis de Thomas Chippendale mantiveram as curvas características e a estética, mas evitaram o extremo capricho encontrado nos exemplos franceses. Thomas Johnson, um entalhador e designer de móveis altamente qualificado que trabalhou em Londres em meados do século XVIII, é amplamente considerado o proponente de maior sucesso do Rococó britânico.

Pintura

Elementos do estilo Rocaille permearam as obras de alguns pintores franceses, caracterizados por uma propensão para detalhes pitorescos, a interação de curvas e contracurvas e uma assimetria distinta que imbuiu o movimento barroco de exuberância. No entanto, o rocaille francês nunca atingiu a extravagância vista no rococó germânico. Antoine Watteau foi o principal expoente, particularmente evidente em sua obra-prima O Embarque para Cythera (1717), exposta no Louvre. Esta obra exemplifica o gênero Fête galante, que retrata cenas de jovens aristocratas celebrando em cenários pastorais idílicos. Embora Watteau tenha falecido em 1721, aos trinta e sete anos, as suas contribuições artísticas continuaram a influenciar a pintura durante o resto do século. Uma variante da pintura de Watteau, intitulada Peregrinação a Cythera, foi adquirida por Frederico, o Grande da Prússia em 1752 ou 1765 para adornar seu Palácio de Charlottenburg em Berlim.

François Boucher (1703-1770), o pintor favorito de Madame de Pompadour, sucedeu Watteau como uma figura importante na pintura decorativa e no estilo Féte Galante. Sua obra inclui a sensual Toilette de Venus (1746), que se tornou uma representação icônica do estilo. A versatilidade de Boucher estendeu-se a diversas disciplinas artísticas do período; ele desenhou tapeçarias, criou modelos para esculturas de porcelana, concebeu cenários para a Ópera de Paris e a Opéra-Comique e fez decoração para a Feira de Saint-Laurent. Outros pintores notáveis ​​que contribuíram para o estilo Fête Galante incluíram Nicolas Lancret e Jean-Baptiste Pater. O estilo influenciou significativamente François Lemoyne, que completou a opulenta decoração do teto do Salão de Hércules no Palácio de Versalhes em 1735. Pinturas com fêtes galantes e temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières e Charles-Joseph Natoire adornavam o célebre salão do Hôtel Soubise em Paris (1735-1740). Outros pintores rococó dignos de nota incluem Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), seus dois filhos Louis-Michel van Loo (1707–1771) e Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719–1795), seu irmão mais novo Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) e Jean Honoré Fragonard (1732–1806).

A pintura italiana exerceu profunda influência no estilo rococó predominante na Áustria e no sul da Alemanha. O artista veneziano Giovanni Battista Tiepolo, auxiliado por seu filho Giovanni Domenico Tiepolo, recebeu uma encomenda para executar afrescos para a Residência de Würzburg entre 1720 e 1744. Ao mesmo tempo, Johann Baptist Zimmermann se destacou como o pintor proeminente das igrejas rococó da Baviera, completando notavelmente o teto da Wieskirche de 1745 a 1754.

Escultura

A escultura rococó era caracterizada por suas qualidades teatrais, sensuais e dinâmicas, transmitindo uma sensação generalizada de movimento. Foi predominantemente integrado nos interiores das igrejas, muitas vezes intimamente interligado com a pintura e a arquitetura. As obras escultóricas religiosas normalmente adotavam o estilo barroco italiano, como demonstrado pelo dramático retábulo da Karlskirche em Viena.

As primeiras esculturas rococós, ou Rocaille, na França exibiam uma qualidade mais leve e um movimento aprimorado em comparação com o estilo clássico de Luís XIV. Esta direção artística foi particularmente incentivada por Madame de Pompadour, amante de Luís XV, que encomendou inúmeras obras para os seus castelos e jardins. O escultor Edmé Bouchardon, por exemplo, retratou Cupido esculpindo seus dardos de amor no clube de Hércules. Figuras rococó também povoaram fontes posteriores em Versalhes, como a Fonte de Netuno de Lambert-Sigisbert Adam e Nicolas-Sebastien Adam (1740). Seu sucesso em Versalhes levou a um convite de Frederico, o Grande, para a Prússia, onde criaram esculturas de fontes para o Parque Sanssouci na década de 1740.

Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) emergiu como outro importante escultor francês durante este período. Embora celebrado principalmente por sua estátua de Pedro, o Grande, "Cavaleiro de Bronze" em São Petersburgo, Falconet também produziu uma série de obras menores para colecionadores abastados, que eram reproduzidas em terracota ou fundidas em bronze. Outros escultores franceses, incluindo Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam e Jean-Baptiste Pigalle, criaram esculturas em série de forma semelhante para o mercado de colecionadores.

Na Itália, Antonio Corradini se destacou como um dos principais escultores do estilo rococó. Veneziano de nascimento, viajou extensivamente por toda a Europa, realizando encomendas para Pedro, o Grande, em São Petersburgo, e para as cortes da Áustria e de Nápoles. Corradini favoreceu temas sentimentais, produzindo diversas obras altamente qualificadas retratando mulheres com rostos velados, um exemplo notável dos quais está agora localizado no Louvre.

As manifestações mais elaboradas da escultura rococó concentraram-se na Espanha, na Áustria e no sul da Alemanha, principalmente na ornamentação de palácios e igrejas. Este trabalho escultórico estava tão intimamente integrado com a arquitetura que os seus limites individuais se tornaram indistinguíveis. Por exemplo, no Palácio Belvedere em Viena (1721-1722), o teto abobadado do Salão dos Atlantes é sustentado por figuras musculosas desenhadas por Johann Lukas von Hildebrandt. Ao mesmo tempo, o portal do Palácio do Marquês de Dos Aguas em Valência (1715-1776) foi inteiramente adornado com esculturas em mármore, baseadas em desenhos de Hipólito Rovira Brocandel.

O altar El Transparente, localizado na capela-mor da Catedral de Toledo, representa uma monumental obra escultórica composta por mármore policromado e estuque dourado, integrada com pinturas, estátuas e símbolos. Criado por Narciso Tomé entre 1721 e 1732, o seu design facilita a passagem da luz, dando uma ilusão de movimento sob iluminação variável.

Porcelanato

O período Rococó viu o advento de uma nova forma de escultura em pequena escala: a figura de porcelana ou pequeno grupo de figuras. Servindo inicialmente como substitutos para esculturas de açúcar em grandes mesas de jantar, esses itens rapidamente se tornaram populares para exibição em lareiras e móveis. O número de fábricas europeias aumentou constantemente ao longo do século, com algumas produzindo porcelana acessível às classes médias em expansão. Paralelamente, também cresceu o volume de decoração colorida sobre vidrado aplicada nessas peças. Eles eram tipicamente modelados por artistas treinados em escultura, com temas comuns incluindo figuras da commedia dell'arte, vendedores ambulantes da cidade, amantes, indivíduos em trajes da moda e pares de pássaros.

Johann Joachim Kändler, uma figura central, serviu como o principal modelador da porcelana Meissen, a fábrica inaugural da Europa, que manteve sua preeminência até aproximadamente 1760. Ao mesmo tempo, o escultor alemão nascido na Suíça, Franz Anton Bustelli, criou figuras diversas e de cores vibrantes para a Manufatura de Porcelana Nymphenburg da Baviera, distribuindo-as por toda a Europa. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791), um escultor francês, adotou uma abordagem artística semelhante. Além das suas criações monumentais, Falconet dirigiu a Manufatura de Porcelana de Sèvres, onde supervisionou a produção em série de peças mais pequenas, frequentemente retratando temas de amor e alegria.

Música

Embora menos reconhecido do que seu antecessor barroco ou sucessor clássico, um período rococó distinto emergiu na história da música. Este estilo musical evoluiu das tradições barrocas tanto na França, onde era denominado style galant (significando uma estética "galante" ou "elegante"), quanto na Alemanha, onde era conhecido como empfindsamer Stil (denotando um "estilo sensível"). Suas características definidoras incluem uma qualidade leve e íntima, muitas vezes apresentando ornamentação altamente elaborada e sofisticada.

Durante a segunda metade do século XVIII, um contra-movimento significativo surgiu contra o estilo Rococó, em grande parte em resposta à sua ornamentação e elementos decorativos excessivos. Esta reação, liderada por Christoph Willibald Gluck, marcou o advento da era clássica. No início do século XIX, a Igreja Católica considerou o estilo rococó impróprio para ambientes eclesiásticos, afirmando que "não conduzia de forma alguma a sentimentos de devoção". 33, para violoncelo e orquestra em 1877. Apesar de sua origem temática não rococó, a própria composição segue os princípios estilísticos do Rococó.

Moda

A moda rococó caracterizava-se pela extravagância, elegância, requinte e decoração elaborada. Existia um contraste notável entre os trajes femininos do século XVII e os estilos mais ornamentados e sofisticados do século XVIII, que sintetizavam a estética rococó. Estas tendências de indumentária estenderam-se para além da corte real, permeando os salões e cafés frequentados pela crescente burguesia. O estilo decorativo e de design exuberante, lúdico e elegante agora identificado como 'Rococó' foi contemporaneamente referido como le style rocaille, le style moderne, le gout.

Uma inovação da moda do início do século XVIII foi o robe volante, um vestido esvoaçante que ganhou destaque perto da conclusão do reinado do rei Luís XIV. Esta peça apresentava um corpete com pregas substanciais caindo em cascata das costas até o chão, usado sobre uma anágua arredondada. Sua paleta de cores inicial incluía tecidos ricos e escuros complementados por elementos de design intrincados e pesados. Após a morte de Luís XIV, os estilos de vestuário sofreram uma transformação, mudando para uma estética mais leve e caprichosa, transitando assim do barroco para o distinto período rococó. A era rococó posterior tornou-se conhecida por seus tons pastéis, vestidos mais reveladores e uma abundância de babados, babados, laços e enfeites de renda. Logo após o surgimento do característico vestido rococó, o robe à la Française foi introduzido, distinguido por um corpete justo, um decote decotado, muitas vezes adornado com grandes laços de fita no centro da frente, cestos largos e enfeites luxuosos de rendas, fitas e flores.

Ao mesmo tempo, as pregas Watteau ganharam popularidade, nomeadas em homenagem ao pintor Jean-Antoine Watteau, cujas representações meticulosas capturaram os detalhes intrincados dos vestidos, incluindo costuras de renda e outros enfeites. Posteriormente, por volta de 1718, o 'pannier' e o 'mântua' tornaram-se moda. Essas argolas largas, usadas por baixo dos vestidos para estender lateralmente os quadris, rapidamente se tornaram um elemento fundamental do traje formal. Esta inovação contribuiu para a silhueta icónica do período Rococó, caracterizada por ancas largas e extensa ornamentação de vestuário. Enquanto cestos largos, às vezes atingindo até 4,9 metros de diâmetro, eram reservados para ocasiões especiais, argolas menores foram adotadas para uso diário. Estes elementos estilísticos originaram-se da moda espanhola do século XVII, especificamente do guardainfante, que foi inicialmente concebido para esconder a gravidez, mas posteriormente reinterpretado como cesto. O ano de 1745 marcou a 'Idade de Ouro' do Rococó com a assimilação de uma influência cultural oriental mais exótica na França, denominada a la turque. Esta tendência foi popularizada pela amante de Luís XV, Madame de Pompadour, que contratou o artista Charles-André van Loo para retratá-la como uma sultana turca.

Na década de 1760, estilos de vestimenta mais descontraídos ganharam destaque, entre os quais estava a polonaise, peça de roupa influenciada pela moda polonesa. Distinguindo-se pelo comprimento mais curto em relação ao vestido tradicional francês, a polonaise revelava a anágua e os tornozelos, facilitando maior mobilidade. Ao mesmo tempo, o robe a l'anglais ganhou popularidade, incorporando elementos derivados do traje masculino, como jaqueta curta, lapelas largas e mangas compridas. Esta peça apresentava um corpete justo, uma saia rodada sem alforjes, mas mantendo um ligeiro alongamento nas costas para formar uma cauda modesta, e era frequentemente complementada com um lenço de renda em volta do pescoço. Além disso, surgiu o 'redingote', funcionando como uma peça de roupa intermediária entre uma capa e um sobretudo.

Os acessórios tiveram uma importância significativa para as mulheres durante este período, contribuindo para a opulência geral e adornos corporais que complementavam os seus vestidos elaborados. Durante cerimônias formais, as mulheres eram obrigadas a usar luvas, cobrindo as mãos e os braços, principalmente quando seus trajes apresentavam designs sem mangas.

Literatura

No discurso literário, o termo 'Rococó' é frequentemente considerado "inutilmente vago", mas normalmente conota uma leveza alegre, um tom íntimo e uma jovialidade elegante. Os gêneros literários rococós predominantes abrangiam formas mais curtas, incluindo poesia erótica leve (francês: poésie légère ou poésie fugitive), sonetos, madrigais e outras composições líricas, pastorais, contos de fadas e novelas. No entanto, o período também produziu extensos poemas narrativos, exemplificados pela obra-prima alemã de Christoph Martin Wieland, Oberon.

Principalmente um estilo literário francês do século XVIII, significativamente moldado pela escola Précieuses do século XVII, a literatura rococó é exemplificada por autores como Anne Claude de Caylus, conhecida por A Arte do Amor; PJ Bernard; Alexandre Masson de Pezay, autor do poema narrativo O Banho de Zélis; Abbé de Favre, que escreveu o poema “Les quatre heures de la toilette des dames”; Évariste de Parny; e Jean-Baptiste Louvet de Couvray, entre outros. O estilo rococó também encontrou adeptos na Itália, incluindo Paolo Rolli e Pietro Metastasio, e na Alemanha, com figuras como Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz e Johann Nikolaus Götz. A sua influência estendeu-se, embora em menor grau, à literatura inglesa e russa, nomeadamente através de Ippolit Bogdanovich.

Galeria

Arquitetura

Gravações

Pintura

Pintura da era Rococó

• Arte rococó italiana
• Rococó em Portugal
• Movimento cultural
• História da pintura
• Pintura ilusionista do teto
• Móveis Luís XV
• Notas e citações

Notas e citações

Bibliografia

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