Gothic art

Gotische Kunst entstand im 12. Jahrhundert in Nordfrankreich als mittelalterlicher Kunststil und entwickelte sich aus der romanischen Kunst parallel zum Aufstieg der gotischen Architektur. Dieser Stil verbreitete sich in ganz Westeuropa und bedeutenden Teilen Nord-, Süd- und Mitteleuropas, verdrängte jedoch die klassischeren Kunsttraditionen in Italien nicht vollständig. Im späten 14. Jahrhundert entstand die verfeinerte höfische Ästhetik, die als internationale Gotik bekannt ist und sich bis zum Ende des 15. Jahrhunderts weiterentwickelte. Bemerkenswert ist, dass die spätgotische Kunst in mehreren Regionen, insbesondere in Deutschland, bis ins 16. Jahrhundert Bestand hatte, bevor sie schließlich in die Kunst der Renaissance integriert wurde. Zu den wichtigsten künstlerischen Medien der Gotik gehörten Skulpturen, Tafelmalerei, Glasmalerei, Fresken und illuminierte Manuskripte. Während die deutlichen architektonischen Übergänge von der Romanik zur Gotik und von der Gotik zur Renaissance üblicherweise zur Abgrenzung kunsthistorischer Epochen in allen Medien herangezogen werden, verlief die Entwicklung der figurativen Kunst oft unterschiedlich.

Gotische Kunst war ein Stil der mittelalterlichen Kunst, der sich im 12. Jahrhundert in Nordfrankreich aus der romanischen Kunst entwickelte, angeführt von der gleichzeitigen Entwicklung der gotischen Architektur. Es verbreitete sich in ganz Westeuropa und in weiten Teilen Nord-, Süd- und Mitteleuropas und verdrängte die eher klassischen Stile in Italien nie ganz. Im späten 14. Jahrhundert entwickelte sich der anspruchsvolle Hofstil der Internationalen Gotik, der sich bis zum Ende des 15. Jahrhunderts weiterentwickelte. In vielen Gebieten, insbesondere in Deutschland, setzte sich die Kunst der Spätgotik bis weit ins 16. Jahrhundert fort, bevor sie in die Kunst der Renaissance überging. Zu den Hauptmedien der Gotik gehörten Skulpturen, Tafelmalerei, Glasmalerei, Fresken und illuminierte Manuskripte. Die leicht erkennbaren Veränderungen in der Architektur von der Romanik zur Gotik und von der Gotik zur Renaissance werden in der Regel zur Definition der Epochen in der Kunst aller Medien herangezogen, obwohl sich die figurative Kunst in vielerlei Hinsicht in einem anderen Tempo entwickelte.

Frühgotische künstlerische Ausdrucksformen manifestierten sich hauptsächlich in monumentalen Skulpturen, die die Fassaden von Kathedralen und Abteien schmückten. Die christliche Kunst verfolgte häufig einen typologischen Ansatz und stellte Erzählungen aus dem Neuen Testament und dem Alten Testament gegenüber. Auch Darstellungen des Lebens von Heiligen waren üblich. Darstellungen der Jungfrau Maria entwickelten sich von ihren byzantinischen ikonischen Vorbildern zu menschlicheren und zärtlicheren Darstellungen. Sie zeigen sie, wie sie ihr Kind wiegt, einen anmutigen Kontrapost zeigt und das kultivierte Auftreten einer aristokratischen Hofdame verkörpert.

In dieser Zeit gewann die weltliche Kunst an Bedeutung, angetrieben durch die Stadterweiterung, die Gründung von Universitäten, die zunehmende kommerzielle Aktivität, die Entstehung einer Geldwirtschaft und den Aufstieg einer dazu fähigen bürgerlichen Klasse Förderung und Beauftragung von Kunstwerken. Dieses Zusammentreffen von Faktoren führte zu einem erheblichen Anstieg der Produktion von Gemälden und illuminierten Manuskripten. Gleichzeitig förderten höhere Alphabetisierungsraten und der wachsende Bestand weltlicher volkssprachlicher Literatur die Einbeziehung weltlicher Themen in künstlerische Werke. Die aufkeimenden städtischen Zentren erleichterten auch die Bildung von Handwerksgilden und verlangten häufig die Mitgliedschaft von Künstlern in Malergilden. Folglich ermöglichen verbesserte Aufzeichnungspraktiken aus dieser Zeit die namentliche Identifizierung von mehr Künstlern als in früheren Epochen; Einige Künstler haben ihre Kreationen sogar mutig mit ihrer Unterschrift versehen.

Ursprünge

Die gotische Kunst entstand im frühen 12. Jahrhundert in der Region Île-de-France in Frankreich, insbesondere in der Abteikirche St. Denis, die unter der Schirmherrschaft von Abt Suger erbaut wurde. Thomas O'Hagan geht davon aus, dass lombardische, fränkische und nordische Einflüsse zur Entwicklung des gotischen Stils beigetragen haben. Wilhelm Worringers Werk Form in the Gothic (deutsch: Formprobleme der Gotik, 1911) untersucht die psychologischen Grundlagen des Stils und führt seine Ursprünge mindestens bis in die Völkerwanderungszeit zurück.

Verlauf

Der gotische Stil weitete sich schnell über seine ursprünglichen architektonischen Ausdrucksformen hinaus aus und umfasste Skulpturen (sowohl monumentale als auch persönliche), Textilkunst und Malerei, die sich in verschiedenen Formen wie Fresken, Glasmalereien, beleuchteten Manuskripten und Tafelgemälden manifestierten. Prominente Mönchsorden, insbesondere die Zisterzienser und Kartäuser, spielten eine entscheidende Rolle, indem sie zahlreiche bedeutende kirchliche Strukturen in Auftrag gaben und so den Stil verbreiteten und seine ausgeprägten regionalen Variationen in ganz Europa förderten. Obwohl Ende des 14. Jahrhunderts ein kohärenter, gesamteuropäischer Stil entstand, der von Louis Courajod (1841–1896) als „Internationale Gotik“ bezeichnet wurde und in bestimmten Regionen bis zum Ende des 15. Jahrhunderts und darüber hinaus Bestand hatte, behielten regionale architektonische Unterschiede ihre Bedeutung.

Während gotische Künstler eine größere Menge weltlicher Werke schufen, als heute allgemein angenommen wird, weist religiöse Kunst aus dieser Zeit im Allgemeinen eine höhere Überlebensrate im Vergleich zu ihren weltlichen Gegenstücken auf. Folglich war ein erheblicher Teil des künstlerischen Schaffens dieser Zeit religiöser Natur und wurde entweder von kirchlichen Institutionen oder von Laien in Auftrag gegeben. Die gotische Kunst übernahm häufig einen typologischen Rahmen, der die Überzeugung widerspiegelte, dass die Ereignisse des Alten Testaments diejenigen des Neuen Testaments vorwegnahmen und dadurch ihre primäre theologische Bedeutung ausmachten. Dies zeigt sich in der Gegenüberstellung von Szenen aus dem Alten und Neuen Testament in Werken wie dem Speculum Humanae Salvationis aus dem frühen 14. Jahrhundert und in kirchlichen Dekorationen. Die Gotik erlebte auch eine bedeutende Wiederbelebung der Marienverehrung, wobei die bildende Kunst eine zentrale Rolle spielte. Darstellungen der Jungfrau Maria entwickelten sich von starren byzantinischen hieratischen Formen über das Motiv der Krönung der Jungfrau zu humaneren und intimeren Darstellungen. Zyklen, die das Leben der Jungfrau illustrieren, erfreuten sich großer Beliebtheit. Bemerkenswerte italienische Künstler, darunter Giotto (ca.  1267 – 1337), Fra Angelico (ca.  1395 – 1455) und Pietro Lorenzetti (ca.  1280 – 1348) führten gemeinsam mit Vertretern der frühen niederländischen Malerei einen gesteigerten Realismus und naturalistische Menschlichkeit in die Kunst ein. Westeuropäische Künstler und ihre Förderer machten sich zunehmend innovative Ikonographie zu eigen und förderten eine größere Originalität, auch wenn viele Künstler weiterhin an etablierten Kompositionsformeln festhielten.

Die Ikonographie erfuhr Veränderungen, die von sich entwickelnden theologischen Perspektiven beeinflusst wurden, was sich in der zunehmenden Bedeutung der Darstellungen der Himmelfahrt Mariens gegenüber dem früheren Motiv „Tod der Jungfrau“ zeigt. Andachtspraktiken wie die Devotio Moderna wirkten sich auch auf die Ikonographie aus und führten zu neuartigen Darstellungen Christi in Themen wie dem Schmerzensmann, dem nachdenklichen Christus und der Pietà. Diese betonten sein menschliches Leiden und seine Verletzlichkeit und spiegelten eine ähnliche Entwicklung in den Darstellungen der Jungfrau wider. Sogar in den Jüngsten Gerichten wurde Christus typischerweise so dargestellt, wie er seine Brust entblößte, um die Wunden seiner Passion zu offenbaren. Heilige gewannen in der Kunst immer mehr an Bedeutung, wobei auf Altarbildern Heilige abgebildet waren, die zu einer bestimmten Kirche oder einem bestimmten Spender gehörten und entweder einer Kreuzigung oder einer thronenden Jungfrau mit Kind beiwohnten oder zentral positioniert waren (eine übliche Anordnung für Werke, die für Seitenkapellen bestimmt waren). Während der gesamten Gotik wurden zahlreiche antike ikonografische Elemente, die aus neutestamentlichen Apokryphen abgeleitet waren – etwa die bei der Geburt Christi anwesenden Hebammen –, aufgrund des Einflusses des Klerus nach und nach verdrängt, während andere tief verwurzelte Elemente beibehalten wurden und als harmlos galten.

Etymologie

Anfangs diente der Begriff „gotisch“ in der Kunst als abwertendes Synonym für „barbarisch“. Kritiker der damaligen Zeit empfanden diesen Stil der mittelalterlichen Kunst als unkultiviert und grundlegend abweichend von den ästhetischen Proportionen und Formen, die für die klassische Kunst charakteristisch sind. Renaissance-Gelehrte postulierten, dass die Plünderung Roms durch gotische Stämme im Jahr 410 n. Chr. den Niedergang der klassischen Welt und ihrer geschätzten Werte beschleunigte. Im 15. Jahrhundert äußerten italienische Architekten und Schriftsteller Bedenken, dass aufkommende „barbarische“ Stile, die ihren Ursprung jenseits der Alpen hatten, eine vergleichbare Bedrohung für die klassische Wiederbelebung der frühen Renaissance darstellten.

Der Begriff „Gothic“ für diese künstlerische Strömung tauchte erstmals um ca. 1518 in Raffaels Brief an Papst Leo X. auf. Es wurde später durch den italienischen Künstler und Schriftsteller Giorgio Vasari populär gemacht, der bereits 1530 die gotische Kunst als „monströse und barbarische“ „Unordnung“ charakterisierte. Raphael vermutete, dass die in der Architektur des Nordens vorherrschenden Spitzbögen an die rudimentären Schutzhütten erinnerten, die germanische Waldbewohner aus gebogenen Bäumen errichteten – eine Vorstellung, die später in der deutschen Romantik mit positiver Konnotation wieder auftauchen sollte. Vor ihrer endgültigen Anerkennung als eigenständige Kunstform und der Stabilisierung ihrer Terminologie wurde die „gotische Kunst“ von prominenten französischen Autoren, darunter Boileau, La Bruyère und Rousseau, heftig kritisiert. Molière gab insbesondere den folgenden Kommentar zur gotischen Kunst ab:

Anfangs wurde gotische Kunst als „französisches Werk“ (Opus Francigenum) bezeichnet, eine Bezeichnung, die Frankreichs grundlegende Rolle bei der Entwicklung dieses unverwechselbaren Stils unterstreicht.

Zu Beginn wurde die gotische Kunst zunächst als „französisches Werk“ (Opus Francigenum) bezeichnet, was die Priorität Frankreichs bei der Schaffung dieses Stils bezeugte.

Malerei

Die gotische Malerei entstand um 1200, mehr als fünf Jahrzehnte nach der ersten Entwicklung der gotischen Architektur und Skulptur. Der Übergang von der romanischen zur gotischen Kunst ist eher durch Ungenauigkeit als durch einen deutlichen Bruch gekennzeichnet, wobei gotische Ornamentelemente häufig vor einer signifikanten stilistischen Weiterentwicklung in Figuren oder Kompositionen auftauchen. Anschließend nahmen die Figuren dynamischere Posen und ausdrucksvollere Gesichtszüge an, wirkten vor dem Hintergrund der Szene oft proportional kleiner und wurden mit größerer räumlicher Freiheit innerhalb der Bildebene angeordnet. Diese künstlerische Entwicklung manifestierte sich erstmals um 1200 in England und Frankreich, gefolgt von Deutschland um 1220 und Italien um 1300. Während der Gotik wurden in der Malerei hauptsächlich vier Medien eingesetzt: Fresken, Tafelbilder, Buchmalerei und Glasmalerei.

Fresken

Fresken waren weiterhin das vorherrschende Medium für bildliche Erzählungen an Kirchenwänden in ganz Südeuropa und wahrten die Kontinuität mit frühchristlichen und romanischen künstlerischen Konventionen. Die zufällige Erhaltung hat dazu geführt, dass Dänemark und Schweden über die umfangreichsten Sammlungen erhaltener Kirchenwandmalereien im Stil der „Biblia pauperum“ verfügen, die sich häufig bis hin zu neu errichteten Kreuzgewölben erstrecken. In beiden Ländern wurden die meisten dieser Werke nach der Reformation durch Kalktünche verdeckt, eine Praxis, die unbeabsichtigt zu ihrer Erhaltung beitrug; Eine Teilmenge ist jedoch seit ihrer ursprünglichen Entstehung unberührt geblieben. Zu den bemerkenswerten dänischen Beispielen zählen die Werke des Elmelunde-Meisters von der Insel Møn, der die Kirchen von Fanefjord, Keldby und Elmelunde schmückte. Albertus Pictor gilt weithin als der bedeutendste Freskenkünstler dieser Zeit in Schweden. Zu den schwedischen Kirchen mit bemerkenswert erhaltenen Fresken gehören Tensta, Gökhem und Anga.

Buntglas

In ganz Nordeuropa stellten Glasmalereien bis zum 15. Jahrhundert ein bedeutendes und geschätztes künstlerisches Medium dar und wurden dann weitgehend von der Tafelmalerei abgelöst. Durch gotische Architekturinnovationen wurde der Einsatz von Glas in monumentalen Bauwerken erheblich erweitert und weitläufige Glasflächen, wie sie beispielsweise in Rosettenfenstern zu finden sind, ermöglicht. In der Anfangsphase der Gotik wurde in der künstlerischen Praxis vor allem schwarze Farbe neben klarem oder leuchtend farbigem Glas verwendet. Zu Beginn des 14. Jahrhunderts ermöglichte die Anwendung von Silberverbindungen, die auf Glas aufgetragen und anschließend gebrannt wurden, die Integration eines breiteren Farbspektrums, insbesondere mit Schwerpunkt auf Gelbtönen, mit klarem Glas in einer einzigen Scheibe. Gegen Ende des Zeitraums enthielten die Entwürfe zunehmend große bemalte Glasabschnitte, vorwiegend in Gelbtönen, wobei kleinere Glasstücke in alternativen Farben vergleichsweise selten einbezogen wurden.

Manuskripte und Druckgrafik

Illuminated Manuskripte bieten die umfassendste Dokumentation der gotischen Malerei und bewahren stilistische Zeugnisse aus Regionen, in denen monumentale Kunstwerke nicht überdauert haben. Die frühesten vollständigen Manuskripte mit französischen gotischen Illustrationen werden der Mitte des 13. Jahrhunderts zugeschrieben. Ein beträchtlicher Teil dieser beleuchteten Texte bestand aus königlichen Bibeln, obwohl Psalter ebenfalls Illustrationen enthielten; Beispielsweise zeigt der Pariser Psalter des Heiligen Ludwig, der zwischen 1253 und 1270 entstand, 78 ganzseitige Illuminationen in Temperafarbe und Blattgold.

Im späten 13. Jahrhundert begannen Schriftgelehrte mit der Herstellung von Gebetbüchern für Laien, die gemeinhin als „Stundenbücher“ bezeichnet werden, da sie in bestimmten täglichen Abständen verwendet werden müssen. Ein frühes Beispiel ist ein Werk von William de Brailes, das vermutlich um 1240 für eine unbekannte Laie komponiert wurde, die in einem kleinen Dorf in der Nähe von Oxford lebte. Aristokratische Auftraggeber erwarben diese Bände häufig und investierten viel in ihre aufwendigen Illustrationen. Jean Pucelle gilt als einer der renommiertesten Schöpfer solcher Werke; sein *Stundenbuch der Jeanne d'Évreux* wurde von König Karl IV. als Geschenk für Königin Jeanne d'Évreux in Auftrag gegeben. Zu den charakteristischen Merkmalen der französischen Gotik, die in diesen Manuskripten deutlich werden, gehören verzierte Seitenränder, die an zeitgenössische Architekturdesigns erinnern, sowie längliche und sorgfältig wiedergegebene Figuren. Darüber hinaus kennzeichnet die Einbeziehung räumlicher Hinweise wie architektonischer Komponenten und natürlicher Elemente wie Bäume und Wolken den französischen gotischen Ansatz zur Beleuchtung.

Ab der Mitte des 14. Jahrhunderts wurden Blockbücher, die sowohl Text als auch Bilder enthielten und als Holzschnitt erstellt wurden, für Pfarrer wirtschaftlich zugänglich, insbesondere in den Niederlanden, wo ihre Popularität am größten war. Bis zum Ende des Jahrhunderts erlangten illustrierte gedruckte Bücher mit vorwiegend religiösen Themen rasch Zugriff auf die wohlhabende Mittelschicht. Gleichzeitig wurden auch hochwertige Gravuren von Künstlern wie Israhel van Meckenem und Master E. S. verfügbar. Im 15. Jahrhundert kam es zu einer Verbreitung preiswerter Drucke, vor allem Holzschnitten, die es sogar Bauern ermöglichten, in ihren Häusern Andachtsbilder zu besitzen. Diese rudimentären, oft grob gefärbten Bilder, die die unterste Marktstufe einnehmen, wurden in großen Mengen vertrieben, sind heute jedoch äußerst selten, was vor allem darauf zurückzuführen ist, dass sie häufig an Wänden angebracht werden.

Altarbild und Tafelmalerei

Die Ölmalerei auf Leinwand verbreitete sich im 15. und 16. Jahrhundert und wurde zu einem prägenden Merkmal der Kunst der Renaissance. In Nordeuropa gilt die bedeutende und innovative frühniederländische Malschule, die zwar im Wesentlichen gotisch ist, aber auch als integraler Bestandteil der nördlichen Renaissance gilt. Diese Klassifizierung berücksichtigt die erhebliche zeitliche Verzögerung, bevor das Wiederaufleben des klassischen Interesses in Italien die nördlichen Regionen erheblich beeinflusste. Künstler wie Robert Campin und Jan van Eyck nutzten meisterhaft Techniken der Ölmalerei, um akribisch detaillierte Kompositionen zu schaffen, die eine genaue Perspektive zeigen. Ihre Werke verbanden scheinbaren Realismus mit komplizierter Symbolik, die genau aus der gesteigerten realistischen Detailgenauigkeit resultierte, die sie nun auch in kleineren Stücken integrieren konnten. Die frühe niederländische Malerei, die ihren Ursprung in den wohlhabendsten städtischen Zentren Nordeuropas hat, vereinte somit einen neuartigen, minutiösen Realismus in Öl mit nuancierten und komplexen theologischen Anspielungen, die durch die äußerst detaillierten Umgebungen ihrer religiösen Erzählungen vermittelt wurden. Anschauliche Beispiele sind Robert Campins Mérode-Altar (1420er Jahre) und Jan van Eycks Washington Van Eycks Verkündigung oder Madonna des Kanzlers Rolin (beide 1430er Jahre). Bei wohlhabenden Auftraggebern erfreuten sich kleine Tafelbilder, darunter Ölpolyptychen, immer größerer Beliebtheit und zeigten oft Stifterporträts, die, wenn auch oft deutlich kleiner, Darstellungen der Jungfrau oder von Heiligen begleiteten. Diese Kunstwerke wurden typischerweise in Privathäusern ausgestellt.

Skulptur

Monumentale Skulptur

Die Gotik zeichnet sich vor allem durch architektonische Innovationen aus und ihre chronologischen Grenzen stimmen nicht genau mit der stilistischen Entwicklung der Skulptur überein. Die Fassaden prominenter kirchlicher Bauten, insbesondere rund um ihre Portale, waren weiterhin mit ausgedehnten Tympanon versehen, ergänzt durch umfangreiche Anordnungen skulptierter Figuren, die die umliegenden Bereiche schmückten.

Die Statuen auf dem westlichen (königlichen) Portal der Kathedrale von Chartres (ca. 1145) weisen eine elegante, aber ausgeprägte Säulenverlängerung auf. Im Gegensatz dazu zeugen die Figuren am südlichen Querschiffportal aus den Jahren 1215 bis 1220 von einer naturalistischeren Ästhetik, einer zunehmenden Ablösung von der tragenden Mauer und einer zunehmenden Anerkennung der klassischen Tradition. Diese stilistischen Entwicklungen setzten sich einige Jahre später auch im Westportal der Kathedrale von Reims fort, wo die Figuren eine vollständig dreidimensionale Form annehmen, ein Merkmal, das sich mit der Verbreitung der gotischen Kunst in ganz Europa durchsetzte. Der Bamberger Dom beherbergt die wohl umfangreichste Skulpturensammlung des 13. in sich stimmiges Kunstwerk“. Nicola Pisano (aktiv 1258–78) und sein Sohn Giovanni waren Pioniere eines Stils, der häufig als Proto-Renaissance bezeichnet wird. Dieser Stil zeigte deutliche Einflüsse römischer Sarkophage und zeichnete sich durch komplizierte, dicht komponierte Arrangements aus, darunter eine einfühlsame Darstellung von Nacktheit. Diese Merkmale zeigen sich in den Marmorrelieftafeln der Kanzel von Nicola im Baptisterium von Pisa (signiert 1260), ihrer gemeinsamen Kanzel für den Dom von Siena (1265–68), der Fontana Maggiore in Perugia und der Kanzel von Giovanni in Pistoia, die 1301 fertiggestellt wurde.

Die internationale Gotik um 1400 erlebte ein weiteres Wiederaufleben der klassischen Ästhetik, was insbesondere in den Werken von Claus Sluter und seinen Schülern in Burgund und Flandern deutlich wurde. Nordeuropa pflegte spätgotische Bildhauertraditionen, die durch eine Vorliebe für monumentale, kunstvoll geschnitzte Altarbilder aus Holz mit zahlreichen dynamischen und ausdrucksstarken Figuren gekennzeichnet waren. Spätere Kreationen, insbesondere solche, die in den ausgedehnten Werkstätten von Tilman Riemenschneider oder Veit Stoss in den oberrheinischen und bayerischen Regionen Süddeutschlands aus Lindenholz gefertigt wurden, wiesen häufig keine polychromatische Verzierung auf. Dieser künstlerische Stil blieb bis ins 16. Jahrhundert bestehen und integrierte nach und nach Elemente der italienischen Renaissance, wobei ein erheblicher Teil der erhaltenen Stücke trotz weit verbreiteter ikonoklastischer Zerstörungen in anderen Gegenden an ihrem ursprünglichen Standort blieb.

Lebensgroße Grabbilder aus Stein oder Alabaster erfreuten sich bei wohlhabenden Gönnern großer Beliebtheit, was zur Entwicklung kunstvoller mehrstufiger Gräber wie der Scaliger-Gräber in Verona führte, die von so beträchtlicher Größe waren, dass sie erforderte eine Verlagerung außerhalb der kirchlichen Struktur. Im 15. Jahrhundert entstand eine spezialisierte Industrie, die Nottingham-Altarreliefs aus Alabaster, die normalerweise in Tafelgruppen angeordnet sind, in weite Teile Europas exportierte, um finanziell schwächere Gemeinden zu bedienen, die nicht in der Lage waren, steinerne Retabeln in Auftrag zu geben.

Tragbare skulpturale Formen

Die Herstellung kleiner Schnitzereien, die sich vor allem an eine Laien- und häufig weibliche Kundschaft richteten, entwickelte sich in Paris und anderen bedeutenden städtischen Zentren zu einem bedeutenden Wirtschaftszweig. Elfenbeinartefakte umfassten verschiedene Formen, darunter winzige Andachtspolyptychen, einzelne Figuren (insbesondere der Jungfrau Maria), Spiegelkästen, Kämme und aufwendig verzierte Schatullen mit Szenen aus Romanzen, die oft als Verlobungsgeschenke überreicht wurden. Die äußerst wohlhabende Sammlung umfasst opulente, juwelenbesetzte und emaillierte Metallarbeiten, die sowohl weltliche als auch religiöse Gegenstände umfassen, wie beispielsweise das Reliquiar des Heiligen Dorns des Herzogs von Berry. Allerdings wurden diese Schätze später in Zeiten finanzieller Not oft eingeschmolzen, um den Geldwert zu ermitteln.

Gotische Skulpturen dienten im Gegensatz zu architektonischen Ornamenten hauptsächlich als Devotionalien für Privathäuser oder als Opfergaben für örtliche kirchliche Institutionen. Dennoch umfassten kleinere Reliefs aus Elfenbein, Knochen und Holz sowohl religiöse als auch weltliche Themen und eigneten sich sowohl für kirchliche als auch häusliche Umgebungen. Städtische Kunsthandwerker stellten diese Skulpturen her, wobei die Jungfrau Maria, entweder einzeln oder in Begleitung des Christuskindes, das vorherrschende Motiv für kleine dreidimensionale Statuetten darstellte. Paris fungierte als wichtigster Knotenpunkt für Elfenbeinwerkstätten und verbreitete seine Produkte in weiten Teilen Nordeuropas, obwohl auch Italien eine beträchtliche Produktion aufrechterhielt. Ein bemerkenswertes Beispiel dieser autonomen Skulpturen befindet sich in den Sammlungen der Abteikirche St. Denis: Die silbervergoldete Jungfrau mit Kind aus dem Jahr 1339 zeigt Maria, eingehüllt in einen wallenden Mantel, wie sie ein Christuskind wiegt. Der schmucklose Charakter des Umhangs und die jugendliche Darstellung des Kindes nehmen Stiltendenzen vorweg, die in anderen nordeuropäischen Skulpturen aus dem 14. und frühen 15. Jahrhundert zu beobachten sind. Diese bildhauerische Tradition zeigt eine Entwicklung von einer vorangegangenen starren und langgestreckten Ästhetik, die teilweise romanische Merkmale beibehielt, hin zu einer räumlicheren und naturalistischeren Sensibilität im späten 12. und frühen 13. Jahrhundert. Weitere skulpturale Themen der französischen Gotik umfassten Figuren und Erzählungen aus der zeitgenössischen Populärliteratur. Die aus der Troubadour-Poesie abgeleitete Ikonographie erfreute sich besonderer Beliebtheit bei Handwerkern, die Spiegelgehäuse und kleine Kästchen herstellten, die vermutlich für weibliche Gönnerinnen bestimmt waren. Die Schatulle mit Szenen aus Liebesromanen (Walters 71264) aus den Jahren 1330–50 stellt ein außergewöhnlich großes Exemplar dar, das mehrere Szenen aus unterschiedlichen literarischen Ursprüngen beherbergt.

Pilgersouvenirs, darunter preiswerte Ton- oder Bleiabzeichen, Medaillen und Ampullen mit Bildern, erfreuten sich ebenfalls großer Beliebtheit. Das säkulare Gegenstück, das Livree-Abzeichen, symbolisierte feudale und politische Loyalität oder Zugehörigkeit und wurde in der Zeit des Bastardfeudalismus in England schließlich als gesellschaftliche Bedrohung wahrgenommen. Gelegentlich wurden günstigere Versionen unentgeltlich verteilt, wie zum Beispiel die 13.000 Stoffabzeichen mit dem weißen Eberemblem von König Richard III. von England, die 1483 für die Amtseinführung seines Sohnes Eduard als Prinz von Wales in Auftrag gegeben wurden – eine bemerkenswert große Menge im Vergleich zur heutigen Bevölkerung. Im Gegensatz dazu stellt das Dunstable Swan Jewel, ein vollständig dreidimensionales Stück aus emailliertem Gold, eine wesentlich exklusivere Variante dar, die wahrscheinlich einer Person geschenkt wird, die für den Wohltäter von beträchtlicher Intimität oder Bedeutung ist.

• Blackletter (auch bekannt als Gothic Script)
• Kirchenfresken in Schweden
• Gotische Architektur
• Geschichte der Malerei
• Pleurants
• Die zehn Jungfrauen
• Westliche Malerei

Notizen

Bibliographie

• Calkins, Robert G. Denkmäler mittelalterlicher Kunst. Dutton, 1979. ISBN 0525475613.
• Cherry, John. Das Reliquiar des Heiligen Dorns. British Museum Press (Objekte des British Museum im Fokus), 2010. ISBN 0-7141-2820-1.
• Cherry, John. In Marks, Richard und Williamson, Paul, Hrsg. Gotik: Kunst für England 1400–1547. V&A Publications, London, 2003. ISBN 1-85177-401-7.
• Focillon, Henri (1980). Die Kunst des Abendlandes im Mittelalter: Bd. 2 - Gotisch. Ithaca, NY: Cornell University Press. ISBN 978-0801491924.Art History 33 (2010): 568–595.
• Rudolph, Conrad. „Das exegetische Buntglasfenster erfinden: Suger, Hugh und eine neue Elitekunst.“ Art Bulletin 93 (2011): 399–422.
• Snyder, James. Kunst der nördlichen Renaissance. Harry N. Abrams, 1985. ISBN 0136235964.

• Gothische Kunst, von ArtCyclopedia.com
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• Gotische Kunst, Museumsportal Schleswig-Holstein
• „Gothic: Kunst für England 1400–1547.“ Victoria- und Albert-Museum. Archiviert vom Original am 7. März 2012. Abgerufen am 8. Juni 2007.
• "Gotik: Kunst für England 1400–1547". Victoria- und Albert-Museum. Archiviert vom Original am 7. März 2012. Abgerufen am 8. Juni 2007.Quelle: TORIma Akademie Archive