Performans Sanatı (Performance art)

Performans sanatı, sanatçının veya diğer katılımcıların gerçekleştirdiği eylemlerle karakterize edilen sanatsal bir disiplin veya sergidir. Canlı olarak veya belgeleme yoluyla deneyimlenebilir ve kendiliğinden tasarlanabilir veya titizlikle senaryolaştırılabilir, genellikle güzel sanatlar çerçevesinde izleyiciye sunulabilir ve genellikle disiplinlerarası bir yaklaşım benimsenebilir. Sanatsal eylem olarak da adlandırılan bu eylem, zamanla sanatsal ifadenin gerçek zamanlı olarak sunulduğu farklı bir türe dönüşmüştür. Bu form, 20. yüzyılın avangard sanat hareketlerinde çok önemli ve temel bir rol oynadı.

Performans sanatı, sanatçının veya diğer katılımcıların gerçekleştirdiği eylemlerle oluşturulan bir sanat eseri veya sanat sergisidir. Canlı olarak veya belgeleme yoluyla tanık olunabilir, kendiliğinden geliştirilebilir veya yazılabilir ve geleneksel olarak güzel sanatlar bağlamında disiplinlerarası bir tarzda halka sunulur. Sanatsal eylem olarak da bilinen bu eylem, sanatın canlı olarak sunulduğu, kendine ait bir tür olarak yıllar içinde gelişmiştir. 20. yüzyıl avangard sanatında önemli ve temel bir role sahipti.

Bu sanat formu beş temel bileşeni kapsar: zaman, mekan, beden, sanatçının varlığı ve sanatçı ile izleyici arasındaki dinamik. Her ne kadar sanat galerileri ve müzelerde sıklıkla sahnelense de bu performanslar farklı ortamlarda, mekanlarda ve zamansal bağlamlarda gerçekleşebilir. Temel amaç, genellikle doğaçlama ve kasıtlı bir estetik duyarlılıkla kolaylaştırılan bir tepkiyi ortaya çıkarmaktır. Ortak tematik unsurlar arasında sanatçının kişisel deneyimleri, toplumsal eleştiri veya kınama zorunluluğu ve altta yatan dönüştürücü değişim dürtüsü yer alır.

Görsel sanatlardaki performans pratiğinin kökenleri 1910'ların Fütürist prodüksiyonlarına ve kabarelerine kadar uzansa da, "performans sanatı" ve "performans" terimleri 1970'lerde yaygın bir geçerlilik kazandı. 1969'da sanat eleştirmeni ve performans sanatçısı John Perreault, terimin ortaya çıkışını Marjorie Strider'a bağladı. Performans sanatının önemli öncüleri arasında Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein ve Vito Acconci yer alıyor. Daha çağdaş öne çıkan üsler arasında Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Marta Minujín, Melati Suryodarmo ve Petr Pavlensky yer alıyor. Bu disiplin kavramsal olarak Fluxus hareketi, Viyana Aksiyonizmi, vücut sanatı ve kavramsal sanatla ilişkilendirilen olaylar ve "olaylar"la bağlantılıdır.

Tanım

Performans sanatının kesin tanımı ve tarihsel ve pedagojik bağlamsallaştırılması önemli tartışmalara konu olmaya devam ediyor. Terimin çokanlamlı doğasından, özellikle de yorumlarından birinin gösteri sanatlarıyla ilgili olması nedeniyle önemli bir zorluk ortaya çıkmaktadır. Ancak performans sanatları bağlamında "performans"ın bu şekilde yorumlanması, geleneksel sahne sanatlarına karşı eleştirel ve çoğunlukla düşmanca bir duruştan kaynaklanan "performans sanatı" kavramından temel olarak farklıdır. Performans sanatı, performans sanatlarıyla yalnızca izleyicinin varlığı ve fiziksel beden gibi belirli yönlerde ortak noktalara sahiptir; dahası, tüm performans sanatı eserleri bu belirli unsurları içermemektedir.

Daha dar anlamıyla, "performans sanatı" terimi özü itibarıyla Batı kültüründe yaygın olan postmodernist geleneklerle bağlantılıdır. Yaklaşık 1960'ların ortasından 1970'lere kadar ortaya çıkan ve sıklıkla görsel sanat kavramlarından yararlanan performans sanatı (Antonin Artaud, Dada, Sitüasyonistler, Fluxus, enstalasyon sanatı ve kavramsal sanat gibi figür ve hareketlerden etkilenen), genellikle geleneksel tiyatronun antitezi olarak kavramsallaştırıldı ve böylece yerleşik sanat biçimlerine ve geçerli kültürel normlara meydan okudu. Temel prensip, hem sanatçı hem de izleyici için tekrarlanması, yakalanması veya ticari olarak edinilmesi mümkün olmayan bir olay olarak ortaya çıkan geçici ve özgün bir deneyim yaratmaktı. Görsel sanat ve performans sanatı kavramlarının uygulanmasındaki kapsamlı şekilde tartışılan farklılaşma, performans sanatı sunumunun yorumlanmasını önemli ölçüde etkilemektedir.

"Performans sanatı" tanımı genellikle, yalnızca eğlence veya kendi özü için performans olarak hizmet etmekten ziyade, genellikle dramatik alt tonlarla içerik odaklı anlamı ileten kavramsal bir sanat formu için ayrılmıştır. Bu tür öncelikle izleyiciye sunulan performansları kapsar, ancak geleneksel bir tiyatro oyununu, resmi bir doğrusal anlatıyı veya yapılandırılmış, senaryolu etkileşimler içinde kurgusal karakterlerin tasvirini sunmaktan kasıtlı olarak kaçınır. Sonuç olarak, sanatçı ile izleyici arasında doğrudan bir iletişim olarak eylemi veya sözlü sözü içerebilir veya önceden yazılmış bir senaryoya bağlı kalmak yerine izleyicinin beklentilerini kasıtlı olarak göz ardı edebilir.

Bununla birlikte, performans sanatının belirli tezahürleri performans sanatlarına yakınlık sergileyebilir. Bu tür performanslar bir senaryoyu kullanabilir veya hayali bir dramatik bağlam oluşturabilir; ancak, tipik gerçek dünya dinamiklerine bağlı, doğrusal bir senaryo ile kurgusal bir ortam inşa etme şeklindeki geleneksel dramatik normdan kasıtlı olarak saparak performans sanatının alanı içinde kalırlar. Bunun yerine, geleneksel tiyatro yapımlarında yaygın olarak kullanılan sıradan gerçek dünya dinamiklerini kasıtlı olarak hicvetmeyi veya aşmayı amaçlıyorlar.

Performans sanatçıları sıklıkla izleyicileri yeni ve alışılmadık düşünce süreçlerine katılmaya zorlayarak geleneksel sanatsal gelenekleri yıkıyor ve "sanatın ne olduğu" konusundaki yerleşik kavramları ortadan kaldırıyor. Oyuncunun tekrarlayan rol oynamaktan kaçınması koşuluyla, performans sanatı hiciv unsurlarını içerebilir; Hayatta Kalma Araştırma Laboratuvarlarından alınan örneklerde de görüldüğü gibi robotları ve makineleri icracı olarak kullanmak; ritüelleştirilmiş bileşenleri içerir (örn. Shaun Caton); veya dans, müzik ve sirk gibi çeşitli gösteri sanatlarının özelliklerini entegre edin. Performans sanatı aynı zamanda mimariyle kesişebilir ve dini uygulama ve teolojiyle iç içe geçebilir.

Viyana Aksiyonistleri ve neo-Dadaistler gibi bazı sanatçılar, performans etkinliklerini karakterize etmek için "canlı sanat", "aksiyon sanatı", "eylemler", "müdahale" veya "manevra" gibi alternatif terimleri tercih ederler. Performans sanatındaki belirli türler arasında vücut sanatı, Fluxus performansı, olaylar, aksiyon şiiri ve intermedya yer alır.

Kökenler

Performans sanatı, 1916'da ortaya çıkan, Dadaizm ile eşzamanlı ve kavramsal sanatın daha geniş çerçevesi içinde yer alan disiplinle alternatif bir sanatsal ifade olarak ortaya çıktı. Dada'nın öncülerinden Tristan Tzara bu harekete öncülük etti. Batılı kültür teorisyenleri performans sanatının doğuşunu genellikle Konstrüktivizm, Fütürizm ve Dadaizm gibi hareketlerle birlikte 20. yüzyılın başlarında konumlandırıyor. Dada, alışılmadık şiir eylemleri nedeniyle önemli bir ilham kaynağı oldu. Ayrıca bazı Fütürist sanatçıların, özellikle de Rus Fütürizmiyle ilişkilendirilenlerin, performans sanatının ortaya çıkışının temelleri olduğu da kabul ediliyor.

Kabare Voltaire

Kabare Voltaire, Hugo Ball ve Emmy Hennings tarafından İsviçre'nin Zürih kentinde hem sanatsal hem de politik amaçlarla kuruldu ve yeni sanatsal eğilimler için bir pota görevi gördü. Kabare gösterilerinde geleneksel sergilerin sıklıkla hicvedildiği bir tiyatronun üst katında yer alan kabarede avangard ve deneysel çalışmalar yer aldı. On metrekarelik bu mekanda Dada hareketinin kurulduğuna inanılıyor. Ayrıca hareketi doğrudan Dadaizm'den gelişen Sürrealistler de Kabare'de sık sık bir araya geliyordu. Kabare, 1916 yazındaki kapanışına kadar yalnızca altı ayı kapsayan kısa faaliyet dönemi boyunca, Dadaist Manifesto'nun okunmasının yanı sıra şiir, görsel sanat, müzik ve tekrarlanan eylemleri birleştiren açılış Dada eylemlerine, performanslarına ve sunumlarına ev sahipliği yaptı. Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp ve Jean Arp gibi önemli isimler, Dada olarak bilinen anarşist hareketin temel ilkelerini oluşturan provokatif ve skandal olaylara karıştı.

Dadaizm, sanat dünyasındaki yerleşik sistem ve normları ortadan kaldırma hedefiyle ortaya çıktı. Sanat karşıtı, edebiyat karşıtı ve şiir karşıtı bir hareket olarak nitelendirilen bu hareket, sanatın, edebiyatın ve şiirin varlığına temelden meydan okudu. Dadaizm salt yaratıcı bir yöntemin ötesine geçerek yaşam biçimini etkileyen kapsamlı bir ideolojiye dönüştü. Sonsuz güzellik, değişmez ilkeler, mantık yasaları, entelektüel durağanlık, evrensel gerçekler gibi kavramlara karşı çıkıyordu. Bunun yerine değişimi, kendiliğindenliği, dolaysızlığı, çelişkiyi, rastlantısallığı ve kaosun düzen yerine, kusurluluğun mükemmellik yerine benimsenmesini, yani performans sanatında yankı uyandıran ilkeleri savundu. Dadacılar provokasyonu, sanat karşıtı protestoyu ve skandalı savundular ve sıklıkla hiciv ve ironik ifade tarzlarını kullandılar. Geleneksel sanatsal biçimlere karşı yıkıcı eylemleri sıklıkla saçmalık, içsel değerlerin reddedilmesi ve kaosa kucak açmayla karakterize ediliyordu.

Voltaire Kabaresi 1916'da kapandı ancak 21. yüzyılda yeniden canlandı.

Fütürizm

Fütürizm 1909'da avangard bir sanatsal hareket olarak ortaya çıktı. Başlangıçta taraftarlarının çoğunluğu ressam olmasına rağmen edebi bir hareket olarak ortaya çıktı. İlk kapsamı aynı zamanda heykel, fotoğraf, müzik ve sinemayı da kapsıyordu. Birinci Dünya Savaşı hareketi büyük ölçüde kısıtlasa da, İtalya'da 1930'lara kadar devam etti. Fütürizmin önemli etki yarattığı ülkeler arasında Rusya da vardı. Yayınlanan dikkate değer manifestolar arasında 1912'deki Fütürist Heykel Manifestosu ve Fütürist Mimari ve ardından 1913'te Fransız dansçı, yazar ve sanatçı Valentine de Saint-Point'in Fütürist Şehvet Manifestosu yer alır. Fütüristler teorilerini, siyasi mitinglere benzeyen, şiir ve müzikhol unsurlarını bir araya getiren halka açık buluşmalar, toplantılar ve konferanslar aracılığıyla yaydı ve böylece performans sanatının habercisi oldu.

Bauhaus

1919'da Weimar'da kurulan bir sanat okulu olan Bauhaus, vücut, mekan, ses ve ışık arasındaki karşılıklı ilişkiyi keşfetmeyi amaçlayan deneysel performans sanatları atölyelerini bünyesinde barındırıyordu. Amerika Birleşik Devletleri'nde Nazi Partisi tarafından sürgüne gönderilen Bauhaus eğitmenleri tarafından kurulan Black Mountain College, 1960'larda performans tarihindeki önemli gelişmelerden yirmi yıl öncesine kadar deneysel performans sanatlarını sahne sanatları eğitimine entegre etmeye devam etti. Bauhaus adı Almanca Bau, inşaat ve Haus, ev kelimelerinden türemiştir; İroniktir ki, ismine ve kurucusunun mimar olmasına rağmen Bauhaus'un ilk yıllarında bir mimarlık bölümü yoktu.

Aksiyon boyama

1940'lar ve 1950'ler boyunca aksiyon boyama tekniği veya hareketi, sanatçıların tuvali bir eylem alanı olarak kavramsallaştırmasına olanak tanıdı ve böylece ortaya çıkan sanat eserleri, sanatçının stüdyo performansının kalıntılarına dönüştü. Sanat eleştirmeni Harold Rosenberg'e göre bu, Soyut Dışavurumculuk ile birlikte performans sanatı için temel bir süreç oluşturuyordu. Genellikle mükemmel aksiyon ressamı olarak kabul edilen Jackson Pollock, eserlerini sıklıkla canlı performanslar olarak gerçekleştirdi. Avrupa'da Yves Klein, halka açık gösterilerde tuvallere boya uygulamak için kadın bedenlerini kullanarak *Antropometrilerini* yarattı. Willem de Kooning ve Franz Kline gibi önemli isimler de eserlerine soyut ve aksiyon resminin unsurlarını dahil etti.

Yeni gerçekçilik

Nouveau réalisme, performans sanatının doğuşunda çok önemli bir sanatsal hareket olarak kabul ediliyor. Bu resim hareketi, 1960 yılında sanat eleştirmeni Pierre Restany ve ressam Yves Klein tarafından, Milano'daki Apollinaire Galerisi'ndeki açılış kolektif sergileriyle aynı zamana denk gelerek kuruldu. Nouveau réalisme, Fluxus ve diğer gruplarla birlikte 1960'ların sayısız avangard akımı arasındaydı. Pierre Restany, Tate Modern ve diğer mekanlarda birçok performans sanatı enstalasyonunu yönetti. Yves Klein, Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) ve Saut dans le vide fotomontajı gibi kavramsal eserleriyle performans sanatının belirgin bir öncüsü olarak ortaya çıktı. Yapıtlarının tamamı performans sanatıyla güçlü bir bağın olduğunu gösteriyor; kadın modellerle yarattığı ünlü tablolarında örnek olarak genellikle canlı aksiyonlar olarak algılanıyor. Grubun üyeleri dünyayı, sanatlarına entegre edecek unsurları çıkardıkları geniş bir görüntü olarak algıladılar ve böylece yaşam ile sanatsal ifade arasındaki boşluğu doldurmaya çalıştılar.

Gutai

Aksiyon sanatı ve etkinlikleriyle tanınan Japon Gutai hareketi de performans sanatını önemli ölçüde ön plana çıkardı. 1955 yılında Japonya'nın Kansai bölgesinde (Kyoto, Ōsaka ve Kōbe'yi kapsayan) ortaya çıktı. Kilit katılımcılar arasında Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama ve Atsuko Tanaka vardı. İkinci Dünya Savaşı'nın ardından kurulan Gutai grubu, kapitalist tüketimciliği reddetti ve bunu nesnelere zarar verme ve dumana dayalı performanslar gibi gizli saldırganlıkla dolu ironik eylemlerle ortaya koydu. Etkileri Fluxus gibi gruplara ve Joseph Beuys ile Wolf Vostell gibi sanatçılara kadar uzandı.

Arazi sanatı ve performans

1960'ların sonlarında, aralarında Robert Smithson ve Dennis Oppenheim'ın da bulunduğu çeşitli Arazi Sanatı sanatçıları, 1970'lerin performans sanatını öngören çevresel enstalasyonlar ürettiler. Daha sonra, 1980'lerin başlarındaki duvar çizimini performans eylemine dönüştüren Sol LeWitt gibi kavramsal sanatçılar, Yves Klein ve diğer Kara Sanatı uygulayıcılarından ilham aldı. Arazi Sanatı, manzara ile sanatsal yaratım arasındaki içsel bağlantıyla karakterize edilen çağdaş bir sanat hareketidir. Sahaya özel müdahaleler için malzeme olarak doğal unsurları (örneğin ahşap, toprak, kayalar, kum, rüzgar, ateş, su) kullanır. Sanat eserinin doğuşu doğası gereği belirli bir konuma bağlıdır. Sonuçlar genellikle heykel ve mimarinin veya heykel ve peyzajın bir birleşimi olarak ortaya çıkıyor; çağdaş kamusal alanlarda artan bir önem kazanan melez bir form. Sanatçının bedeni yaratıcı sürece entegre edildiğinde Land Art, performans sanatının yeni ortaya çıkan aşamalarıyla paralellikler sergiliyor.

1960'lar

1960'larda çok çeşitli yeni sanatsal çalışmalar, konseptler ve giderek artan sayıda sanatçı, performans sanatının yeni biçimlerinin ortaya çıkmasına katkıda bulundu. Bu gelişme, Cabaret Voltaire veya Fütürizm'in ilkelerine benzer ilkelerden ilham alarak geleneksel sanat anlayışını genişletmeyi amaçlıyordu. Bu yeni hareketler Viyana Aksiyonizminden, New York City'deki avangart performans sanatından, süreç sanatından, The Living Theatre'ın evriminden veya olaylardan farklıydı, ancak yine de performans sanatı öncülerinin temel katkılarını hep birlikte sağlamlaştırdılar.

Viyana Aksiyonizmi

Viyana Aksiyonizmi (Wiener Aktionismus), eserlerinin şiddetli, grotesk ve içgüdüsel doğasıyla tanınan, kısa ve öz ama çekişmeli bir 20. yüzyıl sanat hareketini ifade eder. 1960'ların Avusturya avangardından yola çıkan bu akımın amacı sanatı performansla bütünleştirmek, Fluxus ve Beden Sanatı ile bağlantılar kurmaktı. Öne çıkan isimler arasında, 1960'tan 1971'e kadar esas olarak aksiyonist faaliyetlerini yürüten Günter Brus, Otto Muehl ve Hermann Nitsch vardı. Performans sanatında öncü olan Nitsch, 1962'de Orjiler ve Gizemler Tiyatrosu'nin (Orgien und Mysterien Theatre) prömiyerini yaptı. Marina Abramović daha sonra onun eserlerinden birinde sanatçı olarak yer aldı. 1975.

New York ve Avangard Performansı

1960'ların başında New York City, performans sanatıyla ilgili çok sayıda hareket, etkinlik ve ilgi alanı için önemli bir merkez haline geldi. Andy Warhol'un film ve video prodüksiyonu alanında çalışmaya başlaması dikkat çekicidir. On yılın ortasında The Velvet Underground'a sponsor oldu ve New York'ta canlı rock müzik, dinamik ışıklandırma ve filmlerin yer aldığı Exploding Plastic Inevitable (1966) gibi çeşitli performans etkinliklerini yönetti. Şehrin avangart performans sanatçıları arasında Joey Skaggs, 1960'larda kurumsal gücü ve medya gösterisini eleştiren provokatif kamu müdahaleleri sayesinde ön plana çıktı. İlk çalışmaları arasında dini ikiyüzlülüğü protesto etmek için halka açık parklarda sergilenen, çürüyen bir İsa'nın gerçek boyutlu bir heykeli olan Çarmıha Gerilme (1966–1969) ve East Village sanatçılarının banliyö mahallelerini ziyaret ederek röntgenci turist otobüslerinin parodisini yaptığı Queens'e Hippi Otobüs Turu (1968) yer alıyor.

Yaşayan Tiyatro

San Francisco Mime Troupe ve The Living Theatre tarafından örneklenen yeni teatral formlar, özellikle Amerika Birleşik Devletleri'nde sanat dünyasının performansını önemli ölçüde etkiledi. Bu yapımlar sıklıkla SoHo'daki Off-Off Broadway tiyatrolarında ve New York City'deki La MaMa'da sunuldu. 1947'de New York'ta kurulan Living Theatre, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en eski deneysel tiyatro olma özelliğini taşıyor. Liderliği sürekli olarak kurucuları tarafından sağlanmıştır: Bertolt Brecht ve Meyerhold'un teorilerine odaklanarak Erwin Piscator'la tiyatro eğitimi almış aktris Judith Malina; ve ressam ve şair Julian Beck. Beck'in 1985'teki ölümünün ardından, Malina ile birlikte şirket üyesi Hanon Reznikov eş yönetmenlik görevini üstlendi.

En uzun süredir devam eden deneysel tiyatro gruplarından biri olan The Living Theatre, diğerlerine önemli bir model oluşturdu. Üyeleri tiyatroyu, aktörlerin özgürlükçü ilkeler altında komünal olarak yaşadığı bir yaşam biçimi olarak görüyordu. Topluluğun teatral çabaları, otoriter ve hiyerarşik toplumların güç yapılarını dönüştürmeyi amaçlıyordu. Living Theatre, öncelikle 1963'ten 1968'e kadar Avrupa'yı ve 1968'de de ABD'yi gezdi. Bu döneme ait dikkate değer bir yapım olan Paradise Now, geniş izleyici katılımı ve oyuncuların soyunurken çıplaklık da dahil olmak üzere sosyal tabuların bir listesini tekrarladığı bir sahneyle ün kazandı.

Fluxus

Latince akış anlamına gelen bir terim olan Fluxus, müziği, edebiyatı ve dansı kapsayan bir görsel sanatlar hareketi oluşturur. En yüksek aktivite dönemi 1960'lar ve 1970'lerde meydana geldi. Fluxus'un taraftarları, hareketi bir sosyolojik sanat biçimi olarak konumlandırarak geleneksel sanatsal nesnelerin metalaştırılmasına karşı çıktılar. George Maciunas (1931–1978) 1962'de gayri resmi olarak Fluxus'u kurdu. Hareket Avrupa, Amerika Birleşik Devletleri ve Japonya'da taraftar kazandı. John Cage'den etkilenerek öncelikle Kuzey Amerika ve Avrupa'da gelişen Fluxus hareketi, avangard'ı yalnızca dilsel bir yenilik olarak görmekten ayrıldı. Bunun yerine, yerleşik sanat kanallarını belirli dilsel kısıtlamalardan ayırarak yeniden amaçlandırmayı amaçladı ve çeşitli ortam ve materyalleri birleştirerek disiplinlerarası bir yaklaşımı benimsedi. Bu çerçevede dil, nihai bir amaç olarak değil, küresel bir olgu olarak algılanan sanatın daha geniş çapta yenilenmesi için bir mekanizma olarak hizmet etti. Dada'ya benzer şekilde Fluxus da kesin tanımlamaya veya kategorize etmeye direndi. Hareketin kurucularından Dick Higgins şunları ifade etti:

Fluxus çalışmayla başladı ve daha sonra bir araya gelerek Fluxus adını zaten var olan çalışmaya uyguladı. Sanki olayın başında değil de ortasında başlamış gibiydi.

Robert Filliou, Fluxus'u kavramsal sanatla karşılaştırarak onun gündelik varoluşla doğrudan, doğrudan ve acil ilişkisini vurguladı. Marcel Duchamp'ın Ready-mades aracılığıyla gündelik nesneleri sanatla bütünleştirirken Fluxus'un, çoğunlukla küçük eylemler veya performanslar aracılığıyla sanatı günlük hayatın içinde eriterek bu yaklaşımı tersine çevirdiğini öne sürdü.

John Cage tanınmış bir Amerikalı besteci, müzik teorisyeni, sanatçı ve filozoftu. Müzikal belirsizlik, elektroakustik müzik ve alışılmadık enstrümantasyonda öncü olan Cage, savaş sonrası avangardın önemli bir figürü olarak ortaya çıktı. Eleştirmenler tarafından yirminci yüzyılın en etkili bestecilerinden biri olarak büyük beğeni topladı. Üstelik Cage, modern dansın evriminde çok önemli bir rol oynamıştır; bu rol büyük ölçüde, aynı zamanda onun yaşam boyu romantik partneri olan koreograf Merce Cunningham'la yaptığı kapsamlı işbirliğine atfedilebilir.

Cage'in yakın çalışma arkadaşı olan Sari Dienes, Soyut Dışavurumcuları, Robert Rauschenberg ve Ray Johnson gibi Neo-Dada sanatçılarını ve Fluxus hareketini birbirine bağlayan önemli bir aracı olarak tanınmaktadır. Dienes, bu sanatçıları, hem önceden tasarlanmış hem de kendiliğinden yaklaşımlarla gerçekleştirilen yaşam unsurlarını, Zen felsefesini, performansa dayalı sanat yapma metodolojilerini ve "olayları" entegre etme konusunda özellikle etkiledi.

Süreç Resmi

Süreç sanatı, sanat ve zanaatın nihai sonucunun, özellikle sanat nesnesinin (hem sanat eserlerini hem de bulunmuş nesneleri kapsayan) birincil vurgu olmadığı sanatsal bir hareketi belirtir. Bunun yerine, toplama, sıralama, sıralama, ilişkilendirme, modelleme ve eylem ve işlemleri başlatma gibi faaliyetleri içeren yaratıcı sürecin kendisi çok önemli kabul edilir. Süreç sanatının uygulayıcıları, sanatsal yaratımı, insan ifadesinin katıksız bir biçimi olarak görüyorlardı. Hareket, bir sanat eseri yaratma eyleminin başlı başına bir sanat eseri oluşturabileceğini öne sürüyor. Sanatçı Robert Morris, kesin, nesne tabanlı bitmiş bir ürün yerine "biçim karşıtı", süreç ve zamana özellikle öncelik verdi.

Oluyor

The New Media Reader'daki Wardrip-Fruin ve Montfort'a göre, "'Happening' terimi, Allan Kaprow ve diğerleri tarafından 1950'ler ve 1960'larda düzenlenen, geleneksel olarak senaryosu yazılan ve yalnızca sınırlı izleyici etkileşimine davet edilen bir dizi tiyatro prodüksiyonu da dahil olmak üzere birçok performans ve etkinliği tanımlamak için kullanıldı." Bir olay, sanatçılara bedensel hareketleri, kayıtlı sesleri, sözlü ve yazılı metinleri ve koku alma unsurlarını keşfetmeleri için bir platform sağlar. Allan Kaprow'un ilk katkıları arasında 1961'de yayınlanan New York Sahnesinde Olaylar yer alıyor. Kaprow'un olayları izleyicileri aktif katılımcılara veya tercümanlara dönüştürdü. Seyirciler sıklıkla istemeden performansın ayrılmaz bir parçası haline geldi. Olayların dikkate değer yaratıcıları arasında Jim Dine, Al Hansen, Claes Oldenburg, Robert Whitman ve çalışmaları arasında Tiyatro Sokakta (Paris, 1958)

Başlıca Sanatçılar

1968'den sonra yaratılan performans sanatı sıklıkla o yılın siyasi ve kültürel manzarasını yansıtıyordu. Barbara T. Smith, 1969 tarihli Ritual Meal adlı çalışmasıyla, 1970'lerde beden ve manzara feminist sanatında öncü bir figürdü; bu hareket, Carolee Schneemann ve Joan Jonas'ın da dahil olduğu bir hareketti. Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden, Dennis Oppenheim ve İspanyol Zaj kolektifinin Esther Ferrer ve Juan Hidalgo gibi üyeleriyle birlikte bu sanatçılar, vücut sanatı ile performans sanatı arasındaki ilişkinin araştırılmasında öncü oldular.

Barbara Smith, Amerika Birleşik Devletleri'nde feminizm ve LGBT aktivizminin önde gelen Afrikalı-Amerikalı savunucusu olarak tanınan Amerikalı bir sanatçı ve aktivisttir. 1970'lerin başında eğitimci, yazar ve Siyah feminizm hareketinin savunucusu olarak görev yaptı. Son beş yılda çok sayıda kolej ve üniversitede ders verdi. Smith'in denemeleri, incelemeleri, makaleleri, kısa öyküleri ve edebiyat eleştirileri, aralarında The New York Times, The Guardian, The Village Voice ve The Nation'un da bulunduğu çeşitli yayınlarda yer aldı.

Carolee Schneemann, bedeni, anlatıyı, cinselliği ve cinsiyeti araştıran multimedya çalışmalarıyla tanınan Amerikalı deneysel bir görsel sanatçıydı. Önemli eserleri arasında Meat Joy (1964) ve Interior Scroll (1975) yer alıyor. Schneemann, vücudunu sanatsal çabaları için temel bir yüzey olarak görüyordu ve kendisini "gerçek mekanı ve yaşanan zamanı harekete geçirmek için tuvalden ayrılan bir ressam" olarak tanımlıyordu.

Joan Jonas (13 Temmuz 1936 doğumlu), Amerikalı bir görsel sanatçı ve video ve performans sanatının öncüsüdür. 1960'ların sonu ve 1970'lerin başında ortaya çıkan en önemli kadın sanatçılardan biri olarak kabul edilmektedir. Temel projeleri ve deneyleri, kavramsal sanata, tiyatroya ve diğer görsel medyaya kadar uzanan etkisi ile daha sonraki birçok video performans sanatının temelini oluşturdu. Jonas şu anda New York ve Nova Scotia, Kanada'da yaşıyor ve çalışıyor. 1960'larda New York'un şehir merkezindeki sanat ortamına dalmış, iki yıl boyunca koreograf Trisha Brown ile çalışmış ve aynı zamanda koreograflar Yvonne Rainer ve Steve Paxton ile işbirliği yapmıştır.

Yoko Ono, 1960'ların avangard ve Fluxus hareketlerinde öne çıkan bir figürdü. Özellikle ziyaretçilerin kıyafetlerini keserek vücuduyla etkileşime girmeye davet edildiği Cut Piece gibi 1960'ların sonundaki performans sanatı eserleriyle tanınıyor. Dikkate değer eserlerinden bir diğeri de Orkestra için duvar parçası (1962)'dir.

Joseph Beuys, Fluxus'a, olaylara, performans sanatına, resim, heykel, madalya tasarımı ve enstalasyon sanatına yaptığı katkılarla tanınan bir Alman sanatçıydı. Fluxus neodadaist hareketiyle ilişkisi 1962'de başladı ve daha sonra önemli bir üye oldu. Mirasının önemli bir yönü, sanatın daha geniş bir kitleye erişilebilirliğini artırmayı amaçlayan sanatın toplumsallaştırılmasıydı. 1965'teki Ölü Bir Tavşana Resimler Nasıl Açıklanır adlı performansında Beuys, kollarında bulunan ölü bir tavşana sanat eserini anlatırken yüzünü bal ve altın varakla kapladı. Bu parça, mekansal, heykelsi, dilsel ve işitsel unsurları sanatçının fiziksel varlığı ve jestleriyle bütünleştirerek, bir hayvan alıcıya hitap eden bir iletişimcinin bilincini somutlaştırdı. Beuys, can çekişmekte olduğunu düşündüğü bir toplum için iyileştirici ve kurtarıcı güçlere sahip olduğuna inanarak sıklıkla bir şaman kişiliğini benimsedi. 1974'te, bir çakal olan Beuys ve kağıt, keçe, saz gibi malzemelerin yer aldığı Amerika'yı Seviyorum ve Amerika Beni Seviyor performansını gerçekleştirdi. Üç gün boyunca çakalla birlikte yaşadı ve bu süre zarfında kapitalizmi simgeleyen Amerika Birleşik Devletleri gazetelerini biriktirdi. Zamanla Beuys ile çakal arasında bir dereceye kadar karşılıklı hoşgörü gelişti ve sanatçının hayvanı kucaklaması ile sonuçlandı. Beuys eserlerinde sıklıkla yinelenen unsurlara yer vermiştir. Nesneleri, Duchamp'ın hazır nesnelerinden, mütevazi veya geçici doğaları nedeniyle değil, Beuys'un kişisel yaşamının ayrılmaz bir parçası oldukları, deneyim ve izleriyle dolu oldukları için farklıydı. Bal veya II. Dünya Savaşı'ndan sağ kurtulan Tatarlarla ilişkilendirilen yağ gibi bu unsurların çoğu, otobiyografik önem taşıyordu. 1970 yılında Keçe Elbisesini yarattı. Aynı yıl Beuys, Kunstakademie Düsseldorf'ta heykel dersleri verdi. 1940'lardan 1970'e kadar olan çalışmalarının retrospektifi, 1979'da New York City'deki Solomon R. Guggenheim Müzesi'nde sergilendi.

Güney Koreli performans, kompozisyon ve video sanatçısı Nam June Paik, 20. yüzyılın ikinci yarısında öne çıkan biriydi. Tokyo Üniversitesi'nde müzik ve sanat tarihi üzerine çalışmalar yaptı. 1956'da Almanya'ya taşındı ve burada ilk olarak Münih'te Müzik Teorisi okudu, ardından Köln'deki Freiburg Konservatuarı'nda eğitimine devam etti. Paik, Almanca çalışmaları sırasında besteciler Karlheinz Stockhausen ve John Cage'in yanı sıra kavramsal sanatçılar Sharon Grace, George Maciunas, Joseph Beuys ve Wolf Vostell gibi önemli isimlerle tanıştı. 1962'den itibaren deneysel bir sanat hareketi olan Fluxus'un aktif katılımcısı oldu. Paik daha sonra John Cage'in gündelik sesleri ve gürültüleri müzik kompozisyonlarına dahil etmesinden ilham alan Neo-Dada hareketi Fluxus'a katıldı. Fluxus'un bir üyesi olarak Yoko Ono ile yakın ilişkisini sürdürdü.

Alman sanatçı Wolf Vostell, 20. yüzyılın ikinci yarısında oldukça temsili bir figür olarak ortaya çıktı. Çeşitli sanatsal uygulamaları resim, heykel, enstalasyon, dekolaj, video sanatı, olaylar ve Fluxus gibi çok çeşitli medya ve teknikleri kapsıyordu.

Vito Acconci, performans, video ve enstalasyon sanatlarındaki çalışmalarıyla tanınan, etkili bir Amerikalı sanatçıydı. Bu sanatçının kapsamlı uygulamaları daha sonra heykel, mimari tasarım ve peyzaj tasarımına kadar genişledi. Yeni ufuklar açan performansı ve video sanatı, genellikle zeka ve cesaretle birleşen "varoluşsal huzursuzluk", teşhircilik, rahatsızlık, ihlal ve provokasyon temalarıyla öne çıkıyordu. Bu çalışma sıklıkla kamusal ve özel, rızaya dayalı ve rıza dışı, gerçek dünya ile sanat dünyası arasındaki gibi geleneksel sınırlara meydan okuyordu. Acconci'nin eserleri Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman ve Tracey Emin gibi sanatçılar üzerindeki etkisiyle tanınmaktadır. Başlangıçta radikal şiire ilgi duyan Acconci, 1960'ların sonlarında odağını Durumculuktan etkilenen performanslar yaratmaya kaydırdı. Çoğunlukla kamusal alanlarda veya samimi izleyiciler için sahnelenen bu çalışmalar, bedeni ve onun kamusal ortamlarla etkileşimini araştırıyordu. En ünlü eserleri arasında, New York şehrinin sokaklarındaki yayaları rastgele seçip uzun süreler boyunca takip ettiği Takip Eden Parça (1969) ve Sonnabend Galerisi'nde, ziyaretçilerin üzerinde yürüdüğü ve seslerine kulak misafiri olduğu sırada geçici bir zeminin altında mastürbasyon yaptığı iddia edilen bir enstalasyon olan Seedbed (1972) yer alıyor.

Chris Burden, performans, heykel ve enstalasyonu kapsayan Amerikalı bir sanatçıydı. sanat. 1970'lerde performans sanat eserleriyle öne çıktı; özellikle Shoot (1971), bir iş arkadaşının onu küçük kalibreli bir tüfekle kolundan vurmasını ayarladığı bir gösteriydi. Üretken bir sanatçı olan Burden, 2015 yılında vefat etmeden önce çok sayıda ünlü enstalasyon, kamuya açık sanat eseri ve heykel üretmişti. Performans sanatıyla olan ilişkisi, sanatsal bir ifade biçimi olarak kişisel tehlike kavramına odaklanan bir dizi tartışmalı çalışmayla 1970'lerin başında başladı. İlk önemli performansı, Irvine Kaliforniya Üniversitesi'ndeki yüksek lisans tezi için tasarladığı Beş Günlük Dolap Parçası (1971), beş gün boyunca bir dolapta tutulmasını içeriyordu.

Dennis Oppenheim, kavramsal sanata, performans sanatına, dünya sanatına, heykele ve fotoğrafçılığa yaptığı katkılarla tanınan Amerikalı bir sanatçıydı. Oppenheim'ın ilk sanatsal çabaları, bir meta-sanat olarak ortaya çıkan sanatın özüne, yaratımına ve tanımına dair epistemolojik bir araştırma oluşturdu. Bu yaklaşım, Minimalist stratejilerin alan ve bağlam hususlarını kapsayacak şekilde genişletilmesinden ortaya çıkmıştır. Estetik hedeflerinin ötesinde, çalışmaları galeri mekânının fiziksel özelliklerini incelemekten daha geniş sosyal ve politik bağlamlara değinmeye doğru evrildi. Son derece üretken kariyerinin son yirmi yılı boyunca, Oppenheim'ın zaman zaman eleştirmenlere meydan okuyan çeşitli üretimleri ağırlıklı olarak kalıcı halka açık heykeller biçimini aldı.

Yayoi Kusama, kapsamlı kariyeri heykel, enstalasyon, resim, performans, film, moda, şiir, kurgu ve diğer sanatsal formlar da dahil olmak üzere geniş bir medya yelpazesini kapsayan bir Japon sanatçıdır. Çalışmalarının önemli bir kısmı psychedelia, tekrar ve kalıplara derin bir ilgi gösteriyor. Kusama, Pop Art, Minimalizm ve Feminist Sanat akımlarının öncüsü olarak tanınıyor ve Andy Warhol ve Claes Oldenburg gibi çağdaşlarını etkiledi. Japonya'nın yaşayan en önemli sanatçılarından biri ve avangart sanatta son derece alakalı bir ses olarak geniş çapta kabul görüyor.

1970'ler

1970'lerde, uygulamaları daha önce performans sanatının unsurlarını içeren sanatçılar, performansı giderek artan bir şekilde birincil disiplinleri haline getirdiler. Bu evrim, çoğunlukla belirli sosyo-tarihsel ve politik çerçeveler içinde bağlamlandırılan performans, video performansı veya kolektif eylemler yoluyla enstalasyonların yaratılmasına yol açtı.

Video Performansı

1970'lerin başında videonun performans sanatına entegrasyonu sağlam bir şekilde yerleşti. Örneğin Joan Jonas ve Vito Acconci gibi sanatçıların sergileri, genellikle önceki performans süreçleriyle harekete geçirilen, tamamıyla videodan oluşan eserlere yer veriyordu. Bu on yıl boyunca, Gene Youngblood'un Genişletilmiş Sinema'sı da dahil olmak üzere birçok yayın, performans sanatçılarının iletişim medyası, video ve sinemadan nasıl yararlandığını araştırdı. Bu alandaki en önemli sanatçılardan biri, yenilikçi görsel-işitsel enstalasyonlarıyla tanınan Güney Koreli Nam June Paik'tir. Paik'in sanatsal yolculuğu 1960'ların başında Fluxus hareketi içinde başladı ve ardından bir medya sanatçısı olarak gelişmesine ve ikonik görsel-işitsel enstalasyonlarının yaratılmasına yol açtı.

Carolee Schneemann ve Robert Whitman'ın 1960'lardaki video performans çalışmaları da dikkate alınmayı hak ediyor. Her iki sanatçı da performans sanatının öncüleriydi ve 1970'lerin başında bağımsız bir sanat formu olarak yerleşmesine yardımcı oldu.

Joan Jonas, eylemlerini özel olarak doğrudan video kaydı için sahneleyen Bruce Nauman'la eş zamanlı olarak, 1972'de deneysel performanslarına videoyu dahil etmeye başladı. Amerikalı multimedya sanatçısı Nauman, heykelleri, videoları, grafik çalışmaları ve performanslarıyla 1960'lardan bu yana kültürel söylemi önemli ölçüde çeşitlendirdi ve geliştirdi. Çoğu zaman rahatsız edici olan sanat eserleri, sanatın kavramsal özünü ve yaratıcı süreci vurguluyor, temeldeki konsepte ve yaratım sürecine nihai ürünün üzerinde öncelik veriyor. Sanatsal pratiğinde, sıklıkla kendi bedenini de içeren çok çeşitli malzemeler kullanılıyor.

Gilbert & İtalyan sanatçı Gilbert Proesch ve İngiliz sanatçı George Passmore'dan oluşan George, kavramsal sanat, performans sanatı ve vücut sanatına katkılarıyla tanınıyor. 'Yaşayan heykel' performanslarıyla büyük beğeni topladılar. İlk dikkate değer çalışmalardan biri, sanatçıların 1930'ların şarkısı "Underneath the Arches" eşliğinde şarkı söyleyip dans ettiği The Singing Sculpture'dı. Daha sonra kendilerini izleyicilerin önünde değişen sürelerde sergilenen sanat eserleri olarak sunarak 'yaşayan heykeller' olarak güçlü bir üne kavuştular. Tipik olarak takım elbise ve kravatlarla görünürler, uzun süreler boyunca statik duruşlar benimserler, ancak ara sıra hareket, metin okuma veya kendilerini daha büyük toplantılara ve kurulumlara entegre ederler. Gilbert & heykelsi çalışmalarının ötesinde; George resimsel çalışmalar, kolajlar ve fotomontajlar üretti. Bunlar genellikle sanatçıları yakın çevrelerinden çeşitli nesnelerin yanında yer alıyor; kent kültürüne göndermeler içeriyor ve cinsiyet, ırk, ölüm ve HIV, din ve politika gibi güçlü temalara değiniyor, sıklıkla İngiliz hükümetini ve yerleşik güç yapılarını eleştiriyor. En üretken ve iddialı projeleri arasında Union Jack'in kırmızı, beyaz ve mavi renklerinin yaygın varlığıyla karakterize edilen Jack Freak Pictures yer alıyor. Gilbert & George'un çalışmaları dünya çapında Eindhoven'daki Stedelijk van Abbemuseum (1980), Londra'daki Hayward Gallery (1987) ve Tate Modern (2007) gibi kurumlarda sergilendi. Ayrıca Venedik Bienali'ne katıldılar ve 1986'da Turner Ödülü'ne layık görüldüler.

Dayanıklılık Sanatı

Dayanıklılık performans sanatı, trans halleri, fiziksel acı, yalnızlık, özgürlüğün kısıtlanması, sosyal izolasyon ve aşırı yorgunluk gibi temaları araştırıyor. Uzun süreli performanslar sıklıkla uzun süreli çalışmalar olarak sınıflandırılır. Bu sanatsal türün önde gelen isimlerinden Chris Burden, 1970'ler boyunca bu yaklaşımın öncülüğünü yaptı. Dikkate değer eserleri arasında Beş Günlük Dolap Parçası (1971) adlı eserinde beş gün boyunca bir okul dolabında hapsedilmesi yer alıyordu; Vur (1971) filminde kurşunla yaralandı; Bed Piece (1972) için ise art arda yirmi iki gün boyunca bir sanat galerisinde yatakta kaldı. Tehching Hsieh bir başka önemli dayanıklılık sanatçısını temsil ediyor. 1980-1981 performansı Zaman Saati Parçası'nda Hsieh, stüdyosundaki bir zaman saatinin yanında kendisini fotoğraflayarak tam bir yıl boyunca kendisini saatlik olarak belgeledi. Hsieh aynı zamanda özgürlükten yoksun bırakmayı, özellikle de tam bir yılı hapiste geçirmeyi araştıran çalışmalarıyla da tanınıyor. Bryan Lewis Saunders, uzun süreli performansın bir başka uygulayıcısıdır; Devam eden projesi Etki Altında (1995'ten günümüze), değişen algı durumlarını deneyimlerken günlük otoportreler üretmeyi içeriyor. Ayrıca, 30 Days Totally Blind (2018) filminde, bir ay boyunca kendi kendine körlük yaşadı ve bu süre boyunca günlük otoportre pratiğini sürdürdü. Marina Abramović, Okyanus Manzaralı Ev'de (2003), on iki gün boyunca aç kalmadan sessiz bir yaşam sürdürmüştü. "Dokuz Hapis" veya "Özgürlüğün Yoksunluğu", sanatçı Abel Azcona'nın 2013 ile 2016 yılları arasında gerçekleştirdiği bir dizi kavramsal dayanıklılık performansından oluşuyor ve her bir parça, özgürlüğün meşru olmayan şekilde kısıtlanmasını inceliyor.

Performans Sanatının Siyasi Boyutları

1970'lerin ortalarında, Budapeşte, Kraków, Belgrad, Zagreb ve Novi Sad dahil olmak üzere Demir Perde'nin arkasındaki önemli Doğu Avrupa şehirlerinde deneysel manzara sanatları hızla çoğaldı. Hâkim siyasi ve toplumsal kontrollere karşı çok sayıda sanatçı, açık siyasi temalara sahip performans çalışmaları geliştirdi. Orshi Drozdik'in performans serisi Bireysel Mitoloji (1975–77) ve NudeModel (1976–77) bu eğilimin örnekleridir. Sanatsal müdahaleleri, sanatta yaygın olan ataerkil söylemi sürekli olarak eleştirdi ve kökleri ataerkil yapılardan kaynaklanan, devletin dayattığı özgürleşme programlarına meydan okudu. Drozdik'in çalışmaları bu konularda öncü bir feminist bakış açısı sergiledi ve onu Doğu Avrupa'da eleştirel sanatın önemli bir öncüsü haline getirdi. Performans sanatının geçici doğası, 1970'lerde Doğu Avrupa avangardında, özellikle de düzinelerce sanatçının insan bedeni üzerine kavramsal ve eleştirel araştırmalar yaptığı Polonya ve Yugoslavya'da güçlü varlığına katkıda bulundu.

Diğer

1970'lerin ortasında Ulay ve Marina Abramović Amsterdam'da Öteki kolektifini kurdu. İşbirlikleri öncelikle ego ve sanatsal kimlik kavramlarını araştırdı ve on yıllık ortak sanatsal çabaları başlattı. Her iki sanatçı da kültürel miraslarına ve insanın ritüel uygulamalara olan arzusuna ilgi duyuyordu. Öteki içinde, derin bir güven ilişkisini teşvik eden birleşik bir görünüm ve tavır benimsediler. Çalışmaları genellikle vücutlarının izleyiciler için etkileşimli alanlar yaratmasını içeriyordu. Örneğin, Uzaydaki İlişki'de, bir odanın etrafında koşuyorlar, iki gezegen figürünü bünyesinde barındırıyorlar, eril ve dişil enerjileri "o benlik" adını verdikleri üçüncü bir varlıkta birleştiriyorlardı. Relation in Movement (1976) filminde ikili, arabalarını bir müzenin içinde sürdüler ve 365 tur tamamladılar. Araçtan siyah bir sıvı damlayarak bir heykel oluşturuyordu ve her dönüşü bir yılı simgeliyordu. Daha sonra, dudaklarını birleştirdikleri ve oksijen tükenene kadar birbirlerinin nefesini içlerine çektikleri Breathing In/Breathing Out performansını yarattılar. Performansın tam 17. dakikasında her iki sanatçı da akciğerlerinde karbondioksit birikmesi nedeniyle bilinçlerini kaybetti. Bu eser, bir bireyin bir başkasının canlılığını özümseme, dönüştürme ve potansiyel olarak azaltma kapasitesi kavramını araştırıyordu. Birkaç yıl süren gergin bir ilişkinin ardından 1988'de Abramović ve Ulay, kolektif çalışmalarını manevi bir yolculukla tamamlamaya karar verdiler. Zıt uçlardan başlayıp yarı yolda buluşarak Çin Seddi'ni geçtiler. Abramović bu yürüyüşü bir rüyasında tasavvur etti ve bunu, mistisizm, enerji ve karşılıklı çekimle karakterize edilen ilişkilerinin uygun ve romantik bir sonucu olarak algıladı. Ulay yolculuğuna Gobi Çölü'nden, Abramović ise Sarı Deniz'den başladı. Her sanatçı 2.500 kilometre yürüdü, ortada birleşti ve veda etti.

Öne Çıkan Performans Sanatçıları

1973'te Laurie Anderson, New York sokaklarında Buzda Düetler gerçekleştirdi. Eş zamanlı olarak Marina Abramović'in Rhythm 10 performansı kavramsal olarak bedensel ihlali ele aldı. Otuz yıl sonra tecavüz, utanç ve cinsel sömürü temaları Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko ve Rebecca Patek gibi çağdaş sanatçıların eserlerinde yeniden incelendi. Öncü sanatçılar radikal eylemleriyle kendilerini performans sanatının önemli figürleri olarak kabul ettirdiler. Örnekler arasında Chris Burden'ın 1971 tarihli, bir asistanın onu beş metre uzaktan kolundan vurduğu Shoot adlı çalışması ve aynı yıl Vito Acconci'nin Seedbed adlı eseri sayılabilir. Carolee Schneemann'ın Eye Body (1963) adlı eseri zaten performans sanatının erken bir prototipi olarak kabul edilmişti. 1975'te Schneemann, kadın bedenini sanatsal bir araç olarak kullanan Interior Scroll gibi yenilikçi solo performansları daha da araştırdı.

İtalyan asıllı Fransız sanatçı Gina Pane, performans sanatının önde gelen isimlerinden biriydi. 1960-1965 yılları arasında Paris'teki Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts'ta eğitim gördü ve 1970'lerde "Art Corporel" olarak bilinen Fransız performans sanatı hareketinin aktif bir katılımcısı oldu. Pane, sanatsal pratiğiyle eş zamanlı olarak 1975'ten 1990'a kadar Mans'taki École des Beaux-Arts'ta ders verdi ve 1978'den 1979'a kadar Pompidou Merkezi'nde performans sanatına adanmış bir atölyeyi yönetti. En tanınmış eserleri arasında yanan mumların üzerine yerleştirilmiş metal bir yatak yayı üzerinde yattığı Şartlanma (1973) yer alır. Bu parça daha sonra Marina Abramović'e saygı duruşu niteliğinde yeniden icra edildi ve New York City'deki Solomon R. Guggenheim Müzesi'nde onun Yedi Kolay Parça (2005) adlı eserinin bir parçasını oluşturdu. Pane'in yapıtlarının önemli bir kısmı, kendisini 1970'lerin diğer birçok kadın sanatçısından ayıran, kendine verdiği acıyı içeriyordu. Pane, cildini jiletle kesmek veya çıplak elleri ve ayaklarıyla alevleri söndürmek gibi eylemlerle izleyicide gerçek bir deneyim yaratmayı ve rahatsızlığa karşı içgüdüsel bir tepki yaratmayı amaçladı. Bu ilk performans parçalarının ya da kendisinin tercih ettiği şekliyle "eylemlerin" etkileyici doğası, çoğu zaman onun üretken fotoğraf ve heykel çalışmalarını gölgede bıraktı. Yine de beden, ister kelimenin tam anlamıyla ister kavramsal olarak incelensin, Pane'in sanatında merkezi tematik konu olmaya devam etti.

1980'ler

Performans Sanatı Teknikleri

Performans sanatının 1980'lerden önceki ilk özelliği, ustalığın gizemini ortadan kaldırmasıydı. Ancak 1980'lerden başlayarak disiplin, teknik dehanın unsurlarını bünyesine katmaya başladı. Dans eleştirmeni Sally Banes, Philip Auslander'ın Presence and Resistance adlı eserine yaptığı yorumda bu değişimi gözlemliyor. Banes, 1980'lerin sonunda performans sanatının o kadar yaygın bir kabul görmeye başladığını ve açık bir tanımın gereksiz hale geldiğini belirtiyor. Kitle kültürü, özellikle televizyon, performans sanatının çoğu için giderek hem yapısal çerçeveler hem de tematik içerik sağlıyordu. Ayrıca Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe ve Ann Magnuson gibi birçok performans sanatçısı ana akım eğlenceye başarıyla geçiş yaptı. Bu on yıl boyunca performans sanatını iyileştirmeyi ve mükemmelleştirmeyi amaçlayan spesifik parametreler ve teknik metodolojiler oluşturuldu.

Performans Sanatına Yönelik Eleştirel Analiz ve Bilimsel Araştırma

Çok sayıda performans, uzmanlaşmış bir sanat dünyası topluluğunun sınırları içinde gerçekleşirken Roselee Goldberg, Performans Sanatı: Fütürizmden Günümüze adlı eserinde "performansın doğrudan geniş bir kitleye hitap etmenin yanı sıra izleyicileri kendi sanat anlayışlarını ve kültürle olan ilişkisini yeniden değerlendirmeleri konusunda şok etmenin bir yolu olduğunu" vurguluyor. Tersine, özellikle 1980'lerde halkın bu araçla etkileşimi, sanat dünyasına erişme, onun ritüellerini ve benzersiz topluluğunu gözlemleme ve sanatçıların sürekli olarak alışılmadık ve şaşırtıcı sunumlarıyla karşılaşma arzusundan kaynaklanıyor gibi görünüyordu. Bu on yıl aynı zamanda performans sanatına ve onun önde gelen uygulayıcılarına adanmış yayınların ve antolojilerin çoğalmasına da tanık oldu.

Siyasi Çerçevede Performans Sanatı

1980'lerin politik iklimi, eleştirel ve politik söylem içeren neredeyse tüm çalışmaların bu disiplin içinde yer alması nedeniyle, özellikle performans sanatı olmak üzere sanatsal gelişimi önemli ölçüde etkiledi. 1980'lerin sonlarında Avrupa Doğu Bloku'nun dağılmasından önce, çoğu komünist hükümet performans sanatını aktif olarak bastırıyordu. Polonya ve Yugoslavya'nın dikkate değer istisnaları dışında, bağımsız halka açık toplantılara şüpheyle bakılan ülkelerde performans sanatı büyük ölçüde yasaklanmıştı. Alman Demokratik Cumhuriyeti (GDR), Çekoslovakya, Macaristan ve Letonya'da bu tür performanslar özel apartman daireleriyle, görünüşte spontane sanatçı stüdyosu toplantılarıyla, kilisenin denetlediği ortamlarla sınırlıydı ya da fotoğraf çekimleri gibi başka etkinlikler olarak gizleniyordu. Batılı kavramsal çerçevelerden kopuk, farklı ortamlardaki bu performanslar, şakacı protestolardan keskin eleştirilere kadar uzanıyor ve mevcut siyasi koşullara karşı muhalefeti ifade etmek için yıkıcı metaforlar kullanıyor. Bu dönemin politik açıdan en dikkate değer performans sanatı eserleri arasında Tehching Hsieh'nin Temmuz 1983 ile Temmuz 1984 arasında gerçekleştirdiği Sanat/Hayat: Bir Yıllık Performans (Halat Parçası) vardı.

Performans Şiiri

"Şiir" ve "performans" terimleri ilk kez 1982'de birleştirildi. Performans şiiri, metin merkezli vokal sunumlarını daha geniş performans sanatından, özellikle de o dönemde müziği pratiğine dahil eden Laurie Anderson gibi manzara ve müzikal performans sanatçılarının çalışmalarından ayırmak için ayrı bir kategori olarak ortaya çıktı. Performans şairleri genellikle resim ve heykel gibi görsel sanat disiplinlerinden gelen performans sanatçılarına göre şiirlerinde retorik ve felsefi ifadeyi daha fazla vurgulamışlardır. John Cage'in öncü çalışmasından bu yana çok sayıda sanatçı, performansı temel şiirsel duyarlılıkla bütünleştirdi.

Feminist Performans Sanatı

Los Angeles'taki Kadın Binası'nda yer alan Feminist Stüdyo Atölyesi, 1973'te başlayan feminist sanatsal eylemlerin filizlenen dalgasını önemli ölçüde etkiledi; ancak feminizm ile performans sanatının tam bir entegrasyonu 1980'e kadar tam olarak gerçekleşmedi. Bu iki alanın yakınsaması sonraki on yıl boyunca önemli ölçüde ilerledi. Özellikle, performans sanatının gelişiminin ilk yirmi yılında yaratılan pek çok eser, başlangıçta feminist olarak kavramsallaştırılmamış olsa da, artık geriye dönük olarak feminist bir bakış açısıyla yorumlanıyor.

Sanatçılar 1980 yılına kadar kendilerini açıkça feminist olarak tanımlamıyordu. Tanınmış sanatçı grupları, hem 1968 öğrenci hareketinden hem de daha geniş feminist hareketten önemli ölçüde etkilenen kadınlara yer veriyordu. Çağdaş sanat tarihi araştırmaları bu karşılıklı ilişkiyi kapsamlı bir şekilde araştırdı. Sanatsal temsillere ve sergilere yenilikçi katkılar sunan önemli isimler arasında 1985 yılında New York'ta kurulan isimsiz bir feminist ve ırkçılık karşıtı sanat kolektifi olan Pina Bausch ve Guerrilla Girls yer alıyordu. Seçtikleri isim, sanat dünyasında kadınlara karşı ayrımcılığı ifşa etmek için politik ve performans sanatından yararlanarak aktivizmde gerilla taktiklerini kullanmalarını yansıtıyordu. İlk performanslar, cinsiyet ve ırk ayrımcılığını eleştirel bir şekilde ele alan posterlerin yerleştirilmesini ve New York müzeleri ve galerilerinde halka açık gösteriler yapılmasını içeriyordu. Bu eylemler, üyelerin kimliklerini goril maskeleri arkasına gizleyerek anonim olarak gerçekleştirildi; bu, "goril" ve "gerilla" arasındaki fonetik benzerliğe atıfta bulunan bir seçimdir. Takma ad olarak ölen kadın sanatçıların adlarını kullandılar. 1970'ler ve 1980'ler arasında, geleneksel temsil stratejilerine meydan okuyan önemli çalışmalar sıklıkla kadın bedenine odaklanıyordu. Örnekler arasında Ana Mendieta'nın bedeni ihlal edilmiş ve istismar edilmiş olarak tasvir eden New York merkezli parçaları ve Louise Bourgeois'in 1970'lerin sonlarında ve 1980'lerde ortaya çıkan minimalist bir söylemle karakterize edilen sanatsal temsilleri yer alıyor. Özellikle, Lynda Benglis'in fallik performans eylemleri gibi kadınsı ve feminist bedenselliği araştıran çalışmalar, kadın imajını salt fetişleştirmenin ötesinde yeniden yapılandırmayı amaçladı. Feminist performans sanatı böylece bedeni yeni söylemler ve yorumlar geliştirmek için önemli bir alana dönüştürdü. 1970'ler ve 1980'lerde aktif bir sanatçı olan Eleanor Antin cinsiyet, ırk ve sınıf temalarını araştırdı. Cindy Sherman, 1970'lerdeki ilk çalışmalarından 1980'lerdeki sanatsal olgunluğuna kadar, bedeni ayrıcalıklı bir araştırma nesnesi olarak kullanarak dayatılan benliği altüst etmeye yönelik eleştirel bir yaklaşımı sürdürdü.

Cindy Sherman Amerikalı bir fotoğrafçı ve sanatçıdır. Savaş sonrası dönemin en etkili sanatçılarından biri olarak kabul edilen sanatçının otuz yılı aşkın bir süredir yaptığı çalışmalar Modern Sanat Müzesi'nde (MoMA) sergilendi. Performatif fotoğraflarının çoğunda yer almasına rağmen bunları otoportre olarak sınıflandırmaz. Sherman, kendi imajını, kadınların toplumsal rolleri, medya temsilleri ve sanatsal yaratımın temel doğası dahil olmak üzere çok çeşitli çağdaş temaları keşfetmek için bir kanal olarak kullanıyor. 2020'de Wolf Sanat Ödülü'nü aldı.

Judy Chicago, Amerikalı bir sanatçı ve feminist ve performans sanatında öncü bir figür. Chicago, kadınların tarih ve kültürdeki rollerini incelemek için doğum ve yaratılış temalarını araştıran büyük ölçekli ortak sanat enstalasyonlarıyla ünlüdür. 1970'lerde Chicago, Amerika Birleşik Devletleri'nde ilk feminist sanat programını kurdu. Sanatsal pratiği, dikiş gibi çeşitli becerileri, genellikle kaynak ve piroteknik gibi emek yoğun tekniklerle yan yana getiriyor. Chicago'nun en ünlü eseri, Brooklyn Müzesi içindeki Elizabeth A. Sackler Feminist Sanat Merkezi'ne kalıcı olarak yerleştirilen Akşam Yemeği Partisi'dir. Akşam Yemeği Partisi kadınların tarihi başarılarını anıyor ve geniş çapta ilk destansı feminist sanat eseri olarak kabul ediliyor. Diğer önemli projeler arasında Uluslararası Onur Yorganı, Birth Project Powerplay ve The Holocaust Project

Kanadalı lezbiyen sanat kolektifi Kiss & Persimmon Blackbridge (d.1951), Lizard Jones (d.1961) ve Susan Stewart'tan (d.1952) oluşan Tell, queer feminizmini çeşitli performans sanatlarını kapsayan yaratıcı uygulamalarına entegre ediyor. Performansları, izleyicilerin ilgisini çekmek ve onlarla bağlantı kurmak için hikaye anlatımı, fotoğraf, video ve müziğin bir karışımı yoluyla sunulan monologlar, itiraflar ve mizahi anekdotlar içeriyordu. Öp ve Öp; Tell, Emmy Hennings, Carolee Schneemann, Martha Rosler ve Guerrilla Girls gibi çeşitli performans sanatçılarından ilham aldı.

Latin Amerika'ya genişleme.

Bu on yıl boyunca performans sanatı, öncelikle üniversiteler ve akademik kurumlar tarafından sunulan atölye çalışmaları ve programların yardımıyla Latin Amerika'ya yayıldı. Gelişimi özellikle Maria Teresa Hincapié gibi sanatçıların yer aldığı Meksika, Kolombiya, Brezilya ve Arjantin'de dikkat çekiciydi.

Küba'da doğup Amerika Birleşik Devletleri'nde büyüyen kavramsal ve performans sanatçısı Ana Mendieta, arazi sanatı enstalasyonları ve performans eserleriyle önemli bir beğeni topladı. Başlangıçta Mendieta'nın eserleri öncelikle feminist sanat eleştirisi içinde kabul ediliyordu. Ancak ölümünü takip eden yıllarda, özellikle 2004 Whitney Museum of American Art retrospektifi ve Londra'daki 2013 Haywart Gallery retrospektifinden sonra, performans sanatı, vücut sanatı, arazi sanatı, heykel ve fotoğrafçılık alanlarında öncü bir figür olarak geniş çapta tanındı. Mendieta, kendine özgü sanatsal pratiğini toprak-beden sanatı olarak nitelendirdi.

Tania Bruguera, performans sanatı ve politik sanatta uzmanlaşan, öncelikle politik ve sosyal temaları yorumlayan Kübalı bir sanatçıdır. İzleyici tepkisi ve davranışıyla ilişkili olarak dil ve bedenin sınırlarını araştıran sanatsal uygulamaları tasvir etmek için "sanat yürütmeyi" kavramsallaştırdı. Ayrıca Bruguera, toplumun belirli siyasi ve hukuki boyutlarında dönüşümleri teşvik etmeyi amaçlayan "yararlı sanat" kavramını da tanıttı. Çalışmaları sık sık güç ve kontrol temalarını ele alıyor ve önemli bir kısmı memleketi Küba'daki çağdaş koşulları eleştirel bir şekilde inceliyor. 2002 yılında Havana'da Cátedra Arte de Conducta'yı kurdu.

Regina José Galindo, çalışmaları açık politik ve eleştirel içeriğiyle öne çıkan ve kendi bedenini yüzleşme ve toplumsal dönüşüm için bir araç olarak kullanan Guatemalalı bir performans sanatçısıdır. Sanatsal gidişatı, önemli sayıda yerli halk, çiftçi, kadın ve çocuk da dahil olmak üzere 200.000'den fazla kişinin soykırımıyla sonuçlanan Guatemala İç Savaşı'ndan (1960–1996) derinden etkilendi. Galindo, sanatı aracılığıyla şiddeti, cinsiyetçiliği (kadın cinayetlerinin öne çıkan bir tema olduğu), Batılı güzellik standartlarını, devlet baskısını ve gücün kötüye kullanılmasını, her ne kadar sanatsal söylemi coğrafi sınırları aşsa da, özellikle kendi ulusal bağlamında eleştirir. Başlangıçta vücudunu yalnızca bir araç olarak kullandı, bazen onu aşırı durumlara itti; örneğin, kendisine Venedik Bienali'nde Altın Aslan kazandıran kızlık zarı rekonstrüksiyonunu içeren Himenoplasty (2004) performansında olduğu gibi. Daha sonra gönüllüleri veya işe alınan katılımcıları bünyesine katmaya başladı ve böylece performansın sonucu üzerindeki kontrolden feragat etti.

1990'lar

1990'lar, geleneksel Avrupa performans sanatının görünürlüğünün azaldığı bir dönem oldu ve birçok sanatçının dikkat çekmemesine yol açtı. Tersine, Doğu Avrupa performans sanatında önemli bir artışa tanık oldu. Eş zamanlı olarak Latin Amerika performans sanatı ve feminist performans sanatı da genişlemeye devam etti. Disiplin ayrıca, kökenlerinin 1950'lerdeki Butō dansına kadar izlenebildiği Asya ülkelerinde de bir zirve yaşadı; Ancak bu on yılda profesyonelleşme sürecinden geçti ve yeni Çinli sanatçılar önemli ölçüde tanındı. Bu dönemde aynı zamanda performans sanatının daha geniş bir profesyonelleşmesine tanık olundu; bu, özel sergilerdeki artış ve Anne Imhof, Regina José Galindo ve Santiago Sierra gibi pek çok uygulayıcının Leone d'Oro ödülüne layık görüldüğü Venedik Sanat Bienali'ne performans sanatının dahil edilmesiyle kanıtlanmıştır.

Siyasi Bağlamda Performans Sanatı

Sovyet Bloku'nun dağılmasıyla birlikte, daha önce yasaklanan performans sanatı eserleri daha geniş çapta dolaşıma girmeye başladı. Rusya da dahil olmak üzere eski Doğu Bloku'ndaki genç sanatçılar performans sanatıyla giderek daha fazla ilgileniyor. Eş zamanlı olarak Küba, Karayipler ve Çin'de performans da dahil olmak üzere doğal sanatlar ortaya çıktı. Akademisyenlerin belirttiği gibi, "Bu bağlamlarda performans sanatı, altmışlı yıllarda ve yetmişli yılların başlarında Batı Avrupa, Amerika Birleşik Devletleri ve Güney Amerika'dakine benzer toplumsal güce sahip yeni bir eleştirel ses haline geldi. Performans sanatının 1990'larda Doğu Avrupa, Çin, Güney Afrika, Küba ve diğer yerlerdeki yükselişinin ikincil veya Batı'nın bir taklidi olarak görülmemesi gerektiği vurgulanmalıdır."

Performans Sanatının Profesyonelleşmesi

1990'larda performans sanatı Batı dünyasında ana akım entegrasyona ulaştı. Canlı sunumları, fotografik dokümantasyonu ve diğer kayıtları kapsayan çeşitli performans sanat eserleri, performans sanatını giderek ayrı bir sanatsal disiplin olarak kabul eden galerilere ve müzelere dahil edilmeye başlandı. Bununla birlikte, önemli kurumsallaşma öncelikle takip eden on yılda, Londra'daki Tate Modern, New York City'deki MoMA ve Paris'teki Pompidou Center gibi büyük müzelerin koleksiyonları için performans sanatı satın almaya ve kapsamlı sergiler ve retrospektifler düzenlemeye başlamasıyla gerçekleşti. Eş zamanlı olarak, 1990'lardan itibaren giderek artan sayıda performans sanatçısı, aralarında Venedik Bienali, São Paulo Bienali ve Lyon Bienali'nin de bulunduğu prestijli bienallere davet aldı.

Çin'de Performans Sanatı

Çin çağdaş ve performans sanatı, 1990'ların sonlarında, özellikle 19 Çinli sanatçının Venedik Bienali'ne davet edilmesiyle önemli ölçüde uluslararası tanınırlık kazandı. Çin'de performans sanatı 1970'lerden bu yana sanata, sürece ve geleneğe duyulan kültürel ilginin etkisiyle gelişirken, 1990'lardan itibaren daha geniş çapta tanınır hale geldi. 1990'ların başında Çin performans sanatı uluslararası sanat camiasında çoktan beğeni toplamıştı. Yurt içinde artık güzel sanatlar eğitim programlarına entegre ediliyor ve popülaritesi artmaya devam ediyor.

2000'lerden Bu Yana Gelişmeler

Yeni Medya Performansı

1990'ların sonlarından 2000'li yıllara kadar çok sayıda sanatçı, World Wide Web, dijital video, web kameraları ve medya akışı gibi yeni teknolojileri performans sanatlarına entegre etti. Coco Fusco, Shu Lea Cheang ve Prema Murthy gibi uygulayıcılar internet bağlamında cinsiyet, ırk, sömürgecilik ve beden arasındaki etkileşimi inceleyen çalışmalar yarattılar. Eş zamanlı olarak Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theatre ve Yes Men gibi gruplar, çağdaş kapitalizm ve tüketimcilikle ilgili siyasi kaygıları ele almak için hacktivizm ve müdahalecilikle ilişkilendirilen dijital teknolojilerden yararlandı.

2000'lerin ikinci yarısında, algoritmik sanatın, üretken sanatın ve robotik sanatın gelişimini teşvik eden bilgisayar destekli performans sanatı biçimleri ortaya çıktı. Bu yenilikçi formlarda, bilgisayarın kendisi veya bilgisayar kontrollü bir robot, sanatçının rolünü üstleniyor.

Amerika Birleşik Devletleri'nde yaşayan disiplinler arası Kübalı-Amerikalı sanatçı, yazar ve küratör Coco Fusco, sanat kariyerine 1988 yılında başladı. Pratiği öncelikle kimlik, ırk, güç ve cinsiyet temalarını araştırdığı performansı içeriyor. Ayrıca eserleri arasında videolar, etkileşimli enstalasyonlar ve eleştirel yazılar yer alıyor.

Radikal Performans Sanatı

2000'li ve 2010'lu yıllar boyunca aralarında Pussy Riot, Tania Bruguera ve Petr Pavlensky'nin de bulunduğu çok sayıda performans sanatçısı, çeşitli sanatsal müdahaleleri nedeniyle soruşturmayla karşı karşıya kaldı.

Pussy Riot

21 Şubat 2012'de, Pussy Riot sanat kolektifinin üyeleri, bir Rus Ortodoks Kilisesi olan Moskova'nın Kurtarıcı İsa Katedrali'ne girerek Vladimir Putin'in yeniden seçilmesine karşı bir protesto düzenlediler. İçeride "Meryem Ana, Putin'i Uzaklaştırın" sloganıyla şarkı ve dans gösterisi yaptılar, türbenin önünde haç işareti yapıp eğildiler. Gözaltına alınmaları 3 Mart'ta gerçekleşti. Aynı gün, Pussy Riot üyesi oldukları belirlenen Maria Alyokhina ve Nadezhda Tolokonnikova, Rus yetkililer tarafından tutuklandı ve vandalizmle suçlandı. Başlangıçta her ikisi de grup üyeliğini reddetti ve Nisan ayında duruşmaları başlayana kadar hapsedilmelerini ve çocuklarından ayrılmalarını protesto ederek açlık grevi başlattı. 16 Mart'ta, daha önce tanık olarak sorgulanan Yekaterina Samutsévitch de tutuklandı ve suçlandı.

5 Temmuz'da grup hakkında 2.800 sayfalık iddianameyle birlikte resmi suçlamalarda bulunuldu. Eş zamanlı olarak kendilerine savunmalarını hazırlamak için 9 Temmuz'a kadar süreleri olduğu bildirildi. Buna karşılık, savunma hazırlığı için iki günlük sürenin yetersiz olduğunu öne sürerek açlık grevi ilan ettiler. 21 Temmuz'da mahkeme tutukluluk süresini altı ay daha uzattı. Siyasi Tutuklularla Dayanışma Birliği daha sonra tutuklu üç üyeyi siyasi tutuklu olarak tanıdı. Uluslararası Af Örgütü de "Rus yetkililerin tepkisinin ciddiyetini" gerekçe göstererek bu kişileri düşünce mahkumu olarak tanımladı.

Diğer Örnekler

2012'den beri sanatçı Abel Azcona, birçok sanatsal eseriyle ilgili olarak yasal işlemlerle karşı karşıya kaldı. En çok kamuoyuna duyurulan yasal işlem, Katolik Kilisesi adına hareket eden Pamplona ve Tudela Başpiskoposluğu tarafından başlatıldı. Kilise, Azcona'yı özellikle Amin veya Pederasty başlıklı çalışmasıyla ilgili olarak saygısızlık, küfür, nefret suçu ve dini özgürlük ve duyguları ihlal etmekle suçladı. Daha sonra 2016 yılında Azcona, Natura Morta sergisi nedeniyle terörü yücelttiği suçlamalarıyla karşı karşıya kaldı. Bu sergide performanslar, hipergerçekçi heykeller ve şiddet, tarihsel hafıza, terörizm ve silahlı çatışma senaryolarını tasvir eden enstalasyonlar yer alıyordu.

Aralık 2014'te Tania Bruguera, görünüşte yeni protesto odaklı sanat eserlerinin icrasını engellemek için Havana'da tutuklandı. Performans sanatı sürekli olarak ciddi eleştirilere maruz kaldı ve bu da direnişi ve toplumsal karışıklığı kışkırtma suçlamalarına yol açtı. Aralık 2015 ile Ocak 2016 arasında Bruguera, Havana'daki Plaza de la Revolución'da halka açık bir gösteri düzenlediği için tekrar gözaltına alındı. Tutuklanması, Raúl Castro ve Barack Obama'nın diplomatik ilişkilerin yeniden kurulmasına ilişkin duyurularının ardından ortaya çıkan Yo También Exijo kampanyasına katılan diğer Kübalı sanatçılar, aktivistler ve gazetecilerle birlikte gerçekleşti. El Susurro de Tatlin #6 başlıklı performans için Bruguera, Plaza de la Revolución'a mikrofonlar ve hoparlörler yerleştirerek Küba vatandaşlarının gelişen siyasi manzaraya ilişkin bakış açılarını ifade etmelerine olanak sağladı. Bu etkinlik, Times Meydanı'nda El Susurro de Tatlin #6'nin sunumu da dahil olmak üzere uluslararası medyanın büyük ilgisini çekti. Dahası, çok sayıda sanatçı ve entelektüel, Raúl Castro'ya dünya çapında binlerce kişi tarafından imzalanan, pasaportunun iadesini talep eden ve tek eyleminin kamusal ifade için bir platform sağlamak olduğu göz önüne alındığında tutukluluğunun cezai bir adaletsizlik teşkil ettiğini öne süren açık bir mektup göndererek Bruguera'nın serbest bırakılmasını savundu.

Petr Pavlensky, radikal performans sanatı eserleri icra ettiği için Kasım 2015'te ve Ekim 2017'de tekrar tutuklandı. Bunlar arasında Rusya Federal Güvenlik Servisi'nin genel merkezi olan Lubyanka Binası'nın girişinin ve ardından Fransa Bankası'nın bir şubesinin ateşe verilmesi de vardı. Her iki durumda da ana girişe benzin döktü; ikinci gösteride ise çakmakla ateşlemeden önce içeriye de sprey sıktı. Sonuç olarak binanın kapılarında kısmi yanık hasarı oluştu. Her iki olayda da Pavlensky direnmeden tutuklandı ve sefahatle suçlandı. Bu eylemlerden birkaç saat sonra internette siyasi ve sanatsal içerikli birçok protesto videosu ortaya çıktı.

Meksikalı transfeminist performans sanatçısı ve sahne adı la Novia Sirena olarak bilinen Lia Garcia, cinsiyete dayalı şiddet ve transseksüel kimliği konularının altını çizmek için dokunma ve kırılganlık temalarını araştırıyor. Çoğunlukla mekâna özgü ortamlarla ilgilenen Garcia'nın Proyecto 10bis (2016-2017) adlı çalışması, Mexico City'deki bir hapishane olan El Reclusorio Norte'deki bir performansı içeriyordu. Quinceañera gibi giyinerek mahkumlarla dans etti ve hapsedilen bireyleri daha geniş halktan izole etmek için tasarlanan kurumsal engellere meydan okumak için fiziksel dokunuşu kullandı.

Performans Sanatının Kurumsallaşması ve Koleksiyon Süreçleri

2000'li yılların başından bu yana büyük müzeler, kültür kurumları ve özel koleksiyonlar performans sanatını giderek daha fazla benimsiyor ve destekliyor. Özellikle Londra'daki Tate Modern, Ocak 2003'te canlı sanat ve performansa yönelik küratörlü bir program başlattı. Bu programda Tania Bruguera ve Anne Imhof gibi önde gelen sanatçıların sergileri yer aldı. Tate Modern, 2012 yılında önemli bir modern ve çağdaş sanat müzesinde performans, film ve enstalasyon sanatına ayrılmış ilk alanları kurarak The Tanks'ın açılışıyla bu bağlılığını daha da sağlamlaştırdı.

Modern Sanat Müzesi, 14 - 31 Mart 2010 tarihleri arasında MoMA tarihindeki en büyük performans sanatı sergisine damgasını vuran, Marina Abramović'in eserlerinin önemli bir retrospektif ve performans rekreasyonuna ev sahipliği yaptı. Bu sergide sanatçının ağırlıklı olarak 1960 ile 1980 yılları arasındaki döneme ait yirmiden fazla eseri yer aldı. Dikkate değer bir nokta da, etkinlik için özel olarak seçilmiş çeşitli genç uluslararası sanatçılardan oluşan bir grup tarafından birçok eserin yeniden etkinleştirilmesiydi. Sergiyle eş zamanlı olarak Abramović, müzenin avlusunda hareketsiz kaldığı, izleyicileri sırayla karşısına oturmaya davet ettiği 726 saat 30 dakikalık statik, sessiz bir performans olan Sanatçı Var'ı sundu. Bu çalışma, Abramović'in sanatsal ve romantik ortağı Ulay ile birlikte tam gün geçirdiği sergide yer alan 1970 tarihli bir eserin güncellenmiş bir yorumuydu. Performans, medyanın büyük ilgisini çekti ve aralarında Björk, Orlando Bloom ve James Franco'nun da bulunduğu ünlü katılımcıların ilgisini çekti.

Performans sanatının giderek kurumsallaşmasının ortasında, Liv Vaisberg ve Will Kerr'in ortak kurduğu Bruxelles merkezli girişim A Performance Affair ve Londra merkezli Performance Exchange formatı, performans çalışmalarının toplanabilirliğini araştırıyor. Ayrıca Avusturya müze ve kültür merkezi OÖLKG/OK, ilk kez Haziran 2022'de sunulan The Non-Fungible Body? adlı söylemsel festival formatı aracılığıyla performansın kurumsallaşmasındaki son gelişmeleri araştırdı.

Performans Sanatında Kolektif Savunuculuk

2014 yılında, "yatak performansı" olarak da bilinen Carry That Weight performans sanatı eseri, sanatçı Emma Sulkowicz tarafından New York City'deki Columbia Üniversitesi'ndeki görsel sanatlar tez projesi kapsamında yaratıldı. Gösteri Eylül 2014'te Sulkowicz'in yatağını Columbia Üniversitesi kampüsü boyunca taşımasıyla başladı. Sanatçı bu çalışmayı, yıllar önce yurtta yaşadığı, ihbar ettiği ancak üniversiteden ya da yasal mercilerden herhangi bir çözüm alamadığı adressiz bir tecavüzü protesto etmek için tasarladı. Sonuç olarak, Mayıs 2015'teki mezuniyet törenine kadar tüm dönem boyunca yatağı sürekli olarak taşımayı taahhüt etti. Bu eser önemli tartışmalara yol açarken, aynı zamanda yatağı taşıma konusunda periyodik olarak Sulkowicz'e katılan çok sayıda meslektaş ve aktivistten de destek alarak çalışmayı uluslararası düzeyde tanınan bir protesto eylemine dönüştürdü. Sanat eleştirmeni Jerry Saltz, bu sanat eserini 2014'ün en önemli sanat eserlerinden biri olarak tanımladı.

2019'da kolektif performans sanatı eseri Yolunuzdaki Bir Tecavüzcü, Valparaíso, Şili'den feminist bir grup olan Lastesis tarafından geliştirildi. Bu çalışma, 2019-2020 Şili protestoları bağlamında kadın hakları ihlallerine karşı bir gösteri işlevi gördü. Açılış performansı 18 Kasım 2019'da Valparaíso'daki Carabineros de Chile İkinci Polis Karakolunun önünde gerçekleşti. Daha sonra 25 Kasım 2019'da 2.000 Şilili kadının katıldığı, Kadına Yönelik Şiddete Karşı Uluslararası Mücadele Günü'ne denk gelen bir performans filme alındı ​​ve sosyal medyada viral hale geldi. Performansın etkisi, düzinelerce ülkedeki feminist hareketlerin bunu kendi protestoları ve diğer konuların yanı sıra kadın cinayetleri ve cinsel şiddetin durdurulması ve cezalandırılması talepleri için benimseyip tercüme etmesiyle dünya çapında genişledi.

Referanslar

Referanslar

Kaynakça

• Atkins, Robert (2013). Çağdaş Fikirler, Hareketler ve Moda Sözcükler Kılavuzu, 1945'ten günümüze. Abbeville Basın. ISBN 978-0789211514.Tarihin Meleği. Edebiyat, Tarih ve Kültür. Düzenleyen: Vesa Haapala, Hannamari Helander, Anna Hollsten, Pirjo Lyytikäinen ve Rita Paqvalen. Helsinki: Fin Dili ve Edebiyatı Bölümü, Helsinki Üniversitesi, 2009.
• Bäckström, Per. “Şaraptan Daha Tatlı Öpücükler: Öyvind Fahlström ve Billy Klüver: New York'taki İsveç Neo-Avangard”, Artl@s Bulletin, cilt. 6, hayır. 2, 2017: Göçler, Aktarımlar ve Yeniden Anlamlandırma.
• Bäckström, Per. “Ara Küme. Åke Hodell's Lågsniff”, Acta Universitatis Sapientiae, Dizi Film ve Medya Çalışmaları, de Gruyter, no. 10, 2015.
• Bäckström, Per. '''Alttaki Trompet''. Öyvind Fahlström ve Tekinsiz”, Edda 2017: 2.
• Beisswanger, Lisa. Sergilenen Performans: Müzedeki Canlı Sanat Tarihi Üzerine. Deutscher Kunstverlag, Berlin, 2021. ISBN 978-3-422-98448-6 (orijinal olarak Almanca).
• Beuys Brock Vostell: Aksiyon, Gösteri, Katılım 1949–1983. ZKM – Sanat ve Medya Teknolojisi Merkezi, Hatje Cantz, Karlsruhe, 2014. ISBN 978-3-7757-3864-4.
• Battcock, Gregory ve Robert Nickas (1984). Performans Sanatı: Eleştirel Bir Antoloji. New York: E.P. Dutton. ISBN 0-525-48039-0.
• Carlson, Marvin (1996). Performans: Eleştirel Bir Giriş. Londra ve New York: Routledge. ISBN 0-415-13702-0; ISBN 0-415-13703-9.
• Carr, C. (1993). On Edge: Yirminci Yüzyılın Sonundaki Performans. Wesleyan University Press. ISBN 0-8195-5267-4; ISBN 0-8195-6269-6.
• Dempsey, Amy. Modern Çağda Sanat: Stiller, Okullar ve amp; Hareketler. Harry N. Abrams. ISBN 978-0810941724 (temel bir tanım ve genel bakış sağlar).
• Dreher, Thomas. 1945 Sonrası Performans Sanatı: Aksiyon Tiyatrosu ve Intermedia. Münih: Wilhelm Fink, 2001. ISBN 3-7705-3452-2 (orijinal olarak Almanca).
• Fischer-Lichte, Erika. Performatifin Estetiği. Frankfurt: suhrkamp baskısı, 2004. ISBN 3-518-12373-4 (orijinal olarak Almanca).
• Fischer-Lichte, Erika (2008). Performansın Dönüştürücü Gücü: Yeni Bir Estetik. New York ve Londra: Routledge. ISBN 978-0415458566.Fischer-Lichte, Erika ve Minou Arjomand (2014). Tiyatro ve Performans Çalışmalarına Routledge Giriş. New York: Routledge. ISBN 978-0-415-50420-1.Fischer-Lichte, Erika ve Benjamin Wihstutz (2018). Dönüştürücü Estetik. Oxon ve New York: Routledge. ISBN 978-1-138-05717-3.New York Times, 30 Nisan.
• Schimmel, Paul (ed.) (1998). Eylem Dışı: Performans ve Nesne Arasında, 1949–1979. Thames ve Hudson, Los Angeles. Kongre Kütüphanesi NX456.5.P38 S35 1998.
• Smith, Roberta (2005). "Performans Sanatı Bienali'ne Kavuşuyor." New York Times, 2 Kasım.
• En iyisi Susan. "Ana Mendieta'nın Seri Uzayları." Sanat Tarihi, Nisan 2007.
• En iyisi Susan. "Ana Mendieta: Minyatürleştirmeyi, Duygusal Bağları ve Silueta Serisini Etkileyin." Duyguları Görselleştirme: Duygulanım ve Kadınsı Avangart, 92–115'te. Londra: I.B. Tauris, 2011. ISBN 978-1-78076-709-3.
• Del Valle, Alejandro (2015). "Ana Mendieta Sanatında İlkelcilik." Doktora tezi, Universitat Pompeu Fabra. 18 Kasım 2018 tarihinde kaynağından arşivlendi. Erişim tarihi: 8 Temmuz 2017.Arte, Individuo y Sociedad, 26, no. 1: 508–5523.
• "Ana Mendieta: Dünya Bedeni, Heykel ve Performans 1972–1985." Hirshhorn Müzesi ve Heykel Bahçesi. Geleneksel Güzel Sanatlar Organizasyonu A.Ş.
• Ana Mendieta: Yeni Müze Arşivi.
• Van Langendonck, Katleen (2024). Performans Sanatı: 25 Konuşma. Kraliyet Güzel Sanatlar Akademisi. ISBN 9789490521646.

Canlı Sanat Arşivleri, Bristol Üniversitesi Tiyatro Koleksiyonu.

• Bristol Üniversitesi Tiyatro Koleksiyonu'ndaki Canlı Sanat Arşivleri
• Thomas Dreher: Intermedia Art: Performans Sanatı (ağırlıklı olarak Almanca makaleler).
• "İhlalci ve Deneysel Performanslar." Kristen Hutchinson'ın Kiss & Tell: Lezbiyen Sanatı ve amp; Aktivizm, 2025. Toronto: Kanada Sanat Enstitüsü.