فن البوب هو حركة فنية مؤثرة ظهرت في المملكة المتحدة والولايات المتحدة خلال منتصف وأواخر الخمسينيات من القرن الماضي. تحدت هذه الحركة تقاليد الفنون الجميلة الراسخة من خلال دمج الصور من الثقافة الشعبية والجماهيرية، بما في ذلك الإعلانات، والقصص المصورة، وتغليف المنتجات، وشخصيات المشاهير، والمواد الاستهلاكية اليومية، في الرسم والنحت والطباعة. من خلال رفع الأمور المألوفة، والفن الهابط، والإنتاج الضخم إلى مرتبة الفن الرفيع، أدى فن البوب إلى طمس الفروق بين الثقافة العالية والمنخفضة. ويتميز أيضًا باعتماد الفنانين لطرق الاستنساخ الميكانيكية أو تقنيات العرض. في فن البوب، يتم أحيانًا فصل الموضوع بصريًا عن سياقه المألوف، أو عزله، أو وضعه جنبًا إلى جنب مع عناصر غير ذات صلة.
فن البوب هو حركة فنية ظهرت في المملكة المتحدة والولايات المتحدة خلال منتصف وأواخر الخمسينيات من القرن الماضي. قدمت الحركة تحديًا لتقاليد الفنون الجميلة من خلال تضمين صور من الثقافة الشعبية والجماهيرية - بما في ذلك الإعلانات، والقصص المصورة، وتغليف المنتجات، والمشاهير، والسلع الاستهلاكية اليومية - في الرسم والنحت والطباعة. من خلال رفع مستوى المبتذلة والهزلية والإنتاج الضخم إلى مرتبة الفن الرفيع، طمس فن البوب الحدود بين الثقافة العالية والمنخفضة. ويرتبط أيضًا باستخدام الفنانين للوسائل الميكانيكية لإعادة الإنتاج أو تقنيات العرض. في فن البوب، تتم أحيانًا إزالة المواد بصريًا من سياقها المعروف، أو عزلها، أو دمجها مع مواد غير ذات صلة.
تطورت الحركة في البداية في بريطانيا من خلال فنانين مثل إدواردو باولوزي وريتشارد هاميلتون، الذين بحثوا في صور المستهلك الأمريكي والثقافة الإعلامية في فترة ما بعد الحرب من خلال الكولاج والرسم. في الولايات المتحدة، أنشأ الفنانون، بما في ذلك لاري ريفرز، وراي جونسون، وروبرت راوشينبيرج، وجاسبر جونز، عملاً تأسيسيًا حاسمًا من خلال دمج الأشياء اليومية والرموز التجارية في ممارساتهم الفنية. بحلول أوائل الستينيات، دفعت شخصيات بارزة مثل آندي وارهول، وروي ليختنشتاين، وتوم فيسيلمان، الحركة إلى الاعتراف الدولي.
يرتبط فن البوب ارتباطًا جوهريًا بالسخرية، والغموض، والمشاركة النقدية مع ثقافة المستهلك. في حين يبدو أن بعض الأعمال تحتفي بالجماليات المصقولة والوفرة المادية لرأسمالية ما بعد الحرب، فإن البعض الآخر يدرس بشكل نقدي التأثيرات المتجانسة للإنتاج الضخم والتشبع الإعلامي. يُنظر إلى فن البوب على نطاق واسع على أنه رد فعل ضد التعبيرية التجريدية وتطور لها، وقد أعاد توجيه التركيز الفني نحو الصور اليومية والتصميم التجاري. من خلال الاستيلاء على الصور الموجودة والجماليات التجارية، اعتمد فن البوب على سوابق من الدادائية بينما تنبأ في الوقت نفسه بالتطورات اللاحقة في فن ما بعد الحداثة. ومن خلال إزالة الحدود بين ثقافة النخبة والثقافة الشعبية، والأصالة وإعادة الإنتاج، والفن والسلعة، أعادت بشكل أساسي تشكيل المعجم البصري للفن المعاصر.
الأصول
لقد اختلف نشأة فن البوب في أمريكا الشمالية عن تطوره في بريطانيا العظمى. في الولايات المتحدة، نشأ فن البوب كرد فعل فني، مما يشير إلى العودة إلى التكوين الدقيق والفن التمثيلي. استخدم الفنانون عمدًا الواقع غير الشخصي والدنيوي والسخرية والمحاكاة الساخرة لتحييد الرمزية الشخصية و"الرخاوة التصويرية" التي تميز التعبيرية التجريدية. في الولايات المتحدة، تعتبر بعض أعمال لاري ريفرز وأليكس كاتز ومان راي بمثابة مقدمة لفن البوب.
على العكس من ذلك، أظهرت أصول فن البوب في بريطانيا ما بعد الحرب، مع استخدام السخرية والمحاكاة الساخرة أيضًا، توجهًا أكثر أكاديمية. ركز الفنانون البريطانيون على الصور الديناميكية والمتناقضة للثقافة الشعبية الأمريكية، معتبرين أنها أدوات رمزية قوية ومتلاعبة تؤثر على الأنماط المجتمعية بينما تعمل في نفس الوقت على تعزيز الرخاء. كان فن البوب المبكر في بريطانيا مفاهيميًا في المقام الأول، وتغذيه الثقافة الشعبية الأمريكية عند النظر إليه من بعيد. وبالمثل، كان فن البوب بمثابة امتداد للدادائية ورفض لها. على الرغم من أن كلا الحركتين استكشفتا موضوعات متشابهة، إلا أن فن البوب استبدل الدوافع التدميرية والساخرة والفوضوية للدادائية بتأكيد منفصل عن منتجات الثقافة الجماهيرية. من بين الفنانين الأوروبيين الذين تعتبر أعمالهم هي التي أدت إلى فن البوب، بابلو بيكاسو، ومارسيل دوشامب، وكورت شويترز.
Proto-pop
على الرغم من ظهور فن البوب البريطاني والأمريكي خلال خمسينيات القرن العشرين، إلا أن شخصيات مثل مارسيل دوشامب وفنانين أوروبيين آخرين مثل فرانسيس بيكابيا ومان راي سبقت هذه الحركة. بالإضافة إلى ذلك، تضمنت أصول موسيقى البوب الأولية الأمريكية السابقة استخدام الأشياء الثقافية "كما وجدت". خلال العشرينيات من القرن الماضي، أنتج الفنانون الأمريكيون باتريك هنري بروس، وجيرالد مورفي، وتشارلز ديموث، وستيوارت ديفيس لوحات تتضمن صور الثقافة الشعبية - على وجه التحديد، الأشياء الدنيوية المستمدة من المنتجات التجارية الأمريكية وتصميم الإعلانات - مما يمثل تقريبًا حركة فن البوب.
المملكة المتحدة: المجموعة المستقلة
تُعرف المجموعة المستقلة (IG)، التي تأسست في لندن عام 1952، على نطاق واسع بأنها سلف حركة فن البوب. تتألف هذه المجموعة من الرسامين والنحاتين والمهندسين المعماريين والكتاب والنقاد الشباب الذين شككوا بنشاط في النماذج الثقافية الحداثية السائدة ووجهات النظر التقليدية في الفنون الجميلة. استكشفت مناقشاتهم في المقام الأول الآثار المترتبة على الثقافة الشعبية، مستفيدة من عناصر مثل الإعلان الجماعي والسينما وتصميم المنتجات والقصص المصورة والخيال العلمي والتكنولوجيا. أثناء الاجتماع الافتتاحي للمجموعة المستقلة في عام 1952، ألقى المؤسس المشارك والفنان والنحات إدواردو باولوزي محاضرة تضمنت سلسلة من الأعمال المجمعة بعنوان Bunk!، والتي جمعها في باريس بين عامي 1947 و1949. هذه "الأشياء التي تم العثور عليها"، بما في ذلك الإعلانات وشخصيات الكتب المصورة وأغلفة المجلات والعديد من الرسومات المنتجة بكميات كبيرة، تصور في الغالب الثقافة الشعبية الأمريكية. من الجدير بالذكر أن مجموعة باولوزي عام 1947، كنت ألعوبة الرجل الغني، التي تم تقديمها خلال هذه المحاضرة، تحتوي على أقدم مثال معروف لكلمة "pop"، التي تم تصويرها داخل سحابة دخان تنبعث من مسدس. بعد عرض باولوزي المؤثر عام 1952، تحول تركيز IG في الغالب إلى الصور من الثقافة الشعبية الأمريكية، مع التركيز بشكل خاص على الإعلانات الجماعية.
يؤكد ابن جون ماكهيل أن والده ابتكر مصطلح "فن البوب" في عام 1954 أثناء مناقشة مع فرانك كورديل؛ ومع ذلك، تنسب الروايات البديلة سكها إلى الناقد البريطاني لورانس ألواي. (تتفق كلا الروايتين على أن المصطلح تم استخدامه بشكل نشط في مناقشات المجموعة المستقلة بحلول منتصف عام 1955.)
اكتسبت تسمية "فن البوب" رواجًا لاحقًا بين أعضاء IG خلال الجلسة الثانية لـ IG في عام 1955. ظهرت العبارة الدقيقة "فن البوب" لأول مرة مطبوعة في عام 1956، ضمن مقال "لكننا اليوم نجمع الإعلانات" بقلم عضوي IG أليسون وبيتر سميثسون، والذي تم نشره في مجلة Ark. ومع ذلك، كثيرًا ما يُنسب هذا المصطلح إلى الناقد الفني البريطاني وأمين المتحف لورانس ألواي، تحديدًا لمقالته عام 1958، الفنون ووسائل الإعلام، على الرغم من أن صياغته الفعلية هي "الثقافة الجماهيرية الشعبية". وأوضح ألواي نفسه: "علاوة على ذلك، فإن ما كنت أقصده آنذاك ليس ما يعنيه الآن. لقد استخدمت المصطلح، وكذلك "الثقافة الشعبية" للإشارة إلى منتجات وسائل الإعلام، وليس إلى الأعمال الفنية التي تعتمد على الثقافة الشعبية. على أي حال، في وقت ما بين شتاء 1954-1955 و1957، اكتسبت العبارة رواجًا في المحادثة..." على الرغم من ذلك، ظهر ألواي كناقد بارز يدعو إلى دمج صور الثقافة الجماهيرية في الفنون الجميلة. قدم ألواي مزيدًا من التوضيح لهذه المصطلحات في عام 1966، وعند هذه النقطة كان فن البوب قد تطور بالفعل من أصوله في مدارس الفنون والمعارض الصغيرة ليصبح قوة مهمة في عالم الفن. ومع ذلك، فإن نجاحها الأساسي لم يتحقق في إنجلترا. وفي الوقت نفسه وبشكل مستقل، أنشأت مدينة نيويورك نفسها كمركز مركزي للفن الشعبي.
في لندن، عرض المعرض السنوي لعام 1960 للمواهب الشابة الذي نظمته الجمعية الملكية للفنانين البريطانيين (RBA) لأول مرة تأثيرات موسيقى البوب الأمريكية. جلب معرض RBA- المعاصرون الشباب ذو التأثير الكبير في يناير 1961 اعترافًا كبيرًا للفنانين بما في ذلك ديفيد هوكني، والأمريكي آر بي كيتاج، والنيوزيلندي بيلي أبل، وألين جونز، وديريك بوشير، وجو تيلسون، وباتريك كولفيلد، وبيتر فيليبس، وبولين بوتي، وبيتر بليك. كانت شركة Apple مسؤولة عن تصميم الملصقات والدعوات لمعارض الشباب المعاصرين في عامي 1961 و1962. حصل هوكني وكيتاج وبليك بعد ذلك على جوائز في معرض جون موريس في ليفربول خلال نفس العام. خلال العطلة الصيفية للكلية الملكية عام 1961، سافر أبل وهوكني إلى نيويورك، حيث التقت أبل لأول مرة مع آندي وارهول؛ انتقل كلا الفنانين لاحقًا إلى الولايات المتحدة، حيث انخرطت شركة Apple بعمق في مشهد فن البوب في نيويورك.
الولايات المتحدة
بينما نشأ فن البوب في أوائل الخمسينيات من القرن الماضي، فقد اكتسب زخمًا أكبر في أمريكا خلال الستينيات. لاحظت مراجعة أغسطس 1962 في صحيفة نيويورك تايمز، التي تغطي معرضًا في وادزورث أثينيوم في هارتفورد، ظهور ما كان يُطلق عليه آنذاك الفن "البوب" أو "البيئي" ضمن دراسة استقصائية للأعمال الأمريكية المعاصرة المستمدة من مجموعات كونيتيكت البارزة. تضمنت المراجعة على وجه التحديد صور القصص المصورة لروي ليختنشتاين، ولوحات جيمس روزنكويست المستوحاة من اللوحات الإعلانية، وعلب حساء كامبل الشهيرة المتكررة لآندي وارهول. لم يتم وصف هذه التطورات على أنها استفزازات عابرة ولكن باعتبارها "خطوات كبيرة نحو الفن الذي يكون اجتماعيًا في صلب الموضوع"، مما يشير إلى الاعتراف النقدي المبكر بتحدي فن البوب للتعبيرية التجريدية واحتضانها للثقافة الجماهيرية.
تم إطلاق تسمية "فن البوب" رسميًا في ديسمبر 1962 خلال "ندوة حول فن البوب" التي استضافها متحف الفن الحديث. في الوقت نفسه، قامت الإعلانات الأمريكية بدمج العديد من مكونات الفن الحديث، وتعمل على مستوى متقدم للغاية. استلزم هذا من الفنانين الأمريكيين استكشاف أساليب أسلوبية أكثر عمقًا ودراماتيكية لتمييز الفنون الجميلة عن التصاميم التجارية المتطورة. كان المنظور البريطاني لصور الثقافة الشعبية الأمريكية، منفصلاً إلى حد ما، كثيرًا ما يشبع تفسيراته بفروق دقيقة رومانسية وعاطفية وروح الدعابة. على العكس من ذلك، فإن الفنانين الأمريكيين، الذين يتعرضون باستمرار لمجموعة واسعة من الصور المرئية ذات الإنتاج الضخم، عادة ما ينتجون أعمالًا أكثر جرأة وقوة.
أكد المؤرخ والقيّم والناقد هنري جيلدزهلر أن مجموعات راي جونسون، وتحديدًا إلفيس بريسلي رقم 1 وجيمس دين، تمثل اللحظة التأسيسية لحركة البوب. أشارت المؤلفة لوسي ليبارد كذلك إلى أن صور كولاج جونسون التي تظهر إلفيس ومارلين مونرو أنذرت بفن البوب الوارهوليان. جونسون، الذي كان في البداية مصممًا جرافيكيًا، حصل لاحقًا على شهرة باعتباره سلف فن البريد من خلال "مدرسة نيويورك للمراسلات"، مفضلاً الأعمال الصغيرة التي تتضمن قصاصات ورسومات داخل مظاريف على التنسيقات الأكبر التي اعتمدها أقرانه. في مقال نُشر في يناير 1958 في Art News، تعليقًا على صورة الغلاف، وضع المعرض الفردي الافتتاحي لجاسبر جونز جنبًا إلى جنب مع أعمال شخصيات بارزة مثل روشنبرج، وتومبلي، وكابرو، وراي جونسون.
كان لجاسبر جونز وروبرت راوشينبرج أيضًا دور فعال في تشكيل معجم فن البوب الأمريكي. استلهم راوشينبيرج من كيرت شويترز وغيره من فناني دادا، وكانت قناعته بأن "الرسم يرتبط بكل من الفن والحياة" تتحدى بشكل مباشر النماذج الحداثية السائدة في عصره. أدى دمجه للأشياء الجاهزة المهملة في "مجموعاته" وصور الثقافة الشعبية في لوحاته إلى ربط إبداعاته بالحياة الأمريكية المعاصرة. على وجه التحديد، دمجت لوحاته في الفترة من 1962 إلى 1964 بين الفرشاة التعبيرية ومقتطفات مطبوعة بالشاشة الحريرية من مجلات مثل لايف ونيوزويك وناشيونال جيوغرافيك. دفع الإنتاج الفني لجونز، بما في ذلك تصويره للأعلام والأهداف والأرقام وخرائط الولايات المتحدة والتمثيلات ثلاثية الأبعاد لعلب البيرة، إلى إجراء تحقيق نقدي في طبيعة التمثيل في الفن. غالبًا ما يتم تصنيف الأعمال التي أنتجها Johns وRauschenberg خلال خمسينيات القرن العشرين على أنها أعمال دادا جديدة، حيث تُظهر طابعًا بصريًا متميزًا عن فن البوب الأمريكي المثالي الذي ظهر بشكل بارز في أوائل الستينيات.
يتمتع روي ليختنشتاين بأهمية مماثلة في فن البوب الأمريكي، حيث يمكن القول إن أعماله، وخاصة عناصرها الساخرة، تلخص المبادئ الأساسية للحركة بشكل أكثر فعالية. من خلال اعتماد القصص المصورة القديمة كموضوع أساسي له، ابتكر ليختنشتاين مؤلفات تتميز بحوافها الحادة ودقتها الدقيقة، وتوثيق الثقافة الشعبية والسخرية منها بمهارة. لقد استخدم الزيت وطلاء ماجنا في أعماله الأكثر شهرة، مثل Drowning Girl (1963)، والتي كانت مستمدة من السرد الرئيسي في Secret Hearts رقم 83 من DC Comics. يشتمل أسلوبه المميز على خطوط بارزة وألوان نابضة بالحياة ونقاط Ben-Day لمحاكاة ألوان معينة، وتقليد جمالية الاستنساخ الميكانيكي. لقد أوضح ليختنشتاين عمليته قائلاً: "[التعبيريون التجريديون] وضعوا الأشياء على القماش واستجابوا لما فعلوه، لمواضع الألوان والأحجام. يبدو أسلوبي مختلفًا تمامًا، لكن طبيعة وضع الخطوط هي نفسها إلى حد كبير؛ فأسلوبي لا يظهر بمظهر خطي، مثل أسلوب بولوك أو كلاين."
في عام 1964، اعترفت The Observer بأندي وارهول باعتباره "مبتكر فن البوب"، وهي تسمية تعكس دوره المحوري في الحركة، ويُعترف به على نطاق واسع باعتباره الشخصية الأساسية فيها. وصفه الناقد الفني آرثر دانتو بأنه "أقرب شيء إلى العبقرية الفلسفية التي أنتجها تاريخ الفن". لقد تجاوز وارهول فن البوب من مجرد جمالية بصرية إلى ظاهرة ثقافية عميقة، حيث قام بدمج الفن والمشاهير والتجارة ببراعة من خلال استوديو المصنع الخاص به والهوية العامة. قبل دخوله مجال لوحات فن البوب والأفلام تحت الأرض في ستينيات القرن العشرين، أثبت وارهول نفسه كرسام تجاري ناجح، حيث ابتكر الإعلانات وأغلفة الكتب وأغلفة التسجيلات. صوره المميزة بالشاشة الحريرية، والتي تضم شخصيات مثل مارلين مونرو وإلفيس بريسلي، حولت صور وسائل الإعلام إلى أعمال فنية مذهلة ومتسلسلة تستكشف بشكل نقدي موضوعات الشهرة والنزعة الاستهلاكية. حتى العناصر العادية، مثل وضع العلامات على صندوق الشحن بالتجزئة، أصبحت موضوعًا فنيًا، وهو ما تجسد في صندوق عصير الطماطم من كامبل، والذي سلط الضوء على استيعاب فن البوب للمرئيات التجارية اليومية. في الثمانينيات، وسع وارهول نفوذه من خلال توجيه مجموعة جديدة من فناني البوب، بما في ذلك كيث هارينج وكيني شارف.
المعارض الرائدة في الولايات المتحدة
تشكلت نشأة فن البوب في أواخر الخمسينيات وأوائل الستينيات بشكل كبير من خلال سلسلة من المعارض المحورية وعروض المعارض، مما يشير إلى الابتعاد نهائيًا عن التعبيرية التجريدية. بين عامي 1959 و1960، أقام الفنانون كلايس أولدنبورغ، وجيم داين، وتوم فيسيلمان معارضهم الأولية في معرض جودسون في نيويورك. في الوقت نفسه، عرض معرض مارثا جاكسون فن التجميع والتركيب التجريبي في معرضه عام 1960، الوسائط الجديدة - أشكال جديدة، والذي تضمن أعمال هانز آرب، وكيرت شويترز، وجاسبر جونز، وروبرت راوشينبيرج، وأولدنبورغ، وداين. في عام 1961، عزز جاكسون أيضًا الممارسات الفنية الغامرة والقائمة على الأشياء من خلال تنظيم البيئات والمواقف والمساحات، وهو معرض كان له دور فعال في تمهيد الطريق لتبني فن البوب للمواد اليومية وأيقونات المستهلك.
في ديسمبر 1961، افتتح أولدنبورغ المتجر في الجانب الشرقي السفلي من مانهاتن، حيث قدم تركيبًا لمدة شهر يضم منحوتات مصنوعة يدويًا تقليد المنتجات الاستهلاكية. أحداث "Ray Gun Theatre" المرتبطة به، والتي ضمت فنانين من بينهم لوكاس ساماراس، وتوم فيسيلمان، وكارولي شنيمان، وأويفيند فالستروم، وريتشارد آرتشواغر، شككت بنشاط في الحدود التقليدية التي تفصل الفن عن الوجود اليومي. أشارت هذه التطورات الفنية إلى الابتعاد عن الطبيعة الاستبطانية للرسم الحركي، والتحرك نحو تفاعل أكثر تركيزًا على الخارج مع الثقافة الجماهيرية.
في يوليو 1962، قدم آندي وارهول معرضه الفردي الافتتاحي في معرض فيروس إيرفينغ بلوم في لوس أنجلوس، حيث عرض 32 علبة حساء كامبل. خلال الشهر نفسه، استضافت قاعة وادزورث أثينيوم في هارتفورد معرضًا الرسم والنحت الأمريكي من مجموعات كونيتيكت، والذي ضم مقطوعات لفنانين بوب من بينهم وارهول وأولدنبورغ. وفي وقت لاحق، قام والتر هوبس بتنسيق لوحة جديدة للأشياء الشائعة في متحف باسادينا للفنون؛ يُعرف هذا المعرض على نطاق واسع بأنه أول عرض متحفي مخصص لفن البوب الأمريكي، حيث يسلط الضوء على فنانين مثل روي ليختنشتاين، ووارهول، وجيم داين، واين ثيبود، وإد روشا. وفي عام 1962 أيضًا، نظم معرض سيدني جانيس في نيويورك المعرض الدولي للواقعيين الجدد، والذي وحد فناني البوب الأمريكيين مع فناني الواقعيين الأوروبيين الجدد. عزز هذا المعرض الأهمية المتزايدة لفن البوب، حتى أنه دفع العديد من التعبيريين التجريديين، وأبرزهم مارك روثكو وروبرت مذرويل، إلى الانسحاب من المعرض.
بحلول عام 1963، تبنت المؤسسات البارزة في نيويورك حركة فن البوب بشكل كامل. على سبيل المثال، عرض متحف غوغنهايم ستة رسامين والجسم، وهو معرض برعاية لورانس ألواي وشمل أعمال داين، وجونز، وليختنشتاين، وراوشينبيرج، وروزنكويست، ووارهول. قامت المعارض التجارية بتوسيع تمثيلها لفناني البوب بشكل تدريجي: فقد عرض المعرض الأخضر أعمال روزنكويست وجورج سيغال وأولدنبورغ وويسيلمان؛ دافع ليو كاستيلي عن راوشنبرج وجونز وليختنشتاين. وحافظ معرض فيروس على ترويجه لوارهول وروسشا على الساحل الغربي.
استضاف معرض بيانشيني السوبر ماركت الأمريكي في عام 1964، مما أدى إلى تحويل منطقة العرض الخاصة به إلى متجر بقالة عامل مليء بالمنتجات الاستهلاكية التي صممها فنانون مثل وارهول، وليختنشتاين، وأولدنبورغ، وويسيلمان. يوضح هذا التثبيت بوضوح تكامل فن البوب بين التعبير الفني والنزعة التجارية. بحلول منتصف الستينيات، كان فنانو البوب قد حصلوا على دعم تجاري ومؤسسي ثابت، وقدم معرض ساو باولو عام 1968، البيئة في الولايات المتحدة الأمريكية: 1957-1967، نظرة شاملة عن الشخصيات البارزة في الحركة، مما أكد مكانتها باعتبارها مؤثرًا رئيسيًا في الفن المعاصر.
فرنسا
الواقعية الجديدة تشير إلى حركة فنية أسسها الناقد الفني بيير ريستاني والفنان إيف كلاين في عام 1960 خلال معرضهما الجماعي الافتتاحي في معرض أبولينير في ميلانو. قام بيير ريستاني بتأليف البيان الأولي للمجموعة، "الإعلان التأسيسي للواقعية الجديدة"، في أبريل 1960، مؤكدا على "الواقعية الجديدة - طرق جديدة لإدراك الواقع". تم التوقيع على هذا الإعلان التعاوني رسميًا في 27 أكتوبر 1960، في استوديو إيف كلاين، من قبل تسعة أفراد: إيف كلاين، وأرمان، ومارسيال رايس، وبيير ريستاني، ودانيال سبوري، وجان تينغلي، والحرفيين الفائقين - فرانسوا دوفرين، وريموند هينز، وجاك دو لا فيليجلي. في عام 1961، انضم سيزار وميمو روتيلا ونيكي دي سانت فال وجيرارد ديشامب إلى المجموعة. عرض الفنان كريستو أيضًا عروضه جنبًا إلى جنب مع المجموعة، التي تم حلها في نهاية المطاف في عام 1970.
غالبًا ما يُنظر إليها على أنها النظير الفرنسي لفن البوب الأمريكي، وقد شكّلت Nouveau Réalisme، جنبًا إلى جنب مع Fluxus ومجموعات أخرى، إحدى الحركات الطليعية العديدة في الستينيات. أنشأت المجموعة في البداية قاعدتها في نيس، على شاطئ الريفييرا الفرنسية، نظرًا لأن كلاين وأرمان ينحدران من المنطقة؛ وبالتالي، كثيرًا ما ينظر المؤرخون إلى الواقعية الجديدة بأثر رجعي باعتبارها مظهرًا مبكرًا لحركة مدرسة نيس. على الرغم من الطبيعة المتنوعة لتعبيراتهم الفنية، حدد الأعضاء أساسًا مشتركًا لممارستهم: التخصيص المباشر للواقع، والذي وصفه ريستاني بأنه "إعادة تدوير شعرية للواقع الحضري والصناعي والإعلاني".
إسبانيا
في إسبانيا، يرتبط استكشاف فن البوب بالحركة "التصويرية الجديدة"، التي نشأت من أزمة الطابع غير الرسمي. يمكن تصنيف إدواردو أرويو ضمن اتجاه فن البوب بسبب تفاعله مع الموضوعات البيئية، وانتقاده للثقافة الإعلامية - دمج أيقونات من كل من الاتصال الجماهيري وتاريخ الفن - وازدراءه لمعظم الأساليب الفنية التقليدية. ومع ذلك، يمكن القول إن ألفريدو ألكاين هو الفنان الإسباني الأكثر انسجامًا مع فن البوب، والذي يتميز بدمجه للصور الشعبية والمساحة السلبية في مؤلفاته.
"فريق Chronicle" (El Equipo Crónica)، الذي يضم الفنانين مانولو فالديس ورافائيل سولبيس، يقع أيضًا ضمن نطاق فن البوب الإسباني؛ عملت هذه المجموعة في فالنسيا من عام 1964 إلى عام 1981. ويمكن التعرف على نهجهم الفني على أنه "موسيقى البوب" نظرًا لدمجه لجماليات الكتاب الهزلي والصور الإعلانية وتبسيط العناصر المرئية والفوتوغرافية. أنتج المخرج بيدرو ألمودوفار، الذي نشأ من ثقافة "لا موفيدا" الفرعية في مدريد في السبعينيات، أفلامًا منخفضة الميزانية من فئة Super 8 Pop Art وأطلقت عليها وسائل الإعلام المعاصرة بعد ذلك لقب "آندي وارهول إسبانيا". في ألمودوفار عن المودوفار، ذكر أن فيلم "الوجه المضحك" الذي صدر في الخمسينيات كان بمثابة مصدر إلهام أساسي لمساعيه السينمائية. إحدى سمات فن البوب المميزة في أفلام ألمودوفار هي إبداعه المستمر لإعلان تجاري ملفق لإدراجه في المشهد.
نيوزيلندا
في نيوزيلندا، ازدهر فن البوب في المقام الأول منذ تسعينيات القرن العشرين، وغالبًا ما يتماشى مع كيويانا. تمثل Kiwiana صورة مثالية تتمحور حول البوب لأيقونات نيوزيلندا المثالية، بما في ذلك فطائر اللحم، وفاكهة الكيوي، والجرارات، والجاندال، ومحلات السوبر ماركت Four Square؛ غالبًا ما يتم إعادة صياغة سياق هذه العناصر المتأصلة لنقل معاني ثقافية أوسع. ديك فريزل، فنان البوب النيوزيلندي الشهير، معروف بتوظيفه رموز كيويانا التقليدية للسخرية من الثقافة المعاصرة. على سبيل المثال، كثيرًا ما يعيد فريزل تفسير أعمال الفنانين العالميين، ويشبعهم بمنظور أو تأثير نيوزيلندي مميز. تعمل هذه الممارسة على تسليط الضوء على التأثير العالمي الذي لم يتم تقديره تاريخيًا لنيوزيلندا، وبالتالي ربط الفن الساذج بفن البوب أوتياروان.
يمكن أن تتجلى هذه الجمالية أيضًا من خلال أسلوب كاشط وجامد، وهو ما يتجسد في قطعة ميشيل توفيري الشهيرة بيسوبو لوا آفي (كورنيد بيف 2000). قام تافري، ذو التراث الساموي، بتصميم تمثال الثور هذا من علب الأطعمة المصنعة، وتحديدًا تلك التي تحتوي على بيسوبو. يميز هذا العمل الفني نفسه ضمن فن البوب الغربي من خلال دمج موضوعات الاستعمار الجديد والعنصرية الموجهة إلى الثقافات غير الغربية. ترمز علب الطعام، التي تعد جزءًا لا يتجزأ من التمثال، إلى التبعية الاقتصادية التي فرضتها التأثيرات الغربية على السامويين. ويميزها منظورها الأصلي المميز عن إبداعات فن البوب السائدة غير الأصلية. يعد فنانا الماوري مايكل باريكوواي وروبن باترسون من فناني البوب النيوزيلنديين البارزين الآخرين الذين يستكشفون محتوى موضوعيًا مشابهًا.
كان بيلي أبل، وهو فنان بوب نيوزيلندي بارز ومبكر، من بين الأعضاء القلائل غير البريطانيين في الجمعية الملكية للفنانين البريطانيين. إدراجه إلى جانب فنانين مثل ديفيد هوكني، والأمريكي آر بي كيتاج، وبيتر بليك في معرض RBA في يناير 1961 الشباب المعاصرون أدى سريعًا إلى ترسيخ شركة Apple كفنان عالمي مبدع في الستينيات. قبل اعتماد لقب "بيلي أبل"، عُرضت إبداعاته تحت اسم ولادته، باري بيتس. ولزيادة تمييز نفسه، ليس فقط بالاسم ولكن أيضًا بالمظهر، قام بتبييض شعره وحاجبيه باستخدام Lady Clairol Instant Creme Whip. وفي وقت لاحق، أصبحت شركة Apple تابعة لحركة الفن المفاهيمي في السبعينيات.
اليابان
نشأ فن البوب الياباني من الحركة الطليعية المتميزة في البلاد. كانت لوحات Harue Koga ذات أسلوب التركيب الضوئي من أواخر العشرينيات وأوائل الثلاثينيات من القرن الماضي، والتي تضمنت صور العالم الحديث المستمدة من المجلات، تتوقع العناصر الأساسية لفن البوب. بلغت حركة غوتاي اليابانية ذروتها في معرض عام 1958 في معرض مارثا جاكسون في نيويورك، قبل عرضها المؤثر "أشكال جديدة لوسائل الإعلام الجديدة" بسنتين، وهو حدث يُنسب إليه الفضل على نطاق واسع في ترسيخ شهرة فن البوب. كانت مساهمات يايوي كوساما الفنية مفيدة في تطور فن البوب وأثرت بشكل كبير على العديد من الفنانين، بما في ذلك آندي وارهول. بحلول منتصف الستينيات، ارتقى مصمم الجرافيك تادانوري يوكو ليصبح واحدًا من أنجح فناني البوب، وكان بمثابة شعار عالمي لفن البوب الياباني. يشتهر يوكو بأعماله الإعلانية وإنتاج الأعمال الفنية لأيقونات الثقافة الشعبية، بما في ذلك تكليفات لفرقة البيتلز ومارلين مونرو وإليزابيث تايلور. كان Keiichi Tanaami فنان بوب بارزًا آخر خلال هذه الفترة. علاوة على ذلك، تم أيضًا اعتماد شخصيات بارزة من المانغا والأنمي اليابانية، مثل Speed Racer وAstro Boy، كرموز في فن البوب. أثرت المانغا والأنمي اليابانية لاحقًا على فناني البوب اللاحقين، ولا سيما تاكاشي موراكامي وحركته Superflat.
إيطاليا
بحلول عام 1964، اكتسب فن البوب شهرة كبيرة في إيطاليا، حيث ظهر في أشكال متنوعة، بما في ذلك "سكولا دي بيازا ديل بوبولو" في روما. تميزت هذه الحركة بفناني البوب مثل ماريو شيفانو، وفرانكو أنجيلي، وجيوسيتا فيوروني، وتانو فيستا، وكلاوديو سينتولي، إلى جانب مساهمات من بييرو مانزوني، ولوسيو ديل بيزو، وميمو روتيلا، وفاليريو أدامي.
يرجع فن البوب الإيطالي أصوله إلى ثقافة الخمسينيات، وتحديدًا من خلال أعمال إنريكو باج وميمو روتيلا، الذين يعتبرون بشكل مناسب روادًا. لهذه الحركة الفنية . في الواقع، بين عامي 1958 و1959، انتقل كل من باج وروتيلا من مساعيهما الفنية السابقة - والتي يمكن تصنيفها على نطاق واسع على أنها نوع غير تمثيلي، على الرغم من ميولهما القوية ما بعد الدادائية - للانغماس في الثقافة البصرية المزدهرة والخطاب النقدي المرتبط بها. أظهرت ملصقات روتيلا، أو الملصقات الممزقة، بشكل متزايد حساسية رمزية، وكثيرًا ما كانت تشير بشكل صريح ومتعمد إلى الرموز البارزة في ذلك العصر. كانت مؤلفات باج الفنية مشبعة بشدة بـ الفن الهابط المعاصر، والذي أثبت أنه مصدر غني للصور وحافز مهم لجيل كامل من الفنانين.
إن ظهور بانوراما بصرية جديدة تشمل كلاً من البيئات الداخلية والخارجية، هو ما ميز هذا التحول الفني. أصبحت عناصر "العالم الجديد"، مثل السيارات ولافتات الطرق والتلفزيون، موضوعات مشروعة ضمن هذا المجال الفني المتطور. وهكذا يتماشى فن البوب الإيطالي أيديولوجيًا مع نظيراته الدولية. نشأت الاختلافات في المقام الأول في علم الأيقونات، وفي بعض الأحيان، من خلال التعامل بشكل أكثر انتقادًا مع الموضوع. تتجلى بوادر هذا النهج في أعمال روتيلا وباج، وكلاهما معروفان بتعليقاتهما المجتمعية غير المحايدة. إلا أن هذا المنظور لم يكن حصرياً؛ اقترب العديد من الفنانين، بما في ذلك جياني روفي، وروبرتو بارني، وسيلفيو باسوتي، وأمبرتو بيناردي، وكلاوديو سينتولي، من الواقع باعتباره مخزنًا مرحًا للصور. لقد استخرجوا المواد بإحساس من الانفصال والحيوية، متحديين النماذج اللغوية التقليدية بروح تذكرنا بمقولة ألدو بالازيسكي "دعني أستمتع". حافظ فن البوب على وجوده المستمر في المشهد الفني الإيطالي، حيث تطور من خلال التكرارات المختلفة في الشكل والمحتوى مع مرور الوقت. على سبيل المثال، في أوائل العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، قام الفنان الصقلي أريجو موستي بتطوير "الفن غير الشعبي". وفي الآونة الأخيرة، اكتسب نوع فرعي يسمى "رمزية البوب"، وهو الفن الرقمي في الغالب، جاذبية كبيرة، خاصة في شمال إيطاليا.
بلجيكا
وجد فن البوب البلجيكي تمثيلاً من خلال فنانين مثل بول فان هويدونك، الذي تم وضع منحوتته رائد فضاء ساقط على القمر خلال مهمة أبولو، إلى جانب فناني بوب بارزين آخرين. شخصيات مشهورة عالميًا مثل مارسيل برودثايرز ( 'vous êtes Doll? ") وإيفلين أكسيل وبنامارينكو تأثروا بشكل كبير بحركة فن البوب؛ تأثر برودثارز بشكل كبير بجورج سيجال. قام روجر رافيل، وهو فنان بارز آخر، بدمج قفص عصافير يحتوي على حمامة حية في إحدى لوحاته. وفي أواخر الستينيات وأوائل السبعينيات من القرن الماضي، ظهرت تلميحات فن البوب تراجعت أعمال بعض الفنانين عندما تبنوا موقفًا أكثر انتقادًا تجاه أمريكا، متأثرين بالوحشية المتصاعدة لحرب فيتنام، وعلى العكس من ذلك، حافظت بانمارينكو باستمرار على السخرية الجوهرية لحركة فن البوب الآيس كريم.
هولندا
على الرغم من عدم اندماج حركة فن البوب الرسمية في هولندا، إلا أن مجموعة من الفنانين الذين أمضوا بعض الوقت في نيويورك خلال الفترة الناشئة لفن البوب استمدوا إلهامًا كبيرًا من الحركة الدولية. تشمل الشخصيات البارزة المرتبطة بفن البوب الهولندي دان فان جولدن، وغوستاف أسيلبيرجس، وجاك فرينكن، وجان كريمر، وويم تي شيبرز، وودي فان آمين. تحدى هؤلاء الفنانون العقلية البرجوازية الصغيرة الهولندية من خلال إنشاء أعمال فكاهية مشبعة بألوان جادة. تشمل الأمثلة التوضيحية Sex O'Clock لوودي فان آمين وCrucifix / Target لجاك فرينكين.
روسيا
حدث ارتباط روسيا بحركة فن البوب في وقت لاحق، مع ظهور أعمال بوب في السبعينيات. ومن المرجح أن يُعزى هذا التأخير إلى البيئة السياسية في روسيا في فترة ما بعد الحرب، والتي نظمت التعبير الفني بشكل صارم. اعتمد التكرار الروسي لفن البوب، المعروف باسم Sots Art، على الموضوعات السوفيتية. وعلى النقيض من فن البوب الغربي، كان Sots Art بمثابة استجابة ثقافية مضادة للحركات الفنية التي تجيزها الدولة. بعد سقوط جدار برلين، تطور فن البوب الروسي إلى شكل متميز، تمثل في لوحة دميتري فروبيل يا إلهي، ساعدني على النجاة من هذا الحب المميت.
الفنانون البارزون
المراجع
المراجع
مارك بلوخ. السكك الحديدية بروكلين. "غوتاي: 1953 – 1959"، يونيو 2018.
- بلوخ، مارك. السكك الحديدية بروكلين. "غوتاي: 1953 – 1959"، يونيو 2018.
- تيرينس ديجوري (2013) موسوعة شعراء مدرسة نيويورك (حقائق عن مكتبة ملفات الأدب الأمريكي). رقم ISBN 978-1-4381-4066-7
- فرانسيس، مارك وفوستر، هال (2010) بوب. لندن ونيويورك: فايدون.
- هاسكل، باربرا (1984) بلام! انفجار موسيقى البوب والبساطة والأداء 1958-1964. نيويورك: دبليو دبليو. نورتون وأمبير. Company, Inc. بالتعاون مع متحف ويتني للفن الأمريكي.
- ليفشيتز، ميخائيل. أزمة القبح: من التكعيبية إلى الفن الشعبي. ترجمة ومع مقدمة ديفيد ريف. ليدن: بريل، 2018 (نشرت في الأصل باللغة الروسية بواسطة إيسكوستفو، 1968).
- لوسي ر. ليبارد (1966) فن البوب، بمساهمات من لورانس ألواي، ونانسي مارمر، ونيكولاس كالاس، نشره فريدريك أ. برايجر، نيويورك.
- سيلز، بيتر (المنسق)، أشتون، دوري، جيلدزهلر، هنري، كرامر، هيلتون، كونيتز، ستانلي، وستاينبرج، ليو (أبريل 1963) "ندوة حول فن البوب"، مجلة الفنون، الصفحات من 36 إلى 45. يعرض هذا المقال نص الندوة التي عقدت في متحف الفن الحديث في 13 ديسمبر 1962.
- فن البوب: تاريخ موجز، تعلم متحف الفن الحديث
- معارض متحف بروكلين: التخريب المغري: فنانات البوب، 1958-1968، أكتوبر 2010-يناير. 2011
- مصطلح Tate Glossary لفن البوب