Modernism

20. yüzyılın başlarında etkili bir hareket olan modernizm; edebiyatı, görsel sanatları, performans sanatlarını ve müziği kapsadı; deney, soyutlama ve öznel deneyime öncelik verdi. Kapsamı felsefeye, politikaya, mimariye ve çeşitli sosyal konulara kadar uzanıyordu. Modernizmin temel ilkelerinden biri, toplumsal etkileşimleri ve ortak yaşamı dönüştürme isteğiyle birlikte yerleşik "ahlak, iyimserlik ve geleneklere" karşı "giderek yabancılaşma" algısıydı.

Modernizm edebiyatta, görsel sanatlarda, sahne sanatlarında ve müzikte deneyi, soyutlamayı ve öznel deneyimi vurgulayan 20. yüzyılın başlarından kalma bir hareketti. Felsefe, politika, mimari ve sosyal meselelerin tümü bu hareketin yönleriydi. Modernizm, hakim "ahlak, iyimserlik ve geleneklere" karşı "giderek yabancılaşmaya" duyulan inanç ve "toplumdaki insanların etkileşim kurma ve birlikte yaşama şeklini" değiştirme arzusu etrafında şekillendi.

19. yüzyılın sonlarında ortaya çıkan Modernist hareket, başta sekülerleşme ve bilimsel ilerlemelerin artan etkisi olmak üzere Batı kültüründeki derin dönüşümlere bir tepki olarak ortaya çıktı. Geleneksel normların kasıtlı olarak reddedilmesi ve yeni kültürel ifade biçimleri arayışıyla tanımlanır. Modernizmin gelişimi, kapsamlı teknolojik yenilikler, sanayileşme, kentleşme ve I. Dünya Savaşı'nı takip eden önemli kültürel ve jeopolitik ayaklanmalar tarafından şekillendirildi. Modernizmle bağlantılı temel sanatsal hareketler ve teknikler arasında soyut sanat, edebiyatta bilinç akışı, sinematik montaj, müzikal atonalite ve on iki ton teknikleri, modern dans, modernist mimari ve şehir planlaması yer alır.

Modernizm, Aydınlanma'nın rasyonalizme yaptığı vurguya eleştirel bir bakış açısı benimsemiştir. Dahası, hareket mutlak özgünlük kavramını, özellikle de hem gerçekçilik hem de Romantizm tarafından savunulan 19. yüzyıl "Creatio ex nihilo" (yoktan yaratma) kavramını reddetti. Bunun yerine Modernizm, kolaj, yeniden oluşturma, birleştirme, yeniden yazma, özetleme, revizyon ve parodi gibi teknikleri benimsedi. Modernizmin ayırt edici bir özelliği, hem sanat eserlerinin yapımını hem de onları oluşturan malzemeleri vurgulayan deneyleri teşvik eden sanatsal ve toplumsal geleneklere ilişkin düşünümselliğiydi. Modernizmin kesin kronolojisi bilimsel bir tartışma konusu olmaya devam ediyor; bazı akademisyenler onun geç modernizme veya yüksek modernizme doğru evrimini öne sürüyor. Buna karşılık Postmodernizm, pek çok Modernist ilkeye temelden meydan okuyor.

Genel Bakış ve Tanım

Modernizm hem sanatı hem de daha geniş anlamda Zeitgeist'i etkileyen kültürel bir hareket oluşturdu. Çoğunlukla, özbilinç veya öz-referans ile ayırt edilen, özellikle çeşitli sanatsal ve akademik alanlardaki avangard içinde öne çıkan bir düşünce ve davranış çerçevesi olarak nitelendirilir. Özellikle Batılı bağlamlarda, genellikle insanlığın pratik deneyler, bilimsel anlayış veya teknolojik uygulama yoluyla çevresini yaratma, geliştirme ve yeniden yapılandırma kapasitesini ileri süren sosyal açıdan ilerici bir hareket olarak görülüyor. Bu açıdan Modernizm varoluşun tüm boyutlarının kapsamlı bir şekilde yeniden değerlendirilmesini savunur. Modernistler, ilerlemenin önünde algılanan engelleri tespit etmek için konuları eleştirel bir şekilde inceliyor ve ardından istenen sonuçlara ulaşmak için alternatif metodolojiler öneriyor.

Tarihçi Roger Griffin, Modernizmi "yeni olanın geçiciliği" ahlak anlayışıyla desteklenen kapsamlı bir kültürel, sosyal veya politik çaba olarak tanımlıyor. Griffin, Modernizmin "çağdaş dünyada yüce bir düzen ve amaç duygusunu" yeniden tesis etmeye çalıştığını, böylece modernitenin parçalayıcı ve laikleştirici güçlerinin neden olduğu "kapsayıcı bir 'nomos'un veya 'kutsal gölgeliğin' algılanan erozyonunu" hafifletmeye çalıştığını öne sürdü. Sonuç olarak, "Ekspresyonizm, Fütürizm, Vitalizm, Teosofi, Psikanaliz, Çıplaklık, Öjeni, Ütopyacı şehir planlaması ve mimarisi, modern dans, Bolşevizm, Organik Milliyetçilik ve hatta Birinci Dünya Savaşı'nın Hekatomb'unu ayakta tutan fedakarlık kültü" dahil olmak üzere görünüşte birbirinden farklı fenomenler, "algılanan çöküşe" karşı muhalefetlerinde ortak bir köken ve psikolojik çerçeve ortaya koyuyor. Bu çeşitli tezahürler, kolektif olarak, bireylerin ölümlülüklerini aşabileceklerine ve nihayetinde tarihin öznesi olmaktan aktif yaratıcılarına geçiş yapabileceklerine inandıkları "kişiliküstü bir gerçeklik deneyimi" elde etme girişimlerini temsil eder.

Din ayrıca 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan bilimsel, felsefi ve politik ilerlemelerin etkisini de deneyimledi ve Katolik Modernizminin ortaya çıkışıyla doruğa ulaştı. Örneğin T. S. Eliot, özellikle Katolik Modernizminden etkilenmişti.

1911'de Katolik Ansiklopedisi için yazan Cizvit Arthur Vermeersch, çağdaş Katolik sapkınlık bilimi bakış açısından bir modernizm tanımı yaptı:

Modernizm genel olarak tanrısallık, insanlık, dünya ve hem geçici hem de ebedi varoluşa ilişkin insan düşüncesinin temelden dönüştürülmesini amaçlar. Bu entelektüel değişim Hümanizm ve on sekizinci yüzyıl felsefesi tarafından başlatıldı ve Fransız Devrimi sırasında resmen ilan edildi.

Bu bölüm Modernizm, Romantizm, Felsefe ve Sembolizm arasındaki bağlantıları araştırıyor.

Edebi modernizm sıklıkla W. B. Yeats'in "İkinci Geliş"teki cümlesiyle özetlenir: "Her şey dağılır; merkez dayanamaz." Modernistler sık ​​sık metafiziksel bir "merkez" ararlarken, her zaman onun parçalanmasıyla karşılaştılar. Buna karşılık, postmodernizm bu çöküşü benimsiyor ve Jacques Derrida'nın bu tür iddiaları yapısöküme uğratma çabalarında örneklenen metafizik yapıların doğasında var olan sınırlamalarını açığa çıkarıyor.

Felsefi bir perspektiften bakıldığında, metafiziğin gerilemesi İskoç filozof David Hume'a (1711-1776) atfedilebilir. Hume, bir olayın diğerine neden olduğunun doğrudan algılanmasının imkansız olduğunu ileri sürdü. Ayrıca benliğin bir nesne olarak değil, yalnızca bir özne olarak kavrandığını, dolayısıyla temel özümüzü kararttığını ileri sürdü. Sonuç olarak, eğer bilgi yalnızca görme, dokunma ve duygu gibi duyusal deneyimlerden elde ediliyorsa, o zaman hem bilginin kendisi hem de metafizik iddialar ulaşılamaz hale gelir.

Sonuç olarak modernizm, metafizik gerçeklere duyulan özlemle, bunların doğası gereği ulaşılamaz olduğunu kabul etse bile duygusal olarak hareket edebilir. Örneğin, bazı modernist romanlar, Heart of Darkness'taki Marlow veya The Great Gatsby'deki Nick Carraway gibi doğa veya insan karakteri hakkında derin gerçekleri algılayan karakterleri sunar. Ancak bu anlatılar genellikle bu tür algıları ironik bir şekilde ele alır, bunun yerine daha sıradan açıklamalar sunar. Benzer şekilde, Wallace Stevens'ın çok sayıda şiiri, doğanın önemini tespit etme mücadelesini araştırıyor ve bu mücadele tipik olarak iki biçimde ortaya çıkıyor: Konuşmacının başlangıçta doğanın anlamını inkar ettiği, yalnızca şiirin sonucuyla varlığını kanıtlamak için doğanın anlamını inkar ettiği şiirler; ve konuşmacının doğada anlam öne sürdüğü, ancak bu anlamın şiirin sonunda dağıldığı durumlar.

Modernizm sıklıkla on dokuzuncu yüzyıl gerçekçiliğini reddeder; özellikle de eğer gerçekçilik, anlamın natüralist tasvirlerin içine yerleştirilmesine yapılan vurguyla tanımlanıyorsa. Aynı zamanda, bazı modernistler daha özgün, "merkezsiz" bir gerçekçilik biçiminin peşine düştüler. Örneğin, Picasso'nun protokübist eseri *Les Demoiselles d'Avignon* (1907), konuları tekil bir bakış açısından sunmak yerine düz, iki boyutlu bir resimsel düzlem sunar. Benzer şekilde, "Şair" (1911) bedeni çeşitli açılardan tasvir eden merkezsiz bir perspektif sergiliyor. The Peggy Guggenheim Collection describes this approach, stating that 'Picasso presents multiple views of each object, as if he had moved around it, and synthesizes them into a single compound image'.

Modernism, characterized by its perception that "things fall apart," can be interpreted as the culmination of romanticism, especially if romanticism is understood as the frequently unfulfilled pursuit of metaphysical truths concerning character, nature, a transcendent power, and global meaning. Modernizm sıklıkla romantik ya da metafizik bir çekirdeğin özlemini çeker, ancak daha sonra onun parçalanmasına tanık olur.

Modernizm ile romantizm arasındaki farklılık, 'sembol'e yaklaşımlarında da açıkça görülmektedir. Romantikler zaman zaman sembol (ya da I.A. Richards'ın terminolojisinde 'araç') ile onun 'tenor'u (anlam) arasında içsel bir bağlantı ('temel') olduğunu varsaydılar. Bunun bir örneği Coleridge'in doğayı 'Tanrının / Söylediği o ebedi dil' olarak tasvir etmesidir. Ancak bazı romantikler doğayı ve sembollerini ilahi bir dil olarak görürken, diğer romantik teorisyenler bunların anlaşılmaz olduğunu düşünüyorlardı. Goethe, romantik olmasa da bunu şu sözlerle ifade ediyordu: 'Fikir (ya da anlam) görüntüde sonsuza dek ve sonsuza dek aktif ve erişilemez kalır'. Bu bakış açısı, sembolist öncüllerinden etkilenen, sıklıkla sembollerin ve metaforların doğasında olan anlaşılmazlığı ve yetersizliği vurgulayan modernist teoride daha da geliştirildi. Örneğin, Wallace Stevens, bir an için böyle bir önemi anlıyor gibi görünse bile, doğadaki anlamı ayırt etmeye çabalıyor, ancak sonuçta başarısız oluyor. Sonuç olarak hem sembolistler hem de modernistler, rasyonel olmayan bir anlam anlayışını iletmek için zaman zaman mistik bir metodoloji kullanırlar.

Sonuç olarak, modernist metaforlar genellikle doğal olmayan bir şekilde ortaya çıkıyor; T.S. Eliot'ın bir akşam tasviri 'gökyüzüne yayılan / Masanın üzerinde eter haline getirilmiş bir hasta gibi'. Benzer şekilde, daha sonraki modernist şairler sıklıkla doğayı doğallıktan arındırılmış ve zaman zaman mekanikleşmiş olarak tasvir ederler; tıpkı Stephen Oliver'ın kendisini bilince meşgul bir şekilde 'yükselttiği' ay tasvirinde olduğu gibi.

Kökenler ve Erken Tarih

Romantizm ve Gerçekçilik

Modernizm, Romantizmin Sanayi Devrimi'nin etkilerine ve burjuva toplumsal değerlerine karşı isyanından ortaya çıktı. Edebiyat uzmanı Gerald Graff'ın belirttiği gibi, "Modernizmin temel güdüsü, 19. yüzyıl burjuva toplumsal düzenine ve onun dünya görüşüne yönelik eleştiriydi; modernistler, Romantizmin meşalesini taşıyorlardı."

19. yüzyılın önde gelen manzara ressamlarından J.M.W. Turner (1775–1851) Romantik hareketin bir üyesi olmasına rağmen, onun ışık, renk ve atmosfere ilişkin çığır açan keşifleri "Fransız Empresyonistlerini öngördü" ve dolayısıyla "geleneksel temsil formüllerini yıkma konusunda" modernizmi öngördü. Ancak sanatının derin tarihi, mitolojik, edebi veya diğer anlatı temalarını tutarlı bir şekilde ifade etmesi gerektiği inancıyla onlardan ayrıldı. Tersine, modernistler, sanatın gerçekliğin özüne doğrudan bir kanal işlevi gördüğü yönündeki Romantik inancı eleştirdiler. Her izleyicinin sanatla ilişkisinin doğasında var olan öznel yorum göz önüne alındığında, bunun Romantiklerin peşinde olduğu nihai metafizik gerçekleri aktaramayacağını ileri sürdüler. Yine de modernistler, sanatı dünyayı kavramaya yönelik bir mekanizma olarak tamamen göz ardı etmediler. Bunun yerine, bunu aşkın bir gerçekliğe giden doğrudan bir yol olarak görmek yerine, izleyicinin bakış açısını zorlayan ve rahatsız eden bir araç olarak algıladılar.

Modernizm, 19. yüzyıl gerçekçiliğini sıklıkla reddeder; özellikle de ikincisi, anlamın doğal temsillerin içine yerleştirilmesine vurgu yaptığında. Tersine, bazı modernistler tek bir odak noktasından yoksun, daha 'otantik' bir gerçekçilik aradılar. Örneğin, Picasso'nun 1907 tarihli Proto-Kübist eseri Les Demoiselles d'Avignon, tekil bir perspektiften sapıyor, bunun yerine konularını düz, iki boyutlu bir resim düzleminde gösteriyor. Benzer şekilde Şair (1911) de bedeni çeşitli bakış açılarından tasvir eden merkezsiz bir yaklaşım sergiliyor. Peggy Guggenheim Koleksiyonu'nun da belirttiği gibi, "Picasso, sanki onun etrafında hareket etmiş gibi her nesnenin birden fazla görüntüsünü sunuyor ve bunları tek bir bileşik görüntüde sentezliyor."

"Her şeyin parçalandığı" algısıyla karakterize edilen modernizm, sıklıkla Romantizmin doruk noktası olarak kabul edilir. Erken dönem Alman Romantiklerinden August Wilhelm Schlegel'in ifade ettiği gibi, Romantizm karakter, doğa, yüksek güç ve dünyevi anlamla ilgili metafizik gerçekleri ortaya çıkarmaya çalışırken, modernizm, böyle bir metafizik çekirdeğe duyduğu özleme rağmen, sonuçta yalnızca onun parçalanmasıyla karşı karşıya kalır.

19. Yüzyılın Başları

Sanayi Devrimi döneminde (yaklaşık 1760-1840), buhar gücüyle çalışan sanayileşme, özellikle de 1830'lardan itibaren Britanya'da demiryollarının ortaya çıkışı ve bunun sonucunda fizik, mühendislik ve mimaride kaydedilen ilerlemeler önemli yenilikler arasında yer aldı. 19. yüzyılın dikkate değer bir mühendislik başarısı, Londra'daki 1851 Büyük Sergisi için dökme demir ve düz camdan inşa edilen muazzam bir sergi salonu olan Crystal Palace'tı. Cam ve demirden oluşan bu malzemeler, King's Cross istasyonu (1852) ve Paddington İstasyonu (1854) gibi şehirdeki önemli demiryolu terminallerinin inşasında benzer şekilde anıtsal bir tarzda kullanıldı. Bu tür teknolojik gelişmeler uluslararası alanda yayıldı ve Brooklyn Köprüsü (1883) ve Eyfel Kulesi (1889) gibi daha sonraki yapılarla doruğa ulaştı; Eyfel Kulesi (1889), insan yapımı yapılar için önceki tüm yükseklik kısıtlamalarını aştı. Bu mühendislik harikaları 19. yüzyılın kentsel manzarasını ve günlük varoluşunu temelden değiştirirken, 1837'de elektrikli telgrafın icadıyla birlikte insanın zaman algısı da değişime uğradı; bunun yanı sıra, İngiliz demiryolu şirketlerinin 1845'ten başlayarak "standart zaman"ı uygulamaya koyması da bu kavramın takip eden elli yılda küresel olarak benimsenmesine yol açtı.

Aynı zamanda, Søren Kierkegaard (1813–1855) ve Nietzsche bağımsız olarak, gerçekliğin yalnızca nesnel bir çerçeve aracılığıyla anlaşılabileceği kavramını reddettiler; bu, varoluşçuluk ve nihilizmin evrimini derinden şekillendiren bir duruştu.

Sanat eleştirmeni Clement Greenberg, Ön-Rafael Kardeşliği'ni proto-modernistler olarak nitelendirdi ve şunları söyledi: "Orada ilk-modernistler, Ön-Rafaelcilerdi (ve hatta onlardan önce, ilk-proto-modernistler olarak Alman Nasıralılardı). Ön-Rafaelciler, modernist resmin kesinlikle kendisiyle başladığı Manet'nin (1832-1883) habercisiydi. Resimden duydukları memnuniyetsizlikle hareket ettiler. kendi zamanlarında uygulandığı şekliyle gerçekçiliğin yeterince doğru olmadığını savunuyordu."

Ayrıca, Marx'ın kapitalist çerçeve içindeki içkin çelişkiler ve emekçilerin kısıtlı eylemiyle ilgili iddiaları Marksist teorinin gelişmesiyle doruğa ulaştı.

Afrika sanatı modernist sanatı önemli ölçüde etkiledi ve soyut temsile yaptığı vurguyla uygulayıcılarına ilham verdi.

19. Yüzyılın Sonları

Baudelaire'in etkileyici makalesi "Modern Yaşamın Ressamı" (1863), yeni ortaya çıkan sanatçıları geleneksel uygulamalardan ayrılmaya ve çağdaş dünyalarının sanatsal temsili için yeni yöntemler geliştirmeye teşvik etti.

1860'lardan itibaren Fransa'da bağımsız olarak iki farklı sanatsal ve edebi hareket ortaya çıktı. Bunlardan ilki olan Empresyonizm, başlangıçta stüdyo temelli yaratımdan ziyade dış mekan çalışmalarına veya en plein air'e vurgu yapmasıyla bilinen bir resim okuluydu. Empresyonist sanat, yalnızca nesneleri tasvir etmek yerine ışığın kendisini temsil etmeye çalıştı. Önde gelen sanatçıları arasındaki iç anlaşmazlıklara rağmen hareket önemli bir taraftar kazandı ve etkisi arttı. Başlangıçta hükümet destekli prestijli Paris Salonu'ndan dışlanmış olsalar da Empresyonistler, 1870'ler ve 1880'ler boyunca ticari alanlarda yıllık grup sergileri düzenlediler ve bunları stratejik olarak resmi Salon ile aynı zamana denk gelecek şekilde planladılar. 1863 yılında İmparator III. Napolyon, Paris Salonu tarafından reddedilen tüm tabloların sergilenmesi için Salon des Refusés'i kurdu. Sergilenen eserlerin çoğu, daha az başarılı sanatçıların geleneksel tarzlarına bağlı kalsa da, Édouard Manet'nin katkıları büyük ilgi topladı ve böylece yeni doğmakta olan hareket için ticari fırsatlar yarattı. İkinci Fransız ekolü, edebiyat tarihçilerinin izini Charles Baudelaire'e kadar uzanan ve daha sonra Cehennemde Bir Mevsim (1873), Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) ve Paul Valéry (1871–1945) ile tanınan Arthur Rimbaud (1854–1891) gibi şairleri de içeren Sembolizm'di. Sembolistler "doğrudan tanımlama ve açık benzetme yerine telkin ve çağrıştırmanın önceliğine" öncelik verdiler ve "dilin müzikal özelliklerine" özel bir ilgi gösterdiler.

Sinemanın doğrudan öncülleri de dahil olmak üzere birçok modernist sanat formunun önemli atası olan Kabare'nin genel olarak 1881'de Fransa'da Tutarsız Sanatlar Derneği ve Montmartre'de Kara Kedi'nin kurulmasıyla ortaya çıktığı kabul edilir.

Sigmund Freud (1856–1939), Krafft-Ebing ve diğer seksologlar tarafından geliştirilen teorik çerçeveler, modernizmin yeni ortaya çıkan döneminde önemli bir etki yarattı. Freud'un Josef Breuer ile birlikte yazdığı ufuk açıcı yayını Histeri Üzerine Çalışmalar (1895) idi. Freudcu düşüncenin temel taşlarından biri, tüm öznel gerçekliğin dış dünyanın algılanmasına aracılık eden temel dürtü ve içgüdülerin etkileşimi yoluyla inşa edildiğini ileri sürerek "zihinsel yaşamda bilinçdışı zihnin önceliğini" öne sürer. Freud'un öznel durumlara ilişkin kavramsallaştırması, toplumsal değerlerden kaynaklanan, kişinin kendi kendine empoze ettiği kısıtlamalarla dengelenen, ilkel dürtülerle dolu bilinçdışı bir alanı kapsıyordu.

Friedrich Nietzsche'nin (1844–1900) felsefi katkıları, özellikle de psikolojik dürtülere, özellikle de "güç iradesine" (Wille zur macht) yaptığı vurgu, modernizmin önemli bir öncüsü olarak hizmet etti. Nietzsche sıklıkla hayatın kendisini bu "güç iradesi" ile eşitledi ve onu doğuştan gelen bir büyüme ve dayanıklılık içgüdüsü olarak tanımladı. Buna karşılık, Henri Bergson (1859-1941) nesnel, kronolojik zaman ile insanın anlık, öznel zamansallık deneyimini birbirinden ayırdı. Zaman ve bilinç üzerine yaptığı araştırmalar, "20. yüzyıl romancılarını", özellikle de "bilinç akışı" anlatı tekniğini kullanan Dorothy Richardson, James Joyce ve Virginia Woolf (1882-1941) gibi modernist yazarları derinden etkiledi. Bergson'un felsefesindeki bir diğer önemli kavram da élan vital veya "her şeyin yaratıcı evrimini meydana getirdiğini" öne sürdüğü yaşam gücüydü. Felsefi çerçevesi aynı zamanda entelektüel süreçlerin önemini göz ardı etmeden sezgiye de büyük değer veriyordu.

Birçok seçkin edebiyatçı, modernizmin önemli öncüleri olarak kabul ediliyor. Bunlar arasında Suç ve Ceza (1866) ve Karamazov Kardeşler (1880) adlı önemli romanları bulunan Fyodor Dostoyevski (1821–1881); Walt Whitman (1819–1892), Leaves of Grass (1855–1891) şiir koleksiyonunun yazarı; ve August Strindberg (1849–1912), özellikle Şam'a (1898–1901), Bir Rüya Oyunu (1902) ve Hayalet Sonatı (1907) üçlemesi gibi daha sonraki dramatik çalışmaları için. Henry James aynı zamanda modernist eğilimleri gösteren Bir Hanımın Portresi (1881) gibi erken dönem eserleriyle modernizmin önemli bir öncüsü olarak da tanımlanıyor.

Modernizmin Ortaya Çıkışı

1901–1930

Modernist çalışmaların ilk dalgası, 20. yüzyılın ilk on yılında, Romantizmden türetilen ideallerin birleşiminden ve daha önce açıklanamayan olguları açıklamaya yönelik bilgi arayışından kaynaklanarak ortaya çıktı. Yaratıcıları çoğu zaman bu çalışmaları yerleşik sanatsal eğilimlerin devamı olarak görse de, sanatçıları geleneksel olarak burjuva kültür ve düşüncesinin yorumlayıcısı ve temsilcisi olarak konumlandıran halkın örtülü sanat anlayışını temelden bozdular. Bu dönemin ufuk açıcı "modernist" başarıları arasında Arnold Schoenberg'in atonal İkinci Yaylı Çalgılar Dörtlüsü (1908), Wassily Kandinsky'nin ilk soyut çalışmasıyla sonuçlanan Ekspresyonist resimleri (1903'ten itibaren) ve Münih'te Mavi Süvari grubunun kuruluşu (1911) ve Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque ve 1900 ile 1910 arasında diğer sanatçılar.

Modernizmin önemli bir özelliği, onun gelenekle olan ilişkisidir; bu, yeniden kopyalama, birleştirme, yeniden yazma, özetleme, revizyon ve parodi gibi tekniklerin yeni sanatsal biçimlere uyarlanması ve yeniden bağlamsallaştırılması yoluyla ortaya çıkar.

T. S. Eliot, bir sanatçı ile gelenek arasındaki ilişkiye ilişkin kayda değer gözlemler sunarak şunu belirtti:

[Bir şairin] eserinin yalnızca en iyi değil, aynı zamanda en bireysel bölümlerinin, ölen şairlerin, yani atalarının, ölümsüzlüklerini en güçlü şekilde iddia ettikleri bölümler olabileceğini sık sık göreceğiz.

Bununla birlikte, edebiyat uzmanı Peter Child'ın da ifade ettiği gibi, modernizmin gelenekle etkileşiminin karmaşık olduğu ortaya çıktı: devrimci ve gerici konumlara yönelik karşıt olmasa da paradoksal eğilimler, yeniden duyulan korku ve eskinin ortadan kaybolmasından duyulan haz, nihilizm ve fanatik coşku, yaratıcılık ve umutsuzluk."

Arnold Schoenberg'in müzik besteleri, modernist sanatın yerleşik gelenekleri yenilikçi tekniklerle nasıl bütünleştirdiğinin açıklayıcı bir örneği olarak hizmet ediyor. Schoenberg, 150 yılı aşkın bir süredir müzik kompozisyonunu yapılandıran hiyerarşik bir sistem olan geleneksel ton uyumundan belirgin şekilde ayrıldı. On iki nota sırasının kullanımına dayanan, sesi düzenlemek için tamamen yeni bir yöntemin keşfini öne sürdü. Çığır açan doğasına rağmen, bu tekniğin doğuşu, aralarında Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss ve Max Reger'in de bulunduğu önceki bestecilerin katkılarına kadar takip edilebilir.

20. yüzyılın ilk on yılında, Pablo Picasso ve Henri Matisse gibi önde gelen genç ressamlar, Claude Monet'nin daha önceki Empresyonist yeniliklerine rağmen, resimde temel bir yapısal unsur olarak geleneksel perspektifi terk ederek önemli tartışmalara ve eleştirilere yol açtılar. perspektifte. Aynı zamanda, 1907'de Picasso Les Demoiselles d'Avignon'u yaratırken, Oskar Kokoschka da ilk Ekspresyonist oyun olarak kabul edilen Mörder, Hoffnung der Frauen'i (Katil, Kadınların Umudu) yazıyordu (ilk gösterimi tartışmalı bir şekilde 1907'de yapıldı). 1909) ve Arnold Schoenberg, Fa diyez minörde 2 No'lu Yaylı Çalgılar Dörtlüsü'nü (1908) besteliyordu; bu, onun bir ton merkezinden yoksun açılış kompozisyonunun işaretiydi.

Paul Cézanne'ın son dönem çalışmaları, özellikle de üç boyutlu formu temsil etmesi, Kübizm'in gelişimini önemli ölçüde etkilemiştir. Bu eserler 1907 Salon d'Automne'da retrospektif olarak sergilendi. Kübist sanat, nesnelerin analizini, yapısökümünü ve soyut yeniden birleştirilmesini içerir. Sanatçılar, tek bir bakış açısı sunmak yerine, daha kapsamlı bir bağlam sağlamak için konuları birden çok perspektiften tasvir ediyor. Kübizm ilk kez 1911'de Paris'teki Salon des Indépendants'da 21 Nisan - 13 Haziran tarihleri arasında düzenlenen Salon des Indépendants'da kamuoyu tarafından tanındı. Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger ve Roger de La Fresnaye'nin eserlerinin 41. Oda'da sergilenmesi, Kübizm'i Avrupa'ya iten bir "skandal"ı ateşledi. Öne çıktı ve Paris genelinde ve uluslararası alanda yayılmasına yol açtı. Yine 1911'de Kandinsky, daha sonra ilk soyut resim olarak tanımlayacağı Bild mit Kreis'i (Daireli Resim) yarattı. 1912'de Metzinger ve Gleizes, o zamanın en kapsamlı Kübist sergisi olan Salon de la Chapter d'Or'la aynı zamana denk gelecek şekilde yayınlanan ufuk açıcı Kübist manifesto Du "Cubisme"'in ortak yazarlığını yaptılar. Aynı yıl Metzinger, La Femme au Cheval (Atlı Kadın) ve Danseuse au Café (Kafede Dansçı) adlı önemli eserlerini boyadı ve sergiledi. Albert Gleizes ayrıca Les Baigneuses'i (Yıkananlar) ve anıtsal eseri Le Dépiquage des Moissons'u (Hasat Harmanı) boyadı ve sergiledi. Bu özel çalışma, Robert Delaunay'ın La Ville de Paris (Paris Şehri) tablosuyla birlikte, savaş öncesi Kübist dönemde yaratılan en büyük ve en iddialı Kübist tabloları temsil ediyordu.

1905 yılında, Ernst Ludwig Kirchner'in öncülüğünü yaptığı bir dörtlü Alman sanatçı, Dresden'de Die Brücke'yi (Köprü) kurdu. Bu kolektif, "Ekspresyonizm" terimini açıkça benimsemese de, Alman Ekspresyonist hareketinin temel örgütü olarak kabul ediliyor. Birkaç yıl sonra, 1911'de, benzer bir genç sanatçı grubu Münih'te Der Blaue Reiter'i (Mavi Süvari) kurdu. Grubun adı Wassily Kandinsky'nin 1903 tarihli Der Blaue Reiter tablosundan gelmektedir. Kilit üyeler arasında Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee ve August Macke vardı. Bununla birlikte, "Ekspresyonizm" terimi 1913'e kadar sağlam bir şekilde yerleşmedi. 1910 ile 1930 yılları arasında en çok resim, şiir ve tiyatroda öne çıkan, esasen bir Alman sanat hareketi olmasına rağmen, öncüllerinin çoğu Alman değildi. Ayrıca Ekspresyonist düzyazı yazarları ve Almanca konuşmayan Ekspresyonist yazarlar da ortaya çıktı. 1930'larda Adolf Hitler'in iktidara gelmesiyle hareket Almanya'da bir gerileme yaşasa da sonraki Ekspresyonist eserler üretilmeye devam etti.

Ekspresyonizm, kısmen Fütürizm, Vortisizm, Kübizm, Sürrealizm ve Dada gibi diğer önemli modernist hareketlerle kapsamlı örtüşmesi nedeniyle, önemli tanımsal zorluklar sunmaktadır. Richard Murphy ayrıca, romancılar Franz Kafka ve Alfred Döblin ile şair Gottfried Benn'in de aralarında bulunduğu en etkili Ekspresyonistlerden bazılarının aynı anda hareketin sesli muhalifleri olduğunu gözlemleyerek her şeyi kapsayan bir tanımın zorluğuna dikkat çekiyor. Bununla birlikte, Ekspresyonizm öncelikle 20. yüzyılın başlarında Almanya'da sanayileşmenin ve kentsel genişlemenin insanlık dışı etkilerine bir yanıt olarak ortaya çıktı. Ekspresyonizmi avangard bir hareket olarak ayıran ve geleneksel kültürel kurumlardan farklılığını gösteren önemli bir husus, gerçekçiliğe ve yerleşik temsili geleneklere yönelik eleştirel duruşuydu. Temel olarak Ekspresyonistler gerçekçiliğin ilkelerini reddettiler. 20. yüzyılın başları Alman tiyatrosunda yoğun bir Ekspresyonist harekete tanık oldu; Georg Kaiser ve Ernst Toller bu akımın en ünlü oyun yazarları olarak tanındı. Diğer önemli Ekspresyonist oyun yazarları arasında Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn ve Arnolt Bronnen vardı. Bu sanatçılar, deneysel dramaturjik yaklaşımlarının öncüleri olarak gördükleri İsveçli oyun yazarı August Strindberg ve Alman aktör-dramatist Frank Wedekind'den ilham aldılar. Oskar Kokoschka'nın ilk gösterimi 4 Temmuz 1909'da Viyana'da yapılan Katil, Kadınların Umudu adlı oyunu, tamamen Ekspresyonist tiyatro eserinin ilk örneği olarak kabul edilir. Karakterlerin efsanevi arketiplere radikal bir şekilde basitleştirilmesi, koro unsurlarının dahil edilmesi, yüksek sesli diyaloglar ve artan duygusal yoğunluk gibi karakteristik özellikleri, daha sonra daha sonraki Ekspresyonist oyunların ayırt edici özellikleri haline geldi. Walter Hasenclever'in 1914'te basılan ve ilk kez 1916'da sahnelenen Oğul'u, ilk uzun metrajlı Ekspresyonist oyun olma özelliğini taşıyor.

Fütürizm, bir diğer önemli modernist hareketi temsil ediyor. Bunun doğuşu, 1909'da Paris gazetesi Le Figaro'nun F. T. Marinetti'nin ilk manifestosunu yayınlamasıyla gerçekleşti. Kısa bir süre sonra Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo ve Gino Severini'nin de aralarında bulunduğu bir ressamlar topluluğu Fütürist Manifesto'yu ortaklaşa onayladı. Marx ve Engels'in ünlü "Komünist Manifesto"sundan (1848) ilham alan bu manifestolar, tartışmayı kışkırtmayı ve taraftar çekmeyi amaçlıyordu. Bununla birlikte, bu dönemde geometrik veya tamamen soyut resmi savunan tartışmalar ağırlıklı olarak son derece sınırlı okuyucu kitlesine sahip uzmanlaşmış "küçük dergiler" ile sınırlıydı. İlkelcilik ve karamsarlık gibi modernist eğilimler, 20. yüzyılın ilk on yılındaki hakim düşüncenin büyük ölçüde ilerlemeye ve liberal iyimserliğe duyulan inancı desteklemesi nedeniyle önemli tartışmalara yol açtı.

Paul Cézanne (1839–1906) ve Edvard Munch (1863–1944) gibi figürlerin yanı sıra Empresyonistlerden ilham alan soyut sanatçılar, temel olarak, doğal dünyanın gerçek temsilinden ziyade renk ve şeklin sanatın kendine özgü niteliklerini oluşturduğunu öne sürdüler. Tarihsel olarak, Rönesans'tan 19. yüzyılın ortalarına kadar Batı sanatı perspektif ilkelerine ve görünür gerçeklik yanılsamasını kopyalama çabasına dayanıyordu. Aynı zamanda Avrupalı ​​olmayan sanatsal geleneklere maruz kalmak, sanatçılara görsel deneyimi tasvir etmek için alternatif çerçeveler sağladı. 19. yüzyılın sonuna gelindiğinde çok sayıda sanatçı teknoloji, bilim ve felsefede meydana gelen derin dönüşümleri yansıtacak yeni sanatsal ifadeler oluşturmanın gerekliliğini algıladı. Bireysel sanatçılar tarafından benimsenen teorik temeller, o dönemde Batı kültüründeki yaygın sosyal ve entelektüel kaygıları yansıtacak şekilde çeşitlilik gösteriyordu. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian ve Kazimir Malevich gibi önde gelen isimler, sanatın saf rengin sistematik düzenlemesi olarak yeniden tanımlanmasını hep savundular. Bu modernist vurgu, görsel sanatın geleneksel olarak sunduğu temsil işlevini büyük ölçüde geçersiz kılan fotoğrafın ortaya çıkışından önemli ölçüde etkilenmiştir.

Frank Lloyd Wright ve Le Corbusier'in de aralarında bulunduğu önde gelen modernist mimarlar ve tasarımcılar, gelişen teknolojilerin geleneksel mimari tarzları modası geçmiş hale getirdiğini iddia etti. Le Corbusier, yapıların "içinde yaşamak için makineler" olarak çalışması gerektiğini öne sürerek, hareket makineleri olarak gördüğü otomobillere paralellik gösterdi. Tıpkı araçların atların yerini alması gibi, modernist tasarımın da benzer şekilde Antik Yunan veya Orta Çağ'dan türetilen tarihi tarz ve formları bir kenara atması gerektiğini savundu. Bu makine estetiğine bağlı kalan modernist uygulayıcılar genellikle dekoratif motiflerden kaçındılar, bunun yerine malzemelerin doğal niteliklerine ve süssüz geometrik konfigürasyonlara öncelik verdiler. Gökdelen, 1891'de St. Louis, Missouri, Amerika Birleşik Devletleri'nde tamamlanan ve dünyanın en eski gökdelenlerinden biri olarak kabul edilen on katlı bir ofis yapısı olan Wainwright Binası ile mükemmel modernist yapının bir örneğini oluşturuyor. Ludwig Mies van der Rohe'nin 1956 ile 1958 yılları arasında New York'ta inşa ettiği Seagram Binası, sıklıkla bu modernist yüksek katlı mimari hareketin zirvesi olarak kabul edilir. Modernist tasarımın pek çok unsuru çağdaş mimarlık pratiğinde varlığını sürdürürken, daha önceki katı dogmatizmi, dekoratif unsurları, tarihsel imaları ve dramatik mekansal düzenlemeleri birleştiren daha uyarlanabilir bir yaklaşıma dönüştü.

1913 yılı, filozof Edmund Husserl'in Fikirler'inin yayımlanması, fizikçi Niels Bohr'un kuantize edilmiş atomu ifade etmesi, Ezra Pound'un imgeciliği oluşturması, New York'taki Armory Show ve Mikhail Matyushin'in "ilk fütürist operası" Güneş Üzerindeki Zafer'in galasının da aralarında bulunduğu önemli kültürel ve bilimsel gelişmelerin yaşandığı bir döneme işaret ediyordu. Saint Petersburg. Aynı zamanda, Rus besteci Igor Stravinsky, Paris'teki ilk performansında önemli tartışmalara yol açan, ahenksiz ve ritmik olarak ilkel bir müzik notasıyla karakterize edilen, insan kurban etmeyi tasvir eden bir eser olan Bahar Ayini adlı balesinin prömiyerini yaptı. Bu dönemde modernizm hâlâ "ilerici" bir duruşu benimserken, geleneksel biçimleri ve toplumsal yapıları giderek ilerlemenin önünde engel olarak algıladı ve böylece sanatçının rolünü salt aydınlanmadan ziyade toplumsal dönüşümü amaçlayan devrimci bir figür olarak yeniden tanımladı. Yine 1913'te Fransa, Marcel Proust'un ufuk açıcı roman serisinin açılış cildinin, Kayıp Zamanın İzinde olarak tercüme edilen À la recherche du temps perdu (1913–1927)'nin daha az çatışmacı bir şekilde yayımlanmasına tanık oldu. Her ne kadar bilinç akışı tekniğini kullanan ilk yazarlardan biri olarak sık sık anılsa da Robert Humphrey, Proust'un "bilincin yalnızca anımsatan yönüyle ilgilendiğini" ve "iletişim amacıyla kasıtlı olarak geçmişi yeniden yakaladığını; dolayısıyla bir bilinç akışı romanı yazmadığını" gözlemliyor.

Bilinç akışı tekniği önemli bir modernist edebi yenilik oluşturdu. Arthur Schnitzler (1862–1931), 1900 tarihli "Leutnant Gustl" ("Cesurdan başkası yok") adlı kısa öyküsünde sıklıkla öncü kapsamlı uygulamasıyla anılır. Dorothy Richardson, özellikle Pilgrimage (1915–1967) adlı romanının ilk ciltlerinde bu yöntemi kullanan ilk İngiliz yazar oldu. Bu anlatı yaklaşımını benimsedikleri bilinen diğer önde gelen modernist romancılar arasında Ulysses'teki (1922) James Joyce ve La coscienza di Zeno'deki (1923) Italo Svevo yer alır.

Büyük Savaş'ın (1914–1918) başlangıcı ve 1917 Rus Devrimi, küresel manzarayı derinden değiştirdi ve yerleşik tarihi inançlar ve kurumlara ilişkin yaygın şüpheciliği teşvik etti. Savaş öncesi statükonun yetersizliği, toprak çatışmalarında milyonlarca insanın ölümüne tanık olan bir nesil için yadsınamaz hale geldi, özellikle de bu kadar maliyetli bir savaşın 1914'ten önce düşünülemeyeceği yönündeki önceki iddialar göz önüne alındığında. 19. yüzyılda günlük yaşamı önemli ölçüde yeniden şekillendiren makine çağının gelişi, artık savaşın karakterini temelden değiştirdi. Bu son deneyimlerin derin travması temel varsayımlara meydan okudu ve siper savaşının gerçeküstü dehşetiyle karşı karşıya kalındığında yaşamın gerçekçi sanatsal tasvirlerini yetersiz kıldı. İnsanlığın sürekli ahlaki ilerlemesine ilişkin hakim görüş, Erich Maria Remarque'ın Batı Cephesinde Her Şey Sessiz (1929) adlı romanı gibi eserlerde canlı bir şekilde tasvir edilen, ayrım gözetmeyen katliamların ışığında saçma görünüyordu. Sonuç olarak, daha önce niş bir perspektif olan modernizmin gerçekliğe yönelik yorumlayıcı çerçevesi, 1920'ler boyunca daha geniş bir kabul gördü.

Edebiyat ve görsel sanatlarda bazı modernistler, öncelikle yaratımlarının canlılığını artırmak veya izleyicileri kendi önyargılı kavramlarını eleştirel bir şekilde incelemeye zorlamak için geleneksel beklentilere kasıtlı olarak meydan okudular. Modernizmin bu özelliği sıklıkla 19. yüzyılın sonlarında Avrupa ve Kuzey Amerika'da gelişen tüketim kültürüne bir yanıt olarak ortaya çıktı. Çoğu üretici, mevcut tercihlere ve önyargılara hitap ederek pazarlanabilir ürünler üretmeye çalışırken, ileri düzey modernistler, geleneksel düşünceyi yıkmak için bu tür tüketimci yaklaşımlardan kasıtlı olarak kaçındı. Sanat eleştirmeni Clement Greenberg bu modernist teoriyi Avangard ve Kitsch adlı makalesinde dile getirdi. Greenberg, tüketici kültürü ürünlerini "kitsch" olarak nitelendirdi ve tasarımlarının her türlü zorlayıcı unsuru ortadan kaldırarak maksimum çekiciliğe öncelik verdiğini savundu. Sonuç olarak Greenberg, modernizmi, ticari popüler müzik, Hollywood ve reklamcılık da dahil olmak üzere çağdaş tüketim kültürü tezahürlerinin çoğalmasına karşı bir karşı hareket olarak gördü. Ayrıca bu duruşu kapitalizmin devrimci reddiyle de ilişkilendirdi.

Modernistlerin bir kesimi kendilerini siyasi ayaklanmayı kapsayan devrimci kültürün ayrılmaz bir parçası olarak algıladı. Rusya'daki 1917 Devrimi'nin ardından, Rus Fütürizmi de dahil olmak üzere avangard kültürel faaliyetlerin ilk dalgası gerçekten de hayata geçti. Tersine, diğer modernistler hem geleneksel siyaseti hem de sanatsal normları reddettiler ve siyasi bilinçteki dönüşümün, siyasi yapılardaki basit değişikliklerden daha büyük önem taşıdığını ileri sürdüler. Bununla birlikte, önemli sayıda modernist kendilerini apolitik olarak görüyordu. Örneğin T. S. Eliot gibi tanınmış kişiler kitlesel popüler kültürü muhafazakar bir bakış açısıyla reddettiler. Hatta bazı akademisyenler, edebiyat ve sanatta Modernizmin elit bir kültürü sürdürmeye hizmet ettiğini, dolayısıyla daha geniş bir nüfusu dışladığını iddia ediyor.

1920'lerin başında ortaya çıkan gerçeküstücülük, modernizmin en radikal tezahürü olarak kamuoyu tarafından tanındı ve genellikle "modernizmin avangard'ı" olarak adlandırıldı. "Sürrealist" terimi ilk kez 1903'te yazılan ve 1917'de prömiyeri yapılan Les Mamelles de Tirésias adlı oyununun önsözünde yer alan Guillaume Apollinaire tarafından icat edildi. Önemli sürrealist sanatçılar arasında Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró ve Marcel yer alıyor. Duchamp.

1930'a gelindiğinde modernizm, o dönemdeki kendi içsel dönüşümlerine rağmen, hem politik hem de sanatsal kurumlardaki konumunu sağlamlaştırmıştı.

Modernizmin Evrimi: 1930–1945

Modernizm 1930'lar boyunca sürekli bir gelişme gösterdi. 1930 ile 1932 yılları arasında besteci Arnold Schoenberg, on iki ton tekniğini kullanan erken bir opera olan Moses und Aron'u geliştirdi. 1937'de Pablo Picasso, faşizmi kınayan Kübist bir eser olan Guernica'yı yarattı. Aynı zamanda James Joyce, 1939'da yayımladığı Finnegans Wake ile modern romanın parametrelerini daha da genişletti. 1930'a gelindiğinde modernizm aynı zamanda ana akım kültüre de nüfuz etmeye başladı; örneğin, The New Yorker dergisi Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman ve James Thurber gibi yeni ortaya çıkan yazar ve mizahçıların modernistten etkilenen eserlerini yayınlamaya başladı. Perelman, 1930'larda ve 1940'larda The New Yorker gibi dergilerde sıklıkla yayınlanan ve Amerika'da sürrealist mizahın öncü örnekleri olarak kabul edilen mizahi kısa öyküleriyle özellikle takdir edilmektedir. Dahası, modern sanatsal kavramlar ticari reklamlarda ve logolarda giderek daha fazla yer almaya başladı; Edward Johnston'ın 1916'daki ünlü Londra Metrosu logosu bunun bir örneğidir.

Bu çağda göze çarpan bir dönüşüm, yeni teknolojilerin Batı Avrupa ve Kuzey Amerika'daki sıradan vatandaşların günlük rutinlerine entegre edilmesini içeriyordu. Elektriğin, telefonun, radyonun ve otomobillerin yaygın biçimde benimsenmesi ve bu yeniliklerin çalıştırılması, bakımının yapılması ve bir arada var olunması gerekliliği önemli toplumsal değişimleri hızlandırdı. Daha önce seçilmiş birkaç kişiyle sınırlı olan yıkıcı deneyim türü, 1880'lerde sıradan bir olay haline geldi. Örneğin, bir zamanlar 1890'ların borsa simsarlarına özel olan hızlı iletişim yetenekleri, özellikle Kuzey Amerika orta sınıfı içinde aile yaşamının ayrılmaz bir parçası haline geldi. Kentleşme ve gelişen sosyal normlarla birlikte daha küçük aile birimlerine yönelik eğilimler ortaya çıktı ve ebeveyn-çocuk ilişkilerindeki dinamikler değişti.

Marksizm bu dönemde bir başka önemli etki olarak ortaya çıktı. İlkelcilik ve irrasyonalizm ile karakterize edilen Birinci Dünya Savaşı öncesi modernizm, çoğu zaman tamamen politik çözümlerden kaçındı; bu, 1920'lerin neoklasizminin yankıladığı bir duruştu; T. S. Eliot ve Igor Stravinsky tarafından örneklendi ve benzer şekilde çağdaş meselelere yönelik popüler yaklaşımları reddediyordu. Ancak daha sonra faşizmin yükselişi, Büyük Buhran ve yaklaşmakta olan küresel çatışma bir nesli derinden radikalleştirdi. Marksizmin bu modernist biçimini temsil eden önde gelen isimler arasında Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon ve filozoflar Antonio Gramsci ve Walter Benjamin yer alıyor. Tersine, diğerlerinin yanı sıra Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound ve Hollandalı yazar Menno ter Braak gibi sanatçıların yer aldığı, siyasi sağla uyumlu ayrı bir modernist grubu da mevcuttu.

1920'ler ve 1930'lar, Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil ve Dorothy Richardson'un ek romanları da dahil olmak üzere önemli modernist edebi eserlerin yaratılmaya devam edilmesine tanık oldu. Amerikalı modernist oyun yazarı Eugene O'Neill, kariyerine 1914'te başladı; en önemli oyunları 1920'ler, 1930'lar ve 1940'ların başlarında ortaya çıktı. Bertolt Brecht ve Federico García Lorca bu yıllarda aktif olan diğer iki önemli modernist oyun yazarıydı. D. H. Lawrence'ın Lady Chatterley's Lover'ı 1928'de özel olarak yayımlandı; William Faulkner'ın 1929'da yayınlanan The Sound and the Fury'i ise modern romanın evriminde bir başka önemli döneme damgasını vurdu. 1930'larda Faulkner'ın başka büyük katkıları da görüldü ve Samuel Beckett ilk önemli eseri olan Murphy romanını 1938'de yayımladı. Daha sonra, James Joyce'un Finnegans Wake'i 1939'da yayımlandı; standart İngilizce sözlüğü, neolojik çok dilli kelime oyunları ve portmanto sözcüklerle harmanlayan, büyük ölçüde kendine özgü diliyle öne çıkan bir kitaptı. uyku ve rüya deneyimi. Şiir alanında T. S. Eliot, E. E. Cummings ve Wallace Stevens 1920'lerden 1950'lere kadar etkindiler. İngiliz modernist şiiri sıklıkla Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. ve Louis Zukofsky gibi Amerikalı şairlerle ilişkilendirilirken, önemli İngiliz modernist şairleri arasında David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting ve W. H. Auden vardı. Avrupalı ​​modernist şairler arasında Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy ve Paul Valéry yer alıyor.

Modernist hareket bu dönemde Sovyet Rusya'da da varlığını sürdürdü. 1930'da Dimitri Shostakovich (1906–1975), halk müziği, popüler şarkı ve atonaliteyi birleştiren, farklı tarzların yenilikçi bir şekilde montajını kullanan Burun operasının prömiyerini yaptı. Alban Berg'in (1985–1935) Wozzeck (1925) operası, Leningrad'da sahnelendiğinde derin bir etki bırakan Shostakovich'i önemli ölçüde etkiledi. Ancak Sovyetler Birliği, 1932'den itibaren modernizmi sosyalist gerçekçilik lehine bastırmaya başladı ve bu, Şostakoviç'in 1936'da sansürlenmesine ve 4. Senfonisinin zorla geri çekilmesine yol açtı. Alban Berg, tamamlanmamış olsa da bir başka dikkate değer modernist opera olan Lulu'yu besteledi; ilk gösterimi 1937'de yapıldı ve Keman Konçertosu ilk kez 1935'te seslendirildi. Shostakovich gibi diğer besteciler de bu dönemde önemli zorluklarla karşılaştı.

1933'te Arnold Schoenberg (1874–1951), Hitler'in iktidara yükselişinin ardından, hem modernist atonal kompozisyon stilinin hem de Yahudi mirasının bir sonucu olarak, Amerika Birleşik Devletleri'ne gitmek üzere Almanya'dan ayrılmak zorunda kaldı. Bu döneme ait önemli besteler arasında Keman Konçertosu Op. 36 (1934/36) ve Piyano Konçertosu, Op. 42 (1942). Aynı zamanda Schoenberg aynı zamanda Sol majör Yaylı Çalgılar Süiti (1935) ve E♭ minörde Oda Senfonisi No. 2, Op. 38 (1906'da başlatıldı ve 1939'da tamamlandı). Aynı dönemde, Macar modernist Béla Bartók (1881–1945) Yaylı Çalgılar, Perküsyon ve Celesta için Müzik (1936), Yaylı Çalgılar Orkestrası için Divertimento (1939), Yaylı Çalgılar Dörtlüsü No. 5 (1934) ve Yaylı Çalgılar Dörtlüsü No. 6 (son dörtlüsü, 1939). Ancak Bartók, Macaristan'da tırmanan faşizm nedeniyle 1940'ta Amerika Birleşik Devletleri'ne de göç etti. Igor Stravinsky (1882–1971), neoklasik kompozisyon yaklaşımını 1930'lar ve 1940'lar boyunca sürdürdü ve Mezmurlar Senfonisi (1930), C'de Senfoni (1940) ve Üç Harekette Senfoni (1945) gibi eserler üretti. O da İkinci Dünya Savaşı nedeniyle Amerika Birleşik Devletleri'ne taşındı. Buna karşılık, Olivier Messiaen (1908–1992) çatışma sırasında Fransız ordusunda görev yaptı ve Almanlar tarafından Stalag VIII-A'da tutuklandı ve burada ünlü Quatuor pour la fin du temps'i ("Zamanın Sonu Dörtlüsü") besteledi. Bu dörtlünün prömiyeri Ocak 1941'de hem mahkûmlardan hem de gardiyanlardan oluşan bir izleyici kitlesi önünde yapıldı.

1920'ler, 1930'lar ve Büyük Buhran boyunca resim alanında Avrupa'daki modernizm, Henri Matisse ve Pierre Bonnard gibi usta renkçilerin katkılarının yanı sıra Sürrealizm, geç Kübizm, Bauhaus, De Stijl, Dada ve Alman Ekspresyonizmi gibi hareketlerle karakterize edildi ve soyut Piet Mondrian ve Wassily Kandinsky gibi sanatçıların eserleri. Almanya'da Max Beckmann, Otto Dix ve George Grosz gibi sanatçılar, II. Dünya Savaşı'nın başlangıcını öngörerek resimlerine siyasi yorumlar kattılar. Bu arada Amerika'da modernizm, Amerikan Sahne resmi ve önemli politik ve sosyal eleştirileri birleştiren sosyal gerçekçilik ve Bölgeselcilik hareketleri aracılığıyla ortaya çıktı ve böylece sanatsal manzaraya hakim oldu. Bu dönemin önde gelen sanatçıları arasında Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry ve Reginald Marsh vardı. Latin Amerika'da modernizm, Uruguay'dan ressam Joaquín Torres-García ve Meksika'dan Rufino Tamayo tarafından örneklendi. Eş zamanlı olarak Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez ve Santiago Martínez Delgado gibi figürlerin yanı sıra Frida Kahlo'nun Sembolist tablolarının da yer aldığı muralist hareket, bölgede daha liberal bir renk uygulaması ve politik mesajlara vurguyla öne çıkan bir sanatsal rönesans başlattı.

Diego Rivera, Rockefeller Center'daki RCA Binasının lobisinde yer alan Yol Ayrımındaki Adam adlı 1933 tarihli duvar resmiyle tanınmaktadır. Duvar resminde Vladimir Lenin'in bir portresinin ve diğer komünist ikonografinin yer alması, Rivera'nın patronu Nelson Rockefeller tarafından işten çıkarılmasına ve ardından tamamlanmamış eserin Rockefeller personeli tarafından imha edilmesine yol açtı. Frida Kahlo'nun sanatsal çalışmaları sıklıkla acının keskin tasvirleriyle öne çıkıyor. Kahlo'nun yerli Meksika kültürüyle derin ilişkisi, resimlerinde yaygın olan canlı renkler ve dramatik sembolizmde açıkça görülüyor. Yapıtları ayrıca sıklıkla Hıristiyan ve Yahudi motiflerini de içeriyor; geleneksel Meksika dini sanatından unsurları harmanlıyor ve sıklıkla grafik ve şiddet içeren görüntüler içeriyor. Frida Kahlo'nun Sembolist çalışmaları, gerçeküstücülük ve büyülü gerçekçilik edebi akımıyla güçlü yakınlıklar sergiliyor.

Siyasi aktivizm, David Siqueiros'un hayatının önemli bir yönünü oluşturuyordu ve onu sıklıkla sanatsal uğraşlarına geçici olarak ara vermeye sevk ediyordu. Sanatı Meksika Devrimi'nden derinden etkilendi. 1920'lerden 1950'lere kadar uzanan dönem, Meksika Rönesansı olarak adlandırılıyor; bu dönemde Siqueiros, hem Meksika'ya özgü hem de evrensel düzeyde yankı uyandıran bir sanat formu oluşturmak için aktif olarak çaba gösteriyor. Özellikle genç Jackson Pollock'un Siqueiros'un atölyesine katılarak geçit törenlerinin yapımına yardımcı olması dikkat çekiciydi.

1930'larda, Pablo Picasso da dahil olmak üzere gerçeküstücülükle ilişkilendirilen birçok sanatçı, radikal sol siyasi ideolojilerle karakterize ediliyordu. 26 Nisan 1937'de İspanya İç Savaşı sırasında Bask kasabası Gernika, Nazi Almanyası Luftwaffe'nin hava bombardımanına maruz kaldı. Bu saldırı, Francisco Franco'nun hem Bask hem de İspanyol Cumhuriyetçi hükümetlerini istikrarsızlaştırma kampanyasını desteklemeyi amaçlıyordu. Buna yanıt olarak Pablo Picasso, bombalamanın zulmünü güçlü bir şekilde anmak için anıtsal duvar resmi Guernica'yı yarattı.

1930'lardaki Büyük Buhran ve II. Dünya Savaşı'na kadar uzanan dönemde, Amerikan sanatı ağırlıklı olarak toplumsal gerçekçilik ve Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn ve Thomas Hart Benton gibi sanatçılar tarafından örneklenen Amerikan Sahne resmiyle tanımlandı. Edward Hopper'ın 1942 tarihli tablosu Gece Şahinleri, gece geç saatlerde şehir merkezindeki bir lokantada oturan bireyleri tasvir ediyor. Bu eser yalnızca Hopper'ın en ünlü eseri değil, aynı zamanda Amerikan sanatının en ikonik parçalarından biri olarak da duruyor. Sahnenin ilham kaynağı Greenwich Village'daki bir lokantadan geldi. Hopper, sanat eserinde açıkça ifade edilen, yaygın bir ulusal umutsuzluk duygusu uyandıran bir olay olan Pearl Harbor'a yapılan saldırının hemen ardından onu boyamaya başladı. Lokantanın dışındaki şehir caddesi ıssız kalırken, içeride üç müşteri birbirinden kopmuş, her biri kendi düşüncelerine dalmış görünüyor. Boşluk ve yalnızlıkla karakterize edilen modern kentsel varoluşun bu tasviri, Hopper'ın eserlerinde yinelenen bir motiftir.

Grant Wood'un 1930 tarihli Amerikan Gotik tablosu, Carpenter Gotik mimari tarzındaki bir evin önünde duran, genç bir kadının yanında dirgen tutan bir çiftçiyi tasvir eder. Bu sanat eseri, 20. yüzyıl Amerikan sanatının en tanınabilir resimlerinden biri olmaya devam ediyor. Başlangıçta, aralarında Gertrude Stein ve Christopher Morley'nin de bulunduğu sanat eleştirmenleri tabloyu olumlu karşıladılar ve onu kırsal küçük kasaba varlığına dair hicivli bir yorum olarak yorumladılar. Sonuç olarak, Sherwood Anderson'ın 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis'in 1920 Main Street ve Carl Van Vechten'in Dövmeli Kontes adlı eseri gibi edebi eserlere benzer şekilde kırsal Amerika'nın giderek daha eleştirel tasvirlerinin yapıldığı daha geniş bir sanatsal eğilime katkıda bulunduğu algılandı. Bununla birlikte, Büyük Buhran'ın gelişiyle birlikte tablonun yorumu değişti ve sarsılmaz Amerikan öncü ruhunun sembolü haline geldi.

1930'larda Avrupa'daki sanatçıların durumu, Nazi rejiminin Almanya'da ve Doğu Avrupa'da artan gücüyle birlikte hızla kötüleşti. Almanya'daki Nazi rejimi, Alman olmayan veya Yahudi Bolşevik olduğunu düşündükleri neredeyse tüm modern sanatı kategorize etmek için Yozlaşmış sanat terimini icat etti. Sonuç olarak bu tür sanatlar yasaklandı ve "yozlaşmış" olarak tanımlanan sanatçılar ağır yaptırımlarla karşı karşıya kaldı. Bu cezai tedbirler arasında akademik görevlerden ihraç, eserlerin sergilenmesi veya satılmasının yasaklanması ve bazı durumlarda sanatsal üretimin tamamen yasaklanması yer alıyordu. 1937'de Naziler, Münih'te "Dejenere Sanat" başlıklı bir sergi düzenleyerek bu ideolojiyi daha da yaydılar. Modernizm ve soyutlamayla ilişkilendirilen, sanatçılara ve sanata yönelik giderek düşmanlaşan ortam, Amerika'ya önemli bir göçe yol açtı. Tanınmış Alman sanatçı Max Beckmann ve diğer pek çok kişi New York'a sığındı. Eş zamanlı olarak, New York City'de Arshile Gorky ve Willem de Kooning'in de aralarında bulunduğu yenilikçi modernist ressamlardan oluşan yeni bir nesil ortaya çıkmaya başlıyordu.

Arshile Gorky'nin muhtemelen Willem de Kooning'i tasvir eden portresi, Soyut Ekspresyonizmin figür resim, Kübizm ve Sürrealizm temellerinden başlayarak gelişimini örnekliyor. Diğer sanatçılar Willem de Kooning ve John D. Graham ile işbirliği yapan Gorky, başlangıçta biyomorfik olarak şekillendirilmiş ve soyut figüratif kompozisyonlar üretti. 1940'lı yıllara gelindiğinde bu çalışmalar tamamen soyut resimlere dönüştü. Gorky'nin yapıtları, duyguları ve doğal unsurları ifade etmek için çizgi ve renk kullanarak hafızanın, duygunun ve biçimin titiz bir incelemesini oluşturuyor gibi görünüyor.

Erken modernizme yönelik saldırılar

İfade özgürlüğüne, deneyselliğe, radikalizme ve ilkelciliğe yaptığı vurguyla karakterize edilen modernist hareket, geleneksel sanatsal normlara meydan okudu. Çeşitli sanatsal disiplinlerde bu durum, izleyicileri kışkırtmak ve kafalarını karıştırmak için tasarlanmış, rahatsız edici ve alışılmadık unsurların kasıtlı kullanımı olarak ortaya çıktı. Örnekler arasında Sürrealizm'deki motiflerin rahatsız edici bir şekilde yan yana gelmesi ve modernist müzik kompozisyonlarında aşırı uyumsuzluk ve atonalitenin benimsenmesi yer alıyor. Edebi modernizm, doğrudan yoruma dirençli şiir üretiminin yanı sıra, romanlarda tutarlı anlatıların veya geleneksel karakter gelişiminin sıklıkla terk edilmesini gerektiriyordu. Katolik Kilisesi içinde, modernizm ve gelişen doktrin kavramıyla ilgili kaygılar, Protestanlık ve Martin Luther'in mirasıyla ilgili tarihsel kaygılar nedeniyle daha da kötüleşti.

1932'den başlayarak, Sovyetler Birliği'nde sosyalist gerçekçilik modernizmin yerini aldı. Daha önce Sovyetler Birliği, büyük ölçüde Süprematizmin yerli felsefi hareketinden etkilenen Rus Fütürizmini ve Konstrüktivizmini desteklemişti.

Almanya'daki Nazi rejimi, modernizmi narsist, saçma, "Yahudi" ve "Zenci" olarak kınadı. "Dejenere Sanat" başlıklı sergide, Nazilerin modernist tabloları, akıl hastası bireylerin eserlerinin yanı sıra sergilendi. "Biçimsellik" iddiaları, kariyerin sona erdirilmesi de dahil olmak üzere ciddi mesleki sonuçlara yol açabilir. Sonuç olarak, pek çok savaş sonrası modernist kendilerini totaliterliğe karşı önemli bir savunma olarak algıladılar ve hükümet ya da diğer yetkili kurumlar tarafından bastırılması bireysel özgürlüklere yönelik daha geniş bir tehdide işaret eden "kömür madenindeki bir kanarya" gibi hareket ettiler. Faşist olmayan bir bakış açısı sunan Louis A. Sass, delilik, özellikle şizofreni ile modernizm arasında paralellikler kurdu ve bunların ayrık anlatılar, gerçeküstü görüntüler ve doğuştan gelen tutarsızlıklardaki ortak yönlerini vurguladı.

1945'ten sonra

Oxford İngiliz Edebiyatı Ansiklopedisi, İngiliz ve Amerikan edebiyatında modernizmin 1939 civarında sonuçlandığını öne sürse de, modernizmin gerilemesi ile postmodernizmin ortaya çıkışı arasındaki kesin sınır, Viktorya döneminden modernizme geçişi çevreleyen tartışmalarla karşılaştırılabilecek yoğun bir bilimsel tartışma konusu olmaya devam ediyor. Clement Greenberg, modernizmin görsel ve sahne sanatlarını hariç tutarak büyük ölçüde 1930'larda sona erdiğini öne sürüyor. Buna karşılık Paul Griffiths, müzikte modernizmin 1920'lerin sonlarına doğru zayıflamaya başladığını, ancak Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen ve Xenakis'in de aralarında bulunduğu yeni nesil besteciler aracılığıyla II. Dünya Savaşı'ndan sonra yeniden canlandığını gözlemliyor. Aslında, önemli eserlerin çıktıları genel olarak azalmış olsa da, çok sayıda edebi modernist 1950'ler ve 1960'larda aktif kaldı. "Geç modernizm" tanımı zaman zaman 1930'dan sonra yayınlanan modernist çalışmalara uygulanır. 1945'ten sonra yayınlamaya devam eden önemli modernistler veya geç modernistler arasında Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys ve Ezra Pound yer alır. 1901'de doğan Basil Bunting, ufuk açıcı modernist şiiri Briggflatts'i 1965'te yayımladı. Ayrıca, Hermann Broch'un Virgil'in Ölümü adlı eseri 1945'te yayımlandı ve onu 1947'de Thomas Mann'ın Doktor Faustus'u izledi. modernist." Modernizmin Dışavurumcu geleneğine derinden bağlı bir yazar olan Beckett, 1930'lardan 1980'lere kadar Molloy (1951), Godot'yu Beklerken (1953), Mutlu Günler (1961) ve Rockaby (1981) gibi başlıkları kapsayan eserler üretti. Daha sonraki çalışmaları da "minimalist" ve "post-modernist" terimleri kullanılarak kategorize edildi. 20. yüzyılın ikinci yarısının geç modernist olarak tanımlanan yazarları arasında şairler Charles Olson (1910–1970) ve J. H. Prynne (1936 doğumlu) yer alır.

Çağdaş bilimde en az bir eleştirmen, "geç modernizmi" 1945'ten sonra üretilen çalışmaları kapsayacak şekilde yeniden tanımladı ve 1930'un başlarındaki sınırlamadan farklılaştı. Bu yeniden tanımlamaya sıklıkla, modernizmin ideolojik temellerinin II. Dünya Savaşı'nın dehşet verici olaylarıyla, özellikle de Holokost ve atom bombasının konuşlandırılmasıyla derinden dönüştüğü iddiası eşlik ediyor.

Savaş sonrası dönem Avrupa başkentlerini derin bir kargaşa içinde bıraktı ve siyasi yeniden düzenlemenin yanı sıra acil ekonomik ve fiziksel yeniden yapılanmayı gerektirdi. Eskiden Avrupa kültürünün merkez üssü ve küresel sanat başkenti olan Paris'te sanatsal ortam önemli ölçüde kötüleşti. Etkili koleksiyoncular, tüccarlar ve modernist sanatçılar, yazarlar ve şairler Avrupa'dan New York ve Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti. Avrupa'nın çeşitli kültür merkezlerinden gerçeküstücüler ve modern sanatçılar, Nazi saldırganlığından kaçmak için Amerika Birleşik Devletleri'ne sığındılar. Sığınmak istemeyen çok sayıda kişi ise mevcut koşullara yenik düştü. Buna karşılık, Pablo Picasso, Henri Matisse ve Pierre Bonnard'ın da aralarında bulunduğu sınırlı sayıda sanatçı Fransa'da kalmayı seçti ve bu döneme katlandı.

1940'lar New York City'de, Henri Matisse, Pablo Picasso, Gerçeküstücülük, Joan Miró, Kübizm, Fovizm ve erken modernizmin etkilerini sentezleyen, Hans Hofmann ve gibi etkili Amerikalı eğitimciler tarafından kolaylaştırılan modernist bir hareket olan Amerikan Soyut Dışavurumculuğunun yükselişine işaret ediyordu. John D. Graham. Amerikalı sanatçılar Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst ve André Breton grubunun taşınmasının yanı sıra Pierre Matisse'in galerisi ve Peggy Guggenheim'ın The Art of This Century galerisi gibi kurumlardan ve diğer katkıda bulunan unsurlardan önemli kazanımlar elde etti.

Dahası Paris, 1950'lerde ve 1960'larda sanatın gelişmesinin merkez üssü olarak önemini yeniden ortaya koydu. makine sanatı, kariyerlerini şehirde kuran önde gelen makine sanatı heykeltıraşları Jean Tinguely ve Nicolas Schöffer'in ilgisini çekiyor. Çağdaş toplumun teknosentrik doğası göz önüne alındığında, bu sanatsal canlanmanın kalıcı ve önemli bir etki yaratması muhtemeldir.

Absürt Tiyatro

"Absürt Tiyatro" terimi, öncelikle Avrupalılar tarafından yazılan, insan varoluşunun özünde bir anlam veya amaçtan yoksun olduğu ve iletişimde bir bozulmaya yol açtığı yönündeki felsefi inancı dile getiren bir oyun türünü ifade eder. Sonuç olarak, rasyonel söylem ve tartışmanın yerini irrasyonel ve mantıksız ifadeler alır ve sonuçta sessizlik olur. Alfred Jarry (1873–1907) gibi dikkate değer öncüller mevcut olmasına rağmen, Absürt Tiyatro'nun genellikle 1950'lerde Samuel Beckett'in dramatik çalışmalarıyla ortaya çıktığı kabul edilir.

Eleştirmen Martin Esslin bu terminolojiyi 1960 tarihli "Absürt Tiyatro" adlı makalesinde tanıttı. Bu dramatik çalışmaları yaygın bir absürd teması aracılığıyla birbirine bağladı ve Albert Camus'nün 1942 tarihli makalesi Sisifos Efsanesi'nde bu kavramı kullanımıyla paralellikler kurdu. Bu teatral yapımlarda Absürd, görünüşte anlamsız bir dünyaya insanlığın tepkisi olarak veya görünmeyen dış güçler tarafından manipüle edilen veya tehdit edilen bireyler olarak ortaya çıkıyor. Bu adlandırma çok çeşitli dramatik çalışmaları kapsasa da, sıklıkla yinelenen birkaç özellik gözlemlenmektedir: genellikle vodvili anımsatan, korkunç veya trajik görüntülerle yan yana dizilmiş kapsamlı komedi unsurları; nafile koşullar altında sıkışıp kalan, tekrarlayan veya amaçsız eylemlere girişmek zorunda kalan kahramanlar; klişeler, dilsel oyunlar ve mantıksız söylemlerle dolu diyalog; döngüsel veya aşırı derecede yayılan anlatı yapıları; ve gerçekçiliğin ve geleneksel "iyi yapılmış oyun" yapısının ya satirik bir taklidi ya da açıkça reddedilmesi.

Sıklıkla Absürd Tiyatro ile bağlantısı olan tanınmış oyun yazarları arasında Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard yer alır. (1937-2025), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (1929 doğumlu), Fernando Arrabal (1932 doğumlu), Václav Havel (1936–2011) ve Edward Albee (1928–2016).

Pollock ve soyut etkiler

1940'ların sonlarında, Jackson Pollock'un resme radikal yaklaşımı, sonraki tüm çağdaş sanatın potansiyelinde devrim yarattı. Pollock, yaratıcı sürecin bitmiş sanat eserinin kendisi kadar önemli olduğunu fark etti. Pablo Picasso'nun 20. yüzyılın başlarında Kübizm ve inşa edilmiş formlar aracılığıyla resim ve heykel alanındaki yeniliklerine benzer şekilde Pollock, sanat üretiminin metodolojilerini yeniden tanımladı. Şövale resminden ve geleneksel uygulamalardan ayrılışı, döneminin sanatçıları ve onu izleyenler için özgürleştirici bir sinyal oldu. Sanatçılar, Pollock'un sanatsal ve endüstriyel malzemelerle çok yönlü etkileşim için zemine gerilmemiş ham tuval yerleştirmeyi, doğrusal boya yumağı damlatma ve fırlatma, çizim, boyama ve fırçalama gibi teknikleri kullanmayı ve hem görüntüleri hem de görüntü olmayanları birleştirmeyi içeren sürecinin, sanat yapımının sınırlarını temelden genişlettiğini gözlemledi. Soyut Ekspresyonizm, bir hareket olarak, sanatçıların yeni eserler yaratması için mevcut olan tanımları ve olanakları genel olarak genişletti ve geliştirdi.

Diğer Soyut Ekspresyonistler daha sonra Pollock'un temel atılımlarını kendi önemli ilerlemeleriyle geliştirdiler. Aralarında Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell ve Peter Voulkos'un da bulunduğu sanatçıların kolektif yenilikleri, sonraki sanatsal hareketlerde benzeri görülmemiş bir çeşitlilik ve kapsam çağını etkili bir şekilde başlattı. Ancak Linda Nochlin, Griselda Pollock ve Catherine de Zegher gibi sanat tarihçilerinin soyut sanatı eleştirel bir şekilde yeniden değerlendirmeleri, modern sanata önemli katkılarda bulunan öncü kadın sanatçıların sıklıkla geleneksel tarih anlatılarından çıkarıldığını gösterdi.

İngiliz Sanatındaki Uluslararası Figürler

Henry Moore (1898–1986), İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemde Britanya'nın önde gelen heykeltıraşı olarak öne çıktı. Birçoğu dünya çapında kamuya açık sanat eserleri olarak sergilenen anıtsal, yarı soyut bronz heykelleriyle geniş çapta tanındı. Moore'un karakteristik formları tipik olarak insan figürünün soyutlamalarıdır; sıklıkla anne ve çocuğu veya uzanmış konuları tasvir eder ve 1950'lerde aile gruplarına odaklandığı bir dönem hariç, sıklıkla kadın formunu çağrıştırır. Bu heykellerde genellikle delikler bulunur veya içi boş bölümler bulunur.

1950'lerde Moore, 1958'de Paris'teki UNESCO binası için uzanmış bir figür gibi giderek daha prestijli siparişler almaya başladı. Çok sayıda kamusal sanat projesini üstlenirken, Moore'un heykellerinin anıtsal ölçeği önemli ölçüde genişledi. Moore'un kariyerinin son otuz yılı, 1972 yazında Forte di Belvedere'de Floransa'ya bakan kayda değer bir sergi de dahil olmak üzere birçok önemli uluslararası retrospektifin damgasını vurduğu bu gidişatı sürdürdü. 1970'lerin sonunda eserleri her yıl yaklaşık 40 sergide sergileniyordu. Aralık 1967'de Chicago Üniversitesi kampüsünde, Enrico Fermi'nin fizikçilerden oluşan ekibinin ilk kontrollü, kendi kendine devam eden nükleer zincir reaksiyonunu gerçekleştirmesinden tam 25 yıl sonra, Moore'un Nükleer Enerjisi tanıtıldı. Yine Chicago'da Moore, bilimsel başarıyı, yerel olarak İnsan Kozmos'a Giriyor (1980) olarak bilinen ve uzay araştırma programını onurlandırmak için görevlendirilen önemli bir bronz güneş saati ile anmıştır.

Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach gibi sanatçılardan oluşan figüratif ressamların "Londra Okulu" (1931–2024), Leon Kossoff (1926–2019) ve Michael Andrews (1928–1995), uluslararası alanda büyük beğeni topladı.

İrlanda doğumlu İngiliz figüratif ressam Francis Bacon, cesur, grafik ve duygusal açıdan ham görüntüleri ile ünlüydü. Onun kendine özgü tarzı, düz, sıradan arka planlara yerleştirilmiş, tipik olarak cam veya çelikten geometrik muhafazalar içinde izole edilmiş, ressam gibi ama soyut figürlerden oluşuyordu. Bacon yirmili yaşlarının başında resim yapmaya başladı ancak otuzlu yaşlarının ortalarına kadar ara sıra çalıştı. Onun atılımı, insanlık durumunun benzersiz derecede kasvetli bir tarihçisi olarak ününü pekiştiren, 1944 tarihli üç parçalı Çarmıha Gerilmenin Temelindeki Figürler İçin Üç Çalışma ile gerçekleşti. Yapıtları genel olarak tutarlı motiflerin dizileri veya varyasyonlarından oluşuyor olarak tanımlanabilir: 1940'lardan kalma odalarda izole edilmiş erkek kafaları, 1950'lerin başlarında çığlık atan papalar ve 1950'lerin ortalarından sonlarına kadar geometrik yapılarda asılı duran hayvanlar veya yalnız figürler. Bunları, 1960'ların başlarında çarmıha gerilmeye ilişkin üçlü formdaki modern yorumları izledi. 1960'ların ortasından 1970'lerin başına kadar Bacon, öncelikle çarpıcı derecede şefkatli arkadaş portreleri üretti. Sevgilisi George Dyer'in 1971'deki intiharının ardından sanatı daha kişisel, içe dönük ve ölüm temalarıyla meşgul hale geldi. Hayatı boyunca, Bacon'un çalışmaları hem önemli tepkiler aldı hem de geniş çapta beğeni topladı.

Almanya doğumlu İngiliz ressam Lucian Freud, öncelikle kalın boyalarla yapılmış portre ve figür resimleriyle tanınıyordu ve geniş kesimlerce zamanının önde gelen İngiliz sanatçısı olarak kabul ediliyordu. Eserleri, derin psikolojik nüfuzları ve sanatçı ile model arasındaki ilişkiye dair çoğu zaman rahatsız edici incelemeleriyle dikkat çekiyor. The New York Times'tan William Grimes'a göre, "Lucien Freud ve çağdaşları 20. yüzyılda figür resmini dönüştürdüler. Beyaz Köpekli Kız (1951–1952) gibi resimlerinde Freud, bakıcının sosyal cephesini açığa çıkaran anti-romantik, çatışmacı bir portre tarzına hizmet etmek için geleneksel Avrupa resminin resimsel dilini kullandı. Sıradan insanlar - çoğu onun arkadaşlar, sanatçının acımasız incelemesine karşı savunmasız bir halde tuvalden gözlerini kocaman açarak bakıyorlardı."

Soyut Dışavurumculuğu Takip Etmek

1950'ler ve 1960'lar boyunca soyut resim, sert kenarlı resim ve diğer geometrik soyutlama biçimleri gibi birçok yeni eğilimin ortaya çıkmasına tanık oldu. Bu gelişmeler sanatçı stüdyolarında ve radikal avangard çevrelerde sıklıkla Soyut Dışavurumculuğun öznelciliğine karşı bir tepki olarak ortaya çıktı. Clement Greenberg, 1964'te Amerika Birleşik Devletleri'ndeki büyük sanat müzelerini gezen etkileyici bir yeni resim sergisinin küratörlüğünü yaparak, ressamlık sonrası soyutlamanın önde gelen savunucularından biri haline geldi. Bu dönem, önemli yeni sanatsal hareketler olarak renkli alan resminin, sert kenarlı resmin ve lirik soyutlamanın yükselişine işaret ediyordu.

1960'ların sonuna gelindiğinde, postminimalizm, süreç sanatı ve Arte Povera da devrimci kavramlar ve hareketler olarak ortaya çıktı. Bunlar, lirik soyutlama, post-minimalist hareket ve erken kavramsal sanat aracılığıyla ortaya çıkan hem resim hem de heykeli kapsıyordu. Pollock'tan ilham alan süreç sanatı, sanatçıların çok çeşitli stiller, içerik, materyaller, yerleştirmeler, zamansal algılar, aplastik unsurlar ve gerçek mekanla denemeler yapmasına ve bunları kullanmasına olanak sağladı. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz ve Peter Reginato, 1960'ların sonlarında sanatın gelişmesini teşvik eden bu geç modernist dönemde ön plana çıktı.

Pop Art

1962'de Sidney Janis Galerisi, New York şehrinin dışındaki bir sanat galerisinde düzenlenen önemli pop art grup sergisinin açılışına damgasını vuran Yeni Gerçekçiler'i sundu. Bu sergi Janis tarafından ana galeri alanının bitişiğindeki 57. Cadde'deki bir mağazanın vitrininde sahnelendi. Sergi hem New York Okulu'nu hem de daha geniş uluslararası sanat ortamını önemli ölçüde etkiledi. Bundan önce, 1958'de İngiltere'de Lawrence Alloway, İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemde yaygın olan tüketim kültürünü yansıtan tabloları karakterize etmek için "Pop Art" terimini icat etti. Bu sanatsal hareket, yorumsal ve psikolojik iç gözlemi vurgulayan Soyut Dışavurumculuk'tan ayrıldı; bunun yerine maddi tüketim kültürünün, reklamın ve seri üretim döneminin ikonografisinin tasvirlerini benimsedi. Bu hareketin ufuk açıcı örnekleri arasında David Hockney'in ilk eserlerinin yanı sıra Richard Hamilton ve Eduardo Paolozzi'nin yaratımları, özellikle de 1947'den çığır açan Ben bir Zengin Adamın Oyuncağıydım yer alıyor. Eş zamanlı olarak, New York'un East Village şehir merkezinde, özellikle 10. Cadde galerileri arasında, sanatçılar pop art'ın Amerikan yinelemesini geliştiriyorlardı. Claes Oldenburg kendi vitrin sergi alanını işletirken, 57. Cadde'deki Yeşil Galeri Tom Wesselmann ve James Rosenquist'in eserlerini sergilemeye başladı. Daha sonra Leo Castelli, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein da dahil olmak üzere diğer önde gelen Amerikalı sanatçıların kariyerlerinin büyük bölümünde eserlerini sergiledi. Dadaist Marcel Duchamp ve Man Ray'in radikal, mizahi isyankar eserleri ile Claes Oldenburg, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein gibi pop sanatçılarının eserleri arasında gözle görülür bir bağlantı var. Bu sanatçıların resimleri genellikle ticari röprodüksiyonda kullanılan bir teknik olan Ben-Day noktalarının estetiğini taklit ediyor.

Minimalizm

Minimalizm, uygulayıcıların tüm gerekli olmayan formları, özellikleri veya kavramsal unsurları sistematik olarak ortadan kaldırarak bir konunun temel özünü veya kimliğini ortaya çıkarmayı amaçladığı, özellikle görsel sanatlar ve müzik alanındaki sanatsal ve tasarım hareketlerini kapsar. Temel olarak minimalizm, en derin etkiyi elde etmek için en basit ve en az öğeyi kullanan her türlü tasarım veya stilistik yaklaşımı temsil eder.

Ayrı bir sanatsal hareket olarak minimalizm, öncelikle İkinci Dünya Savaşı sonrası Batı sanatındaki gelişmelerle, özellikle de 1960'larda ve 1970'lerin başındaki Amerikan görsel sanatlarıyla ilişkilendirilir. Bu hareketle bağlantılı önemli sanatçılar arasında Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt ve Frank Stella yer alıyor. Kökenleri modernizmin indirgemeci ilkelerine dayanan bu akım, sıklıkla hem Soyut Ekspresyonizme karşı bir tepki hem de Postminimal sanat pratiklerine giden bir geçiş aşaması olarak yorumlanır. 1960'ların başlarında minimalizm, kökleri Kazimir Malevich, Bauhaus ve Piet Mondrian'ın geometrik soyutlamasına dayanan soyut bir sanat hareketi olarak hayata geçti. İlişkisel ve öznel resmi, Soyut Dışavurumculuğun karakteristik karmaşık yüzeylerini ve aksiyon resminde yaygın olan duygusal zamanın ruhunu ve polemik söylemini açıkça reddetti. Minimalizmin savunucuları, sanatta gerekli tüm yüce temsili iletmek için aşırı sadeliğin yeterli olduğunu ileri sürdüler. Minimalizm, postmodernizmin öncüsü olarak veya kendi başına bir postmodern hareket olarak çeşitli şekillerde kavramsallaştırılır. İkinci perspektiften bakıldığında, erken dönem Minimalizm ileri modernist eserler üretti; ancak Robert Morris gibi bazı sanatçılar biçim karşıtı harekete yönelince hareket bu gidişattan kısmen saptı.

Minimalizmin Noktası adlı makalesinde Hal Foster, Donald Judd ve Robert Morris'in yayınlanmış minimalizm tanımları aracılığıyla Greenberg'ci modernizmi nasıl hem kabul ettiklerini hem de aştıklarını analiz ediyor. Foster, minimalizmin modernizm için bir "çıkmaz sokak" temsil etmediğini, bunun yerine "günümüzde geliştirilmeye devam edilen postmodern uygulamalara doğru bir paradigma değişimi" oluşturduğunu öne sürüyor.

Minimal Müzik

Bu terimlerin kapsamı, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass ve John Adams'ın bestelerinde örneklenen, tekrarlama ve yinelemeyle karakterize edilen bir müzikal hareketi kapsayacak şekilde genişledi. Minimalist bestelere bazen sistem müziği adı verilir. "Minimal müzik" tanımı tipik olarak 1960'ların sonlarında ve 1970'lerde Amerika'da ortaya çıkan ve başlangıçta bu belirli bestecilerle ilişkilendirilen bir müzik tarzını tanımlar. Minimalizm hareketi, Pauline Oliveros, Phill Niblock ve Richard Maxfield gibi daha az öne çıkan öncülerin yanı sıra öncelikle bu figürleri içeriyordu. Avrupa'da bu alandaki önemli besteciler arasında Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt ve John Tavener yer alıyor.

Postminimalizm

1960'ların sonlarında Robert Pincus-Witten, minimalizmden türetilen ancak minimalizmin kendisinin kaçındığı içerik ve bağlamsal nüansları bünyesinde barındıran sanatı karakterize etmek için "postminimalizm" terimini tanıttı. Pincus-Witten bu terimi Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra'nın eserlerine ve Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt ve Barry Le Va gibi eski minimalistlerin yeni yaratımlarına uyguladı. Buna karşılık Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin ve John McCracken gibi diğer minimalistler kariyerleri boyunca geç modernist resim ve heykeller üretmeye devam ettiler.

Sonradan çok sayıda sanatçı, sanatçılar minimal ya da post-minimal estetiği benimsediler ve bu da çoğu zaman "postmodern" etiketi altında sınıflandırılmalarına yol açtı.

Kolaj, Montaj ve Kurulumlar

Soyut Dışavurumculuk ile bağlantılı bir gelişme, resim ve heykelin yerleşik geleneklerinden farklı olarak, üretilmiş öğelerin geleneksel sanatsal malzemelerle bütünleştirilmesiydi. Robert Rauschenberg'in eserleri bu eğilimin örneğini oluşturuyor; Doldurulmuş hayvanlar, kuşlar ve ticari fotoğraflar gibi önemli fiziksel nesnelerin bir araya getirildiği 1950'lerdeki "kombinasyonları", pop art ve enstalasyon sanatının habercisi oldu. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine ve Edward Kienholz hem soyutlama hem de pop art alanında önemli öncülerdi. Yeni sanatsal gelenekler oluşturarak, geleneksel olmayan malzemelerin ciddi çağdaş sanat çevrelerine radikal bir şekilde dahil edilmesini meşrulaştırdılar. Kolajın bir diğer yenilikçisi Joseph Cornell, kendine özgü kişisel ikonografisi ve bulunan nesneleri kullanması nedeniyle radikal sayılan daha yakından ölçeklendirilmiş çalışmalar yarattı.

Neo-Dada

1917'de Marcel Duchamp, New York'taki Büyük Merkez Saray'da düzenlenen Bağımsız Sanatçılar Derneği'nin açılış sergisine heykel olarak Çeşme adlı bir pisuar sundu. Pisuvarın bir sanat eseri olarak algılanmasını istediğini belirterek, bunu ilan etti. "R. Mutt" takma adıyla imzalanan bu eser aynı zamanda Duchamp'ın daha sonra "readymades" olarak adlandırdığı şeye de örnek teşkil ediyor. Duchamp'ın bu çalışması ve diğer yaratımları genellikle Dada olarak sınıflandırılır. Duchamp, John Cage'in dört dakika otuz üç saniyelik bir sessizlik kompozisyonu olan 4′33″ ve Rauschenberg'in Erased de Kooning Drawing adlı eseri gibi diğer önemli örneklerle kavramsal sanatın öncüsü olarak kabul edilir. Pek çok kavramsal eser, sanatın, eserin kendine özgü niteliklerinden ziyade, izleyicinin bir nesneyi veya eylemi sanat olarak algılamasından kaynaklandığını ileri sürer. Duchamp, "hayatın sıradan bir nesnesini" seçerek ve "bu nesne için yeni bir düşünce" üreterek, gözlemcileri Çeşme'yi bir heykel olarak yorumlamaya davet etti.

Marcel Duchamp'ın "sanat"ı satranca yönelmek için terk ettiği meşhurdur. Avangart besteci David Tudor, Lowell Cross ile işbirliği içinde, her hareketin belirli bir ışık efektini veya projeksiyonu tetiklediği bir satranç oyununun yer aldığı Reunion (1968) adlı eseri yarattı. Duchamp ve Cage, eserin galası sırasında oyuna katıldılar.

Steven Best ve Douglas Kellner, Rauschenberg ve Jasper Johns'u, modernizm ile postmodernizm arasında köprü kuran, Duchamp'tan etkilenen bir geçiş evresinin önemli figürleri olarak tanımlıyor. Her iki sanatçı da sıradan nesnelerin görüntülerini veya nesnelerin kendisini işlerine dahil ederken, aynı zamanda yüksek modernizmin karakteristik özelliği olan soyutlamayı ve resimsel jestleri de korudu.

Performans ve Olaylar

1950'lerin sonlarında ve 1960'larda farklı kökenden gelen sanatçılar çağdaş sanatın kapsamını genişletti. Performansa dayalı sanatın önemli isimleri arasında Fransa'dan Yves Klein; New York'ta Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman ve Yoko Ono; ve Almanya'da Joseph Beuys, Wolf Vostell ve Nam June Paik. Julian Beck ve Judith Malina liderliğindeki The Living Theatre'ınki gibi işbirlikçi çabalar, heykeltıraşları ve ressamları sürükleyici ortamlar yaratmaya dahil etti ve özellikle Paradise Now çalışmalarında açıkça görülen, izleyici ile sanatçı arasındaki dinamiği temelden değiştirdi. Benzer şekilde, New York'un Judson Memorial Kilisesi'nde bulunan Judson Dans Tiyatrosu, Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs ve Steve Paxton gibi dansçıların Billy Klüver gibi mühendislerin yanı sıra Robert Morris, Robert Whitman, John Cage ve Robert Rauschenberg gibi sanatçılarla işbirliği yaptığını gördü. Park Place Galerisi aynı zamanda elektronik besteciler Steve Reich ve Philip Glass'ın yanı sıra Joan Jonas gibi diğer önemli performans sanatçılarının müzik performansları için de önemli bir mekan olarak hizmet verdi.

Bu performanslar heykel, dans ve sesi bütünleştiren, sıklıkla izleyici katılımını da içeren yeni bir sanat formu oluşturdu. Minimalist felsefenin indirgemeci ilkeleri ve Soyut Dışavurumculuğun kendiliğinden doğaçlama ve ifade edici nitelikleri tarafından tanımlandılar. İzleyiciyi şok etmeyi amaçlayan Interior Scroll gibi Schneemann'ın performanslarının fotoğrafları bazen bu türü örneklendirmek için kullanılırken, modernist performans sanatı felsefesi genellikle bu tür belgelemeye karşı çıkıyor. Performans sanatçıları, canlı gösterinin kendisinin ortamı oluşturduğunu ve dış medyanın onu gerçek anlamda yansıtmaktan aciz hale getirdiğini iddia ediyor. Performans doğası gereği geçici, kısa ömürlü ve samimidir; yakalama amaçlı değildir. Performans sanatının görüntüler, videolar veya anlatılar yoluyla temsili, kaçınılmaz olarak belirli mekansal veya zamansal perspektifleri empoze eder ve ilgili medyanın doğasında var olan sınırlamalarla sınırlanır. Sonuç olarak sanatçılar, kayıtların bir sanat formu olarak performansı yeterince temsil etmediğini iddia ediyor.

Aynı zamanda avangart sanatçılar da, sanatçıların, onların tanıdıklarının ve aile üyelerinin belirli yerlerde katıldığı gizemli, spontane ve senaryosuz toplantılar olan 'Happening'ler'i geliştirdiler. Bu olaylar sıklıkla saçmalık, fiziksel etkileşim, kostüm, doğaçlama çıplaklık ve görünüşte bağlantısız veya rastgele eylemler unsurlarını içeriyordu. Happenings'in yaratılmasında öne çıkan isimler arasında Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms ve Robert Whitman'ın yanı sıra bu terimi 1958'de icat eden Allan Kaprow da vardı.

İntermedya ve Multimedya

Postmodernizmle bağlantılı farklı bir sanatsal yörünge, birden fazla medyanın entegrasyonunu içerir. Dick Higgins tarafından türetilen 'Intermedia' terimi Fluxus, somut şiir, bulunmuş nesneler, performans sanatı ve bilgisayar sanatı gibi yeni ortaya çıkan sanat biçimlerini tanımlamaktadır. Somut bir şair, Something Else Press'in yayıncısı, sanatçı Alison Knowles'ın kocası ve Marcel Duchamp'ın hayranı olan Higgins, bu kavramı önemli ölçüde etkiledi. Ihab Hassan, postmodern sanatın tanımlayıcı bir özelliği olarak "Intermedia, formların kaynaşması, alanların karışması" olarak tanımlıyor. Video kaset ve CRT monitörleri kullanan video sanatı, multimedya ifadesinin yaygın bir biçimini temsil eder. Çeşitli sanatların sentezlenmesine ilişkin teorik kavram eski olmasına ve periyodik olarak yeniden canlanmasına rağmen, postmodern yinelemesi sıklıkla performans sanatıyla birleşiyor. Bu bağlamda, dramatik anlatının vurgusu sıklıkla azaltılır ve sanatçının belirli beyanları veya eylemlerinin kavramsal dayanağı ön plana çıkarılır.

Fluxus

Litvanya doğumlu Amerikalı sanatçı George Maciunas (1931–1978) tarafından 1962'de adlandırılmış ve gevşek bir şekilde yapılandırılmış bir hareket olan Fluxus, John Cage'in 1957 ile 1959 yılları arasında New York City'deki The New School for Social Research'te düzenlenen Deneysel Kompozisyon derslerinden doğmuştur. Cage'in derslerine katılanların çoğu, sınırlı veya hiç resmi müzik eğitimi olmayan, farklı medya geçmişlerinden gelen sanatçılardı. Fluxus'un kurucu üyesi olan önemli öğrenciler arasında Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht ve Dick Higgins vardı.

Fluxus, kendi kendine üretim estetiğini savundu ve karmaşık tasarımlardan ziyade sadeliğe öncelik verdi. Selefi Dada'yı hatırlatan Fluxus, ticari ve sanat karşıtı belirgin bir duruş sergileyerek geleneksel, piyasa odaklı sanat düzenini sanatçı merkezli bir yaratıcı metodoloji lehine eleştirdi. Fluxus sanatçıları, hazır bulunan materyalleri kullanmayı, bağımsız yaratımlara ya da akranlarıyla işbirliğine dayalı sanatsal çabalara katılmayı tercih ediyorlardı.

Andreas Huyssen, Fluxus'u postmodernizm içinde kategorize etme çabalarını eleştiriyor ve onu "ya postmodernizmin ana kodu ya da nihai olarak temsil edilemeyen sanat hareketi - deyim yerindeyse postmodernizmin yüceliği" olarak nitelendiriyor. Tersine, Huyssen, Fluxus'u daha geniş avangard çizgiye gömülü önemli bir Neo-Dadaist tezahür olarak öne sürüyor. Sanatsal metodolojilerde önemli bir ilerlemeye işaret etmese de, "ılımlı, evcilleştirilmiş bir modernizmin Soğuk Savaş'a ideolojik destek olarak hizmet ettiği 1950'lerin yönetilen kültürüne" karşı bir meydan okumayı ifade ediyordu.

Avant-Garde Popüler Müzik

Modernizm, popüler müzik formlarıyla hem yapısal hem de estetik açıdan çekişmeli bir ilişki sürdürdü ve çoğu zaman popüler kültürü doğrudan reddetti. Yine de Stravinsky gibi besteciler, 1918'deki tiyatro eseri Histoire du Soldat'taki "Ragtime" ve 1945'teki Ebony Concerto'daki "Ragtime" dahil olmak üzere caz deyimlerini bestelerine dahil ettiler.

1960'larda, popüler müziğin kültürel önemi arttı ve salt ticari eğlence olarak sınıflandırılmasına meydan okudukça, sanatçılar giderek daha fazla savaş sonrası dönemden ilham almaya başladı. avangard. 1959'da yapımcı Joe Meek, Tiny Mix Tapes''dan Jonathan Patrick'in "hem elektronik müzik hem de avant-pop tarihinde ufuk açıcı bir an olarak tanımladığı I Hear a New World'ü (1960'da yayımlandı) kaydetti; başlangıçta geniş çapta tanınmamış olmasına rağmen, "hem elektronik müzik hem de avant-pop tarihinde ufuk açıcı bir an [...] dubby yankıları ve bant çarpık ses dallarıyla süslenmiş rüya gibi pop hikayelerinden oluşan bir koleksiyon". Avangart pop bestelerinin diğer ilk örnekleri arasında, müzik betonu, avangard kompozisyon yöntemleri, Hint müziği ve elektro-akustik ses manipülasyonundan unsurları üç dakikalık bir pop yapısı içinde birleştiren The Beatles'ın 1966 tarihli parçası "Tomorrow Never Knows" ve The Velvet Underground'ın La Monte Young'ın minimalist ve drone müzik konseptleri, beat şiiri ve 1960'ların pop sanatının sentezi yer alıyor.

Geç Dönem

Soyut Dışavurumculuk, renk alanı resmi, lirik soyutlama, geometrik soyutlama, minimalizm, soyut illüzyonizm, süreç sanatı, pop art, postminimalizm ve hem resim hem de heykelde 20. yüzyılın sonlarındaki diğer modernist hareketlerin yörüngeleri 21. yüzyılın ilk on yılına kadar uzandı ve böylece bu sanatsal disiplinler içinde yenilikçi yönelimler oluştu.

21. yüzyıla girerken Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy gibi önde gelen tanınmış sanatçılar Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz ve Philip Pearlstein ile birlikte Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph gibi genç uygulayıcılardan oluşan bir grup Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand ve Susan Crile, önemli ve etkileyici resim ve heykel üretimlerini sürdürdüler.

Modern Mimari

Hong Kong ve Frankfurt'taki çok sayıda gökdelen, Le Corbusier'den ve daha geniş anlamda modernist mimari ilkelerden ilham alıyor. Kendine özgü tarzı dünya çapında mimari tasarıma yön vermeye devam ediyor.

Asya'da Modernizm

Bilim adamı William J. Tyler, "modernizm" ve "modernist" terimlerinin modern Japon edebiyatıyla ilgili standart İngilizce söylemine ancak yakın zamanda entegre edildiğini ve Batı Avrupa modernizmi ile karşılaştırıldığında bunların gerçekten uygulanabilirliğine ilişkin soruların devam ettiğini belirtiyor. Kawabata Yasunari, Nagai Kafu ve Jun'ichirō Tanizaki gibi önde gelen Japon yazarların eserlerinde açıkça görülen modern düzyazı göz önüne alındığında, Tyler bunu tuhaf buluyor. Bunun tersine, görsel ve güzel sanatlar, mimari ve şiir alanlarında uzmanlaşan akademisyenler, 1920'ler ve 1930'larda Japon kültürünü analiz etmek ve karakterize etmek için "modanizumu" yu kolaylıkla benimsediler. Japon fotoğrafçılığında, 1930'larda Shinkō shashin ("Yeni Fotoğraf") adı verilen modernist bir hareket ortaya çıktı ve Almanya'nın Neue Sachlichkeit (Yeni Nesnellik) ve Sürrealizm'den ilham aldı. Bu bağlamda şair ve fotoğrafçı Kansuke Yamamoto, uluslararası modernizmle iç içe olan, Sürrealistlerden etkilenen bir sanatsal yaklaşım geliştirdi. 1924'te, aralarında Kawabata ve Riichi Yokomitsu'nun da bulunduğu birkaç yeni Japon yazar, Bungei Jidai ("Sanatsal Çağ") edebiyat dergisini çıkardı. Bu yayın, Avrupa Kübizmi, Ekspresyonizm, Dada ve diğer modernist estetiklerden ilham alan 'sanat için sanat' hareketinin ayrılmaz bir parçasıydı.

Japon modernist mimar Kenzō Tange (1913–2005), geleneksel Japon estetiğini modernist ilkelerle bütünleştirmesi ve beş kıtada önemli yapılar tasarlamasıyla tanınan, yirminci yüzyılın en etkili isimlerinden biri olarak duruyor. Tange ayrıca Metabolist hareketinin önde gelen savunucularından biri olarak görev yaptı. Kavramsal gelişimini şöyle ifade etti: "Daha sonra yapısalcılık diyeceğim şey hakkında düşünmeye 1959 civarında veya altmışlı yılların başında başladığımı sanıyorum." Kariyerinin başlarında Tange, İsviçreli modernist Le Corbusier'den önemli ölçüde etkilendi. Uluslararası tanınırlığı, 1949'da Hiroşima Barış Anıtı Parkı'nın tasarımı için yapılan yarışmada zafer kazanmasıyla başladı.

Çin'de "Yeni Sansasyonistler" (新感覺派, Xīn Gǎnjué Pài), 1930'lar ve 1940'larda aktif olan Şangay merkezli yazarlardan oluşan bir kolektif oluşturdu. Bu grup hem Batı hem de Japon modernizminden farklı düzeylerde etki gösterdi. Edebi çıktıları, sosyoekonomik kaygılardan ziyade bilinçdışı ve estetik kaygılarla ilgili temalara öncelik verdi. Bu grubun önemli üyeleri arasında Mu Shiying ve Shi Zhecun da vardı.

Hindistan'da, öncelikle Mumbai'de bulunan İlerici Sanatçılar Grubu, 1947'de modern sanatçılardan oluşan bir kolektif olarak ortaya çıktı. Grup, tekil bir üslup yaklaşımına bağlı kalmasa da, Hint sanat geleneklerini 20. yüzyılın başlarından ortalarına kadar Avrupa ve Kuzey Amerika etkileriyle bütünleştirdi; Post-Empresyonizm, Kübizm ve Ekspresyonizm gibi hareketleri de kapsadı.

Afrika'da Modernizm

Peter Kalliney, modernist kavramların, özellikle de estetik özerkliğin, Anglofon Afrika'daki sömürgecilikten kurtulma literatüründe temel bir rol oynadığını öne sürüyor. Rajat Neogy, Christopher Okigbo ve Wole Soyinka gibi yazarların estetik özerkliğin modernist yorumlarını sömürgeci boyun eğdirmeden, ırk ayrımcılığı sistemlerinden ve hatta yeni doğmakta olan postkolonyal devletten kurtuluşlarını savunmak için uyarladıklarını iddia ediyor.

Postmodernizmle İlişki

1980'lerin başlarında sanat ve mimarideki postmodern hareket, çeşitli kavramsal ve medyalararası yaklaşımlar aracılığıyla varlığını sağlamlaştırdı. Ancak postmodernizmin müzik ve edebiyatta ortaya çıkışı bu dönemden önceye dayanmaktadır. Müzikte bir referans çalışması postmodernizmi "1970'lerde ortaya çıkan bir terim" olarak nitelendiriyor. Tersine, İngiliz edebiyatında, Oxford İngiliz Edebiyatı Ansiklopedisi, modernizmin 1939 gibi erken bir tarihte "hakimiyetini postmodernizme devretmeye" başladığını öne sürer. Bununla birlikte, özellikle Andreas Huyssen'in "bir eleştirmenin postmodernizmi diğer eleştirmenin modernizmidir" gözlemi göz önüne alındığında, kesin kronoloji son derece tartışmalı olmaya devam etmektedir. Bu perspektif, iki hareket arasındaki kesin sınırı eleştiren, bunları sürekli bir gidişatın birbirine bağlı yönleri olarak gören ve geç modernizmin varlığını sürdürdüğünü savunan akademisyenleri kapsar.

Modernizm, geniş bir kültürel hareket yelpazesini kapsayan kapsamlı bir adlandırma görevi görür. Buna karşılık, postmodernizm temelde sosyo-politik teoriye dayanan, kendini tanımlayan, merkezi bir hareketi temsil eder. Ancak "postmodernizm" terimi artık yirminci yüzyıldan itibaren modern olanın farkındalığını ve yeniden yorumlanmasını gösteren kültürel etkinlikleri tanımlamak için daha geniş bir şekilde kullanılıyor.

Postmodern teori, modernizmi kutsallaştırmaya yönelik geriye dönük herhangi bir girişimin doğası gereği uzlaşmaz çelişkilere yol açacağını öne sürüyor. Postmodernizm ile modernizm arasındaki temel farklılık, postmodernizmin tekil, fark edilebilir bir hakikat iddiasını eleştirmesi nedeniyle, hakikatin varlığına ilişkin görüşlerinde yatmaktadır. Modernistler hakikati çeşitli teorik çerçeveler (ör. yazışma, tutarlılık, pragmatist, semantik) aracılığıyla keşfederken, postmodernistler olumsuz bir yaklaşım benimseyerek erişilebilir bir hakikat olasılığına meydan okuyor.

Daha spesifik olarak, modernist unsurların tümü doğası gereği postmodernist değildi. Modernizmin rasyonelliğin ve sosyo-teknolojik ilerlemenin avantajlarını vurgulayan yönleri yalnızca modernist olarak kaldı.

Postmodernizme verilen modernist tepkiler, postmodern sanatın alaycılığını ve yapısökümcü eğilimlerini reddeden ve bunun yerine erken modernist estetik ilkelerin yeniden canlanmasını savunan remodernizm gibi hareketleri kapsar.

Geç Modernitenin Eleştirileri

Sanatsal modernizm genellikle tüketicilik gibi kapitalist ilkelere karşı çıkarken, 20. yüzyıl sivil toplumu küresel seri üretimi ve uygun fiyatlı malların yaygın olarak bulunmasını giderek daha fazla benimsiyordu. Toplumsal evrimin "geç" veya "yüksek modernite" olarak adlandırılan bu aşaması, öncelikle gelişmiş Batı ülkelerinde ortaya çıktı. Alman sosyolog Jürgen Habermas, geç modernite kültürüne yönelik ilk önemli eleştiriyi 1981 tarihli çalışması İletişimsel Eylem Teorisi'nde sundu. Bu dönemin bir diğer temel eleştirisi George Ritzer'in 1993 tarihli yayını, Toplumun McDonaldlaştırılması'dır; burada Amerikalı sosyolog, fast-food tüketim kültürünün geç modernlik dönemindeki yaygın etkisini ayrıntılarıyla anlatır. Dahası, çeşitli akademisyenler modernist unsurların popüler sinemaya ve ardından müzik videolarına entegrasyonunu örneklediler. Modernist tasarım aynı zamanda ana akım popüler kültüre de nüfuz etti; basitleştirilmiş ve stilize edilmiş formlar öne çıkıyor ve sıklıkla yüksek teknolojili, uzay çağı geleceğine yönelik isteklerle ilişkilendiriliyor.

2008'de Janet Bennett, The Oxford Handbook of Political Theory'ye Modernity and its Critics'e katkıda bulundu. Modernist kültürün tüketici odaklı ve üst düzey tezahürlerinin yakınlaşması, "modernizm" kavramını temelden değiştirdi. Bu dönüşüm ilk olarak geleneğin reddi üzerine kurulu bir hareketin kendisinin bir geleneğe evrildiğini akla getirdi. İkincisi, elit modernist ve kitlesel tüketimci kültürler arasındaki ayrımın netliğinin azaldığını ortaya çıkardı. Modernizmin kurumsallaşması, onun devrimci ivmesinin kaybı anlamına gelen "post avangard" olarak değerlendirildiği bir noktaya ulaştı. Çok sayıda bilim insanı bu değişimi postmodernist çağın doğuşu olarak yorumladı. Tersine, sanat eleştirmeni Robert Hughes gibi isimler postmodernizmi modernizmin bir devamı olarak görüyorlardı.

"Anti-Modern" veya "Karşı-Modern" hareketler, modernizmin düzelticileri olarak bütüncülüğü, birbirine bağlılığı ve maneviyatı savunuyor. Bu hareketler modernizmi indirgemeci olarak algılıyor ve bu nedenle sistemik ve yeni ortaya çıkan olguları ayırt etme kapasitesini sınırlıyor.

Alexander Stoddart gibi gelenekçi sanatçılar, modernizmi genel olarak "sahte kültürle ittifak kuran sahte para çağının" sonucu olarak görmezden geliyor.

Modernizmin etkisi bazı alanlarda diğerlerine göre daha belirgin ve kalıcı oldu. Örneğin görsel sanat, tarihsel emsallerinden en kapsamlı kopuşu sergilemiştir. Çoğu büyük şehir merkezinde modern sanata adanmış müzeler bulunur; bu da onu, yaklaşık c. 1400 ila c. 1900 aralığını kapsayan Rönesans sonrası sanattan ayırır. Dikkate değer örnekler arasında New York'taki Modern Sanat Müzesi, Münih'teki Pinakothek der Moderne, Londra'daki Tate Modern ve Paris'teki Pompidou Merkezi sayılabilir. Bu kurumlar tipik olarak modernist ve postmodernist aşamalar arasında ayrım yapmaz ve her ikisini de modern sanatın daha geniş kapsamı içindeki tamamlayıcı gelişmeler olarak görür.

Dipnotlar

Dipnotlar

Referanslar

Kaynaklar

• Barth, John (1979) The Literatür of Replenishment, daha sonra The Friday Book (1984)'te yeniden basıldı.
• Eco, Umberto (1990) Seri Yayınları Yorumlamak, The Limits of Interpretation, sayfa 83-100, alıntı 21 Temmuz 2011'de Wayback Machine'de arşivlendi.
• Everdell, William R. (1997) İlk Modernler: Yirminci Yüzyıl Düşüncesinin Kökenlerindeki Profiller (Chicago: University of Chicago Press).
• Orton, Fred ve Pollock, Griselda (1996) Avangardlar ve Partizanlar İncelendi, Manchester Üniversitesi.
• Steiner, George (1998) Babel'den Sonra, bölüm 6, Kültür Topolojileri, gözden geçirilmiş 3. baskı.
• Berman, Art (1994) Modernizme Önsöz. Illinois Üniversitesi Yayınları.

• Ballard, J. G., Modernizm üzerine.
• Denzer, Anthony S., PhD, Modernizmin Ustaları.
• Hoppé, E. O., fotoğrafçı, Edward Dönemi Modernistleri.
• Yazma Hastalığı: Dans Edebileceğiniz Modernizm, Modernizme mizahi bir bakış açısı sunan çevrimiçi bir radyo programı.
• Yale Üniversitesi'nde Modernizm Laboratuvarı.
• Modernism/Modernity, Modernist Çalışmalar Derneği'nin resmi yayını.
• Modernizm ve Postmodernizm.
• Tobolczyk, Marta (2021). Çağdaş Mimarlık: Önde Gelen Trendlerin Doğuşu ve Özellikleri (PDF). Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Yayıncılığı. ISBN 978-1-5275-7039-9. 14 Ocak 2025 tarihinde orijinal (PDF) kaynağından arşivlendi. Erişim tarihi: 27 Ekim 2024.Kaynak: TORİma Akademi Arşivi