Bioart

Bioart stellt eine künstlerische Disziplin dar, die biologische Elemente integriert, darunter lebende Gewebe, Bakterien, lebende Organismen und grundlegende Lebensprozesse. Kunstwerke in diesem Bereich werden in Labors, Galerien oder Künstlerateliers geschaffen und nutzen dabei wissenschaftliche Methoden wie Biologie, Life-Science-Praktiken, Mikroskopie und Biotechnologie, die Techniken wie Gentechnik, Gewebekultur und Klonen umfasst. Der Definitionsbereich von Biokunst bleibt Gegenstand von Diskussionen; Einige Praktiker beschränken sie strikt auf „lebende Formen“, während andere ihren Wirkungsbereich auf Kunst ausdehnen, die Bilder aus der zeitgenössischen Medizin und der biologischen Forschung nutzt, oder auf Kunst, die Kontroversen oder übersehene Aspekte der Biowissenschaften selbst kritisch untersucht.

Biokunst, die am Zusammenfluss des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts entstand, beschäftigt sich mit lebender Materie und löst einen anhaltenden Diskurs über die genauen Kriterien für die Definition von „Leben“ in künstlerischen Kontexten aus. Die Erschaffung lebender Wesen und die Auseinandersetzung mit den Biowissenschaften provozieren von Natur aus tiefgreifende ethische, soziale und ästhetische Fragen. Peter Weibel führte den Begriff „Biokunst“ in seinem Essay „Biotechnologie und Kunst“ aus dem Jahr 1981 offiziell ein und definierte ihn. Er charakterisierte ihn als eine künstlerische Bewegung, die biologische Systeme als primäres Medium für den kreativen Ausdruck nutzt.

Die Entwicklung lebender Organismen und die Erforschung der Biowissenschaften werfen von Natur aus wichtige ethische, soziale und ästhetische Überlegungen auf. Im Biokunst-Diskurs dreht sich eine zentrale Debatte darum, ob die Disziplin die gesamte künstlerische Auseinandersetzung mit den Biowissenschaften und ihren gesellschaftlichen Auswirkungen umfasst – wie etwa die Verwendung medizinischer Bilder – oder ob sie sich ausschließlich auf Kunstwerke beschränkt, die direkt in einer Laborumgebung hergestellt werden.

Übersicht

Bioart zielt häufig darauf ab, Themen und ästhetische Qualitäten innerhalb biologischer Themen zu beleuchten, philosophische Konzepte oder wissenschaftliche Entwicklungen kritisch zu untersuchen und kann gelegentlich Schock oder Humor hervorrufen. In einem Überblick über die Disziplin in Isotope: A Journal of Literary Science and Nature Writing heißt es: „Biokunst ist oft lächerlich. Sie kann klumpig, eklig, unhygienisch, manchmal unsichtbar und schwierig sein, auf dem Auktionsblock ruhig zu bleiben. Aber gleichzeitig tut sie etwas sehr Traditionelles, was Kunst tun soll: die Aufmerksamkeit auf die schönen und grotesken Details der Natur lenken, die wir sonst vielleicht nie sehen würden.“ Während diese Werke zu Untersuchungen zur gesellschaftlichen Rolle der Wissenschaft anregen, beschäftigen sie sich vor allem mit sozialen Kommentaren und artikulieren politische und gesellschaftliche Kritik durch die Synthese künstlerischer und wissenschaftlicher Methoden. Obwohl Biokunst in erster Linie als Beitrag zu den sozialen, politischen und wirtschaftlichen Dialogen angesehen wird, die sich aus der wissenschaftlichen Forschung ergeben, ermöglicht sie gelegentlich auch Fortschritte in der Forschung selbst.

Künstler in Laboren

Obwohl Praktiker der Biokunst in diesem aufstrebenden Medium in erster Linie als Künstler identifiziert werden, verkörpern sie häufig auch die Rolle von Wissenschaftlern. Die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Wissenschaftlern ist in der Biokunst weit verbreitet, und in bestimmten Fällen verfügen die Künstler selbst über einen wissenschaftlichen Hintergrund. Während einige Künstler mit einer bereits vorhandenen wissenschaftlichen Ausbildung in das Feld einsteigen, erwerben andere die notwendigen verfahrenstechnischen Fähigkeiten oder arbeiten eng mit Wissenschaftlern zusammen, die in der Lage sind, die erforderlichen technischen Aufgaben auszuführen.

Historische Biokunst

Historisch gesehen setzten sich Künstler kritisch mit Bildern aus den Biowissenschaften auseinander und betrachteten sie nicht nur als Illustrationen biologischer Entdeckungen, sondern als Prozesse, die untrennbar mit ihrer zeitgenössischen Epoche und stilistischen Konventionen verbunden waren. Leonardo da Vinci, 1452 geboren und für Meisterwerke wie die Mona Lisa und das Letzte Abendmahl gefeiert, verkörperte ein tiefes Engagement für die Konvergenz von Wissenschaft und Kunst. Um Präzision und Realismus in seinen künstlerischen Kreationen zu erreichen, führte er umfangreiche, direkte anatomische Untersuchungen durch und sezierte etwa 30 menschliche Kadaver, wobei er gelegentlich mehrere Dissektionen an einem einzigen Tag durchführte. Da Vincis umfassendere wissenschaftliche Bemühungen, die detaillierte Studien zu Botanik, Optik und Licht umfassten, waren im Wesentlichen von seinem Ziel motiviert, seine künstlerischen Darstellungen zu verbessern. Seine umfassende Erforschung der menschlichen Anatomie und Fortbewegung war insbesondere ein Vorbote der modernen Robotik, da er Verbindungen zwischen anatomischem Verständnis und Ingenieurskunst herstellte und Automaten entwarf, die die menschliche Bewegung nachahmten.

Ernst Haeckel, ein bekannter deutscher Biologe, Zoologe und Künstler, der im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert tätig war, nutzte künstlerische Methoden, um seine wissenschaftlichen Entdeckungen vor dem Aufkommen der Makrofotografie und der fotografischen Mikroskopie zu veranschaulichen. In seinen lebendigen und unverwechselbaren Zeichnungen dokumentierte er akribisch die komplizierten Details natürlicher Formen. Seine renommierte Veröffentlichung „Kunstformen Der Natur“ aus dem Jahr 1904 gilt bis heute als umfassende visuelle Enzyklopädie lebender Organismen. Haeckels interdisziplinäre Arbeit, die Biologie und Kunst integrierte, brachte nicht nur den Darwinismus in Deutschland voran, sondern hatte auch tiefgreifende Auswirkungen auf die Bereiche Kunst, Design und Architektur im frühen 20. Jahrhundert.

Zeitgenössische Biokunst

Der Begriff „transgene Kunst“ wurde 1998 von Eduardo Kac eingeführt und definiert eine künstlerische Praxis, die gentechnische Techniken nutzt, um synthetische Gene in einen Organismus einzuführen oder natürliches genetisches Material zwischen Arten zu übertragen und so neuartige Lebewesen hervorzubringen. Dieser Definition vorausgehend stellte Reiner Maria Matysik 1986 ein Kunstprojekt mit dem Titel Rekombination aus. Das grundlegende Ziel der transgenen Kunst besteht in der Schaffung von Organismen, die exogene DNA beherbergen. Kac geht davon aus, dass Kunst die Fähigkeit besitzt, evolutionäre Prozesse zu verlängern und die tatsächliche Entstehung neuer Lebensformen zu erleichtern. Zu den bekanntesten Kreationen von Eduardo Kac gehören Genesis (1998/99), The Eighth Day (2000/2001) und GFP Bunny (2000), wobei es sich bei Letzterem um die Auftragserstellung eines transgenen GFP-Kaninchens im Jahr 2000 handelte. Die damit verbundene PR-Kampagne zeigte ein Bild von Kac, der ein weißes Kaninchen in der Hand hält, neben einem anderen Kaninchen, das digital so verändert wurde, dass es einen grünen Farbton aufweist.

Symbiotica war einer der Pioniere Kunst-/Wissenschaftslabore, die sich an Künstler richten, die sich mit Methoden und Technologien der Biokunst beschäftigen. Oron Catts und Ionat Zurr, Mitbegründer von SymbioticA, waren außerdem Mitbegründer von The Tissue Culture & Kunstprojekt (TC&A). Seit den frühen 1990er Jahren konzentriert sich TC&A auf die künstliche Kultivierung von biologischem Gewebe und nutzt dabei Zellkulturen als künstlerisches Medium. Die Projekte von TC&A befassen sich mit verschiedenen Themen, darunter gentechnisch veränderte Lebensmittel, aus Gewebekulturen hergestellte Kleidung, aus Gewebekulturen gewonnene skulpturale Formen und die sich entwickelnde Beziehung zwischen lebenden und nichtlebenden Wesen. Durch ihre künstlerischen Untersuchungen prägten diese Künstler den Begriff „Semi-Living“, um eine neuartige Kategorie von im Labor erzeugtem Leben zu charakterisieren.

Im Jahr 2003 wurde die Tissue Culture & Art Project entwickelte in Zusammenarbeit mit Stelarc eine Nachbildung eines Ohrs im Viertelmaßstab unter Verwendung menschlicher Zellen und gipfelte im Extra Ear-Projekt. Dieses Unterfangen wurde auf der Symbiotica durchgeführt: Das Art & Science Collaborative Research Laboratory, gelegen innerhalb der School of Anatomy and Human Biology der University of Western Australia. Im Jahr 2006 unterzog sich Stelarc dem ersten von zwei experimentellen chirurgischen Eingriffen, bei denen sein „Ohr am Arm“ implantiert wurde. Bei der anschließenden Operation wurde ein Mikrofon in das implantierte Ohr eingebettet, um die akustische Wahrnehmung zu ermöglichen. Dieses implantierte Ohr überträgt anschließend Schall weltweit, sodass Menschen auf der ganzen Welt auf seinen Höreingang zugreifen können. Stelarc hat das Ohr mit dem Internet integriert und dadurch sein biologisches Selbst noch stärker mit der Technologie verschmolzen, während er gleichzeitig das Potenzial für Cyber-Verwundbarkeit mit sich bringt. Das gesamte Projekt erstreckte sich über mehr als 12 Jahre.

Im Jahr 2004 trug die Veröffentlichung von Suzanne Anker und Dorothy Nelkin, The Molecular Gaze, wesentlich zur Etablierung der Integration der Molekularbiologie in die künstlerische Praxis bei.

Im Jahr 2009 erlangte Jalila Essaïdis Projekt Bulletproof Skin weltweite Anerkennung für die Integration von Spinnenseide, die von gentechnisch veränderten Ziegen stammt, in menschliches Hautgewebe. Dieses Unterfangen entfachte Diskussionen über mögliche militärische Anwendungen, insbesondere die Schaffung kugelsicherer Haut, und steigerte das öffentliche Profil der Bioart-Bewegung durch umfassende internationale Medienberichterstattung, darunter Kanäle wie CNN, FOX und die BBC, deutlich. Die Wirkung des Projekts veranlasste Essaïdi, in Eindhoven die Stiftung BioArt Laboratories zu gründen, die später als nationales Forschungsinstitut für biologische Künste in den Niederlanden anerkannt wurde. In Zusammenarbeit mit MU Hybrid Art House und ZonMw (der niederländischen Organisation für Gesundheitsforschung und -entwicklung) hat die Stiftung das internationale Bio Art & Design Award, eine Initiative, die seit über einem Jahrzehnt Partnerschaften zwischen renommierten Forschungseinrichtungen und Künstlern pflegt. Jährlich erhielten drei Empfänger jeweils 25.000 €, also insgesamt 75.000 € pro Jahr, wobei die Gesamtsumme der Auszeichnungen während der gesamten Programmlaufzeit 825.000 € überstieg. Sowohl die Stiftung als auch der Preis trugen maßgeblich dazu bei, die Bioart-Bewegung voranzutreiben, indem sie aufstrebende Künstler systematisch mit wissenschaftlichen Labors verbanden und Projekte ermöglichten, die später an prestigeträchtigen Veranstaltungsorten wie dem Centre Pompidou, der Biennale von Venedig und dem Museum of Modern Art internationale Anerkennung erlangten.

Zwischen 2015 und 2016 entwickelte Amy Karle Regenerative Reliquary, ein skulpturales Werk aus Bioprints Gerüste, die für die Kultivierung menschlicher mesenchymaler Stammzellen (MSCs) in Knochen konzipiert sind, wie eine menschliche Hand geformt und in einem Gefäß untergebracht sind. Im Jahr 2019 produzierte Karle The Heart Of Evolution, ein 3D-gedrucktes Herzmodell mit einem neu konstruierten Gefäßsystem, das die Herzfunktion verbessern und möglicherweise die Auswirkungen von Embolien reduzieren soll. Ihre Kreation aus dem Jahr 2024, ein interaktives Kunstwerk mit dem Titel Echoes From the Valley of Existence, beinhaltet die Übertragung von DNA-Proben, die zu Pulver verarbeitet und in einem Polymer eingekapselt werden, in den Weltraum.

In den 2020er Jahren setzt die Biokunst ihre Entwicklung fort und konzentriert sich zunehmend auf Themen der ökologischen Nachhaltigkeit und der sozialen Gerechtigkeit.

Die Schnittstelle von Kunst mit biologischen und gesellschaftlichen Themen stellt einen wichtigen Forschungsbereich innerhalb des Fachgebiets dar.

Der genaue Umfang des Begriffs „Biokunst“ bleibt Gegenstand eines kontinuierlichen akademischen Diskurses. Ein zentraler Streitpunkt dreht sich um die Frage, ob Biokunst von Natur aus die Manipulation biologischer Materialien erfordert, wie beispielsweise die mikrobielle Kunst, die inhärent aus Mikroorganismen besteht. Umgekehrt würde eine umfassendere Definition Werke umfassen, die die sozialen und ethischen Implikationen untersuchen, die sich aus den Biowissenschaften ergeben. Innerhalb dieses breiteren Rahmens überschneidet sich die Biokunst als Genre häufig mit Disziplinen wie kritischem oder spekulativem Design. Solche Arbeiten sprechen in der Regel ein breiteres öffentliches Publikum an und legen Wert auf die Initiierung eines Dialogs innerhalb dieses Bereichs statt auf die Pionierarbeit oder direkte Anwendung spezifischer biologischer Methoden. Anschauliche Beispiele sind Ray Fish Shoes, das Schuhe vermarktete, die aus gentechnisch veränderter Rochenhaut gefertigt und gemustert waren; BiteLabs, ein Biotechnologie-Startup, das versucht hat, Salami aus kultivierten Gewebeproben von Prominenten herzustellen; und Ken Rinaldos Augmented Fish Reality, eine Installation mit fünf mobilen Roboter-Aquariumskulpturen, die von siamesischen Kampffischen geführt werden.

Der Bereich der Biokunst wird häufig mit verschiedenen Kontroversen in Verbindung gebracht.

Die Schaffung von Kunstwerken unter Verwendung lebender Materialien, die durch wissenschaftliche Prozesse und Biotechnologie entwickelt wurden, wirft von Natur aus zahlreiche ethische Fragen und Bedenken auf. Das Wired-Magazin hat hervorgehoben, dass „das aufstrebende Feld der ‚Biokunst‘ äußerst provokativ sein kann und eine Reihe technischer, logistischer und ethischer Probleme mit sich bringt.“ Während Biokunst-Praktizierende während ihrer kreativen Prozesse gelegentlich zum Fortschritt der wissenschaftlichen Forschung beitragen, können das Fachgebiet und seine Künstler auch Kontroversen hervorrufen. Diese Kontroverse kann dadurch entstehen, dass etablierte wissenschaftliche Paradigmen in Frage gestellt werden, umstrittenes menschliches oder tierisches biologisches Material verwendet wird oder möglicherweise invasive Arten freigesetzt werden, insbesondere da Biokünstler nicht konsequent an regulatorische Standards wie Biosicherheit oder Biosicherheitsprotokolle gebunden sind.

Eine weitere wichtige Sorge betrifft die Gefahren, die sich aus Fehlern und unkonventionellen Praktiken in unregulierten oder unzureichend sicheren Laborumgebungen ergeben, einschließlich DIYbio, Biohacking und Bioterrorismus. Ein prominentes Beispiel für die Festnahme eines Nicht-Wissenschaftlers wegen des Verdachts des „Bioterrorismus“ betraf den Künstler Steve Kurtz, einen Mitbegründer des Critical Art Ensemble. Obwohl er 2004 verhaftet wurde, wurde nie eine Anklage wegen Bioterrorismus gegen ihn erhoben. Das FBI führte eine vierjährige Untersuchung durch, die schließlich zu einer Anklage gegen ihn wegen Brief- und Überweisungsbetrugs führte, der auf den Erwerb eines Bakterienstamms zurückzuführen war, der häufig in Bildungslaboren eingesetzt wird. Kurtz beabsichtigte, dieses Bakterium in einem amerikakritischen künstlerischen Projekt zu nutzen. Seine Beiträge zur Biokunst wurden als bahnbrechend in den Bereichen politisch engagierte Kunst, Biotechnologie und ökologische Interessenvertretung anerkannt. Diese langwierige rechtliche und künstlerische Kontroverse wurde anschließend zum Gegenstand eines Buches und eines Films.

Bioart wurde erheblicher Prüfung und Kritik ausgesetzt, vor allem aufgrund von Bedenken hinsichtlich eines möglichen Mangels an ethischer Kontrolle. USA Today berichtete über Vorwürfe von Tierschutzorganisationen, wonach Künstler wie Kac Tiere zum persönlichen Vorteil ausbeuteten. Darüber hinaus haben konservative Gruppen moralische Einwände gegen die Anwendung transgener Technologien und Gewebekultivierungspraktiken geäußert.

Alka Chandna, eine leitende Forscherin bei PETA in Norfolk, Virginia, behauptete, dass die Verwendung von Tieren für künstlerische Zwecke nicht von ihrer Verwendung als Bekleidungsmaterial zu unterscheiden sei. Sie führte weiter aus und erklärte: „Transgene Manipulation von Tieren ist lediglich eine Kontinuität der Nutzung von Tieren für menschliche Zwecke, unabhängig davon, ob sie aus gesellschaftspolitischer Kritik erfolgt. Das Leiden und die Verschärfung des Stresses für die Tiere sind sehr problematisch.“

Zahlreiche Biokunstbemühungen konzentrieren sich auf die Manipulation von Zellen statt ganzer Organismen, wie beispielsweise Victimless Leather aus der Tissue Culture & Kunstprojekt. Die Macher des Projekts brachten ihre Absicht zum Ausdruck: „Eine verwirklichte Möglichkeit, ‚Leder‘ zu tragen, ohne ein Tier zu töten, wird als Ausgangspunkt für eine kulturelle Diskussion angeboten. Unsere Absicht ist es nicht, ein weiteres Konsumprodukt bereitzustellen, sondern vielmehr Fragen über unsere Ausbeutung anderer Lebewesen aufzuwerfen.“ Aufgrund der schnellen Zellvermehrung wurde die Ausstellung jedoch letztendlich durch Nährstoffmangel „deaktiviert“, eine Methode, die mit dem Ziel der Künstler übereinstimmt, die menschliche Verantwortung gegenüber manipulierten biologischen Formen zu unterstreichen.

Bedeutende Ausstellungen von Biokunst

Ars Electronica mit Sitz in Linz, Österreich, und das dazugehörige Festival erwiesen sich als frühe Befürworter der Ausstellung und Förderung von Biokunst. Es behält seine Vorreiterrolle bei der Präsentation und Förderung von Biokunst, Lebensprojekten und Biokünstlern bei. Der seit langem etablierte Preis Prix Ars Electronica, der Künstler aus verschiedenen Medien anerkennt und ehrt, umfasst Kategorien wie Hybrid Arts und Life Art, die beide Biokunst umfassen.

Im Jahr 2016 übernahm die Beijing Media Art Biennale „Ethics of Technology“ als zentrales Thema, gefolgt von „<Post-Life>“ im Jahr 2018. Die im CAFA Museum in Peking, China, ausgerichtete Die Biennale präsentiert in ihren thematischen Ausstellungen bedeutende Werke der biologischen Kunst. Die Ausgabe 2018 präsentierte internationale Kunstwerke, die auf die thematischen Konzepte „Data Life“, „Mechanical Life“ und „Synthesized Life“ ausgerichtet waren. Darüber hinaus beleuchtete ein spezieller Lab Space-Ausstellungsbereich internationale Laborpraktiken an der Schnittstelle von Kunst und Technologie.

Im Jahr 2019 veranstaltete das Centre Pompidou in Paris, Frankreich, La Fabrique Du Vivant („Der Stoff des Lebendigen“), eine Gruppenausstellung, die aktuelle Arbeiten von Künstlern, Designern und wissenschaftlichen Forschern zeigt, die sich mit lebendigem und künstlichem Leben befassen. Die ausgestellten Kunstwerke untersuchten kritisch die Zusammenhänge zwischen dem Biologischen und dem Künstlichen und umfassten Prozesse der künstlichen Lebenserschaffung, chemische Manipulation lebender Materie, selbsterzeugende Formen, Hybridisierungen organischer und industrieller Materialien sowie die Verschmelzung menschlicher und pflanzlicher Zellen. In der zeitgenössischen Landschaft digitaler Technologien beschäftigen sich Künstler zunehmend mit biologischen Konzepten, um neuartige soziale und politische Rahmenbedingungen zu schaffen, die relevante Themen der aktuellen Epoche ansprechen.

Das Mori Art Museum in Tokio, Japan, war von 2019 bis 2020 Gastgeber der Ausstellung „Zukunft und Kunst: KI, Robotik, Städte, Leben – Wie die Menschheit morgen leben wird“. Diese Gruppenausstellung umfasste ein „Bio-Atelier“, in dem Biokunstwerke führender internationaler Biokünstler gezeigt wurden. Ein vorrangiges kuratorisches Ziel bestand darin, zum Nachdenken über die Zukunft der Menschheit, des menschlichen Lebens und der Umweltherausforderungen anzuregen, insbesondere im Hinblick auf Fortschritte in der künstlichen Intelligenz, Biotechnologie, Robotik und erweiterten Realität, wie sie in Kunst, Design und Architektur angewendet werden.

Galerie

• Computerkunst
• Digitale Kunst
• Elektronische Kunst
• Evolutionäre Kunst
• Hybride Künste
• Landkunst
• Neue Medienkunst

Referenzen

Bibliographie

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