Japonizm (Japonisme)

Japonizm, Japonya'nın 1858'de uluslararası ticaretle zorunlu olarak yeniden ilgilenmesinin ardından, on dokuzuncu yüzyılda Japon sanatı ve tasarımının çeşitli Batı Avrupalı sanatçılar arasında yaygın çekiciliğini ve sanatsal etkisini ifade eden Fransızca bir terimdir. Japonizm kavramı ilk olarak 1872'de Fransız sanat eleştirmeni ve koleksiyoncu Philippe Burty tarafından ifade edilmiştir.

Her ne kadar tezahürleri tartışmasız en çok görsel sanatlarda belirgin olsa da sanat, etkisi mimariye, peyzaj tasarımına, bahçeciliğe ve modaya nüfuz etti. Performans sanatları da bu etkiyi yaşadı; Gilbert ve Sullivan'ın The Mikado'su dikkate değer bir örnek teşkil etti.

1860'lı yıllardan başlayarak, Japon tahta baskılarının bir türü olan ukiyo-e, çok sayıda Batılı sanatçı için önemli bir ilham kaynağı olarak ortaya çıktı. Bu baskılar başlangıçta Japonya'daki yerel ticari pazar için üretildi. Bazı baskılar daha önce Hollanda ticaret ağları aracılığıyla Batı'ya ulaşmış olsa da, ukiyo-e baskılarının Avrupa'daki yaygın popülaritesi 1860'lara kadar gerçekleşmedi. Batılı sanatçılar özellikle yenilikçi renk uygulamaları ve farklı kompozisyon yapılarından etkilenmişlerdi. Ukiyo-e baskılarının karakteristik özellikleri arasında belirgin kısaltma ve asimetrik düzenlemeler yer alıyordu.

Seramik, emaye, metal işleri ve lake eşyaları kapsayan Japon dekoratif sanatları, Batı'da grafik sanatlarıyla karşılaştırılabilecek bir etki yarattı. Meiji dönemi (1868–1912) boyunca Japon çömlekçiliği küresel ihracata ulaştı. Samuray silahlarının işlenmesinde zengin bir mirastan yararlanan Japon metal işçileri, metalleri alaşımlama ve bitirme konusunda gelişmiş teknikler kullanarak geniş bir renk paleti geliştirdiler. 1890'dan 1910'a kadar olan dönem, üretimde benzeri görülmemiş ilerlemelerin elde edildiği Japon emaye işi emayesinin "altın çağını" işaret ediyordu. Bu eserler on dokuzuncu yüzyıl Avrupa'sında son derece dikkat çekici hale geldi, birbirini izleyen dünya fuarlarında milyonlara sergilendi ve ardından galeriler ve lüks perakendeciler tarafından satın alındı. Eleştirmenlerin, koleksiyonerlerin ve sanatçıların çağdaş yazıları, bu yeni ortaya çıkan sanat formuna yönelik önemli bir heyecanı dile getirdi. Siegfried Bing ve Christopher Dresser gibi önde gelen koleksiyoncular bu kreasyonları sergiledi ve belgeledi. Sonuç olarak, Japon estetik ilkeleri ve tematik unsurlar yeniden yorumlandı ve Batılı sanatçı ve zanaatkarların yaratımlarına entegre edildi.

Geçmiş

İzolasyon (1639–1858)

Edo döneminin (1603-1867) büyük bölümünde Japonya, yalnızca tek bir uluslararası limanın çalışır durumda kalmasıyla ulusal bir izolasyon politikasını sürdürdü. Tokugawa Iemitsu, Japonya'nın ithalat için özel giriş noktası olarak hizmet verecek, Nagazaki açıklarında bulunan yapay bir ada olan Dejima'nın inşasını zorunlu kıldı. Hollandalılar, Japonya ile ticaret yapmalarına izin verilen tek Batılılardı; yine de bu sınırlı etkileşim, Japon sanatsal etkilerinin Batı'ya aktarılmasını kolaylaştırdı. Her yıl, Hollanda filoları takas karşılığında Batı mallarıyla yüklü olarak Japonya'ya geliyordu. Kargoları özellikle resim üzerine çok sayıda Hollandaca inceleme ve çeşitli Hollanda baskılarından oluşuyordu. Shiba Kōkan (1747–1818) bu ithal malzemelerle uğraşan Japon sanatçılar arasındaydı. Kōkan, ithal bir incelemeden edindiği bir teknik olan Japonya'nın en eski gravürlerinden birini üretti. Daha sonra yine bir incelemeden türetilen doğrusal perspektif tekniğini kendine özgü ukiyo-e tarzındaki resimlerine entegre etti.

Erken dışa aktarmalar

Başlangıçta Japonya'nın başlıca ihracatı, 1668'den sonra yasaklanan gümüş, 1763'ten sonra yasakla karşı karşıya kalan oval madeni para biçimindeki altın ve ardından külçe biçiminde bakırdan oluşuyordu. Daha sonra Japonya'nın ihracatı azaldı ve seramik, el vantilatörü, kağıt, mobilya, kılıç, zırh, sedef ürünler, katlanır paravanlar ve cilalı eşyalar gibi hepsi zaten yerleşik ihracat ürünleri olan zanaatkarlık ürünlerine yöneldi.

Japonya'nın izolasyon döneminde bile Japon malları, Avrupa aristokrasisi arasında oldukça imrenilen lüks ürünlerdi. Japon porselen üretimi, Koreli çömlekçilerin Kyushu bölgesine taşınmasının ardından on yedinci yüzyılda önemli ölçüde genişledi. Bu göçmenler, kendi torunları ve Japon zanaatkarlarla birlikte kaolin kili yataklarını keşfederek üstün kaliteli seramik üretimine başladılar. Farklı geleneklerin bu birleşimi, benzersiz bir Japon endüstrisini besledi ve Imari ürünleri ve Kakiemon gibi farklı tarzların ortaya çıkmasına neden oldu. Bu tarzlar daha sonra Avrupalı ​​ve Çinli seramik sanatçılarını etkiledi. Porselen ihracatı, Jingdezhen'deki Çin porselen üretimini birkaç on yıl boyunca kesintiye uğratan Ming-Qing geçişinden ek bir ivme kazandı. Bunun sonucunda Japon çömlekçiler, Avrupa'nın tercihlerine göre porselen üreterek talebi karşıladılar. Porselen ve lake eserler Japonya'nın Avrupa'ya başlıca ihracatı olarak ortaya çıktı. Porseleni sergilemenin zengin bir yöntemi, egzotik parçalara geniş raflarla bir odanın tamamını ayırmayı içerirken, birkaç parçanın satın alınması, orta sınıfın daha geniş bir kesimi için giderek daha erişilebilir hale geldi. Dikkate değer Japon lake eşya koleksiyoncuları arasında koleksiyonları Louvre ve Versailles Sarayı'nda sıklıkla sergilenen Marie Antoinette ve Maria Theresa yer alıyor. Asya cila tekniklerinin Avrupa'daki emülasyonuna Japanning adı verilir.

Yeniden açılıyor (19. yüzyıl)

Kaei döneminde (1848-1854), iki yüzyılı aşkın izolasyonun ardından Japonya, farklı kökenlerden yabancı ticari gemilerden ziyaretler almaya başladı. 1868'deki Meiji Restorasyonunun ardından Japonya, uzun süreli ulusal izolasyonunu sonlandırdı ve sınırlarını fotoğraf ve baskı teknolojileri gibi Batı'dan ithal edilen ürünlere açtı. Bu yenilenen ticari erişilebilirlik, Paris ve Londra'daki antika dükkanlarında Japon sanatının ve eserlerinin ortaya çıkmasına yol açtı. Japonisme, Japon sanatını, özellikle de ukiyo-e baskılarını toplamaya yönelik yaygın bir coşkudan kaynaklandı. Ukiyo-e'nin ilk örnekleri arasında Paris'te gözlemlendi.

Eş zamanlı olarak Avrupalı ​​sanatçılar, Avrupa'da yaygın olan katı akademik metodolojilere aktif olarak alternatifler aradılar. Yaklaşık 1856 yılında Fransız sanatçı Félix Bracquemond, Auguste Delâtre'nin baskı atölyesinde Hokusai Manga eskiz defterinin bir kopyasını keşfetti. Bu bulguyu takip eden yıllarda Japon baskılarına olan ilginin arttığına tanık olundu. Bu baskılar antika mağazalarında, çay depolarında ve daha kapsamlı ticari kuruluşlarda perakende olarak satılıyordu. La Porte Chinoise gibi perakendeciler, Japon ve Çin ithal mallarının dağıtımına odaklandı. Özellikle, La Porte Chinoise, bu baskılardan sanatsal ilham alan James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet ve Edgar Degas gibi sanatçılar için bir mıknatıs haline geldi. Bu kuruluş, diğerleriyle birlikte, Japon sanatsal uygulamaları ve teknikleriyle ilgili bilgilerin yayılmasını teşvik eden toplantılara ev sahipliği yaptı.

Sanatçılar ve Japonizm

Ukiyo-e baskıları, Batı'nın sanatsal ifadesinde başlıca Japon etkisini oluşturdu. Batılı sanatçılar, kompozisyon alanının farklı kullanımından, düzlemsel düzleştirmeden ve renge uygulanan soyut metodolojilerden ilham aldılar. Bu estetiğin unsurlarını benimseyen Batılı sanatçıların eserlerinde köşegenlere, asimetriye ve negatif alana belirgin bir vurgu yapıldığı fark ediliyor.

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh'un Japonca baskılara olan hayranlığı, Félix Régamey'nin The Illustrated London News ve Le Monde illustré'de yayınlanan illüstrasyonlarını keşfetmesiyle başladı. Régamey, Japon tekniklerini taklit eden tahta baskılar üretti ve sıklıkla Japonların günlük varoluşunun hikayelerini tasvir etti. Van Gogh, Régamey'i Japon sanat geleneklerini ve gündelik yaşamı anlamak için güvenilir bir referans olarak görüyordu. 1885'ten itibaren Van Gogh, Régamey'inkiler de dahil olmak üzere dergi illüstrasyonlarını biriktirmekten, Paris'teki mütevazı kuruluşlarda bulunan ukiyo-e baskıları almaya geçiş yaptı. Daha sonra bu baskıları sanatçı arkadaşlarıyla paylaştı ve 1887'de Paris'te bir Japon baskı sergisinin küratörlüğünü yaptı.

Van Gogh'un Père Tanguy'un Portresi (1887), boya satıcısı Julien Tanguy'u tasvir ediyor. Van Gogh bu portrenin iki farklı versiyonunu üretti. Her iki versiyon da Hiroshige ve Kunisada gibi tanınmış sanatçıların Japon baskılarıyla süslenmiş arka planları içeriyor. Japon tahta baskılarından ve bunların canlı renk şemalarından ilham alan Van Gogh, benzer bir renk yoğunluğunu sanatsal çıktısına entegre etti. Müşterilerin tek renkli Hollanda resimlerine olan ilgisini kaybettiği ve çok renkli sanat eserlerinin çağdaş ve çekici olarak algılanacağı inancıyla hareket ederek Tanguy'un portresini parlak tonlarla doldurdu.

Alfred Stevens

Belçikalı bir ressam olan Alfred Stevens, Paris'te Japon sanatının öncü bir koleksiyoncusu ve hayranı olarak ortaya çıktı. Stüdyodaki eşyaları, Japonlara ve diğer egzotik dekoratif öğelere ve mobilyalara olan derin ilgisini canlı bir şekilde ortaya koyuyordu. Stevens, hem Manet hem de James McNeill Whistler'la yakın ilişkiler sürdürdü ve bu ilk hayranlığını onlarla paylaştı. Çağdaşlarının önemli bir kısmı, özellikle Japon sanatı ve eserlerinin halka açık ilk sergisine damgasını vuran Londra'daki 1862 Uluslararası Sergisi ve Paris'teki 1867 Uluslararası Sergisi'nin ardından benzer bir coşku geliştirdi.

1860'ların ortalarından itibaren Japonisme, Stevens'ın çok sayıda tablosunun ayrılmaz bir bileşeni haline geldi. Japonisme'den etkilenen en ünlü eserleri arasında La parisienne japonaise (1872) yer alır. Kimonolarla süslenmiş genç kadınları tasvir eden çok sayıda portre üretti ve Japon motifleri diğer birçok tuvalinde de açıkça görülüyor. Örnekler arasında, bir iç mekanda şık giyimli bir kadını Japon nesnelerinin titiz bir tasviriyle yan yana getiren erken dönem La Dame en Rose (1866) ve Japon baskılarının bir sandalye üzerinde belirgin bir şekilde sergilendiği ve sanatsal bağlılığını simgeleyen The Psyché (1871) sayılabilir.

Edgar Degas

1860'larda Edgar Degas, La Porte Chinoise gibi kuruluşlardan ve Paris'teki çeşitli küçük matbaalardan Japonca baskılar almaya başladı. Akranlarının eşzamanlı toplama faaliyetleri ona geniş bir yelpazede ilham verici materyal sağladı. Bracquemond'un Delâtre'nin atölyesinde karşılaştıktan sonra elde ettiği Hokusai'nin Manga'sinin bir kopyası Degas'a sunulan baskılar arasında yer alıyordu. Degas'nın Japonisme'yi 1875 civarında baskı resim sanatına dahil ettiği tahmin ediliyor; bu, bireysel sahneleri dikey, çapraz ve yatay bölümlere ayırmaya yönelik kendine özgü kompozisyon stratejisiyle kanıtlanıyor.

Çok sayıda Japon sanatçının tematik ilgi alanlarını yansıtan Degas'ın baskıları sıklıkla kadınları ve onların gündelik faaliyetlerini tasvir ediyor. Kadın konularının alışılmadık şekilde yerleştirilmesi ve baskı resimde gerçekçiliğe olan bağlılığı, onun çalışmaları ile Hokusai, Utamaro ve Sukenobu gibi Japon ustaların çalışmaları arasında bir bağlantı kurdu. Örneğin, Degas'nın Mary Cassatt at the Louvre: The Etruscan Gallery (1879–80) adlı baskısında, Japon baskılarında yaygın olarak görülen iki figürlü bir kompozisyon (biri oturan, diğeri ayakta) kullanıyor. Degas, kompozisyonlarında derinlik oluşturmak ve mekansal alanları tasvir etmek için sürekli olarak çizgilerden yararlandı. En belirgin ödünç aldığı şey, doğrudan Hokusai'nin Manga'sından uyarlanan bir motif olan, kapalı bir şemsiyeye yaslanan bir kadın tasviridir.

James McNeill Whistler

Japon sanatı ilk kez 1850'lerin başında İngiliz sergilerinde ortaya çıktı. Bu sergilerde haritalar, yazışmalar, tekstil ürünleri ve günlük hayattan eşyalar dahil olmak üzere çok çeşitli Japon eserleri sergilendi. Bu tür sergiler Britanya'da ulusal bir gurur duygusunu besledi ve daha geniş, genelleştirilmiş "Doğu" sınıflandırmasından farklı, farklı bir Japon kültürel kimliğinin oluşturulmasına katkıda bulundu.

James Abbott McNeill Whistler, Amerikalı bir sanatçı, ağırlıklı olarak Britanya'da çalışıyordu. 19. yüzyılın sonlarında Whistler, çağdaşlarının tercih ettiği Realist resim tarzından giderek uzaklaştı. Bunun yerine Japon estetiğinde sadeliği ve teknik hassasiyeti keşfetti. Whistler, belirli sanatçıları veya sanat eserlerini doğrudan kopyalamak yerine, genel Japon eklemlenme ve kompozisyon yapısı ilkelerinden ilham aldı ve daha sonra bunları kendi yaratımlarına dahil etti.

Japon Sanatı ve Kültüründen Etkilenen Sanatçılar

Sinema

Asya'yı tasvir eden ve büyük beğeni toplayan ilk tiyatro prodüksiyonları İngiltere'de ortaya çıktı ve Japonya'ya odaklandı. Orijinal adı Mikado olan ancak Japonya'nın itirazları üzerine yeniden isimlendirilen çizgi roman Kosiki operası 1876'da bestelendi. 1885'te Gilbert ve Sullivan, görünüşe göre Japonların hassasiyetleri konusunda daha az endişe duyarak kendi Mikado'larını piyasaya sürdüler. Bu komik opera, prömiyerinden sonraki iki yıl içinde on yedi şirketin 9.000 kez sahnelemesiyle Avrupa çapında olağanüstü bir popülerlik kazandı. Mikado, 1887'de Almanca çevirisiyle 1890'lar boyunca Almanya'nın en popüler dramatik eseri olma özelliğini korudu. Bu yaygın başarının ardından, Asya'da geçen ve komik Asyalı karakterlerin yer aldığı komedilerin hem komik opera hem de dramatik biçimlerde hızla çoğalması ortaya çıktı.

Sidney Jones'un Geyşa (1896) operası, Avrupa'nın en popüler Japon temalı draması olarak Mikado'nun yerini aldı ve geyşayı Japonya'yı temsil eden tanınmış bir sıradan karakter olarak tanıttı. Bu figür, doğası gereği Almanya'da ve Batı dünyasında Japonya'yı simgeleyen "nesnelerden" biri haline geldi. 1904 ile 1918 yılları arasında Avrupa'da geyşa dramalarında önemli bir artış meydana geldi ve Puccini'nin Madam Butterfly operası en ünlüsü olarak ortaya çıktı. David Belasco'nun aynı adlı oyununun 1900'de sahnelenmesiyle derinden gözyaşlarına boğulduğu söylenen Puccini, operası için ilham kaynağı oldu. Madama Butterfly'ın muazzam popülaritesi daha sonra Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn ve Tip Top gibi çok sayıda taklidin ortaya çıkmasına neden oldu; bunların hepsi 1904 civarında ortaya çıktı, ancak hızla şöhretten kayboldu. Bununla birlikte, kolektif etkileri kalıcıydı ve Batı'da Japonya'nın ikonik temsilleri olarak parşömenler, yeşim taşları ve Fuji Dağı resimlerinin yanı sıra geyşanın statüsünü sağlamlaştırıyordu. Tıpkı geyşanın bu insan figürünün sıklıkla dramadaki diğer sembolik nesneler düzeyine indirilmesi gibi, Almanya'yı gezen Japon sanatçılar da benzer şekilde Alman tiyatrosunu yeniden canlandırma çabalarında Alman oyun yazarlarına hizmet ettiler. Fransa'da ukiyo-e'nin kullanımına benzer şekilde, Japonya'ya dair her türlü derin anlayıştan kopmuş, Avrupa'yı gezen Japon oyunculuk ve dans grupları, sahnede "yeni bir dramatizasyon yolu" için malzeme sağladı. İronik bir şekilde, bu Japon dramalarının yaygın çekiciliği ve etkisi, genel olarak Japon tiyatrosunun, özellikle de Avrupa'da sahnelenen eserlerin Batılılaşmasına önemli ölçüde katkıda bulundu.

18. yüzyıl Japon Kabuki tiyatrosunun bir yeniliği olan döner sahne, hakim Japonculuktan etkilenerek 1896 yılında Münih'teki Residenz Tiyatrosu'nda Batı sahnelerine tanıtıldı. Bu, Alman sahne tasarımı üzerindeki ilk Japon etkisini işaret ediyordu. Karl Lautenschlager, Kabuki döner sahnesini 1896'da benimsedi ve on yıl sonra Max Reinhardt, bunu Frank Wedekind'in Frühlings Erwachen'inin galası için kullandı. Döner sahne Berlin'de hızla bir trend haline geldi. Alman yönetmenlerin tercih ettiği bir diğer Kabuki sahne uyarlaması ise seyirciye yansıyan bir sahne uzantısı olan Blumensteg'di. Avrupalıların Kabuki'ye olan aşinalığı Japonya'ya yapılan seyahatlerden, metinsel kaynaklardan ve Japon gruplarını gezmekten kaynaklandı. 1893'te, Kawakami Otojiro ve oyunculuk şirketi Paris'e geldi, 1900'de geri döndü ve 1902'de Berlin'de sahne aldı. Kawakami'nin grubu, her ikisi de müziksiz ve önemli ölçüde azaltılmış diyaloglarla icra edilen, dolayısıyla pantomim ve dansa yönelen iki Batılılaşmış parça olan Kesa ve Shogun'u sundu. Dramatistler ve eleştirmenler bu performansları derhal "tiyatronun yeniden teatralleştirilmesi" olarak kabul ettiler. Oyuncular arasında, Loie Fuller ve Isadora Duncan gibi modern dansın öncülerini etkileyen, Avrupa'nın ilk Japon yıldızı Sada Yacco; 1900'de Kraliçe Victoria için sahne aldı ve Avrupa'da hatırı sayılır bir yıldızlığa ulaştı.

Japon Bahçeleri

Japon bahçelerinin estetik ilkeleri, Josiah Conder'ın ufuk açıcı çalışması Japonya'da Peyzaj Bahçeciliği (Kelly ve Walsh, 1893 tarafından yayınlandı) aracılığıyla İngilizce konuşulan dünyaya tanıtıldı ve bu çalışma daha sonra Batı'daki ilk Japon bahçelerinin yaratılmasına ilham verdi. Bu etkili metnin ikinci baskısı 1912'de yayımlandı. Conder'ın özetlediği ilkelerin uygulanmasının zaman zaman zor olduğu görüldü:

Yerel kıyafet ve tavırlarından arındırılmış Japon yöntemi, herhangi bir ülkenin bahçelerine uygulanabilen estetik ilkeleri ortaya çıkarır ve bunu yaparken, tüm ayrıntılarına rağmen birlik ve amaçtan yoksun olan bir kompozisyonun şiire veya resme nasıl dönüştürüleceğini öğretir.

Tassa (Saburo) Eida, ikisi Londra'daki Japonya-İngiliz Sergisi için olmak üzere birçok etkileyici bahçe tasarladı. 1910 ve bir tanesi William Walker, 1. Baron Wavertree için dört yılda titizlikle inşa edildi. İkinci bahçe, Irish National Stud'da halka açık olarak ziyaret edilmeye devam ediyor.

Samuel Newsom'un 1939 tarihli yayını Japon Bahçe İnşaatı, 19. yüzyılın ortalarında simüle edilmiş taş yığını ortamlarında dağ bitkileri yetiştirme tutkusundan bağımsız olarak ortaya çıkan Batı kaya bahçesi tasarımına çare olarak Japon estetik ilkelerini önerdi. Bahçe Tarihi Derneği, Japon peyzaj mimarı Seyemon Kusumoto'nun Birleşik Krallık'ta yaklaşık 200 bahçenin oluşturulmasına katkıda bulunduğunu bildiriyor. Dikkate değer projeleri arasında 1937 Chelsea Flower Show'da bir kaya bahçesi sergilemek, Bognor Regis'teki Burngreave Malikanesi'nde ve Hertfordshire'daki Cottered'de bir Japon bahçesi tasarlamak ve Londra'daki Du Cane Court'ta avlular geliştirmek yer alıyordu.

Empresyonist sanatçı Claude Monet, defalarca tasvir ettiği bir konu olan, başta zambak göletinin üzerindeki köprü olmak üzere Giverny bahçesine Japon tasarım öğelerini dahil etti. Bu resim serisinde köprü veya zambaklar gibi belirli ayrıntılara odaklanması, geniş bir koleksiyona sahip olduğu ukiyo-e baskılarında yaygın olan geleneksel Japon görsel tekniklerinin etkisini yansıtıyordu. Ayrıca bahçenin egzotik ortamını geliştirmek için çok sayıda yerli Japon bitki türünü yetiştirdi.

Müzeler

Amerika Birleşik Devletleri'nde Japon sanatının cazibesi, hem özel koleksiyonerlerin hem de müzelerin önemli koleksiyonlar oluşturmasına yol açtı; bu koleksiyonlar günümüzde de varlığını sürdürüyor ve sonraki nesil sanatçıları derinden etkiledi. Boston, muhtemelen Asya sanatının önde gelen erken koleksiyoncularından biri olan Isabella Stewart Gardner'ın teşvikiyle bu ilginin birincil merkezi olarak ortaya çıktı. Sonuç olarak, Boston Güzel Sanatlar Müzesi, Japonya dışında dünya çapında en seçkin Japon sanatı koleksiyonuna sahip olduğunu iddia ediyor. Ayrıca Freer Sanat Galerisi ve Arthur M. Sackler Galerisi ortaklaşa Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en büyük Asya sanat araştırma kütüphanesini elinde tutuyor ve Whistler'ın Japon etkisini gösteren eserlerinin yanı sıra Japon sanatını da seçiyor.

Galeri

İngiliz-Japon stili

• İngiliz-Japon tarzı
• Animeden etkilenen animasyon
• Arabist – "Arap" stili
• Chinoiserie – Batı sanatı ve tasarımında benzer Çin etkisi
• David B. Gamble House
• Japon hayranlığı
• Garbiyatçılık – Doğu'nun Batı hakkındaki görüşleri için
• Oryantalizm – Asya (daha sıklıkla Yakın Doğu) konularının Batı tarafından romantikleştirilmiş tasvirleri
• Turquerie
• Weeb
• Japonya'da tahta blok baskı
• Gravür
• Yamashiro Tarihi Bölgesi

Açıklayıcı notlar

Referanslar

Alıntılar

Genel ve alıntı yapılan referanslar

• Breuer, Karin (2010). Japanesk: İzlenimcilik Çağında Japon Baskısı. New York: Prestel Yayıncılık.Cate, Phillip Dennis; Eidelberg, Martin; Johnston, William R.; Needham, Gerald; Weisberg, Gabriel P. (1975). Japonizm: Fransız Sanatına Japon Etkisi 1854–1910. Kent State University Press.Earle, Joe (1999). Meiji'nin Görkemleri: Japonya İmparatorluk Hazineleri: Khalili Koleksiyonundan Başyapıtlar. St. Petersburg, Florida: Broughton Uluslararası. ISBN 1-874780-13-7. OCLC 42476594.Irvine, Gregory, ed. (2013). Japonizm ve Modern Sanat Hareketinin Yükselişi: Meiji Dönemi Sanatları: Khalili Koleksiyonu. New York: Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-23913-1. OCLC 853452453.Lambourne, Lionel (2005). Japonizm: Japonya ile Batı Arasındaki Kültürel Geçişler. New York: Phaidon.Ono, Ayako (2003). Britanya'da Japonizm: Whistler, Menpes, Henry, Hornel ve Ondokuzuncu Yüzyıl Japonyası. New York: Routledge Curzon.Slawson, David A. (1987). Japon Bahçeleri Sanatında Gizli Öğretiler. New York/Tokyo: Kodansha.Thomson, Belinda (2014)."Van Gogh, Gauguin, Bernard ve Anquetin'in Eserlerinde Japonizm". Folkwang Müzesi'nde (ed.). Monet, Gauguin, Van Gogh… Japon İlhamları. Folkwang/Steidl.Cluzel, Jean-Sébastien (editör), Adamson, John (çevirmen). Fransa'da Japonisme and Architecture, 1550–1930 (Editions Faton, 2022) ISBN 978-2-87844-307-3.
  • Cluzel, Jean-Sébastien (editör), Adamson, John (çevirmen). Fransa'da Japonizm ve Mimarlık, 1550–1930 (Editions Faton, 2022) ISBN 978-2-87844-307-3.
  • Nash, Elizabeth R. Edo Baskı Sanatı ve Batı Yorumları (PDF). Tez.
  • Rümelin, Christian ve Ellis Tinios. Empresyonizm Çağında Japon ve Fransız Baskısı (2013)
  • Scheyer, Ernst. "Uzakdoğu Sanatı ve Fransız İzlenimciliği". The Art Quarterly 6#2 (Bahar 1943): 116–143.
  • Weisberg, Gabriel P. "Japonizm Üzerine Düşünmek: Görsel Sanatlarda Disiplinin Durumu". Journal of Japonisme 1.1 (2016): 3–16.
  • Weisberg, Gabriel P. ve Yvonne M.L. Weisberg (1990). Japonisme, Açıklamalı Bir Kaynakça.
  • Wichmann, Siegfried (1981). Japonizm: 19. ve 20. Yüzyıllarda Batı Sanatı Üzerindeki Japon Etkisi. Harmony Kitapları.
  • Widar, Halen (1990). Christopher Dresser.
  • Metropolitan Sanat Müzesi'nden Sanat Tarihi Zaman Çizelgesi'nden "Japonizm"
  • "Japonizm: Keşif ve Kutlama"
  • Edgar Degas'ın Özel Koleksiyonu, Metropolitan Sanat Müzesi kütüphanelerinden tamamen dijitalleştirilmiş metin; "Degas, Japon Baskıları ve Japonizm" makalesini içerir (s. 247–260)