İzlenimcilik, kendine özgü fırça çalışmaları, sınırsız kompozisyon yapıları, ışığın geçici niteliklerinin (çoğunlukla zamansal değişimleri vurgulayan) kesin tasvirine odaklanma, sıradan konular, alışılmadık perspektifler ve insan algısının ve yaşanmış deneyimin temel bir yönü olarak hareketin bütünleştirilmesiyle karakterize edilen bir 19. yüzyıl sanat hareketiydi. Hareket, 1870'ler ve 1880'lerde bağımsız sergileriyle tanınan Parisli sanatçılardan oluşan bir kolektiften ortaya çıktı.
İzlenimcilik, görünür fırça darbeleri, açık kompozisyon, ışığın değişen nitelikleriyle (çoğunlukla zamanın geçişinin etkilerini vurgulayarak) doğru şekilde tasvir edilmesine vurgu, sıradan konu, alışılmadık görsel açılar ve hareketin insan algısı ve deneyiminin önemli bir unsuru olarak dahil edilmesiyle karakterize edilen bir 19. yüzyıl sanat hareketiydi. Empresyonizm, 1870'ler ve 1880'lerde bağımsız sergileriyle ön plana çıkan, Paris'te yaşayan bir grup sanatçıdan doğdu.
Empresyonistler, köklü Fransız sanat kurumlarının önemli bir direnişiyle karşılaştı. Hareketin terminolojisi Claude Monet'nin Impression, soleil levant (Impression, Sunrise) adlı tablosundan kaynaklanmaktadır; bu tablo, eleştirmen Louis Leroy'u, Paris dergisi
Genel Bakış
Kendi dönemlerinde ikonoklastlar olarak kabul edilen ilk Empresyonistler, akademik sanatın yerleşik geleneklerine meydan okudular. Kompozisyonlarında tanımlanmış çizgiler ve konturlar yerine özgürce uygulanan renklere öncelik verdiler ve Eugène Delacroix ve J. M. W. Turner gibi sanatçılardan ilham aldılar. Dahası, doğal ortamlardaki gündelik sahneleri tasvir ettiler ve anlık algıları özetlemek için bu çalışmaları sıklıkla açık havada gerçekleştirdiler.
Tarihsel olarak, manzaralar, natürmortlar ve portreler de dahil olmak üzere sanatsal üretimler tipik olarak stüdyoda yürütüldü ve gerçekçiliğe titizlikle vurgu yapıldı. Empresyonist sanatçılar, açık havada çalışmanın veya en plein air'in, doğal ışığın geçici ve geçici niteliklerini yansıtmalarına olanak sağladığını keşfettiler. Yaklaşımları, küçük ayrıntılardan ziyade kapsamlı görsel izlenimlere odaklandı. Canlı bir kromatik yoğunluk oluşturmak için hem karışık hem de karışmamış pigmentleri kullanarak kısa, farklı "kırık" fırça darbeleri kullandılar (alışılmış yumuşak karıştırma ve gölgelemeden farklı olarak).
Fransa'da Empresyonizmin yükselişi, İtalyan Macchiaioli ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki Winslow Homer gibi diğer sanatçıların da plein-air tabloyu incelemesiyle aynı zamana denk geldi. Bununla birlikte Empresyonistler kendi akımlarına özgü farklı teknikler geliştirdiler. Taraftarları tarafından yeni bir algısal yaklaşım olarak savunulan Empresyonizm, dolaysızlık, dinamizm, spontane pozlar ve düzenlemeler ve ışığın etkileşimini tasvir etmek için parlak, çeşitli renk uygulamalarıyla karakterize edilen bir sanat formunu bünyesinde barındırır. 1876'da şair ve eleştirmen Stéphane Mallarmé, yeni ortaya çıkan üslup hakkındaki görüşünü şöyle ifade etti: "Yansıyan ve sürekli değişen ışıkların birleşiminden oluşan tasvir edilen konunun sabit bir görünümü koruduğu varsayılamaz; bunun yerine hareket, aydınlatma ve canlılıkla titreşir."
Başlangıçta halkın düşmanlığıyla karşılaşan Empresyonistlerin çalışmaları, giderek artan bir şekilde yeni ve yenilikçi bir sanatsal vizyon olarak kabul gördü. sanat eleştirmenlerinin ve yerleşik sanat camiasının onaylanmaması. Konuyu titizlikle detaylandırmak yerine gözlemcinin deneyimlediği görsel hissi kopyalamaya vurgu yapması ve çeşitli teknik ve formlara öncülük etmesi sayesinde Empresyonizm, Post-Empresyonizm, Fovizm ve Kübizm gibi sonraki sanatsal hareketlerin temel öncüsü oldu.
Empresyonist Sanat Hareketi
İlk Empresyonist Sergisi, 1874
19. yüzyılın ortalarında (İmparator III. Napolyon'un Paris'i yeniden inşa etmesi ve askeri kampanyalar da dahil olmak üzere Fransa'da hızlı sanayileşme ve derin toplumsal değişimlerin yaşandığı bir dönem) Académie des Beaux-Arts, Fransız sanat üretimi üzerinde önemli bir kontrole sahipti. Académie, hem konuyu hem de estetik yaklaşımı dikte ederek geleneksel Fransız resim standartlarının koruyucusu olarak işlev gördü. Tarihsel konular, dini anlatılar ve portreler çok beğenilirken, manzara ve natürmort türleri daha az tanındı. Académie, yakından incelendiğinde gerçekçiliği yansıtan, titizlikle işlenmiş sanat eserlerini tercih ediyordu. Bu estetiğe bağlı kalan sanat eserleri, sanatçının bireysel tekniğini gizlemek için titizlikle harmanlanan hassas fırça darbelerine sahipti. Renk paletleri genellikle hafifleştirildi ve çoğunlukla önemli bir altın vernik uygulanarak daha da yumuşatıldı.
Académie, her yıl jürili bir sanat sergisi olan Salon de Paris'e ev sahipliği yaptı; burada sergiye katılan sanatçılar ödüller, komisyonlar ve artan profesyonel statü sayesinde tanındı. Jürinin kriterleri, Académie'nin Jean-Léon Gérôme ve Alexandre Cabanel gibi sanatçıların yapıtlarında örneklenen estetik ilkelerini yansıtıyordu. Bu sanatçılar, uyumlu bir şekilde yapılandırılmış bir dünyanın idealize edilmiş tasvirlerini yaratmak için, kökleri Rönesans'tan bu yana Batı resim geleneklerine dayanan (Klasik Yunan sanatından türetilen doğrusal perspektif ve figüratif temsiller dahil) çok çeşitli teknikler ve gelenekler kullandılar. Ancak 1850'lere gelindiğinde, başta Realist ressam Gustave Courbet olmak üzere bazı sanatçılar, Académie'nin öngördüğü idealleştirmeye bağlı kalmadan çağdaş yaşamı tasvir ederek kamuoyunun dikkatini çekmeye ve eleştirmenlerin onaylamamasını sağlamaya başladı.
1860'ların başlarında, yeni ortaya çıkan dört ressam (Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley ve Frédéric Bazille) bir tanışıklık kurdu. Akademisyen sanatçı Charles Gleyre ile çalışmalar yürütürken. Geleneksel tarihi veya mitolojik konular yerine manzaraları ve çağdaş varoluşu tasvir etmeyi tercih etmelerinde ortak bir zemin buldular. Başlangıçta İngiliz ressam John Constable gibi sanatçılar tarafından desteklenen ve yüzyılın ortalarına gelindiğinde artan ilgi gören bir metodolojiyi benimseyerek, açık havada resimler yapmak için sık sık kırsal alanlara seyahat ettiler. Hedefleri, daha sonraki stüdyo iyileştirmeleri için ön eskizler oluşturma şeklindeki geleneksel uygulamadan farklıydı; bunun yerine sanat eserlerini tamamen açık havada tamamlamayı hedeflediler.
Bu sanatçılar, doğadan sahneleri doğal ışık altında doğrudan işleyerek ve yüzyılın başlarında ortaya çıkan canlı sentetik pigmentleri kullanarak, belirgin şekilde daha hafif ve daha parlak bir resim stili geliştirdiler. Bu yaklaşım, Courbet ve Barbizon ekolünün savunduğu Realizmin ötesinde bir evrimi temsil ediyordu. Paris'teki Avenue de Clichy'deki Café Guerbois, bu sanatçılar için sık sık bir buluşma noktası olarak hizmet etti; burada genç kuşak tarafından büyük saygı duyulan Édouard Manet, entelektüel alışverişlerine sıklıkla rehberlik etti. Daha sonra Camille Pissarro, Paul Cézanne ve Armand Guillaumin de gruba üye oldu.
1860'lar boyunca Salon jürisi, resmi olarak onaylanmış estetiğe uygun sanat eserlerine öncelik vererek, Monet ve ortaklarından gelen başvuruların yaklaşık yüzde ellisini sürekli olarak reddetti. 1863'te Manet'nin Le déjeuner sur l'herbe (Çimlerde Öğle Yemeği) adlı eseri, piknik ortamında iki giyinik adamın yanında çıplak bir kadını tasvir etmesi nedeniyle Salon jürisi tarafından dikkate değer bir şekilde reddedildi. Salon jürisi genellikle tarihsel ve alegorik bağlamlarda nü resimleri onaylasa da, Manet'yi çağdaş bir tablo içinde gerçekçi bir çıplak figür sunduğu için kınadı. Jürinin Manet'nin tablosunu sert bir dille kınaması, destekçileri arasında öfkeye yol açtı ve o yıl reddedilen eserlerin olağanüstü yüksek hacmi, Fransız sanat camiasında ciddi bir rahatsızlığa neden oldu.
İmparator III. Napolyon'un 1863'te reddedilen başvuruları incelemesinin ardından, sanat eserlerinin kamuya açık olarak değerlendirilmesine izin veren bir kararname çıkardı ve bu, Salon des Refusés'in (Reddedilenler Salonu) kurulmasına yol açtı. Katılımcıların önemli bir bölümünün başlangıçta eğlence için gelmesine rağmen, Salon des Refusés, yeni bir sanatsal yönelimin ortaya çıkışını başarılı bir şekilde vurguladı ve resmi Salondan daha fazla katılım topladı.
1867 ve 1872'de sanatçıların daha sonra ek Salons des Refusés için yaptıkları dilekçeler başarısızlıkla sonuçlandı. Sonuç olarak, Aralık 1873'te Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas ve diğer birkaç sanatçı, eserlerini bağımsız olarak sergilemek için Société anonyme des artistes peintres, heykeltraşlar, gravürcüler, vb.'ni kurdular. Bu derneğe üyelik, resmi Salona katılımdan kaçınmayı zorunlu kılıyordu. Organizatörler, açılış sergileri için çeşitli diğer ilerici sanatçılara davetiye gönderdiler; bunların arasında, sanatsal uygulamaları daha önce Monet'ye plein air resmini benimseme konusunda ilham veren yaşlı Eugène Boudin de vardı. Ancak Monet ve çevresini önemli ölçüde etkileyen bir diğer ressam olan Johan Jongkind, Édouard Manet'nin de aldığı bir kararla katılmamayı tercih etti. Nisan 1874'te fotoğrafçı Nadar'ın stüdyosunda açılan ilk sergiye sonuçta otuz sanatçı katkıda bulundu.
Empresyonizmin Eleştirel Karşılanışı
İlk kritik tepkiler farklıydı. Özellikle Monet ve Cézanne ciddi eleştirilerle karşılaştı. Eleştirmen ve mizahçı Louis Leroy, Le Charivari gazetesinde sert bir eleştiri yayınladı ve burada sanatçıların tanınacağı terimi icat etti ve Claude Monet'nin İzlenim, Gün Doğumu (Gösterim, soleil levant). Alaycı bir şekilde "Empresyonistlerin Sergisi" başlıklı makalesi, Monet'nin resminin yalnızca bir taslak olduğunu ve tam bir sanat eseri olarak kabul edilemeyeceğini ileri sürüyordu.
Eleştirisi, aşağıdaki ifadeleri içeren, gözlemciler arasında bir diyalog olarak sunuldu:
"İzlenim—bundan emindim. Kendime, etkilendiğime göre, bunda bir izlenim olması gerektiğini söylüyordum... ve ne kadar özgürlük, ne kadar kolay işçilik! Duvar kağıdı embriyonik haliyle o deniz manzarasından daha kusursuz."
Empresyonist tanımı hızla halk arasında kabul gördü. Üslup ve mizaç farklılıklarına rağmen, sanatçılar bu terimi benimsediler ve öncelikle ortak bağımsızlık ve isyan değerleri ile birleştiler. Grup, 1874 ile 1886 yılları arasında, üyelikteki dalgalanmalara rağmen sekiz ortak sergi düzenledi. Gevşek, kendiliğinden fırça darbeleriyle karakterize edilen Empresyonist tarz, kısa sürede modern varoluşun simgesi haline geldi. Monet, Sisley, Morisot ve Pissarro genellikle kendiliğindenlik, ışık ve kromatik ifadeye odaklanan bir estetiği sürekli olarak takip eden İzlenimciliğin "en saf" temsilcileri olarak kabul edilir. Tersine, Degas bu ilkeleri büyük ölçüde reddetti, renk yerine çizime öncelik verdi ve açık havada boyamayı küçümsedi. Renoir, 1980'lerde Empresyonizm'den geçici olarak ayrıldı ve hiçbir zaman onun temel ilkelerine tam olarak yeniden bağlı kalmadı. Édouard Manet, Empresyonistler tarafından bir lider olarak görülmesine rağmen, siyahın renk olarak kullanımını (koyu tonlar yerine karışık tonları tercih eden Empresyonistlerin genellikle kaçındığı bir uygulama) karakteristik özelliğini sürdürdü ve onların kolektif sergilerine hiçbir zaman katılmadı. Sanatını ısrarla Salon'a sundu; burada İspanyol Şarkıcı adlı eseri 1861'de ikinci sınıf madalya kazandı ve sanatsal üne kavuşmak için "Salon'un gerçek savaş alanı olduğunu" ileri sürerek akranlarını da aynı şeyi yapmaya teşvik etti.
Çekirdek sanatçı grubu giderek azaldı. Örneğin Bazille, 1870'teki Fransa-Prusya Savaşı'nda hayatını kaybetti. Daha sonra Renoir, Sisley ve Monet'nin de katıldığı Cézanne'ın, eserlerini bağımsız olarak Salon'a sunmak üzere karma sergilerden çekilmesiyle başka ayrılıklar da ortaya çıktı. Guillaumin'in gruba dahil edilmesi, Pissarro ve Cézanne tarafından savunulan ancak onu hak etmeyen Monet ve Degas'nın karşı çıktığı bir üyelik gibi konularda iç tartışmalar ortaya çıktı. 1879'da Degas, Mary Cassatt'a sanatını sergilemesi için bir davet gönderdi ancak tartışmalı bir şekilde Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic ve stilleri Empresyonist ilkelerden farklı olan diğer realistleri de bünyesine katma konusunda ısrar etti; bu da Monet'nin 1880'de Empresyonistleri "ilk gelen ressamlara kapılar açtığı" gerekçesiyle eleştirmesine yol açtı.
Sonuç olarak, yedinci Paris 1882'deki Empresyonist sergisi, "gerçek" Empresyonist olarak kabul edilen yalnızca dokuz sanatçının eserlerini içeren en seçkin sergi olduğunu kanıtladı: Gustave Caillebotte, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley ve Victor Vignon. Daha sonra grup, Paul Signac ve Georges Seurat'a 1886'daki sekizinci Empresyonist sergiye katılmaları için verilen davetlerle ilgili olarak daha fazla parçalanma yaşadı. Özellikle Pissarro, sekiz Paris Empresyonist sergisinin tamamında sergi açan tek sanatçıydı.
Ticari Resepsiyon
Empresyonist sergiler bireysel sanatçılara sınırlı mali getiri sağlarken, çalışmaları giderek halkın kabulünü ve himayesini kazandı. Sanat simsarı Paul Durand-Ruel, Empresyonist eserlerin Fransız izleyiciler için kamusal görünürlüğünü ve erişilebilirliğini korumada etkili oldu. Ayrıca Londra ve New York'ta Parisli Empresyonistlere yönelik sergiler düzenledi. Sisley'nin 1899'da yoksulluk içinde ölmesine rağmen Renoir, 1879'da Salon'da önemli bir başarı elde etti. Monet, 1880'lerin başlarında finansal istikrara kavuştu; bu, Pissarro'nun 1890'ların başında ulaştığı bir statüydü. Aynı zamanda Salon sanatında Empresyonist resim tekniklerinin seyreltilmiş biçimleri yaygınlaştı.
Yirminci Yüzyıl İzlenimcilik Yorumları
19. yüzyılın önde gelen sanat hareketlerinden biri olan empresyonizm, 20. yüzyılın başlarında sanatsal eserlerinin halka açık sergilenmesine ilişkin değişen bakış açılarıyla karşı karşıya kaldı. Françoise Cachin, İzlenimciliği tarihsel nesnelerin stratejik düzenlemesi yoluyla bağlamsallaştırmayı savundu ve böylece sanatsal ilerlemenin bir anlatısını önerdi. 1945 yazında René Huyghe ve Georges Salles, Empresyonizmin tam bir Fransız sanatı olduğunu savundular ve tarihi Fransız ustaların eserlerinin yanı sıra merkezi sanatçılarının eserlerini sergilediler. Bu küratöryel yaklaşım, Fransız sanat okullarını Fransız ulusunun daha geniş tarihsel anlatısı içinde birbirine bağlayan doğrudan bir estetik köken oluşturdu. Müttefikler arasında İkinci Dünya Savaşı sonrası milliyetçilik sonrası, hümanist bir ahlak beklentisinin olduğunu kabul ettiler. Halkı Fransız sanat tarihi konusunda eğitmenin ötesinde, Empresyonist sanat eserleri, yalnızca eğitime uygun başyapıtlar olarak kabul edildiklerinde öne çıkıyordu. Doğrudan gerçekçiliği tercih eden Fransız burjuvazisi, çekirdek Empresyonist sanatçıların eserlerinin entelektüel veya ahlaki yargı taşıdığını hiçbir zaman iddia etmediklerini keşfetti. Sonuç olarak Empresyonizm, 19. yüzyılın başlarındaki diğer sanat formlarıyla birlikte, genellikle Salon veya Devlet sergileri için tasarlanan büyük ölçekli epik yaratımlar statüsüne indirgendi. Eş zamanlı olarak küratör Jean Cassou, yeni kurulan Musée National d'Art Moderne'i doldurmak için sanat eserleri satın almakla görevlendirildi.
Empresyonist Sanat Teknikleri
Birçok Fransız ressam, özellikle Romantik renk uzmanı Eugène Delacroix, önde gelen gerçekçi Gustave Courbet ve Théodore Rousseau gibi Barbizon okulu sanatçıları olmak üzere İzlenimciliğin temelini attı. Empresyonistler Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot ve Eugène Boudin'in eserlerinden önemli ölçüde ilham aldılar. Bu öncüler, Empresyonizm'i öngören spontane bir üslupla doğrudan doğadan resim yapıyorlardı ve aynı zamanda genç nesil sanatçılara akıl hocalığı ve tavsiyelerde bulunuyorlardı.
Empresyonistlerin ayırt edici ve yenilikçi tarzı, tanımlanabilir teknikler ve sanatsal uygulamalardan oluşan bir koleksiyonla şekillendi. Bu yöntemler daha önce sanatçılar tarafından kullanılmış olsa da, Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable ve J. M. W. Turner—Empresyonistler bunların kapsamlı ve tutarlı uygulanmasına öncülük etti. Temel teknikler şunları içerir:
- Sanatçılar, konunun özünü hızlı bir şekilde aktarmak için kısa, kalın boya darbelerinden yararlandı ve karmaşık ayrıntılar yerine genel izlenime öncelik verdi. Boya sıklıkla impasto tekniği kullanılarak uygulandı.
- Renkler, gözlemci için renk tonlarının algılanan canlılığını artırmak amacıyla eş zamanlı kontrast ilkesinden yararlanan bir yöntem olan minimum harmanlamayla yan yana getirildi.
- Tamamlayıcı renklerin karışımıyla griler ve daha koyu tonlar elde edildi. Saf İzlenimcilik karakteristik olarak siyah boya kullanımından kaçındı.
- Sonraki boya katmanlarının önceki boya katmanları kurumadan uygulandığı ıslak üzerine ıslak uygulama, daha yumuşak kenarlar ve renklerin uyumlu bir şekilde birbirine karışmasıyla sonuçlandı.
- Empresyonist eserler genellikle, daha önceki sanatçıların belirli efektler için titizlikle manipüle ettiği ince boya filmlerinin veya sırların şeffaflığından faydalanmıyordu. Empresyonist bir tablonun yüzeyi karakteristik olarak opaktır.
- Boya, daha önceki ressamların sıklıkla kullandığı koyu gri veya yoğun renkli zeminlerden farklı olarak, beyaz veya açık renkli bir zemin üzerine uygulandı.
- Nesneler arasındaki renk yansımalarının titizlikle gözlemlenmesiyle doğal ışığın etkileşimine vurgu yapıldı. Sanatçılar, alacakaranlığın veya alacakaranlığın ayırt edici gölgeli nitelikleri olan effets de soir'i yakalamak için sıklıkla akşamları resim yapardı.
- plein air (açık havada) yapılan resimlerde, yüzeylerde gökyüzünün yansıyan mavisi kullanılarak gölgeler cesur bir şekilde oluşturuldu ve sanat eserine benzeri görülmemiş bir tazelik hissi kazandırıldı. Bu teknik özellikle kar üzerine düşen mavi gölgelerin gözlemlenmesinden ilham almıştır.
Teknolojik gelişmeler Empresyonist tarzın gelişimini önemli ölçüde etkiledi. Empresyonistler, 19. yüzyılın ortalarında, çağdaş diş macunu tüplerine benzer şekilde teneke tüplerde paketlenmiş önceden karıştırılmış boyaların yeniliğinden yararlandılar. Bu yenilik, sanatçılara daha fazla kendiliğindenlik olanağı tanıdı ve onların hem açık havada hem de iç mekanda daha kolay çalışmasına olanak sağladı. Bundan önce ressamlar, kuru pigment tozlarını öğütüp keten tohumu yağıyla karıştırıp daha sonra bu karışımları hayvan mesanelerinde depolayarak zahmetli bir şekilde kendi boyalarını hazırlıyorlardı.
19. yüzyıl, çok sayıda canlı sentetik pigmentin sanatçılara ticari olarak tanıtılmasına damgasını vurdu. Empresyonizmin ortaya çıkmasından önce, 1840'larda sanatçılar kobalt mavisi, viridian, kadmiyum sarısı ve sentetik lacivert gibi renkleri zaten kullanıyorlardı. Empresyonist ressamlar daha sonra bu pigmentlerin yanı sıra, 1860'larda ticari olarak satışa sunulan gök mavisi gibi daha yeni renk tonlarından da yararlanarak kendi ayırt edici, cesur tarzlarını elde ettiler.
Empresyonistler arasında daha parlak bir resim stilinin gelişimi giderek gelişti. 1860'larda Monet ve Renoir gibi sanatçılar ara sıra geleneksel kırmızı-kahverengi veya gri zeminlerle astarlanmış tuvaller kullandılar. Ancak 1870'lere gelindiğinde Monet, Renoir ve Pissarro genellikle tamamlanan sanat eserinde orta ton görevi gören açık gri veya bej zeminleri tercih ettiler. 1880'lere gelindiğinde, bazı Empresyonistler arasında beyaz veya kırık beyaz zemin tercihi ortaya çıktı ve bu, zemin renginin nihai kompozisyon üzerindeki etkisini azalttı.
Tematik İçerik ve Kompozisyon Yaklaşımları
Modernliğin gelişine yanıt veren Empresyonist sanatçılar, orta sınıfın boş zaman uğraşlarını ve tren istasyonları, kafeler, genelevler, tiyatrolar ve dans salonları gibi kentsel motifleri kapsayan çok çeşitli akademik olmayan konuları araştırdılar. İlhamları, canlı kalabalıkları, halka açık eğlenceleri ve kapalı ortamlardaki yapay gece aydınlatmasını tasvir etmek için bolca fırsat sağlayan çağdaş yüksek binalarla çevrili, yeni genişletilmiş Paris caddelerine kadar uzanıyordu.
Örneğin, Caillebotte'un Paris Caddesi; Yağmurlu Gün (1877), geniş kentsel mimari ve mekanlardaki bireysel izolasyonu vurgulayarak modern bir duyarlılığın örneğini verir. Dahası, Empresyonistler manzara tasvirlerinde kırsal manzarayı süsleyen gelişen fabrikaları kolaylıkla dahil ettiler. Bunun tersine, önceki manzara sanatçıları, doğal uyuma zarar verdiklerini ve sanatsal temsil için uygun olmadıklarını düşünerek bacaları ve diğer endüstriyel işaretleri genellikle atladılar.
Empresyonist hareketten önce, 17. yüzyıl Hollandalı ressam Jan Steen gibi sanatçılar da gündelik konulara odaklandılar, ancak kompozisyon yaklaşımları geleneksel kaldı. Bu eski sanatçılar, kompozisyonlarını birincil konunun izleyicinin bakışına hakim olmasını sağlayacak şekilde yapılandırdılar. Romantik dönem sanatçısı olmasına rağmen J. M. W. Turner'ın çalışmaları Empresyonist üslup unsurlarının habercisiydi. Tersine, Empresyonistler ön plan ile arka plan arasındaki ayrımı bulanıklaştırdılar, çoğu zaman spontane bir fotoğrafa benzer bir etki yaratarak daha geniş bir gerçekliğin bir bölümünü sanki rastlantı eseriymiş gibi yakaladılar. Fotoğrafçılığın artan popülaritesi, kameraların taşınabilirliğinin artmasıyla birleştiğinde, daha samimi fotoğraf temsillerine yol açtı. Bu fotoğrafik evrim, Empresyonistleri, yalnızca manzaraların geçici ışığında değil, aynı zamanda bireylerin gündelik faaliyetlerinde de açıkça görülen geçici anları tasvir etme konusunda etkiledi.
Empresyonizmin ortaya çıkışı, kısmen, bir sanatçının gerçekliği kopyalama yeteneğinin değerini azaltan, fotoğrafın ortaya çıkardığı algılanan zorluğa sanatsal bir yanıt olarak anlaşılabilir. Sonuç olarak, fotoğrafın "gerçekçi görüntüleri çok daha verimli ve güvenilir bir şekilde ürettiği" göz önüne alındığında, hem portre hem de manzara resminin bir bakıma yetersiz ve daha az gerçekçi olduğu düşünülüyordu.
Bununla birlikte, fotoğrafçılık paradoksal olarak sanatçıları yaratıcı ifadenin alternatif yollarını keşfetmeye teşvik etti. Sanatçılar, gerçekliği taklit etmek için fotoğrafla rekabet etmek yerine, "kaçınılmaz olarak fotoğraftan daha iyi yapabilecekleri tek şeye - görüntü kavramındaki öznelliğini, fotoğrafın ortadan kaldırdığı öznelliği bir sanat biçimine daha da geliştirerek" yoğunlaştılar. Empresyonistler kesin röprodüksiyonlar üretmek yerine, doğaya dair öznel algılarını aktarmayı amaçladılar. Bu yaklaşım, sanatçıların "zevk ve vicdanın zımni zorunlulukları" rehberliğinde gözlemlerini öznel olarak yapmalarını sağladı. Fotoğrafçılık ayrıca ressamları, o zamanlar fotoğrafta bulunmayan renk gibi resim ortamına özgü unsurlardan yararlanmaya teşvik etti. Aslında, "Fotoğrafa bilinçli olarak öznel bir alternatif sunan ilk izlenimciler, empresyonistlerdi".
Japonizm olarak bilinen bir fenomen olan Japon ukiyo-e sanat baskıları bir diğer önemli etkiyi oluşturdu. Bu baskıların estetik ilkeleri, Empresyonizm'de yaygın olan karakteristik "enstantane" perspektifleri ve alışılmadık kompozisyon yapılarını büyük ölçüde şekillendirdi. Örneğin Monet'nin Jardin à Sainte-Adresse (1867) adlı eseri, çarpıcı renk blokları ve Japon baskı estetiğini yansıtan belirgin çapraz eğime sahip bir kompozisyon aracılığıyla bu etkiyi örneklendiriyor.
Edgar Degas hevesli bir fotoğrafçıydı ve Japon baskılarının uzmanıydı. 1874'te yarattığı Dans Sınıfı (La classe de danse), asimetrik kompozisyon yapısıyla bu iki etkiyi de gösteriyor. Dansçılar bir dizi alışılmadık duruşta farkında olmadan yakalanmış gibi görünüyor, bu da zemin alanının sağ alt çeyreğinde önemli bir boşluğa neden oluyor. Ayrıca, On Dört Yılın Küçük Dansçısı'nda örneklendiği gibi, dansçılarını heykelsi bir şekilde resmetti.
Kadın Empresyonistler
Empresyonistler, farklı derecelerde vurgu yaparak algısal olguları ve modern temaları temsil etmeye çalıştılar. Kadın İzlenimciler bu sanatsal arzuları paylaştılar ancak erkek emsallerinin aksine çok sayıda toplumsal ve mesleki kısıtlamayla karşı karşıya kaldılar. Bulvarlar, kafeler ve dans salonları da dahil olmak üzere burjuva sosyal ortamına ilişkin tasvirlerde bunlar özellikle yer almıyordu.
Kadınların belirli görsellerden dışlanmalarının yanı sıra, bu tür mekanlarda gerçekleşen önemli tartışmalara katılmaları da yasaklandı. Bu toplantılar, erkek Empresyonistlerin sanatsal konseptlerini geliştirmeleri ve yaymaları için önemli forumlar görevi gördü. Akademik çevrelerde kadınların karmaşık konuları ele alma konusunda yetersiz olduğu algısı, eğitmenlerin kız öğrencilerinin müfredatının kapsamını sınırlamasına neden oldu. Dahası, kadınların temel yeteneklerinin ev hayatı ve annelik rollerinde yer aldığı yaygın biçimde kabul edildiğinden, sanatsal mükemmellik kadınsı sayılmıyordu.
Bununla birlikte, kariyerleri kişisel koşullardan etkilenmesine rağmen birçok kadın, yaşamları boyunca tanınmayı başardı; örneğin Marie Bracquemond'un kocası onun sanatsal uğraşlarına kızdı ve sonunda onun resim yapmayı bırakmasına neden oldu. En öne çıkan dört figür - Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond ve Berthe Morisot - tarihsel olarak sıklıkla 'Kadın İzlenimcileri' olarak anılır ve anılırlar. 1874 ile 1886 yılları arasında Paris'te düzenlenen sekiz Empresyonist sergiye katılımları farklıydı: Morisot yedisinde, Cassatt dörtte, Bracquemond üçte sergi açtı, Gonzalès ise katılmadı.
Çağdaş eleştirmenler genellikle bu dört sanatçıyı bireysel tarzlarını, tekniklerini veya tematik kaygılarını göz ardı ederek toplu olarak gruplandırdılar. Sergi eserlerini inceleyenler sıklıkla kadın sanatçıların yeteneklerini övmeye çalıştılar, ancak onları kısıtlayıcı bir kadınlık kavramsallaştırması içine hapsettiler. Empresyonist tekniğin kadınların algı tarzlarıyla uyumunu savunan Parisli eleştirmen S.C. de Soissons şunu açıkça ifade etti:
Kadınların hiçbir düşünce özgünlüğüne sahip olmadığı ve edebiyat ve müziğin kadınsı bir karaktere sahip olmadığı anlaşılabilir; ama elbette kadınlar nasıl gözlem yapacaklarını biliyorlar ve gördükleri şey erkeklerin gördüklerinden oldukça farklı ve jestlerinde, tuvaletlerinde, çevrelerinin dekorasyonunda sergiledikleri sanat, her birinde bulunan içgüdüsel, kendine özgü bir deha fikrini vermeye yeterli.
İzlenimcilik ev içi sosyal yaşamı meşru bir konu, yani kadınların yakından aşina olduğu bir alan olarak onaylasa da, aynı zamanda onları bu tematik alanla sınırlama eğilimindeydi. Sergiler, komisyonları güvence altına alabilecek bir tür olan, ev ortamlarında sıklıkla teşhis edilebilen bakıcıların tasvirlerini belirgin bir şekilde öne çıkardı. Tasvir edilen kişiler çoğunlukla çevreleriyle ya bakışlarıyla ya da eylemleriyle etkileşime giren kadınlardı. Cassatt, özellikle özne yerleştirme konusunda kasıtlı bir yaklaşım sergiledi: ağırlıklı olarak kadın figürlerini nesneleştirmeden ve basmakalıp temsilden korudu; okumayla meşgul olmadıklarında sohbet ederken, dikiş dikerken veya çay içerken gösterilirler; Aktif olmadıklarında, derin düşüncelere dalmış görünüyorlar.
Kadın İzlenimciler, erkek akranlarına benzer şekilde, yeni algısal yaklaşımlar ve yenilikçi resim metodolojileri yoluyla "gerçeğin" peşine düştüler; her sanatçı kendine özgü bir resimsel üslup geliştirdi. Kadın Empresyonistler, özellikle de Morisot ve Cassatt, kompozisyonlarındaki kadınlar ve nesneler arasındaki güç dinamiklerine dair bir farkındalık sergilediler; tasvir edilen burjuva kadınları yalnızca dekoratif unsurlarla tanımlanmıyor; daha doğrusu, ev içi çevreleriyle etkileşime giriyor ve bu çevre üzerinde temsilcilik iddiasında bulunuyorlar. Aynı anda hem rahat hem de incelikli bir şekilde kısıtlanmış görünen kadın tasvirlerinde çok sayıda paralellik var. Gonzalès'in İtalyan Operasındaki Kutusu, sosyal bir ortamda görünüşte rahat görünen ancak opera binası ve yanındaki erkek figürü tarafından kısıtlanmış, uzaklara bakan bir kadını tasvir ediyor. Cassatt'ın Penceredeki Genç Kız tablosu, palet olarak daha parlak olmasına rağmen, dış cepheyi gözlemlerken tuvalin kenarı tarafından sınırlanan figürle benzer şekilde bir hapsedilmişlik hissi uyandırıyor.
Mesleki başarılarına ve Empresyonizm'in doğası gereği kadınsı olarak tanımlanmasına rağmen (algılanan duygusallık, duyulara olan bağlılık, fiziksellik ve akışkanlık nedeniyle) dört önde gelen kadın sanatçı, daha az tanınan diğer kadın Empresyonistlerin yanı sıra, Empresyonist sanatçılarla ilgili sanat tarihi anlatılarının büyük ölçüde dışında tutuldu. Bu ihmal, Tamar Garb'ın Kadın İzlenimcileri'nin 1986'da yayınlanmasına kadar devam etti. Örneğin, Jean Leymarie'nin 1955 tarihli çalışması Empresyonizm, herhangi bir kadın Empresyonist ressam hakkında hiçbir bilgi içermiyordu.
Ressam Androniqi Zengo Antoniu'nun, Arnavutluk'a Empresyonizm'i tanıtma konusunda ortak itibarı vardır.
Tanınmış Empresyonistler
Fransa'da İzlenimciliğin gelişiminde etkili olan başlıca figürler aşağıda alfabetik olarak listelenmiştir:
- Empresyonist sergilere katılımı ölümünden sonra gerçekleşen Frédéric Bazille (1841–1870).
- Çağdaşlarından daha genç olan Gustave Caillebotte (1848–1894), gruba 1870'lerin ortalarında katıldı.
- Mary Cassatt (1844–1926), Paris'te yaşayan ve dört Empresyonist sergide yer alan Amerika doğumlu bir sanatçı.
- Daha sonra Empresyonist hareketten ayrılan Paul Cézanne (1839–1906).
- Edgar Degas (1834–1917), Empresyonist unvanını küçümsediğini ifade etti.
- Armand Guillaumin (1841–1927).
- Empresyonist sergilerin hiçbirine katılmayan Édouard Manet (1832–1883).
- Claude Monet (1840–1926), Empresyonistler arasında en üretken kişi ve onların estetik ilkelerini en belirgin biçimde somutlaştıran sanatçı olarak tanınır.
- Berthe Morisot (1841–1895), 1879'da düzenlenen hariç tüm Empresyonist sergilere katılmıştır.
- Camille Pissarro (1830–1903), sekiz Empresyonist serginin tamamında sergilenen tek sanatçı olarak dikkat çekiyor.
- 1874, 1876, 1877 ve 1882'de Empresyonist sergilerde sergilenen Pierre-Auguste Renoir (1841–1919).
- Alfred Sisley (1839–1899).
Empresyonist Sanatçıların Hayatlarının Kronolojisi
Galeri
İlişkili ve Etkilenen Sanatçılar
Empresyonistlerin yakın dostları arasında Victor Vignon, önde gelen isimlerden oluşan çekirdek grup dışında 1882'deki özel Yedinci Paris Empresyonist Sergisine katılan tek sanatçıdır. Bu özel sergi, öncelikle Degas tarafından düzenlenen daha önceki, daha az kısıtlayıcı sergilerin kasıtlı olarak reddedilmesini temsil ediyordu. Aslen Corot okulundan olan Vignon, etkisi 1870'lerin sonlarından sonra Vignon'un Empresyonist tarzında fark edilen Camille Pissarro ile arkadaşlığını sürdürdü ve aynı zamanda Post-Empresyonist Vincent van Gogh'un da arkadaşıydı.
Empresyonistlerin diğer birkaç yakın arkadaşı da onların metodolojilerini değişen derecelerde benimsedi. Bunlar arasında 1879, 1880, 1881 ve 1886'da Empresyonist sergilerde sergilenen Jean-Louis Forain ve Paris'te ikamet eden İtalyan sanatçı Giuseppe De Nittis vardı. De Nittis, diğer Empresyonistlerin onun çalışmalarını onaylamadıklarını ifade etmelerine rağmen, Empresyonist sergisinin açılışına Degas'ın davetiyle katıldı. Degas'nın bir diğer İtalyan arkadaşı Federico Zandomeneghi de Empresyonistlerle birlikte sergiler açtı. Manet'nin takipçisi Eva Gonzalès grupla birlikte sergi açmadı.
Amerika doğumlu bir ressam olan James Abbott McNeill Whistler, resmi olarak gruba katılmamasına ve yumuşak renk paletlerini tercih etmesine rağmen Empresyonizme katkıda bulundu. İngiliz sanatçı Walter Sickert, Degas'nın önemli bir öğrencisi olmadan önce başlangıçta Whistler'ı takip etti. Empresyonistlerle birlikte sergi açmadı. 1904'te sanatçı ve yazar Wynford Dewhurst, Fransız ressamlar üzerine İngilizce olarak yayınlanan ilk önemli çalışmayı yazdı: Empresyonist Resim: doğuşu ve gelişimi. Bu çalışma, Empresyonizmin Büyük Britanya'da popülerleşmesine önemli ölçüde katkıda bulundu.
1880'lerin başlarında Empresyonist teknikler, Salon'da sergilenen sanatı en azından yüzeysel olarak etkilemeye başladı. Jean Béraud ve Henri Gervex gibi modaya uygun ressamlar, Salon sanatının pürüzsüz bitiş özelliğini korurken paletlerini aydınlatarak kritik ve finansal başarı elde ettiler. Bu sanatçıların eserleri, temel Empresyonist uygulamalardan önemli ölçüde farklı olmalarına rağmen, zaman zaman gayri resmi olarak Empresyonizm olarak sınıflandırılır.
Fransız Empresyonistlerin etkisi, orijinal üyelerin çoğunun ölümünden çok sonra da devam etti. J.D. Kirszenbaum gibi sanatçılar yirminci yüzyıl boyunca Empresyonist teknikleri birleştirmeye devam ettiler.
Fransa'nın Ötesinde
Empresyonizmin etkisi uluslararası alanda Fransa'nın ötesine yayıldıkça, kapsamlı bir şekilde sayılmayacak kadar kapsamlı çok sayıda sanatçı, bu gelişen tarzın uygulayıcıları olarak tanımlanmaya başlandı. Daha dikkate değer örneklerden bazıları şunlardır:
- Öne çıkan Amerikalı İzlenimciler arasında Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley ve J. Alden Weir vardı.
- Avustralya İzlenimcileri, Van Gogh, Rodin, Monet ve Matisse ile dostluklarını sürdüren John Russell'ın yanı sıra, Heidelberg Okulu'nun önemli üyeleri olan Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin ve E. Phillips Fox gibi sanatçılardan oluşuyordu.
- Hollanda'daki Amsterdam Empresyonistleri arasında George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen, Marie Henry Mackenzie ve Jan Toorop vardı.
- Kaliforniya Empresyonist hareketinde William Wendt, Guy Rose, Alson Clark, Donna N. Schuster ve Sam Hyde Harris gibi sanatçılar yer aldı.
- Belçikalı Empresyonist ressamlar arasında Anna Boch, Eugène Boch (Vincent van Gogh'un arkadaşı), Georges Lemmen ve Théo van Rysselberghe vardı.
- Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama ve Matej Sternen'in de aralarında bulunduğu Sloven İzlenimciler, Anton Ažbe'nin Münih'teki okulundan geliyorlardı ve Paris'te faaliyet gösteren Sloven ressamlar Jurij Šubic ve Ivana Kobilca'dan önemli ölçüde etkilenmişlerdi.
- Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert ve Philip Wilson Steer, Birleşik Krallık'ın önemli Empresyonist ressamlarıydı. Ayrıca Manchester'da çalışan Fransa doğumlu sanatçı Pierre Adolphe Valette, L. S. Lowry'nin eğitmenliğini yaptı.
- Alman İzlenimcileri arasında Max Liebermann, Lovis Corinth, Ernst Oppler, Max Slevogt ve August von Brandis vardı.
- Macaristan'da László Mednyánszky ve Pál Szinyei-Merse önde gelen Empresyonistlerdi.
- Theodor von Ehrmanns ve Hugo Charlemont, Avusturya'daki ağırlıklı olarak Viyana Ayrılıkçı ressamları arasında daha az yaygın olan Empresyonist varlığını temsil ediyordu.
- İrlandalı İzlenimciler arasında William John Leech, Roderic O'Conor ve Walter Osborne vardı.
- Rusya'da Konstantin Korovin ve Valentin Serov önemli Empresyonist sanatçılardı.
- Porto Riko'nun yerlisi olan Francisco Oller y Cestero, Pissarro ve Cézanne ile olan dostluklarıyla tanınıyordu.
- James Nairn, Yeni Zelanda'da Empresyonist bir sanatçıydı.
- William McTaggart İskoç bir Empresyonistti.
- Kanadalı sanatçılar Maurice Cullen, Laura Muntz Lyall ve Helen McNicoll Empresyonizm ile ilişkilendirildi.
- Władysław Podkowiński, hem Empresyonist hem de Sembolist çalışmalarıyla tanınan Polonyalı bir sanatçıydı.
- Nicolae Grigorescu, Romanya'da Empresyonist bir ressamdı.
- Nazmi Ziya Güran, Empresyonizmin Türkiye'ye tanıtılmasıyla tanınır.
- Chafik Charobim Mısır'da Empresyonist bir sanatçıydı.
- Eliseu Visconti Brezilyalı bir Empresyonistti.
- İspanya'da Joaquín Sorolla ve Fermín Arango önemli Empresyonistlerdi.
- Arjantinli İzlenimciler arasında Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio ve Ramón Silva vardı.
- Skagen Ressamları, Danimarka'nın küçük bir balıkçı köyünde çalışan bir grup İskandinav sanatçıdan oluşuyordu.
- Sırp İzlenimciler arasında Nadežda Petrović, Milo Milunović, Kosta Miličević, Milan Milovanović ve Mališa Glišić vardı.
- Ásgrímur Jónsson, İzlanda'da Empresyonist bir sanatçıydı.
- Fujishima Takeji, Japonya'da Empresyonist bir ressamdı.
- Frits Thaulow, Norveç'te ve ardından Fransa'da faaliyet gösteren Empresyonist bir sanatçıydı.
Empresyonizm etkisini diğer çeşitli sanatsal medyalara da yaydı.
Heykel
Edgar Degas, yaşamı boyunca ağırlıklı olarak bir ressam olarak tanınsa da, 1880'lerde heykel sanatına yöneldi ve yaklaşık 150 eser üretti. Değişiklikleri, yeniden başlatmaları ve modelleme sürecinin daha derinlemesine araştırılmasını kolaylaştıran, şekillendirilebilirliği için bir araç olarak balmumunu tercih etti. Heykellerinden yalnızca biri olan On Dört Yılın Küçük Dansçısı, yaşamı boyunca halka açık olarak sergilendi ve 1881'deki Altıncı Empresyonist Sergisinde yer aldı. Bu eser, Küçük Dansçı önemli ölçüde eleştirel tartışmalara yol açtı; Bazıları bunu, İzlenimciliğin resim üzerindeki etkisine benzer şekilde, heykel geleneklerine karşı devrimci bir meydan okuma olarak görürken, diğerleri bunu estetik açıdan rahatsız edici buldu. Degas'nın 1917'deki ölümünden sonra mülkü, 73 heykel eserinden bronz dökümlerin oluşturulmasına izin verdi.
Heykeltıraş Auguste Rodin, geçici ışık efektleri yaratmak için kabaca modellenmiş yüzeyler kullanma tekniği nedeniyle zaman zaman Empresyonist olarak sınıflandırılır. Başka bir heykeltıraş olan Medardo Rosso da benzer şekilde Empresyonist olarak tanımlandı.
Bazı Rus sanatçılar, geleneksel sanatsal geleneklerden uzaklaşmayı amaçlayan Empresyonist hayvan heykelleri ürettiler. Bu eserlerin özelliği, kuşlara ve diğer canlılara yeni manevi nitelikler atfetmeleridir.
Fotoğrafçılık ve Film
Edgar Degas, öncelikle resim ve heykelleriyle tanınsa da, yaşamının ilerleyen dönemlerinde fotoğrafçılıkla da ilgilendi. Fotoğraf çalışmaları ne yaşadığı süre boyunca sergilendi ne de ölümünden sonra geniş çapta kabul gördü; Onlara yönelik akademik ilgi ancak 20. yüzyılın sonlarında ortaya çıktı.
Yumuşak odaklama ve atmosferik efektlerin kullanımıyla tanımlanan bir hareket olan Resimcilik'le ilişkilendirilen fotoğrafçılar da İzlenimciler olarak sınıflandırıldı. Bu fotoğrafçılar, Empresyonist resimleri çağrıştıran görüntüler oluşturmak için nesnelerin kasıtlı olarak odak dışı bırakılması, yumuşak odaklı veya iğne delikli merceklerin kullanılması ve sakız bikromat işleminin manipülasyonu gibi çeşitli yöntemler kullandılar.
"Fransız Empresyonist Sineması", Fransa'daki filmleri ve film yapımcılarını kapsayan, genel olarak 1919'dan 1929'a kadar aktif olan, gevşek tanımlanmış bir sinema hareketini ifade eder; ancak tam kronolojik kapsam bilimsel bir tartışma konusu olmaya devam etmektedir. Tanınmış Fransız İzlenimci film yapımcıları arasında Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc ve Dmitry Kirsanoff yer alıyor.
Müzik
Müzikal İzlenimcilik, Avrupa klasik müziği içinde 19. yüzyılın sonlarında ortaya çıkan ve 20. yüzyılın ortalarına kadar uzanan bir hareketi ifade eder. Fransa'da ortaya çıkan bu tarz, romantik çağda yaygın olan açık duygusallıktan kasıtlı olarak kaçınarak öneri ve atmosfere vurgu yapmasıyla karakterize edilir. Empresyonist besteciler sıklıkla gece, arabesk ve prelüd gibi daha kısa formları tercih ediyorlardı ve çoğu zaman tüm ton ölçeğini de içeren alışılmadık ölçekleri birleştiriyorlardı. En önemli yenilikleri arasında majör 7'li akorların tanıtılması ve üçüncül akor yapılarının beş ve altı bölümlü armonileri kapsayacak şekilde genişletilmesi yer alıyordu.
Görsel Empresyonizmin müzikal karşılığı üzerindeki kesin etkisi, bilimsel bir tartışma konusu olmaya devam ediyor. Claude Debussy ve Maurice Ravel genel olarak önde gelen Empresyonist besteciler olarak kabul edilir; ancak Debussy'nin kendisi bu terimi reddetti ve onu kritik bir icat olarak görmezden geldi. Erik Satie de bu hareket içinde sınıflandırıldı, ancak onun kompozisyon metodolojisi genellikle daha az ciddi olarak algılandı ve daha çok müzikal yeniliğe yöneldi.
Bir başka Fransız besteci olan Paul Dukas zaman zaman Empresyonist olarak sınıflandırılır, ancak onun üslup yaklaşımı daha doğru bir şekilde geç Romantizm ile ilişkilendirilebilir. Buna karşılık, Lili Boulanger'in kompozisyonları açıkça Debussian seslerini sergiliyor ve aynı zamanda Empresyonist olarak kabul ediliyor. Müzikal Empresyonizm, Fransız kökenlerinin ötesinde, Ottorino Respighi (İtalya), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott ve John Ireland (İngiltere), Alexander Scriabin (Rusya), Manuel De Falla ve Isaac Albeniz (İspanya) ve Charles Griffes (Amerika) gibi bestecilerin eserlerine kadar uzanır.
Amerikan Empresyonist müziği, Avrupa Empresyonist müziğinden farklı özellikler sergiler; bu farklılıklar özellikle Charles'ta dile getirilmiştir. Tomlinson Griffes'in "Flüt ve orkestra için şiiri." Griffes aynı zamanda Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en üretken Empresyonist besteci olarak da tanınmaktadır.
Edebiyat
"Empresyonizm" terimi aynı zamanda bir olayın veya sahnenin duyusal izlenimlerinin göze çarpan ayrıntılardan oluşan bir seçki yoluyla aktarılmasıyla karakterize edilen edebi eserleri de kapsayacak şekilde genişletilmiştir. Empresyonist edebiyat, Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud ve Verlaine gibi önde gelen isimlerle Sembolizm ile yakın bir ilişki sergiler. Virginia Woolf, D.H. Lawrence, Henry James ve Joseph Conrad gibi yazarlar, bir karakterin içsel deneyimini oluşturan izlenimleri, duyumları ve duyguları yorumlamak yerine tanımlama yöntemleri açısından Empresyonist eserler bestelediler. Bazı edebiyat akademisyenleri, özellikle de John G. Peters, edebi İzlenimciliğin, İzlenimci resimle iddia edilen herhangi bir bağlantıdan çok, felsefi yönelimiyle daha kesin bir şekilde tanımlandığını öne sürüyor.
Post-Empresyonizm
1880'lerde aralarında Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat ve Henri de Toulouse-Lautrec'in de bulunduğu birçok sanatçı, Empresyonist uygulamalardan ilham alarak renk, desen, form ve çizginin uygulanmasına ilişkin farklı ilkeler ortaya koymaya başladı. Empresyonistlerden biraz daha genç olan bu sanatçılar, daha sonra Post-Empresyonizm olarak adlandırılan bir çalışmalar bütünü geliştirdiler. Post-Empresyonist sanatçılar, Empresyonistlerin ışık ve rengin optik duyumlarının gerçekçi şekilde yeniden üretilmesiyle meşgul olmalarına bilinçli olarak tepki gösterdiler; bunun yerine sembolik içeriğe ve duyguların açık ifadesine yöneldiler.
Post-Empresyonizm, Fütürizm ve Kübizm'in tanımlayıcı özelliklerini öngördü ve böylece Avrupa'nın sanata yönelik toplumsal bakış açılarında önemli bir değişimi yansıtıyordu. Birkaç temel Empresyonist sanatçı da bu yeni ortaya çıkan sanatsal alanları araştırdı; örneğin, Camille Pissarro kısa süreliğine noktacı tekniği benimsedi ve Claude Monet sonunda katı "açık hava" resminin ötesine geçti. Açılış ve üçüncü Empresyonist sergilere katılan Paul Cézanne, resimsel yapıya öncelik veren farklı bir sanatsal bakış açısı geliştirdi ve bu da onun sıklıkla Post-Empresyonist olarak sınıflandırılmasına yol açtı. Bu tür örnekler kategorik atamanın doğasında olan zorlukları vurgularken, ilk Empresyonist ressamların eserleri tanım gereği Empresyonist sınıflandırması içinde kalır.
Empresyonizmin etkilerini sergileyen Kanton resim okulu.
- İzlenimcilikten etkilenen Kanton resim ekolü
- Resmin tarihsel gidişatı.
- Les XX
- Lüminizm, Empresyonist ilkelerle bağlantılıdır.
- Batı sanat tarihindeki kronolojik ayrımlar.
Notlar
Alıntılar
Alıntılanan Çalışmalar
İzlenimciliğin fotoğraf ortamındaki çağdaş tezahürleri.
- Fotoğrafta Çağdaş İzlenimcilik
- Hecht Müzesi
- Fransız İzlenimcileri (1860–1900)
- Fransız İzlenimciler (1860–1900) Gutenberg Projesi'nde
- Museumsportal Schleswig-Holstein
- Empresyonizm: 12 Aralık 1974'ten 10 Şubat 1975'e kadar Metropolitan Sanat Müzesi'nde sunulan Yüzüncü Yıl Sergisi
- Suburban Pastoral, 24 Şubat 2007'de The Guardian'da yayınlandı.
- Empresyonizmin tanımı.
- Empresyonizm: Avrupa Müzeleri Tarafından Toplanan Resimler (1999), Atlanta'daki Yüksek Sanat Müzesi, Seattle Sanat Müzesi ve Denver Sanat Müzesi'nin ortaklaşa düzenlediği ve Mayıs'tan Aralık 1999'a kadar gezilen bir sanat sergisi oluşturdu.
- Monet'in Giverny'deki Yılları: Empresyonizmin Ötesinde, Metropolitan Sanat Müzesi'nden Monet'nin bu sanatsal harekete katkısını inceleyen 1978 tarihli bir sergi kataloğu.
- Degas: Sanatçının Aklı, Metropolitan Sanat Müzesi'nin 1976 tarihli sergi kataloğu, Degas'nın bu sanatsal harekete katılımını analiz ediyor.
- 'Paris 1874: İzlenimciliği Keşfetmek' sergisi 26 Mart - 14 Temmuz 2024 tarihleri arasında Musée d'Orsay'da düzenlendi.
- 'Paris 1874: Empresyonist An' sergisinin 8 Eylül 2024 ile 19 Ocak 2025 tarihleri arasında Ulusal Sanat Galerisi'nde yapılması planlanıyor.