Maniyerizm, Avrupa sanatında yaygın olan sanatsal bir üslup anlamına gelir ve kökeni Yüksek Rönesans'ın ikinci aşamasında, yaklaşık 1520'de İtalya'da ortaya çıkar. Etkisi 1530'da genişledi ve İtalya'da 16. yüzyılın sonuna kadar devam etti; bu noktada Barok üslup büyük ölçüde onun yerini aldı. Ancak Kuzey Maniyerizmi varlığını 17. yüzyılın başlarına kadar genişletti.
Maniyerizm, Avrupa sanatında, 1520 civarında İtalyan Yüksek Rönesansı'nın sonraki yıllarında ortaya çıkan, yaklaşık 1530'da yayılan ve İtalya'da Barok üslubun büyük ölçüde onun yerini aldığı 16. yüzyılın sonuna kadar süren bir üsluptur. Kuzey Maniyerizmi 17. yüzyılın başlarına kadar devam etti.
Bu sanatsal hareket, Leonardo da Vinci, Raphael, Vasari ve erken dönem Michelangelo gibi Yüksek Rönesans ustalarının uyumlu ilkelerinden hem etkilenen hem de bunlara tepki olan çeşitli metodolojileri kapsar. Yüksek Rönesans sanatı orantıya, dengeye ve idealize edilmiş güzelliğe öncelik verirken, Maniyerizm sıklıkla bu nitelikleri güçlendirir ve genellikle asimetrik veya doğal olmayan bir zarafete sahip kompozisyonlara yol açar. Doğalcı olmaktan çok yapay özellikleriyle öne çıkan bu tarz, önceki Rönesans resminde görülen denge ve netlik yerine kompozisyondaki gerilimi ve istikrarsızlığı tercih ediyor. Edebiyat ve müzik alanlarında Maniyerizm, ayrıntılı üslup özellikleri ve entelektüel karmaşıklığıyla tanınır.
Maniyerizmin kesin tanımı ve iç gelişim aşamaları, sanat tarihçileri arasında tartışmalı olmaya devam ediyor. Örneğin, bazı akademisyenler bu tanımı belirli erken modern edebi biçimleri, özellikle de şiiri ve 16. ve 17. yüzyıllardan kalma müzik kompozisyonlarını kapsayacak şekilde genişletti. Ayrıca bu terim, yaklaşık 1500 ile 1530 yılları arasında Kuzey Avrupa'da faaliyet gösteren bazı geç Gotik ressamları, özellikle de İtalyan hareketinden farklı bir kolektif olan Antwerp Maniyeristlerini tanımlar. Benzer şekilde Maniyerizm de Latin edebiyatının Gümüş Çağı ile ilişkilendirilmiştir.
Adlandırma
"Maniyerizm" terimi, İtalyanca "stil" veya "tarz" anlamına gelen maniera kelimesinden gelir. İngilizce karşılığına benzer şekilde, maniera ya belirli bir üslup kategorisini (örneğin, zarif veya sert bir stil) ya da daha fazla spesifikasyon gerektirmeyen doğal bir kaliteyi (örneğin, "stil" sahibi olmak) belirtebilir. Giorgio Vasari, ufuk açıcı eseri En Mükemmel Ressamların, Heykeltıraşların ve Mimarların Yaşamları adlı 1568 tarihli ikinci baskısında maniera'yı üç farklı şekilde kullandı: bir sanatçının çalışma yöntemine veya yaklaşımına atıfta bulunmak için; ortaçağ İtalyan-Bizans stili için maniera greca ifadesi veya basitçe Michelangelo'nun maniera'sı gibi bireysel veya kolektif bir stili karakterize etmek; ve sanatsal değere ilişkin olumlu bir değerlendirmeyi iletmek. Kendisi de Maniyerist bir sanatçı olan Vasari, çağdaş dönemini "la maniera moderna" veya "modern tarz" olarak nitelendirdi. James V. Mirollo, "Bella maniera" şairlerinin Petrarch'ın sonelerinde bulunan ustalığı aşmaya nasıl çabaladıklarını açıklıyor. Bu "Bella maniera" kavramı, bu prensipten ilham alan sanatçıların doğrudan doğayla ilgilenmek yerine öncüllerinin eserlerini taklit etmeye ve iyileştirmeye çalıştıklarını ima ediyor. Temel olarak "Bella maniera", yeni sanatsal ifadeler yaratmak için çeşitli kaynaklardan üstün unsurların sentezlenmesini içeriyordu.
"Maniyerizm"i stilistik bir sınıflandırma olarak tanımlamak önemli zorluklar sunar. İsviçreli tarihçi Jacob Burckhardt, ilk olarak 20. yüzyılın başlarında Alman sanat tarihçileri aracılığıyla öne çıkan bu terimi kullandı. Amacı, 16. yüzyılın görünüşte sınıflandırılamayan İtalyan sanatını, yani Yüksek Rönesans'ın uyumlu ve rasyonel metodolojilerinden ayrılan sanatı kategorize etmekti. "Yüksek Rönesans"ın kendisi uyum, ihtişam ve klasik antik çağın yeniden dirilişiyle işaretlenmiş bir dönemi ifade ediyordu. John Shearman daha sonra 1967'de "Maniyerist" terimini yeniden tanımladı; bu gelişme, Manchester City Sanat Galerisi'nde Fritz Grossmann'ın küratörlüğünü yaptığı 1965 Maniyerist resim sergisinin ardından geldi.
Bununla birlikte, Maniyerizmin ayrı bir üslup mu, belirli bir hareket mi yoksa bütün bir tarihsel dönemi mi oluşturduğu konusunda bilimsel fikir birliği hala belirsizliğini koruyor. Bazı bilim adamları alternatif olarak bunu "Geç Rönesans" olarak tanımladılar. Devam eden tartışmalara rağmen bu terim, 16. yüzyılda Avrupa sanatını ve kültürünü tanımlamak için yaygın olarak kullanılmaya devam ediyor.
Köken ve Gelişim
Yüksek Rönesans'ın sonlarına doğru, yeni ortaya çıkan sanatçılar, akla gelebilecek tüm başarıların zaten gerçekleştirilmiş olduğunu algılayarak önemli bir sanatsal ikilemle karşılaştılar. Çözülmemiş başka teknik veya kavramsal zorluk görünmedi. Anatomi, aydınlatma, fizyonomi ve insan duygularının ifade ve jest yoluyla incelikli bir şekilde tasvir edilmesi konusundaki derin anlayış, figüratif kompozisyonlarda insan formunun yenilikçi uygulaması ve ince ton geçişlerindeki ustalık, toplu olarak mükemmelliğe yaklaşmıştı. Sonuç olarak, bu genç sanatçılar yeni sanatsal hedefler belirlemeye ve yeni metodolojiler keşfetmeye mecbur kaldılar. İşte bu noktada Maniyerizm tezahür etmeye başladı; 1510 ile 1520 arasında gelişen, ya Floransa, Roma'da ya da eş zamanlı olarak her iki şehir merkezinde ortaya çıkan bu farklı tarz ortaya çıktı.
Kökenler ve Modeller
Bu sanatsal dönem, Andrea del Sarto, Michelangelo ve Raphael'in eserlerinin "doğal bir uzantısı" olarak nitelendirildi. Özellikle Michelangelo, kariyerinin başlarında son derece orijinal bir üslup geliştirdi; bu üslup, başlangıçta büyük hayranlık topladı, daha sonra çağdaş sanatçılar tarafından sık sık kopyalama ve taklit konusu haline geldi. Akranlarının en çok saygı duyduğu nitelikler arasında, daha sonraki sanatçıların taklit etmeye çalıştığı derin, hayranlık uyandıran bir ihtişam duygusu olan terribilità'si vardı. Pek çok sanatçı, resim ve heykel öğrencileri için geleneksel bir pedagojik yöntem olan başyapıtlarını kopyalama uygulaması yoluyla Michelangelo'nun tutkulu ve son derece bireyselleştirilmiş tarzını özümsedi. Sistine Şapeli'nin tavanı, öykünme için sayısız örnek sunuyordu; özellikle ignudi ve Libyalı Sibyl olarak adlandırılan toplu figürlerin tasvirlerinin yanı sıra Laurentian Kütüphanesi'nin giriş kapısı, Medici mezarlarındaki heykelsi figürler ve en önemlisi Son Yargı. Michelangelo'nun daha sonraki çalışmaları bu nedenle Maniyerizm için en önemli model olarak hizmet etti. Genç sanatçıların yasa dışı yollarla evine girip çizimlerini çaldıkları biliniyordu. Giorgio Vasari, ufuk açıcı eseri En Seçkin Ressamların, Heykeltıraşların ve Mimarların Yaşamları'nda Michelangelo'nun şu iddiasını belgeledi: "Takip edenler, takip ettiklerinin yanından asla geçemezler."
Rekabetçi Ruh
Sponsorlu sanatçıları ustaca teknik becerileri öne çıkarmaya ve komisyonlar için mücadele etmeye teşvik eden patronlar tarafından rekabetçi bir ortam geliştirildi. Bu dinamik, sanatçıları yenilikçi yaklaşımlar aramaya itti ve bunun sonucunda dramatik biçimde aydınlatılmış sahneler, ayrıntılı giysiler ve kompozisyonlar, uzatılmış oranlar, son derece stilize pozlar ve kasıtlı bir perspektif belirsizliği ortaya çıktı. Örneğin Gonfaloniere Piero Soderini, hem Leonardo da Vinci'yi hem de Michelangelo'yu Floransa'daki Beş Yüzler Salonu'ndaki bir duvarı süslemek için görevlendirdi. Bu iki sanatçı yan yana resim yapacak, doğrudan rekabet edecek ve böylece maksimum inovasyon dürtüsünü yoğunlaştıracak şekilde konumlandırılmıştı.
Erken Dönem Davranışçılığı
Floransa'daki ilk Manneristler, özellikle de Andrea del Sarto'nun Jacopo da Pontormo ve Rosso Fiorentino gibi öğrencileri, uzun formlar, istikrarsız bir şekilde dengelenmiş pozlar, sıkıştırılmış bir perspektif, mantıksız ortamlar ve teatral aydınlatma kullanımlarıyla diğerlerinden ayrılırlar. Aynı zamanda, Correggio'nun öğrencisi Parmigianino ve Raphael'in baş asistanı Giulio Romano, Roma'da benzer stilize estetik yörüngeleri takip ettiler. Bu sanatçılar Yüksek Rönesans'ın yaygın etkisi altında olgunlaşmışlardı ve üslupsal çıktıları ya ona karşı bir tepki ya da onun ilkelerinin abartılı bir uzantısı olarak nitelendirildi. Genç sanatçılar doğayı doğrudan gözlemlemek yerine Helenistik heykel ve eski ustaların resimlerini incelemeye başladılar. Sonuç olarak, bu tarz sıklıkla "anti-klasik" olarak tanımlanıyor, ancak o zamanlar Yüksek Rönesans'tan doğal bir evrim olarak algılanıyordu. Maniyerizmin "anti-klasik" formlarıyla tanınan bu en erken deneysel aşaması yaklaşık 1540 veya 1550'ye kadar devam etti. Temple Üniversitesi'nde sanat tarihi profesörü Marcia B. Hall, After Raphael adlı kitabında Raphael'in zamansız ölümünün Maniyerizmin Roma'da gelişinin sinyalini verdiğini gözlemliyor.
Tarihsel analizler, Maniyerizmin 16. yüzyılın başlarında ortaya çıktığını ve Kopernik güneş merkezliliği, 1527 Roma'nın Yağmalanması ve Protestan Reformunun Katolik Kilisesi'nin otoritesine yönelik giderek artan meydan okuma gibi önemli sosyal, bilimsel, dini ve politik dönüşümlerle aynı zamana denk geldiğini gösteriyor. Sonuç olarak, stilin karakteristik uzun ve çarpık biçimleri, daha önce Yüksek Rönesans sanatındaki egemen idealleştirilmiş kompozisyonlara doğrudan bir yanıt olarak anlaşılmıştı. Bununla birlikte, c. 1520 etrafındaki radikal üslup değişikliğinin bu yorumu, erken Maniyerist çalışmalar Yüksek Rönesans geleneklerinden açıkça farklı kalsa da artık bilim adamları tarafından geniş çapta kabul edilmiyor. Örneğin, Raphael'in Atina Okulu'nda örneklenen uyumlu erişilebilirlik ve denge, yeni ortaya çıkan sanatçıların ilgisini çekmeyi bıraktı.
Yüksek Maniera
Maniyerizmin ikinci aşaması, genellikle 'anti-klasik' olarak adlandırılan ilk döneminden tipik olarak ayrılır. Daha sonraki Mannerist sanatçılar, sonraki eleştirmenlerin eserlerini yapay ve yapmacık bir 'tavır' (maniera) sergiliyor olarak tanımlamalarına yol açan özellikler olan entelektüel gelişmişliği ve teknik ustalığı vurguladılar. Bu Maniera uygulayıcıları, eski çağdaşları olan Michelangelo'yu birincil sanatsal örnekleri olarak gördüler ve böylece doğrudan doğayı taklit etmek yerine diğer sanatı taklit eden bir sanat yarattılar. Sanat tarihçisi Sydney Joseph Freedberg, maniera sanatının entelektüel boyutunun izleyicinin bu görsel imaları tanımasına ve takdir etmesine bağlı olduğunu öne sürüyor; bu, alışılmadık bir bağlamda yer alan, 'görünmeyen ama hissedilen tırnak işaretleriyle' çerçevelenen tanıdık bir motif. Maniera sanatının ayırt edici özelliği, ressamın sanatsal alıntıları kasıtlı olarak yeniden bağlamsallaştırma eğilimidir. Agnolo Bronzino ve Giorgio Vasari, yaklaşık 1530'dan 1580'e kadar hüküm süren bu Maniera eğilimini örneklendirmektedir. Ağırlıklı olarak Avrupa saraylarında ve entelektüel çevrelerde yetiştirilen Maniera sanatı, yüksek zarafeti yüzeye ve karmaşık ayrıntılara gösterilen titizlikle birleştirir: porselen benzeri cilde sahip figürler genellikle bastırılmış, eşit bir ışıkta uzanmış olarak tasvir edilir ve izleyiciye doğrudan, eğer doğrudan bir mesafeli bir bakış sunar. göz teması kurulur. Maniera konuları nadiren güçlü duygular taşır, bu da bu tarz eserlerin sıklıkla 'soğuk' veya 'mesafeli' olarak nitelendirilmesine yol açar. Bu, olgun 'şık stil' veya Maniera'nın bir örneğidir.
Yayma
İtalya'da, Roma, Floransa ve Mantua Maniyerist sanatın önemli merkezleri olurken, Titian'ın kapsamlı kariyerinin örneklediği Venedik resmi farklı bir yol izledi. 1527'deki Roma'nın Yağmalanması, 1520'lerde şehirde faaliyet gösteren birçok erken dönem Maniyerist sanatçının ayrılmasına neden oldu. Daha sonra komisyon peşinde kıtaya dağılmaları, tarzlarının İtalya ve Kuzey Avrupa'da yayılmasını kolaylaştırdı ve Maniyerizm'i Gotik dönemden bu yana ilk uluslararası sanat hareketi olarak kurdu. Kuzey Avrupa'nın bazı bölgeleri İtalyan sanatçılarla doğrudan etkileşimde bulunmasa da, Maniyerist estetik baskılar ve resimli kitaplar aracılığıyla nüfuz etti. Avrupalı hükümdarlar ve diğer patronlar İtalyan sanat eserlerini satın alırken, Kuzey Avrupalı sanatçılar İtalya'ya seyahatler yapmaya devam ederek stilin daha geniş bir şekilde yayılmasına katkıda bulundular. Kuzey'de çalışan bireysel İtalyan sanatçıların varlığı da Kuzey Maniyerizminin ortaya çıkışını teşvik etti; örneğin, Fransa Kralı I. Francis, Bronzino'nun Venüs, Aşk Tanrısı, Çılgınlık ve Zaman'ını hediye olarak aldı. İtalya'da, Carracci kardeşler, Caravaggio ve Cigoli'nin de aralarında bulunduğu yeni nesil sanatçıların natüralizmin yeniden canlanışını başlatmasıyla, 1580'den sonra stil düşmeye başladı. Walter Friedlaender bu sonraki dönemi 'üslup karşıtlığı' olarak nitelendirdi ve Yüksek Rönesans estetik ilkelerine karşı tepki gösteren ilk Maniyeristlerin 'klasik karşıtı' duruşuyla paralellik kurdu. Bugün, Carracci kardeşler ve Caravaggio, 1600'de baskın üslup haline gelen Barok resme geçişi başlattıkları için geniş çapta tanınmaktadır.
İtalya'nın ötesinde Maniyerizm 17. yüzyıla kadar varlığını sürdürdü. Rosso'nun Fontainebleau'daki saray için çalıştığı Fransa'da, bu tarz "Henry II stili" olarak tanınıyor ve mimari üzerinde dikkate değer bir etki yarattı. Kuzey Maniyerizminin önde gelen kıta merkezleri arasında Haarlem, Anvers ve Danzig'in (Gdańsk) yanı sıra Prag'daki II. Rudolf sarayı da vardı. Maniyerizm sınıflandırması, genellikle "Elizabeth" ve "Jacobean" gibi yerli isimlerin kullanıldığı İngiliz görsel ve dekoratif sanatlarına daha az atfedilir. Dikkate değer bir istisna, Kıta Avrupası emsallerinden ziyade desen kitaplarından yararlanan mimari uygulamalara uygulanan bir terim olan 17. yüzyıl Zanaatkar Maniyerizmidir.
Fontainebleau'daki Flaman etkisi, Fransız tarzının erotizm karakteristiğini, daha sonra 17. yüzyıl Hollanda ve Flaman resminde baskın bir tema haline gelen vanitas geleneğinin yeni ortaya çıkan bir biçimiyle bütünleştirdi. Bu dönemde, Fransa ve İtalya'daki atölyelerde asimile olan kuzeyli ressamları ifade eden pittore vago kavramı yaygınlaştı ve böylece gerçek anlamda uluslararası bir sanatsal üslubun gelişmesine katkıda bulundu.
Heykel
Resimdeki gelişmeleri yansıtan erken İtalyan Mannerist heykeli, büyük ölçüde Yüksek Rönesans'ın, özellikle de Michelangelo'nun heykel alanındaki başarılarını aşan farklı bir stil oluşturma çabasını temsil ediyordu. Bu sanatsal mücadele, Michelangelo'nun Davut'unun bitişiğindeki Floransa'daki Piazza della Signoria için yapılan siparişlerde sıklıkla kendini gösterdi. Baccio Bandinelli, Herkül ve Cacus'un görevini doğrudan Michelangelo'dan devraldı; ancak, Benvenuto Cellini'nin onu "bir çuval kavun" olarak küçümsemesiyle, o zamanlar bugün olduğundan daha olumlu karşılanmadı. Bu eleştiriye rağmen çalışma, heykel kaideleri üzerine kabartma paneller ekleyerek kalıcı bir etki yarattı. Bandinelli'ninki de dahil olmak üzere diğer Mannerist yaratımlarla tutarlı olan bu heykel, orijinal bloktan Michelangelo'nun tipik olarak kullandığından önemli ölçüde daha fazla malzeme çıkarılmasını içeriyordu. Bunun tersine, Cellini'nin bronz Medusa Başlı Perseus'u tartışmasız bir şaheser olarak duruyor, sekiz farklı bakış açısıyla takdir edilmek üzere tasarlandı - Maniyerist tasarımın ayırt edici özelliği - ve Michelangelo ve Donatello'nun Davut heykelleriyle karşılaştırıldığında yapay bir stilizasyon sergiliyor. Başlangıçta kuyumculuk eğitimi alan Cellini'nin ünlü altın ve emaye Tuz Mahzeni (1543), olağanüstü sanatsal yeteneğini sergileyen ilk heykel çalışmasıyla dikkat çekti.
Koleksiyoncu dolapları için sıklıkla mitolojik konuları çıplaklarla tasvir eden küçük bronz figürler, yaygın bir Rönesans sanat biçimini oluşturuyordu. Kariyerini Floransa'da kuran Flaman bir sanatçı olan Giambologna, yüzyılın ikinci yarısında bu türde özellikle başarılı oldu. Ayrıca gerçek boyutlu heykeller üretti ve bunlardan ikisi Piazza della Signoria'da sergilenen koleksiyona dahil edildi. Giambologna ve yandaşları figura serpentinata'nın zarif, uzun yorumlarını geliştirdiler; bu versiyonlar genellikle iç içe geçmiş iki figürün yer aldığı ve çeşitli perspektiflerden etkileyici görsel ilgi sunmak üzere tasarlanmıştı.
İlk Kuramcılar
Giorgio Vasari
Giorgio Vasari'nin resim sanatına dair bakış açıları, Sanatçıların Yaşamları adlı çok ciltli eserinde diğer sanatçılara sunduğu övgülerde açıkça görülüyor. Sanatsal mükemmelliğin incelik gerektirdiğini, virtüöz teknik (maniera) yoluyla iletilen çok sayıda buluş (invenzione) ve tamamlanan sanat eserinde zekanın ve gayretli çalışmanın tezahürünü gerektirdiğini öne sürdü. Bu kriterler toplu olarak sanatçının entelektüel kapasitesinin ve patronun anlayışlı zevkinin altını çiziyordu. Sanatçılar artık yalnızca yerel bir St. Luke Loncasının yetenekli üyeleri değildi; bunun yerine, incelikliliğe ve karmaşıklığa değer veren bir ortamda akademisyenler, şairler ve hümanistlerle ilişki kurarak saray çevreleri içindeki pozisyonlara yükseldiler. Vasari'nin Medici patronlarının armaları, sanki kişisel amblemiymiş gibi, portresinin tepesinde belirgin bir şekilde sergileniyor. Vasari'nin Hayatları adlı eserinin gravür illüstrasyonunun çerçevesi, İngilizce konuşulan bağlamda "Jakoben" olarak sınıflandırılacaktır. Bu çerçeve, tamamı Michelangelo'nun Medici mezarlarından ilham alan, üst kısımda "mimari karşıtı" mimari unsurlar, delikli, kağıt benzeri bir çerçeve ve tabanda satir çıplaklarını içeriyor. Salt bir çerçeve olarak, Maniyerizm'in özünü temsil eden aşırılığı öne çıkıyor.
Gian Paolo Lomazzo
Dönemin bir diğer önemli edebi figürü olan Gian Paolo Lomazzo, Maniyerist sanatçının zanaatıyla iç gözlemsel ilişkisini ifade etmede etkili olan biri pratik diğeri metafizik olmak üzere iki farklı eser yazdı. Onun Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milano, 1584) adlı eseri kısmen Rönesans'ın antik dönemden miras aldığı ancak Maniyerizm tarafından önemli ölçüde genişletilen bir kavram olan çağdaş görgü kuralları üzerine bir el kitabı işlevi görür. Lomazzo'nun 16. yüzyılın sonlarında yaygınlaşan giderek daha resmi hale gelen ve akademik metodolojilerin özelliği olan sistematik estetik kodlaması, iç işlevler ile uygun boyalı veya heykelli dekorasyonlar arasındaki uyumun öneminin altını çizdi. Karmaşık ve çoğu zaman belirsiz ikonografi, Maniyerist tarzlarda daha belirgin bir özellik haline geldi. Sonraki, daha metafiziksel çalışması Idea del tempio della pittura (İdeal resim tapınağı, Milano, 1590), "dört mizaç" teorisinin merceğinden insan doğasını ve kişiliğini araştırıyor ve böylece sanatsal muhakeme ve yenilikte bireyselliğin önemini tasvir ediyor.
Maniyerist Sanat Eserlerinin Özellikleri
Maniyerizm, Rönesans'ın estetik ilkelerinden önemli ölçüde ayrılan, klasik karşıtı bir hareket olarak ortaya çıktı. Başlangıçta özellikle Vasari'nin yazıları aracılığıyla olumlu karşılansa da, Maniyerizm daha sonra olumsuz algılar topladı ve yalnızca "doğal gerçeğin değiştirilmesi ve doğal formüllerin basmakalıp bir tekrarı" olarak görüldü. Sanatsal bir olgu olarak Maniyerizm, sanatsal algıya deneysel bir yaklaşımı yansıtan çok sayıda ayırt edici özelliği kapsar. Aşağıda Maniyerist sanatçıların eserlerinde sıklıkla kullandıkları çeşitli spesifik özellikler sıralanmaktadır.
- Figürlerin Uzatılması: Maniyerist sanatta öne çıkan bir özellik, insan figürünün uzatılmasıydı ve bu, zaman zaman tuhaf veya alışılmadık görüntülerle sonuçlandı.
- Perspektifin Bozulması: Resimde perspektifin manipülasyonu, mükemmel mekansal düzenlemelerin yaratılmasına ilişkin ideallerin araştırılmasına hizmet etti. Bununla birlikte, bu mükemmellik arayışı zaman zaman kendine özgü görsel kompozisyonların üretilmesinde de kendini gösterdi. Ön kısaltma, bu tür distorsiyonu elde etmek için sıklıkla kullanılan bir teknikti. Aşırı distorsiyon durumlarında ortaya çıkan görüntü neredeyse okunamaz hale gelebilir.
- Siyah Arka Planlar: Maniyerist sanatçılar, dış hatlarda keskin kontrastlar elde etmek ve böylece dramatik sahneleri geliştirmek için sıklıkla düz siyah arka planlar kullandılar. Bu koyu arka planlar aynı zamanda tasvir edilen konu içinde ruhani veya fantastik bir atmosfer oluşmasına da katkıda bulundu.
- Karanlık ve Işığın Kullanımı: Birçok Mannerist sanatçı, kasıtlı aydınlatma yoluyla gece özünü uyandırmaya çalıştı ve sıklıkla sahnelere fantastik bir kalite kattı. Dramatik etkiyi artırmak için meşale ışığı ve ay ışığının işlenmesine özellikle vurgu yapıldı.
- Heykel Formları: Maniyerizm, on altıncı yüzyılda popülaritesinde artış yaşayan bir araç olan heykelden önemli bir etki gösterdi. Sonuç olarak, Maniyerist sanatçılar insan fiziği tasvirlerini sıklıkla mevcut heykeller ve baskılar üzerine modellediler. Bu uygulama onların daha yüksek bir üç boyutluluk duygusu elde etmeye konsantre olmalarını sağladı.
- Çizginin Netliği: Maniyerizmin dikkate değer bir özelliği, figürlerin kesin hatlarına gösterilen titizlikle dikkatti ve onu hem Barok hem de Yüksek Rönesans tarzlarından önemli ölçüde ayırıyordu. Bu farklı ana hatlar sıklıkla karmaşık ayrıntıların daha fazla vurgulanmasını kolaylaştırdı.
- Kompozisyon ve Mekan: Maniyerist sanatçılar bilinçli olarak Rönesans ideallerinden, özellikle de tek noktalı perspektif geleneğinden ayrıldılar. Bunun yerine odak noktaları atmosferik etkilere ve perspektifin kasıtlı olarak çarpıtılmasına yöneldi. Maniyerist sanat eserlerindeki mekansal düzenlemeler bu nedenle ya çok sayıda form ve figür içeren yoğun nüfuslu kompozisyonları ya da siyah arka planları vurgulayan seyrek kompozisyonları tercih ediyordu.
- Maniyerist Hareket: İnsanın hareketine duyulan derin ilgi, Maniyerist sanatçıların sıklıkla farklı, kıvrımlı pozlar tasvir etmesine yol açtı. Çoğu zaman dengesiz olan bu figürler, dinamik hareketleriyle sıklıkla sonraki hareketleri ima eder. Ayrıca bu teknik, sanatçıların forma deneysel yaklaşımını da örneklendiriyor.
- Boyalı Çerçeveler: Bazı Maniyerist yaratımlarda boyalı çerçeveler, sanat eserinin arka planıyla uyum sağlayacak şekilde entegre edildi ve bazen genel kompozisyonun ayrılmaz bir parçası haline geldi. Bu entegrasyon, özellikle karmaşık ayrıntıların öncelikli odak noktası olduğu durumlarda belirgindi.
- Mannerist sanatçılar, kompozisyonlarında ışık akışını tasvir etmek için sıklıkla "yumuşak ve puslu konturların veya yüzeylerin oluşturulması" ile karakterize edilen bir teknik olan sfumato'yu kullandılar.
- Biçim, kompozisyon ve ışıkla ilgili denemelerin ötesinde, Maniyerizm renk konusundaki yenilikçi yaklaşımını benzersiz bir şekilde genişletti. Pek çok sanat eserinde mavinin, yeşilin, pembenin ve sarının saf ve yoğun tonları yer alıyor; bunlar bazen genel tasarımı bozuyor, bazen de onu zenginleştiriyor. Sanatçılar figürleri işlerken sıklıkla ten renginin parlaklığını vurguladılar ve mavi alt tonları kullandılar.
Öne Çıkan Sanatçılar ve Örnek Çalışmalar
Jacopo da Pontormo
Jacopo da Pontormo'nun eserleri Maniyerizm'e temel bir katkıyı temsil ediyor. Konusu sıklıkla dini anlatılardan kaynaklanıyordu ve Michelangelo'dan önemli ölçüde etkilenmişti, kompozisyon modelleri olarak sıklıkla heykelsi formlara atıfta bulunuyor veya doğrudan kullanıyordu. Sanatının ayırt edici bir özelliği, bakışları çoğu zaman izleyiciyi çeşitli açılardan doğrudan ilgilendiren figürlerin tasviridir. Titiz ve dikkatli çalışma süreciyle tanınan Pontormo, yaratımlarının kalitesiyle ilgili endişelerini sık sık dile getiriyordu. Agnolo Bronzino gibi sanatçıları derinden etkilemiş ve geç Maniyerizm'in estetik ilkelerini şekillendirmiş olan onun kalıcı mirası son derece saygındır.
Pontormo'nun 1517'de tamamlanan Yusuf Mısır'da adlı eseri, Yusuf'un ailesiyle yeniden bir araya gelişini tasvir eden dört farklı Kutsal Kitap bölümünü kapsayan sürekli bir anlatım sunar. Kompozisyonun sol tarafında Yusuf'un ailesini Mısır Firavunu'yla tanıştırdığı görülmektedir. Sağda, Joseph yuvarlanan bir bankın üzerinde, etrafı meleklerle, diğer figürlerle ve yol boyunca uzaktaki kayalarla çevrili olarak tasvir edilmiştir. Bu sahnelerin üzerinde, Joseph'in oğullarından birini zirvedeki annelerine doğru yönlendirdiği sarmal bir merdiven yükseliyor. Sağda yer alan son sahne, Yakup'un yaşamının oğulları tarafından gözlemlenen son anlarını tasvir ediyor.
Yusuf Mısır'da birçok temel Maniyerist özelliği örneklendiriyor. Özellikle, tuvale hakim olan çeşitli pembe ve mavi tonlarıyla uyumsuz renk şemaları kullanılıyor. Başka bir Maniyerist özellik, Joseph'in anlatısının birden fazla sahnede kopuk zamansal ve mekansal temsilidir. Pontormo, bu dört farklı anlatımı birleştirerek yoğun bir kompozisyon oluşturuyor ve görsel karmaşıklık ve hareketliliğin kapsayıcı bir izlenimini aktarıyor.
Rosso Fiorentino ve Fontainebleau Okulu
Andrea del Sarto'nun stüdyosunda Pontormo'nun çağdaşı olan Rosso Fiorentino, 1530'da Fontainebleau'ya Florentine Maniyerizmini tanıttı. Orada, daha sonra Fontainebleau Okulu olarak bilinen 16. yüzyıl Fransız Maniyerizminin kurulmasında önemli bir figür olarak ortaya çıktı.
Fontainebleau'da geliştirilen gösterişli ve dinamik dekoratif estetik, İtalyan stilini önemli ölçüde yaydı. Bu yayılma öncelikle gravürler aracılığıyla Anvers'e ulaştı ve ardından Londra'dan Polonya'ya kadar Kuzey Avrupa'ya yayıldı. Maniyerist tasarım ilkeleri, gümüş işleri ve oymalı mobilyalar da dahil olmak üzere lüks eşyalara da uygulandı. Bu tarzın karakteristik özellikleri arasında karmaşık sembolizm ve alegori yoluyla iletilen yüksek kontrollü gerilim duygusunun yanı sıra uzun oranlarla işaretlenmiş kadın güzelliğinin idealize edilmiş temsili yer alıyor.
Agnolo Bronzino
Pontormo'nun öğrencisi olan Agnolo Bronzino, çok sayıda sanat eserine atıf yapılmasını sıklıkla zorlaştıran son derece etkili bir stil geliştirdi. Bronzino, kariyeri boyunca Vasari ile de işbirliği yaparak "Sihirbazların Komedisi" yapımında set tasarımcısı olarak görev yaptı ve bu sırada çok sayıda portre çizdi. Sanatı büyük beğeni topladı ve 1539'da Medici ailesine saray ressamı olarak atanmasıyla büyük beğeni topladı. Bronzino'nun yapıtlarındaki ayırt edici Maniyerist özellik, parlak, neredeyse süt gibi tenlerin karakteristik tasviriydi.
Bronzino'nun Venüs, Aşk Tanrısı, Delilik ve Zaman adlı tablosu, çok sayıda yoruma yol açan esrarengiz bir erotik sahneyi tasvir ediyor. Ön planda Aşk Tanrısı ve Venüs bir öpücüğün eşiğinde, görünüşe göre perdenin ortasında kesintiye uğruyor. Bunların üzerinde mitolojik figürler arasında sağda perdeyi açarak çifti ortaya çıkaran Zaman Baba ve solda gece tanrıçası yer alıyor. Kompozisyonda ayrıca bir maske koleksiyonu, bir kız ve bir yılanın özelliklerini birleştiren melez bir yaratık ve yoğun ıstırap çeken bir figür yer alıyor. Resmin anlamı için, frenginin tehlikeleri hakkındaki potansiyel yorumu veya saraylıları oyalama işlevi gibi çeşitli teoriler öne sürülmüştür.
Bronzino'nun Mannerist portreleri, sakin bir zarafet ve karmaşık ayrıntılara titiz bir odaklanma ile karakterize edilir. Sonuç olarak, denekleri sıklıkla gözlemciden bir kopukluk ve duygusal mesafe izlenimi veriyor. Dikkate değer bir husus, gösterişli kumaşların kusursuz desenleri ve parlak parlaklığının ustaca işlenmesidir. Venüs, Aşk Tanrısı, Çılgınlık ve Zaman'da Bronzino, kendine özgü hareket, titiz ayrıntılar, canlı renkler ve heykelsi formlar dahil olmak üzere özellikle Maniyerist teknikleri kullanıyor. Aşk Tanrısı ve Venüs'ün kısmen kucaklaşırken garip, çarpık duruşları bu Maniyerist hareketi örneklendiriyor. Bronzino, heykellerin cilalı yüzeyini çağrıştırmak için figürlerin ten rengini kusursuz, porselen benzeri bir beyaza dönüştürüyor ve kas yapılarını yumuşak bir şekilde siliyor.
Alessandro Allori
Alessandro Allori'nin (1535–1607) Susanna and the Elders adlı eseri, hepsi yoğun, çarpık bir kompozisyonla bütünleştirilmiş, incelikli erotizmi ve kasıtlı olarak çarpıcı natürmort unsurlarıyla dikkat çekiyor.
Jacopo Tintoretto
Jacopo Tintoretto, Titian'ın mirasından önemli ölçüde ayrılan, Venedik resmine yaptığı farklı katkılarla tanınmaktadır. Seleflerininkinden önemli ölçüde farklı olan sanatsal üretimi, "fantastik, abartılı, tuhaf tarzı" nedeniyle Vasari'nin eleştirilerine hedef oldu. Tintoretto, Maniyerist unsurları eserlerine dahil ederek geleneksel Venedik resim geleneklerinden uzaklaştı. Sık sık fantastik unsurları natüralizmle harmanlayan sanat eserleri üretti. Tintoretto'nun yapıtlarının diğer ayırt edici özellikleri arasında kaba fırça darbelerinin tutarlı bir şekilde uygulanması ve optik illüzyonlar oluşturmak için deneysel pigment kullanımı yoluyla elde edilen renk vurgusu yer alır.
Tintoretto'nun 1591'de San Giorgio Maggiore için Michele Alabardi tarafından sipariş edilen Son Akşam Yemeği, Maniyerist özelliklerin örneğini oluşturur. Bu tasvirde sahne, kompozisyonun sağ tarafında yer alan bir grubun perspektifinden resmedilmiştir. Solda, İsa ve Havariler masanın bir tarafında oturuyorlar ve Yahuda dikkat çekici bir şekilde izole edilmiş durumda. Çoğunlukla karanlık olan ortamda, özellikle İsa'nın halesinden ve masanın üzerinde asılı duran bir meşaleden yayılan sınırlı ışık kaynakları bulunur.
Tintoretto'nun Son Akşam Yemeği'nin kendine özgü kompozisyonu, Mannerist özellikleri belirgin bir şekilde sergiliyor. Tintoretto'nun kullandığı önemli bir özellik koyu arka plandır. Resim perspektif yoluyla bir iç mekan ortamını akla getirirken, kompozisyonun kenarları büyük ölçüde gölgelerle kaplanmış ve bu da merkezi Son Akşam Yemeği sahnesinin dramatik etkisini artırıyor. Ayrıca Tintoretto, özellikle İsa'nın halesinde ve masayı aydınlatan asılı meşalede belirgin olan dramatik bir spot ışıklandırma kullanıyor. Tintoretto'nun kullandığı üçüncü bir Maniyerist özellik, sanki dumandan oluşmuş gibi görünen ve kompozisyonun içinde havada asılı duran figürlerin atmosferik tasvirini içerir.
El Greco
Girit doğumlu İspanyol ressam El Greco, abartılı özelliklerle dini duyguyu aktarmaya çalıştı. Yüksek Rönesans'ın gerçekçi insan tasviri ve perspektif ustalığı konusundaki başarılarının ardından, bazı sanatçılar ifade ve estetik etki için parçalanmış, mantıksız alanlardaki oranları kasıtlı olarak çarpıttı. El Greco, çağdaş bilim adamlarının herhangi bir geleneksel okuldaki sınıflandırmaya meydan okuyacak kadar ayırt edici olarak tanımladığı, son derece orijinal bir sanatçı olmaya devam ediyor. El Greco'nun çalışmalarındaki öne çıkan Mannerist unsurlar, uyumsuz bir "asit" renk paletini, uzun ve çarpık anatomik formları, mantıksız perspektifi ve aydınlatmayı ve esrarengiz, rahatsız edici ikonografiyi kapsar. El Greco'nun kendine özgü tarzı, kökleri Yunan mirasına ve İspanya ve İtalya'ya yaptığı seyahatlere dayanan benzersiz sanatsal gelişmelerin bir sentezini temsil ediyordu.
El Greco'nun sanatsal çıktısı, Bizans etkilerini, Caravaggio ve Parmigianino tekniklerini ve Venedik renk paletlerini kapsayan çeşitli stilistik unsurları birleştirdi. Renge olan derin vurgusu, resminin en önemli özelliği olduğunu düşündüğü temel bir yönüydü. Kariyeri boyunca, El Greco'nun eserleri sürekli olarak önemli talep topladı ve Colegio de la Encarnación de Madrid gibi kurumlar için yapılanlar da dahil olmak üzere büyük siparişlere yol açtı.
El Greco'nun kendine özgü resim stili ve bunun Maniyerist niteliklerle uyumu, 1610 tarihli Laocoön adlı eserinde açıkça görülüyor. Bu resim, Yunanlıların tanrıça Athena'ya barış hediyesi olarak sunduğu tahta atın tehlikesi konusunda Truvalıları uyaran Laocoön'ün mitolojik anlatımını resmetmektedir. Sonuç olarak Athena (veya onun Romalı mevkidaşı Minerva), Laocoön ve iki oğlunu öldürmek için yılanlar göndererek intikam aldı. El Greco, dekor olarak Truva'yı tasvir etmek yerine sahneyi İspanya'nın Toledo kentine yakın bir yere konumlandırdı ve "hikayeyi çağdaş dünyayla ilgisini ortaya koyarak evrenselleştirmeyi" amaçladı.
El Greco'nun Laocoön'ünün kendine özgü tarzı, birçok Maniyerist özelliğin başlıca örneği olarak hizmet ediyor. Kompozisyonda özellikle uzun insan formları ve kıvrımlı hareketler yer alıyor ve bunlar hep birlikte zarafet izlenimi veriyor. Ayrıca resim, El Greco'nun puslu bir gökyüzü ve bulanık bir arka plan manzarası tasviri aracılığıyla Maniyerist atmosferik etkiler sergiliyor.
Benvenuto Cellini
1540 yılında Benvenuto Cellini, altın ve emayeden yapılmış zarif bir parça olan Cellini Tuz Mahzenini yaptı. Alışılmadık pozlarda ve uzun oranlarda işlenmiş, suyu ve toprağı simgeleyen Poseidon ve Amphitrite figürlerini içerir. Bu çalışma, Maniyerist heykel sanatının ufuk açıcı bir başyapıtı olarak geniş çapta kabul görmektedir.
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552–1614), Batı Avrupa'nın ilk profesyonel kadın sanatçısı olarak tanınan, tanınmış bir Maniyerist portreciydi. Vatikan'da Sıradan Portreci pozisyonunu üstlendi. Sanatsal yaklaşımı, Carracci ressam ailesinden etkiler ve Venedik Okulu'nun karakteristik canlı renk paletleri ile öne çıkıyor. Fontana, özellikle soylu kadın portreleri ve kendi döneminde bir kadın sanatçı için alışılmadık bir konu olarak değerlendirilen çıplak figür tasvirleriyle ünlüdür.
Taddeo Zuccaro (veya Zuccari)
Taddeo Zuccaro, Urbino yakınlarındaki bir kasaba olan Sant'Angelo in Vado'da, sınırlı şöhrete sahip bir ressam olan Ottaviano Zuccari'nin oğlu olarak doğdu. 1540 dolaylarında doğan kardeşi Federico da ressam ve mimar olarak kariyerine devam etti.
Federico Zuccaro (veya Zuccari)
Federico Zuccaro'nun profesyonel sanat kariyeri, 1550 yılında ağabeyi Taddeo'nun yanında çıraklık yapmak üzere Roma'ya taşınmasıyla başladı. Daha sonra Papa IV. Pius için dekoratif çalışmalar yaptı ve Caprarola'daki Villa Farnese'nin fresk süslemelerine katkıda bulundu. 1563'ten 1565'e kadar Zuccaro, Santa Maria Formosa'nın Grimani ailesiyle işbirliği yaparak Venedik'te nişanlandı. Venedik'teki bu görev süresi boyunca Palladio'nun eşliğinde Friuli'den geçti.
Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566–1638), özellikle Barok sanatın ortaya çıkışını göz ardı ederek hayatı boyunca Kuzey Maniyerist resim tarzını sürdürdü. Bu bağlılık onu potansiyel olarak aktif kalan son önde gelen Maniyerist sanatçı olarak konumlandırıyor. Eserleri mitolojik sahnelerin yanı sıra Pieter Aertsen'i anımsatan kapsamlı natürmort kompozisyonlarını da kapsıyordu. Eserlerinin çoğu, bakır üzerine titizlikle işlenmiş, sıklıkla çıplak figürlerin yer aldığı küçük dolap resimleriydi.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo öncelikle natürmort ve portre unsurlarını birleştiren kendine özgü sanat eserleriyle tanınır. Sanatsal yaklaşımı, meyve ve sebzelerin ters çevrilmiş olanlar da dahil olmak üzere birçok yönde yorumlanabilecek kompozisyonlar oluşturduğu bir montaj stili ile karakterize edilen Maniyerist olarak kategorize ediliyor. Arcimboldo'nun yaratımları aynı zamanda izleyicilere aktardıkları mizah yoluyla Maniyerizm ile de uyum sağlıyor ve genellikle Rönesans sanatıyla ilişkilendirilen derin ciddiyetten farklılaşıyor. Üslup açısından resimleri, doğayı titizlikle gözlemlemeleri ve "canavarca bir görünüm" kavramsallaştırmasıyla dikkat çekiyor.
Arcimboldo'nun farklı Maniyerist özellikler sergileyen eserleri arasında Vertumnus tablosu da yer alıyor. Siyah bir arka plan üzerinde tasvir edilen bu eser, formu tamamen çeşitli sebze, çiçek ve meyvelerden oluşan II. Rudolf'un portresini sunuyor. Tablonun mizahi yönü iktidara dair bir yorum taşıyor ve İmparator II. Rudolf'un kamusal kişiliğinin arkasında daha karanlık bir içsel benliği gizlediğini öne sürüyor. Tersine, bunun ciddi alt tonu, imparatorluk görev süresi boyunca beklenen refahın habercisidir.
Vertumnus sanat eseri, hem kompozisyonunda hem de tematik içeriğinde açıkça görülen çeşitli Maniyerist unsurları bünyesinde barındırıyor. Dikkate değer bir özellik, Arcimboldo'nun İmparator'un statüsünü ve kimliğini vurgulamak ve aynı zamanda yönetiminin fantastik doğasını vurgulamak için kullandığı düz, siyah arka plandır. Rudolf II'nin bu portresinde Arcimboldo, Rönesans'ın tipik natüralist temsilinden sapıyor, bunun yerine İmparator'u meyve, sebze, bitki ve çiçeklerden oluşan bir topluluktan hareketle kompozisyon yapısını araştırıyor. Dahası tablo, mizahı ciddi bir mesajla yan yana getiren ikili anlatımıyla Maniyerizm'i örnekliyor; Rönesans sanatındaki tipik mizah yokluğundan bir sapma.
Mimarlık
Maniyerist mimari, yerleşik Rönesans geleneklerini altüst eden görsel aldatmacalar ve alışılmadık unsurlarla kendisini farklılaştırdı. Birçoğu İtalya'ya yaptıkları seyahatler sırasında Maniyerist yenilikleri özümsemiş olan Flaman sanatçılar, bu eğilimlerin özellikle mimari tasarım alanında, Alplerin kuzeyindeki Avrupa'ya yayılmasında çok önemli bir rol oynadılar. Bu dönemde mimarlar, katı ve mekansal ilişkileri vurgulamak için mimari formları kullanmayı denediler. Rönesans'ın armoniye yaptığı vurgu, yerini daha akıcı ve yaratıcı kompozisyon ritimlerine bıraktı. Laurentian Kütüphanesi'nin öncülerinden Michelangelo (1475–1564), Mannerist üslupla ilişkilendirilen en önemli mimar olarak kabul edilmektedir. Roma'daki Piazza del Campidoglio tasarımında kullandığı, bir cephenin birden fazla katı boyunca dikey olarak uzanan anıtsal bir pilaster veya sütun olan dev düzeni tasarlamasıyla tanınır. Eş zamanlı olarak, Herrerian tarzı (İspanyolca: estilo herreriano veya arquitectura herreriana) İspanya'da 16. yüzyılın son üçte birinde II. Philip'in (1556-1598) hükümdarlığı döneminde ortaya çıktı ve hakim Barok üslup tarafından dönüştürülmüş olsa da 17. yüzyıla kadar varlığını sürdürdü. Bu tarz, İspanyol Rönesans mimarisinin, 16. yüzyılın ortalarındaki ilk Plateresk ve klasik Pürizm'den Herrerian tarzın getirdiği tam dekoratif sadeliğe geçişle karakterize edilen, aşamalı bir süsleme sadeleştirmesi ile karakterize edilen üçüncü ve son aşamasını temsil eder.
20. yüzyıldan önce, Maniyerizm terimi aşağılayıcı çağrışımlar taşıyordu; ancak artık tarihsel dönemi daha geniş, değerlendirici olmayan terimlerle karakterize etmek için kullanılıyor. Maniyerist mimariye aynı zamanda modernist mimarinin geleneklerine aynı anda meydan okuyan ve onları kabul eden 20. yüzyılın ortalarındaki bir eğilimi (1960'lar ve 1970'ler) tanımlamak için başvurulmuştur. Bu bağlamda mimar ve yazar Robert Venturi, Maniyerizm'i şu şekilde tanımladı: "Orijinal ifadeden ziyade geleneksel düzeni kabul eden, ancak karmaşıklığı ve çelişkiyi barındırmak için geleneksel düzeni kıran ve dolayısıyla belirsizliğe açık bir şekilde dahil olan, zamanımızın mimarisine yönelik bir tarzcılık."
Rönesans Örnekleri
Engebeli Roma kırsalında yer alan Caprarola'daki Villa Farnese, Maniyerist mimarinin önemli bir örneği olarak hizmet ediyor. 16. yüzyılda gravürcülerin yaygın faaliyeti, Maniyerist üslupların daha önceki sanatsal hareketlerle karşılaştırıldığında benzeri görülmemiş bir oranda yayılmasını kolaylaştırdı.
Colditz Kalesi'ndeki "Roma" ayrıntılarıyla zengin süslü sergi kapısı, tipik olarak süssüz yerel duvar işçiliğine karşı farklı, izole bir mimari unsur olarak uygulanan kuzey Maniyerist tarzını örnekliyor.
1560'ların sonlarından başlayarak, Valletta'daki çok sayıda yapı, Malta'nın yeni kurulan başkenti, mimar Girolamo Cassar tarafından Mannerist deyimle tasarlandı. Bu yapılar arasında St. John's Co-Cathedral, Grandmaster's Palace ve yedi orijinal patlıcan yer alıyor. Cassar'ın yapılarının çoğu, özellikle Barok dönemde sonradan değişikliklere uğramış olsa da, Auberge d'Aragon ve St. John's Ortak Katedrali'nin dış cephesi de dahil olmak üzere seçilmiş birkaç bina, Cassar'ın başlangıçtaki Mannerist estetiğini büyük ölçüde koruyor.
Birçok mimari tarz uyumlu idealleri araştırırken Maniyerizm, abartı ve abartının estetiğini keşfederek geleneksel stilistik normların ötesine geçer. Entelektüel gelişmişliği ve doğallıktan ziyade yapay özellikleriyle diğerlerinden ayrılır. Maniyerizm, geleneksel denge ve netlik yerine kompozisyon gerilimine ve istikrarsızlığa öncelik verir. Maniyerizmin kesin tanımı ve iç aşamaları, sanat tarihçileri arasında süregelen bilimsel tartışmaların konusu olmaya devam ediyor.
Kuzey veya Anvers'te Maniyerizm, İtalyan Maniyerizminden önce geldi ve ondan ayrıldı. 16. yüzyıldaki ekonomik refahı sırasında Anvers, Erken Hollanda resminin son aşamasını temsil eden ve Erken Rönesans unsurlarını da içeren kendine özgü bir üslup geliştirdi. Anvers, hem Rönesans hem de Maniyerist tarzların İngiltere, Almanya ve daha geniş Kuzey ve Doğu Avrupa'da yaygın şekilde yayılması için çok önemli bir kanal görevi gördü.
Edebiyat ve Müzik
Edebi Maniyerizm, diğerlerinin yanı sıra Michelangelo, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Veronica Franco ve Miguel de Cervantes gibi önde gelen isimleri kapsıyordu.
İngiliz edebiyatında Maniyerizm sıklıkla "Metafizik şairlerin" özellikleriyle ilişkilendirilir; John Donne en ünlüsüdür. Barok ve Maniyerist sanatsal hedefler arasında kısa bir ayrım, Barok yazar John Dryden'ın önceki kuşaktan John Donne'un şiirlerine yönelik zekice eleştirisiyle sağlanır:
Yalnızca hicivlerinde değil, yalnızca doğanın hüküm sürmesi gereken aşk dolu dizelerinde de metafiziği etkiliyor; ve kalplerini meşgul etmesi ve onları aşkın yumuşaklığıyla eğlendirmesi gerektiğinde, felsefenin güzel spekülasyonlarıyla adil seksin zihinlerini karıştırıyor.
16. yüzyılın sonları ve 17. yüzyılın başlarındaki şiirin doğasında var olan bol miktardaki müzikal potansiyel, madrigal için ilgi çekici bir temel oluşturdu. Bu form, Tim Carter'ın gözlemlediği gibi, İtalyan kültürünün en önde gelen müzik türü olarak hızla ön plana çıktı:
Madrigal, özellikle aristokratik görünümüyle, ustaları memnun etmek için esprili kibirlerden ve diğer görsel, sözel ve müzikal hilelerden keyif alan şairler ve müzisyenlerle, açıkça Maniyerizm'in 'şık tarzı'nın bir aracıydı.
'Maniyerizm' terimi aynı zamanda 14. yüzyılın sonlarında Fransa'da bestelenen oldukça süslü ve kontrpuan açısından karmaşık çok sesli müziği karakterize etmek için de uygulanmıştır. Bu dönem artık daha çok ars subtilior olarak adlandırılıyor.
Maniyerizm ve Tiyatro
Erken Commedia dell'Arte (1550–1621): Paul Castagno'nun Mannerist Bağlamı, Maniyerizmin çağdaş profesyonel tiyatro üzerindeki etkisini inceliyor. Castagno'nun araştırması, comici dell'arte'nin doğasında bulunan tipleştirmeyi, abartmayı ve effetto meraviglioso'yu analiz etmek için Mannerizm ve *maniera* terminolojisini kullanarak bir teatral formu Maniyerist olarak sınıflandırmaya yönelik ilk girişime işaret ediyordu. Çalışma ağırlıklı olarak ikonografik olup, *komedya* resimlerini boyamaktan veya basmaktan sorumlu çok sayıda sanatçının *maniera* geleneğine derinden bağlı çağdaş atölyelerden kaynaklandığına dair resimli kanıtlar sunuyor.
Jacques Callot'un küçük gravürlerindeki karmaşık ayrıntılar, çok daha büyük bir aksiyon ölçeğini akla getiriyor gibi görünüyor. Callot'nun Balli di Sfessania (lit.'kalça dansı') *komedyanın* açık erotizmini, çıkıntılı penis, komik nüfuz ima edecek şekilde konumlandırılmış mızraklar gibi öğeler aracılığıyla ve tuhaf bir şekilde tasvir ediyor hayvani ve insani özellikleri birleştiren abartılı maskeler. Çıplak göğüsler veya özenli örtünme gibi unsurlarla kendini gösteren doğal ("aşıklar") ile ilişkilendirilen erotizm, ikinci Fontainebleau Okulu'nun resimlerinde ve gravürlerinde, özellikle de Fransız-Flaman etkisi sergileyenlerde oldukça modaydı. Castagno, tür resmi ile *commedia dell'arte* figürleri arasında ikonografik bağlantılar kuruyor ve bu teatral formun geç dönem *cinquecento'nun* kültürel gelenekleriyle nasıl derinden bütünleştiğini gösteriyor.
Commedia dell'arte, disegno interno ve discordia concors
Maniyerist resimde disegno esterno'nun (dış tasarım) yerini alan disegno interno arasında önemli korelasyonlar mevcuttur. Bu kavram, doğal formları veya yerleşik ilkeleri (doğrusal perspektif gibi) geçersiz kılan, dolayısıyla vurguyu nesneden özneye kaydıran ve uygulamayı, ustalığı veya farklı teknikleri öne çıkaran son derece öznel bir perspektif yansıtmayı içerir. Bu iç vizyon, komedi performansının temelidir. Örneğin, doğaçlama sırasında bir oyuncu, biçimsel kısıtlamalara, görgü kurallarına, birliğe veya önceden belirlenmiş bir metne bağlı kalmadan ustalık sergiler. Arlecchino, Maniyerist discordia concors'un (karşıtların birliği) somut örneğiydi; bir an nazik ve iyiliksever olabilir, sonra birdenbire çatışmaya giren şiddetli bir hırsıza dönüşebilir. Arlecchino zarif bir hareket sergileyebilir, ancak bir sonraki anda beceriksizce tökezleyebilir. Dış düzenlemelerden kurtulan aktör, tıpkı Benvenuto Cellini'nin heykellerini giydirerek ve onları dramatik ışıklandırma ve merak duygusuyla ortaya çıkararak patronları büyülemesi gibi, anın geçici doğasını kutladı. Böylece bir nesnenin sunumu, nesnenin kendisi kadar önemli hale geldi.
Yeni-Maniyerizm
20. yüzyılda Neo-Maniyerizmin ortaya çıkışı sanatçı Ernie Barnes'la başladı. Stil, hem Yahudi hem de Afrikalı-Amerikalı topluluklardan derinden etkilendi ve 1972 ile 1979 yılları arasında gezilen "Getto'nun Güzelliği" sergisiyle doruğa ulaştı. Bu sergi, büyük Amerika şehirlerini gezdi ve ileri gelenlerin, profesyonel sporcuların ve ünlülerin himayesini aldı. Sergi 1974 yılında Washington D.C.'deki Afrika Sanatı Müzesi'nde sergilendiğinde, Temsilci John Conyers Kongre Kayıtlarında önemli olumlu mesajının altını çizdi.
Barnes tarafından geliştirilen Neo-Maniyerist tarz, abartılı hareketlerin yanı sıra uzun uzuvlar ve vücutlarla karakterize edilen konuları öne çıkarıyor. Yinelenen bir diğer motif ise deneklerin kapalı gözleridir ve "birbirimizin insanlığına karşı ne kadar kör olduğumuzu" simgelemektedir. Barnes bunu şu şekilde ifade etti: "Birbirimize bakıyoruz ve hemen karar veriyoruz: Bu kişi siyah, yani öyle olmalı... Bu kişi yoksulluk içinde yaşıyor, yani öyle olmalı...".
Tiyatro ve sinema
Film yönetmeni Peter Greenaway bir röportajında, görüntülerin veritabanı yapısı ile onları sinematik olarak düzenleyen çeşitli analog ve dijital arayüzler arasındaki doğal gerilimi kapsamlı ve kendine referanslı bir şekilde keşfetmesi için Federico Fellini ve Bill Viola'yı birincil ilham kaynakları olarak gösterdi. Bu etkileşim tam olarak kendisini (neo-)baroktan ayırdığı için neo-maniyerist olarak sınıflandırılabilir: "Tıpkı Roma Katolikliğinin size cenneti ve cenneti sunması gibi, Batı sinemasıyla ilişkilendirilen tüm kapitalist etki tarafından büyük ölçüde sunulan buna eşdeğer bir ticari cennet de vardır. Bu benim multimedyanın politik bir silah olarak kullanılması açısından politik benzetmemdir. Bir anlamda büyük Barok Karşı-Reformasyonu, onun kültürel faaliyetini, sinemanın, ağırlıklı olarak Amerikan sinemasının olduğu şeyle eşitlerdim. son yetmiş yılda bunu yapıyorum."
Bir eleştiri terimi olarak
Sanat eleştirmeni Jerry Saltz'a göre "Yeni-Maniyerizm" (yeni Maniyerizm), "sanat dünyasının hayatını sıkıştıran" birçok klişe arasında yer alıyor. Saltz, Neo-Maniyerizmi, akademik eğitmenlerinin "onları hoş bir şekilde uysal, taklitçi ve sıradan olmaya korkutarak korkuttuğu" öğrenciler tarafından üretilen 21. yüzyıl sanatı olarak tanımlıyor.
Karşı Maniera
- Counter-Maniera
- Polonya'da maniyerist mimari ve heykel
- İtalyan sanatçıların 1800'e kadar olan zaman çizelgesi
- Brezilya'da Davranışçılık
- Philippe Millereau
- Milano'da 16. yüzyılın sonlarına ait sanat
Dipnotlar
Referanslar
- Metropolitan Sanat Müzesi'nden "Maniyerizm: Bronzino (1503–1572) ve Çağdaşları" başlıklı makale.