Postmodern sanat, modernizmin belirli ilkelerine veya sonraki gelişmelere karşı ortaya çıkan çeşitli sanat hareketlerini kapsar. Tipik olarak intermedya, enstalasyon sanatı, kavramsal sanat ve multimedya gibi kategoriler, özellikle de video içerenler postmodern olarak nitelendirilir.
Postmodern sanatı birbirinden ayıran çeşitli tanımlayıcı özellikler vardır. Bunlar, tarihsel tarzların ve temaların çağdaş çerçeveler içinde yeniden bağlamsallaştırılmasını, yaptakçılığı, metnin birincil sanatsal bileşen olarak belirgin bir şekilde bütünleştirilmesini, kolajı, basitleştirmeyi, temellük etmeyi ve performans sanatını kapsar. Ayrıca önemli bir özellik de güzel sanatlar, yüksek sanat, düşük sanat ve popüler kültür arasındaki geleneksel ayrımların ortadan kalkmasıdır.
Terimin Kullanımı
1950'lerden bu yana, sanatsal üretime yönelik yaygın tanımlama "çağdaş sanat" olmuştur. Ancak çağdaş olarak sınıflandırılan sanatın tümü postmodern değildir; Bu daha geniş sınıflandırma, alternatif nedenlerle postmodernizmi reddedenlerin yanı sıra modernist ve geç modernist uygulamaları sürdüren sanatçıları da içerir. Arthur Danto, postmodern eserlerin daha geniş çağdaş hareket içinde bir "alt sektör" oluşturduğunu ve "çağdaş"ın daha kapsamlı bir tanımlayıcı olarak hizmet ettiğini öne sürüyor. Bazı postmodern sanatçılar modernist ilkelerden önemli ölçüde uzaklaşmış olsa da, "geç-modern"i "post-modern"den ayıran kesin bir fikir birliğine varmak hala zor. Daha önce modern estetiğin göz ardı ettiği kavramlar yeniden canlandırıldı. Postmodernizm özellikle resimde temsili biçimlerin yeniden ortaya çıkışına işaret ediyordu. Bazı eleştirmenler, çağdaş "postmodern" sanatın önemli bir bölümünün, özellikle de yakın zamandaki avangard ifadelerin, modern sanat kapsamında sınıflandırılması gerektiğini iddia ediyor.
"Postmodern" terimi, çağdaş sanattaki belirli eğilimleri karakterize etmenin ötesinde, modern sanat içindeki belirli bir aşamayı belirtmek için de uygulanmıştır. Bu perspektif, hem Clement Greenberg dahil olmak üzere modernizmin savunucuları hem de onu modernizmin "son nefesi" olarak adlandıran Félix Guattari gibi radikal eleştirmenleri tarafından benimsenmiştir. Yeni muhafazakar eleştirmen Hilton Kramer, postmodernizmi "modernizmin bağlarının ucundaki bir yaratımı" olarak nitelendirdi. Fredric Jameson'un yorumuna göre Jean-François Lyotard, yüksek modernizmden temelde farklı bir postmodern aşamayı ileri sürmüyordu; Lyotard daha ziyade, belirli yüksek modernist tarzlardan kaynaklanan postmodern tatminsizliği, yüksek modernizmin deneysel doğasının ayrılmaz bir bileşeni olarak gördü ve böylece yeni modernizmleri teşvik etti. Estetik ve sanat alanlarında Jean-François Lyotard, postmodernizmin önemli bir filozofu olarak öne çıkıyor.
Yaygın bir eleştirel görüş, postmodern sanatın modern sanattan evrimleştiğini öne sürüyor. Bu geçiş için önerilen zaman çizelgeleri Avrupa'da 1914'ten Amerika'da 1962 veya 1968'e kadar uzanmaktadır. James Elkins, modernizmden postmodernizme geçişin kesin başlangıcını çevreleyen tartışmalar üzerinde düşünürken, Maniyerizmin kesin süresi ve başlangıç noktasıyla ilgili -ister Yüksek Rönesans'ın hemen ardından ister yüzyılın sonlarında olsun- 1960'lardaki söylemle bir paralellik kuruyor. Sanat akımları ve dönemleri ile ilgili bu tür tartışmaların önemini kaybetmeden sürekli olduğunu vurguluyor. Postmodern sanat çağının kapanışı genellikle 1980'lerin sonuna denk gelir; bu dönem, "postmodernizm" teriminin eleştirel öneminin azaldığı ve sanatsal pratiklerin küreselleşmenin ve yeni ortaya çıkan medyanın sonuçlarıyla giderek daha fazla meşgul olduğu bir dönemdir.
Jean Baudrillard, yeni yaratıcı ifadelerin potansiyelini vurgulayarak postmodernden ilham alan sanat üzerinde hatırı sayılır bir etki yarattı. Örneğin sanatçı Peter Halley, gündüz glo renklerini kullanımını "gerçek rengin aşırı gerçekleştirilmesi" olarak nitelendirdi ve Baudrillard'ı önemli bir etki olarak nitelendirdi. Tersine, Baudrillard 1984'ten itibaren sürekli olarak çağdaş sanatın, özellikle de postmodern sanatın, İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemde üretilen modernist sanattan daha aşağı olduğunu savunurken, Jean-François Lyotard çağdaş resmi övdü ve onun modern sanattan geliştiğine dikkat çekti. Yirminci yüzyılın çok sayıda önde gelen kadın sanatçısı, çalışmalarının teorik çerçevesinin büyük bir kısmının, her ikisi de postmodern felsefeyle derinden bağlantılı olan Fransız psikanalizinden ve feminist teoriden kaynaklandığı göz önüne alındığında, postmodern sanatla bağlantılıdır.
"Postmodern" teriminin uygulanması, bu tür adlandırmalarda sıklıkla karşılaşılan bir durum olan eleştiriyle karşı karşıyadır. Örneğin Kirk Varnedoe, postmodernizmin var olmadığını ve modernizmin potansiyelinin henüz gerçekleşmediğini ileri sürdü. Her ne kadar bu terim, 1980'lerin başlarından ortalarına kadar, farklı materyaller ve genel teknikler kullanan belirli savaş sonrası sanatsal hareketlerin eserlerini tanımlamak için kullanılan geleneksel bir kısaltma haline gelmiş olsa da, postmodernizmin çığır açıcı veya epistemik bir sınır çizgisi olarak teorik temelleri oldukça tartışmalı olmaya devam ediyor.
Özellikler
Postmodernizm, yerleşik modernist eğilimlerden kaynaklanan ve aktif olarak karşı çıkan veya reddeden sanatsal hareketleri kapsar. Modernizme sıklıkla atfedilen temel özellikler arasında biçimsel saflık, ortam özgüllüğü, sanat için sanat kavramı, özgünlük, evrensellik, özgünlük ve avangard tarafından örneklenen devrimci veya gerici eğilimler yer alır. Bununla birlikte paradoks, postmodernizmin meydan okuduğu tartışmasız en önemli modernist kavram olarak öne çıkıyor. Paradoks, özellikle Manet tarafından ortaya atılan modernist projenin temelini oluşturuyordu. Manet'nin temsili sanatı çeşitli şekillerde altüst etmesi, diğer ikiliklerin yanı sıra gerçeklik ile temsil, tasarım ile temsil, soyutlama ile gerçeklik arasında algılanan karşılıklı ayrıcalıklılığın altını çizdi. Paradoksun bu entegrasyonu, Manet'den kavramsalcılara kadar birçok sanatçıyı derinden etkiledi.
Avangardın çağdaş sanattaki konumu tartışmalı olmaya devam ediyor. Çok sayıda kurum ileri görüşlü, ileri görüşlü, ileri ve ilerici niteliklerin sanatın çağdaş misyonu için vazgeçilmez olduğunu ileri sürerek postmodern sanatın doğası gereği "zamanımızın sanatı" ahlakıyla çeliştiğini öne sürüyor. Postmodernizm, sanatın doğasında olan ilerleme veya ilerleme kavramını temelden reddederek "avangard mitini" ortadan kaldırmaya çalışıyor. Rosalind Krauss, post-liberal ve post-ilerleme olarak nitelendirilen yeni bir sanatsal dönemi başlatan avangardizmin vardığı perspektifin önde gelen savunucularından biriydi. Griselda Pollock, bir dizi ufuk açıcı yayın aracılığıyla kapsamlı araştırmalar yaptı ve avangard ve modern sanatla eleştirel bir şekilde ilgilendi; aynı anda hem modern sanatı yeniden değerlendirdi hem de postmodern sanatı yeniden kavramsallaştırdı.
Postmodern sanatın tanımlayıcı bir özelliği, endüstriyel malzemeler ve popüler kültür imgelerinin bir araya getirilmesi yoluyla elde edilen yüksek ve düşük kültürü birleştirmesidir. Kirk Varnedoe ve Adam Gopnik'in 1990-91'de New York Modern Sanat Müzesi'nde sergilediği Yüksek ve Düşük: Popüler Kültür ve Modern Sanat sergisinin de gösterdiği gibi, modernist deneyler "düşük" sanat formlarının kullanımını da içerse de - o zamanlar Douglas Crimp ve Hilton Kramer gibi figürleri kolektif bir küçümsemeyle bir araya getirdiği için geniş çapta eleştirilen bir sergi - postmodern sanat, özellikle güzel veya yüksek sanat olarak kabul edilen ile sanat olarak kabul edilen arasındaki sınırları kasıtlı olarak bulanıklaştırmasıyla tanınır. tipik olarak düşük veya kitsch sanat olarak sınıflandırılır. Yüksek ve alçak sanatın "bulanıklaştırılması" veya "kaynaştırılması" kavramı modernizm sırasında araştırılırken, ancak postmodern çağın ortaya çıkışıyla tam bir onay kazandı. Postmodernizm, ticarileşmenin, kitsch'in ve daha geniş bir kamp estetiğinin unsurlarını sanatsal çerçevesine entegre etti. Dahası, Gotiklik, Rönesans ve Barok gibi farklı tarihsel dönemlere ait stilleri benimser ve birleştirir; çoğu zaman bunların ilgili sanatsal hareketlerdeki orijinal bağlamsal işlevlerini göz ardı eder. Bu unsurlar toplu olarak postmodern sanatı tanımlayan ortak özellikleri oluşturur. Art Spiegelman, Maus için yaptığı üslup seçimlerini tartışırken, tipik olarak tekil bir "ticari marka" üslubu geliştirmeye ve korumaya odaklanan öncüllerinin tersine, postmodern sanatçının, özgürce yararlanabileceği çeşitli üsluplardan oluşan kapsamlı bir "palet" geliştirme kapasitesini dile getirdi.
Fredric Jameson, postmodern eserlerin, ifadede kendiliğindenlik ve doğrudanlık iddiasından vazgeçtiğini, bunun yerine ifadede her türlü kendiliğindenlik ve doğrudanlık iddiasından vazgeçtiğini öne sürüyor. pastiş ve süreksizlik. Bu tanıma karşıt olarak, Sanat ve Dil'den Charles Harrison ve Paul Wood, pastiş ve süreksizliğin modernist sanata özgü olduğunu ve Manet ve Picasso gibi modern sanatçılar tarafından etkili bir şekilde kullanıldığını ileri sürdüler.
Postmodernizmin kısa bir tanımı, onun modernizmin kapsayıcı sanatsal anlatılarını reddettiğini, aynı zamanda yüksek ve düşük sanat formları arasındaki ayrımları ortadan kaldırdığını ve çarpışma, kolaj ve parçalama gibi teknikler yoluyla geleneksel türleri altüst ettiğini ortaya koyar. Postmodern sanatta tüm perspektiflerin doğası gereği istikrarsız ve samimiyetsiz olduğu düşünülür; sonuç olarak ironi, parodi ve mizah, yıkıcılığa karşı bağışık tek eleştirel veya revizyonel duruşlar olarak ortaya çıkar. Çoğulculuk ve çeşitlilik de diğer özellikler arasında yer alıyor.
Avant-Garde Öncüleri
Postmodernizmin potansiyel öncüleri olarak kabul edilen etkili radikal hareketler ve eğilimler, Birinci Dünya Savaşı sırasında ve hemen sonrasında ortaya çıktı. Endüstriyel eserlerin sanata dahil edilmesi ve kolaj gibi tekniklerin Kübizm, Dada ve Sürrealizm gibi avangard hareketler tarafından benimsenmesi, sanatın doğası ve değerine ilişkin yerleşik kavramlara temelden meydan okudu. Sinema ve yeniden üretimin artan yaygınlığı da dahil olmak üzere ortaya çıkan sanat formları da bu hareketleri sanatsal yaratımın yeni yolları olarak şekillendirdi. Clement Greenberg'in ilk kez 1939'da Partisan Review'de yayınlanan ufuk açıcı makalesi Avant-Garde and Kitsch, popüler kültürün arka planında avangardın savunuculuğunu yaparak modernizmi tanımlamak için temel bir metin olarak hizmet etti. Daha sonra Peter Bürger, tarihsel avangard ile modernizm arasında bir ayrım yaptı; bu ayrım Krauss, Huyssen ve Douglas Crimp gibi eleştirmenlerin tarihsel avangardı postmodernizmin öncüsü olarak tanımlamasına yol açtı. Örneğin Krauss, Pablo Picasso'nun kolaj uygulamasını, postmodern sanatın otobiyografik ifade yerine dilsel unsurlara öncelik vermesinin habercisi olan avangard bir teknik olarak yorumluyor. Buna karşılık alternatif bir bakış açısı, avangard ve modernist sanatçıların karşılaştırılabilir stratejiler kullandıklarını, postmodernizmin ise sonuçta her ikisini de reddettiğini öne sürüyor.
Baba
20. yüzyılın başlarında Marcel Duchamp, pisuvarı heykelsi bir parça olarak sundu. Amacı, yaptığı açıklamayla izleyiciyi pisuvarı bir sanat eseri olarak algılamaya zorlamaktı. Bu tür yaratımlara "Hazır Yapımlar" adını verdi. R. Mutt takma adıyla imzalanan ikonik Çeşme pisuar, 1917'de sanat dünyasında önemli tartışmalara yol açtı. Bu eser, Duchamp'ın diğer benzer eserleriyle birlikte genel olarak Dada olarak sınıflandırılır. Duchamp genellikle kavramsal sanatın atası olarak kabul edilir. Ancak bazı eleştirmenler, paradoksla meşgul olmasıyla tanınan Duchamp'ı bir postmodernist olarak sınıflandırmaya karşı çıkıyor ve onun araca özgüllüğü reddetmesinin (paradoksun, Manet'nin resimlerinde ilk kez ortaya çıkmasına rağmen herhangi bir ortamı aştığı göz önüne alındığında) bu tür bir sınıflandırmayı karmaşık hale getirdiğini öne sürüyor.
Dadaizm, Sürrealizm, Fütürizm ve Soyut Dışavurumculuk ile birlikte, modernizmin içkin yıkıcı eğiliminin bir ifadesi olarak anlaşılabilir. yerleşik sanatsal tarzlar ve formlar. Dada, kronolojik olarak modernizmin tam içinde yer alıyor; yine de bazı eleştirmenler bunun postmodernizmin habercisi olduğunu iddia ederken, Ihab Hassan ve Steven Connor dahil diğerleri bunun modernizm ile postmodernizm arasında potansiyel bir geçiş aşamasını temsil ettiğini öne sürüyorlar. Örneğin, McEvilly, postmodernizmin, ilerleme mitinin artık inandırıcı olmadığının kabulüyle başladığını öne sürüyor; bildirildiğine göre Duchamp, 1914'te modernist bir uygulamadan postmodernist bir pratiğe geçtiğinde bunu kavradı ve böylece "estetik zevkten, aşkın hırstan ve estetik kayıtsızlık, sıradan dünyanın kabulü ve bulunan nesne veya nesnenin kabulü lehine biçimsel çevikliğin güç gösterisi gösterilerinden vazgeçti." hazır".
Modern Sanatta Radikal Hareketler
Başlangıçta Pop Art ve Minimalizm modernist hareketler olarak ortaya çıktı; ancak 1970'lerin başlarında biçimcilik ile biçimcilik karşıtlığı arasındaki önemli paradigma değişimi ve felsefi farklılık, bazılarının bu hareketleri postmodern sanatın öncüleri veya geçiş biçimleri olarak yeniden değerlendirmesine yol açtı. Postmodern sanatı etkilediği düşünülen diğer modern hareketler arasında kavramsal sanat ve montaj, montaj, yaptakçılık ve temellük gibi tekniklerin uygulanması yer alıyor.
Jackson Pollock ve Soyut Ekspresyonizm
1940'ların sonlarında ve 1950'lerin başlarında, Pollock'un resme yönelik radikal yaklaşımı, daha sonraki çağdaş sanatın gidişatında devrim yarattı. Pollock, sanatsal sürecin nihai sanat eserinin kendisiyle eşdeğer öneme sahip olduğunu öne sürdü. Pablo Picasso'nun yüzyılın başında Kübizm ve inşa edilmiş heykel yoluyla resim ve heykeli çığır açan yeniden icatlarına benzer şekilde, Pollock da 20. yüzyılın ortalarında sanatsal yaratımı temelden yeniden tanımladı. Geleneksel şövale resminden ve geleneksel yöntemlerden ayrılışı hem çağdaşlarını hem de sonraki nesil sanatçıları özgürleştirdi. Sanatçılar, Pollock'un zeminde çalışmayı, dört taraftan gerilmemiş ham tuvali kullanmayı, hem sanatsal hem de endüstriyel malzemeleri birleştirmeyi, imgeleri ve imge olmayanları kullanmayı ve doğrusal çileler, damlama, çizim, boyama ve fırçalama yoluyla boyayı uygulamayı içeren metodolojisinin, sanat yapımının parametrelerini önceki sınırlamaların ötesine genişlettiğini fark etti. Sonuç olarak Soyut Dışavurumculuk, sanatçıların yeni eserler üretmeleri için mevcut olan tanımları ve yaratıcı olanakları genişletti ve geliştirdi. Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman ve Ad Reinhardt gibi isimlerin getirdiği yenilikler, daha sonraki sanatsal çabaların çeşitlilik ve kapsamının etkili bir şekilde önünü açtı.
Soyut Sonrası Ekspresyonizm
1950'ler ve 1960'lar boyunca soyut resim, aralarında Hard-edge resim ve Frank Stella'nın çalışmalarında örneklenen diğer Geometrik soyutlama biçimlerinin de bulunduğu birçok yeni hareketin ortaya çıkışına tanık oldu. Bu gelişmeler sanatçı stüdyolarında ve avangard çevrelerde Soyut Dışavurumculuğun algılanan öznelciliğine karşı bir tepki olarak ortaya çıktı. Clement Greenberg, Ressam sonrası soyutlamayı savundu; ilkelerini, 1964'te Amerika Birleşik Devletleri'ndeki büyük sanat müzelerini gezen etkileyici bir yeni resim sergisi aracılığıyla dile getirdi. Renk Alanı resmi, Sert Kenarlı resim ve Lirik Soyutlama daha sonra önemli yeni sanatsal yörüngeler olarak hayata geçti.
1960'ların sonuna gelindiğinde, Postminimalizm, Süreç Sanatı ve Arte Povera da devrimci kavramlar ve hareketler olarak hayata geçti. hem resim hem de heykeli etkilemiştir. Bu gelişmeler Lirik Soyutlama, Postminimalist hareket ve erken dönem Kavramsal Sanat ile iç içe geçmiştir. Pollock'tan ilham alan Process Art, sanatçılara çok çeşitli stilleri, içerikleri, malzemeleri, yerleşimleri, zamansal algıları ve hem plastik hem de gerçek alanları keşfetme ve kullanma gücü verdi. Bu geç modernist çağda ortaya çıkan ve 1960'ların sonundaki sanatsal gelişmeye katkıda bulunan önde gelen genç sanatçılar arasında Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard vardı. Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato ve Lee Lozano.
Sanatsal Hareketler
Performans Sanatı ve Etkinlikler
1950'lerin sonları ve 1960'lar boyunca, farklı altyapılardan gelen sanatçılar, çağdaş sanatın parametrelerini etkin bir şekilde genişletti. Performansa dayalı sanatın öncüleri arasında Fransa'da Yves Klein ve New York'ta Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman ve Yoko Ono vardı. Julian Beck ve Judith Malina liderliğindeki The Living Theatre gibi topluluklar, heykeltıraşlar ve ressamlarla işbirliği yaparak sürükleyici ortamlar inşa etti ve özellikle Paradise Now adlı çalışmalarında izleyici ile sanatçı arasındaki dinamiği temelden değiştirdi. New York'taki Judson Memorial Kilisesi'nde bulunan Judson Dans Tiyatrosu'nda Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs ve Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg gibi sanatçılar ve Billy Klüver gibi mühendislerle işbirliği yapan Steve Paxton gibi dansçılar yer aldı. Bu performanslar sıklıkla heykel, dans, müzik veya sesi birleştiren ve genellikle izleyici katılımını da içeren yeni bir sanat formu oluşturmayı amaçlıyordu. Eserler, Minimalizmin indirgeyici felsefeleri, kendiliğinden doğaçlama ve Soyut Ekspresyonizm'in doğasında var olan ifade gücüyle karakterize ediliyordu.
Eş zamanlı olarak, 1950'lerin sonlarından 1960'ların ortalarına kadar çeşitli avangart sanatçılar Happenings'i yarattı. Bu etkinlikler genellikle sanatçıların, onların arkadaşlarının ve akrabalarının spontane, önceden yazılmamış ve esrarengiz bir araya gelerek belirlenmiş farklı mekanlarda düzenlenmesiydi. Olaylar sıklıkla saçma egzersizler, fiziksel aktiviteler, kostümler, doğaçlama çıplaklık ve görünüşte ilgisiz ve rastgele bir dizi eylem gibi unsurları entegre eder. Happenings'in yaratılmasında öne çıkan isimler arasında Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms ve Robert Whitman yer alıyordu.
Montaj Sanatı
Soyut Dışavurumculuk ile birlikte ortaya çıkan montaj sanatı, üretilen öğelerin geleneksel sanatsal malzemelerle bütünleşmesini içeriyordu, dolayısıyla resim ve heykelin yerleşik geleneklerinden uzaklaşıyordu. Robert Rauschenberg'in 1950'lerde doldurulmuş hayvanlar, kuşlar ve ticari fotoğrafçılık gibi büyük fiziksel nesneleri bir araya getiren "kombinasyonları", bu sanatsal gidişatın önemli bir örneği olarak hizmet etti ve hem Pop Art'ın hem de Enstalasyon sanatının habercisi oldu.
1969'da Leo Steinberg, Rauschenberg'in daha önce çağdaş sanatla uyumsuz olduğu düşünülen çok çeşitli kültürel imgeleri ve eserleri bütünleştiren "düz yataklı" resim düzlemini karakterize etmek için "postmodernizm" terimini kullandı. premodernist ve modernist resmin resimsel alanları. Craig Owens, Rauschenberg'in yapıtlarının öneminin, Steinberg'in önerdiği gibi "doğadan kültüre geçişi" temsil etmede değil, daha ziyade böyle bir ikili karşıtlığı sürdürmenin doğasında olan imkansızlığı göstermede yattığını öne sürerek bu yorumu genişletti.
Steven Best ve Douglas Kellner, Rauschenberg ve Jasper Johns'u, modernizm ile postmodernizm arasında köprü kuran, Marcel Duchamp'tan etkilenen bir geçiş aşamasında konumlandırıyor. Sanatsal uygulamaları, gündelik nesnelerin veya nesnelerin kendilerinin görüntülerini bir araya getirirken aynı zamanda yüksek modernizmin karakteristik özelliği olan soyutlamayı ve jestsel fırça çalışmasını da koruyor.
Anselm Kiefer benzer şekilde montaj unsurlarını, özellikle resimlerinden birinde bir balıkçı teknesinin pruvasını öne çıkaran yaratımlarına dahil ediyor.
Pop Art
Lawrence Alloway, İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemde yaygın olan tüketim eğilimini öven sanat eserlerini tanımlamak için "Pop Art" terimini icat etti. Bu sanatsal hareket, Soyut Ekspresyonizm'in yorumbilimsel ve psikolojik içgözlem vurgusundan ayrıldı; bunun yerine maddi tüketim kültürünü, reklamcılığı ve seri üretim çağının ikonografisini tasvir eden ve sıklıkla övülen sanatı tercih etti. Hareketin ufuk açıcı örnekleri arasında David Hockney'in ilk eserlerinin yanı sıra Richard Hamilton, John McHale ve Eduardo Paolozzi'nin yaratımları yer alıyor. Daha sonraki Amerikan tezahürleri, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein gibi sanatçıların kapsamlı kariyerlerini kapsıyor; ikincisi özellikle ticari çoğaltmadan türetilen bir teknik olan Benday noktalarını kullanıyor. Asi Dadaist Marcel Duchamp'ın radikal, mizahla dolu eserlerini Claes Oldenburg, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein gibi Pop Sanatçılarıyla birleştiren belirgin bir köken var.
Thomas McEvilly, Dave Hickey ile aynı fikirde, postmodernizmin kendini kabul ettirmesi için yaklaşık yirmi yıl gerektirmesine rağmen, görsel sanatlarda ABD postmodernizminin 1962'deki açılış Pop Art sergileriyle ortaya çıktığını öne sürüyor. görsel sanatlarda baskın bir duyarlılık. Fredric Jameson da benzer şekilde Pop Art'ı postmodern olarak sınıflandırıyor.
Pop Art'ın postmodern karakteri kısmen, Andreas Huyssen'in yüksek sanat ile popüler kültür arasındaki "Büyük Ayrım" olarak adlandırdığı şeyin ortadan kaldırılmasına atfedilebilir. Postmodernizmin kendisinin "yüksek modernizmin kategorik kesinliklerinin kuşaklar boyu reddedilmesinden" kaynaklandığı anlaşılmaktadır.
Fluxus
Fluxus hareketi, 1962'de Litvanya doğumlu Amerikalı sanatçı George Maciunas (1931–78) tarafından adlandırıldı ve gevşek bir şekilde yapılandırıldı. Kökenleri, 1957'den 1959'a kadar New York City'deki New School for Social Research'te düzenlenen John Cage'in Deneysel Kompozisyon derslerine kadar izlenebilir. Cage'in öğrencilerinin önemli bir kısmı, çeşitli medyalarla uğraşan, genellikle çok az resmi müzik eğitimi almış veya hiç resmi müzik eğitimi almamış sanatçılardı. Cage'in öğrencileri arasında Fluxus'un kurucu üyelerinden Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht ve Dick Higgins de vardı. Almanya'da Fluxus, 1962'de Wiesbaden'de George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik ve diğerlerinin yer aldığı FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik ile başladı. Bunu 1963 yılında George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson ve Emmett Williams'ın da aralarında bulunduğu Düsseldorf'taki Festum Fluxorum Fluxus izledi.
Fluxus, kendi kendine üretim anlayışını savundu ve karmaşık tasarım yerine basitliğe öncelik verdi. Selefi Dada'ya benzer şekilde Fluxus, ticari ve sanat karşıtı belirgin bir duruş sergiledi; geleneksel, piyasa odaklı sanat kurumunu sanatçı merkezli bir yaratıcı metodoloji lehine eleştirdi. Fluxus sanatçıları, çalışmalarını bağımsız olarak üreterek veya meslektaşlarıyla işbirliğine dayalı yaratımlarda bulunarak, hazır bulunan materyalleri kullanmayı tercih ettiler.
Fluxus, genellikle Rauschenberg, Johns, Warhol ve Situationist International gibi figürlerin yanı sıra postmodernizmin başlangıç aşamasında kategorize edilir. Ancak Andreas Huyssen, Fluxus'u postmodernizmle aynı hizaya getirme çabalarını eleştiriyor ve bu tür girişimleri, onu "ya postmodernizmin ana kodu ya da nihai olarak temsil edilemeyen sanat hareketi - deyim yerindeyse postmodernizmin yücesi" olarak sunmak olarak nitelendiriyor. Tersine, Huyssen Fluxus'u avangart çizgide önemli bir Neo-Dadaist tezahür olarak öne sürüyor. Sanatsal metodolojilerde önemli bir ilerleme anlamına gelmese de, "ılımlı, evcilleştirilmiş bir modernizmin Soğuk Savaş'a ideolojik destek olarak hizmet ettiği 1950'lerin yönetilen kültürüne" karşı bir meydan okumayı ifade ediyordu.
Minimalizm
1960'ların başında Minimalizm, kökenlerini Malevich, Bauhaus ve Mondrian aracılığıyla geometrik soyutlamaya kadar takip eden soyut bir sanat hareketi olarak hayata geçti. Bu hareket ilişkisel ve öznel resmi, Soyut Dışavurumculuğun karmaşık yüzeylerini ve Aksiyon Resminin karakteristik duygusal niteliğini ve polemiklerini reddetti. Minimalizmin savunucuları, derin sadeliğin, sanatın doğasında bulunan yüce temsili elde edebileceğini ileri sürdüler. Resimde, Frank Stella gibi sanatçılar tarafından örneklenen Minimalizm, bağlamsal yorumuna bağlı olarak postmodernizmin öncüsü olarak kabul edilebilecek modernist bir hareket oluşturur.
Minimalizmin Noktası adlı makalesinde Hal Foster, Donald Judd ve Robert Morris'in yayınlanmış minimalizm tanımları aracılığıyla Greenberg'ci modernizmi nasıl aynı anda hem kabul edip hem de aştıklarını analiz ediyor. Foster, minimalizmin modernizmin "çıkmaz sokağı" olmadığını, daha ziyade "günümüzde geliştirilmeye devam edilen postmodern uygulamalara doğru bir paradigma değişimini" temsil ettiğini öne sürüyor.
Arazi sanatı
Yer sanatı, Yeryüzü sanatı, çevre sanatı ve Yer İşleri gibi çeşitli adlarla bilinen bu sanat hareketi, 1960'larda ve 1970'lerde ortaya çıktı. Öncelikle Büyük Britanya ve Amerika Birleşik Devletleri ile bağlantılı olmasına rağmen, birçok başka ülkeden örnekleri de kapsamaktadır. Sanatsal bir olgu olarak "arazi sanatı", malzeme seçimi ve enstalasyonlarının yerleştirilmesiyle geleneksel sanat üretiminin kapsamını genişletti. Oluşturucu malzemeler çoğunlukla toprak, kayalar, bitki örtüsü ve doğrudan alandan elde edilen ve genellikle kentsel alanlardan uzakta bulunan su gibi doğal unsurlardan oluşur. Bu sitelere zaman zaman erişim sağlanamamasına rağmen, fotoğrafik belgeler rutin olarak kentsel sanat galerilerinde sunuluyor.
Bu sanat hareketinin temel ilkeleri, sanatın ticarileştirilmesinin reddedilmesi ve gelişen ekolojik hareketin benimsenmesi etrafında dönüyor. Başlangıcı, kentsel yaşam tarzlarının yaygın bir şekilde reddedilmesi ve buna karşılık gelen kırsal ortamların takdir edilmesiyle aynı zamana denk geldi. Bu eğilimler aynı zamanda Dünya'nın insanlığın meskeni olma rolüne ilişkin manevi arzuları da kapsıyordu.
Postminimalizm
1977'de Robert Pincus-Witten, minimalizmden türetilen ancak minimalizmin kendisinin kaçındığı içerik ve bağlamsal nüansları bünyesinde barındıran sanatı karakterize etmek için Post-minimalizm terimini tanıttı. Terimi uygulaması 1966'dan 1976'ya kadar olan dönemi kapsıyordu; Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra gibi sanatçıların eserlerini ve diğerlerinin yanı sıra Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt ve Barry Le Va gibi eski minimalistlerin yeni yaratımlarını kapsıyordu. Bu çalışmalar aynı zamanda Proses sanatı ve anti-form sanatı gibi terimlerle de tanımlanıyor; özellikleri işgal edilen alan ve üretim metodolojisi tarafından tanımlanıyor.
Rosalind Krauss, 1968 yılına gelindiğinde Morris, LeWitt, Smithson ve Serra gibi sanatçıların "mantıksal koşulları artık modernist olarak tanımlanamayacak bir duruma girdiklerini" öne sürüyor. Ayrıca, heykel kategorisinin arazi sanatı ve mimariyi kapsayacak şekilde genişletilmesinin "postmodernizme geçişi beraberinde getirdiğini" öne sürüyor.
Amerikalı heykeltıraş Christopher Wilmarth, Eva Hesse ve Bruce Nauman gibi figürlerle aynı çizgide olduğundan genellikle Post-Minimalist olarak sınıflandırılıyor. Wilmarth'ın yapıtları, minimalistlerin tercih ettiği saf, makine yapımı estetikten kasıtlı olarak saptı ve aynı zamanda 1970'lerin Post-minimalist heykellerinin çoğunda yaygın olan süreç odaklı coşkudan da kaçındı.
Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin ve John McCracken gibi önde gelen minimalist sanatçılar, profesyonel yaşamları boyunca geç modernist resim ve heykel üretimlerini sürdürdüler.
Kavramsal Sanat
Kavramsal sanat, sanatsal tanımların yapısökümüyle açık bir şekilde ilgilenmesi nedeniyle sıklıkla postmodern olarak sınıflandırılır. Bu tür, eserleri sıklıkla izleyicileri arasında hakim olan algılara meydan okumayı, kışkırtmayı veya eleştirmeyi amaçladığı için sıklıkla önemli tartışmalara yol açar.
Kavramsal sanat üzerindeki ilk etkiler Duchamp'ın katkılarını, John Cage'in "4' 33" adlı eserini (müzik içeriğinin performansı sırasında izleyici tarafından algılanan ortam sesleriyle tanımlandığı bir parça) ve Rauschenberg'in Erased De Kooning Drawing eserini kapsar. Birçok kavramsal sanat eserinin temel ilkesi, sanatın, eserin doğasında olan niteliklerden ziyade, izleyicinin bir nesneyi veya eylemi sanatsal olarak algılamasıyla oluşturulduğudur. Sonuç olarak Çeşme sergisi onu bir heykele dönüştürdü.
Figüratif Resim
Savaş sonrası figüratif resimdeki belirli eğilimler postmodern bir bakış açısıyla yorumlandı. Örneğin Amerikalı eleştirmenler İtalyan sanatçı Carlo Maria Mariani'yi postmodernist olarak tanımladılar. Charles Jencks, Mariani'nin İtalyan sanat ortamından figürleri mitolojik ve sanat tarihi imalarla birlikte tasvir eden The Constellation of Leo (1980–1981) adlı grup portresinin, postmodern sanatın temel bir karakteristiğini örneklediğini belirtti: "mesafeye işaret eden bir yoruma yapılan ironik bir yorum; başlangıç ritüelinden üç kez uzaklaştırılan yeni bir efsane."
Kurulum Resmi
Sürekli postmodern olarak sınıflandırılan sanatta önemli bir gidişat, enstalasyon sanatını ve kavramsal odaklı sanat eserlerinin üretimini kapsar. Örneğin Jenny Holzer'in tabelaları, "Beni İstediğimden Koru" gibi kesin mesajları iletmek için sanatsal mekanizmalar kullanıyor. Enstalasyon sanatı, çağdaş sanat müzelerinin mimari gereksinimlerinin şekillenmesinde çok önemli bir rol oynamış, üretilmiş ve keşfedilmiş malzemelerden oluşan kapsamlı kolajlardan oluşan geniş kapsamlı çalışmaları barındırabilecek mekanlara ihtiyaç duymuştur. Bu enstalasyonlar ve kolajlar sıklıkla elektrikli bileşenleri, kinetik unsurları ve aydınlatmayı bir araya getiriyor.
Bu tür çalışmaların sıklıkla çevresel etkiler yaratacağı düşünülüyor; Christo ve Jeanne-Claude'un 1961'de dikilen Berlin Duvarı'na sembolik bir yorum olarak hizmet eden Demir Perde, 240 Petrol Varil Duvarı, Rue Visconti Engelleme, Paris, Haziran 1962 adlı eseri buna örnektir.
Alçakgönüllü Sanat
Alçakgönüllü sanat, yeraltı çizgi romanlarından, punk müziğinden, ateşli sokak kültüründen ve Kaliforniya'nın çeşitli alt kültürlerinden kaynaklanan yaygın bir popülist hareketi temsil ediyor. Sık sık pop gerçeküstücülüğü olarak da adlandırılan Lowbrow sanatı, postmodernizmin temel ilkelerinden birinin altını çiziyor: "yüksek" ve "düşük" sanat formları arasındaki geleneksel ayrımların ortadan kalkması.
Performans Sanatı
Dijital Sanat
Dijital sanat, dijital teknolojiyi üretim veya sergileme süreçlerinin temel bir bileşeni olarak entegre eden çeşitli sanatsal yaratımlar ve metodolojiler için kapsayıcı bir tanımlayıcı görevi görür. Dijital teknolojinin etkisi resim, çizim, heykel ve müzik/ses sanatı gibi yerleşik uygulamalarda devrim yaratmış, aynı zamanda net sanat, dijital enstalasyon sanatı ve sanal gerçeklik gibi yeni sanatsal formların ortaya çıkmasını ve tanınmasını teşvik etmiştir.
Bu alanda uzmanlaşmış önde gelen sanat teorisyenleri ve tarihçileri arasında Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest ve Edward A. Shanken.
İntermedya ve Multimedya
Sanatta postmodernizmle ilişkilendirilen dikkate değer bir eğilim, genellikle "intermedya" olarak adlandırılan çeşitli medyaların entegrasyonudur. Dick Higgins tarafından türetilen intermedya, Fluxus, Beton Şiir, Bulunmuş Nesneler, Performans Sanatı ve Bilgisayar Sanatı gibi hareketleri kapsayan yeni sanat formlarını ifade eder. Beton şairi, Something Else Press'in yayıncısı ve Marcel Duchamp hayranı Higgins, sanatçı Alison Knowles ile evliydi. Ihab Hassan, postmodern sanatın tanımlayıcı özellikleri arasında "Intermedia, formların kaynaşması, alanların birbirine karışması"nı da içeriyor. Video kaset ve CRT monitörlerin kullanıldığı video sanatı, "multi-medya sanatı"nın en yaygın biçimlerinden birini temsil eder. Çoklu sanatsal disiplinleri birleştirmeye ilişkin teorik kavram çok eski olmasına ve dönemsel olarak yeniden canlanmasına rağmen, bunun postmodern tezahürü sıklıkla performans sanatıyla birleşiyor, çoğunlukla dramatik alt metinden yoksun oluyor ve bunun yerine sanatçının spesifik ifadelerine veya eylemlerinin kavramsal özüne odaklanılıyor. Higgins'in Intermedia vizyonu, özünde, sürükleyici sanal gerçeklik, dijital sanat ve bilgisayar sanatı da dahil olmak üzere multimedya dijital uygulamalarının evrimiyle bağlantılıdır.
Telematik Sanat
Telematik sanat, bilgisayar aracılı telekomünikasyon ağlarını birincil araç olarak kullanan sanatsal çabaları tanımlar. Bu sanat formu, uzak estetik karşılaşmalar için etkileşimli, davranışsal bağlamlar oluşturarak, aktif izleyen özneler ile pasif sanat nesneleri arasındaki geleneksel dinamiğe meydan okuyor. Roy Ascott, telematik sanatı, izleyiciyi, süresi boyunca sürekli bir süreç içinde kalan sanat eserinin yaratımının aktif bir katılımcısına dönüştüren bir şey olarak görüyor. Ascott, çeşitli işbirlikçi dijital projeler düzenlemek için ilk kez çevrimiçi olarak çalışmaya başladığı 1978'den bu yana telematik sanatın teorisi ve pratiğinde öncü olmuştur.
Ödenme sanatı ve neo-kavramsal sanat
1980 tarihli Alegorik Dürtü: Postmodernizm Teorisine Doğru adlı makalesinde Craig Owens, alegorik dürtünün yeniden dirilişini postmodern sanatın ayırt edici özelliği olarak tanımlar. Bu dürtü, "Alegorik imgelerin sahiplenilmiş imgeler olduğu" göz önüne alındığında, Sherrie Levine ve Robert Longo gibi figürlerin sahiplenme sanatında açıkça görülmektedir. Sahiplenme sanatı, sanatsal deha ve özgünlük gibi modernist idealleri eleştirir, ideolojileri aynı anda hem kurup hem de yıkarak modern sanata göre daha fazla çelişki ve çelişki sergiler, dolayısıyla "hem eleştirel hem de suç ortağı" olur.
Neo-ekspresyonizm ve resim
1970'lerin sonlarında ve 1980'lerin başlarında heykel ve resim gibi geleneksel sanat biçimlerinin yeniden canlanması, Georg Baselitz ve Julian Schnabel gibi Neo-ekspresyonist sanatçılar tarafından örneklendirilerek, postmodern bir eğilim ve postmodern çağda ortaya çıkan ilk uyumlu hareketlerden biri olarak nitelendirildi. Ancak ticari sanat piyasasıyla olan güçlü bağları, postmodern bir hareket olarak statüsüne ve postmodernizmin tanımına ilişkin sorulara yol açtı. Hal Foster, neo-ekspresyonizmin ABD'de Reagan-Bush döneminde yaygın olan muhafazakar kültürel politikaların suç ortağı olduğunu iddia ediyor Félix Guattari, "postmodernizmin modernizmin son nefesinden başka bir şey olmadığını göstermenin" aşırı derecede basit bir yolu olarak "Almanya'da 'neo-ekspresyonizm' olarak adlandırılan büyük tanıtım operasyonlarını" (bunu "reklam yoluyla ayakta tutan bir moda" örneği olarak göstererek) reddediyor. Yeni dışavurumculuğa yönelik bu eleştiriler, kavramsal sanatçıların ve aralarında ressamlar ve Griselda Pollock gibi feminist teorisyenlerin de bulunduğu kadın sanatçıların uygulamalarının modern sanatı sistematik olarak yeniden değerlendirdiği bir dönemde finansal desteğin ve halkla ilişkilerin Amerika'daki çağdaş sanat dünyasının güvenilirliğini nasıl önemli ölçüde artırdığını vurguluyor. Brian Massumi, Deleuze ve Guattari'nin postmodern sanatta Güzelliğin yeni tanımlarının kapsamını genişlettiğini iddia ediyor. Jean-François Lyotard'a göre Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger ve Barnett Newman gibi sanatçıların avangard dönemi ve Paul Cézanne ile Wassily Kandinsky'nin eserlerini takip eden resimleri, çağdaş sanatta yüceliğe dair yeni kavramlar için bir kanal görevi gördü.
Kurumsal eleştiri
Başta müzeler ve galeriler olmak üzere sanat kurumlarının eleştirileri Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren ve Hans Haacke'nin çalışmalarının merkezinde yer alıyor.
Kaynaklar
Kaynaklar
- Modernizmin Zaferi: Sanat Dünyası, 1985–2005. Hilton Kramer'in yazısı. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Hiçbir Şeyin Resimleri: Pollock'tan Bu Yana Soyut Sanat (A.W. Mellon Güzel Sanatlarda Dersler). Kirk Varnedoe'nun yazısı. 2003.
- Postmodern Çağın Sanatı: 1960'ların Sonlarından 1990'ların Başlarına. Yazan: Irving Sandler.
- Postmodernizm (Modern Sanatta Hareketler). Yazan: Eleanor Heartney.
- Şüphe Çağında Heykel. Thomas McEvilley'in yazısı. 1999.
Referanslar
- Wikimedia Commons'ta Postmodern sanatla ilgili medya