Pop art, 1950'lerin ortalarından sonlarına kadar Birleşik Krallık ve Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkan etkili bir sanat hareketidir. Bu hareket, reklamlar, çizgi romanlar, ürün ambalajları, ünlü figürler ve günlük tüketim eşyaları dahil olmak üzere popüler ve kitle kültüründen gelen görüntüleri resim, heykel ve baskı resim sanatına entegre ederek yerleşik güzel sanat geleneklerine meydan okudu. Sıradan olanı, kitsch'i ve seri üretimi yüksek sanat statüsüne yükselterek pop art, yüksek ve düşük kültür arasındaki ayrımları etkili bir şekilde bulanıklaştırdı. Aynı zamanda sanatçıların mekanik çoğaltma yöntemlerini veya işleme tekniklerini benimsemesiyle de karakterize edilir. Pop art'ta konu bazen görsel olarak tanıdık bağlamından koparılıyor, izole ediliyor veya ilgisiz öğelerle yan yana getiriliyor.
Pop art, 1950'lerin ortalarından sonuna kadar Birleşik Krallık ve Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkan bir sanat hareketidir. Hareket, reklamlar, çizgi romanlar, ürün ambalajları, ünlüler ve günlük tüketim malları dahil olmak üzere popüler ve kitle kültüründen gelen görüntüleri resim, heykel ve baskı resim sanatına dahil ederek güzel sanat geleneklerine bir meydan okuma sundu. Sıradan olanı, kitsch'i ve seri üretileni yüksek sanat statüsüne yükselten pop art, yüksek ve düşük kültür arasındaki sınırları bulanıklaştırdı. Aynı zamanda sanatçıların mekanik çoğaltma veya görselleştirme tekniklerini kullanmalarıyla da ilişkilidir. Pop art'ta malzeme bazen görsel olarak bilinen bağlamından çıkarılır, izole edilir veya alakasız malzemelerle birleştirilir.
Hareket ilk olarak Britanya'da, kolaj ve resim aracılığıyla Amerikan tüketici imajını ve savaş sonrası medya kültürünü araştıran Eduardo Paolozzi ve Richard Hamilton gibi sanatçılar aracılığıyla gelişti. Amerika Birleşik Devletleri'nde Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg ve Jasper Johns gibi sanatçılar, gündelik nesneleri ve ticari sembolleri sanatsal uygulamalarına dahil ederek önemli temel çalışmalar yaptılar. 1960'ların başlarında Andy Warhol, Roy Lichtenstein ve Tom Wesselmann gibi önde gelen isimler hareketin uluslararası tanınırlığa ulaşmasını sağladı.
Pop art doğası gereği ironi, belirsizlik ve tüketim kültürüyle eleştirel bir etkileşimle bağlantılıdır. Bazı çalışmalar savaş sonrası kapitalizmin gösterişli estetiğini ve maddi bolluğunu kutlar gibi görünürken, diğerleri seri üretimin ve medya doygunluğunun homojenleştirici etkilerini eleştirel bir şekilde inceliyor. Yaygın olarak soyut dışavurumculuğa karşı bir tepki ve onun bir evrimi olarak kabul edilen pop art, sanatsal odağı gündelik görüntülere ve ticari tasarıma yönlendirdi. Pop art, buluntu imgeleri ve ticari estetiği benimseyerek Dadaizm'in örneklerinden yararlanırken aynı zamanda postmodern sanattaki daha sonraki gelişmelerin de habercisi oldu. Seçkin kültür ile popüler kültür, özgünlük ile yeniden üretim, sanat ile meta arasındaki sınırları ortadan kaldırarak çağdaş sanatın görsel sözlüğünü temelden yeniden şekillendirdi.
Kökenler
Pop sanatın Kuzey Amerika'daki doğuşu, Büyük Britanya'daki gelişiminden farklıydı. Amerika Birleşik Devletleri'nde pop art, hassas kompozisyon ve temsili sanata dönüşün sinyalini veren sanatsal bir tepki olarak ortaya çıktı. Sanatçılar, kişisel sembolizmi ve soyut dışavurumculuğun "ressamvari gevşeklik" özelliğini nötrleştirmek için kasıtlı olarak kişisel olmayan, sıradan gerçekliği, ironiyi ve parodiyi kullandılar. ABD'de Larry Rivers, Alex Katz ve Man Ray'in bazı çalışmaları pop art'ın öncüleri olarak kabul ediliyor.
Tersine, savaş sonrası Britanya'daki pop art'ın kökenleri ironi ve parodiden de yararlanırken daha akademik bir yönelim sergiliyordu. İngiliz sanatçılar, Amerikan popüler kültürünün dinamik ve paradoksal görüntülerine odaklandılar; onu toplumsal kalıpları etkileyen ve aynı zamanda refahı artıran güçlü, manipülatif sembolik aygıtlar olarak algıladılar. Britanya'daki ilk pop sanatı, uzaktan bakıldığında Amerikan popüler kültürü tarafından beslenen, öncelikle kavramsaldı. Benzer şekilde pop art dadaizmin hem uzantısı hem de reddi işlevi gördü. Her iki hareket de benzer temaları araştırsa da, pop art, Dada'nın yıkıcı, hicivsel ve anarşik dürtülerinin yerini kitle kültürü eserlerinin tarafsız bir şekilde onaylanmasıyla değiştirdi. Çalışmalarının pop art'a yol açtığı düşünülen Avrupalı sanatçılar arasında Pablo Picasso, Marcel Duchamp ve Kurt Schwitters yer alıyor.
Proto-pop
Hem İngiliz hem de Amerikan pop sanatı 1950'lerde ortaya çıkmış olsa da, Marcel Duchamp gibi figürler ve Francis Picabia ve Man Ray gibi diğer Avrupalı sanatçılar bu hareketten önce ortaya çıktı. Ek olarak, daha önceki Amerikan proto-pop kökenleri, "bulunduğu gibi" kültürel nesnelerin kullanımını içeriyordu. 1920'lerde Amerikalı sanatçılar Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth ve Stuart Davis, popüler kültür imgelerini, özellikle de Amerikan ticari ürünlerinden ve reklam tasarımından türetilen sıradan nesneleri içeren resimler ürettiler ve böylece neredeyse pop art hareketinin öncüsü oldular.
Birleşik Krallık: Bağımsız Grup
1952'de Londra'da kurulan The Independent Group (IG), geniş çapta pop art hareketinin atası olarak kabul ediliyor. Bu kolektif, hakim modernist kültürel paradigmaları ve güzel sanatlara ilişkin geleneksel bakış açılarını aktif olarak sorgulayan genç ressamlardan, heykeltıraşlardan, mimarlardan, yazarlardan ve eleştirmenlerden oluşuyordu. Tartışmaları öncelikle kitlesel reklamcılık, sinema, ürün tasarımı, çizgi romanlar, bilim kurgu ve teknoloji gibi unsurlardan yararlanarak popüler kültürün sonuçlarını araştırdı. Bağımsız Grup'un 1952'deki açılış toplantısında, kurucu ortak, sanatçı ve heykeltıraş Eduardo Paolozzi, 1947 ile 1949 yılları arasında Paris'te derlediği Bunk! başlıklı bir dizi kolajın yer aldığı bir konferans verdi. Reklamlar, çizgi roman karakterleri, dergi kapakları ve çeşitli seri üretilen grafikler dahil olmak üzere bu "bulunmuş nesneler" ağırlıklı olarak Amerikan popüler kültürünü tasvir ediyordu. Paolozzi'nin 1947 tarihli kolajı, Zengin Adamın Oyuncağıydım, bu derste sunulan, bir tabancadan çıkan duman bulutu içinde tasvir edilen "pop" kelimesinin bilinen en eski örneğini içeriyor. Paolozzi'nin 1952'deki etkileyici sunumunun ardından, IG'nin odak noktası ağırlıklı olarak Amerikan popüler kültüründen görüntülere kaydı ve özellikle kitlesel reklamcılığa vurgu yapıldı.
John McHale'in oğlu, "pop art" terimini 1954'te Frank Cordell ile yaptığı bir tartışma sırasında babasının ortaya çıkardığını iddia ediyor; ancak alternatif hesaplar onun madeni parasını İngiliz eleştirmen Lawrence Alloway'e atfediyor. (Her iki anlatım da terimin 1955'in ortalarına doğru Bağımsız Grup tartışmalarında aktif olarak kullanıldığı konusunda hemfikirdir.)
"Pop art" tanımı daha sonra IG'nin 1955'teki İkinci Oturumu sırasında IG üyeleri arasında yaygınlık kazandı. "Pop art" ifadesi ilk kez 1956'da basılı olarak, IG üyeleri Alison ve Peter Smithson'un Ark dergisinde yayınlanan "But Today We Collect Ads" adlı makalesinde ortaya çıktı. Yine de bu terim, asıl ifadesi "popüler kitle kültürü" olmasına rağmen, özellikle 1958 tarihli Sanat ve Kitle İletişim Araçları adlı makalesi için sıklıkla İngiliz sanat eleştirmeni ve küratör Lawrence Alloway'e atfedilir. Alloway şöyle açıkladı: "Üstelik, o zaman bununla kastettiğim şey şu anki anlama gelmiyor. Bu terimi ve aynı zamanda 'Pop Kültürü'nü, popüler kültürden yararlanan sanat eserlerini değil, kitle iletişim ürünlerini ifade etmek için kullandım. Her halükarda, 1954-55 kışı ile 1957 arasında bir ara, bu ifade konuşmalarda geçerlilik kazandı..." Buna rağmen, Alloway, kitle kültürü imgelerinin güzel sanatlara entegrasyonunu savunan önde gelen bir eleştirmen olarak ortaya çıktı. Alloway, 1966'da bu terimlere daha fazla açıklık getirdi; bu noktada pop sanatı, sanat okulları ve küçük galerilerdeki kökenlerinden sanat dünyasında önemli bir güç haline geldi. Ancak asıl başarısı İngiltere'de gerçekleşmedi. Eş zamanlı olarak ve bağımsız olarak New York City kendisini pop sanatının merkezi merkezi haline getirmişti.
Londra'da, Kraliyet İngiliz Sanatçılar Topluluğu'nun (RBA) 1960 yılında düzenlediği yıllık genç yetenek sergisinde Amerikan pop etkileri ilk kez sergilendi. Ocak 1961'deki son derece etkili RBA-Genç Çağdaşlar sergisi, David Hockney, Amerikalı R. B. Kitaj, Yeni Zelandalı Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty ve Peter Blake gibi sanatçıların önemli ölçüde tanınmasını sağladı. Apple, hem 1961 hem de 1962 Genç Çağdaşlar sergilerinin posterlerini ve davetiyelerini tasarlamaktan sorumluydu. Hockney, Kitaj ve Blake daha sonra aynı yıl Liverpool'daki John Moores Sergisinde ödüller aldı. Royal College'ın 1961 yaz tatili sırasında Apple ve Hockney, Apple'ın Andy Warhol ile ilk karşılaştığı New York'a gittiler; Her iki sanatçı da daha sonra Amerika Birleşik Devletleri'ne taşındı ve Apple, New York pop art sahnesine derinden dahil oldu.
Amerika Birleşik Devletleri
Pop art 1950'lerin başında ortaya çıkarken, en önemli ivmesini 1960'larda Amerika'da kazandı. The New York Times'ın Ağustos 1962'de Hartford'daki Wadsworth Atheneum'daki bir sergiyi kapsayan bir incelemesi, önde gelen Connecticut koleksiyonlarından alınan çağdaş Amerikan eserleri üzerinde yapılan bir araştırmada o zamanlar "Pop" veya "Çevresel" sanat olarak adlandırılan sanatın yükselişini gözlemledi. İncelemede özellikle Roy Lichtenstein'ın çizgi roman görüntüleri, James Rosenquist'in billboardlardan ilham alan tabloları ve Andy Warhol'un ikonik tekrarlanan Campbell çorba kutuları yer aldı. Bu gelişmeler geçici provokasyonlar olarak değil, "toplumsal açıdan konuya uygun sanata yönelik büyük adımlar" olarak nitelendirildi; bu, pop sanatının Soyut Dışavurumculuğa meydan okumasının ve kitle kültürünü benimsemesinin erken eleştirel kabulüne işaret ediyordu.
"Pop art" tanımı, Aralık 1962'de Modern Sanat Müzesi'nin ev sahipliği yaptığı "Pop Art Sempozyumu" sırasında resmen belirlendi. Aynı zamanda Amerikan reklamcılığı da çok ileri düzeyde işleyen çok sayıda modern sanat bileşenini entegre etmişti. Bu, Amerikalı sanatçıların güzel sanatları sofistike ticari tasarımlardan ayırmak için daha derin ve dramatik üslup yaklaşımlarını keşfetmesini gerektirdi. İngilizlerin Amerikan popüler kültür imgelerine bakış açısı, biraz mesafeli olduğundan, yorumlarına sıklıkla romantik, duygusal ve esprili nüanslar aşılıyordu. Buna karşılık, sürekli olarak çok çeşitli seri üretilen görsellere maruz kalan Amerikalı sanatçılar, genellikle daha cesur ve güçlü çalışmalar ürettiler.
Tarihçi, küratör ve eleştirmen Henry Geldzahler, Ray Johnson'ın kolajlarının, özellikle de Elvis Presley No. 1 ve James Dean'in Pop hareketinin temel anını temsil ettiğini ileri sürdü. Yazar Lucy Lippard ayrıca Johnson'ın Elvis ve Marilyn Monroe'yu içeren kolajlarının Warholian Pop Art'ın habercisi olduğunu belirtti. Başlangıçta bir grafik tasarımcısı olan Johnson, daha sonra "New York Yazışma Okulu" aracılığıyla posta sanatının atası olarak tanındı ve akranlarının benimsediği daha büyük formatlara kıyasla zarfların içinde kupürler ve çizimler içeren küçük ölçekli çalışmaları tercih etti. Ocak 1958'de Art News'de yayınlanan ve kapak görseli hakkında yorum yapan bir makale, Jasper Johns'un açılış kişisel sergisini Rauschenberg, Twombly, Kaprow ve Ray Johnson gibi tanınmış isimlerin eserlerinin yanında konumlandırdı.
Jasper Johns ve Robert Rauschenberg de Amerikan Pop Art sözlüğünü şekillendirmede etkili oldu. Rauschenberg, Kurt Schwitters ve diğer Dada sanatçılarından ilham aldı ve "resmin hem sanatla hem de yaşamla ilgili olduğu" inancı, döneminin hakim modernist paradigmalarına doğrudan meydan okudu. Atılmış hazır nesneleri "Kombinasyonları"na dahil etmesi ve popüler kültür imgelerini resimlerine dahil etmesi, yaratımlarını çağdaş Amerikan yaşamıyla ilişkilendirdi. Spesifik olarak, 1962-64 yılları arasındaki resimleri, Life, Newsweek ve National Geographic gibi dergilerden serigrafi alıntılarla etkileyici fırça çalışmalarını birleştirdi. Johns'un bayrak, hedef, sayı, ABD haritaları ve bira kutularının üç boyutlu temsilleri dahil olmak üzere sanatsal çıktıları, sanatta temsilin doğasına dair eleştirel bir araştırmaya yol açtı. Johns ve Rauschenberg'in 1950'lerde ürettiği çalışmalar genellikle Neo-Dada olarak sınıflandırılır ve 1960'ların başında belirgin bir şekilde ortaya çıkan tipik Amerikan Pop Sanatı'ndan farklı bir görsel karakter sergiler.
Roy Lichtenstein, Amerikan Pop Art'ında benzer bir öneme sahiptir; çalışmaları, özellikle de parodik unsurlarıyla, hareketin temel ilkelerini tartışmasız en etkili şekilde özetlemektedir. Lichtenstein, eski çizgi romanları ana konusu olarak benimseyerek, keskin kenarları ve titiz hassasiyetiyle karakterize edilen, aynı zamanda popüler kültürü hem belgeleyen hem de incelikli bir şekilde hicveden kompozisyonlar hazırladı. DC Comics'in Gizli Kalpler #83'teki ana anlatıdan türetilen Boğulan Kız (1963) gibi en ünlü eserlerinde yağlıboya ve Magna boyayı kullandı. Kendine özgü tarzı, belirgin ana hatları, canlı renkleri ve belirli tonları simüle etmek için Ben-Day noktalarını içeriyor ve mekanik çoğaltmanın estetiğini taklit ediyor. Lichtenstein sürecini şöyle ifade etti: "[soyut dışavurumcular] bir şeyleri tuval üzerine koydular ve yaptıklarına, renk konumlarına ve boyutlarına tepki verdiler. Benim tarzım tamamen farklı görünüyor, ancak çizgileri koymanın doğası hemen hemen aynı; benimki sadece Pollock'un veya Kline'ınki gibi kaligrafik görünmüyor."
1964'te The Observer, Andy Warhol'u "pop art'ın mucidi" olarak tanıdı; bu onun hareketteki önemli rolünü yansıtan bir isimdi ve genel olarak hareketin ufuk açıcı figürü olarak kabul ediliyordu. Sanat eleştirmeni Arthur Danto onu özellikle "sanat tarihinin ürettiği felsefi dehaya en yakın şey" olarak nitelendirdi. Warhol, Fabrika stüdyosu ve kamusal kimliği aracılığıyla sanatı, şöhreti ve ticareti ustaca bütünleştirerek pop art'ı salt görsel bir estetikten derin bir kültürel olguya dönüştürdü. Warhol, 1960'larda pop art resimlerine ve yeraltı filmlerine yönelmeden önce reklamlar, kitap kapakları ve plak kılıfları yaratarak başarılı bir ticari illüstratör olarak kendini kanıtladı. Marilyn Monroe ve Elvis Presley gibi figürlerin yer aldığı ikonik serigrafi portreleri, kitlesel medya görüntülerini şöhret ve tüketim temalarını eleştirel bir şekilde araştıran çarpıcı, serileştirilmiş sanat eserlerine dönüştürdü. Bir perakende nakliye kutusunun üzerindeki etiketleme gibi sıradan unsurlar bile sanatsal bir konu haline geldi; bu, pop sanatının gündelik ticari görselleri özümsemesini vurgulayan Campbell'in Domates Suyu Kutusu'nda örneklendi. 1980'lerde Warhol, aralarında Keith Haring ve Kenny Scharf'ın da bulunduğu yeni bir pop sanatçıları grubuna danışmanlık yaparak nüfuzunu daha da genişletti.
Öncü ABD Sergileri
1950'lerin sonlarında ve 1960'ların başlarında pop art'ın doğuşu, Soyut Dışavurumculuk'tan kesin bir ayrılığın sinyalini veren bir dizi önemli sergi ve galeri vitrini tarafından önemli ölçüde şekillendirildi. 1959 ile 1960 yılları arasında sanatçılar Claes Oldenburg, Jim Dine ve Tom Wesselmann ilk sergilerini New York'taki Judson Gallery'de düzenlediler. Aynı zamanda Martha Jackson Galerisi, Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg ve Dine'ın eserlerini içeren Yeni Medya – Yeni Formlar adlı 1960 sergisinde deneysel montaj ve enstalasyon sanatına yer verdi. 1961'de Jackson, pop art'ın gündelik malzemeleri ve tüketici ikonografisini benimsemesine zemin hazırlayan bir sergi olan Ortamlar, Durumlar, Mekanlar'ı düzenleyerek sürükleyici ve nesneye dayalı sanatsal uygulamaları daha da destekledi.
Aralık 1961'de Oldenburg, Manhattan'ın Aşağı Doğu Yakası'nda Mağaza'nın açılışını yaptı ve tüketiciyi taklit eden el yapımı heykellerden oluşan bir ay süren bir enstalasyon sundu. ürünler. Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström ve Richard Artschwager gibi sanatçıların yer aldığı "Ray Gun Tiyatrosu" etkinlikleri, sanatı günlük varoluştan ayıran geleneksel sınırları aktif olarak sorguladı. Bu sanatsal ilerlemeler, aksiyon resminin içebakışsal doğasından uzaklaşıldığını ve kitle kültürüyle daha dışa odaklı bir etkileşime doğru ilerlediğini gösteriyordu.
Temmuz 1962'de Andy Warhol, Los Angeles'taki Irving Blum'un Ferus Galerisinde 32 Campbell'in Çorba Konservesi'nin yer aldığı açılış kişisel sergisini sundu. Aynı ay, Hartford'daki Wadsworth Atheneum'da Warhol ve Oldenburg gibi pop sanatçılarının eserlerinin yer aldığı Connecticut Koleksiyonlarından Amerikan Resim ve Heykel sergisi yer aldı. Daha sonra Walter Hopps, Pasadena Sanat Müzesi'nde Ortak Nesnelerin Yeni Tablosu'nun küratörlüğünü yaptı; Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud ve Ed Ruscha gibi sanatçıların öne çıktığı bu sergi, genel olarak Amerikan pop sanatına adanan ilk müze sunumu olarak kabul ediliyor. Yine 1962'de New York'taki Sidney Janis Galerisi, Amerikalı pop sanatçılarını Avrupalı Nouveaux Réalistes ile birleştiren ufuk açıcı Uluslararası Yeni Gerçekçiler Sergisi'ni düzenledi. Bu sergi, pop art'ın artan önemini pekiştirdi ve hatta Mark Rothko ve Robert Motherwell başta olmak üzere birçok Soyut Ekspresyonist'in galeriden çekilmesine yol açtı.
1963'e gelindiğinde New York'un önde gelen kurumları pop art hareketini tamamen benimsemişti. Örneğin Guggenheim Müzesi'nde küratörlüğünü Lawrence Alloway'in yaptığı ve Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist ve Warhol'un eserlerini içeren Altı Ressam ve Nesne sergisi sergilendi. Ticari galeriler pop sanatçılarının temsillerini giderek genişletti: Green Gallery'de Rosenquist, George Segal, Oldenburg ve Wesselmann sergilendi; Leo Castelli, Rauschenberg, Johns ve Lichtenstein'ı savundu; Ferus Galerisi ise Batı Yakası'nda Warhol ve Ruscha'nın tanıtımını sürdürdü.
Bianchini Galerisi, 1964 yılında Amerikan Süpermarketi'ne ev sahipliği yaptı ve sergi alanını Warhol, Lichtenstein, Oldenburg ve Wesselmann gibi sanatçıların hazırladığı tüketici ürünleriyle dolu, faal bir markete dönüştürdü. Bu enstalasyon, pop art'ın sanatsal ifade ile ticarileşmeyi bütünleştirmesini canlı bir şekilde resmetti. 1960'ların ortalarına gelindiğinde pop sanatçıları tutarlı bir ticari ve kurumsal destek topladı ve 1968 São Paulo sergisi Environment U.S.A.: 1957–1967, hareketin öne çıkan isimlerine kapsamlı bir genel bakış sunarak hareketin çağdaş sanatta büyük bir etki sahibi olduğunu doğruladı.
Fransa
Nouveau réalisme, 1960 yılında sanat eleştirmeni Pierre Restany ve sanatçı Yves Klein tarafından Milano'daki Apollinaire galerisindeki açılış kolektif sergileri sırasında kurulan bir sanat hareketini ifade eder. Pierre Restany, Nisan 1960'ta grubun ilk manifestosu olan "Yeni Gerçekçiliğin Kurucu Bildirgesi"ni yazdı ve "Nouveau Réalisme - gerçeği algılamanın yeni yolları"nı öne sürdü. Bu ortak deklarasyon 27 Ekim 1960'ta Yves Klein'ın stüdyosunda dokuz kişi tarafından resmi olarak imzalandı: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely ve Ultra-Lettristler — François Dufrêne, Raymond Hains ve Jacques de la Villeglé. 1961'de César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle ve Gérard Deschamps daha sonra gruba katıldı. Sanatçı Christo da, 1970 yılında dağılan kolektifle birlikte sergiler açtı.
Genellikle Amerikan Pop Art'ın Fransız muadili olarak kabul edilen Nouveau Réalisme, Fluxus ve diğer kolektiflerle birlikte, 1960'ların birçok avangard hareketinden birini oluşturdu. Hem Klein hem de Arman'ın bölgeden geldiği göz önüne alındığında, grup başlangıçta üssünü Fransız Rivierası'ndaki Nice'te kurdu; sonuç olarak tarihçiler sıklıkla Nouveau Réalisme'i geriye dönük olarak École de Nice hareketinin erken bir tezahürü olarak görüyorlar. Sanatsal ifadelerinin çeşitli doğasına rağmen üyeler, uygulamaları için ortak bir temel belirlediler: Restany'nin "kentsel, endüstriyel ve reklamcılık gerçekliğinin şiirsel geri dönüşümü" olarak tanımladığı, gerçekliğin doğrudan benimsenmesi.
İspanya
İspanya'da Pop Art'ın keşfi, enformalizmin krizinden ortaya çıkan "yeni figüratif" hareketle bağlantılı. Eduardo Arroyo, çevresel temalara olan ilgisi, medya kültürüne yönelik eleştirisi (hem kitle iletişiminden hem de sanat tarihinden ikonları bir araya getirerek) ve geleneksel sanatsal tarzların çoğunu küçümsemesi nedeniyle Pop Art eğilimi içinde sınıflandırılabilir. Yine de Alfredo Alcaín, popüler imgeleri ve negatif alanı kompozisyonlarına dahil etmesiyle öne çıkan, Pop Art'la en samimi çizgide olan İspanyol sanatçıdır.
Sanatçılar Manolo Valdés ve Rafael Solbes'ten oluşan "Günlük Ekibi" (El Equipo Crónica) da İspanyol Pop Sanatı'nın kapsamına girmektedir; bu kolektif 1964'ten 1981'e kadar Valensiya'da faaliyet gösterdi. Çizgi roman estetiğini, reklam görsellerini ve görsel ve fotografik unsurların basitleştirilmesini birleştirmesi nedeniyle sanatsal yaklaşımları "pop" olarak tanımlanabilir. Madrid'in 1970'lerdeki "La Movida" alt kültüründen gelen film yapımcısı Pedro Almodóvar, düşük bütçeli Super 8 Pop Art filmleri çekti ve daha sonra çağdaş medya tarafından "İspanya'nın Andy Warhol'u" olarak anıldı. Almodovar on Almodovar'da, 1950'lerdeki "Komik Yüz" filminin sinematik çabaları için birincil ilham kaynağı olduğunu belirtiyor. Almodóvar'ın filmlerindeki ayırt edici Pop Art özelliği, bir sahneye yerleştirilmek üzere tutarlı bir şekilde uydurma reklamlar yaratmasıdır.
Yeni Zelanda
Yeni Zelanda'da Pop Art, çoğunlukla Kiwiana'yla işbirliği yaparak 1990'lardan bu yana gelişti. Kiwiana, etli turtalar, kivi, traktörler, jandallar ve Four Square süpermarketleri dahil olmak üzere Yeni Zelanda'nın tipik ikonlarının idealize edilmiş, pop merkezli bir tasvirini temsil ediyor; bu unsurların doğasında olan kitsch, daha geniş kültürel anlamları iletmek için sıklıkla yeniden bağlamlandırılır. Yeni Zelandalı ünlü Pop sanatçısı Dick Frizzell, çağdaş kültürü hicvetmek için geleneksel Kiwiana sembollerini kullanmasıyla tanınıyor. Örneğin Frizzell, uluslararası sanatçıların eserlerini sık sık yeniden yorumluyor ve onlara farklı bir Yeni Zelanda perspektifi veya etkisi katıyor. Bu uygulama, Yeni Zelanda'nın tarihsel olarak hafife alınan küresel etkisini vurgulamaya hizmet ediyor ve böylece naif sanatı Aotearoan Pop Sanatı ile ilişkilendiriyor.
Bu estetik aynı zamanda Michel Tuffery'nin ünlü eseri Pisupo Lua Afe (Konserve Sığır Eti 2000)'de örneklendirildiği gibi aşındırıcı ve donuk bir yaklaşımla da ortaya çıkabilir. Samoa mirasından Tuffery, bu boğa heykelini işlenmiş yiyecek kutularından, özellikle de pisupo içerenlerden yaptı. Bu sanat eseri, Batılı olmayan kültürlere yönelik yeni-sömürgecilik ve ırkçılık temalarını birleştirerek Batı pop art'ından ayrışıyor. Heykelin ayrılmaz bir parçası olan yiyecek kutuları, Batı etkilerinin Samoalılara dayattığı ekonomik bağımlılığı simgeliyor. Kendine özgü yerli bakış açısı, onu yerli olmayan yaygın pop art yaratımlarından ayırıyor. Maori sanatçıları Michael Parekōwhai ve Reuben Paterson, benzer tematik içerikleri araştıran diğer önemli Yeni Zelanda pop sanatçılarıdır.
Yeni Zelanda'nın önde gelen ve ilk dönem pop sanatçılarından Billy Apple, özellikle Kraliyet İngiliz Sanatçılar Topluluğu'nun İngiliz olmayan birkaç üyesi arasındaydı. Ocak 1961'deki RBA sergisi Genç Çağdaşlar'a David Hockney, Amerikalı R.B. Kitaj ve Peter Blake gibi sanatçıların yanı sıra dahil edilmesi, Apple'ın kısa sürede 1960'ların ikonik uluslararası sanatçısı haline gelmesini sağladı. "Billy Apple" lakabını benimsemeden önce eserleri, doğum adı olan Barrie Bates altında sergileniyordu. Sadece ismiyle değil görünümüyle de kendisini daha da farklı kılmak için saçlarını ve kaşlarını Lady Clairol Instant Creme Whip kullanarak ağarttı. Daha sonra Apple, 1970'lerin Kavramsal Sanat hareketine dahil oldu.
Japonya
Japon pop sanatı, ülkenin seçkin avangart hareketinden ortaya çıktı. Harue Koga'nın 1920'lerin sonları ve 1930'ların başlarındaki, dergilerden alınan modern dünya görüntülerini birleştiren fotomontaj tarzı resimleri, pop art'ın temel unsurlarını önceden haber veriyordu. Japon Gutai hareketi, Martha Jackson'ın New York galerisinde 1958'de düzenlenen bir sergiyle doruğa ulaştı; bu sergi, onun etkili "Yeni Formlar Yeni Medya" sergisinden iki yıl öncesine dayanıyordu; bu, pop art'ın öne çıkmasını sağlayan yaygın bir olaydı. Yayoi Kusama'nın sanatsal katkıları pop art'ın evriminde etkili oldu ve Andy Warhol da dahil olmak üzere çok sayıda sanatçıyı önemli ölçüde etkiledi. 1960'ların ortalarına gelindiğinde grafik tasarımcısı Tadanori Yokoo, Japon pop sanatı için uluslararası bir amblem görevi gören en başarılı pop sanatçılarından biri haline geldi. Yokoo, reklam çalışmalarıyla ve The Beatles, Marilyn Monroe ve Elizabeth Taylor için siparişler de dahil olmak üzere popüler kültür ikonları için sanat üretmesiyle ünlüdür. Keiichi Tanaami bu dönemin bir diğer öne çıkan pop sanatçısıydı. Ayrıca Speed Racer ve Astro Boy gibi Japon manga ve animelerinin ikonik karakterleri de pop art'ta sembol olarak benimsenmiştir. Daha sonra Japon manga ve animeleri daha sonraki pop sanatçılarını, özellikle de Takashi Murakami'yi ve onun Superflat hareketini etkiledi.
İtalya
1964'e gelindiğinde, pop art İtalya'da tanındı ve Roma'daki "Scuola di Piazza del Popolo" da dahil olmak üzere çeşitli biçimlerde kendini gösterdi. Bu harekette Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa ve Claudio Cintoli gibi pop sanatçılarının yanı sıra Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella ve Valerio Adami'nin katkıları yer aldı.
İtalyan pop sanatının kökenleri, özellikle de bu akımın öncüleri olarak kabul edilen Enrico Baj ve Mimmo Rotella'nın çalışmaları aracılığıyla 1950'lerin kültürüne kadar uzanıyor. sanatsal hareket. Aslında, 1958 ile 1959 yılları arasında hem Baj hem de Rotella, kendilerini gelişen görsel kültüre ve bununla bağlantılı eleştirel söylemin içine kaptırmak için -genel olarak güçlü post-Dadaist eğilimlerine rağmen temsili olmayan bir tür olarak kategorize edilebilecek olan- önceki sanatsal çabalarından geçiş yaptılar. Rotella'nın dekolajları veya yırtık posterleri, giderek daha fazla mecazi bir duyarlılık sergiledi ve sıklıkla dönemin önde gelen ikonlarına açık ve kasıtlı göndermeler yaptı. Baj'ın sanatsal kompozisyonları çağdaş kitsch ile derinlemesine doluydu; bu, zengin bir görsellik kaynağı ve tüm bir sanatçı kuşağı için önemli bir katalizör olduğunu kanıtladı.
Hem ev içi hem de dış ortamları kapsayan yeni bir görsel panoramanın ortaya çıkışı, bu sanatsal değişimi karakterize etti. Otomobiller, yol işaretleri ve televizyon gibi "yeni dünya"nın unsurları, gelişen bu sanatsal alan içerisinde meşru konular haline geldi. İtalyan Pop Sanatı böylece ideolojik olarak uluslararası benzerleriyle aynı çizgideydi. Ayrımlar öncelikle ikonografide ve bazen de konuya daha eleştirel bir yaklaşımla ortaya çıktı. Bu yaklaşımın öncüleri, her ikisi de tarafsız olmayan toplumsal yorumlarıyla tanınan Rotella ve Baj'ın çalışmalarında açıkça görülmektedir. Ancak bu bakış açısı ayrıcalıklı değildi; Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi ve Claudio Cintoli'nin de aralarında bulunduğu çok sayıda sanatçı, gerçekliğe eğlenceli bir görüntü deposu olarak yaklaştı. Aldo Palazzeschi'nin "bırak eğleneyim" sözünü hatırlatan bir ruhla geleneksel dil paradigmalarına meydan okuyarak materyali tarafsızlık ve hafiflik duygusuyla çıkardılar. Pop Art, zaman içinde biçim ve içerik bakımından çeşitli yinelemelerle gelişerek, İtalyan sanat ortamında sürekli bir varlığını sürdürdü. Mesela 2000'li yılların başında Sicilyalı sanatçı Arrigo Musti "Popüler Olmayan Sanat"ı geliştirdi. Son zamanlarda, ağırlıklı olarak dijital sanattan oluşan Pop Sembolizm adlı bir alt tür, özellikle kuzey İtalya'da ilgi gördü.
Belçika
Belçika Pop Sanatı, diğer önemli Pop sanatçılarının yanı sıra, bir Apollo görevi sırasında Düşmüş Astronot heykeli Ay'a bırakılan Paul Van Hoeydonck gibi sanatçılar aracılığıyla temsil edildi. Marcel Broodthaers ( 'vous êtes baby? "), Evelyne Axell ve Panamarenko gibi uluslararası üne sahip isimler, Pop Art hareketinden önemli ölçüde etkilenmişlerdi; özellikle Broodthaers, George Segal'den büyük ölçüde etkilenmişti. Bir diğer önemli sanatçı Roger Raveel, resimlerinden birine canlı bir güvercin içeren bir kuş kafesine yer verdi. 1960'ların sonlarına ve 1970'lerin başlarına doğru Pop Art imaları Vietnam Savaşı'nın artan vahşetinden etkilenerek Amerika'ya karşı daha eleştirel bir duruş benimseyen bazı sanatçıların yapıtlarından uzaklaştı. Panamarenko ise aksine, Pop Art hareketinin kendine özgü ironisini tutarlı bir şekilde sürdürdü, 1964 ile 1972 yılları arasında faaliyet gösteren Namur'lu üretken bir Pop sanatçısı olan Evelyne Axell, Magritte'in mentorluk yaptığı, en tanınmış eseri Ice. Krem.
Hollanda
Hollanda'da resmi bir Pop Art hareketi bütünleşmemiş olsa da, Pop Art'ın başlangıç döneminde New York'ta vakit geçiren bir grup sanatçı, uluslararası hareketten önemli ölçüde ilham aldı. Hollanda Pop Art'ıyla ilişkilendirilen önemli isimler arasında Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers ve Woody van Amen yer alıyor. Bu sanatçılar, ciddi imalarla dolu mizahi eserler yaratarak Hollanda'nın küçük burjuva zihniyetine meydan okudu. Açıklayıcı örnekler arasında Woody van Amen'in Sex O'Clock'u ve Jacques Frenken'in Crucifix / Target'i sayılabilir.
Rusya
Rusya'nın Pop Art hareketiyle ilişkisi daha sonra gerçekleşti ve Pop benzeri çalışmalar 1970'lerde ortaya çıktı. Bu gecikme muhtemelen Rusya'nın sanatsal ifadeyi sıkı bir şekilde düzenleyen savaş sonrası siyasi ortamına atfedilebilir. Pop Art'ın Sots Art olarak bilinen Rus versiyonu, Sovyet temalarını benimsedi. Batı Pop Sanatı'nın aksine, Sots Art, devlet onaylı sanat hareketlerine karşı kültür karşıtı bir tepki olarak hizmet etti. Berlin Duvarı'nın yıkılmasının ardından Rus Pop Art, Dmitri Vrubel'in Tanrım, Bu Ölümcül Aşktan Kurtulmama Yardım Et adlı tablosunda örneklenen farklı bir biçime dönüştü.
Önemli Sanatçılar
Referanslar
Referanslar
Bloch, Mark. Brooklyn Demiryolu. "Gutai: 1953 –1959", Haziran 2018.
- Bloch, Mark. Brooklyn Demiryolu. "Gutai: 1953 –1959", Haziran 2018.
- Diggory, Terence (2013) New York Okulu Şairleri Ansiklopedisi (Amerikan Edebiyatı Dosya Kitaplığı Hakkında Gerçekler). ISBN 978-1-4381-4066-7
- Francis, Mark ve Foster, Hal (2010) Pop. Londra ve New York: Phaidon.
- Haskell, Barbara (1984) KATIL! Pop, Minimalizm ve Performansın Patlaması 1958–1964. New York: W.W. Norton ve Company, Inc., Whitney Amerikan Sanatı Müzesi ile işbirliği içinde.
- Lifshitz, Mikhail. Çirkinliğin Krizi: Kübizmden Pop-Art'a. Çeviren ve Giriş bölümü David Riff tarafından yapılmıştır. Leiden: BRILL, 2018 (ilk olarak Iskusstvo tarafından Rusça olarak yayınlandı, 1968).
- Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, Lawrence Alloway, Nancy Marmer ve Nicolas Calas'ın katkılarıyla, Frederick A. Praeger, New York tarafından yayınlandı.
- Selz, Peter (moderatör), Ashton, Dore, Geldzahler, Henry, Kramer, Hilton, Kunitz, Stanley ve Steinberg, Leo (Nisan 1963) "Pop Art Üzerine Bir Sempozyum", Arts Magazine, s. 36–45. Bu makale, 13 Aralık 1962'de Modern Sanat Müzesi'nde düzenlenen bir sempozyumun transkriptini sunmaktadır.
- Pop Art: Kısa Bir Tarih, MoMA Öğrenme
- Brooklyn Müzesi Sergileri: Baştan Çıkarıcı Yıkım: Kadın Pop Sanatçıları, 1958–1968, Ekim 2010-Ocak. 2011
- Pop art için Tate Sözlüğü terimi