Yeni Sanat (Art Nouveau)

Art Nouveau ( AR(T) noo-VOH; Fransızca: [aʁ nuvo] ; lit. 'Yeni Sanat'), Almanca'da Jugendstil olarak bilinir; sanatı, mimariyi ve uygulamalı sanatları, özellikle de dekoratif sanatları kapsayan uluslararası bir sanatsal hareketi temsil eder. Bu tarz sıklıkla bitki örtüsünün dalgalı hatları gibi organik şekillerden ilham alıyordu. Art Nouveau'nun ayırt edici özellikleri arasında, farklı şekiller ve geniş açık alanlar oluşturmak için demir, cam, seramik ve ardından beton gibi çağdaş malzemelerin birleştirilmesinin yanı sıra, genellikle asimetri veya akıcı, kırbaç çizgileriyle elde edilen bir dinamizm ve hareket algısı vardı. Belle Epoque döneminde 1890'dan 1910'a kadar yaygın olan bu akım, 19. yüzyıl mimari ve dekoratif uygulamalarının karakteristik özelliği olan akademikçilik, eklektizm ve tarihselciliğe karşı bir karşı hareket olarak ortaya çıktı.

Art Nouveau ( AR(T) noo-VOH; Fransızca: [aʁnuvo] ; lit.'Yeni Sanat'), Almanca Jugendstil, sanat, mimari ve uygulamalı sanatın, özellikle de dekoratif sanatların uluslararası bir tarzıdır. Genellikle bitki ve çiçeklerin kıvrımlı kıvrımları gibi doğal formlardan ilham alınmıştır. Art Nouveau'nun diğer özellikleri, genellikle asimetri veya keskin çizgilerle verilen dinamizm ve hareket duygusu ve alışılmadık formlar ve daha geniş açık alanlar yaratmak için modern malzemelerin, özellikle demir, cam, seramik ve daha sonra betonun kullanılmasıydı. Belle Époque döneminde 1890 ile 1910 yılları arasında popülerdi ve 19. yüzyıl mimarisi ve dekoratif sanatındaki akademikçiliğe, eklektizme ve tarihselciliğe karşı bir tepkiydi.

Art Nouveau'nun temel amaçlarından biri güzel sanatlar, özellikle resim ve heykel ile uygulamalı sanatlar arasındaki geleneksel ayrımı ortadan kaldırmaktı. Uygulaması en çok iç tasarım, grafik sanatlar, mobilya, cam sanatı, tekstil, seramik, mücevher ve metal işlerinde yaygındı. Bu tarz, Fransız mimar Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814–1879) ve İngiliz sanat eleştirmeni John Ruskin (1819–1900) dahil olmak üzere 19. yüzyılın önde gelen teorisyenlerinde yankı uyandırdı. Britanya'da William Morris'ten ve Sanat ve El Sanatları hareketinden ilham aldı. Alman mimarlar ve tasarımcılar, mimariyi, mobilyaları ve iç sanatı, sakinleri yüceltecek ve onlara ilham verecek tutarlı bir üslupla bütünleştirmeyi amaçlayan, ruhsal açıdan zenginleştirici Gesamtkunstwerk'in ('toplam sanat eseri') peşine düştüler.

Art Nouveau'nun konut mimarisi ve iç dekorasyondaki ilk tezahürleri, 1890'larda Brüksel'de, özellikle de mimarların tasarladığı yapılarda ortaya çıktı. Paul Hankar, Henry van de Velde ve en önemlisi, Hôtel Tassel'in 1893'te tamamlandığı Victor Horta. Stil hızla Paris'e yayıldı; burada Hector Guimard, Horta'nın Brüksel'deki yaratımlarını gözlemledikten sonra onu benimsedi ve ardından onu yeni ortaya çıkan Paris Metro sisteminin girişlerine uyguladı. Zirvesi, Louis Tiffany gibi sanatçıların Art Nouveau katkılarının sergilendiği bir etkinlik olan 1900 Paris Uluslararası Sergisi'nde elde edildi. Ayrıca Alphonse Mucha'nın posterleri ve René Lalique ile Émile Gallé'nin yaptığı cam eşyalar aracılığıyla grafik sanatlarda da kendini gösterdi.

İngiltere, Belçika ve Fransa'da ortaya çıkan Art Nouveau, daha sonra Avrupa'ya yayıldı ve çeşitli ülkelerde farklı isimlendirmeler ve üslup özellikleri kazandı. Varlığı yalnızca başkentlerde değil, aynı zamanda İtalya'da Torino ve Palermo, İskoçya'da Glasgow, Almanya'da Münih ve Darmstadt ve İspanya'nın Katalonya kentinde Barselona gibi benzersiz sanatsal kimlikler oluşturmaya çalışan gelişen şehir merkezlerinde de dikkate değerdi. Ek olarak, bağımsızlık hareketlerinin merkezlerinde ortaya çıktı; örneğin Finlandiya'daki Helsinki, o zamanlar Rusya İmparatorluğu'nun egemenliği altındaydı.

1914'e gelindiğinde, Birinci Dünya Savaşı'nın başlangıcına denk gelen Art Nouveau'nun önemi büyük ölçüde azalmıştı. 1920'lerde, hakim mimari ve dekoratif sanat tarzı olarak yerini Art Deco ve ardından modernizm aldı. Bununla birlikte Art Nouveau tarzı, 1960'ların sonlarında yeniden eleştirel beğeni toplamaya başladı; bu durum, özellikle 1970 yılında Modern Sanat Müzesi'nde Hector Guimard'ın yapıtlarının yer aldığı önemli bir serginin damgasını vurdu.

Adlandırma

Art Nouveau adı ilk olarak 1880'lerde Belçika'nın L'Art Moderne dergisinde ortaya çıktı ve burada sanatsal reformu savunan yirmi ressam ve heykeltıraştan oluşan bir kolektif olan Les Vingt'in ürünlerini karakterize ediyordu. Yaygın tanınması büyük ölçüde, Fransız-Alman sanat tüccarı Siegfried Bing tarafından 1895'te Paris'te kurulan bir sanat galerisi olan Maison de l'Art Nouveau ('Yeni Sanat Evi') sayesinde oldu. Britanya'da, Fransızca Art Nouveau terimi yaygın olarak benimsendi. Bunun tersine, Fransa'da sıklıkla Style moderne (İngiliz Modern Stili'ne benzer) veya Stil 1900 olarak anılırdı. Ek Fransızca adlar arasında Stil Jules Verne (adını romancı Jules Verne'den almıştır), Stil Métro (Hector Guimard'ın kendine özgü demir ve cam metro girişlerine atıfta bulunur), Art Belle Époque veya Art fin de siècle.

Art Nouveau, Almanca'da Jugendstil, İtalyanca'da Stile Liberty, Katalanca'da Modernisme dahil olmak üzere farklı dillerde çeşitli isimlerle tanınmaktadır. ve İngilizcede Modern Stil. Bu sanatsal hareket, Avrupa'nın çeşitli bölgelerinde ve uluslararası bölgelerde gelişen çağdaş tarzlarla sıklıkla ortak noktalara sahiptir, ancak her zaman eşanlamlı değildir. Bu tarzlara ilişkin yerel terminoloji, daha geniş hareketi karakterize etmek için ilgili ülkelerde yaygın olarak kullanıldı.

• Avusturya'da ve Avusturya-Macaristan İmparatorluğu'nu oluşturan komşu bölgelerde bu stil, sanatçılardan türetilmiş bir isimlendirme olan Wiener Jugendstil ('Viyana gençlik stili') veya Secessionsstil ("Ayrılık stili") olarak anılıyordu. Viyana Ayrımı ile bağlantılı (Macarca: szecesszió, Çekçe: secese, Slovakça: secesia, Lehçe: secesja).
• Belçika'da eleştirmenler zaman zaman stili şu şekilde etiketlediler: Style coup de fouet ("Whiplash style"), Paling Stijl ('Yılan Balığı Stili') veya Stil nouille ("Erişte stili").
• Britanya'da Art Nouveau'nun yanı sıra bu hareket Modern Stil veya Glasgow Okulu'nun katkılarından dolayı Glasgow stili olarak tanımlandı.
• Danimarka'da stil, Skønvirke ('Güzellik eseri') olarak tanımlanır.
• Almanya ve İskandinavya'da hareket, tarihsel olarak Reformstil ("Reform tarzı") veya Jugendstil ("Gençlik stili") olarak anılıyordu; bu isim, etkili Alman sanat dergisi Jugend. Diğer adlar arasında Wellenstil ('Dalga stili') ve Lilienstil ('Zambak stili') vardı. Şu anda Finlandiya, İsveç ve Norveç'te Jugend olarak biliniyor; Estonya'da Juugend; ve Letonya'da Jūgendstils. Ayrıca Finlandiya'da Kalevala Stili olarak da adlandırılıyordu.
• İtalya'da bu stil sıklıkla stile Liberty ('Özgürlük stili') olarak adlandırılıyordu ve adını Londra'daki Liberty & Co, tekstil desenleri önemli bir popülerlik kazandı. Alternatif tanımlamalar arasında stile floreale ("çiçek stili") ve tarihsel olarak arte nuova ("yeni sanat") yer alıyordu; ancak ikincisi artık yaygın olarak kullanılmamaktadır.
• Japonya'da stil Shiro-Uma olarak tanımlanır.
• Hollanda'da Nieuwe Kunst ('Yeni Sanat') veya Nieuwe Stijl ('Yeni stil') olarak bilinir.
• Polonya'da bu stile Secesja ('Ayrılma') adı verilir.
• Portekiz'de buna Arte nova ('Yeni Sanat') adı verilir.
• Romanya'da stil, Arta 1900 ('1900 Art'), Arta Nouă ('Yeni Sanat') veya Noul olarak bilinir. Stil ("Yeni Stil").
• İspanya'da stil, Modernismo, Modernisme (Katalanca) ve Arte joven ('Young) olarak belirlenmiştir. sanat').
• İsviçre'de buna stil sapin ('köknar ağacı stili') adı verilir.
• Amerika Birleşik Devletleri'nde stil, Louis Comfort Tiffany ile bağlantısı nedeniyle zaman zaman Tiffany stili olarak anılıyordu.
• Modern tanımı eski Rusya İmparatorluğu'nda kullanılıyordu ve Azerbaycan, Kazakistan, Rusya ve Ukrayna gibi çağdaş ardıl devletlerde de varlığını sürdürüyor. Tersine, Litvanya'da Modernas olarak bilinir. Resim bağlamında Mir Iskusstva ('Sanat Dünyası') hareketiyle ilişkilendirilen terim de uygulandı.

Geçmiş

Kökenler

Bu yeni sanatsal hareketin doğuşunun izleri Britanya'ya, özellikle William Morris tarafından geliştirilen çiçek motiflerine ve öğrencileri tarafından kurulan Arts and Crafts hareketine kadar uzanabilir. Tarzın ilk örnekleri arasında Morris'in iç mekanları ve Philip Webb'in (1859) mimari tasarımının yanı sıra James Abbott McNeill Whistler'ın gösterişli Peacock Odası'nın yer aldığı Red House yer alıyor. Ayrıca hareket, Dante Gabriel Rossetti ve Edward Burne-Jones gibi Ön-Rafaelci ressamlardan ve özellikle Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert ve özellikle Aubrey Beardsley gibi 1880'lerin İngiliz grafik sanatçılarından önemli ilham aldı. Arthur Mackmurdo'nun sandalye tasarımı, Art Nouveau estetiğinin temel unsuru olarak kabul ediliyor.

Fransa'da hareket, geleneksel Beaux-Arts mimari tarzının vokal rakibi olan mimari teorisyen ve tarihçi Eugène Viollet-le-Duc tarafından şekillendirildi. Onun rasyonalist teorileri, ortaçağ sanatı üzerine yaptığı kapsamlı çalışmadan kaynaklanıyordu ve aşağıdaki gibi ilkeleri savunuyordu:

• Biçim, işleve göre belirlenmelidir.
• Tüm sanat formlarının entegrasyonu ve ana sanatlar (ör. mimari) ile ikincil sanatlar (ör. dekoratif sanatlar) arasındaki hiyerarşik ayrımların ortadan kaldırılması.
• Mimari tasarım doğanın doğasında olan mantığı taklit etmelidir.
• Mimarlık, insan ortamına ve gereksinimlerine duyarlı olmalıdır.
• Çağdaş teknolojilerin ve malzemelerin birleştirilmesi.

Eugène Viollet-le-Duc, özellikle Notre-Dame de Paris'te ortaya çıkan tarzın özelliklerini sergileyen 1851 tarihli duvar resimleriyle, Art Nouveau'nun öncüsü olarak tanınır. Bu spesifik sanat eserleri, akademik olmayan doğaları nedeniyle daha sonra 1945'te kaldırıldı. Ayrıca Bordeaux bölgesindeki Château de Roquetaillade'deki 1865 tarihli iç mekan tasarımları da Art Nouveau estetiğinin habercisiydi. Viollet-le-Duc, 1872 tarihli etkili yayını Entretiens sur l'architecture'de temel bir ilkeyi dile getirdi: "Eski geleneklerin yükünden arınmış, çağdaş çağımızın sağladığı kaynaklardan ve anlayışlardan yararlanın, böylece yeni bir mimari paradigmanın başlatılmasını sağlayın. Her işlev, kendine özgü bir malzemeyi gerektirir; her malzeme kendi biçimini ve süslemesini belirler." Bu ufuk açıcı çalışma, Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard ve Antoni Gaudí gibi önde gelen isimlerin de aralarında bulunduğu bir nesil mimarı önemli ölçüde etkiledi.

Fransız ressamlar Maurice Denis, Pierre Bonnard ve Édouard Vuillard, güzel sanatlar resmini dekoratif uygulamalarla birleştirmede etkili oldu. Maurice Denis, 1891'de bakış açısını şöyle ifade etti: "Bir resmin her şeyden önce dekoratif bir amaca hizmet etmesi gerektiğini iddia ediyorum. Konuların veya sahnelerin seçiminin hiçbir içsel değeri yoktur. Zekayı harekete geçirip duygusal tepkiler uyandırabilmem, tonal değerlerin, kromatik yüzeyin ve çizgilerin uyumu yoluyla gerçekleşir." Bu sanatçılar, ekranlar ve cam da dahil olmak üzere çeşitli ortamlarda sürekli olarak hem geleneksel resim hem de dekoratif çalışmalarla meşgul oldular.

Japonizm, Japon tahta baskı baskısına duyulan yaygın hayranlıkla karakterize edilen, yeni ortaya çıkan Art Nouveau tarzı üzerinde bir başka önemli etki oluşturdu. Hiroshige, Hokusai ve Utagawa Kunisada gibi sanatçıların 1870'lerden itibaren Avrupa'ya ithal edilen eserleri özellikle beğenildi. Önemli bir girişimci olan Siegfried Bing, 1888'de aylık Le Japon artistique dergisini kurdu ve 1891'de sona erene kadar otuz altı sayı yayınladı. Bu yayın, Gustav Klimt de dahil olmak üzere hem sanat koleksiyoncularını hem de sanatçıları önemli ölçüde etkiledi. Japon baskılarının ayırt edici stilize unsurları daha sonra Art Nouveau grafiklerine, porselenlere, mücevherlere ve mobilya tasarımlarına nüfuz etti. Uzak Doğu etkisinin ortaya çıkışı, 1860'ların başlarından itibaren özellikle belirgin hale geldi. 1862'ye gelindiğinde, Japonya'nın o yıl Londra'daki Uluslararası Sergiye katılımcı olarak katılımının ardından, Japon sanat eserleri Londra ve Paris'teki sanat meraklılarının erişimine açıldı. Eş zamanlı olarak 1862'de Rue de Rivoli'de Paris'teki La Porte Chinoise mağazası açıldı ve burada Japon ukiyo-e'si ve Uzak Doğu'dan başka eserler sunuldu. Bu eğilime daha da katkıda bulunan Owen Jones, 1867'de Çin Süsleri Örnekleri'ni yayınladı ve bunu 1870'de R. Alcock'un Japonya'da Sanat ve Endüstriler'i izledi. İki yıl sonra, O. H. Moser ve T. W. Cutler da Japon sanatına adanmış yayınlar yayınladı. Aralarında Victor Horta'nın da bulunduğu birçok Art Nouveau uygulayıcısı, özellikle Japon eserlerine ağırlık vererek, Uzak Doğu sanatına ilişkin kişisel koleksiyonlar topladı.

Basım ve yayınlama teknolojilerindeki ilerlemeler, Art Nouveau'nun dünya çapında hızla yayılmasını kolaylaştırdı. Fotografik röprodüksiyonlar ve renkli taş baskılar içeren sanat dergileri, yeni estetiğin yaygınlaştırılmasında çok önemliydi. İngiltere'de The Studio, Fransa'da Arts et idèes ve Art et dekorasyon, Almanya'da Jugend gibi yayınlar, tarzın Avrupa çapında hızla yayılmasını sağladı. İngiltere'deki Aubrey Beardsley ve Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec ve Félix Vallotton gibi illüstratörler uluslararası beğeni topladı. Jules Chéret'in 1893'te dansçı Loie Fuller için yaptığı çalışmalarla ve Alphonse Mucha'nın 1895'te aktris Sarah Bernhardt için yaptığı tasarımlarla örneklenen poster, reklam işlevini aşarak tanınan bir sanat formu haline geldi. Sarah Bernhardt'ın da önemli miktarda posterini koleksiyonculara satmak üzere ayırdığı dikkat çekiyor.

Brüksel'deki Erken Gelişme (1893–1898)

İlk Art Nouveau şehir evleri, Paul Hankar'ın Hankar Evi (1893) ve Victor Horta'nın Hôtel Tassel'i (1892–1893), Brüksel'de neredeyse aynı anda ortaya çıktı. Her iki yapı da çığır açıcı bir özgünlüğü paylaşıyor olsa da, mimari tasarımları ve estetik sunumları açısından önemli ölçüde farklılaşıyorlardı.

Victor Horta, erken dönem Art Nouveau mimarları arasında önemli bir figür olarak ortaya çıktı; Brüksel'deki Hôtel Tassel (1892–1893) bu tarzın ufuk açıcı bir eseri olarak kabul edildi. Horta'nın mimari çıraklığı, Kral II. Leopold'un mimarı Alphonse Balat'a anıtsal demir ve cam Laeken Kraliyet Seralarının inşasında yardımcı olmayı içeriyordu. Viollet-le-Duc'a derin bir hayranlık duyuyordu ve teorik ilkelerini tamamen benimsiyordu. Horta, 1892 ile 1893 yılları arasında bu birikmiş deneyimi farklı bir şekilde uyguladı. Oldukça dar ve derin bir arsa üzerinde yer alan bilim adamı ve profesör Émile Tassel'in konutunun tasarımını tasarladı. Konutun merkezi özelliği, etrafını çevreleyen duvarlardan yoksun, eğrisel bir ferforje korkulukla süslenmiş ve yükseltilmiş bir tavan penceresinin altına yerleştirilmiş açık bir merdivendi. Ağaç gövdelerini anımsatan ince demir sütunlar, zemine yapısal destek sağlıyordu. Mozaik zeminler ve duvarlar, daha sonra stilin ayırt edici özelliği haline gelen bir tasarım öğesi olan çiçek ve bitkisel motiflerin yer aldığı karmaşık arabesklerle süslendi. Daha sonra Horta, kısa bir süre içinde her biri açık iç mekanlar ve doğal aydınlatmayı en üst düzeye çıkarmak için tasarlanmış tavan pencereleriyle karakterize edilen üç ek şehir evi inşa etti: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde (Edmond van Eetvelde tarafından yaptırılmıştır) ve Maison & Atelier Horta. Bu dört yapı toplu olarak UNESCO Dünya Mirası Alanı'nı oluşturmaktadır.

Paul Hankar ayrıca Art Nouveau hareketinin ilk yenilikçilerinden biri olarak da öne çıkmıştır. Hainaut'un Frameries kentinde usta bir taş kesicinin çocuğu olarak dünyaya gelen Hankar, 1873'ten 1884'e kadar Brüksel'deki Kraliyet Güzel Sanatlar Akademisi'nde dekoratif heykel ve dekorasyon alanında eğitim gördü ve aynı zamanda dekoratif heykeltıraş olarak çalıştı. 1879-1894 yılları arasında eklektik ve neoklasik üsluplardaki ustalığıyla tanınan mimar Henri Beyaert'in atölyesinde çalıştı. Beyaert'in etkisi aynı zamanda Hankar'ın Viollet-le-Duc'a hayran kalmasına da yol açtı. 1893 yılında Hankar, Brüksel'deki Hankar Evi olarak bilinen kişisel konutunun tasarımını ve inşaatını üstlendi. Güzel ve dekoratif sanatların bir sentezini elde etmeyi amaçlayan heykeltıraş René Janssens ve ressam Albert Ciamberlani ile işbirliği yaparak hem iç hem de dış mekanı sgrafiti veya duvar resimleriyle süsledi. Cephe ve balkonlar, daha sonra Art Nouveau'nun önemli bir özelliği haline gelen stilize çiçek desenlerinde demir süslemeler ve eğrisel unsurlar içeriyordu. Bu mimari paradigmayı takip ederek sanatçı meslektaşları için çok sayıda konut inşa etti. Ek olarak, Brüksel'deki mağazalar, restoranlar ve galeriler de dahil olmak üzere çeşitli kuruluşlar için bir dizi yenilikçi cam vitrin tasarladı; yerel bir eleştirmen tarafından "gerçek bir özgünlük çılgınlığı" olarak tanımlanan bir çalışma bütünü. Ölümü 1901'de, tam da Art Nouveau hareketinin yaygın olarak kabul görmeye başladığı dönemde meydana geldi.

Anvers yerlisi Henry van de Velde de Art Nouveau'nun ortaya çıkışında temel bir rol oynadı. Van de Velde'nin dikkate değer tasarımları arasında Brüksel'deki ikametgahı Villa Bloemenwerf'in (1895) iç mekanı da vardı. Konutun dış cephesi, etkili yazar, teorisyen ve Sanat ve El Sanatları hareketinin kurucusu William Morris'in ikametgahı olan Kırmızı Ev'den ilham almıştır. Başlangıçta ressam olarak eğitim gören Van de Velde illüstrasyona, ardından mobilya tasarımına ve en sonunda mimarlığa geçiş yaptı. Villa Bloemenwerf için tekstil ürünlerini, duvar kağıtlarını, gümüş eşyaları, mücevherleri ve hatta kıyafetleri titizlikle tasarlayarak konutla stilistik bir uyum sağladı. Van de Velde daha sonra Paris'e taşındı ve burada Paris'teki galerisi Art Nouveau tarzına isim vermekle tanınan Alman-Fransız sanat tüccarı Siegfried Bing için mobilya ve dekoratif unsurlar yarattı. Aynı zamanda dinamik, sıklıkla zıt çizgilerin bir araya getirilmesini savunan erken dönem Art Nouveau teorisyenlerinden biri olarak da görev yaptı. Van de Velde şöyle ifade etti: "Bir çizgi, diğer tüm temel kuvvetlere benzer bir kuvvet oluşturur. Çoklu çizgiler, yan yana ancak karşıt olarak yerleştirildiğinde, birçok kuvvet kadar güçlü bir varlığa sahiptir." 1906'da Belçika'dan ayrılarak Weimar, Almanya'ya gitti ve tarihi üslupların öğretilmesinin yasak olduğu bir kurum olan Büyük Dükalık Sanat ve El Sanatları Okulu'nu kurdu. Belçika'ya dönmeden önce Alman Werkbund'unda önemli bir rol oynadı.

Brüksel'de Art Nouveau mimarisinin ortaya çıkışı, yeni ortaya çıkan tarzda dekoratif sanatların çoğalmasıyla aynı zamana denk geldi. Bu dönemin önde gelen sanatçıları arasında Brüksel'in cephelerinde barok esintili etkiler yaratmak için ferforje kullanan Gustave Strauven; yenilikçi sandalyeleri ve mafsallı metal mobilyalarıyla tanınan mobilya tasarımcısı Gustave Serrurier-Bovy; ve eserleri genellikle yusufçuk, kelebek, kuğu ve yılan şeklini alan mücevher tasarımcısı Philippe Wolfers.

1897 Brüksel Uluslararası Sergisi, Art Nouveau tarzının küresel ilgiye sunulmasında çok önemli bir rol oynadı. Fuarın tasarımına Horta, Hankar, Van de Velde ve Serrurier-Bovy gibi önde gelen tasarımcılar katıldı ve serginin posterinin oluşturulmasından Henri Privat-Livemont sorumluydu.

Paris'teki Gelişmeler: Maison de l'Art Nouveau (1895) ve Castel Béranger (1895–1898)

Fransız-Alman sanat tüccarı ve yayıncısı Siegfried Bing, Art Nouveau tarzının tanıtılmasında etkili oldu. 1891'de Japon sanatına adanmış bir dergi kurdu ve bu dergi Japonizmin Avrupa'ya yayılmasına katkıda bulundu. 1892'ye gelindiğinde Bing, aralarında Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec ve Eugène Grasset'in de bulunduğu yedi sanatçının yer aldığı, hem modern resim hem de dekoratif sanatların sergilendiği bir serginin küratörlüğünü yapmıştı. Bu sergi daha sonra 1895'te Société Nationale des Beaux-Arts'ta sunuldu. Aynı zamanda Bing, Paris'te 22 rue de Provence'ta Maison de l'Art Nouveau adında, hem güzel hem de dekoratif sanatlardaki çağdaş eserleri sergilemeye adanmış yeni bir galeri açtı. Galerinin iç mekanları ve mobilyaları, Art Nouveau mimarisinin çığır açan isimlerinden Belçikalı mimar Henry van de Velde tarafından tasarlandı. Maison de l'Art Nouveau'da Georges Seurat, Paul Signac ve Toulouse-Lautrec'in tabloları yer aldı; Louis Comfort Tiffany ve Émile Gallé'nin cam kreasyonları; René Lalique'den takılar; ve Aubrey Beardsley'in posterleri. Sergilenen eserler önemli bir üslup çeşitliliği sergiliyordu. 1902'de Bing, ismin ardındaki orijinal amacı şöyle ifade etti: "Art Nouveau, yaratıldığı dönemde hiçbir şekilde genel bir terim olma onuruna sahip olmayı amaçlamıyordu. Bu sadece, eğilimlerinin modernliğini göstermek için sabırsızlanan tüm genç ve ateşli sanatçılar için bir toplanma noktası olarak açılan bir evin adıydı."

Tarz komşu Fransa'da hızla tanındı. Paris halkı, III. Napolyon döneminde Georges-Eugène Haussmann tarafından inşa edilen bulvarların mimari monotonluğundan duyduğu hoşnutsuzluğu dile getirdi. Castel Béranger, kıvrımlı çizgiler ve organik formlarla karakterize edilen Neo-Gotik ve Art Nouveau unsurların kendine özgü bir birleşimini sundu. Kendi yaratımlarının usta bir destekçisi olan Guimard şunu ileri sürdü: "Ne pahasına olursa olsun kaçınılması gereken şey...paralellik ve simetridir. Doğa, en büyük inşaatçıdır ve doğa paralel olan hiçbir şeyi ve simetrik olan hiçbir şeyi yaratmaz."

Parisliler, Guimard'ın farklı ve görsel olarak çekici tarzını benimsediler; Castel Béranger, Paris'in en iyi yeni cephelerinden biri olarak tanındı ve böylece Guimard'ın öne çıkan kariyerinin başlangıcı oldu. Daha sonra Guimard, yeni ortaya çıkan Paris Metro sisteminin girişlerini tasarlamak üzere görevlendirildi ve bu, şehrin 1900'deki Exposition Universelle'deki milyonlarca katılımcıya tarzını göstermesini sağladı.

1900'ün Paris Exposition Universelle'si

Paris 1900 Exposition Universelle, Art Nouveau hareketinin zirvesini temsil ediyordu. Nisan ve Kasım 1900 arasında düzenlenen etkinlik, yaklaşık elli milyon uluslararası ziyaretçiyi çekti ve stilin mimarisini, tasarımını, cam eşyalarını, mobilyalarını ve dekoratif objelerini öne çıkardı. Serginin mimarisi sıklıkla Art Nouveau ve Beaux-Arts mimari tarzlarının bir karışımını sunuyordu; örneğin, ana sergi salonu Grand Palais'in Beaux-Arts cephesi, içindeki muhteşem Art Nouveau merdiven ve sergi salonuyla keskin bir tezat oluşturuyordu.

Çok sayıda Fransız tasarımcı, Sergi için özel çalışmalar yarattı. Bunlar arasında Lalique'in kristalleri ve mücevherleri; Henri Vever ve Georges Fouquet'den mücevherler; Daum'dan cam; Manufacture Nationale de Sèvres'den porselen; Alexandre Bigot'un seramikleri; Émile Gallé'nin heykel cam lambaları ve vazoları; Édouard Colonna ve Louis Majorelle'den mobilyalar; diğer birçok seçkin sanat ve zanaat kuruluşunun katkılarının yanı sıra. 1900 Paris Sergisi'nde Siegfried Bing, Art Nouveau tarzında titizlikle süslenmiş altı farklı iç mekanın sergilendiği Art Nouveau Bing adlı pavyonun açılışını yaptı.

Sergi, Avrupa'nın dört bir yanından ve ötesinden gelen Art Nouveau tasarımcıları ve sanatçıları için uluslararası açılış platformu görevi gördü. Önemli ödül kazananlar ve katılımcılar arasında Bosna-Hersek pavyonuna duvar resimleriyle katkıda bulunan ve aynı pavyon için restoranın menüsünü hazırlayan Alphonse Mucha; Berlin'den dekoratörler ve tasarımcılar Bruno Paul ve Bruno Möhring; Torino'dan Carlo Bugatti; Bavyeralı Bernhardt Pankok; Rus mimar-tasarımcı Fyodor Schechtel; ve ABD'den Louis Comfort Tiffany and Company. Viyanalı mimar Otto Wagner jüride yer aldı ve Viyana'daki dairesinde bulunan, özellikle cam küvet içeren kişisel Art Nouveau banyosunun bir modelini sergiledi. Josef Hoffmann, Paris fuarındaki Viyana sergisini, Viyana Ayrılığının ayırt edici tasarımlarını vurgulayarak tasarladı. Eliel Saarinen, Fin pavyonunun yenilikçi tasarımıyla ilk uluslararası beğeniyi topladı.

Paris Sergisi ölçek olarak diğerlerini önemli ölçüde geride bıraksa da, diğer birçok sergi Art Nouveau tarzının yayılmasında önemli bir rol oynadı. 1888 Barselona Evrensel Sergisi, Lluís Domènech i Montaner'in çeşitli yapılarını içeren İspanya'da Modernisme tarzını başlattı. İtalya'nın Torino kentinde düzenlenen 1902 Esposizione internazionale d'arte Decorativa Moderna'de Belçika'dan Victor Horta ve Viyana'dan Joseph Maria Olbrich gibi Avrupalı tasarımcıların yanı sıra Carlo Bugatti, Galileo Chini ve Eugenio Quarti gibi yerli sanatçılar da yer aldı.

Bölgesel Belirtiler

Fransa'da Art Nouveau

1900 Sergisi'nin ardından Paris, Art Nouveau'nun merkez üssü haline geldi. Jules Lavirotte bu tarzda en gösterişli konutları inşa etti ve cephelerini tamamen seramik heykel süslemeleriyle süsledi. Bu savurganlığın en önemli örneği, 1901'de 29'da tamamlanan Lavirotte Binası'dır, avenue Rapp. Ofis binaları ve büyük mağazalar da dahil olmak üzere ticari yapılar, vitray kubbeler ve seramik detaylarla süslenmiş yüksek avluları içeriyordu. Estetik, restoran ve kafelerde de önemli bir rağbet gördü; her ikisi de 1900'den kalma Maxim's 3, rue Royale ve Gare de Lyon'daki Le Train bleu gibi.

Paris'in şöhreti çok sayıda yabancı sanatçıyı metropole çekti. İsviçre doğumlu sanatçı Eugène Grasset, Fransız Art Nouveau posterlerinin yaratılmasında öncü bir figür olarak ortaya çıktı. 1885'te Le Chat Noir kabaresinin dekorasyonuna katkıda bulundu ve ardından Fêtes de Paris için ilk posterlerini ve 1890'da Sarah Bernhardt'ın ünlü bir posterini üretti. Paris'teyken, öğrencileri arasında Augusto Giacometti ve Paul Berthon'un da bulunduğu Guérin sanat okulunda (École normale d'enseignement du dessin) ders verdi. 1896'da İsviçre doğumlu sanatçı Théophile-Alexandre Steinlen, Paris'teki Le Chat noir kabaresinin ikonik posterini tasarladı. Çek sanatçı Alphonse Mucha (1860–1939) 1888'de Paris'e yerleşti ve 1895'te aktris Sarah Bernhardt'ın Théâtre de la Renaissance'da Victorien Sardou'nun Gismonda oyunundaki performansı için bir poster hazırladı. Bu posterin muazzam popülaritesi, ona ek olarak altı Bernhardt yapımı için poster tasarlama sözleşmesi sağladı.

Lorraine'de bulunan Nancy, yeni ortaya çıkan stil için bir başka önemli Fransız merkezi olarak ortaya çıktı. École de Nancy olarak da tanınan Alliance Provincee des Industries d'art, dekoratif sanatlar yerine resim ve heykele öncelik veren mevcut sanatsal hiyerarşiye meydan okumak amacıyla 1901 yılında kuruldu. Bu hareketle ilişkilendirilen önde gelen sanatçılar arasında cam vazoları ve lambalarıyla tanınan Émile Gallé; cam tasarımlarıyla ünlü Daum kardeşler; ve zarif çiçek ve bitkisel motiflere sahip mobilyalar üreten tasarımcı Louis Majorelle. Mimar Henri Sauvage, 1902 yapımı Villa Majorelle ile yenilikçi mimari tarzı Nancy'ye tanıttı.

Fransız Art Nouveau tarzı, The Studio, Arts et Idées ve Art et Décoration gibi çağdaş dergiler aracılığıyla geniş çapta yayıldı. Fotoğrafların ve renkli taşbaskıların dahil edilmesi, stilin dünya çapındaki tasarımcılara ve varlıklı patronlara etkili bir şekilde tanıtılmasını sağladı.

Fransa'da stil 1900 civarında zirveye ulaştı, daha sonra popülerliği hızlı bir düşüş yaşadı ve 1905'te ülkeden büyük ölçüde silindi. Doğası gereği lüks bir estetik olan Art Nouveau, yüksek oranda telafi edilen ve uzmanlaşmış zanaatkarların becerilerini gerektirdi, bu da kolay veya ucuz seri üretimi engelledi. Seri üretime uygun sınırlı sayıdaki Art Nouveau ürünler arasında parfüm şişeleri de yer aldı ve bu farklı tarzda üretilmeye günümüzde de devam ediliyor.

Belçika'da Art Nouveau

Belçika, öncelikle Victor Horta'nın mimari katkılarından dolayı, Art Nouveau için önemli bir erken merkez olarak ortaya çıktı. Horta, 1893 yılında Art Nouveau'nun ilk konutlarından biri olarak tanınan Hôtel Tassel'i ve stilistik farklılıklar sergileyen üç ek şehir evini tasarladı. Bu yapılar şu anda UNESCO Dünya Mirası alanları olarak belirlenmiştir. Horta'nın çalışmaları, inşaatı sırasında Hôtel Tassel'i gözlemleyen ve daha sonra Horta'yı Art Nouveau'nun "mucidi" ilan eden Hector Guimard'ın yeni ortaya çıkan kariyerini derinden etkiledi. Horta'nın çığır açan yaklaşımı cepheye değil iç mekana odaklandı; geniş, ışık dolu alanlar yaratmak için yoğun demir ve cam kullanıldı. Bu iç mekanlar, zemin ve duvar tasarımlarının yanı sıra Horta'nın özel olarak tasarladığı mobilya ve halılarda da yinelenen bir tema olan eğrisel bitkisel motiflere sahip ferforje sütunlar ve korkuluklarla süslenmişti.

Paul Hankar aynı zamanda Brüksel'in Art Nouveau hareketinde de öncü bir rol oynadı. 1893 yılında Horta'daki Hôtel Tassel ile eşzamanlı olarak tamamlanan kendi konutunun cephesinde sgraffito duvar resimleri sergileniyordu. Hankar, hem Viollet-le-Duc'tan hem de İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketinin ilkelerinden ilham aldı. Temel felsefesi dekoratif ve güzel sanatları tutarlı bir sanatsal ifadeyle bütünleştirmeyi amaçlıyordu. Bina cephelerini kendi yaratımlarıyla süslemek için sık sık heykeltıraş Alfred Crick ve ressam Adolphe Crespin gibi sanatçılarla çalıştı. Çalışmalarının dikkate değer bir örneği, 48 yaşındaki sanatçı Albert Ciamberlani için Brüksel'deki rue Defacqz/Defacqzstraat'da inşa edilen ev ve stüdyodur. Bu proje için Hankar, Quattrocento'nun veya 15. yüzyıl İtalya'sının dekoratif mimari tarzlarını çağrıştıran, boyalı figürler ve süslemelerle dolu geniş sgraffito duvar resimlerinin yer aldığı gösterişli bir cephe tasarladı. Hankar'ın kariyeri, 1901'deki ölümüyle trajik bir şekilde yarıda kalırken, katkıları da kayda değer bir takdir kazandı.

Gustave Strauven, profesyonel yolculuğuna Horta'nın yanında tasarımcı yardımcısı olarak başladı ve ardından 21 yaşında bağımsız pratiğini kurdu. Daha sonra Brüksel'in en gösterişli Art Nouveau yapılarından bazılarını yarattı. En ünlü başarısı, 11, square Ambiorix/Ambiorixsquare adresinde bulunan Saint-Cyr Evi'dir. Yalnızca 4 metrelik (13 ft) dar genişliğine rağmen ev, Strauven'in karmaşık mimari yenilikleriyle dikkat çekici bir dikeyliğe ulaşıyor. Dış cephesi tamamen çok renkli tuğlalarla kaplanmıştır ve ayırt edici bir Art Nouveau-Barok estetiğini temsil eden kavisli, ferforje bitkisel motiflerden oluşan ayrıntılı bir ağ içerir.

Diğer önemli Belçikalı Art Nouveau uygulayıcıları arasında, en etkili çalışması esas olarak Jugendstil süslemelerini önemli ölçüde şekillendirdiği Almanya'da yürütülen mimar ve tasarımcı Henry van de Velde yer almaktadır. Diğer önemli isimler arasında dekoratör Gustave Serrurier-Bovy ve grafik sanatçısı Fernand Khnopff vardı. Belçikalı tasarımcılar, Belçika Kongosu'ndan ithal edilen bol miktardaki fildişi tedarikinden yararlandı. Sonuç olarak, Philippe Wolfers gibi sanatçıların taş, metal ve fildişi gibi malzemeleri bir araya getirerek yarattığı kompozit heykeller önemli bir popülerlik kazandı.

Nieuwe Kunst, Hollanda'da

Hollanda'da Art Nouveau hareketi, Belçika'da yaygın olan daha eğrisel ve bitkisel estetikten önemli ölçüde farklı olarak Nieuwe Stijl ('Yeni Stil') veya Nieuwe Kunst ('Yeni Sanat') olarak adlandırıldı. Bu Hollanda yorumu, Alman Jugendstil ve Avusturya Viyana Secession'unun daha geometrik ve stilize ifadeleriyle şekillendi. Ayrıca, o zamanlar Hollanda Doğu Hint Adaları olarak bilinen Endonezya'nın sanatından ve ithal kerestesinden ilham alan etkiler içeriyordu; bu, özellikle Java kökenli tekstil ve batik tasarımlarında açıkça görülüyor.

Hendrik Petrus Berlage, bu tarzın önde gelen mimarı ve mobilya tasarımcısı olarak ortaya çıktı; özellikle tarihsel emsalleri tamamen işlevsel bir mimari yaklaşım lehine reddederek. Felsefesini şöyle dile getirdi: "İllüzyonu değil özü bulmak için yanılsama sanatına karşı savaşmak, yalanı tanımak ve tanımak gerekir." Victor Horta ve Gaudí'ye benzer şekilde Berlage, Viollet-le-Duc'un mimari teorilerine derin bir hayranlık duyuyordu. Mobilya tasarımları katı işlevselliğe öncelik veriyordu ve ahşabın doğal formlarına saygı duyuyordu; metale sıklıkla uygulanan bükme veya bükme tekniklerinden kaçınıyordu. Dik açılarla karakterize edilen sandalyeleri tercih ederek sık sık Mısır mobilyalarını örnek olarak gösterdi. Berlage'nin ilk ve en ünlü mimari çalışması, yapılandırmacı ilkelere bağlı kalarak inşa ettiği Amsterdam Ticaret Borsası Beurs van Berlage (1896–1903) idi. Ana odanın duvarlarındaki dekoratif perçin çizgileri de dahil olmak üzere her unsur işlevsel bir amaca hizmet ediyordu. Görsel açıdan öne çıkmak için yapılarına sık sık olağanüstü uzun kuleler dahil etti; bu, Viyana'daki Joseph Maria Olbrich ve Finlandiya'daki Eliel Saarinen gibi çağdaş Art Nouveau mimarları tarafından da kullanılan bir tasarım stratejisiydi.

Bu tarzı örnekleyen diğer yapılar arasında W. Kromhout ve H. G. Jansen tarafından tasarlanan American Hotel (1898–1900); Herman Hendrik Baanders ve Gerrit van Arkel'in Amsterdam'daki Astoria binası (1904–1905); Haarlem tren istasyonu (1906–1908); ve şu anda Hotel New York olarak faaliyet gösteren, Rotterdam'daki eski Holland America Lines ofis binası (1917).

Stille ilişkilendirilen önemli grafik sanatçıları ve illüstratörler arasında, salata yağına yönelik ticari posterleri de dahil olmak üzere yaratımları sıklıkla mistik ve sembolik eğilimler sergileyen Jan Toorop da vardı. Bu sanatçıların kullandığı renk paletleri ve tasarımlar zaman zaman Cava sanatının etkilerini yansıtıyordu.

Hollanda seramiği ve porselenine en büyük katkıyı sağlayanlar Jurriaan Kok ve Theo Colenbrander'dı. Çalışmaları canlı çiçek desenleri ve geleneksel Art Nouveau motiflerini bir araya getiriyor, farklı çömlek formları ve zıt koyu ve açık tonlarla bütünleşerek Cava batik dekorasyonundan ilham alıyordu.

Britanya'daki Modern Stil ve Glasgow Okulu

Art Nouveau, Britanya'da ortaya çıktı ve 1860'larda başlayan ve 1880'lerde dünya çapında tanınmaya başlayan Arts and Crafts hareketinden evrildi. Bu hareket, ortaçağ işçiliğinden, tasarım ilkelerinden ve doğal formlardan ilham alarak dekoratif sanatların daha fazla takdir edilmesini savundu. Modern Tarzın önemli bir erken tezahürü, Arthur Mackmurdo'nun, Sir Christopher Wren'in şehir kiliseleri hakkındaki makalesi için 1883'te hazırladığı kapak tasarımı ve aynı yıldaki Maun sandalyesidir.

Diğer önemli İngiliz yenilikçiler arasında, stilin ayırt edici özelliği haline gelen eğrisel formları belirgin bir şekilde sergileyen grafik tasarımcısı Aubrey Beardsley de vardı. Ayrıca 1880'lerden kalma serbest akışlı ferforje işçiliği ve büyük ölçüde 19. yüzyıl desenlerinden etkilenen bazı düz çiçekli tekstil tasarımları dikkat çekicidir. Tarzda önemli bir rol oynayan diğer İngiliz grafik sanatçıları Walter Crane ve Charles Ashbee idi.

Londra'daki Liberty mağazası, canlı, stilize çiçekli tekstil tasarımları ve İskoç kökenli bir Manxman olan Archibald Knox'un gümüş, kalay ve mücevher kreasyonlarıyla önemli bir etki yarattı. Knox'un mücevher tasarımları hem malzeme hem de biçim açısından yerleşik tarihi mücevher geleneklerinden tam bir kopuşu temsil ediyordu.

Art Nouveau mimarisi ve mobilya tasarımı açısından Glasgow, Charles Rennie Mackintosh ve Glasgow Okulu'nun katkılarıyla öne çıkan, İngiltere'nin önde gelen merkezi olarak ortaya çıktı. Çalışmaları İskoç baron mimarisinden ve Japon estetiğinden ilham aldı. 1895'te başlayan Mackintosh, tasarımlarını Londra, Viyana ve Torino'daki uluslararası sergilerde sergiledi ve Viyana Ayrılık Stilini önemli ölçüde etkiledi. Mimari portföyü Glasgow Herald Binası'nı (1894) ve Glasgow Sanat Okulu kütüphanesini (1897) kapsıyordu. Ayrıca eşi, ressam ve tasarımcı Margaret Macdonald Mackintosh ile yoğun işbirliği yaparak mobilya tasarımcısı ve dekoratörü olarak beğeni topladı. Ortak çabaları, geometrik doğrusallığı zarifçe eğrisel bitkisel motiflerle birleştiren dikkat çekici tasarımlar ortaya çıkardı; özellikle de stilin önde gelen sembolü olan "Glasgow Gülü".

Léon-Victor Solon, Mintons'ta sanat yönetmeni olarak görev yaptığı süre boyunca Art Nouveau seramiklerine önemli bir katkı yaptı. Muhtemelen Viyana sanat hareketine gönderme yaparak "ayrılıkçı eşya" olarak pazarlanan plaketler ve tüp kaplı vazolar konusunda uzmanlaştı. Solon ayrıca diğer patronlar için Pırasa ipek endüstrisi için tekstil desenleri ve G.T. için özellikle çift taraflı ciltler dahil olmak üzere Art Nouveau tasarımlar üretti. Bagguley, Newcastle-under-Lyme'de ciltçi.

George Skipper, tartışmasız İngiltere'nin en üretken Art Nouveau mimarı olarak tanınmaktadır. Edward Everard'ın baskı operasyonlarını karşılamak için 1900 ile 1901 yılları arasında inşa edilen Bristol'deki Edward Everard binası, Art Nouveau cephesini sergiliyor. Bu cephede matbaa sektörünün seçkin isimleri Johannes Gutenberg ve William Morris'in tasvirleri yer alıyor. Kanatlı bir figür "Işığın Ruhu"nu temsil ederken, elinde bir lamba ve ayna tutan başka bir figür aydınlığı ve doğruluğu simgeliyor.

Jugendstil Almanya'da

Alman Art Nouveau'su, 'Gençlik Tarzı' anlamına gelen Jugendstil adlı Almanca tanımıyla geniş çapta tanınmaktadır. Bu terminoloji, Münih'te yayınlanan Jugend ("Gençlik") adlı sanat dergisinden alınmıştır. Georg Hirth dergiyi 1896'da kurdu ve 1916'daki ölümüne kadar editör olarak görev yaptı ve yayın 1940'a kadar devam etti. 20. yüzyılın başlarında, Jugendstil terimi yalnızca grafik sanatları ifade ediyordu ve özellikle Jugend, Pan ve Pan gibi Alman süreli yayınlarında yaygın olan tipografik ve grafik tasarım tarzlarına atıfta bulunuyordu. Basitlik. Daha sonra Jugendstil, Art Nouveau'nun Almanya ve Hollanda'daki diğer tezahürlerini kapsayacak şekilde genişletildi. Terim daha sonra Art Nouveau'yu tanımlamak için Almanca'dan Baltık ülkelerinde ve İskandinav ülkelerinde konuşulan çeşitli dillere uyarlandı.

1892'de Georg Hirth, Münih Görsel Sanatçılar Derneği'ni Münih Ayrılığı olarak belirledi. Hem 1897'de kurulan Viyana Secession'u hem de Berlin Secession'u daha sonra isimlerini Münih merkezli bu kolektiften almıştır.

Her ikisi de Münih çıkışlı Jugend ve Simplicissimus süreli yayınları ve Berlin'deki Pan Jugendstil'in önemli savunucuları olarak görev yaptı. Bu sanatsal hareket, Jugendstil, akıcı eğrileri daha yapılandırılmış geometrik çizgilerle bütünleştirerek roman kapaklarında, reklamlarda ve sergi posterlerinde uygulama alanı buldu. Tasarımcılar sıklıkla görsel öğeleri tamamlayan farklı yazı tipi stilleri geliştirdiler; 1904'te tanıtılan Arnold Böcklin yazı tipinde buna örnek olarak gösterilebilir.

Otto Eckmann, hem Die Jugend hem de Pan ile bağlantılı önde gelen bir Alman sanatçı olarak ortaya çıktı. Onun derin etkisi, tercih ettiği hayvan olan kuğunun tüm hareket için sembolik bir sembol haline gelmesine yol açtı. Dönemin bir diğer önemli tasarımcısı Richard Riemerschmid, Art Deco'nun habercisi olan ölçülü, geometrik estetikle karakterize edilen mobilyalar, çömlekler ve çeşitli dekoratif öğeler üretti. Münih'te yaşayan İsviçreli sanatçı Hermann Obrist, siklamen çiçeğinin sapından türetilen ve dinamik bir hareket hissi veren oldukça stilize bir çift eğri olan coup de fouet veya kırbaç darbesi motifini resimlemesiyle tanınır.

Darmstadt Sanatçı Kolonisi, 1899 yılında Hessen Büyük Dükü Ernest Ludwig tarafından kuruldu. Viyana Ayrılığı'nın kurucu ortaklarından Joseph Maria Olbrich, Büyük Dük'ün ikametgahı ve koloninin en önemli yapısı olan Düğün Kulesi'nin mimarı olarak görev yaptı. Koloniyle ilişkili diğer önemli sanatçılar arasında Peter Behrens ve Hans Christiansen vardı. Ernest Ludwig ayrıca yüzyılın başında Bad Nauheim spa kompleksinin yeniden inşasını başlattı. Wilhelm Jost'un denetimi altında 1905 ile 1911 yılları arasında inşa edilen tamamen yeni Sprudelhof kompleksi, Jugendstil'in temel hedefine ulaştı: tüm sanat formlarının entegrasyonu. İktidardaki ailenin bir başka üyesi olan Hessen Prensesi Elisabeth ve Ren tarafından Art Nouveau bir yapı yaptırıldı; 1908'de Moskova'da Marfo-Mariinsky Manastırı'nı kurdu ve manastırın katholikonu bir Art Nouveau şaheseri olarak kabul edildi.

Alman İmparatorluğu içinde, Hermann Muthesius'un girişimiyle 1907'de Münih'te kurulan Deutscher Werkbund, bir diğer önemli derneği temsil ediyordu. Kurucuları arasında Darmstadt Kolonisi sanatçıları Joseph Maria Olbrich ve Peter Behrens; Vienna Secession ve Wiener Werkstätte'nin kurucularından Josef Hoffmann; Richard Riemerschmid; Bruno Paul; ve diğer sanatçılar ve işletmeler. Daha sonra Belçikalı sanatçı Henry van de Velde de harekete katıldı. Van de Velde'nin Weimar'da kurduğu Büyük Dükalık Sanat ve El Sanatları Okulu, Modernist mimaride son derece etkili bir hareket olan Bauhaus'un öncüsü olarak hizmet etti.

Berlin'de Jugendstil, birçok tren istasyonunun mimari tasarımı için benimsendi. Bruno Möhring (1900–1902) tarafından tasarlanan Bülowstraße istasyonu, Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) ve Pankow gibi diğer örneklerle özellikle dikkat çekici olarak öne çıkıyor. (1912–1914). Berlin'in bir diğer önemli yapısı, çok renkli sırlı tuğlalarla süslenmiş avlu cephesiyle öne çıkan Hackesche Höfe'dir (1906).

O zamanlar Alman İmparatorluğu'ndaki Reichsland Elsaß-Lothringen'in başkenti olan Strazburg'daki Art Nouveau, kendine özgü bir karakter geliştirdi. Bu tarz, Nancy ve Brüksel'den gelen etkileri Darmstadt ve Viyana'dan gelen etkilerle birleştirerek şehrin Germen ve Fransız kültürel çevreleri arasındaki tarihsel konumunu yansıtan yerelleştirilmiş bir sentez yarattı.

Avusturya-Macaristan'da Ayrılık Hareketi

Viyana'nın Ayrılması

Viyana, Art Nouveau'nun farklı bir tezahürü için önemli bir merkez olarak ortaya çıktı ve daha sonra Viyana Ayrılığı olarak tanındı. Bu hareket, isimlendirmesini 1892'de kurulan Münih Ayrılığı'ndan almıştır. Viyana Ayrılığı, diğerlerinin yanı sıra Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil ve Ernst Stöhr'ün de aralarında bulunduğu bir sanatçı topluluğu tarafından Nisan 1897'de resmen açıldı. Yeni kurulan bu grubun başkanlığını ressam Gustav Klimt üstlendi. Temel hedefleri, resmi sanatçılar derneği Viyana Künstlerhaus'un desteklediği muhafazakar, tarihselcilik odaklı estetiğe meydan okumaktı. Ayrılıkçılar, sanatsal çabalarını çeşitli medya araçlarına yaymak için Ver Sacrum adlı bir dergi çıkardılar. Grubun mimarlarından biri olan Joseph Olbrich, Gustav Klimt ve Secession sanatçı arkadaşlarının çalışmaları için önemli bir sergi alanı olarak hizmet veren ikonik kubbeli Secession binasını bu yeni tarzda tasarladı.

Gustav Klimt, güzel sanatlar ile dekoratif resim arasındaki geleneksel ayrımları sık sık bulanıklaştırarak Secession ressamları arasında en ünlüsü olarak öne çıktı. Koloman Moser, dergi illüstrasyonları, mimari tasarımlar, gümüş eşyalar, seramikler, porselenler, tekstil ürünleri, vitray pencereler ve mobilyalardan oluşan geniş portföyüyle Secession tarzında olağanüstü çok yönlülük sergiledi.

Viyana Ayrılığı'nın önde gelen mimarlarından Otto Wagner, eski öğrencileri Hoffmann ve Olbrich'in ardından harekete başlangıcından kısa bir süre sonra katıldı. Önemli mimari katkıları arasında kentsel demiryolu ağı (Stadtbahn) için çeşitli istasyonlar ve Majolica Evi, Madalyonlar Evi ve Köstlergasse'deki yapıyı kapsayan Linke Wienzeile Binaları bulunmaktadır. Karlsplatz İstasyonu artık Viyana Müzesi'nin sergi salonu olarak kullanılıyor. Steinhof Psikiyatri Hastanesi'nin (1904–1907) bir parçası olan Kirche am Steinhof, bol miktarda modern vitrayla aydınlatılan şık, çağdaş altın ve beyaz iç mekanla kontrast oluşturan geleneksel kubbeli dış cephesiyle karakterize edilen, Ayrılıkçı dini mimarinin son derece zarif bir örneği olarak duruyor.

1899'da Joseph Maria Olbrich, Darmstadt Sanatçılar Kolonisine taşındı. Daha sonra, 1903 yılında Koloman Moser ve Josef Hoffmann, mobilya, halı, tekstil ve dekoratif objeler konusunda uzmanlaşmış tasarımcılara ve zanaatkârlara yönelik etkili bir eğitim kurumu ve atölyesi olan Wiener Werkstätte'nin kurucuları arasında yer aldı. 1905'e gelindiğinde Koloman Moser ve Gustav Klimt'in Viyana Ayrılığı'yla ilişkisi kesildi. İki yıl sonra, 1907'de Koloman Moser de Wiener Werkstätte'den ayrılırken, diğer kurucu ortağı Josef Hoffmann da Deutscher Werkstätte'ye üye oldu. Bu değişimlere rağmen, Gustav Klimt ve Josef Hoffmann işbirlikçi çabalarını sürdürdüler; özellikle 1908'de Viyana'da Kunstschau Sergisi'ni organize ettiler ve modernist mimarinin ortaya çıkışının habercisi olan bir proje olan Brüksel'deki Stoclet Sarayı'nı (1905-1911) inşa ettiler. Stoclet Sarayı, Haziran 2009'da UNESCO Dünya Mirası Alanı olarak belirlendi.

Macarca Szecesszió

Macarca Szecesszió'nun (Macarca'da 'Ayrılma' anlamına gelen terim) öncüsü ve ileri görüşlüsü olarak tanınan mimar Ödön Lechner, Macar mimarisinde tarihselcilikten modernizme önemli bir geçişe işaret eden yapılar tasarladı. Farklı bir Macar mimari tarzı kavramsallaştırması, mimari seramiklerin ve oryantal motiflerin bütünleşmesini vurguladı. Lechner'in çalışmalarında sıklıkla Zsolnay Porselen Fabrikası tarafından 1886'dan beri üretilen bir malzeme olan pygorganit kullanıldı. Bu malzeme aynı zamanda farklı mimari tarzları temsil eden Macar Parlamento Binası ve Matthias Kilisesi gibi diğer önemli Macar binalarının inşasında da kullanıldı.

Ödön Lechner'in dikkate değer mimari başarıları arasında Uygulamalı Sanatlar Müzesi (1893–1896), Jeoloji Müzesi bulunmaktadır. (1896–1899) ve Posta Tasarruf Bankası binası (1899–1902), tümü Budapeşte'de bulunmaktadır ve benzer ayırt edici özellikler sergilemektedir. Ancak Macar mimarlık kurumunun Lechner'in yenilikçi yaklaşımına karşı çıkması nedeniyle, kısa süre sonra önceki projeleriyle karşılaştırılabilecek yeni siparişler alma konusunda zorluklarla karşılaştı. Yine de Lechner, yeni tarzın popülerleşmesine aracı olan sonraki nesil mimarlar için derin bir ilham kaynağı ve akıl hocası olarak hizmet etti. Macarlaşma döneminde krallığın çevre bölgelerinde müritlerine çok sayıda bina yaptırıldı. Örneğin, Marcell Komor ve Dezső Jakab, Szabadka'daki (bugünkü Subotica, Sırbistan) Sinagog'u (1901–1903) ve Belediye Binası'nı (1908–1910) tasarlamanın yanı sıra Marosvásárhely'deki (bugünkü Târgu) İlçe Vilayetini (1905–1907) ve Kültür Sarayı'nı (1911–1913) tasarlamakla görevlendirildi. Mureş, Romanya). Lechner daha sonra 1909 ile 1913 yılları arasında Pozsony'deki (bugünkü Bratislava, Slovakya) Mavi Kilise'yi kendisi tasarladı.

Tanınmış bir mimar olan Károly Kós, John Ruskin ve William Morris'in ilkelerine bağlı kaldı. Kós, Finlandiya Ulusal Romantizm hareketinden ve Transilvanya yerel mimarisinden ilham aldı. Önemli mimari katkıları arasında Zebegény'deki Roma Katolik Kilisesi (1908–09), Budapeşte Belediye Hayvanat Bahçesi pavyonları (1909–1912) ve Sepsiszentgyörgy'deki Székely Ulusal Müzesi (bugünkü Sfântu Gheorghe, Romanya, 1911–12) yer almaktadır.

1901 yılında Aladár Körösfői-Kriesch tarafından kurulan Gödöllő Sanat Kolonisi, sanatta Szecesszió'nun önemli bir savunucusu olarak hizmet etti. Aynı zamanda John Ruskin ve William Morris'in taraftarı olan Körösfői-Kriesch, Budapeşte'deki Kraliyet Uygulamalı Sanatlar Okulu'nda profesörlük yaptı. Bu kolonideki sanatçılar, Budapeşte'deki Franz Liszt Müzik Akademisi gibi çok sayıda girişime katkıda bulundu.

Gödöllő Sanat Kolonisi'nin ortaklarından Miksa Róth, çok sayıda Szecesszió projesine katıldı. Bunlar arasında Gresham Sarayı (vitray, 1906) ve Török Bank (mozaikler, 1906) gibi Budapeşte yapılarına yapılan katkılar da vardı. Ayrıca Marosvásárhely'deki Kültür Sarayı (1911–1913) için mozaikler ve vitraylar üretti.

Ödön Faragó, geleneksel halk mimarisini, oryantal mimari unsurları ve uluslararası Art Nouveau'yu belirgin bir pitoresk estetikle birleştirmesiyle tanınan önemli bir mobilya tasarımcısı olarak öne çıkıyor. Buna karşılık, başka bir Macar tasarımcı olan Pál Horti, ince abanoz ve pirinç desenlerle süslenmiş meşeyi kullanarak daha ölçülü ve işlevsel bir yaklaşımı tercih etti.

Bohemya, Moravya ve Slovakya'daki Ayrılıkçı Mimari

Prag'ın en göze çarpan Ayrılıkçı yapıları, kendine özgü mimariyi, heykeli ve resmi bütünleştiren bir "toplam sanat" konseptinin örneğidir. Josef Fanta tarafından tasarlanan ana tren istasyonunda (1901–1909), diğer sanatçıların yanı sıra Václav Jansa'nın tabloları ve Ladislav Šaloun ve Stanislav Sucharda'nın heykelleri yer alıyor. Osvald Polívka ve Antonín Balšánek'in ortak çalışması olan Belediye Binası'nda (1904–1912), Çek ressam Alphonse Mucha'nın duvar resimleri ve Josef Mařatka ile Ladislav Šaloun'un heykelleri yer alıyor. Polívka, Mařatka ve Šaloun da Stanislav Sucharda ile birlikte Yeni Belediye Binası'nda (1908–1911) işbirliği yaptı. Daha sonra Mucha, St. Vitus Katedrali'nin kendine özgü üslubuyla işlenmiş vitray pencerelerini yarattı.

Viyana'da Otto Wagner'in öğrencisi Jan Kotěra, bu dönemin önde gelen Çek mimarı olarak ortaya çıktı. Dikkate değer projeleri arasında Prag'daki 12 Wenceslas Meydanı'ndaki Peterka Evi (1899–1900), Prostějov'daki Ulusal Ev (1905–1907) ve Hradec Králové'deki Doğu Bohemya Müzesi (1909–1912) bulunmaktadır. Josef Hoffmann, Hubert Gessner, Joseph Maria Olbrich ve Leopold Bauer gibi birçok etkili Viyanalı mimar, Moravya veya Avusturya Silezya kökenliydi.

Slovak mimar Dušan Jurkovič, Macar Szecesszió'yu ulusal mimari motiflerle karakteristik bir şekilde harmanladı. En belirgin yaratımları arasında Szakolca'daki Kültür Evi (bugünkü Skalica, Slovakya, 1905), 1901 ile 1903 yılları arasında inşa edilen Luhačovice'deki (bugünkü Çek Cumhuriyeti) spa binaları ve Galiçya'daki (bugünkü Polonya) Nowy Żmigród yakınlarındaki, ağırlıklı olarak yerel Lemko (Rusyn) halk sanatı ve marangozluğundan etkilenen 35 savaş mezarlığı yer alıyor. (1915–1917).

Galiçya'daki Ayrılıkçı Hareket

Kraków, Lviv ve Bielsko-Biała, Galiçya'daki Ayrılıkçı hareketin başlıca merkezleriydi. Kraków'da Franciszek Mączyński tarafından Viyana Secession Hall'dan ilham alınarak tasarlanan Sanat Sarayı (1898–1901), tarzın önemli bir örneğini temsil ediyor. Mączyński ayrıca Tadeusz Stryjeński ile Yerkürenin Altındaki Ev (1904–1905) ve Eski Tiyatro (1903–1906) dahil olmak üzere diğer önemli Kraków projelerinde işbirliği yaptı. Stanisław Wyspiański ve Józef Mehoffer, çok sayıda vitray pencereden ve bina iç mekanlarından sorumlu, önde gelen iç tasarımcılardı. Wyspiański'nin kayda değer katkıları arasında Fransiskan Kilisesi ve Krakow Tıp Derneği Evi'ndeki (1905) vitraylar yer alır. Mehoffer'in göze çarpan eseri ise Yerkürenin Altındaki Ev'in iç kısmında bulunur.

Viyana'da eğitim gören ve Otto Wagner'den etkilenen Władysław Sadłowski, bu dönemde Lviv'in en önde gelen mimarıydı. Tasarımları arasında Lviv tren istasyonu (1899–1904), Lviv Filarmoni Orkestrası (1905–1908) ve Endüstri Okulu (1907–1908) bulunmaktadır. Ivan Levynskyi de Wagner'den ilham alan bir diğer önemli mimardı.

Emanuel Rost tarafından 1903 yılında tasarlanan Kurbağa Evi, Bielsko-Biała'daki Ayrılıkçı mimarinin önemli bir örneği olarak duruyor. Daha önemli Ayrılıkçı yapılar, 1900 yılında 1 Barlickiego Caddesi'ndeki konutu inşa eden Max Fabiani ve 1903'te 51 Stojałowskiego Caddesi'ndeki binadan ve 1909 ile 1910 yılları arasında Aziz Nicholas Katedrali'nin yeniden inşasından sorumlu olan Leopold Bauer'in de aralarında bulunduğu Viyanalı mimarlar tarafından tasarlandı.

Slovenya, Bosna, Hırvatistan ve Trieste'deki Ayrılıkçı Mimari

Ciril Metod Koch, Slovenya'nın en üretken mimarı olarak ortaya çıktı. Mimarlık eğitimi, Viyana'da Otto Wagner'in yanında çalışmalarını ve ardından 1894'ten 1923'e kadar Laybach (bugünkü Ljubljana, Slovenya) Kent Konseyi'nde görev süresini içeriyordu. 1895 Laybach depreminin ardından Koch, Ayrılık stilini benimsedi ve 1900 ile 1910 yılları arasında Pogačnik Evi (1901), Čuden Binası (1901), ve 1904'te Hauptmann Binasını yenilemenin yanı sıra Çiftçi Kredi Bankası (1906-07). Kariyerindeki kayda değer bir başarı, Radmannsdorf'taki (şimdi Radovljica) 1906 Kredi Bankası'ydı.

Bir başka önemli Sloven mimar olan Josip Vancaš da Bosna'da çalıştı ve Grand Hotel Union (1902–1903) ve City Savings Bank gibi eserler yarattı. Ljubljana (1902–1903), Ješua D. Salom Konağı (1901) ve Saraybosna'daki Merkez Postanesi (1907–1913) ile birlikte. Tanınmış Viyana Secession mimarları Jože Plečnik ve Max Fabiani'nin her ikisi de Sloven kökenliydi. Özellikle Fabiani, Slovenya ve Trieste'de, Trieste'deki Bartoli Evi (1906) dahil olmak üzere çeşitli yapılar tasarladı.

Hırvatistan'da, Ayrılıkçı mimarinin önemli örnekleri, Vjekoslav Bastl (1903–1904) tarafından tasarlanan Zagreb'deki Kallina Evi ve yine Zagreb'de Rudolf Lubinski (1911–1913) tarafından tasarlanan Hırvat Devlet Arşivleri tarafından temsil edilmektedir.

Arta 1900 veya Romanya'daki Art Nouveau

Art Nouveau, 1890'ların başlarından 1914'te Birinci Dünya Savaşı'nın başlangıcına kadar uzanan Batı Avrupa'daki gelişimiyle eşzamanlı olarak Romanya'da ortaya çıktı. Ancak, Beaux-Arts'ın baskın estetik olması nedeniyle stilin Romanya'daki mimari varlığı sınırlıdır. Köstence Kumarhanesi en ünlü örnek olarak duruyor. Romen Art Nouveau yapılarının çoğu, Beaux-Arts ve Art Nouveau unsurlarının bir melezini temsil ediyor; her ikisi de Bükreş'te bulunan Romulus Porescu Evi ve 61 Strada Vasile Lascăr'daki binada örnekleniyor. Bu eklektik yaklaşım, saf Art Nouveau yapıların nispeten az olduğu Fransa'da gözlemlenen eğilimleri yansıtıyor. Her ne kadar I. Carol döneminden kalma konutların çoğu Beaux-Arts tarzında tasarlanmış olsa da, bazılarında soba gibi Art Nouveau iç unsurlar yer alıyordu; bu da dış tasarımın her zaman tüm iç estetiği belirlemediğini gösteriyordu.

Seçkin bir Romen Art Nouveau ressamı olan Ştefan Luchian, kısa bir süre için stilin yenilikçi ve dekoratif ilkelerini hızla benimsedi. Bu sanatsal aşama, Luchian'ın kurucu üyelerinden biri olduğu 1897'de Ileana Topluluğu'nun kuruluşuyla aynı zamana denk geldi. Dernek, 1898 yılında Union Hotel'de Bağımsız Sanatçılar Sergisi başlıklı bir sergi düzenledi ve ardından Ileana Dergisi'ni yayınladı.

Transilvanya, Avusturya-Macaristan döneminden kalma Art Nouveau yapılarıyla birlikte hem Art Nouveau hem de Romanya Uyanışı mimari örneklerini barındırıyor. Genellikle "Romanya'nın Art Nouveau başkenti" olarak anılan Oradea bu binaların çoğuna ev sahipliği yapsa da Timișoara, Târgu Mureș ve Sibiu'da da önemli örnekler mevcut.

Stile Liberty, İtalya'da

İtalya'da Art Nouveau, arte nuova, stile floreale, stile moderno dahil olmak üzere çeşitli terimlerle tanımlanıyordu ve en önemlisi, stile Liberty. 'Özgürlük stili' tanımı, Arthur Lasenby Liberty'den ve onun 1874'te Londra'da kurduğu büyük mağazadan gelmektedir. Bu kuruluş, Liberty büyük mağazası, Japonya ve Uzak Doğu'dan dekoratif öğeler, tekstil ürünleri ve sanat objeleri ithal etme konusunda uzmanlaşmıştır ve canlı tekstil ürünleri İtalya'da özellikle popülerlik kazanmaktadır. Bu tarzın önde gelen İtalyan uygulayıcıları arasında, seramik çalışmalarında sıklıkla mayolika desenlerinden ilham alan Galileo Chini vardı. Chini daha sonra bir ressam ve tiyatro dekor tasarımcısı olarak tanındı; özellikle iki beğenilen Puccini operasının setlerini yarattı: Gianni Schicchi ve Turandot.

Özgürlük tarzı mimari, başta Barok olmak üzere sıklıkla tarihi tarzları birleştirerek önemli bir çeşitlilik sergiledi. Bina cepheleri tipik olarak kapsamlı dekorasyon ve heykellerle süslenmiştir. Liberty tarzının öne çıkan örnekleri arasında Palermo'daki Ernesto Basile'nin Villino Florio'su (1899–1902), Giuseppe Sommaruga'nın (1901–1903) Milano'daki Palazzo Castiglioni'si ve Giovanni Battista Bossi'nin (1904–06) Milano'daki Casa Guazzoni'si (1904–05) yer alır.

Liberty tarzının öne çıkan bir özelliği, Hem iç hem de dış mekanlarda heykellerin yanı sıra boyalı veya seramikle kaplanmış canlı fresklerin yoğun kullanımı. Bu dekoratif öğeler, Milano'daki Acque della Salute ve Casa Guazzoni banyolarında örneklendiği gibi, sıklıkla hem klasik hem de bitkisel motifleri içeriyordu.

Liberty tarzı tasarımın önemli isimlerinden biri olan Carlo Bugatti, bir mimar ve dekoratörün oğluydu ve özellikle Liberty heykeltıraş Rembrandt Bugatti ile otomobil tasarımcısı Ettore Bugatti'nin babasıydı. Paris'teki Académie des Beaux-Arts'a katılmadan önce eğitimini Milano Brera Akademisi'nde sürdürdü. Bugatti'nin gümüş eşyalar, tekstil ürünleri, seramikler ve müzik enstrümanlarını kapsayan eserleri egzotikliği ve eksantrikliği ile karakterize ediliyordu. Ancak öncelikle, ilk kez 1888 Milano Güzel Sanatlar Fuarı'nda sergilenen öncü mobilya tasarımlarıyla tanınır. Mobilyaları sıklıkla kendine özgü bir anahtar deliği motifi içeriyordu ve kemik ve fildişi kakmaların yanı sıra parşömen ve ipek gibi alışılmadık kaplamalara sahipti. Ayrıca bazı parçalarda salyangoz ve kobra gibi canlılardan ilham alınarak beklenmedik organik formlar sergilendi.

Sırbistan'da Art Nouveau ve Ayrılıkçı Hareketler

Avusturya-Macaristan'a coğrafi yakınlığı ve Voyvodina'nın 1918'e kadar imparatorluğa tarihsel olarak dahil olması göz önüne alındığında, hem Viyana Ayrılığı hem de Macar Szecesszió hareketleri, başkent Belgrad da dahil olmak üzere kuzey Sırbistan'ı önemli ölçüde etkiledi. Ünlü Avusturyalı ve Macar mimarlar Subotica, Novi Sad, Palić, Zrenjanin, Vrbas, Senta ve Kikinda gibi şehirlerdeki çok sayıda yapının tasarımından sorumluydu. Belgrad, Pančevo, Aranđelovac ve Vrnjačka Banja'daki Art Nouveau mimari mirası, Fransız, Alman, Avusturya, Macar ve yerli Sırp sanat akımlarının bir sentezini temsil ediyor. Sonuç olarak, çağdaş Sırbistan'daki Art Nouveau mimarisi, Subotica Sinagogu'nun eğrisel çiçek estetiğinden Belgrad'ın telgraf binasını süsleyen Morava tarzı rozetlere kadar çeşitli biçimlerde kendini gösteriyor.

20. yüzyılın başlarında, Sava ve Tuna nehirlerinin kuzeyindeki bölgelerde, Macar ulusal duyarlılığının yeniden canlanması, yerel bitkisel etnik motiflerin Subotica ve Senta'daki binalara dahil edilmesine yol açtı. Eş zamanlı olarak, Sırbistan Krallığı içinde, Branko Tanezević ve Dragutin Inkiostiri-Medenjak (her ikisi de Avusturya-Macaristan İmparatorluğu kökenli) gibi milliyetçi romantikler, geleneksel Sırp motiflerini dikkat çekici mimari tasarımlara yeniden yorumladılar. Milan Antonović ve Nikola Nestorović'in de aralarında bulunduğu diğer mimarlar, varlıklı müşterilerin konutlarına ve ticari kuruluşlarına hakim kıvrımlı çizgileri ve natüralist motifleri uygulayarak onların kozmopolitliklerini ve Paris, Münih ve Viyana'daki çağdaş trendlere bağlılıklarını göstermelerine olanak sağladı.

İspanya'da Modernizm ve Modernisme

Katalanca'da Modernisme ve İspanyolca'da Modernismo olarak bilinen Art Nouveau stilinin ayırt edici bir çeşidi, stilin Belçika ve Fransa'da ortaya çıkışıyla eş zamanlı olarak Barselona, Katalonya'da ortaya çıktı. Antoni Gaudí onun en ünlü temsilcisi olarak duruyor. Gaudí, Palau Güell (1886–1890) gibi yapılarda bitkisel ve organik motifleri yenilikçi bir şekilde kullandı. UNESCO, "parkın mimarisinin Sanat ve El Sanatları hareketi, Sembolizm, Ekspresyonizm ve Rasyonalizm'den unsurları birleştirdiğini ve 20. yüzyıl Modernizminin birçok biçimini ve tekniğini önceden haber verdiğini ve etkilediğini" belirtiyor. Seramik, vitray, ferforje, dövme ve marangozluk gibi çeşitli el sanatlarını mimari pratiğine kusursuz bir şekilde entegre etti. Güell Pavyonları (1884–1887) ve ardından Parc Güell (1900–1914) için Gaudí, parçalanmış seramik parçaların kullanımını içeren trencadís tekniğine öncülük etti. Yaklaşık 1903'ten sonraki tasarımları, özellikle Casa Batlló (1904–1906) ve Casa Milà (1906–1912), Art Nouveau'ya en güçlü stilistik yakınlığı sergiliyor. Sagrada Familia gibi daha sonraki yapılar, Art Nouveau özelliklerini canlandırıcı Neo-Gotik unsurlarla birleştirdi. Casa Batlló, Casa Milà, Güell Pavilions ve Parc Güell'in yaratılması, Gaudí'nin, Sant Joan Despí'deki evleri (1913–1926), Tarragona yakınlarındaki birkaç kiliseyi (1918 ve 1926) ve Barselona'daki eğrisel Casa Planells'i (1924) bağımsız olarak tasarlayan Josep Maria Jujol ile yaptığı işbirliğinin sonucudur.

Gaudí'nin etkisi çok büyük olsa da Lluís Domènech i Montaner de Barselona'daki Art Nouveau mimarisine önemli katkılarda bulundu. Dikkate değer eserleri arasında Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) ve Hospital de Sant Pau (1901–1930) bulunmaktadır. Palau de la Musica Catalana ve Hospital de Sant Pau, UNESCO Dünya Kültür Mirası statüsünü aldı.

Josep Puig i Cadafalch, Els Quatre Gats kafesini de bünyesinde barındıran Casa Martí'nin tasarımından sorumlu, önde gelen Modernista mimarlardan bir diğeri olarak ortaya çıktı. Portföyünde ayrıca, artık CaixaFòrum sanat müzesi olarak yeniden kullanılan Casimir Casaramona tekstil fabrikası, Casa Macaya, Casa Amatller, Palau del Baró de Quadras (2013'e kadar on yıl boyunca Casa Àsia'ya ev sahipliği yapan) ve 'Evi Evi' olarak bilinen kendine özgü Casa de les Punxes yer alıyor. Spikes'.

Valensiya Topluluğu ayrıca Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud ve José María Manuel Cortina Pérez gibi mimarların eserleriyle karakterize edilen benzersiz bir Art Nouveau hareketi geliştirdi. Valensiya Art Nouveau'sunun temel özellikleri arasında, bölgesel Valensiya motiflerinin entegrasyonunun yanı sıra seramiklerin hem cephe hem de iç süslemelerde belirgin bir şekilde kullanılması yer alıyor.

Diğer bir dikkate değer varyasyon, Modernismo madrileño olarak da anılan Madrilenian Art Nouveau'dur. Bu tarzın örnekleri Longoria Sarayı, Casino de Madrid ve Cementerio de la Almudena gibi önemli yapılardır. Madrid'in önde gelen Modernista mimarları arasında José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti ve Francisco Andrés Octavio yer alıyordu.

Modernisme hareketi, çizimler, tablolar, heykeller, cam işleri, metal işleri, mozaikler, seramikler ve mobilyaları kapsayan geniş bir sanatsal miras miras bıraktı. Bu eserlerin bir seçkisi Museu Nacional d'Art de Catalunya'da korunmaktadır.

Pere Romeu i Borràs, Paris'teki bir kafe olan Le Chat Noir'daki önceki çalışmalarından ilham alarak Barselona'da Els Quatre Gats ("Dört Kedi" anlamına gelen Katalanca) adında bir kafe kurdu. Bu kuruluş kısa sürede Pablo Picasso ve Ramon Casas i Carbó gibi Barselona'nın Modernisme hareketinin önde gelen isimleri için önemli bir buluşma mekanı haline geldi. Casas i Carbó, posterleri ve kartpostalları aracılığıyla hareketin tanıtımına önemli ölçüde katkıda bulundu. Kafe için ilk olarak "Ramon Casas ve Pere Romeu Bir Tandem Üzerinde" başlıklı bir tablo yarattı. Daha sonra bu tablonun yerini 1901'de yeni yüzyılın başlangıcını simgeleyen başka bir kompozisyonu olan "Ramon Casas ve Pere Romeu Bir Otomobilde" aldı.

Antoni Gaudí birçok mimari siparişi için mobilya tasarladı; Böyle bir örnek, Savaş Evi için yaratılan bir koltuktur. Etkisi, eserlerine sıklıkla kakma işçiliği ve mozaikleri dahil eden bir diğer tanınmış Katalan mobilya tasarımcısı olan Gaspar Homar'a (1870–1953) kadar uzanıyordu.

Arte Nova, Portekiz

Portekiz'in Aveiro kentinde, Art Nouveau'nun yerel tezahürüne Arte Nova adı verildi. Burjuvazi tarafından, daha muhafazakar iç tasarımları korurken, ayrıntılı cepheler aracılığıyla refahlarını kamuya açık bir şekilde sergilemek için benimsenen stil, temel ayırt edici özelliği gösterişti. Arte Nova'nın dikkat çeken bir diğer yönü, Art Nouveau motifleriyle süslenmiş yerel üretim çinilerin uygulanmasıydı.

Francisco Augusto da Silva Rocha, Arte Nova'nın en etkili uygulayıcısı olarak ortaya çıktı. Resmi mimarlık eğitimi olmamasına rağmen Aveiro ve diğer Portekiz şehirlerinde çok sayıda bina tasarladı. Dikkate değer bir örnek, hem Art Nouveau cepheye hem de iç mekana sahip olan ve şu anda Arte Nova Müzesi olarak hizmet veren Major Pessoa konutudur.

Arte Nova'nın diğer örnekleri Portekiz'in diğer çeşitli şehirlerinde bulunabilir. Bunlar arasında, Manuel Joaquim Norte Júnior (1904–1905) tarafından tasarlanan Lizbon'daki Dr. Anastácio Gonçalves Müze-Rezidansı ve Porto'da, João Queiroz tarafından tasarlanan Café Majestic (1921) ve Xavier Esteves (1906) tarafından tasarlanan Livraria Lello kitabevi yer alıyor.

Jugendstil Kuzey Ülkelerinde

Finlandiya

Art Nouveau, ağırlıklı olarak Jugendstil olarak tanındığı ve sıklıkla her ülkenin Ulusal Romantik Tarzıyla bütünleştirildiği İskandinav ülkelerinde önemli bir popülerlik kazandı. O zamanlar Rusya İmparatorluğu'na bağlı olan Finlandiya Büyük Dükalığı, İskandinav ülkeleri arasında en yüksek Jugendstil mimarisi yoğunluğuna sahiptir. Finlandiya'daki Jugendstil dönemi, Fin Sanatının Altın Çağı ve ulusal uyanış dönemine denk geldi. 1900'deki Paris Sergisi'nin ardından Akseli Gallen-Kallela, Finlandiya'nın önde gelen sanatçısı olarak ortaya çıktı. Finlandiya'nın ulusal destanı Kalevala'yı tasvir ettiği illüstrasyonları ve Dükalık'taki çok sayıda Jugendstil binasının boyanmasına yaptığı katkılarla tanınmaktadır.

Fuardaki Finlandiya pavyonu Herman Gesellius, Armas Lindgren ve Eliel Saarinen tarafından tasarlandı. 1896'dan 1905'e kadar aktif olan işbirlikçi uygulamaları, Kirkkonummi'deki ortak ikametgahları Hvitträsk'e (1902) ek olarak Helsinki'de Pohjola Sigorta binası (1899–1901) ve Finlandiya Ulusal Müzesi (1905–1910) gibi birçok önemli yapı üretti. İskandinav efsanelerinden ve doğal çevreden ilham alan mimarlar, Finlandiya ulusal kimliğini simgeleyen kaba granit cepheleri bir araya getirdi. Firmanın dağılmasının ardından Saarinen, Amerikan tarzlarından etkilenen daha tanımlı mimari formları benimseyerek Helsinki Tren İstasyonunu (1905–1914) bağımsız olarak tasarladı. Emil Wikström, hem Finlandiya Ulusal Müzesi hem de Helsinki Tren İstasyonu projelerinde Saarinen ile işbirliği yapan heykeltıraş olarak görev yaptı.

Lars Sonck, Finlandiya'daki çok sayıda önemli inşaattan sorumlu bir diğer tanınmış mimardı. Onun dikkate değer Jugendstil katkıları arasında Tampere Katedrali (1902–1907), Ainola (Jean Sibelius'un ikametgahı, 1093), Helsinki Telefon Birliği Genel Merkezi (1903–1907) ve Helsinki'deki Kallio Kilisesi (1908–1912) yer almaktadır. Ayrıca Helene Schjerfbeck'in kardeşi Magnus Schjerfbeck, Jugendstil estetiğini kullanarak 1903 yılında bir tüberküloz tesisi olan Nummela Sanatorium'u tasarladı.

Norveç

İsveç'ten bağımsızlık arayışı sırasında Norveç, Viking halk sanatı ve geleneksel el sanatlarından ilham alan bir canlanma hareketinin unsurlarını birleştiren kendine özgü bir Art Nouveau tarzı geliştirdi. Lars Kisarvik gibi önde gelen tasarımcılar, geleneksel Viking ve Kelt motiflerini içeren sandalyeler yaratırken Gerhard Munthe, çeşitli posterler, tablolar ve grafik çalışmalarının yanı sıra antik Viking gemilerini anımsatan stilize bir ejderha kafası amblemiyle süslenmiş bir sandalye üretti.

Norveç kasabası olan Ålesund, büyük ölçüde 23 Ocak'ta yaşanan yıkıcı bir yangının ardından kapsamlı bir şekilde yeniden inşa edilmesi nedeniyle İskandinavya'nın başlıca Art Nouveau merkezi olarak kabul ediliyor. 1904. Mühendis Frederik Næsser tarafından tasarlanan kentsel gelişim planına bağlı kalarak 1904 ile 1907 yılları arasında yaklaşık 350 yapı inşa edildi. Mimari birlik ve üslup çeşitliliğinin bu sentezi, Ål Stil adı verilen farklı bir estetiğin ortaya çıkmasına neden oldu. Bu tarzı örnekleyen yapılar, doğrusal süslemelere sahiptir ve çıta kiliselerin kuleleri veya farklı tepeli çatılar gibi hem Jugendstil'den hem de yerel yerel mimariden öğeler içerir. Bu binalardan biri olan Swan Eczanesi şu anda Art Nouveau Merkezi'ne ev sahipliği yapıyor.

İsveç ve Danimarka

Diğer İskandinav ülkeleri, Engelbrektskyrkan (1914) ve Stockholm, İsveç'teki Kraliyet Dramatik Tiyatrosu (1901–1908) gibi Jugendstil başyapıtlarının yanı sıra Aarhus, Danimarka'daki (1898–1901) eski Şehir Kütüphanesi (şu anda Danimarka Ulusal İşletme Arşivi) ile övünmektedir. O dönemde Ulusal Romantik Tarzın önde gelen savunucularından biri olan Hack Kampmann, Aarhus kütüphanesini tasarladı ve aynı şehirdeki Özel Ev, Tiyatro ve Villa Kampen'den de sorumluydu. Ünlü bir gümüşçü olan Georg Jensen, Danimarka'nın en seçkin Art Nouveau tasarımcısı olarak duruyor. 1914'te Malmö'de düzenlenen Baltık Sergisi genellikle Jugendstil'in İsveç'teki son önemli ifadesi olarak kabul edilir.

Modern Rusya

Модерн ("Modern"), 1898'de Moskova ve Saint Petersburg'da ortaya çıkan Art Nouveau'nun canlı bir Rus yorumunu temsil ediyordu ve yeni bir sanat dergisi olan Мир искусства'nın yayımlanmasıyla eş zamanlı olarak ortaya çıktı. (Mir Iskusstva, 'The World of Art'), Rus sanatçılar Alexandre Benois ve Léon Bakst tarafından kuruldu ve Sergei Diaghilev baş editör olarak görev yapıyor. Bu yayın, Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan ve kitap illüstratörü Ivan Bilibin gibi önde gelen Rus sanatçıların yer aldığı sergilerin küratörlüğünü yaptı. Fransız Art Nouveau'dan farklı olarak World of Art estetiği bitkisel ve bitkisel motifleri en aza indirdi, bunun yerine Rus folkloru ve masallarının karakteristik özelliği olan canlı renkleri ve egzotik desenleri vurguladı. Mir Iskusstva'nın en önemli mirası, Diaghilev liderliğindeki, Bakst ve Benois tarafından tasarlanan kostüm ve setlerin yer aldığı yeni bir bale topluluğu olan Ballets Russes'ın kurulmasıydı. Bu yenilikçi bale topluluğu 1909'da Paris'te ilk kez sahneye çıktı ve 1913'e kadar şehirde yıllık performanslarını sürdürdü. Benois ve Bakst'ın farklı ve canlı sahne tasarımları Fransız sanatını ve tasarımını derinden etkiledi. Bu kostüm ve set tasarımları daha sonra L'Illustration, La Vie parisienne ve Gazette du bon ton gibi önde gelen Paris dergilerinde yer aldı. Rus estetiğinin Paris'te à la Bakst olarak tanınmasına yol açtı. İronik bir şekilde şirket, başlangıçta I. Dünya Savaşı'nın başlaması ve ardından 1917'deki Rus Devrimi nedeniyle Paris'te mahsur kaldı ve dolayısıyla Rusya'da hiçbir zaman faaliyet göstermedi.

Rus mimarlar arasında Fyodor Schechtel, saf Art Nouveau tarzında özellikle öne çıkıyordu. Çalışmalarının dikkate değer bir örneği Moskova'daki Ryabushinsky Evi'dir. Bir Rus iş adamı ve gazete sahibi için inşa edilen bina, Rus Devrimi'nin ardından yazar Maksim Gorki'nin ikametgahı olarak yeniden kullanılmış ve şu anda Gorki Müzesi olarak hizmet veriyor. Binanın cilalı beton, mermer ve granit agregasından yapılmış ana merdiveni, okyanus dalgalarını anımsatan akıcı, eğrisel formlara sahip ve yüzen denizanası şeklindeki bir lambayla aydınlatılıyor. Ek olarak iç mekanda canlı mozaik fresklerle süslenmiş kapılar, pencereler ve tavanlar bulunmaktadır. Rus sembolizminde de önemli bir figür olarak tanınan Schechtel, daha geleneksel bir Moskova Uyanışı estetiğini benimseyen Moskova Yaroslavsky tren istasyonunun yeniden inşası gibi diğer birçok ikonik Moskova yapısını da tasarladı.

Eş zamanlı olarak diğer Rus mimarlar da tarihi Rus mimari geleneklerinden ilham alarak Rus Uyanışı stilini geliştirdiler. Bu yapılar ağırlıklı olarak Kiev Ruslarının mimari formlarını yansıtan ahşaptan yapılmıştır. Açıklayıcı örnekler arasında Sergey Malyutin'in Talashkino'daki Teremok Evi (1901–1902) ve Moskova'daki Pertsova Evi (Pertsov Evi olarak da bilinir) (1905–1907) sayılabilir. Malyutin aynı zamanda Mir iskusstva hareketine de bağlıydı. Örneğin Pertsova Evi, Vladimir'deki Aziz Demetrius Katedrali ve Yuryev-Polsky'deki Aziz George Katedrali'nde bulunan 12. ve 13. yüzyıl oymalarından ilham alan Sergei Vashkov tarafından yapılan taş oymalarla özellikle öne çıkıyor. Saint Petersburglu bir mimar olan Nikolai Vasilyev, 1923'teki göçünden önce çeşitli tarzlarda çalışmıştır. Bu Rus Uyanışı tarzının bir başka örneği, daha sonra Moskova'daki Lenin'in Mozolesi'ni tasarlayan Alexey Shchusev tarafından tasarlanan modernleştirilmiş bir Rus Ortodoks Kilisesi olan Marfo-Mariinsky Manastırı'dır (1908–1912).

Bu dönemde, Rusya'daki çok sayıda sanat kolonisi Rus Uyanışı mimari tarzını benimsemiştir. Bunların arasında en öne çıkanları, Savva Mamontov tarafından finanse edilen Abramtsevo ve Prenses Maria Tenisheva tarafından desteklenen Smolensk Valiliği'ndeki Talashkino'ydu.

Ukrayna Modern Mimarisi

20. yüzyılın başlarında, Rusya İmparatorluğu'nun güneybatısını, Doğu Galiçya'yı, Bukovina'yı ve Avusturya-Macaristan'daki Transkarpatya'yı kapsayan Ukrayna topraklarındaki mimari gelişim, yerli Ukrayna halk mimarisi ve Zakopane Stili de dahil olmak üzere Avrupa Art Nouveau hareketleri tarafından şekillendirildi. Ukrayna "modern" mimarisinin ortaya çıkışı, özellikle Vasyl Krychevskyi ve Opanas Slaston tarafından desteklenen Poltava Valiliği'nde özellikle dikkat çekiciydi. 1900'lerin sonları ile 1910'ların başları arasında, Kiev, Kharkiv, Odesa ve Katerynoslav da dahil olmak üzere Rusya İmparatorluğu genelinde o zamanlar "Ukrayna tarzı" olarak adlandırılan çok sayıda yapı inşa edildi. Bunun tersine, o zamanlar Avusturya-Macaristan yönetimi altında olan Batı Ukrayna'da, bölgesel Ukrayna tarzı, Hutsul mimarisinin unsurlarını, Batı Avrupa eğilimlerini ve Büyük Ukrayna'nın etkilerini entegre ediyordu.

Jūgendstils (Riga'da Art Nouveau)

Şu anda Letonya'nın başkenti olan Riga, o dönemde Rusya İmparatorluğu'nda önemli bir şehir merkezi olarak işlev görüyordu. İmparatorluk bağlamına rağmen, Riga'daki Art Nouveau mimarisi farklı yerel özelliklerle gelişti ve yaygın bir popülerlik kazandı. 1896'daki Letonya Etnografya Sergisi ve 1901'deki Endüstri ve El Sanatları Sergisi'nin ardından Art Nouveau, şehrin baskın mimari tarzı olarak hızla ortaya çıktı. Sonuç olarak, Art Nouveau yapılar Riga'nın merkezindeki tüm binaların yaklaşık üçte birini oluşturuyor ve bu da Riga'yı bu tür mimarinin en yoğun olduğu küresel şehir haline getiriyor. Art Nouveau mimarisinin yaygın varlığı ve olağanüstü kalitesi, Riga'nın UNESCO Dünya Kültür Mirası alanı olarak belirlenmesinde temel faktörlerdi.

Riga'nın Art Nouveau mimarisi birkaç farklı varyasyonla kendini gösterdi:

• Eklektik Art Nouveau'da çiçek ve diğer doğadan ilham alan dekoratif motifler öne çıkıyor. Mikhail Eisenstein'ın çalışmaları bu çeşitliliğin başlıca örnekleridir.
• Dikey Art Nouveau, cephelerin dikey düzenlemelerine geometrik süslemeler kattı. Bu stil, büyük mağazalarda sıklıkla kullanıldı ve bunun alternatif olarak "büyük mağaza stili" veya Almanca'da Warenhausstil olarak adlandırılmasına yol açtı.
• Ulusal Romantik Art Nouveau, anıtsal formlar ve doğal inşaat malzemelerinin kullanımıyla karakterize edilen yerli halk sanatından ilham aldı.

Daha sonra bazı Neo-Klasik yapılar Art Nouveau unsurlarını da bünyesine kattı.

La Chaux-de-Fonds, İsviçre'deki Style Sapin Hareketi

Stil Sapin (veya 'Köknar Ağacı Stili') olarak bilinen farklı bir çeşit, İsviçre'nin Neuchâtel Kantonu'nda bulunan La Chaux-de-Fonds'ta ortaya çıkmıştır. Bu sanatsal hareket, sapin'den (köknar ağacı) ve Jura Dağları'nın çeşitli bitki ve hayvan türlerinden önemli ilham alan ressam ve sanatçı Charles l'Eplattenier tarafından başlatıldı. Çalışmalarının öne çıkan bir örneği, üçgen ağaç motifleri, çam kozalakları ve diğer bölgesel doğal unsurları içeren kasabanın krematoryumudur. Ayrıca, Stil Sapin, Jugendstil ve Vienna Secession'un daha geometrik üslup özelliklerini entegre etti.

La Chaux-de-Fonds'daki Villa Fallet bu tarzın bir başka önemli mimari örneği olarak duruyor. Bu dağ evi, 1905 yılında, o zamanlar L'Eplattenier'in on sekiz yaşında öğrencisi olan Le Corbusier tarafından tasarlanıp inşa edilmiştir. Ev, geleneksel İsviçre dağ evi formunu korurken, cephe süslemesinde üçgen ağaç tasarımları ve diğer doğal motifler yer alıyordu. Le Corbusier daha sonra civarda iki ek dağ evi daha inşa etti; bunlar arasında daha geleneksel bir dağ evi estetiğine bağlı kalan Villa Stotzer de vardı.

Tiffany Stili ve Louis Sullivan'ın Amerikan Art Nouveau'ya Katkıları

Louis Comfort Tiffany'nin firması Amerikan Art Nouveau'nun gelişiminde etkili oldu. 1848'de doğan Tiffany, New York City'deki Ulusal Tasarım Akademisi'nde eğitim gördü. Cam işine 24 yaşında başladı ve ardından babasının kurduğu aile şirketine katıldı. 1885'e gelindiğinde, seçkin cam işçiliğine adanmış ve yeni renklendirme tekniklerine öncülük eden kendi girişimini kurmuştu. 1893'te Tiffany, cam vazolar ve kaseler üretmeye başladı, yine farklı şekiller ve tonlar elde etmek için yenilikçi yöntemler geliştirdi ve aynı zamanda dekoratif pencere camını da keşfetti. Onun yaklaşımı, olağanüstü bir derinlik ve renk çeşitliliği sağlayan baskı, ebru ve cam katmanlarının üst üste bindirilmesini içeriyordu. 1895'e gelindiğinde yenilikçi kreasyonları Siegfried Bing'in Art Nouveau galerisinde sergilendi ve yeni bir Avrupalı ​​müşteri kitlesinin ilgisini çekti. 1902'de babasının vefatının ardından Tiffany, tüm Tiffany girişiminin kontrolünü üstlendi, ancak cam sanatı objeleri tasarlamak ve üretmek için önemli çabalar harcamaya devam etti. Thomas Edison'un teşvikiyle, bronz ve demir çerçeveler içine yerleştirilmiş veya mozaiklerle süslenmiş çok renkli cam gölgeliklere sahip elektrik lambalarının üretimini başlattı. Bu lambalar, tasarımcılardan ve zanaatkarlardan oluşan özel bir ekibin katılımıyla, her biri kaliteli mücevher hassasiyetiyle titizlikle hazırlanmış çok sayıda seri ve versiyonda üretildi. Özellikle Tiffany lambası, Art Nouveau'nun simgesel bir parçası olarak ortaya çıktı. Tiffany'nin zanaatkârları, lambaların ötesinde olağanüstü pencereler, vazolar ve diğer cam sanat eserlerini de tasarladı ve yarattı. Tiffany'nin camı Paris'teki 1900 Exposition Universelle'de büyük beğeni topladı ve burada Ruhların Uçuşu adlı vitray penceresi altın madalyayla ödüllendirildi. Kolomb Sergisi aynı zamanda Tiffany için de önemli bir platform görevi gördü; burada tasarladığı şapel Sanat ve Endüstri Pavyonu'nda sergilendi. Bugün Tiffany Şapeli, Tiffany'nin New York'taki evinin pencerelerinden birinin yanında, Winter Park, Florida'daki Charles Hosmer Morse Amerikan Sanatı Müzesi'nde bulunuyor.

Önemli bir mimar olan Louis Sullivan da Amerikan Art Nouveau'sunda çok önemli bir rol oynadı. Amerikan modern mimarisinin önde gelen öncülerinden biri olarak tanınan Sullivan, Chicago Okulu'nu kurdu, en eski gökdelenlerden bazılarını tasarladı ve Frank Lloyd Wright'a akıl hocalığı yaptı. Onun kalıcı düsturu olan "Biçim işlevi takip eder", onun mimari felsefesini özetliyordu. Binalarının yapısal tasarımı, kullanım amaçlarına göre belirlenirken, dekoratif unsurları Amerikan Art Nouveau'sunu örnek alıyordu. Özellikle, Chicago'daki 1893 Dünya Kolomb Sergisi'nde, özellikle ünlü Beyaz Şehir'in neoklasik ihtişamıyla kutlanan bir etkinlikte Sullivan, son derece işlevsel Ulaşım Binası için çarpıcı bir Art Nouveau girişi tasarladı.

Şimdi Sullivan Center olarak bilinen Carson, Pirie, Scott ve Şirket Binası'nin (1899) mimari tasarımı son derece modern ve işlevsel olmasına rağmen Sullivan, pencerelerini stilize çiçek süslemeleriyle süsledi. Owatonna, Minnesota'daki Ulusal Çiftçi Bankası (1907–1908) ve Grinnell, Iowa'daki Tüccarlar Ulusal Bankası için benzer şekilde yenilikçi dekoratif planlar geliştirdi. Sullivan, dekoratif formların "sonsuzca salınması, dalgalanması, karışması ve türemesi" gerektiğini ileri sürerek, Art Nouveau'nun farklı bir Amerikan yinelemesinin ortaya çıkmasıyla tanınır. Yarattıkları olağanüstü bir hassasiyet sergiliyordu ve ara sıra Gotik ve Art Nouveau motiflerini birleştiriyordu.

Toledo, Ohio'lu Uhl kardeşler, Toledo Metal Furniture Co.

Arjantin'de Art Nouveau

Avrupalılardan önemli miktarda göçmen akını yaşayan Arjantin, Art Nouveau da dahil olmak üzere çeşitli Avrupa sanatsal ve mimari tarzlarını kolaylıkla benimsedi. Önemli yatırımlar ve uyarlanabilir inşaat düzenlemeleriyle karakterize edilen bir ortam, genç Avrupalı ​​mimarların ilgisini çekti ve potansiyel olarak Avrupa'ya dönmeden önce portföylerini genişletmelerine olanak sağladı. Sonuç olarak Arjantin, Avrupa dışındaki en büyük Art Nouveau bina yoğunluğunu geliştirdi. Buenos Aires, Rosario ve Mar del Plata şehirleri Arjantin'deki en önemli Art Nouveau mirasına sahiptir.

On dokuzuncu yüzyıl Paris'i, özellikle geniş bulvar ve caddelerinin geliştirilmesiyle Buenos Aires için bir model görevi gördü. Virginio Colombo, Francisco Gianotti ve Mario Palanti gibi çok sayıda mimarın İtalyan olduğu göz önüne alındığında, yerel mimari tarz Fransız etkilerini de bünyesinde barındırırken aynı zamanda İtalyan Özgürlüğünü de yansıtıyordu. 1900 yılında Barselona'da eğitimini tamamlayan Julián García Núñez'in çalışmalarında ve Eduardo Rodríguez Ortega'nın tasarımlarında Katalan etkisi hissediliyor. Ayrıca, Viyana Secession'un etkisi Paso y Viamonte binası, Club Español, Regimiento de Granaderos a Caballo ve Savoy Hotel gibi yapılarda belirgindir.

Art Nouveau'nun önceden var olan "chorizo evi" bina formatına uyarlanması da dahil olmak üzere, bloğa uzanan derin bir yapı için nispeten dar bir cepheye sahip olan ve çoğu zaman birden fazla avlu veya ışık içeren, Club Español havalandırma ve aydınlatma için kuyular. Dikkate değer bir diğer özellik de, 1800'lerin sonlarından bu yana Buenos Aires'teki her blokta kanunun zorunlu kıldığı "köşeleri kesme" idi. Malzeme bulunabilirliği de Avrupa'dan farklıydı; dolayısıyla binalarda sıklıkla, çimentonun kum ve çeşitli minerallerle harmanlanmasıyla oluşturulan Paris taşının taklidi olan "simil piedra París" kullanıldı.

Art Nouveau'nun Rosario'da ortaya çıkışı, eğitimini Barselona'da alan Francisco Roca Simó'ya atfediliyor. 1912'de tamamlanan Club Español binasında, tümü yerel Buxadera, Fornells y Cía firması tarafından üretilen fayans ve seramiklerle birlikte Latin Amerika'nın en büyük vitray pencerelerinden biri sergileniyor. Binanın heykeltıraşı yine Barselona'dan Diego Masana'ydı.

Arjantin Art Nouveau'su üzerindeki Belçika etkisi, şu anda Mar del Plata'daki Juan Carlos Castagnino Belediye Sanat Müzesi'ne ev sahipliği yapan Villa Ortiz Basualdo'da örnekleniyor. Bu binanın mobilyaları, iç mekanları ve aydınlatması Gustave Serrurier-Bovy tarafından tasarlanmıştır.

Dünya Çapında Art Nouveau

Arjantin'deki gelişimine benzer şekilde, diğer ülkelerdeki Art Nouveau da ağırlıklı olarak yabancı sanatçılar tarafından şekillendirildi.

• Küba'nın Havana kentinde, bazı resmi mimari niteliklerden yoksun olmalarına rağmen, İspanyollar Art Nouveau projelerinde etkili oldular. İspanyollar, Ponce, Porto Riko'daki eserlerin inşasında doğrudan yer almasalar da, Ponce Creole gibi yerel stiller geliştiren yerel mimarlar için önemli bir ilham kaynağı ve çalışma kaynağı olarak hizmet ettiler.
• Fransız uygulayıcılar, o zamanlar Fransız himayesi altında olan Tunus'ta Art Nouveau'nun tanıtılmasından sorumluydu.
• Almanlar, Lüderitz, Namibya ve Qingdao, Çin'de bulunan Jugendstil mirasına katkıda bulundu.
• İtalyanlar Şili'nin Valparaíso kentinde Art Nouveau'nun gelişmesinde etkili oldular; Montevideo, Uruguay; ve Rio de Janeiro, Brezilya.
• Çin'in Harbin kentindeki Art Nouveau mirasından Ruslar sorumluydu.
• Lima'nın Art Nouveau mirası İtalyan Masperi kardeşlerin, Fransız mimar Claude Sahut'un ve İngiliz vitray ustalarının eserlerinden oluşuyor.
• Mexico City'deki Palacio de Bellas Artes, İtalyan katkıda bulunanlar (mimar Adamo Boari ve heykeltıraş Leonardo Bistolfi), yerel mimar Federico Mariscal, Macar sanatçılar Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti ve Miksa Róth, Katalan heykeltıraş Agustí Querol Subirats ve Fransız usta Edgar Brandt'ın katılımıyla ortaya çıkan ortak bir çabadan ortaya çıktı.

Art Nouveau motifleri, Fransız Çinhindi'ndeki Fransız Sömürge mimarisinde de fark edilebilir.

Önemli bir sanat hareketi olan Bezalel okulu, Osmanlı ve İngiliz Mandası'nın son dönemlerinde Filistin bölgesinde ortaya çıktı. Bu hareket "doğu sanatı ile Jugendstil'in birleşimi" olarak nitelendirildi. Aralarında Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien ve Abel Pann'ın da bulunduğu Bezalel okuluna bağlı birçok sanatçı Art Nouveau tarzıyla tanındı.

Özellikler, Dekorasyon ve Motifler

Art Nouveau'nun özellikle Belçika ve Fransa'da öne çıkan ilk aşaması, dalgalı ve eğrisel formlarla karakterize edildi. Bu tasarımlar, özellikle Victor Horta'nın iç mekanlarında ve Louis Majorelle ile Émile Gallé'nin dekoratif eserlerinde görülen zambaklar, sarmaşıklar ve çiçek sapları gibi doğal unsurlardan ilham aldı. Ayrıca stil, Japon sanatından türetilen ve o dönemde Avrupa'da yaygın olarak tercih edilen kelebek ve yusufçuk motiflerini içeriyordu.

Erken Art Nouveau, coup de fouet veya "kırbaç" çizgisiyle örneklenen, dinamizmi aktaran stilize formları sıklıkla içeriyordu. Bu ayırt edici motif, Hermann Obrist'in 1894 tarihli siklamen bitkileri çizimlerinde belirgin bir şekilde resmedilmiştir. Obrist'in 1894 tarihli duvar süsü Cyclamen hakkında Pan dergisinde yayınlanan bir inceleme, onun tasarımını "bir kırbacın şaklamasıyla oluşan ani şiddetli kıvrımlara" benzetiyordu. Başlangıçta aşağılayıcı bir terim olmasına rağmen, "kırbaç" artık Art Nouveau'da yaygın olan karakteristik eğrisel formları tanımlamak için yaygın olarak kullanılmaktadır. Genellikle senkoplu bir ritim ve asimetrik konfigürasyon sergileyen bu dekoratif, dalgalı ve akıcı çizgiler, Art Nouveau mimarisi, resim, heykel ve diğer tasarım disiplinlerinde yaygındır.

Yukarıda belirtilen motiflerin ötesinde, zambaklar ve morsalkımlar gibi diğer bitkisel tasarımlar, özellikle Louis Comfort Tiffany'nin lambalarında ve Nancy ve Émile Gallé Okulu'ndan sanatçıların cam kreasyonlarında belirgin bir şekilde yaygın bir popülerlik kazanmıştır. Kelebekler, tavus kuşları, kuğular ve nilüferler gibi ek eğrisel ve dalgalı doğal unsurlar da tasarımlara entegre edildi. Yinelenen bir tema, zambak, süsen ve diğer çiçeklerin saplarıyla iç içe geçmiş kadın saçlarının tasvirlerini içeriyordu. Victor Horta, stilize çiçek formlarını özellikle halılara, korkuluklara, pencerelere ve mobilyalara uyguladı. Benzer şekilde, Hector Guimard bu motifleri korkuluklar için ve en ünlüsü Paris Metrosu'nun girişlerini süsleyen lambalar ve korkuluklar için yoğun bir şekilde kullandı. Guimard tasarım felsefesini şöyle ifade etti: "Sürekli olan her şeyde kaçınılması gereken şey paralellik ve simetridir. Doğa en büyük inşaatçıdır ve doğa paralel olan hiçbir şeyi ve simetrik olan hiçbir şeyi yapmaz."

Louis Majorelle ve Henry van de Velde'nin eserleriyle örneklenen erken dönem Art Nouveau mobilyaları, lüks ve egzotik malzemelerin bir araya getirilmesiyle ayırt ediliyordu. Bunlar arasında genellikle değerli ahşaplardan yapılmış kakmalarla ve karmaşık süslemelerle süslenmiş maun da vardı. Tasarımlar tutarlı bir şekilde, parçalara hafiflik hissi veren, dik açılardan kaçınan eğrisel formlar içeriyordu.

1900'den sonra Art Nouveau'nun ikinci aşaması, dekorasyonda bir inceliğe ve çizgilerin stilizasyonunun artmasına tanık oldu. Başlangıçtaki eğrisel formlar giderek çokgenlere dönüştü ve sonunda küplere ve diğer geometrik konfigürasyonlara dönüştü. Bu geometrik motifler özellikle Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser ve Josef Hoffmann'ın mimari ve mobilya tasarımlarında kullanılmıştır. Özellikle Brüksel'deki Stoclet Sarayı, Art Deco ve modernizmin gelişini müjdeleyen ufuk açıcı bir örnek olarak duruyor.

Art Nouveau mimarisinin tanımlayıcı bir özelliği, geniş iç mekanların yaratılması, yapısal duvarların ortadan kaldırılması ve doğal aydınlatmayı en üst düzeye çıkarmak için çatı pencerelerinin yaygın şekilde entegrasyonu yoluyla elde edilen yenilikçi ışık manipülasyonuydu. Victor Horta'nın rezidans stüdyosu ve tasarladığı diğer yapılar, genellikle eğrisel demir çerçevelerle desteklenen geniş tavan pencerelerine dikkat çekiyordu. Horta, Hotel Tassel'de merdivenleri çevreleyen geleneksel duvarlardan özellikle vazgeçerek merdiveni iç mekan estetiğinin önemli bir unsuru haline getirdi.

Eşzamanlı Sanat Tarzları ve Hareketlerle Ara Bağlantılar

Sanatsal bir hareket olarak Art Nouveau, hem Ön-Rafaelci hem de Sembolist estetikle ortak noktalar paylaşıyor; bu da Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt ve Jan Toorop gibi sanatçıların birden fazla stilde kategorize edilmesine yol açıyor. Ancak Art Nouveau, kendine özgü görsel özellikleriyle Sembolist resimden ayrılır. Ayrıca, zanaatkâr odaklı Arts and Crafts hareketinin aksine Art Nouveau uygulayıcıları, tasarım hedeflerine ulaşmak için yeni malzemeleri, makineyle üretilen yüzeyleri ve soyut ilkeleri kolaylıkla benimsediler.

Art Nouveau, Arts and Crafts hareketinin aksine, makinelerin üretim süreçlerine entegrasyonunu reddetmedi. Heykel için kullanılan başlıca malzemeler arasında mimari unsurlara bile heykel niteliği kazandıran cam ve ferforje demir vardı. Auguste Rodin gibi sanatçıların heykel edisyonlarının yapımında da seramikten yararlanıldı; ancak onun genel heykel eserleri Art Nouveau olarak sınıflandırılmamıştır.

Art Nouveau mimarisi, özellikle yapısal ve dekoratif tasarımlarında çıplak demir ile geniş, düzensiz şekilli cam panellerin birleştirilmesi başta olmak üzere, 19. yüzyılın sonlarına ait çok sayıda teknolojik gelişmeden yararlanmıştır.

Art Nouveau etkileri çeşitli bölgesel sanat hareketlerine entegre edildi. Örneğin Danimarka'da, Sanat ve El Sanatları hareketiyle daha yakından uyumlu bir stil olan Skønvirke'nin ("Estetik çalışma") bir bileşenini oluşturdu. Benzer şekilde, Polonyalı sanatçılar çok sayıda bitkisel ve organik Art Nouveau motifini Młoda Polska ('Genç Polonya') stiline dahil ettiler. Ancak Młoda Polska aynı zamanda diğer sanatsal ifadeleri de benimsedi ve sanatı, edebiyatı ve yaşam tarzını kapsayan daha kapsamlı bir felsefeyi temsil etti.

Mimari açıdan bakıldığında Art Nouveau, modernliklerine rağmen Walter Gropius ve Le Corbusier gibi figürlerin oluşturduğu modernist gelenekten ayrılan tarzlarla bağlantılar sergiliyor. Özellikle organik formları tercih etmesi açısından Ekspresyonist mimariyle dikkate değer bir akrabalığı paylaşıyor; ancak Ekspresyonizm, Art Nouveau'nun süsleme stratejilerinin entelektüel eleştirisinden ortaya çıktı. Art Nouveau botanik ve bitkisel motifleri vurgularken, Ekspresyonizm mağaralar, dağlar, yıldırımlar, kristaller ve jeolojik oluşumlar gibi unsurlardan ilham almıştır. Art Nouveau'ya karşı geliştirilen bir başka stil olan Art Deco, organik yüzeylerden tamamen kaçındı ve bunun yerine çağdaş sanatsal avangarttan etkilenen doğrusal bir estetiği tercih etti.

Sanatsal Kategoriler

Art Nouveau resim ve heykeli kapsasa da en önemli tezahürleri mimaride ve dekoratif sanatlarda görülür. Tarzın özellikle grafik sanatlara, özellikle poster tasarımına, ayrıca iç tasarım, metal işleri, cam sanatı, mücevher, mobilya tasarımı, seramik ve tekstile uygun olduğu kanıtlandı.

Posterler ve Grafik Tasarım

Art Nouveau döneminde grafik sanatlar, büyük ölçüde baskı teknolojisindeki, özellikle de canlı posterlerin yaygın şekilde üretilmesini kolaylaştıran renkli litografideki gelişmelerin etkisiyle önemli bir patlama yaşadı. Bu yenilik sanatı demokratikleştirdi; onu galerilerin, müzelerin ve salonların ayrıcalıklı sınırlarının ötesine taşıyarak Paris duvarlarını süsledi ve Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki resimli sanat dergilerinde dağıtıldı. Art Nouveau posterlerindeki baskın motiflerden biri, sıklıkla çiçek aranjmanlarının ortasında tasvir edilen, ihtişamı, modernliği ve güzelliği simgeleyen kadın figürüydü.

Aubrey Beardsley (1872–1898), Britanya'nın Art Nouveau tarzında önde gelen grafik sanatçısı olarak ortaya çıktı. Kariyeri Le Morte d'Arthur için gravürlü kitap illüstrasyonlarıyla başladı, ardından Oscar Wilde'ın Salome (1893) adlı eseri için kendisine hatırı sayılır bir tanınma kazandıran beğenilen siyah beyaz illüstrasyonlar geldi. Aynı zamanda, Fernand Khnopff gibi Avrupalı ​​sanatçıların Britanya'da tanıtılmasına katkıda bulunan The Studio sanat dergisi için illüstrasyonlar ve posterler için gravürler üretmeye başladı. Ayırt edici kıvrımlı çizgileri ve ayrıntılı bitkisel motifleri çoğu zaman beraberindeki metin kadar ilgi çekiyordu.

İsviçreli-Fransız bir sanatçı olan Eugène Grasset (1845–1917), Fransız Art Nouveau posterlerinin öncü yaratıcıları arasındaydı. 1885'te Le Chat noir kabaresinin dekorasyonuna katkıda bulundu ve Fêtes de Paris için ilk posterlerini hazırladı. Dikkate değer eserleri arasında 1890'dan kalma Sarah Bernhardt'ın ünlü bir posteri ve çeşitli kitap illüstrasyonları yer alıyor. Jules Chéret, Georges de Feure ve ressam Henri de Toulouse-Lautrec gibi diğer önde gelen sanatçı-tasarımcılar da Paris tiyatroları, kafeleri, dans salonları ve kabareleri için posterler hazırladılar. Çek sanatçı Alphonse Mucha (1860–1939) 1888'de Paris'e geldi ve 1895'te Victorien Sardou'nun Gismonda oyunundaki aktris Sarah Bernhardt'ın posteriyle önemli bir tanınma elde etti. Bu posterin muazzam başarısı ona altı Bernhardt yapımı daha için sözleşme yapılmasını sağladı. Sonraki dört yıl boyunca Mucha, oyuncu için set, kostüm ve hatta mücevher tasarımlarını da üstlendi. Tiyatro posterlerinin popülaritesinden yararlanan Mucha, sigara ve sabundan bira ve bisküviye kadar çeşitli ticari ürünler için reklamlar oluşturmaya başladı ve sürekli olarak kendine özgü bir kum saati siluetiyle idealize edilmiş bir kadın figürü öne çıkardı. Eşsiz estetiğini mücevherlerden bisküvi kutularına kadar çeşitli ürünlerin tasarımına da uyguladı.

Koloman Moser (1868–1918), Viyana'nın en üretken grafik ve poster tasarımcısıydı. Gustav Klimt ve Josef Hoffmann'la birlikte Secession hareketinde aktif bir katılımcıydı; hareketin dergisi Ver Sacrum'a illüstrasyonlar ve kapaklarla katkıda bulunmanın yanı sıra tablolar, mobilyalar ve dekoratif sanatlar da yarattı.

Resim

Art Nouveau aynı zamanda resmi de kapsıyordu, ancak hareketle bağlantılı birçok sanatçı ağırlıklı olarak diğer tarzlarda, özellikle de Post-Empresyonizm ve Sembolizm içinde sınıflandırılıyor. Art Nouveau posterleriyle tanınan Alphonse Mucha, paradoksal olarak bu ilişkiyi rahatsız edici buldu. Oğlu ve biyografi yazarı Jiří Mucha, babasının Art Nouveau'ya pek saygı duymadığını belirterek şu soruyu sordu: "Nedir bu, Art Nouveau? ... Sanat asla yeni olamaz." Mucha'nın başlıca sanatsal gururu tarihi resimlerinde yatıyordu. Patronunun kızının Slav kıyafetleri içindeki Art Nouveau'dan etkilenen bir portresi olan Slava adlı eseri, teatral poster tasarımlarından ilham aldı.

1888 ile 1900 yılları arasında Paris'te faaliyet gösteren bir grup Post-Empresyonist sanatçı olan Les Nabis, Art Nouveau ile en yakından bağlantılı ressamlar arasındaydı. Bu grubun temel hedeflerinden biri güzel sanatlar ile dekoratif sanatlar arasındaki ayrımları ortadan kaldırmaktı. Sanatsal çıktıları, geleneksel tuvallerin ötesine geçerek dekoratif ekranlar ve panelleri de içeriyordu. Japon baskı estetiği, yaratımlarının çoğunu önemli ölçüde etkiledi. Les Nabis'in önemli üyeleri arasında Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton ve Paul Sérusier yer alıyordu.

Avusturyalı ressam Gustav Klimt, Art Nouveau resminde öne çıkan bir figürdü ve daha doğrusu, Modernist bir hareket olan Viyana Secession'un önemli bir temsilcisiydi. Klimt'in kendine özgü, gösterişli kişisel tarzı tuvallerinde ve duvar resimlerinde açıkça görülüyordu ve aynı zamanda Viyana Secession Galerisi'nde sergilenen parçalarda örneklenen el sanatlarında da kendini gösteriyordu. Çıplak kadın, Klimt için sık sık ve önemli bir ilham kaynağı oldu. Sanatı, doğadan ilham alan ve Gaudí'nin dekoratif yaklaşımını yansıtan, duygusallık ve natüralist, bireysel, organik bir estetik ile karakterize edilir.

Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Aleix Clapés, Joaquim Sunyer, Hermenegildo Anglada Camarasa, Juan Brull, Ricard Canals, Javier Gosé, Josep Maria Sert ve Miguel Utrillo gibi Katalan modernist ressamlar, Paris avangardıyla güçlü bağlarını sürdürdüler ve Antoni Gaudí'den derinden etkilendiler. Ana toplanma yerleri Els Quatre Gats tavernasıydı. Pablo Picasso bu sanatsal çevreden ortaya çıktı.

Arjantinli sanatçılar ve Anglada Camarasa'nın öğrencileri olan Gregorio López Naguil, Tito Cittadini ve Raúl Mazza, Art Nouveau resminin Güney Amerika'ya tanıtılmasında etkili oldu.

Belçika'da Fernand Khnopff hem resim hem de grafik tasarımla uğraştı. Gustav Klimt'in duvar resimleri, Josef Hoffmann'ın 1905 ile 1911 yılları arasında inşa ettiği Stoclet Sarayı'nın dekoratif planına dahil edildi. Stoclet Sarayı'nın yemek odasını süsleyen Klimt duvar resmi, geç dönem Art Nouveau'nun bir başyapıtı olarak kabul ediliyor.

Amerikalı dansçı Loie Fuller, Fransız ve Avusturyalı ressamlar ve posterler tarafından tasvir edilerek hem geleneksel resimde hem de Art Nouveau'da bir konu olarak özellikle yer aldı. sanatçılar.

Cephe duvar resimleri oluşturmak için renkli alçı katmanlarının uygulanmasını içeren bir Rönesans tekniği olan Sgraffito, Art Nouveau döneminde, özellikle Brüksel'de özellikle popülerlik kazandı. Belçikalı mimar Paul Hankar, bu tekniği özellikle sanatçı arkadaşları Paul Cauchie ve Albert Ciamberlani için tasarladığı konutlarda kullandı.

Cam Sanatı

Cam sanatı, Art Nouveau'ya çeşitli ve yenilikçi ifade yolları sağladı. Özellikle Fransa'da yapılan önemli deneyler, seri üretimi kolaylaştıran minyatür gravür, çift katmanlama ve asit gravür gibi teknikler aracılığıyla şeffaflık ve opaklığın yeni etkilerinin elde edilmesine odaklandı. Nancy, Émile Gallé'nin atölyelerine ve Auguste ile Antonin Daum liderliğindeki Daum stüdyosuna ev sahipliği yaparak Fransız cam endüstrisi için önemli bir merkez haline geldi. Bu stüdyolar, aralarında Ernest Bussière, Henri Bergé (illüstratör) ve Amalric Walter'ın da bulunduğu çok sayıda önde gelen tasarımcıyla işbirliği yaptı. Renkli cam parçalarının tamamlanmamış parçalara preslenmesini içeren bir cam kaplama yöntemine öncülük ettiler. Konutu ve atölyeleri Nancy'de bulunan mobilya tasarımcısı Louis Majorelle ile sık sık işbirliği yapıldı. Art Nouveau'nun bir başka özelliği de, özellikle Nancy'nin Art Nouveau evlerinde, çiçek motifli vitray pencerelerin konut salonlarına dahil edilmesiydi. Bu pencerelerin çoğu, Villa Majorelle ve diğer mülkler için parçalar yaratan Jacques Grüber tarafından yapılmıştır.

Belçika'nın öne çıkan üreticisi, birçoğu Philippe Wolfers tarafından tasarlanan, organik ve bitkisel motiflerle karakterize edilen vazolar üreten Val Saint Lambert cam fabrikasıydı. Wolfers, özellikle sıklıkla metal süslemeler içeren sembolist cam kreasyonlarıyla tanınıyordu. Avusturya-Macaristan İmparatorluğu'nun kristal üretimiyle ünlü bir bölgesi olan Bohemya'da J. & L. Lobmeyr ve Joh. Loetz Witwe ayrıca daha canlı ve yoğun tonlar sağlayan yeni renklendirme yöntemlerine de öncülük etti. Almanya'da Karl Köpping, üfleme camı kullanarak son derece kırılgan, çiçek şekilli cam eşyalar tasarlayarak deneysel çabalara öncülük etti; aşırı kırılganlıkları çağdaş koleksiyonlarda az bulunmasına neden oluyor.

Viyana'da Secession hareketinin cam tasarımları Fransız veya Belçikalı emsallerinden belirgin biçimde daha geometrikti; Otto Prutscher kendisini hareketin en disiplinli cam tasarımcısı olarak öne çıkardı. Britanya'da Margaret Macdonald Mackintosh, Bir Sanat Aşığının Evi olarak bilinen mimari sergi için çeşitli çiçekli vitray tasarımları üretti.

Amerika Birleşik Devletleri'nde Louis Comfort Tiffany ve tasarımcıları, yaygın çiçek motiflerinden titizlikle bir araya getirilen cam gölgelere sahip lambalarıyla özel bir üne kavuştu. Tiffany lambaları, Tiffany'nin lambalarını Bizans tarzında tasarlanmış bir şapelde sergilediği 1893'te Chicago'daki Dünya Kolomb Sergisi'nin ardından öne çıktı. Tiffany, cam renklendirme teknikleriyle kapsamlı deneyler yaptı ve 1894'te, yanardöner bir yüzey kazandırmak için erimiş camın iç kısmına metalik oksitlerin dahil edilmesini içeren Fevrile cam işlemi için bir patent aldı. Atölyelerinde vitray pencereler, paravanlar, vazolar ve diğer çeşitli dekoratif eşyaların yanı sıra her biri farklı çiçek desenlerine sahip çok sayıda Tiffany lamba serisi üretti. Kreasyonları ilk olarak Almanya'ya tanıtıldı, daha sonra Siegfried Bing tarafından Fransa'ya ithal edildi ve sonuçta 1900 Sergisi'nin önemli bir dekoratif unsuru olarak ortaya çıktı. Tiffany'nin Amerikalı rakibi Steuben Glass, 1903 yılında Corning, N.Y.'de, Tiffany'ye benzer şekilde yanardöner yüzeyler üretmek için Fevrile sürecini kullanan Frederick Carder tarafından kuruldu. Bir diğer önde gelen Amerikalı cam sanatçısı John La Farge, hem dini hem de tamamen dekoratif konuları kapsayan ayrıntılı ve canlı vitray pencereler üretti.

Metal sanatı

Metal sanatı

19. yüzyıl mimari teorisyeni Viollet-le-Duc, modern binaların demir çerçevelerinin gizlenmesi yerine sergilenmesini savunmuştu, ancak Art Nouveau mimarlar Victor Horta ve Hector Guimard, yapılarının hem iç hem de dış tasarımlarına bitkisel ve bitkisel motiflerden türetilmiş eğriler içeren demir süslemeler ekleyerek bu konsepti geliştirdiler. Bu unsurlar, iç merdiven korkulukları, aydınlatma armatürleri ve diğer karmaşık detayların yanı sıra dış balkonlar ve çeşitli süslemeler olarak kendini gösterdi. Bu tür uygulamalar Art Nouveau mimari tasarımının ayırt edici özellikleri haline geldi. Metal süslemelerin bitkisel formlarla entegrasyonu daha sonra gümüş eşyalara, lambalara ve diğer dekoratif nesnelere kadar genişledi.

Amerika Birleşik Devletleri'nde tasarımcı George Grant Elmslie, Chicagolu mimar Louis Sullivan tarafından tasarlanan yapılardaki korkuluklar ve diğer iç süslemeler için olağanüstü karmaşık dökme demir tasarımlar yarattı.

Fransız ve Amerikalı tasarımcılar bitkisel ve bitkisel motifler kullanırken, Joseph Maria Olbrich ve diğer Secession sanatçıları çaydanlıklar ve diğer metalik tasarımlar tasarladılar. eserler daha geometrik ve ölçülü bir estetikle sunuluyor.

Mücevher

Art Nouveau takılar, ince kıvrımlar ve akıcı çizgilerle karakterize edilir. Tasarımlar sıklıkla çiçekler, hayvanlar veya kuşlar gibi doğal unsurları içerir. Dişi formu aynı zamanda popüler bir motif oluşturuyordu ve sıklıkla kamera hücrelerinde tasvir ediliyordu. Genellikle parçalarda inci veya som gümüş zincirlerden oluşan, aralarına cam boncuklar serpiştirilmiş veya genellikle ametist, peridot veya sitrin gibi tek yönlü değerli bir taşı kaplamak için işlenmiş gümüş veya altın bir kolye ucuyla sonuçlanan uzun kolyeler yer alıyordu.

Art Nouveau takıları, hareketin doğal ve mitolojik temalarla derin ilişkisini yansıtan karmaşık, sembolik motiflerin yaygın bir şekilde bir araya getirilmesiyle karakterize edilir. Anahtar motifler, doğanın döngüsel süreçlerini ve gelişimini vurgulayan floranın ayrıntılı temsillerinin yanı sıra, metamorfozu ve estetik çekiciliği simgeleyen yusufçukların ve tavus kuşlarının narin formlarını kapsar. Kelebekler ve bok böcekleri gibi titizlikle sırlanmış böcekler sıklıkla yenilenmeyi ve korumayı simgeleyen bir mistisizm unsuru kattı. Stil aynı zamanda genellikle duygusallığı ve dünyevi alemle içsel bir bağı aktaran kıvrımlı kadın figürlerini tasvir ediyordu. Dahası, yılanlar ve Medusalar ve kimeralar gibi mitolojik varlıklar da dahil olmak üzere daha fazla önsezi tasviri, hem doğal hem de efsanevi alanların daha esrarengiz boyutlarını çağrıştırmaya hizmet ediyordu. Bu motiflerin uygulanması salt süslemenin ötesine geçmiştir; her biri, Art Nouveau'nun sanatsal ifadeyi, doğal unsurları ve manevi alegoriyi sentezlemeye yönelik temel ilkesine uygun olarak belirli çağrışımlarla doluydu.

Art Nouveau dönemi, mücevher sektöründe, özellikle Paris'in önde gelen kuruluşlarının etkisiyle, önemli bir stilistik dönüşümün önünü açtı. Önceki iki yüzyıl boyunca, üst düzey mücevherlerin odak noktası ağırlıklı olarak elmasları sergilemek için ayrıntılı ortamlar hazırlamaktı. Ancak Art Nouveau döneminde elmaslar genellikle ikincil bir rol üstlendi. Kuyumcular akik, garnet, opal, aytaşı, akuamarin ve diğer çeşitli yarı değerli taşlar gibi çok çeşitli alternatif değerli taşları araştırdılar. Eş zamanlı olarak emaye dahil çok çeşitli yeni teknikleri benimsediler ve boynuz, kalıplanmış cam ve fildişi gibi yeni malzemeleri bünyelerine kattılar. Bu yenilikler, organik şekillerin ve karmaşık süslemelerin yaratılmasını mümkün kıldı ve dönemin geleneksel mücevher estetiğinden daha sanatsal ve duygusal açıdan yankı uyandıran tasarımlara doğru farklılaştığını vurguladı. Vitrayları anımsatan yarı saydam nitelikler üretmek ve böylece yaratımlarının derinliğini ve parlaklığını artırmak için plique-à-jour emaye gibi özel yöntemler kullanıldı.

Art Nouveau tarzında çalışan ilk seçkin Parisli kuyumcular arasında, aile şirketi 1821'de kurulan Louis Aucoc da vardı. Art Nouveau döneminin tartışmasız en ünlü tasarımcısı René Lalique, çıraklığını burada tamamladı. 1874 ve 1876 yılları arasında Aucoc stüdyosu. Lalique, Art Nouveau takı ve cam sanatında önemli bir figür olarak ortaya çıktı ve sürekli olarak yusufçuklardan çimenlere kadar doğal formlardan ilham aldı. Ayrıca, öncelikle mobilya tasarımlarıyla tanınan Paul Follot gibi geleneksel mücevher dünyasının dışından tasarımcılar da takı yaratmayı araştırdılar. Diğer önde gelen Fransız Art Nouveau mücevher tasarımcıları arasında Jules Brateau ve Georges Henry vardı. Amerika Birleşik Devletleri'nde Louis Comfort Tiffany, Siegfried Bing'in işletmesinde ve 1900 Paris Fuarı'nda sergilenen kreasyonlarıyla en ünlü tasarımcı olarak öne çıktı. Siegfried Bing'in Paris'teki galerisi Maison de l'Art Nouveau, Art Nouveau mücevherlerinin geliştirilmesinde etkili oldu. Bing, René Lalique, Henri Vever ve Edward Colonna gibi avangart kuyumcuların eserlerinin sergilenmesiyle mücevherleri önemli ölçüde güzel sanatlar alanına yükseltti ve estetiğe yönelik küresel hayranlık uyandırdı.

Britanya'da, Liberty & & Cymric, gümüş kemer tokaları gibi çeşitli Art Nouveau ürünleri üreten önde gelen isimlerden biriydi. C. R. Ashbee tavus kuşu şeklinde kolyeler yarattı. Çok yönlü Glasgowlu tasarımcı Charles Rennie Mackintosh ayrıca geleneksel Kelt sembolizmini içeren mücevherler de üretti. Almanya'da Pforzheim, Jugendstil mücevherleri için ana merkez olarak hizmet verdi ve Theodor Fahrner dahil olmak üzere Alman firmalarının çoğuna ev sahipliği yaptı. Bu üreticiler, yeni tarza yönelik artan talebi karşılamak için hızla parçalar ürettiler.

Mimari ve Süsleme

Art Nouveau mimarisi, 19. yüzyılın ikinci yarısında Avrupa mimarisinde yaygın olan eklektik tarzlara karşı bir karşı hareket olarak ortaya çıktı. Ayırt edici karakteri öncelikle botanik (devedikeni, süsen, siklamen, orkide ve nilüfer gibi bitkilerden ilham alınarak) veya heykelsi olabilen süslemelerle aktarılıyordu. İnsan yüzleri veya mascaronlar süs unsurları olarak dahil edilirken, insan figürlerinin heykeller ve kabartmalar da dahil olmak üzere çeşitli heykelsi formlarda tasvir edilmesi de Art Nouveau'nun bazı tezahürlerinde ortak bir özellikti. Viyana Ayrılığı, Jugendstil ve diğer Ulusal Romantik tarzlardan önce, cepheler asimetri sergiliyordu ve sıklıkla çok renkli seramik karo dekorasyonuna sahipti. Bu süsleme tipik olarak yapısal öğeler ile dekoratif motifler arasındaki ayrımı bulanıklaştırarak bir dinamizm duygusu taşıyordu. Erken Art Nouveau, bitki ve çiçek formlarından türetilen bir kıvrılma veya "kırbaç" motifini yaygın olarak kullandı; ancak tarzın daha sonraki versiyonları, örneğin Viyana Secession'u, Brüksel'deki Stoclet Sarayı'nda (1905–1911) örneklenen daha soyut ve simetrik dekoratif şemaları benimsedi.

Art Nouveau tarzı ilk kez Brüksel'de Paul Hankar'ın Hankar Evi (1893) ve Victor Horta'nın Hôtel Tassel'i (1892–93) ile ortaya çıktı. Hector Guimard, Hôtel Tassel'i ziyaret ettikten sonra bu estetiği, ilk önemli projesi olan Castel Béranger'e (1897-98) uyguladı. Hem Horta hem de Guimard, tasarım etkilerini mobilya ve iç dekorasyona kadar genişletti; kapı tokmaklarından halı kaplamaya kadar birçok unsuru titizlikle işledi. 1899'a gelindiğinde, Castel Béranger'ın ünü, Guimard'ın 1900'de faaliyete geçen yeni Paris Metro istasyonlarının girişlerini tasarlamak üzere görevlendirilmesine yol açtı. Orijinal yapıların sınırlı düzeyde hayatta kalabilmesine rağmen, bu girişler Paris'teki Art Nouveau hareketinin simgesi haline geldi.

Paris'te mimari tarz aynı zamanda vali Georges-Eugène Haussmann tarafından uygulanan katı cephe düzenlemelerinden bir sapmayı da temsil ediyordu. Napolyon III'ün hükümdarlığı sırasında Paris'in. 1903'te kavisli pencerelerin ruhsatlandırılması, Art Nouveau mimarlarını, özellikle Jules Lavirotte'nin tamamen süslemelerle süslenmiş geniş heykelsi kompozisyonlar olarak işlev gören konutlarında açıkça görülen karşıt bir estetiği benimsemeye sevk etti. Fransa'nın Nancy kentinde, mobilya tasarımcısı Louis Majorelle'nin meskeni olan Villa Majorelle'nin (1901-02) etrafında toplanan dikkate değer bir Art Nouveau ev kümesi ortaya çıktı. Henri Sauvage bu villayı Majorelle'nin mobilya kreasyonlarına özel bir sergi alanı olarak tasarladı.

Çok sayıda Art Nouveau yapısı, ya ilgili şehir merkezlerinin (Bern, Budapeşte, Lviv, Paris, Porto, Prag, Riga, Saint Petersburg, Strazburg (Neustadt) ve Viyana dahil) ayrılmaz bileşenleri olarak ya da ayrı ayrı listelenen mülkler olarak UNESCO Dünya Kültür Mirası alanları olarak belirlenmiştir.

• Belçika: Önemli katkılar arasında Victor Horta'nın çalışmaları (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison ve Atelier Horta) ve Josef Hoffmann'ın Stoclet Sarayı yer alır; her ikisi de Brüksel'de bulunmaktadır.
• İspanya: Önemli örnekler arasında Lluís Domènech i Montaner (Palau de la Musica Catalana ve Barselona'daki Hospital de Sant Pau) ve Antoni Gaudí'nin (Barselona'daki Park Güell, Palau Güell, Sagrada Familia, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens; Colònia Güell) yaratımları yer almaktadır. Santa Coloma de Cervelló'da).

Heykel

Heykel, Art Nouveau sanatçıları için zaman zaman seramikle kesişen ek bir ifade aracı olarak hizmet etti. Agathon Léonard'ın porselen heykelciği Eşarplı Dansçı, 1900 Paris Sergisi'nde hem seramik hem de heykel kategorilerinde beğeni topladı. Bohem sanatçılar Stanislav Sucharda ve Ladislav Šaloun, Belçikalı Charles Van der Stappen ve çok renkli pişmiş toprak heykeller yapan Katalan Lambert Escaler gibi çeşitli ülkelerden heykeltıraşlar da seramik eserler üretti. Dönemin önde gelen Katalan heykeltıraşlarından Agustí Querol Subirats, İspanya, Meksika, Arjantin ve Küba'ya yerleştirilen heykeller yarattı.

Mimari heykel hem heykelleri hem de kabartmaları içeriyordu. Art Nouveau mimarları ve heykeltıraşları sıklıkla kelebekler, tavus kuşları, kuğular, baykuşlar, yarasalar, ejderhalar ve ayılar gibi zoomorfik motiflerden ilham aldılar. Ayrıca atlantlar, karyatidler, puttiler ve çirkin yaratıklar gibi unsurlar da tasarımlarına entegre edildi.

Mobilya

Art Nouveau dönemindeki mobilya tasarımı, yapıların mimari tarzıyla özünde bağlantılıydı; mimarlar sıklıkla mobilyaları, halıları, aydınlatma armatürlerini, kapı tokmaklarını ve diğer süs unsurlarını kavramsallaştırıyordu. Bu mobilyalar tipik olarak karmaşık ve pahalıydı; genellikle cilalanmış veya verniklenmiş, yüksek kaliteli bir kaplama gerektiriyordu. Özellikle kıtasal tasarımlar, yüksek üretim giderlerine katkıda bulunan karmaşık, eğrisel formlarıyla karakterize ediliyordu. Önemli bir dezavantaj, ev sahiplerinin odanın genel estetik tutarlılığından ödün vermeden mobilyaları farklı bir tarzda değiştirememeleri veya sunamamalarıydı. Sonuç olarak, Art Nouveau mimarisinin popülaritesi azaldıkça, onunla ilişkili mobilya tarzı da büyük ölçüde azaldı.

Nancy, önde gelen tasarımcılar Émile Gallé ve Louis Majorelle'nin stüdyolarına ve atölyelerine ev sahipliği yaparak Fransa'da mobilya tasarımı ve üretimi için ana merkez olarak hizmet verdi. Burası aynı zamanda 1901'de Alliance des industrials d'art'ın (daha sonra Nancy Okulu olarak anılacaktır) kurulduğu yerdi. Her iki tasarımcı da yapısal ve dekoratif ilhamlarını, yaygın bir Art Nouveau motifi olan yusufçuk gibi bitki örtüsü ve böcekler de dahil olmak üzere doğal formlardan aldı. Gallé, genellikle manzaraları veya şiirsel konuları tasvir eden kabartma kakma işçiliğiyle özellikle tanındı. Majorelle, egzotik ve pahalı ahşapları bir araya getirmesi ve bitkisel motifler içeren bronz heykelleri mobilya parçalarına entegre etmesiyle öne çıktı. Her iki tasarımcı da ilk üretim aşamalarında makinelerden yararlanırken, tüm öğelere elle son işlem uygulandı. Nancy Okulu ile ilişkili diğer önemli mobilya tasarımcıları arasında, her ikisi de eğitimli mimarlar olan Eugène Vallin ve Émile André vardı. Mobilya tasarımları Horta ve Van de Velde gibi Belçikalı tasarımcıların tasarımlarıyla benzerlik taşıyordu; süslemeler azaltılmış ve bitki ve çiçeklerin eğrisel formlarına daha yakın bir bağlılıkla karakterize edilmişti.

Diğer önde gelen Fransız tasarımcılar arasında, çalışmaları Viollet-le-Duc'un neo-Gotik tarzlarından ilham alan Henri Bellery-Desfontaines vardı. Georges de Feure, Eugène Gaillard ve Édouard Colonna, Fransız mobilya endüstrisini yenilikçi temalarla canlandırmak için sanat tüccarı Siegfried Bing ile işbirliği yaptı. Kreasyonları "soyut natüralizm", düz ve kavisli çizgilerin uyumlu bir karışımı ve fark edilebilir bir Rokoko etkisi ile tanındı. De Feure'un Bing pavyonunda sergilenen mobilyaları 1900 Paris Fuarı'nda altın madalya kazandı. Mesleği heykeltıraş olan François-Rupert Carabin, en farklı ve görsel açıdan dikkat çekici Fransız tasarımcı olarak öne çıktı. Mobilyaları, yontulmuş çıplak kadın figürlerini ve sembolik hayvanları, özellikle de kedileri içeriyordu ve böylece Art Nouveau unsurlarını Sembolizm ile birleştirdi. Diğer etkili Parisli mobilya tasarımcıları arasında Charles Plumet ve Alexandre Charpentier vardı. Temel olarak, klasik 18. yüzyıl Fransız Rokoko mobilyalarının yerleşik sözlüğü ve metodolojileri, bu yeni üslup çerçevesinde yeniden yorumlandı.

Belçika'da, Art Nouveau hareketinin ufuk açıcı mimarları Victor Horta ve Henry van de Velde, konutları için dinamik eğrisel formlar ve minimal süslemelerle karakterize edilen mobilyalar yarattı. Belçikalı tasarımcı Gustave Serrurier-Bovy, kavisli konfigürasyonlarda pirinç şeritler kullanarak ek dekoratif unsurlar ekledi. Tersine, stilin Nieuwe Kunst veya Yeni Sanat olarak adlandırıldığı Hollanda'da, H. P. Berlag, Lion Cachet ve Theodor Nieuwenhuis, daha geometrik ve rasyonel formları tercih eden İngiliz Sanat ve El Sanatları hareketiyle uyumlu olarak farklı bir yol izlediler.

Britanya'da, Charles Rennie Mackintosh'un mobilyaları Sanat ve El Sanatları estetiğinin bir örneğini oluşturuyordu. kemer sıkma, geometrik hassasiyet, uzatılmış düz çizgiler, dik açılar ve minimal süsleme. Buna karşılık, kıtasal tasarımlar çok daha süslüydü ve hem parçanın temel yapısında hem de uygulanan dekoratif motiflerde sıklıkla kavisli formlar kullanılıyordu. Alman Jugendstil mobilyaları, özellikle Peter Behrens'in mobilyaları, geometrik düz çizgiler ve yüzeye uygulanan dekorasyona sahip, büyük ölçüde rasyonalist bir yaklaşımı benimsedi. Hedefleri Fransız Art Nouveau'sundan önemli ölçüde farklıydı; ucuz, kolayca seri üretilen mobilyaların üretimini kolaylaştırmak için yapısal ve malzeme basitliğine öncelik veriyordu. Benzer bir felsefe, Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich ve Koloman Moser'in liderliğindeki Viyana'daki Wiener Werkstätte'nin mobilya tasarımcılarına rehberlik etti. Bu mobilyalar geometrikti ve minimal bir şekilde dekore edilmişti, ancak stili genellikle ulusal tarihi emsallere, özellikle de Biedermeier tarzına gönderme yapıyordu.

İtalyan ve İspanyol mobilya tasarımı farklı özellikler geliştirdi. İtalya'da Carlo Bugatti, 1902 Torino Uluslararası Fuarı için boyalı parşömen ve bakırla süslenmiş ahşaptan oluşan olağanüstü Salyangoz Sandalyesini yarattı. Eş zamanlı olarak İspanya'da, Antoni Gaudí ve Modernismo hareketinden etkilenen mobilya tasarımcısı Gaspar Homar, doğal formları geleneksel Katalan tarzı unsurlarla bütünleştiren parçalar üretti.

Amerika Birleşik Devletleri'nde mobilya tasarımı, Art Nouveau'dan ziyade ağırlıklı olarak Sanat ve El Sanatları hareketinden veya tarihi Amerikan prototiplerinden ilham aldı. Ancak Buffalo, N.Y.'den Charles Rohlfs, Art Nouveau temalarını birleştiren dikkate değer bir tasarımcıydı. Amerikan beyaz meşe mobilya tasarımları, metal süslemelerdeki Art Nouveau unsurlarla tamamlanan Kelt ve Gotik sanat motiflerinden etkiler taşıyordu.

Seramik

Fayansı da kapsayan seramik sanatı, Art Nouveau uygulayıcıları için, özellikle İngilizce konuşulan ülkelerdeki daha geniş sanat çömlekçilik hareketi içinde, gelişen bir başka alanı temsil ediyordu. 19. yüzyılın sonları, seramik üretiminde çok sayıda teknolojik ilerlemeye, özellikle de kristalize ve mat sırlara sahip yüksek sıcaklıkta (grand feu) seramiklerin ortaya çıkışına tanık oldu. Eş zamanlı olarak, sang de boeuf cilası gibi önceden kaybolan birkaç teknik başarıyla yeniden canlandırıldı. Art Nouveau seramikleri ayrıca botanik ve bitkisel motifleri Art Nouveau estetiğiyle etkili bir şekilde uyum sağlayan hem geleneksel hem de çağdaş Japon ve Çin seramiklerinden ilham almıştır. Fransa'da sanatçılar ayrıca geleneksel taş eşya (grés) tekniklerini yeniden keşfederek bunları yeni tasarımlarla yeniden yorumladılar.

Nancy merkezli Émile Gallé, doğal toprak tonları ve bitki ve böceklerin natüralist tasvirleriyle karakterize edilen toprak parçalar üretti. Seramik aynı zamanda mimaride de önemli bir yeni uygulama alanı edindi. Jules Lavirotte ve Hector Guimard'ın da aralarında bulunduğu Art Nouveau mimarları, bina cephelerini, çoğu Alexandre Bigot firması tarafından üretilen mimari seramiklerle süslemeye başladı ve böylece Art Nouveau'ya özgü bir heykel kalitesi kazandırdı.

Öncü bir Fransız Art Nouveau seramikçisi olan Ernest Chaplet, otuz yıla yayılan seçkin bir seramik kariyerini sürdürdü. Başlangıçta Japon ve Çin modellerinden etkilenerek taş işçiliği yaptı. 1886'dan itibaren ressam Paul Gauguin ile uygulamalı figürler, çoklu kulplar, boyalı ve kısmen sırlı yüzeyler içeren taş ürünleri tasarımları üzerinde işbirliği yaptı. Ayrıca heykeltıraşlar Félix Bracquemond, Jules Dalou ve Auguste Rodin ile ortaklık kurdu. Kreasyonları 1900 Fuarı'nda büyük beğeni topladı.

Paris yakınlarındaki Manufacture Nationale de Sèvres; Nymphenburg, Meissen ve Villeroy & Almanya'dan Boch; ve Britanya'dan Doulton. Diğer önemli Fransız seramikçiler arasında Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse ve Auguste Delaherche yer alıyordu.

Fransa'da Art Nouveau seramikleri zaman zaman heykel ile olan ayrımı bulanıklaştırıyordu. Örneğin, Agathon Léonard'ın Manufacture Nationale de Sèvres için ürettiği Eşarplı Dansçı adlı porselen heykelciği, 1900 Paris Sergisi'nde hem seramik hem de heykel kategorilerinde övgüler topladı.

Macaristan'ın Pécs kentinde bulunan Zsolnay fabrikası, 1853 yılında Miklós Zsolnay tarafından kuruldu. (1800–1880). Fabrika, oğlu Vilmos Zsolnay (1828–1900) ve baş tasarımcı Tádé Sikorski'nin (1852–1940) önderliğinde taş ürünler ve diğer seramik ürünler üretiyordu. 1893 yılında Zsolnay eozinden yapılmış porselen parçaları tanıttı. Vilmos Zsolnay, yenilikçi ürünlerini Viyana'daki 1873 Dünya Fuarı ve Zsolnay'ın Büyük Ödül ile ödüllendirildiği Paris'teki 1878 Dünya Fuarı da dahil olmak üzere küresel fuarlarda sergileyerek fabrikayı uluslararası beğeniye taşıdı. Donmaya dayanıklı Zsolnay mimari dekorasyonları, özellikle Art Nouveau döneminde çeşitli binalarda yaygın olarak kullanıldı.

Seramik karolar Portekiz Arte Nova'nın ayırt edici bir unsurunu oluşturdu ve ülkenin kalıcı azulejo geleneğini genişletti.

Mozaikler

Mozaikler, başta Katalan Modernizmi olmak üzere çeşitli hareketlerde çok sayıda Art Nouveau sanatçısı tarafından kullanıldı; Hospital de Sant Pau, Palau de la Musica Catalana ve Casa Lleó-Morera gibi yapılarda örneklendi. Antoni Gaudí, trencadís olarak bilinen ve atılan seramik parçalarının kullanımını içeren yeni bir malzeme işleme tekniğinin öncülüğünü yaptı.

Çiçek desenli renkli Maiolica çinileri, Otto Wagner'in Viyana'daki Majolica Evi'nin (1898) ve Rus Abramtsevo Kolonisi'ndeki binaların, özellikle de Mikhail Vrubel tarafından tasarlananların ayırt edici bir özelliğini oluşturuyordu.

Tekstil ve Duvar Kağıdı

Tekstil ve duvar kağıtları, tarzın başlangıcından itibaren Art Nouveau ifadesinin önemli bir aracı olarak hizmet etti ve Art Nouveau iç tasarımının önemli bir bileşeniydi. Britanya'da William Morris'in tekstil tasarımları Arts and Crafts hareketinin başlatılmasında etkili olmuş ve daha sonra Art Nouveau'yu etkilemiştir. Londra'daki Liberty mağazası için stilin Avrupa çapında yaygın olarak benimsenmesine katkıda bulunan çok sayıda tasarım oluşturuldu. Örneğin Silver Studio canlı, stilize çiçek desenleri üretti. Glasgow Okulu'ndan, özellikle Margaret Macdonald Mackintosh'a ait olan diğer önemli tasarımlar ortaya çıktı. Glasgow Okulu, stilize yumurtalar, geometrik şekiller ve ikonik "Glasgow Gülü" gibi çeşitli karakteristik motiflere öncülük etti.

Fransa'da Eugène Grasset, 1896'da çeşitli bitki örtüsünden türetilmiş Art Nouveau tasarımlarını öneren La Plante et ses apps süslemeler'i yayınlayarak önemli bir katkıda bulundu. Mulhouse, Lille ve Lyon'daki önde gelen Fransız tekstil üreticileri için çok sayıda desen tasarlandı ve üretildi; bunlar genellikle Alman ve Belçikalı atölyeler tarafından uygulandı. Alman tasarımcı Hermann Obrist, çiçek motifleri, özellikle de siklamen ve çiçek saplarından türetilen ve daha sonra hareketin öne çıkan bir özelliği haline gelen "kırbaç" tarzı konusunda uzmanlaştı. Belçikalı Henry van de Velde, Paul Gauguin ve Nabis'in sembolizminden ilham alarak Brüksel'deki Salon La Libre Esthéthique'de La Veillée d'Anges adlı bir tekstil parçasını sergiledi. Hollanda'da tekstil ürünleri sıklıkla Hollanda Doğu Hint Adaları kolonilerinden gelen batik desenlerinden ilham almıştır. Halk sanatı, Orta Avrupa ve İskandinavya'daki duvar halıları, halılar, nakışlar ve tekstil üretimini benzer şekilde etkilemiştir; Norveç'teki Gerhard Munthe ve Frida Hansen'in eserleri örnek olarak verilebilir. Otto Eckmann'ın Beş Kuğu tasarımı yüzden fazla farklı varyasyonla oluşturuldu. Macar tasarımcı János Vaszary, Art Nouveau bileşenlerini folklorik motiflerle birleştirdi.

Müzeler

Dört müze kategorisi Art Nouveau mirasını sergiliyor:

• Sadece Art Nouveau'ya adanmayan, ancak bu tarzdaki eserlerin önemli koleksiyonlarına sahip olan genel müzeler. Not: Art Nouveau anıtları italik yazılmıştır.
• Art Nouveau sanatçılarına adanan ev müzelerinin (Alphonse Mucha müzesi hariç) tümü Art Nouveau anıtları olarak belirlenmiştir.
• Hepsi Art Nouveau anıtları olarak kabul edilen, bölgesel Art Nouveau hareketlerine odaklanan müzeler.
• Müze statüsünde olan veya içinde müze barındıran diğer Art Nouveau yapılar. Bunlar belirli yerel Art Nouveau hareketlerine veya bireysel sanatçılara ithaf edilmemiştir.

Diğer birçok Art Nouveau binası ve yapısı resmi müze statüsünde değildir, ancak resmi ücretli turlar veya resmi olmayan ücretsiz görüntüleme için erişilebilirdir. Örnekler arasında tren istasyonları, kiliseler, kafeler, restoranlar, barlar, oteller, mağazalar, ofisler, kütüphaneler, mezarlıklar, çeşmeler ve halen oturulan çok sayıda apartman yer alıyor.

Gelecek kuşak

1911'den sonra Art Nouveau, "ilkel aşırılıkları" nedeniyle eleştirilip gerilemeye başladı. 20. yüzyılın ortalarında (1930'lar-1950'ler), aralarında Nikolaus Pevsner, Sigfried Giedion ve Henry-Russell Hitchcock'un da bulunduğu Avrupa mimarisinin önde gelen tarihçileri Art Nouveau'yu büyük ölçüde göz ardı ettiler. Sonuç olarak, Pevsner'in Avrupa Mimarisinin Dahisi kitabının ilk baskılarında Hector Guimard veya Antoni Gaudí'ye herhangi bir atıf yapılmadı. Art Nouveau'yu ele alan ilk önemli bilimsel çalışmalar 1950'lerin sonlarında, özellikle Johnny Watser tarafından ortaya çıktı.

Art Deco'ya Etkisi

Art Nouveau, 1910'larda yeni bir modern estetik oluşturmayı amaçlayan çok sayıda Fransız tasarımcının ortak çabaları sonucunda ortaya çıkan Art Deco tarzının temel etkisi oldu. Bu etki, Art Nouveau'nun 19. yüzyıl yeniden canlandırmacılığı ve eklektizminin egemenliğine meydan okumasından ve dolayısıyla yerleşik akademik geleneklere karşı çıkmasından kaynaklanıyordu. Art Nouveau, çeşitli tezahürleriyle, dünyanın büyük bir kısmındaki eğrisel bitki formlarını, Avusturya-Macaristan ve Birleşik Krallık'taki geometrik dekorasyonu ve Kuzey, Orta ve Doğu Avrupa ülkelerindeki ulusal geleneklerin yeniden yorumlanmasını içeren, artık tarihsel emsallere bağlı olmayan yeni süsleme sistemlerine öncülük etti. Art Nouveau'nun kavramsal katkısı, özellikle de yenilikçi süslemeler ve şekillerle yeni bir stil yaratmaya yaptığı vurgu, Art Deco'nun gelişimine önemli ölçüde katkıda bulundu. Ayrıca Art Deco, Art Nouveau'nun ev içi lükse odaklanmasını benimsemiştir.

Art Nouveau'ya özgü karmaşık ayrıntılar ve kıvrımlı çizgiler, 1920'lerin Art Deco mimarisinde ve tasarımında, biraz basitleştirilmiş bir biçimde de olsa, fark edilebilir. Benzer şekilde, Art Nouveau posterlerinin popüler hale getirdiği düz renkler ve belirgin hatlar, Art Deco illüstrasyonlarında sıklıkla karşımıza çıkıyor. Bitkisel motiflerin genellikle nesneler veya mimari öğeler arasında organik olarak büyüyüp dönüştüğü birçok Art Nouveau tasarımının aksine, Art Deco çalışmalarının çoğu Neoklasizm'i anımsatan net bir kompozisyon yapısı sergiliyor.

Fransız-Belçika Art Nouveau'sundan türetilen kavramların ötesinde, etkiler aynı zamanda Birleşik Krallık ve Viyana'da yaygın olan geometrik desenlerden ve hacimsel formlardan da kaynaklanıyordu. Bu bölgelerde görülen çiçekler, spiraller ve kareler Art Deco'dakilerle büyük benzerlik taşıyor. Charles Rennie Mackintosh daha sonraki çalışmalarında Art Deco formlarının habercisi bile oldu. Ayrılıkçı kreasyonlar arasında Brüksel'deki Stoclet Sarayı, zigurat şeklindeki çıkıntılar, merdiven penceresi için dikey bir yarık ve sadelik ve ölçülü süslemelerle karakterize edilen genel bir estetik içeren tarzı özellikle öngörüyor.

Yeniden Dirilişler

1960'lar, II. Dünya Savaşı sonrası hakim sanatsal paradigma olan modernizmi eleştirel bir şekilde inceleyen ve tarihsel stilistik unsurların çağdaş tasarımlara dahil edilmesini ve yeniden yorumlanmasını savunan bir hareket olan postmodernizmin doğuşuna işaret ediyordu. 1950'lerde Art Nouveau üzerine çeşitli uluslararası sergiler açılırken, 1960'larda dikkat çeken bir canlanma ivme kazandı ve 1970'lerde postmodernizmin yükselişiyle yoğunlaştı. Sergilerin ötesindeki bu yeniden diriliş, dönemin kültürel tonunu belirleyen, kendi yaşam ideallerini çiçek süslemeleri ve 1900'lerde yaygın olan "özgürleşmiş" erotik sanat temalarıyla tanımlayan "çiçek gücü" kuşağıyla da bağlantılı olabilir.

Art Nouveau aynı zamanda aynı döneme ait çok sayıda psychedelic rock posterinin ana ilham kaynağı oldu. 1960'ların psychedelic sanat hareketinin önde gelen isimleri arasında Rick Griffin, Victor Moscoso, Bonnie MacLean, Stanley Mouse, Alton Kelley ve Wes Wilson gibi San Francisco poster sanatçıları vardı. Art Nouveau'ya özgü dünyevi renk paletlerinin aksine, bu posterler oldukça doygun, zıt renklere ve kapsamlı bir şekilde stilize edilmiş, bazen okunması zor olan metinlere sahipti. Bu kendine özgü tarz yaklaşık 1966'dan 1972'ye kadar gelişti.

Günümüzde Gustav Klimt'in ikonik tabloları kupalar, tabaklar, peçeteler ve anahtarlıklar gibi çeşitli ticari hediyelik eşyalar üzerinde geniş çapta yeniden üretiliyor. Öpücük adlı eseri sayısız boyutta ve farklı malzemeler üzerine basılmıştır. Alphonse Mucha'nın posterleri de ticari röprodüksiyonlarda benzer şekilde her yerde bulunur.

Avusturyalı ressam ve mimar Friedensreich Hundertwasser, Art Nouveau'dan önemli ölçüde ilham almıştır. Yaratıcı etkileri Egon Schiele'yi, Barok sanatı, İran minyatürlerini ve Art Nouveau'nun eğrisel süsleme karakteristiğini kapsayan çok çeşitliydi.

Notlar

Kaynakça

• Bony, Anne, Modern Mimarlık, Paris, Larousse (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
• Bouillon, Jean-Paul (1985). Art Nouveau Dergisi. Paris: Skira. ISBN 2605000699.Celac, Mariana; Carabela, Octavian; Marcu-Lapadat, Marius (2017). Bükreş Mimarisi - açıklamalı bir kılavuz. Romanya Mimarlar Birliği. ISBN 9789730238846.Culot, Maurice; Pirlot, Ann-Marie (2005). Brüksel Art Nouveau (Fransızca). Brüksel: Archives d'Architecture Moderne. ISBN 2-87143-126-4.
• Heller, Steven ve Seymour Chwast. Viktorya Döneminden Dijitale Grafik Stili. Yeni baskı. New York: Harry N. Abrams, Inc., 2001, s. 53–57.
• Huyges, René. L'Art et le monde moderne, Cilt 1. Librarie Larousse, Paris, 1970.
• Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (Fransızca). Editions du Patrimoine: Centre des Monuments Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
• Lahor, Jean (2007) [1901]. L'Art nouveau (Fransızca). Baseline Co. Ltd. ISBN 9781859956670.
• Plum, Gilles (2014). Paris mimarileri de la Belle Époque (Fransızca). Sürümler Parigramme. ISBN 9782840968009.
• Sarnitz, Ağustos (2018). Otto Wagner (Fransızca). Köln: Taschen. ISBN 9783836564328.
• Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau: L'Utopie de la Réconciliation (Fransızca). Taschen. ISBN 9783822830055.
• Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art Nouveau (Fransızca). Paris: Éditions du Chêne. ISBN 9782812318061.

Art Nouveau. Grange Books, Rochester, İngiltere, 2007. ISBN 978-1-84013-790-3.

• Art Nouveau Grange Books, Rochester, İngiltere, 2007, ISBN 978-1-84013-790-3.
• Brumfield, William Craft. Rus Mimarisinde Modernizmin Kökenleri. Berkeley: University of California Press, 1991. ISBN 0-520-06929-3.
• Silverman, Debora L. (1992). Fin-de-siècle Fransa'sında Art Nouveau: Politika, Psikoloji ve Stil.
• Fiell, Charlotte ve Peter Fiell (2005). 20. Yüzyılın Tasarımı (25. yıl dönümü baskısı). Köln: Taschen, s. 55–60. ISBN 9783822840788. OCLC 809539744.
• L'Art uygulaması: Le Style moderne, revue uluslararası. Editör: H. Laurens (Paris), 1903–04. Bibliothèque Nationale de France (Fransızca).
• Modern tarz (Art Nouveau): Le Dictionnaire Pratique de Menuiserie – Ebénisterie – Charpente. J. Justin Storck, 1900 baskısı (Fransızca).
• Goss, Jared (2014). Fransız Art Deco. Metropolitan Sanat Müzesi. ISBN 9780300204308.
  • Washington D.C.'deki Ulusal Sanat Galerisi'nden Art Nouveau hareketi üzerine Art Nouveau öğretim kaynağı.
  • Art Nouveau Avrupa Rotası, Art Nouveau mirasının uluslararası tanıtımı ve korunmasına yönelik kar amacı gütmeyen bir dernek
  • Art Nouveau'nun Avrupa sanal sergisi