Kavramsal Sanat (Conceptual art)

Kavramsal sanat, aynı zamanda kavramsalcılık olarak da anılır, altta yatan kavram veya fikirlerin geleneksel estetik, teknik ve maddi hususlara eşit veya bunların üzerinde önceliklendirildiği sanatsal bir pratiği ifade eder. Bazı kavramsal sanat eserleri herkes tarafından bir dizi yazılı talimata bağlı kalarak gerçekleştirilebilir. Bu metodoloji, Amerikalı sanatçı Sol LeWitt'in kavramsal sanat tanımının merkezinde yer alıyordu ve bu tanım ilk yayınlananlar arasında yer alıyordu:

Kavramsal sanatta fikir veya kavram, eserin en can alıcı yönünü oluşturur. Bir sanatçı kavramsal bir sanat formu kullandığında, tüm planlama ve kararlar önceden yapılır, bu da uygulamayı baştan savma bir iş haline getirir. Dolayısıyla fikir, sanatı üreten bir mekanizma işlevi görüyor.

Kavramsal Sanat (Sanat ve Fikirler) (1998) kitabının yazarı Tony Godfrey, kavramsal sanatın temelde sanatın doğasını sorguladığını ileri sürüyor. Bu kavram, Joseph Kosuth tarafından, kavramsal sanatın ufuk açıcı erken dönem manifestosu Felsefeden Sonra Sanat (1969)'da bizzat sanatın tanımı haline getirildi. Sanatın kendi özünü incelemesi gerektiği fikri, etkili sanat eleştirmeni Clement Greenberg'in 1950'lerdeki Modern sanat vizyonunun zaten güçlü bir unsuruydu. Ancak 1960'larda yalnızca dile dayalı sanatın ortaya çıkmasıyla birlikte Art & Language, Joseph Kosuth (Art-Language'ın Amerikalı editörü oldu) ve Lawrence Weiner, sanatın daha önce mümkün olandan çok daha radikal bir şekilde sorgulanmasını başlattılar. Karşı çıktıkları başlıca husus, sanatçının rolünün belirli türde maddi nesneler yaratmak olduğu yönündeki yaygın varsayımdı.

1990'larda Genç Britanyalı Sanatçılar ve Turner Ödülü ile olan ilişkisi sayesinde, özellikle Birleşik Krallık'ta popüler kullanımda "kavramsal sanat", geleneksel resim ve heykel becerilerini kullanmayan tüm çağdaş sanatı ifade etmeye başladı. Terimin orijinal amaçlarından ve biçimlerinden çok uzak olan çeşitli çağdaş uygulamalarla ilişkilendirilmesinin bir nedeni, terimin kendisini tanımlamanın doğasında var olan zorlukta yatmaktadır. Sanatçı Mel Bochner'ın 1970 gibi erken bir tarihte, "kavramsal" sıfatından hoşlanmadığını açıklarken önerdiği gibi, "kavram"ın neyi kastettiği her zaman tamamen açık değildir ve "niyet" ile karıştırılma tehlikesi vardır. Bu nedenle, bir sanat eserini kavramsal olarak tanımlarken veya tanımlarken, "kavramsal" olarak adlandırılan şeyi sanatçının "niyeti" ile karıştırmamak çok önemlidir.

Tarihsel Öncüler

Fransız sanatçı Marcel Duchamp kavramsalcıları önemli ölçüde etkiledi ve onlara hazır eserleri gibi prototip kavramsal çalışmaların örneklerini sundu. Duchamp'ın hazır yapıtlarının en ünlüsü Fountain (1917) idi; sanatçı tarafından "R. Mutt" takma adıyla imzalanan standart bir pisuar, New York'taki Bağımsız Sanatçılar Derneği'nin yıllık, jürisiz sergisine dahil edilmek üzere sunuldu (ki bu sergi reddedildi). Geleneksel sanatsal gelenekler tipik olarak sıradan bir nesneyi (pisuar gibi) sanat olarak sınıflandırmaz çünkü bu ne bir sanatçı tarafından sanatsal niyetle yaratılmıştır, ne de benzersiz veya el yapımıdır. Duchamp'ın geleceğin "kavramsalcıları" açısından önemi ve teorik önemi daha sonra Amerikalı sanatçı Joseph Kosuth tarafından 1969 tarihli Felsefeden Sonra Sanat adlı makalesinde kabul edildi ve şöyle dedi: "Duchamp'tan sonra tüm sanatlar (doğada) kavramsaldır, çünkü sanat yalnızca kavramsal olarak var olur."

1956'da, Lettrism'in kurucusu Isidore Isou, doğası gereği, sanat eseri olarak kabul edilebilecek bir sanat eseri kavramını geliştirdi. asla fiziksel olarak yaratılamaz, ancak yine de entelektüel tefekkür yoluyla estetik ödüller sağlayabilir. Art esthapériste (ya da "sonsuz estetik") olarak da adlandırılan bu kavram, Gottfried Wilhelm Leibniz'in sonsuz küçüklerinden, yani aslında kavramsal olarak var olamayacak niceliklerden türetilmiştir. 2013 yılı itibariyle Isouian hareketinin mevcut vücut bulmuş hali Excoördism, kendisini sonsuz büyük ve sonsuz küçük sanatı olarak tanımlıyor.

Kökenler

1961'de filozof ve sanatçı Henry Flynt, proto-Fluxus derlemesi An Anthology of Chance Operations'da yayınlanan aynı başlıklı bir makalede "kavram sanatı" terimini tanıttı. Flynt, "kavram sanatının", mantıksal paradoksların kavramların doğasında var olan özünü azalttığını öne süren "bilişsel nihilizm" teorisinden kaynaklandığını ileri sürdü. Mantık ve matematik yapılarından yararlanan konsept sanatının, hem matematiğin hem de ciddi sanat topluluklarında hakim olan biçimsel müziğin ötesine geçmesi amaçlandı. Sonuç olarak Flynt, bir çalışmanın kavram sanatı olarak nitelendirilebilmesi için, mantık veya matematiği eleştirel bir şekilde incelemesi gerektiğini ve ana aracı olarak dilsel bir kavramı kullanması gerektiğini savundu; bu, daha sonraki "kavramsal sanatta özellikle bulunmayan bir özelliktir."

Terim daha sonra Joseph Kosuth ve İngiliz Sanat ve Dil grubu tarafından benimsendiğinde farklı bir yorum kazandı. Bu uygulayıcılar geleneksel sanat nesnelerini reddettiler ve bunun yerine 1969'da Art-Language: The Journal of Conceptual Art ile başlatılan, sanatçının rolünün sosyal, felsefi ve psikolojik boyutlarına ilişkin belgelenmiş eleştirel bir araştırmayı tercih ettiler. 1970'lerin ortalarına gelindiğinde çabaları, yayınlar, indeksler, performanslar, metinler ve resimler de dahil olmak üzere çok çeşitli çıktılar ortaya çıkardı. Kavramsal sanata adanan açılış sergisi Kavramsal Sanat ve Kavramsal Yönler, 1970 yılında New York Kültür Merkezi'nde sunuldu.

Biçimciliğin ve Sanatın Metalaştırılmasının Eleştirileri

Kavramsal sanat, 1960'larda, kısmen etkili New York sanat eleştirmeni Clement Greenberg'in savunduğu biçimciliğe karşı çıkan önemli bir hareket olarak hayata geçti. Greenberg, Modern sanatın, her sanatsal ortamın temel, biçimsel özünü tasvir etmeyi amaçlayan sistematik bir indirgeme ve iyileştirme süreci yoluyla ilerlediğini öne sürdü. Sonuç olarak, bu içsel doğaya aykırı olarak algılanan her türlü unsurun ortadan kaldırılması gerekiyordu. Örneğin Greenberg'e göre resmin amacı, onun içkin nesneliğini tam olarak tanımlamaktı: Bir resmi oluşturan ve onu diğer biçimlerden ayıran şey. Resimlerin doğası gereği, pigment uygulaması için tuval yüzeyleri olan düz nesneler olduğu göz önüne alındığında, figürasyon, üç boyutlu perspektif yanılsaması ve dış konuya yapılan göndermeler gibi unsurların, resmin temel özüne yabancı olduğu düşünüldü ve bu nedenle bunların kaldırılması gerekti.

Bazı akademisyenler, kavramsal sanatın, fiziksel nesnelere olan ihtiyacı tamamen ortadan kaldırarak sanatın "maddilikten arındırılmasını" genişlettiğini iddia ediyor. Tersine, pek çok sanatçının kendisi de dahil olmak üzere diğerleri, kavramsal sanatı Greenberg'in biçimci Modernizminden temel bir sapma olarak gördüler. Daha sonraki sanatçılar sanatın özeleştiri yapması ve yanılsamayı küçümsemesi yönünde ortak bir eğilimi sürdürürken, 1960'ların sonlarında Greenberg'in sanatın araca özgü sınırlar içinde kalmasını ve dış konuları dışlamasını gerektiren kısıtlamalarının artık geçerli olmadığı ortaya çıktı. Kavramsal sanat aynı zamanda sanatın metalaşmasına karşı da bir tepki oluşturdu. Galeri veya müzenin sanatın ana mekânı ve hakemi, sanat piyasasının ise onun sahibi ve dağıtıcısı olma rolünü yıkmaya çalıştı. Lawrence Weiner bu duyguyu şu sözlerle dile getirdi: "Bir çalışmamı öğrendiğinde, ona sahip olursun. Birinin kafasına girip onu çıkarmamın imkanı yok." Sonuç olarak, kavramsal sanatçıların çalışmalarının çoğuna öncelikle belgeleme yoluyla (fotoğraflar, yazılı metinler veya sergilenen nesneler gibi) erişilebilir; bazıları bunların sanatın kendisi olmadığını iddia ediyor. Bazı durumlarda, Robert Barry, Yoko Ono ve Weiner'in uygulamalarıyla örneklenen çalışma, bir sanat eserini gerçekte üretmeden tanımlayan bir dizi yazılı talimata dönüştürülür ve böylece fikrin eser üzerindeki önceliği vurgulanır. Bu metodoloji, sanatsal eylemin idari ve fiziksel sertifikasyonunu daha ayrıntılı olarak araştıran Protokol Sanatını desteklemektedir. Bu yaklaşım, algılanan sanat-zanaat ikiliği içindeki "sanat" bileşenine yönelik açık bir tercihin altını çizmektedir; burada zanaattan farklı olarak sanat, tarihsel söylem içinde faaliyet gösterir ve ona katkıda bulunur; örneğin Ono'nun yazılı talimatları, o dönemin diğer kavramsal sanatıyla birlikte ele alındığında daha büyük bağlamsal anlam kazanır.

Sanatsal Araç Olarak Dil

Dil, 1960'larda ve 1970'lerin başında kavramsal sanatçıların ilk dalgası için önemli bir odak noktası oluşturuyordu. Metnin sanatsal pratiğe dahil edilmesi emsalsiz olmasa da, özellikle 1960'larda Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry ve Art & Dil, sanatı yalnızca dilsel yöntemler aracılığıyla yaratmaya başladı. Dilin daha geniş bir kompozisyon yapısına hizmet eden tamamlayıcı bir görsel bileşen olarak işlev gördüğü önceki dönemlerin aksine (Sentetik Kübizm'de örneklendiği gibi), kavramsal sanatçılar dili birincil araç olarak kullandılar, fırça ve tuval gibi geleneksel araçların yerini aldılar ve böylece anlamın özerk bir şekilde iletilmesini sağladılar. Anne Rorimer, Lawrence Weiner'in yapıtlarıyla ilgili olarak şunu gözlemliyor: "Bireysel çalışmaların tematik içeriği yalnızca kullanılan dilin ithalatından kaynaklanırken, sunum araçları ve bağlamsal yerleştirme çok önemli ancak ayrı roller oynar."

İngiliz filozof ve önde gelen kavramsal sanat teorisyeni Peter Osborne, kavramsalcılık içinde dile dayalı sanata yönelik eğilimin, yirminci yüzyılın ortasında dilsel anlam teorilerine doğru yönelen eğilimden önemli ölçüde etkilendiğini öne sürüyor; Anglo-Amerikan analitik felsefesi ve yapısalcı ve post-yapısalcı Kıta felsefesi. Bu önemli dilsel değişim, kavramsal sanatçılar tarafından benimsenen sanatsal yörüngeyi etkili bir şekilde "güçlendirdi ve meşrulaştırdı". Osborne ayrıca öncü kavramsalcıların, sanatta resmi üniversite diploması alan ilk sanatçı kuşağını temsil ettiğinin altını çiziyor. 9 Temmuz 2010'da Como'daki Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota'da halka açık bir konferansta Osborne, daha sonra çağdaş sanatın kavram sonrası olduğunu ileri sürdü. Bu iddia, yalnızca bir tarzı veya hareketi tanımlamaktan ziyade, sanat eserinin ontolojik düzeyinde işliyor.

Amerikalı sanat tarihçisi Edward A. Shanken, Roy Ascott'u "kavramsal sanat ile sanat ve teknoloji arasındaki önemli kesişimleri güçlü bir şekilde ortaya koyan ve bu sanat tarihi kategorilerinin geleneksel özerkliğini patlatan" bir örnek olarak gösteriyor. İngiltere'deki sibernetik sanatla en yakından bağlantılı İngiliz sanatçı olarak tanınan Ascott, teknolojiyi açıkça dahil etmeyen ağırlıklı olarak kavramsal sibernetik uygulaması nedeniyle Sibernetik Serendipity'de özellikle yoktu. Tersine, sibernetiğin sanat ve sanat pedagojisine uygulanmasını araştıran "Değişimin İnşası" (1964) adlı makalesinin, Lucy R. Lippard'ın ufuk açıcı Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972 kitabının ithaf sayfasında (Sol LeWitt'e) alıntılanmasına rağmen, Ascott'un Britanya'da kavramsal sanatın gelişimine öncü katkıları olmuştur. sanat ve teknolojiye olan güçlü bağlılığı nedeniyle potansiyel olarak (ve ironik bir şekilde) sınırlı bir takdir topladı. Bir diğer önemli kesişim, Ascott'un 1963 tarihli çalışmasında sözel ve görsel dillerin taksonomik özelliklerine açıkça paralel olan *telematik bağlantılar:: zaman çizelgesi* eş anlamlılar sözlüğünü kullanması aracılığıyla araştırıldı. Bu kavram daha sonra Joseph Kosuth'un İkinci Araştırma, Öneri 1 (1968) ve Mel Ramsden'in Elements of an Incomplete Map (1968) adlı eserlerinde benimsenmiştir.

Çağdaş Tarihe Genel Bakış

Proto-kavramsalcılığın kökenleri, Manet (1832–1883) ve ardından Marcel Duchamp (1887–1968) gibi isimler tarafından örneklendirilen Modernizmin ortaya çıkışına kadar uzanır. "Kavramsal sanat" hareketinin ilk aşaması yaklaşık 1967'den 1978'e kadar sürdü. Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) ve Ray Johnson (1927–1995) dahil olmak üzere öncü "konsept" sanatçılar, daha sonra geniş çapta tanınan kavramsal sanat hareketini önemli ölçüde etkiledi. Dan Graham, Hans Haacke ve Lawrence Weiner gibi önde gelen kavramsal sanatçılar, sonraki nesil sanatçılar üzerinde önemli bir etkiye sahip oldular. Sonuç olarak, Mike Kelley veya Tracey Emin gibi tanınmış çağdaş uygulayıcılar zaman zaman "ikinci veya üçüncü nesil" kavramsalcılar veya "post-kavramsal" sanatçılar (sanatta "Post-" ön eki genellikle bir türetme veya sonuç ilişkisini belirtir) olarak sınıflandırılır. Protokol Sanatı'nda örneklenen son gelişmeler, odağı kaydileştirilmiş kavramdan sanatsal eylemin idari ve fiziksel kimlik doğrulamasına doğru yeniden yönlendirerek bu evrimsel gidişatı sürdürüyor.

Çağdaş sanatçılar, kendilerini "kavramsal sanatçılar" olarak tanımlayıp tanımlamadıklarına bakılmaksızın sıklıkla kavramsal sanat hareketinden kaynaklanan temalarla ilgileniyorlar. Metalaşma karşıtı, sosyo-politik eleştiri ve fikirlerin veya bilgilerin sanatsal araçlar olarak kullanılması gibi temel kavramlar, özellikle enstalasyon sanatı, performans sanatı, sanat müdahalesi, net.art ve elektronik/dijital sanat alanlarındaki çağdaş sanat uygulamalarının ayrılmaz bir parçası olmaya devam ediyor.

Canlanma

Neo-kavramsal sanat, 1980'lerden ve özellikle 1990'lardan günümüze, 1960'lar ve 1970'lerin kavramsal sanat hareketinden türeyen sanatsal uygulamaları kapsar. Sonraki girişimler arasında Moskova Kavramsalcıları, Sherrie Levine gibi ABD'li neo-kavramsalcılar ve Birleşik Krallık'taki Damien Hirst ve Tracey Emin başta olmak üzere Genç Britanyalı Sanatçılar yer alıyor.

Parodi

Jilly Cooper'ın 2002 tarihli romanı Pandora'da hareketin parodisi yapılmıştır.

Önemli Örnekler

• 1913: Marcel Duchamp'ın Bisiklet Tekerleği (Roue de bisiklettte), boyalı ahşap bir tabureye çatalıyla monte edilen bir bisiklet tekerleğinden oluşan yardımlı hazır yapım. Her ne kadar hazır eşya kavramı iki yıl sonra resmileşmiş olsa da bu eser ilk sayılıyor. Orijinal eser kayıptır ve aynı zamanda ilk kinetik heykel olarak da kabul edilmektedir.
• 1914: Marcel Duchamp'ın Şişe Rafı (ayrıca Şişe Kurutucu veya Kirpi olarak da bilinir) veya Fransızca'da Egouttoir, Porte-bouteilles veya Hérisson. Galvanizli demir şişe kurutma rafından oluşan bu hazır yapıt, Duchamp tarafından "zaten yapılmış" bir heykel olarak satın alındı, ancak Paris'teki stüdyosunda kaldı. 1916'da, iki yıl sonra, kız kardeşi Suzanne Duchamp ile Fransa'da New York'tan mektuplaşırken, bunu resmi olarak hazır yapım olarak adlandırma arzusunu dile getirdi; ancak Paris'teki stüdyosunu yöneten Suzanne nesneyi çoktan elden çıkarmıştı.
• 1915: Marcel Duchamp'ın Kırık Kolun Önünde (En prévision du bras cassé) adlı eseri, Duchamp'ın üzerine adını titizlikle yazdığı bir kar küreği içeren hazır yapım. Bu parça, sanatçının resmi olarak bir sanat eserini "hazır yapıt" olarak tanımladığı ilk örneği temsil ediyor.
• 1916–17: Apolinère Emaye, 1916–1917. Bu düzeltilmiş hazır ürün, değiştirilmiş bir Sapolin boya reklamıdır.
• 1917: The Independent dergisindeki bir makalenin kavramsal sanatın icadı olarak tanımladığı Marcel Duchamp'ın Çeşme'si. Bu aynı zamanda Kurumsal Eleştirinin erken bir örneğini de temsil ediyor.
• 1917: Marcel Duchamp'ın Şapkalık (Porte-chapeaux), c. 1917 civarı. Bu hazır yapıt ahşap bir şapkadan oluşur.
• 1919: Marcel Duchamp'ın L.H.O.O.Q.'su, düzeltilmiş bir hazır yapıt. Bu çalışma, Leonardo da Vinci'nin Mona Lisa tablosunun bir röprodüksiyonunu içeriyor; Duchamp bunun üzerine keçi sakalı ve bıyık çizerek kaba bir kelime oyunuyla başlık veriyor.
• 1921: Marcel Duchamp'ın Neden Hapşırmasın, Rose Sélavy? adlı yardımlı hazır yapım. Bu parça, hepsi küçük bir kuş kafesinin içinde yer alan, şeker topakları şeklindeki mermer küplerden, bir termometre ve mürekkepbalığı kemiklerinden oluşuyor.
• 1921: Marcel Duchamp'ın Belle Haleine, Eau de Voilette'i, yardımlı hazır yapım. Bu çalışma, orijinal kutusu içerisinde sunulan, değiştirilmiş bir parfüm şişesinden oluşmaktadır.
• 1952: Amerikalı deneysel besteci John Cage'in üç bölümlü bestesi 4′33″'nin prömiyeri 29 Ağustos 1952'de gerçekleşti. Piyanist David Tudor bu eseri çağdaş bir piyano müziği resitalinin parçası olarak Woodstock, New York'taki Maverick Konser Salonu'nda seslendirdi. Genellikle "dört dakika otuz üç saniyelik sessizlik" olarak yorumlanır.
• 1953: Robert Rauschenberg, Willem de Kooning'in bir çiziminin silinmesiyle oluşturulan bir sanat eseri olan Erased De Kooning Drawing'i üretti. Bu eser, sanatın temel doğasına ilişkin önemli soruları gündeme getirerek izleyicileri, başka bir sanatçının eserini silme eyleminin yaratıcı bir eylem olup olamayacağı ve sanatsal geçerliliğinin yalnızca Rauschenberg'in şöhretinden kaynaklanıp kaynaklanmadığı konusunda düşünmeye zorladı.
• 1955: Rhea Sue Sanders, görsel sanatı şiir ve felsefeyle bütünleştirerek pièces de complices serisi için ilk metin parçalarını yarattı. Bu çalışma, izleyicinin sanat eserini kendi hayal gücü dahilinde tamamlaması gerektiğini öne sürerek suç ortaklığı kavramını ortaya koydu.
• 1958: George Brecht, daha sonra Fluxus'un temel özelliği haline gelecek bir kavram olan Etkinlik Puanı'nı geliştirdi. Brecht, Dick Higgins, Allan Kaprow, Al Hansen, Jackson MacLow ve diğerleri, Happenings, Fluxus ve Henry Flynt'in konsept sanatının yaratılmasına doğrudan katkıda bulunan bir dönem olan 1958 ile 1959 yılları arasında The New School'da John Cage ile çalıştılar. Etkinlik Puanları, herkese açık, özel olarak gerçekleştirilebilen veya hiç gerçekleştirilemeyen günlük görevleri tamamlamaya yönelik basit talimatlardır.
• 1958'de Wolf Vostell, Avrupa'da ilk Olay olarak kabul edilen Das Theatre ist auf der Straße/Tiyatro sokakta'yı sundu.
• 1961'de Piero Manzoni, kendi dışkısını içerdiği iddia edilen bir dizi teneke kutu olan Sanatçının Bokunu sergiledi ve bunları altınla eşdeğer ağırlıkta satışa sundu. Bu kutuların içindekiler doğrulanmadı çünkü bunların açılması sanat eserini tehlikeye atacaktı. Manzoni ayrıca balonlarla kapsüllenmiş olarak verdiği nefesini Hava Cisimleri başlığı altında pazarladı. Ayrıca bireylerin bedenlerini imzalayarak onları, ödemeye bağlı olarak kalıcı veya belirli süreler boyunca yaşayan sanat eserleri olarak tanımladı. Bu yöntemle "sanat eseri" olarak ilan edilen önemli isimler arasında Marcel Broodthaers ve Primo Levi yer alıyor.
• 1962'de sanatçı Barrie Bates, Billy Apple lakabını benimseyerek ve günlük yaşam ve ticari uygulamalara yönelik sanatsal araştırmasını ilerletmek için eski kimliğini bir kenara bırakarak yeniden markalaşmaya gitti. Bu noktada yaratımlarının önemli bir kısmı dış imalatçılar tarafından üretildi.
• 1962'de Yves Klein, Seine Nehri boyunca Önemsiz Resimsel Duyarlılık'ı sunan çeşitli törenler düzenledi. Bu etkinlikler sırasında, tanımsız bıraktığı "resim duyarlılığını" altın varak karşılığında satmayı teklif etti. Alıcılar Klein'a altın varak sunacak ve bir sertifika alacaklardı. Klein'ın hassasiyetinin maddi olmayan doğası göz önüne alındığında, alıcıya daha sonra sertifikayı yakması talimatı verilirken Klein aynı anda alınan altın yaprağın yarısını nehre attı. Bu işlemlere yedi kişi katıldı.
• FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik, George Maciunas, Wolf Vostell, Nam June Paik ve diğer sanatçıların katkılarıyla 1962'de Wiesbaden'de gerçekleşti.
• 1963 yılında, George Brecht'in Water Yam başlıklı Etkinlik Skorları derlemesi, George Maciunas tarafından ilk Fluxkit olarak yayımlandı.
• 1964 yılında Yoko Ono, estetik bir deneyimi kolaylaştırmak için tasarlanmış talimatlar sunarak buluşsal sanatı örnekleyen bir çalışma olan Greyfurt: Talimatlar ve Çizimler Kitabı'nı yayınladı.
• 1965'te Art & Dil, Ayna Parçası'nı yarattı. Geleneksel resimden farklı olan bu sanat eseri, değişken ayna düzenlemelerini bir araya getirerek hem izleyicinin ilgisini çekti hem de Clement Greenberg'in teorik çerçevesine meydan okudu.
• Joseph Kosuth, Bir ve Üç Sandalye kavramsallaştırmasını 1965 yılına dayandırıyor. Sanat eserinin sunumu, fiziksel bir sandalye, bu sandalyenin bir fotoğrafı ve Kosuth tarafından seçilen "sandalye" kelimesinin büyütülmüş sözlük tanımından oluşuyor. Bu çalışmanın her biri farklı bir tanım içeren dört farklı versiyonu belgelenmiştir.
• 1966'da tasarlanan Art & Language'ın İklimlendirme Gösterisi daha sonra Arts Magazine'in Kasım 1967 sayısında bir makale olarak yayımlandı.
• 1967'de Mel Ramsden ilk %100 Soyut Resimlerini üretti. Bu özel sanat eseri, resmin maddi içeriğini oluşturan kimyasal bileşenlerin ayrıntılarını veren bir liste içeriyor.
• 1968'de Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge ve Harold Hurrell Art & Dil.
• 1968'de Lawrence Weiner, kavramsal sanatta LeWitt'in "Kavramsal Sanat Paragrafları"nın ardından gelen çok önemli bir beyan olan "Niyet Beyanı"nı dile getirdi ve böylece sanatsal pratiğinde fiziksel üretimin gerekliliğini inkar etti. Sonraki metodolojisine bilgi veren bu deklarasyon şöyle diyor: "1. Parçayı sanatçı yapabilir. 2. Parça imal edilebilir. 3. Parçanın inşa edilmesine gerek yoktur. Her biri eşit ve sanatçının niyetiyle tutarlı olduğundan, teslim alma durumunda koşullandırma kararı alıcıya aittir."
• 1969 yılı, New York'ta alternatif sergi mekânlarının ilk dalgasının kuruluşuna işaret ediyordu; bunlar arasında Billy Apple'ın APPLE'ı, Robert Newman'ın Gain Ground'u (Vito Acconci'nin çok sayıda önemli ilk eserini yarattığı yer) ve 112 Greene Street yer alıyordu.
• 1973 yılında Jacek Tylicki, doğanın sanatsal yaratıcı olarak hizmet etmesine olanak tanıyacak şekilde doğal ortamlara boş tuvaller veya kağıt sayfalar yerleştirme uygulamasını başlattı.
• 1973 ile 1979 yılları arasında Mary Kelly, oğlunun bakımının ilk altı yılını anlatan altı bölümlük bir çalışma olan Doğum Sonrası Belgesini geliştirdi. Psikanalitik ve feminist bir bakış açısı kullanan bu eser, anne-çocuk dinamiğini araştırıyor ve hem oğlunun hem de kendisinin gelişen kimliğini irdeliyor.
• 1981'de Joey Skaggs, Dr. Josef Gregor'un kimliğine bürünerek ve hamamböceği hormonlarından elde edilen evrensel bir ilacın keşfini öne sürerek Metamorfoz: Hamamböceği Mucize Tedavisi adlı sahtekarlığı düzenledi. Saçma bilimsel iddiaları sosyal yorumlarla birleştiren bu performans, medyanın saflığını ortaya çıkardı ve Skaggs'ın halkın otoriteye ve uzmanlık bilgisine olan güvenini sorgulamak için kavramsal sanat uygulamasını sergiledi.
• 1982'de Art & Language'ın Art & Sanat ve Sanat sergisine eşlik etmesi planlanan documenta 7 sırasında Kassel'de sahnelenmesi planlandı. Language'ın 3 Wesley Place'deki Stüdyosu Aktörler Tarafından Boyandı; ancak sonuçta performans iptal edildi.
• 1990'da Ashley Bickerton ve Ronald Jones, Whitney Amerikan Sanatı Müzesi'nde "üçüncü kuşak Kavramsal sanatçıların" sergilendiği "Madde Üzerindeki Zihin: Kavram ve Nesne" sergisinde yer aldılar.
• 1991'de Ronald Jones, Metro Pictures Gallery'de sanatı, tarihi ve bilimi katı siyasi gerçeklerin merceğinden inceleyen nesne ve metinlerin yer aldığı bir sergi sundu.
• 1991'de Charles Saatchi, Damien Hirst'e finansman sağladı ve ertesi yıl Saatchi Galerisi, Hirst'ün bir vitrin içinde formaldehit içinde saklanan bir köpekbalığından oluşan Yaşayan Birinin Zihninde Ölümün Fiziksel İmkansızlığı adlı sanat eserini sergiledi.
• 1992 yılında Maurizio Bolognini, süresiz olarak çalışacak şekilde programlanan ve rastgele, görünmeyen görüntülerden oluşan sonsuz akışlar üreten yüzlerce bilgisayarı içeren bir proje olan Programlanmış Makinelerinin "mühürlenmesini" başlattı.
• 1999 yılında Tracey Emin, prezervatif, kan lekeli iç çamaşırı, şişeler ve yatak odası terlikleri gibi kişisel döküntülerle çevrelenmiş darmadağınık bir yatak olan Yatağım'ı içeren sergisiyle Turner Ödülü'ne aday gösterildi.
• 2001 yılında Martin Creed, ışıkların aralıklı olarak açılıp kapandığı boş bir odadan oluşan Çalışma No. 227: Işıklar açılıp kapanıyor adlı eseriyle Turner Ödülü'ne layık görüldü.
• 2003 yılında Damali Ayo, Seattle, WA'daki Çağdaş Sanat Merkezi'nde Flesh Tone #1: Skinned'i sundu. Ortak çalışmaya dayalı bu otoportre, etkileşimlerin belgelenmesiyle birlikte vücudunun farklı bölgelerine uygun ev boyası formüle etmek için yerel hırdavatçılardan boya karıştırıcıları talep etmesini içeriyordu.
• 2005 yılında Simon Starling, ahşap bir kulübeyi tekneye dönüştürmeyi, onu Ren Nehri boyunca yönlendirmeyi ve ardından tekrar kulübeye dönüştürmeyi içeren bir sanat eseri olan Shedboatshed ile Turner Ödülü'nü aldı.
• 2005 yılında David Lynch Hava Durumu Raporu video serisini oluşturdu. Eleştirmenler Lynch'in Hava Durumu Raporu serisini kavramsal veya performansa dayalı bir sanat biçimi olarak nitelendirdiler; ritüelleştirilmiş, günlük, tekrarlanan, minimalist ve kendi kendine yayınlanan formatının kavramsalcılığın sürece odaklanması ve günlük eylemlerin yüceltilmesiyle uyumlu olduğunu gözlemlediler. Her ne kadar evrensel olarak bu şekilde kategorize edilmemiş olsa da seri, internette yaygın bir dolaşıma ulaştı ve post-minimal ve süreç odaklı kavramsal sanatla ilgili tartışmalarda zaman zaman referans alınıyor.
• 2014 yılında Olaf Nicolai, uluslararası bir yarışmada kazandığı zaferin ardından Viyana'nın Ballhausplatz'ında bulunan Nazi Askeri Adalet Kurbanları Anıtı'nı tasarladı. Üç basamaklı heykeli süsleyen yazıtta İskoç şair Ian Hamilton Finlay'in (1924–2006) iki kelimelik bir şiiri yer alıyor: tamamen yalnız.
• 2019'da Maurizio Cattelan, duvara bantlanmış bir muzu tasvir eden bir sanat eseri olan Comedian'ın iki baskısını her biri 120.000 ABD Doları karşılığında satarak medyanın büyük ilgisini çekti.

Önemli Kavramsal Sanatçılar

Referanslar

Referanslar

Kitaplar

Kitaplar

• Harrison, Charles. Sanat ve Sanat Üzerine Denemeler Dil. MIT Press, 1991.
• Harrison, Charles. Kavramsal Sanat ve Resim: Sanat ve Sanat Üzerine Diğer Denemeler Dil. MIT Press, 2001.
• Migliorini, Ermanno. Kavramsal Sanat. Floransa, 1971.
• Honnef, Klaus. Konsept Sanatı. Köln: Phaidon, 1972.
• Meyer, Ursula, ed. Kavramsal Sanat. New York: Dutton, 1972.
• Lippard, Lucy R. Altı Yıl: 1966'dan 1972'ye Sanat Nesnesinin Kaydileştirilmesi. 1973. Berkeley: Kaliforniya Üniversitesi Yayınları, 1997.
• Battcock, Gregory, ed. Fikir Sanatı: Eleştirel Bir Antoloji. New York: E.P. Dutton, 1973.
• Schilling, Jürgen. Aktionskunst. Kunst und Leben'in Kimliği? Verlag C.J. Bucher, 1978, ISBN 3-7658-0266-2.
• Aliaga, Juan Vicente ve José Miguel G. Cortés, ed. Kavramsal Sanatın Yeniden Düzenlenmesi/Kavramsal Sanatın Yeniden Ziyaret Edilmesi. Valensiya: Universidad Politécnica de Valencia, 1990.
• Dreher, Thomas. Konzeptuelle Kunst in Amerika und England zwischen 1963 und 1976 (Tez, Ludwig-Maximilians-Universität, München). Frankfurt am Main: Peter Lang, 1992.
• Morgan, Robert C. Kavramsal Sanat: Bir Amerikan Perspektifi. Jefferson, NC/Londra: McFarland, 1994.
• Morgan, Robert C. Sanattan Fikirlere: Kavramsal Sanat Üzerine Denemeler. Cambridge ve diğerleri: Cambridge University Press, 1996.
• Harrison, Charles ve Paul Wood. Teoride Sanat: 1900–1990. Blackwell Yayıncılık, 1993.
• Godfrey, Tony. Kavramsal Sanat. Londra, 1998.
• Editörler Alexander Alberro ve Blake Stimson. Kavramsal Sanat: Eleştirel Bir Antoloji. Cambridge, Massachusetts ve Londra: MIT Press, 1999.
• Michael Newman ve Jon Bird tarafından düzenlenmiştir. Kavramsal Sanatı Yeniden Yazmak. Londra: Reaktion, 1999.
• Rorimer, Anne. 60'larda ve 70'lerde Yeni Sanat: Gerçekliği Yeniden Tanımlamak. Londra: Thames &; Hudson, 2001.
• Osborne, Peter. Kavramsal Sanat (Temalar ve Hareketler). Phaidon, 2002.
• Alberro, Alexander. Kavramsal Sanat ve Tanıtım Politikası. MIT Press, 2003.
• Michael Corris tarafından düzenlenmiştir. Kavramsal Sanat: Teori, Uygulama, Efsane. Cambridge, İngiltere: Cambridge University Press, 2004.
• Marzona, Daniel. Kavramsal Sanat. Köln: Taschen, 2005.
• Roberts, John. Biçimin Somut Olmayanlıkları: Hazır Yapım Sonrası Sanatta Beceri ve Beceriksizlik. Londra ve New York: Verso Books, 2007.
• Goldie, Peter ve Elisabeth Schellekens. Kavramsal Sanattan Kim Korkar? Abingdon: Routledge, 2010. VIII, 152 sayfa: illüstrasyonlar; 20 cm. ISBN 0-415-42281-7 (ciltli); ISBN 978-0-415-42281-9 (ciltli); ISBN 0-415-42282-5 (ciltsiz); ISBN 978-0-415-42282-6 (ciltsiz).

Denemeler

• Epstein, Mikhail, Alexander Genis ve Slobodanka Vladiv-Glover. (2016) [1999]. "Metarealizm ve Kavramsalcılık Üzerine Tezler (1983)." Rus Postmodernizmi: Sovyet Sonrası Kültüre Yeni Perspektifler içinde, çeviren: Slobodanka Vladiv-Glover (Gözden geçirilmiş baskı), 169–176. New York; Oxford: Berghahn Kitapları. ISBN 978-1-78238-864-7.Estetik Eğitimi Dergisi (yayınlanacak, 2016).

Sergi Katalogları

• Diyagram Kutuları ve Analog Yapılar. Sergi kataloğu. Londra: Molton Galerisi, 1963.
• 5–31 Ocak 1969. Sergi kataloğu. New York: Seth Siegelaub, 1969.
• Tutumlar Biçimlendiğinde. Sergi kataloğu. Bern: Kunsthalle Bern, 1969.
• 557.087. Sergi kataloğu. Seattle: Seattle Sanat Müzesi, 1969.
• Konsept/Anlayış. Sergi kataloğu. Leverkusen: Städtisches Museum Leverkusen ve diğerleri, 1969.
• Kavramsal Sanat ve Kavramsal Yönler. Sergi kataloğu. New York: New York Kültür Merkezi, 1970.
• Zihindeki Sanat. Sergi kataloğu. Oberlin, Ohio: Allen Memorial Sanat Müzesi, 1970.
• Bilgi. Sergi kataloğu. New York: Modern Sanat Müzesi, 1970.
• Yazılım. Sergi kataloğu. New York: Yahudi Müzesi, 1970.
• Durum Kavramları. Sergi kataloğu. Innsbruck: Güncel Kunst Forumu, 1971.
• Sanat Kavramı I. Sergi kataloğu. Bordeaux: capcMusée d'art contemporain de Bordeaux, 1988.
• Kavramsal sanat. Sergi kataloğu. Paris: ARC – Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1989.
• Christian Schlatter tarafından düzenlenmiştir. Sanat Kavramsal Biçimleri Kavramsal Biçimler/Kavramsal Sanat Kavramsal Biçimleri. Sergi kataloğu. Paris: Galerie 1900–2000 ve Galerie de Poche, 1990.
• Sanat Nesnesini Yeniden Düşünmek: 1965–1975. Sergi kataloğu. Los Angeles: Çağdaş Sanat Müzesi, 1995.
• Küresel Kavramsalcılık: Menşe Noktaları, 1950'ler–1980'ler. Sergi kataloğu. New York: Queens Sanat Müzesi, 1999.
• Açık Sistemler: Sanatı Yeniden Düşünmek c. 1970. Sergi kataloğu. Londra: Tate Modern, 2005.
• Sanat ve amp; Dil Tamamlanmamış: Philippe Méaille Koleksiyonu. MACBA Basını, 2014.
• Işık Yılları: Kavramsal Sanat ve Fotoğraf 1964–1977. Sergi kataloğu. Chicago: Chicago Sanat Enstitüsü, 2011.

• Wikimedia Commons'ta Kavramsal sanatla ilgili medya
• Sanat ve amp; Dil Tamamlanmamış: Philippe Méaille Koleksiyonu, MACBA 2017-07-29 tarihinde Wayback Machine'de Arşivlendi
• Işık Yılları: Kavramsal Sanat ve Fotoğraf, 1964–1977, Chicago Sanat Enstitüsü'nde
• Schellekens, Elisabeth. "Kavramsal Sanat." Zalta'da, Edward N. (ed.), Stanford Felsefe Ansiklopedisi. ISSN 1095-5054. OCLC 429049174.Kaynak: TORİma Akademi Arşivi